LOS CAZAFANTASMAS. 35 años después, ¿a quién vas a llamar?

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LOS CAZAFANTASMAS

Ghostbusters

 

Ivan Reitman, 1984

 

Si tuviera que escoger forzosamente una sola película como icono de los ochenta, creo que muy probablemente sería ésta (aunque sí se echa un téte a téte con Volver al futuro [Zemeckis, 1985]). Son pocas las historias de películas que han hecho tanto con tan poco –ajustando las ganancias según la inflación, ésta es la peli más taquillera en la historia de Columbia Pictures– y que se han vuelto, casi de inmediato, un referente de la cultura pop. El éxito de esta cinta generó una secuela, un infame reboot, tres series de dibujos animados –la primera de ellas excelente, la tercera bastante decente–, cinco videojuegos –uno de ellos a punto de ser remasterizado–, tres series de cómics, un manga y una extensa colección de figuras de acción que trascendió la década, además de otros elementos de merchandising relacionado.

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    La peli cuenta la historia de tres profesores universitarios fracasados; el cínico Dr. Peter Venkman (el excelente Bill Murray en un papel que estaba pensado originalmente para John Belushi), el soñador Dr. Ray Stanz (Dan Aykroyd, co-escritor de la cinta) y el cerebrito Dr. Egon Spengler (Harold Ramis, co-escritor junto con Aykroyd), cuyas teorías sobre Parapsicología son la burla de la academia, por lo que son expulsados de la Universidad de Nueva York. Para no morirse de hambre, estos profesores abren un negocio en el que capturan fantasmas a domicilio. La empresa marcha bien y hasta contratan a un cuarto integrante, el prosaico Winston Zeddmore (Ernie Hudson en un papel que originalmente fue ofrecido a Eddie Murphy con mucho más tiempo en pantalla). Sin embargo, todo parece indicar que el éxito del negocio se debe a un inusual incremento de la actividad paranormal en Manhattan que sería el preludio de la llegada a nuestra dimensión del antiguo dios sumerio destructor, Gozer (Slavitza Jovan), y cuyo epicentro se localiza en el condominio donde vive una de las primeras clientas de los Cazafantasmas e interés romántico de Venkman, la concertista Dana Barrett (la legendaria Sigourney Weaver).

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     La idea es tan descabellada que podría funcionar… Y vaya si lo hizo. A pesar de sus limitantes de presupuesto y de que la película se tuvo que filmar con prisas para no gastar demasiado dinero (incluso hay un par de escenas donde se ve que el boom entra a cuadro, pero no pudieron volver a filmarlas), resulta en una comedia con elementos de Ciencia Ficción (una embarrada nomás) bastante efectiva.

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    Tras darle muchas vueltas al asunto y pensarlo y re-pensarlo he llegado a la conclusión de que el éxito de esta cinta, al igual que el de la ya mencionada Volver al futuro, puede muy bien deberse a la concepción que presenta de la sociedad. Me refiero, específicamente en el caso de Los Cazafantasmas, a la reivindicación de la figura de los nerds.

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    Otras películas contemporáneas como Porky’s (Clark, 1982) y La venganza de los nerds (Kanew, 1984) ya habían mostrado a los cerebritos tomando retribución, pero siempre en un tono satírico que encumbraba a los ñoños al mismo tiempo que se burlaba de ellos. Cazafantasmas, por el contrario, iba un paso más allá y ponía a los nerds en el papel de héroes. Estos hombres no peleaban por su dignidad perdida o por recuperar la casa de su fraternidad en la Universidad, luchaban por impedir el Fin del Mundo, y para ello no contaban con súper poderes, habilidad militar alguna o grandes músculos… ¡Vamos, ni siquiera podían pagar la renta! Estos tipos tenían sus mentes brillantes y a la Ciencia de su lado.

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    En el primer borrador del guión escrito por Aykroyd, la historia sucedería en el futuro y los Cazafantasmas serían más parecidos a una especie de equipo SWAT que a exterminadores. Sin embargo, Harold Ramis le hizo ver que el guión sería demasiado costoso de producir. Además, con la muerte de John Belushi, Eddie Murphy salió del proyecto y lo mismo hizo John Candy, quien interpretaría originalmente a Tully, cuando sus propuestas sobre el personaje fueron rechazadas por el director, cerrando así las posibilidades de obtener un gran presupuesto para la peli.

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    Los efectos especiales de la peli son espectaculares (para 1984), a pesar de que fueron creados de formas más o menos baratas. Para lograrlo, los artistas de efectos especiales utilizaron todas las viejas técnicas que el cine había producido a lo largo de las décadas. Años antes de que los efectos por computadora impusieran su dominio y sin poder pagar costosos animatrónicos, Cazafantasmas se sirvió del fotomontaje, las botargas, diversos trucos fotográficos e incluso trucos tan sencillos como la Perspectiva Forzada, la pintura mate o los títeres para dar vida a toda una legión de espectros y criaturas demoniacas… o no.

    Me refiero a que la película está tan bien armada (el guión y la edición son excelentes… excepto por el asunto de los boom) que apenas en este último visionado me percaté de que el tiempo en pantalla de los fantasmas es en realidad poco (Gozer, Zuul y Vinz no cuentan porque no son fantasmas). Hagan cuentas, en verdad hay pocos fantasmas en esta cinta; pero los que hay son ciertamente geniales. ¿Cómo olvidarnos del asqueroso pero carismático Pegajoso (Slimer)? ¿O quién no recuerda las escenas de un gigantesco Hombre de Malvavisco asolando las calles de Manhattan?

