WI-FI RALPH

Ralph Breaks the Internet

 

Phil Johnston y Rich Moore, 2018

La primera película de Ralph, el demoledor (Moore, 2012) me gustó mucho. Se trataba de una bonita fábula sobre la importancia de aceptarnos a nosotros mismos y de recibir reconocimiento por nuestro esfuerzo. Era de una joyita bien realizada con toneladas de referencias nostálgicas a la era clásica de los videojuegos y llena de corazón. Cuando supe que habría una secuela, a pesar de que trato de evitarlo, me emocioné y esperé casi impacientemente para poder verla. Ya vista, les comento qué tal me fue.

    Ésta peli es la secuela de una cinta de animación producida enteramente por Disney que más tiempo ha tardado en aparecer después de la primera parte. De hecho, la producción tuvo que detenerse durante un año completo debido a que el director principal, Rich Moore, fue llamado para dirigir Zootopia (2016).

    La historia de la cinta ocurre 6 años después de la anterior. Ralph (voz de John C. Reilly) y Vanelope Von Schweetz (voz de Sarah Silverman) son los mejores amigos y disfrutan de pasar tanto tiempo juntos como les es posible. Sin embargo, Vanellope desea algo más. La rutina de su videojuego la ha llevado a una depresión que sólo se ve acrecentada cuando su arcadia es clausurada por haberse roto una pieza. La solución ideada por la pareja de amigos es entrar a Internet para comprar  la codiciada pieza en un sitio de subastas en línea. Sin embargo, navegar por la red resultará ser una peligrosa aventura llena de autodescubrimiento que no sólo pondrá a prueba su amistad, sino que podría poner en riesgo  todo el ciberespacio.

    Como secuela, Wi-Fi Ralph funciona bastante bien. Hace justo lo que se esperaría de una secuela: profundiza en el carácter de los personajes, les da un giro inesperado a los elementos planteados en la cinta anterior, expande el universo y continúa con el discurso de la primera parte. Esta película habla sobre buscar nuestro lugar en el mundo y aprender a dejar ir las cosas para poder crecer. También, en la tradición de muchas secuelas, su tono –particularmente durante el tercer acto– es más oscuro que el de su predecesora.

    Como película, creo que también funciona bastante bien. Es entretenida, conmovedora, divertida y tiene muchos momentos bastante buenos. Tiene menos referencias a los videojuegos de la vieja escuela que la peli original, eso sí; pero no por ello desmerece. También creo que, por momentos, la anécdota pierde un poco de cohesión y tiende a divagar de más; pero la trama no es difícil de seguir.

    Lo que sí pasa es que al final la película se siente un tanto superficial. Entiendo que, por estar dirigida al público infantil, debe de manejar su discurso de una forma un tanto más digerida; pero para cuando llegan los créditos finales uno siente que a lo que acaba de ver le falta carnita. La historia tenía todo el potencial para ser algo más profundo y un poco más denso, pero los realizadores prefirieron invertir tiempo en pantalla publicitando franquicias.

    Por lo tanto, puedo decir que lo que de plano no me gustó fue el intento de colocación de plataformas de Internet y merchandising de Disney en el público infantil haciéndolas pasar por referencias. Digo, las referencias a iconos de la cultura pop son graciosas y se han convertido en una parte medular de la industria fílmica actual; pero una cosa es hacer chistes referenciales y otra, muy distinta, meter publicidad en las películas… La verdad es que hay momentos en los que tanta publicidad sí llega a volverse molesta. Parece que, aún hoy día, sigue habiendo una lección que aprender en películas como Mac: mi amigo de las estrellas (Raffill, 1988) o El mago de los videojuegos (Holland, 1989).

    Las referencias que sí me gustaron –aunque también son publicidad–son las que se hacen a las diferentes franquicias de Disney –que para este momento son como la mitad de las franquicias del entretenimiento–, pues están en un tono más de autoparodia. Originalmente, Ralph y Vanellope viajarían al videojuego Disney Infinity; pero a media producción dicha serie de juegos fue cancelada. La intervención de las princesas me pareció muy divertida –¡Muero por escuchar el chiste a costillas de Merida en inglés!– y sí, hay un montón de parodias y referencias a Star Wars; originalmente, habría un chiste en el que Vanellope llamaba a Kylo Ren “niño malcriado”; pero los productores de la franquicia de Star Wars no lo permitieron…. y, por supuesto, Anthony Daniels hace la voz de C-3PO.