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    Las actuaciones son bastante decentes. Además de los comediantes como Aykroyd, Ramis o el genial Rick Moranis (quien interpreta al francamente teto Louis Tully), el elenco cuenta con actores crecidos en las tablas del teatro, como el ya mencionado y posterior ganador del Oscar Bill Murray o el prototipo de la heroína de acción contemporánea, Sigourney Weaver. Prácticamente ninguna escena se filmó tal cual estaba escrita en el guión, pues los actores improvisaron gran parte de sus diálogos. La química entre los actores es innegable y se ve en pantalla, realmente se ve el compañerismo entre los cuatro integrantes del equipo.

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    Cinco años después, con prácticamente idéntico reparto, Columbia Pictures produciría una secuela no muy afortunada. En ella (bueno y en la vida real también), han pasado cinco años desde que los Cazafantasmas salvaran a la Ciudad de Nueva York, y quizá al mundo, pero ahora se han quedado sin trabajo y se han desintegrado. Sin embargo, se reúnen para atender un nuevo caso en el que la energía negativa de la Ciudad parece alimentar lo que será la reencarnación de un antiguo guerrero, llamado Vigo el carpaciano (Wilhelm von Homburg), en el cuerpo del bebé de Dana Barrett. Y sí, apenas si salen fantasmas.

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    A pesar de no haberle llegado ni a los talones a su predecesora, ni en recepción de taquilla ni en calidad, esta peli generó un spin-off de la serie de dibujos animados titulada Pegajoso y los verdaderos Cazafantasmas (1989) con un corte más infantil y que es francamente insufrible.

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    A mediados de la década de los noventa comenzó a correr el rumor de una tercera entrega de la saga, pero el proyecto nunca se concretó. En cambio, se produjo la serie de dibujos animados Extreme Ghostbusters (1997) que, a pesar de tener buenos guiones, argumentos interesantes y seguir la cronología de las películas (Egon Spengler regresa a dar clases en la Universidad y recluta a un grupo de estudiantes marginados e inadaptados para formar un nuevo equipo de Cazafantasmas), gozó de muy poca popularidad, tanto que fue cancelada después de cuarenta episodios.

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    Finalmente, durante la década pasada el rumor de Cazafantasmas III volvió a rondar Hollywood y hasta se escribió un guión en el que el equipo se enfrentaría al mismísimo Diablo. Sin embargo, el proyecto se canceló cuando Bill Murray se negó rotundamente a participar argumentando que odiaba las secuelas; el guión fue adaptado y utilizado en el videojuego Ghostbusters: The Game (Atari, 2009). Actualmente, el proyecto de la tercra parte está en marcha aunque, obviamente, sin Ramis en el elenco.

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PARA LA TRIVIA: En 1975, la productora infantil para TV Filmation creó una serie de televisión de acción en vivo titulada The Ghost Busters, cuyo argumento iba sobre un equipo formado por dos viejos y un gorila que viajaban en una carcacha y se dedicaban a cazar fantasmas con un humor por demás ramplón. Cuando apareció la película de Aykroyd y Ramis, no pudieron registrar el título por las complicaciones legales que hubiera generado con Filmation. Empero, tras el éxito de la cinta, Filmation produjo una secuela de su show televisivo, esta vez en dibujos animados, para colgarse de la fama. Para evitar que la competencia usufructuara el título, Columbia Pictures produjo, meses después, la excelente serie de dibujos animados Los verdaderos Cazafantasmas (1986-1991).

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PARA LA TRIVIA GEEK: El nombre de Gozer fue tomado del famoso caso del Poltergeist de Enfield. Al entrar en trance, una de las médiums que investigaba el caso –aunque su identidad ha permanecido oculta, lo más probable es que se tratara de Lorraine Warren–comenzó a susurrar el nombre “Gozer”. Este caso fue investigado por los afamados Ed y Lorraine Warren y es, de hecho, la trama de la película El conjuro 2 (Wan, 2016).

 

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MÁXIMA VELOCIDAD. “El autobús que tenía que ir rápido” cumple 25 años.

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MÁXIMA VELOCIDAD

Speed

 

Jan de Bont, 1994

Como la gran mayoría de la gente normal, la primera vez que vi esta película fue en un camión. ¿Qué impulso sádico llevaba a las compañías de autobuses a tener esta película como una de las principales de la cartelera? Nunca lo sabré. Sea como fuere, desde entonces me ha gustado esta cinta, que considero una de las obras cumbre del melodrama de acción de lo que a mi hermano y a mí nos ha dado por llamar la Época Guns n’ Roses (1986-1994). Algo tonta, pero muy entretenida, Máxima velocidad es una de esas cintas que requieren del espectador que apague un ratito el cerebro y sólo disfrute del paseo.

Der Bus rast mit Volldampf durch Los Angeles ... *** Local Caption *** 1994, Speed, Speed

    Jack Traven (Keanu Reeves, el nombre del personaje es un tributo a Bruno Traven) es un miembro del equipo SWAT de la Policía de Los Angeles quien, junto con su compañero Harry Temple (Jeff Daniels), logran frustrar un atentado terrorista en el ascensor de un rascacielos. En venganza, el terrorista Howard Payne (Dennis Hopper en un papel que fue ofrecido originalmente a Jack Nicholson y, posteriormente, a Robert DeNiro), coloca una bomba en un autobús urbano que explotará si el vehículo viaja a menos de 50 millas por hora. Ahora, Traven deberá intentar salvar a las personas en el autobús –que casi ni pueden ser consideradas personajes– mientras se enfrenta a un genio criminal que anticipa cada uno de sus movimientos.

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    Cuando la directora Kathryn Bigelow se encontraba en la preproducción de su película Punto de quiebra (1991), tuvo a un solo actor en mente para el papel protagónico: Keanu Reeves. La directora lo había visto en La magnífica aventura de Bill y Ted  (Herek, 1989) y le pareció que sería una bocanada de aire fresco pare el cine de acción. El físico y la personalidad de Reeves harían que el personaje fuese más creíble y que fuera verosímil que se tratara de un policía encubierto que se infiltra en una banda de delincuentes.

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    Por lo tanto, fue Bigelow quien convirtió a Keanu Reeves, quien no tiene para nada pinta de héroe de acción, en un héroe de acción. De hecho, Reeves realizó él mismo alrededor del 90% de sus stunts en Máxima velocidad… y se nota.

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    Reeves originalmente rechazó protagonizar Máxima velocidad –un guión que ya había sido rechazado por prácticamente todas las estrellas de cine de acción del momento, incluyendo a Arnold Schwarzenegger, Kurt Russell, varios de los hermanos Baldwin, Bruce Willis, Tom Cruise y Harrison Ford, entre otros–, pues el borrador del guión que leyó  se le antojó demasiado parecido a Duro de matar (McTiernan, 1986… y, de hecho, McTiernan también rechazó dirigir Máxima velocidad). Sin embargo, terminó aceptando después de que Joss Whedon fue contratado para reescribir el guión.

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    Si uno se detiene un momento a analizar el guión de esta película, caerá rápidamente en la cuenta de una cosa: es francamente idiota. Los diálogos son acartonados y poco orgánicos, las situaciones inverosímiles y todo el argumento está plagado de huecos e inconsistencias.

    Las actuaciones son… pues básicamente, malas. Los dos actores principales, Reeves y Sandra Bullock, difícilmente pueden articular dos palabras, los pobres. Daniels y Hopper comprensiblemente están en los papeles de soporte, pues son los que sí actúan en la peli… y eso más o menos. Daniels se ve desperdiciado y peleándose con el guión y Hopper… bueno, Hopper venía de hacer la espantosa Super Mario Bros. (Jankel y Morton, 1993) y se le nota la decepción. Durante toda la peli, Hopper parece estar en un plan de “me vale madres” y sólo escupe sus parlamentos de manera sobreactuada… a pesar de lo cual, en algunas escenas incluso parece que lo intenta y, de hecho, tiene un par de momentos brillantes a lo largo de la cinta… digo, alguien tenía que actuar en esta madre, ¿no?

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    Por ejemplo, es muy divertida la escena en la que Payne toma una Coca-Cola. Se ve que el actor odiaba el refresco, pues lo agita para que se le vaya el gas y le da un apresurado trago. Luego, durante todo el segundo acto de la peli, la botella de Coca está ahí, pero jamás vuelve a beber de ella en cámara.

    Por cierto que para cuando la explicación de por qué el personaje de Hopper es un terrorista sociópata por fin llega, no sólo ya no nos importa, sino que es tan blanda y superficial, que llega a resultar un poco decepcionante. Digo, esto es un melodrama y los villanos no necesitan explicación en los melodramas; pero ¡meh!

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    A pesar de lo deficiente de las actuaciones, la verdad es que los personajes se relacionan bien en pantalla. Bullock y Reeves tienen muy buena química y funcionan como pareja. También Daniels y Reeves funcionan bastante bien como compañeros y nos brindan  un par de momentos cómicos que trascienden lo atropellado del guión; además, el realismo que sus actuaciones no están dando se compensa con sus tipos físicos que se alejan por completo de los estándares del héroe de acción de la época… de hecho, en ese mismo año, Daniels coprotagoizó Una pareja de idiotas (Farrelly, 1994).

    La música compuesta por Mark Mancina está bastante bien y funciona al lograr crear la tensión y el suspenso necesarios para una película de este tipo… quizá el único fallo que le encontraría es que se trata de un solo leit motiv que se repite ad infinitum y llega a volverse un tanto monótono hacia el final de la peli.

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     La fotografía es eficiente y me gusta que tiene esa estética tan característica de la década de 1990, con sus tomas amplísimas con cielos y paisajes dorados. Y aunque la foto y la narrativa visual no son nada para emocionarse, sí debe reconocerse la maestría técnica de la cinta al filmar un autobús en movimiento en la autopista de Los Ángeles. La filmación debe haber sido una verdadera mentada de madre.

    Y, lo que sí está super bien logrado… y qué bueno, porque una película como ésta depende enteramente de ello, es el ritmo. Toda la narración se sucede de forma ágil y entretenida y, aunque uno ya sabe lo que va a pasar, la película no deja de ser interesante en ninguno de sus 116 minutos de duración.

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    Otra cosa que también está muy padre son los stunts. Muchos de ellos son verdaderamente impresionantes y ¿a quién le importa si los Mythbusters ya demostraron que ese salto de 15 metros del autobús no solo es estúpido, sino que viola todas las leyes de la física? ¡Se ve genial! ¿Y qué necesita una película mala para ser genial? ¡Explosiones! Y en esta pinche película explotaron un avión de pasajeros con un costo de ochenta mil dólares en vivo frente a cámara.

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    Por cierto, esa escena del salto del autobús no estaba en el guión. La idea se le ocurrió a Jan de Bont un día cuando conducía por la autopista de Los Ángeles y notó que le faltaba un tramo.

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    Lo que nunca he entendido son los últimos 15 o 20 minutos de la película… ¿Por qué era necesario descarrilar el Metro? Es una pregunta genuina, si alguien conoce la respuesta, por favor, dígamela. Anécdota curiosa, la producción se quedó sin presupuesto a media filmación, por lo que, cuando la película se presentó ante público de prueba, las escenas del Metro eran simplemente storyboards animados. A la gente le gustaron tanto que la producción pudo convencer al estudio de liberar más presupuesto para poder filmarlas.

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    A pesar de todo, creo que esta película es genial. Dejando de lado las malas actuaciones y el guión oligofrénico, la verdad es que resulta increíblemente disfrutable. Son dos horas llenas de acción con un ritmo trepidante que nunca se detiene y una aplicación eficiente de prácticamente todos los clichés del género ¿Quién será más psicópata, los villanos de las pelis de acción o los héroes que no pueden liquidar al villano sin soltar una frase graciosa antes? Quizá no es una de mis pelis favoritas; pero siempre que la veo me emociona y me divierte… y, por favor, nadie mencione la terrible secuela.