    A final de cuentas, puedo decir que Wi-Fi Ralph es una buena película; pero sólo eso, buena a secas. No llega al nivel de la primera parte, pero me gustó la dirección en la que la llevaron. Es entretenida, disfrutable y quizá a más de uno le saque una lagrimita; pero tampoco creo que esté al nivel de otras grandes películas de animación dirigidas al público infantil como La Bella y la Bestia (Trousdale y Wise, 1991), El rey León (Allers y Minkoff, 1994) o Monsters, Inc. (Docter et al, 2001) Mi visionado de esta película se sintió un poco –y en ese sentido, supongo que fue un éxito– como navegar por internet en la década pasada, cuando uno tenía que andar esquivando miles de Pop-Ups y anuncios basura para poder llegar a lo que realmente le interesaba.

PARA LA TRIVIA: Cuando el tiburón del videojuego ficticio Slaughter Race –parodia de la franquicia Twisted Metal (Sony Interactive Studios, 1995-2012)– sale de la alcantarilla por segunda vez, en sus fauces puede verse una placa de automóvil del estado de Luisiana. Esta placa es la misma que fue extraída del estómago del tiburón tigre pescado en Tiburón (Spielberg, 1975).

*El sistema de calificación fue modificado para contemplar 4 rubros en lugar de 5.

 

 

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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

J.R.R. Tolkien´s The Lord of the Rings

 

Ralph Bakshi, 1978

Independientemente de su calidad literaria, se vuelve innegable que El Señor de los Anillos (1954-1955), la colosal novela que escribiera el sudafricano J.R.R. Tolkien a manera de continuación de su primera obra, El Hobbit (1937), se convirtió en uno de los libros más influyentes del siglo XX. Desde mediados de dicho siglo hubo ya interés por adaptar a la pantalla grande la historia de la travesía de Frodo para destruir el Anillo Único. Los primeros interesados fueron, por cierto, los Beatles, quienes planeaban llevar la historia a la pantalla en una película psicodélica en la que ellos mismos encarnarían los papeles de los cuatro hobbits principales. Afortunadamente, los herederos de Tolkien nunca quisieron vender la licencia al Cuarteto Liverpool para llevar a cabo su idea.

    El siguiente intento de adaptar la novela al cine surgió por parte del director John Boorman (Amarga pesadilla [1972], Excalibur [1981]), quien planeaba condensar los tres libros de la saga en una sola película de una hora y cuarenta y cinco minutos de duración. El animador independiente Ralph Bakshi escuchó los planes de Boorman y, siendo un acérrimo fanático de la obra de Tolkien, se sintió horrorizado.

    Finalmente, el proyecto de Boorman se cayó y Bakshi le pidió personalmente a la hija de Tolkien que le vendiera los derechos para hacer una película de dibujos animados. Ella accedió debido a que le había gustado mucho el anterior largometraje de Bakshi, Los hechiceros de la guerra (1977).

    La cinta final, de casi dos horas y cuarto de duración, adapta de manera sorprendentemente fiel, aunque demasiado condensada, los dos primeros libros de la trilogía: La Comunidad del Anillo y Las dos torres... bueno, en realidad, sólo la primera mitad. La historia sigue, en medio de una narrativa horriblemente atropellada, al hobbit Frodo Bolsón (voz de Christopher Guard) en su travesía por la Tierra Media para destruir el Anillo Único, buscado por el Señor Oscuro, Sauron, para imponer su reinado de maldad. A Frodo se unirán aliados como el hobbit Samwise Gamyi (Michael Scholes), el mago Gandalf (William Squire), el elfo Legolas (voz de Anthony Daniels, quien ha dado vida al droide de protocolo favorito de todos, C-3PO en la saga de Star Wars) o el montaraz Aragorn (John Hurt, a quien seguro recuerdan por su maravillosa interpretación de John Merrick en El hombre elefante [Lynch, 1980]).

    El Señor de los Anillos es, aún hoy, la película de dibujos animados más larga jamás filmada en Occidente –sólo seguida por Fantasía (Algar et al., 1940), de Disney, con 125 minutos de duración– y, en el momento de su estreno, también fue una de las más costosas, con un presupuesto de cuatro millones de dólares. También fue la primera película animada creada enteramente en rotoscopía.