PARA LA TRIVIA: Jeff Daniels y Keanu Reeves entrenaron con un grupo SWAT real para que sus movimientos lucieran más auténticos en pantalla. Del mismo modo, Sandra Bullock aprendió a manejar un autobús real, pasando el examen en el primer intento.

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LA MASACRE DE TEXAS. A 45 años del slasher original.

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LA MASACRE DE TEXAS

Conocida en España y en la literatura especializada como Masacre en cadena, pero que originalmente se llamó
The Texas Chainsaw Massacre

 

Tobe Hooper, 1974

¿Recuerdan que dije de Los cazafantasmas (Reitman, 1984) que pocas películas habían logrado tanto con tan poco? Bueno, pues esta cinta es una de esas pocas. De hecho, presupuestos aparte, creo que son pocas las películas que pueden jactarse de haber cambiado la Historia del Cine como lo hizo ésta; pues transformaría el cine de horror en las décadas por venir, definiendo su lenguaje.

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    En un tono tan realista como jamás antes se había mostrado –para nuestros días puede resultar risible, pero en esa época esto era realismo–, la película cuenta la historia de cinco jóvenes que viajan al condado de Newt, en Texas, después de escuchar las noticias sobre la reciente profanación de tumbas en el cementerio local. Al comprobar que la tumba de su abuelo no sufrió daño alguno, los hermanos Sally (Marilyn Burns) y Franklin (Paul A. Partain) Hardesty llevan a sus amigos a pasar el día en la antigua finca familiar. Poco saben ellos que en las inmediaciones habita una extraña familia de asesinos psicópatas con gusto por la carne humana. Uno a uno, los hermanos Hardesty y sus amigos caerán presas de Leatherface (Gunnar Hansen), el asesino que descuartiza sus víctimas con una motosierra y usa máscaras de piel humana, y sus hermanos caníbales.

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    Al respecto de la génesis de esta cinta, puedo mencionar la historia del joven Tobe Hooper, recién egresado de la escuela de cine de la Universidad de Austin, quien en compañía de su amigo Kim Henkel (co-productor y co-escritor de la cinta), realizó una investigación para averiguar qué género cinematográfico era el más popular. Los resultados que arrojó dicho estudio demostraron a Hooper y a Henkel que las películas que más se consumían en aquel entonces –y creo que aún hoy día– eran las de horror y las comedias. Así pues, ambos compañeros decidieron que su primera película sería una de horror… Aunque de todos modos, como para sacarse el gusanito, cuando Tobe Hooper dirigió Masacre de Texas 2 (1986) la hizo una comedia.

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    Según lo contó él mismo en una entrevista, a Tobe Hooper se le ocurrió la idea de un asesino que utilizara una motosierra como arma preferida cuando se encontraba en la inauguración de una tienda departamental en Austin. Sin darse cuenta, el tumulto atrapó a Hooper en el departamento de herramientas para jardín, justo frente a un anaquel con motosierras, y como lo único que el joven director quería era salir de ahí, ambas ideas hicieron clic en su cabeza.

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    Ninguno de los actores era profesional. La mayoría del elenco fue casteado del mismo club de teatro de la Universidad de Austin. También, dicho sea de paso por cruel que parezca, pocos de ellos realmente tuvieron una carrera actoral después. Marilyn Burns, protagonista de la cinta, fue mesera mientras esperaba su gran oportunidad en Hollywood… que nunca llegó; Gunnar Hansen, quien participó con un pequeño papel en la infantiloide La gente que el tiempo olvidó (Connor, 1977) al lado del legendario Doug McClure, se retiró de la actuación para escribir novelas costumbristas; y Jim Siedow, quien interpretó a Old Man, se empecinó en que no quería volver a salir en una película si el guión no le parecía tan bueno como el de La masacre de Texas, así que la única otra cinta en la que participó fue en La masacre de Texas 2.

    Muchos críticos y estudiosos del cine han analizado esta cinta desde muy diversos enfoques a lo largo de la historia, la mayoría de ellos tratando de desentrañar el enigma de su inesperado éxito. Si bien un servidor no se atrevería a llamarla la Primera Película Moderna de Horror por considerar que dicho título le pertenece a Psicosis (Hitchcock, 1960), sí estoy plenamente convencido de que la ópera prima de Hooper es consecuencia del magistral thriller de Hitchcock y de que marcó la tendencia que seguirían las películas de miedo hasta nuestros días.

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    De hecho, como dato no tan curioso, puedo mencionar que tanto La masacre de Texas como Psicosis se basaron en el mismo asesino serial de la vida real: el siniestro Ed Gein. Hombre sumiso reprimido por su padre alcohólico y su madre fanática religiosa, con quien vivió hasta la edad adulta, Gein no pudo superar la muerte de ésta y, dando rienda a un Complejo de Edipo mal resuelto, se dedicó a profanar tumbas de mujeres cuyos cadáveres violaba, consumía, y con los cuales fabricaba muebles y vestidos. Después de un par de años, Gein no se sintió satisfecho con la profanación de tumbas del cementerio de la comunidad rural en la que vivía (Plainfield Wisconsin, en el centro Norte de Estados Unidos) y comenzó a asesinar mujeres que se parecían a su madre. Por cierto que también en Ed Gein se basó el personaje de Buffalo Bill de la película El silencio de los inocentes (Demme, 1991).

    Con tan macabra inspiración, la casa de la familia de Leatherface (bautizada con el humor más ácido posible como la familia Sawyer en Masacre de Texas 2) está decorada con muebles hechos de huesos diversos, restos de las incontables víctimas que sirvieron de cena para el macabro clan y de los “souvenirs” que éstos tomaron de algunas tumbas. Sofás de fémures, lámparas de cráneos y una gallina misteriosamente encerrada en una jaula demasiado chica para ella son sólo algunos de los adornos fúnebres que las jóvenes víctimas encuentran en la tétrica casa de los caníbales.