    La técnica de rotoscopía consiste en filmar a actores reales en vivo para después dibujar o pintar celdas de animación sobre la película filmada. Esta técnica da movimientos mucho más realistas a los personajes animados –también es más barata y rápida que crear animación original desde cero– y fue utilizada para crear los efectos especiales de películas como TRON (Lisberger, 1982) o El despertar del diablo (Rami, 981). Pensemos en ella como una especie de Motion Capture rudimentario. En el caso de esta película, se llegó a filmar animación tradicional para ella; pero los realizadores decidieron desecharla y sustituirla toda por rotoscopía. La cinta final combina fondos pintados en acuarela con animación rotoscópica –para las escenas de la Batalla del Abismo de Helm se piratearon secuencias de la película clásica del cine soviético Alexander Nevsky (Eisenstein, 1938) y pintaron sobre ellas– y filmaciones Live Action.

    Así pues, la película se mantiene como un monumento a la obra de Tolkien erigido por un verdadero admirador del autor. También puede verse en ella todo el esfuerzo del equipo de producción y cómo intentaron exprimir cada centavo del presupuesto para hacer la película. Del mismo modo, puede verse la muy marcada influencia de esta peli en las versiones Live Action de Peter Jackson de tres décadas después, pues hay tomas en las que le rinde tributo e incluso las calca. También, por desgracia, la película es increíblemente insatisfactoria.

    En muchas de las películas de Bakshi hay secuencias con problemas de ritmo. En el caso de esta peli, todas las escenas tienen un ritmo horrible. La película es lenta cunado debería ser rápida y llena de acción, y hay elipsis tan abruptas que a veces es difícil seguir el hilo de lo que está sucediendo. Del mismo modo, hay secuencias –sobre todo, de caminatas o cabalgatas– que son excesivamente largas y que no aportan nada a la narrativa y más bien parece que las dejaron en el corte final de la peli nomás porque ya las había filmado y qué caras salieron.

    Otro punto que creo que es poco afortunado en la cinta es el diseño de los personajes que termina siendo francamente feo. Digo, nadie dijo que los hobbits tenían que ser guapos, por el contrario… ¡Caray! Según las descripciones de Tolkien, ni siquiera Aragorn es bien parecido; pero en esta película el look de todos los personajes es más bien desagradable. ¿Por qué Aragorn no usa pantalones? ¿Por qué Gimli (David Buck) no es enano? ¿Por qué Legolas se ve como si sus padres fueran hermanos? ¿Por qué los orcos parecen de cartón? ¿Por qué Sam tiene que ser tan auténticamente feo? ¿Por qué?

    Conforme la cinta se acerca a su culminación, el ritmo se va cayendo cada vez más y la técnica de la animación, que de por sí en ningún momento es sobresaliente y se nota más bien desprolija –el mismo Bakshi, quien la usó a destajo en prácticamente todas sus películas, no era afecto a ella–, va decayendo también. Para el final de la cinta, nos quedamos con un cierre completamente anticlimático y más bien pobre que promete una secuela que jamás llegó.

    La idea original de Bakshi fue la de hacer un díptico y, en dos películas, contar los tres libros. Por desgracia, la pobre recaudación de la taquilla –la película ganó apenas alrededor de USD$600,000 en su fin de semana de estreno– y la mala impresión que se llevó el productor del proyecto cancelaron cualquier plan de una segunda parte.

    En cuanto a las virtudes que me gustaría resaltar de la película, puedo mencionar la actuación. La mayoría de los actores que prestaron sus voces para los personajes de la película eran actores británicos de teatro, por lo que la calidad de sus interpretaciones se nota desde el inicio. Del mismo modo, algunos de ellos habían participado anteriormente en la adaptación para radio que la BBC hiciera de la obra de Tolkien.

    Otra cosa que me gustó de la peli son los fondos. Los paisajes bellamente pintados a mano en acuarela en los que aún se puede apreciar la textura del papel son una bonita muestra del arte psicodélico de los 70. También es interesante que los fondos apoyan a la narrativa de la película. Mientras que algunos parecen ilustraciones comunes y corrientes de cualquier libro de fantasía –con un toquecito de Art Nouveau, eso sí– éstos cambian con frecuencia de acuerdo con la emoción y a la intensidad de la escena.

    También me gustó la música. Originalmente, Bakshi quería utilizar música de Led Zeppelin –los miembros de la banda eran también fans de Tolkien e, incluso, algunos de sus temas fueron inspirados por su obra– para la película; pero le fue imposible conseguir los derechos. En cambio, la película fue musicalizada con composiciones originales hechas ex professo por Leonard Rosenman, cuyos créditos incluyen soundtracks como Barry Lyndon (Kubrick, 1975) o RoboCop 2 (Kershner, 1990).