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    Y hablando del clan de caníbales… ¿Qué hay con ellos? Me refiero a que mucho se ha discutido sobre qué relación guardan Leatherface y los otros tres miembros de su familia, conocidos sólo con los sobrenombres de Hitchhiker (Edwin Neal), Old Man (Jim Seadow) y Grandfather (John Dugan). Aunque aparentemente los tres primeros son hermanos, con frecuencia Old Man asume el rol de padre y líder del clan.

    Los estudiosos del Séptimo Arte que se han dedicado al análisis de La masacre de Texas suelen preguntarse ¿por qué no hay mujeres en la familia? El único vestigio de alguna presencia femenina es la abuela momificada que los tres hermanos guardan en el ático. Eso o el hecho de que en dos escenas Leatherface usa máscaras de mujer (de hecho en la cuarta entrega de la saga, los realizadores decidieron volver a este asesino una especie de travesti).

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    Siempre me ha gustado el subtexto de esta cinta. Creo que, de hecho, la peli no narra la historia de los jóvenes asesinados, sino de Leatherface y sus hermanos, quienes representan a una familia estadounidense rural promedio cuyos valores son confrontados por las nuevas generaciones. La vuelta de tuerca en este discurso viene con el cuestionamiento sobre exactamente ¿cuáles son estos valores? Es decir, no cabe duda de que los posteriormente bautizados Sawyer son una familia más que unida, pero ¿con qué fin? ¿Queda justificado uno o varios crímenes en aras del amor fraternal?

    Finalmente, se trata sólo de una familia que hace lo que se supone que deben hacer todas: proteger a los suyos. En una de las primeras escenas, cuando los jóvenes recogen al Hitchhiker, Franklin y él dialogan sobre un matadero que ven en la carretera. Hitchhiker menciona que su familia solía trabajar en ese lugar, pero que se quedaron sin empleo tras la industrialización de los rastros. Se trata pues del desplazamiento del hombre por la máquina y la crisis laboral que esto genera desde el siglo XIX.

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     La confrontación entre los valores decadentes de las entidades rurales y los nuevos valores de la sociedad de consumo nacida de la posguerra estadounidense fue en esta época el discurso de varias otras películas como el clásico churro del legendario H.G. Lewis 2000 maniáticos (1964), la aterradora Las colinas tienen ojos (Craven, 1977) o la muy perturbadora y controvertida Amarga pesadilla (Boorman, 1972).

    Ése, por cierto, es otro de los elementos que, según los teóricos, volvieron tan exitosa a esta película y que, por cierto, es uno que heredó de la ya mencionada obra maestra de Hitchcock –¿dirigió algo que no lo sea?–. Volviendo a los terrores creados por el folklore, plantea el medio rural como un lugar peligroso. Es decir, sería obvio pensar, por lo menos antes de esta cinta, en la ciudad como el hogar de los lunáticos; pero ¿y el campo, donde no hay dónde esconderse ni un alma en kilómetros a la redonda?…

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    Aunque la película fue muy escandalosa en su momento y, de hecho, fue prohibida en varios países, las escenas de horror que presenta pueden resultar bastante tibias para nuestros tiempos. He de admitir que, no estoy seguro por qué, pero esta última vez que vi la cinta me causó más miedo que otras; pero estoy convencido de que el efecto que produce proviene más de la atmósfera creada con esmero que de algún otro recurso efectista. De hecho, según lo declaró Tobe Hooper en alguna entrevista, en toda la realización de la película se utilizó apenas medio litro de sangre artificial.

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    Sin embargo, las actuaciones en esta película son tan deliciosamente grotescas, el tono tan grandguiñolesco y el ritmo tan medido que le dan un sabor único. Y es este sabor lo que la convierte, sin lugar a dudas, en el antecedente directo de todo el cine slasher de la década siguiente. Así es, esta película es la madre de todos los Michael Myers, Freddys, Jasons, Ghostfaces y demás asesinos enmascarados del cine.

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    Curiosamente, a diferencia de la nutrida descendencia que mencioné arriba, la de Masacre de Texas es quizá la franquicia slasher menos afortunada de todas, y también la más corta. Con sólo ocho películas (son pocas en comparación con las once de Halloween o las doce de Viernes 13), debe reconocerse que la premisa se agotó en la primera cinta. Todas las demás han tenido que recurrir a piratearse escenas completas de la primera parte bajo el pretexto de rendirle homenaje o hacer guiños a los fans. ¡Nada! Pura falta de creatividad. El mismo Hooper pudo anticiparlo y por eso decidió que la segunda parte fuera una parodia de la primera.

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    El legado de La masacre de Texas incluye tres secuelas de la original, un remake con su respectiva precuela, una secuela spin/off ­–del que ya hablé en un post anterior– en 3D, una precuela tardía de la cinta original, un videojuego para Atari 2600, tres series de cómics (la primera de las cuales incluyó el crossover Leatherface vs Jason) y una enorme cantidad de figuras de acción y merchandising relacionado.

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PARA LA TRIVIA: He aquí varios hechos curiosos sobre la cinta.

  • John Dugan, el actor que interpretaba a Grampa, tenía sólo 19 años cuando hizo la película.
  • La casa de la familia caníbal fue filmada en una casa real en la que habitaba gente. El equipo de producción estaba vuelto loco con la logística para poder filmar al mismo tiempo que permitir a la familia que habitaba en la casa seguir con sus actividades cotidianas.
  • En los primeros borradores del guión la película se titulaba Braincheese (queso de sesos) haciendo alusión a un diálogo del personaje de Franklin.
  • Bill Moseley, quien interpretó a Top-Chop en La masacre de Texas 2, fue convocado por la producción de la cinta cuando Edwin Neal, el actor original que hiciera el papel de Hitchhiker en 1974, se rehusara a aparecer en la secuela. Moseley había interpretado el papel en una parodia para televisión titulada The Texas Chainsaw Manicure.
  • Para simular la apariencia de piel humana mal curtida, la máscara de Leatherface fue moldeada con una mezcla de látex y fibra de vidrio.
  • En Italia, donde son famosos por sus extrañas traducciones para los títulos de las películas, la cinta se llamó No abras esa puerta.
  • La escena más difícil y tardada de filmar fue la de la cena. Para dicha secuencia, el equipo de producción trabajó durante 23 horas continuas. La iluminación era tan intensa y la ventilación tan escasa (para mantener la oscuridad dentro de la habitación las ventanas fueron cubiertas con bolsas de basura) que la comida en los platos (pollo hervido) comenzó a pudrirse, originando un terrible hedor que hizo que más de uno de los miembros del staff volviera el estómago. De hecho, en la versión de la cinta en Blu-Ray puede verse el vapor de la descomposición emanando de los platos.
  • A pesar de que la cinta se promocionó como “Basada en hechos reales” para atraer al público, en toda la historia del estado de Texas no existe un solo reporte de un asesinato cometido con una motosierra.
  • La secuela de la película tardó casi 13 años en estrenarse por el montón de líos legales que se desataron por los derechos de autor. La compañía que la había distribuido originalmente, White River Productions, resultó ser un frente para lavar dinero de la mafia italiana que se esfumó con las ganancias y los derechos de distribución. Hubo mucha gente involucrada en la realización de La masacre de Texas, incluidos algunos de los actores, que nunca vieron un solo centavo por concepto de pago de regalías.
  • La actriz Marilyn Burns sufrió sendas heridas en la escena en la que corre por un zarzal, por lo que muchos de los arañazos y cortadas que se le ven en cámara eran reales.

 

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LA HISTORIA SIN FIN. 35 años sin Artax…

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LA HISTORIA SIN FIN

Cuyo título original es Die unendliche Geschichte, pero que fue comercializada internacionalmente con su título en inglés, The Neverending Story.

 

Wolfgang Petersen, 1984

 

Existen dos cortes de esta película: el corte internacional y el corte original alemán. Hay una disimilitud de 8 minutos en la duración de ambas versiones; pero en realidad no hay diferencias significativas, excepto por los créditos iniciales y la música sinfónica que originalmente fue compuesta por Klaus Doldinger y sustituida por la música synthpop compuesta por Giorgio Moroder en la versión internacional. La diferencia de duración se debe a que, si bien no se quitaron escenas, la mayoría de ellas fue recortada para darle un ritmo más acelerado a la peli. Asimismo, algunas transiciones entre secuencias son diferentes y, bueno, todos los textos que aparecen en la película están en alemán en la original.

Cuando estaba en el kínder, con la ayuda de mis papás leí Las aventuras de Tom Sawyer y El principito; pero la primera novela que leí yo solo fue La historia interminable, de Michael Ende, cuando tenía ocho o nueve años. Mi abuela me la prestó. Para aquel momento, yo ya había visto las –en aquel entonces– dos películas de La historia sin fin; pero no tuve ningún problema en entender ambas versiones de la misma historia como una especie de universos alternos. Aún ahora, cuando considero que la primera película no le hace justicia al texto de Ende ni por asomo, me paree que se trata de una gran película y no tengo empacho en añadirla a mi lista de películas generacionales.

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    Por cierto, si pueden ver esta película en Blu-Ray, por favor, háganlo. Además de la remasterización en Full HD, le hicieron corrección de color, tiene una mezcla de audio totalmente nueva en 5.1 canales y retocaron todos los efectos visuales, haciendo que se vea verdaderamente espectacular.

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    La película cuenta la historia de Bastian (Barret Oliver), un niño nerdoso y bulleado aficionado a los libros. Cierto día, tratando de escapar de los bravucones que siempre lo molestan de camino a la escuela, Bastian se refugia en la librería de libros antiguos del señor Koreander (Thomas Hill). De ella, Bastian toma un misterioso libro titulado La historia sin fin. Al leerlo, el chico se entera de la aventura de Atreyu (Noah Hathaway, a quien quizá no recuerden por su interpretación del Harry Potter original en Troll [Buechler, 1986]), un niño guerrero que es encomendado con la tarea de buscar la cura para salvar a la Niña Emperatriz del reino de Fantasía, pues de ello depende detener el ataque de la Nada, un vacío total que está destruyendo Fantasía poco a poco. Pero ¿es la historia de Atreyu sólo ficción? Bastian descubrirá con asombro los misteriosos poderes del libro.

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    Esta película es, en realidad, una alemana. Me refiero a que, en un caso similar al de El quinto elemento (Besson, 1997), La historia sin fin fue filmada y producida en Alemania –excepto por las escenas en el mundo real, que se filmaron en Vancouver, Canadá– con inversión y actores estadounidenses y en inglés, para que fuera más fácil distribuirla de manera internacional.

    Con un presupuesto de alrededor de 27 millones de dólares, lo que la convirtió en la película más costosa jamás filmada en Alemania en su momento, la producción de esta cinta está súper cuidada. Los efectos visuales eran de lo mejor para su época, el maquillaje y las criaturas son espectaculares –aún en el Blu-Ray se ven incluso mejor que los de algunas producciones actuales–, y los sets están tan bien construidos y tan cuidadosamente iluminados y fotografiados que difícilmente uno nota que son sets. Muchas de las locaciones de la peli fueron creadas mezclando impresionantes sets, maquetas y pintura mate.

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    Con todo, dos escenas del libro que se habían incluido en el guión no pudieron ser filmadas, pues los efectos especiales de la época no bastaron para crearlas de forma convincente. La primera era la escena en la que Atreyu rescata a Falkor (voz de Alan Oppenheimer) de Ygramul, el Múltiple, una araña gigante cuyo cuerpo está formado por avispas. La otra sucedía casi al final de la película, cuando Atreyu se ve atrapado en la lucha entre los Cuatro Vientos.