     A final de cuentas, creo que la versión animada de El Señor de los Anillos funciona más como experimento que como una adaptación de la compleja obra de Tolkien. Se ve que quienes hicieron la peli pusieron todo su esfuerzo en ello, e incluso más; pero que, aún así, no fue suficiente. Creo que, simplemente, los realizadores mordieron más de lo que podían tragar esta vez y el resultado fue una película que se siente sosa, inacabada y más bien fallida –de hecho, si uno no sabe absolutamente nada sobre el universo tolkiendili, es casi imposible inferir quién es quién o qué carajos está pasando a partir de lo mostrado en la peli–.

    Toda la cinta tiene un tono oscuro y onírico súper underground que le da todo el estilo de película de Canal 22 a la medianoche –estoy casi seguro de haberla visto ahí cuando era niño–; pero después de un acercamiento inicial, el estilo visual poco puede hacer para evitar el aburrimiento que esta peli provoca.

     Me parece que la mayor aportación de esta cinta no está en la película misma, sino en su legado. La peli sirvió como inspiración para las versiones Live-Action de Peter Jackson, además de que generó un montón de merchandising, incluyendo una línea de figuras de acción –bastante feas también– que en su época ni quien las pelara, pero que, por lo mismo, se han vuelto increíblemente coleccionables. La historia sería concluida 2 años después con la adaptación del estudio Rankin Bass de El regreso del rey (Bass y Rankin Jr., 1980)… que oficialmente no tiene nada que ver con la peli de Bakshi, pero que todos sabemos que es su secuela bastarda y que, a pesar de su tono más light, tiene una mucho mayor calidad en la animación.

PARA LA TRIVIA: El legendario director Tim Burton participó en esta película como animador, aunque su nombre no aparece en los créditos. Se trató de su primer trabajo en un largometraje.

Haz click en los enlaces para leer mis artículos sobre las versiones live action de La Comunidad del Anillo, La dos torres y El regreso del rey.

 

 

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BOHEMIAN RHAPSODY: LA HISTORIA DE FREDDIE MERCURY

Bohemian Rhapsody

Bryan Singer, 2018

El director neoyorquino Bryan Singer fue, con las primeras dos cintas de X-Men, el creador de la película moderna de superhéroes. También, con Dr. House, fue el productor ejecutivo de una de las series de televisión más populares de la década pasada. La carrera de Singer como director se ha debatido entre altibajos desde hace años y ahora se enfrenta al reto de contar la historia de una de las bandas de rock más populares de la historia: Queen.

    El proyecto para la peli fue aprobado en 2010 y sería protagonizado por el actor y comediante británico Sacha Baron Cohen, y dirigida por Stephen Frears. Después de un montón de reescrituras del guión –debidas, en mayor medida, por la insatisfacción de Brian May y Roger Taylor con el proyecto–, la salida de Cohen y Frears, y una rotación casi interminable de directores tentativos, la película por fin fue filmada. Incluso durante la producción, 20th Century Fox despidió a Singer por su mala actitud en el set y su pésima relación con el actor Rami Malek y la cinta tuvo que ser terminada por Dexter Fletcher –aunque el nombre de Ridley Scott se barajó como sustituto de Singer por un tiempo–. Todo el infierno de la preproducción y producción parecía destinarla al fracaso; pero, como se ha visto ya en la taquilla, no fue así en absoluto.

    La película se toma ciertas libertades en contar la historia de la banda desde sus orígenes a principios de la década de 1970 hasta el concierto masivo Live Aid, en 1985, luego de su separación –en la vida real, el álbum The Works (1984) y su respectiva gira estuvieron de per medio–. La cinta se centra principalmente en la vida del vocalista de la banda, Freddie Mercury, así como sus conflictos intra e interpersonales.

    Aunque nací a mediados de los 80, Queen es mi banda favorita desde que estaba en la secundaria, quizá antes. Como fan, puedo decir que la película me conmovió, me hizo reír, me asombró y, francamente, me dejó con ganas de que fuera más larga, con todo y que ya dura más de dos horas. SPOILER Digo, Queen lanzó 4 álbumes más después del Live Aid –dos de ellos, A Kind of Magic (1986) e Innuendo (1991), de sus mejores trabajos– TERMINA SPOILER. A pesar de sendas fallas, la película tiene lo que a muchas cintas actuales les está faltando: corazón.

    Pero digo, si la película logró emocionarme como lo hizo, entonces logró su cometido. De eso se trata el cine, finalmente.

    Bohemian Rhapsody  tiene un cierto carisma y un tono encantador que reflejan la personalidad de la banda y de Mercury. Posee también un buen ritmo. Tiene, además, la fuerza impresionante que le da la música de Queen. Lo que más me gustó fue que, a pesar del mal CGI con el que recrea el Estadio de Wembley en el Live Aid, me hizo sentir como si hubiera estado ahí, en el escenario en un concierto de Queen.