     Quizá los únicos que no se ven tan bien son G’Mork (también con voz de Oppenheimer) y el lipsync de Falkor, que la neta sí se ve chafón… por cierto, ¿por qué cambiaron el nombre de Fujur por el de Falkor?

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    ¿Y cómo olvidar la escena de la muerte de Artax que a tantos niños traumó en esa época? Una leyenda urbana decía que el caballo se les había muerto de verdad durante la filmación; sin embargo, esto es falso. El equino no sólo sobrevivió a la filmación, sino que, al terminar ésta, la producción se lo regaló al actor Noah Hathaway, quien se había encariñado con él. Por desgracia, los costos de llevar al animal de regreso a EE.UU. eran tan altos que Hathaway tuvo que devolverlo.

    El que sí estuvo a punto de morir durante la filmación de la escena de los Pantanos de la Tristeza fue el propio Hathaway, quien sufrió un accidente en el que la plataforma hidráulica que debía elevarlo sobre el lodo se atascó en su zapato, arrastrándolo al fondo del tanque hasta casi ahogarlo. Para cuando el crew rescató al actor, éste ya había perdido el conocimiento. Otro incidente se suscitó durante la filmación de la escena de la pelea con G’Mork, cuando el robot fue lanzado contra Hathaway con demasiada fuerza, golpeándolo en la cara y casi sacándole un ojo. El rodaje continuó; pero tuvo que sr detenido pues el animatrónico era demasiado pesado y estaba aplastando a Hathaway debajo de él.

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    En general, las actuaciones están bastante bien. Digo, pareciera que cuesta trabajo encontrar niños que no sean odiosos en pantalla y todos los que aparecen en esta película son bastante competentes.

    El guión también es bastante bueno y, si bien no termina de hacerle justicia a la obra de Ende, sí logra desarrollar personajes complejos y entrañables, así como mantener el tono oscuro –¿Se acuerdan cuando la gente de las películas tenía sangre? ¡Y eso que era peli familiar!–, denso e incluso un tanto nihilista del relato original, además de que también logra transmitir un poco del discurso anticapitalista de la novela. A pesar de todo, el guión no está exento de ciertas inconsistencias que no afectan para nada el disfrute de la cinta.

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    Quien no pareció disfrutar mucho la película fue a Michael Ende, quien quedó muy a disgusto con cómo habían adaptado su texto a la pantalla; tanto, que pidió a los realizadores que quitaran su nombre de la película. Cuando ellos se negaron por razones legales, Ende entonces pidió que cambiaran el título de la cinta, petición que también fue rechazada. Finalmente, el escritor demandó a la compañía productora y perdió. Por esta razón, el nombre de Ende no aparece sino hasta el final de los créditos.

    La fotografía es genial y presenta a Fantasía como un lugar vasto, lleno de texturas y claroscuros; además de que hace un buen trabajo al integrar todos los elementos visuales de la cinta: los sets con las pinturas mate, con los efectos visuales, con las botargas y los puppets y la superposición de imágenes. Y el resultado final se ve genial.

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    Por supuesto, uno de los elementos más sobresalientes de esta película es el tema musical Neverending Story, con el que ahora se soltó el mame por la serie de Netflix Stranger Things (2016-). Sin embargo, el tema interpretado por el cantante británico Limahl no siempre fue popular. De hecho, en la versión alemana de la película, la canción ni siquiera aparece. Al momento del estreno de la peli, dependiendo del territorio en el cual se distribuyera, el tema se anunciaba como interpretado por Limahl o por Kajagoogoo –banda de la que Limahl era vocalista en aquel entonces–. La canción se volvió realmente exitosa hasta el año siguiente, cuando la película salió a la renta en video.

    La cinta se convirtió en un éxito inmediato, cuadruplicando su presupuesto en ingresos de taquilla y generando dos secuelas –aunque un poco tardías–: La historia sin fin II: el siguiente capítulo (Miller, 1990), que es bastante mala, pero medio continúa con la historia del libro y La historia sin fin III: escape de Fantasía (MacDonald, 1994) que es poco menos que inmunda y ya no tiene nada que ver con la obra de Ende –ni siquiera sale Atreyu–. Hubo también una serie de dibujos animados bastante decente y una miniserie para la TV.

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    La primera cinta sólo cubrió alrededor de la tercera parte del libro de Ende y, aunque la segunda trató de seguir con el argumento, es desastrosa. Así que quizá esos productores ansiosos de encontrar la nueva saga de libros juveniles y sus adaptaciones cinematográficas con chingos de merchandising podrían voltear en esta dirección, pues una adaptación fiel del libro de Ende podría sin problemas engendrar una buena trilogía.

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    A pesar de la desaprobación del autor original, La historia sin fin no es sólo una buena película; sino probablemente una de las mejores películas de la década y una de las mejores cintas de fantasía que se hayan hecho.

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PARA LA TRIVIA: El equipo de maquillaje originalmente había planeado que Atreyu tuviera un tono de piel verdeolivo como se le describe en la novela; sin embargo, no pudo lograr que dejara de verse ridículo en pantalla, por lo que la idea fue desechada.

PARA LA TRIVIA GEEK: El prop original del Auryn fue adquirido por Steven Spielberg, quien lo tiene enmarcado y colgado en una pared de su oficina.

 

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AVATAR. “Pocahontas en el espacio” cumple 10 años.

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James Cameron, 2009

Por principio de cuentas he de señalar que he visto los tres cortes diferentes de esta película: La versión de cines, la edición extendida y la Edición del coleccionista. En esta reseña hablaré sobre la Edición del coleccionista, cuya diferencia con la versión de cine son 16 minutos adicionales.