    Las actuaciones son buenas. Sobresale Malek en su interpretación de Mercury, pues logra transmitir las complejidades y sutilezas del personaje, y pasa poco tiempo de la película antes de que uno lo acepte como Freddie Mercury, cuya efigie es un icono de la cultura pop del siglo XX.

    Las caracterizaciones son verdaderamente impresionantes –me encantó Gwylim Lee como Brian May– y hacen que los actores se vean increíblemente parecidos a sus contrapartes de la vida real. Eso sí, Malek es menos corpulento que Mercury y en algunos primeros planos se le alcanza a ver el borde del mostacho postizo; pero en general creo que funcionan increíblemente bien.

    En general, esta peli ha sido un trancazo de taquilla y se ha ganado, casi instantáneamente, un lugar en el corazón del público; pero no le ha ido tan bien con la crítica. Y me temo que, hablando como crítico y no como fan, tengo que coincidir.

    La dirección de la peli se nota torpe y dispareja. En algunas secuencias, algunos actores se notan botados o fuera de tono y el lenguaje de videoclip musical que trataron de utilizar para algunas partes no se integra del todo al producto final.

    Sin embargo, el principal defecto de la película es el guión. Aunque se agradece que la peli no haya caído en el amarillismo y la sordidez, creo que sus esfuerzos por tratar la historia de la banda se fueron completamente al extremo opuesto. La cinta se siente incompleta y su tratamiento de la historia, superficial. Del mismo modo, el guión está lleno de los clichés propios de las películas de bandas y de huecos en la historia que violan las más elementales leyes de causa-efecto.

    ¿Y qué onda con esos montajes con las canciones de la banda y letreritos en la pantalla? Se ven súper caducos… si es que alguna vez estuvieron de moda.

    También, si uno se deja llevar por lo que se muestra en la película, parecería que las más grandes canciones de la banda surgieron por ocurrencias geniales o serendipias. Y sí, la genialidad estuvo ahí todo el tiempo, de la mano del talento y la ambición; pero también hubo muchísimo trabajo detrás de la música de Queen y eso no se ve tanto en pantalla.

     Me hubiera gustado mucho también que hablaran de la relación entre Freddie Mercury y Zandra Rhodes, su vestuarista, pues fue ella quien desarrolló las ideas del vocalista –quien estaba bastante familiarizado con el negocio de la moda incluso antes de entrar a la banda– y les dio vida. Juntos definieron la estética del Glam.

    La fotografía de la película es muy buena y me gusta las atmósferas que logra crear, así como las recreaciones que hacen de las presentaciones de Queen. Anécdota curiosa: Newton Thomas Sigel, el fotógrafo de la peli, tuvo que salir al quite y dirigir algunas secuencias debido a las repetidas y prolongadas ausencias de Singer en el set.

    A final de cuentas, Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury es más que la suma de sus partes. Si bien es cierto que a nivel guión y dirección la película deja bastante que desear, el producto final funciona maravillosamente. Eso se debe, más que nada, a la poderosísima música de Queen y a la genial interpretación de Malek. Más que una biopic en el sentido estricto de la palabra, la cinta funciona como una celebración a la banda y a lo que significó para la historia de la música. Y me gustó mucho.

PARA LA TRIVIA: La voz de Freddie Mercury para el film fue creada mezclando las voces de Mercury, el cantante canadiense Mark Martel –cuya voz es lo más cercano a Mercury que se ha encontrado hasta el momento– y el propio Malek.

PARA LA TRIVIA GEEK: El bajista de la banda, John Deacon, es interpretado por Joseph Mazzello, a quien muchos millennials seguramente recordamos como el pequeño Tim Murphy en Parque Jurásico (Spielberg, 1993).

PARA LA TRIVIA AÚN MÁS GEEK: El comediante Mike Myers interpreta el papel de Ray Foster –personaje ficticio–, el productor de Queen, quien, en algún momento de la película dice: “Nadie va a mover la cabeza al ritmo de Bohemian Rhapsody en sus autos”. Este parlamento es una referencia a la película que lanzara a la fama a Myers, El mundo según Wayne (Spheeris, 1992), en la que una de las escenas más icónicas es, precisamente, la de Wayne (Myers) cantando y cabeceando al ritmo de Bohemian Rhapsody mientras viaja con sus amigos en un auto.

 

 

 

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