 

Desde que vi esta película en el cine mi opinión sobre ella casi no ha cambiado: es una mala película muy bien hecha. Resulta un festín visual de altísima tecnología y de tres horas de duración, lleno de acción y emoción; pero que en el fondo no deja de parecerme una cruza entre Pocahontas (Gabriel y Goldberg, 1995) y El regreso del Jedi (Marquand, 1983).

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    En el siglo XXII los recursos naturales de la Tierra se han agotado y la compañía RDA ha comenzado la explotación comercial de Pandora, una de las lunas del planeta gigante gaseoso Polifemo, en la galaxia Alfa Centauri. Para lograr tal propósito, la ambiciosa compañía no tiene reparos en usar fuerzas militares para acabar con la resistencia de la población indígena de Pandora, los Na’vi. Entre los militares enviados a Pandora se encuentra Jake Sully (Sam Worthington), un marine veterano parapléjico que recibe una segunda oportunidad al entrar en el programa Avatar. En dicho programa, los científicos humanos usan cuerpos Na’vi controlados a distancia (los avatares) para interactuar y ayudar a la colonización de Pandora. Al mezclarse con los Na’vi, Jake Sully se identifica más con ellos que con los seres humanos que lo han marginado. Finalmente, cuando la invasión de la RDA a Pandora se aleje de la vía pacífica, Sully tendrá que escoger entre combatir por su propia raza o por aquélla que lo adoptó (sí mencioné que dura tres horas, ¿verdad?).

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    La apabullante campaña publicitaria de esta película, junto con sus deslumbrantes efectos visuales y su guión sensiblero sólo logran enmascarar a medias la verdad: que se trata de un pastiche lleno de clichés y lugares comunes, llegando al punto incluso de copiar/pegar escenas de otras películas del mismo James Cameron. Principalmente, he podido notar que mucho de esta cinta está basado/fusilado de otra cinta de gran éxito de Cameron, que dicho sea de paso es una de mis pelis favoritas, Aliens: el regreso (Aliens, 1986).  De hecho, he de admitir que, en un principio, no me llamaba demasiado la atención ver Avatar hasta que me enteré de la participación de Sigourney Weaver –quien interpreta a la Dra. Grace Augustine–, cuya última colaboración con James Cameron dio como resultado la ya mencionada Aliens.

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    Si uno pone atención, se dará cuenta de que hay tomas que de hecho son tal cual tomadas de la cinta antes mencionada e, incluso, a veces parece que el guión fue escrito pensando en el reparto de Aliens. Como ejemplo más inmediato, puedo mencionar que el personaje de Trudy Chacon (Michelle Rodríguez) es básicamente el mismo que el de Jenette Vasquez; por no mencionar que el enfrentamiento final del Cnel. Miles Quaritch (Stephen Lang en el papel con el que agarró su segundo aire) contra el Thanator es casi exactamente la misma escena clímax de Aliens, en la que Ellen Ripley, a bordo de un montacargas, se enfrenta mano a mano con un Alien reina.

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    Del mismo modo, el soundtrack de esta cinta fue compuesto por James Horner, mismo autor del épico soundtrack de Aliens y la melodramática banda sonora de Titanic (1997). Y justo así es que suena la música de esta película; como una mezcla de ambas partituras (en momentos ni siquiera hay mezcla, suena idéntico a Aliens) con una pizca del score compuesto por Hans Zimmer para El Rey León (Allers y Minkoff, 1994).

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    Así pues, otras obras de Cameron sutil, pero indiscutiblemente, son pasadas por el tamiz de Avatar, como un cadáver exquisito. De tal suerte, se pueden detectar también escenas y elementos, sobre todo en el rubro de diseño, extraídos de El Exterminador (The Terminator, 1984) y El secreto del abismo (The Abyss, 1989). Quizá los responsables de esta película confiaron en que el público no lo notaría, que sería demasiado joven para conocer estas películas o, que simplemente, no le importaría. Y esto lo escribe un servidor quien, hasta Titanic, se consideró un acérrimo fan del director canadiense.

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    Para concluir con esta extensa sección sobre las “influencias” de esta película, sólo mencionaré la terrible distracción que significaron para mí muchos de los efectos de sonido elegidos para la fauna de Pandora. La razón es muy sencilla: quizá sean efectos grabados originalmente para esta película, ¡pero eligieron los mismos animales para ser grabados que los diseñadores de sonido de Parque Jurásico (Spielberg, 1993)! Así, tenemos que el Thanator suena exactamente igual a un Tyrannosaurus Rex corriendo tras su presa y los “caballos” pandorianos suenan idénticos a un Velociraptor hambriento.

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    Otros lugares comunes como los colonizadores insensibles y despiadados, los sabios salvajes y la belleza de la Naturaleza indómita son más que regulares y no pueden achacársele a Cameron (lo dice alguien que nació en México). De tal suerte, el mensaje de esta cinta termina siendo un panfleto ecologista-espiritual que parecería salido de la más frívola tienda de artículos New Age.

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    En los aciertos de esta película puedo mencionar actuaciones sólidas por parte, principalmente, de Weaver y Lang; quienes representan las dos facetas antagonistas de los colonizadores de Pandora. Asimismo, gracias a que durante casi el 80% de la película sólo vemos la forma digitalizada de su Avatar, la ya comprobada nulidad actoral de Sam Worthington no estorba para el disfrute de la película.

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    Es también digno de mención el enorme adelanto tecnológico que significó el desarrollo de la técnica del Performance Capture, misma que permitió la creación de expresiones faciales hiperrealistas en los Na’vi, personajes creados enteramente como imágenes generadas por computadora.

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    Otro gran acierto es una atención obsesiva a los detalles –Cameron, al fin y al cabo– que da como resultado tomas espectaculares y preciosistas. Avatar, en opinión de un servidor, fue la primera película que realmente marcó una diferencia entre el cine tradicional en 2D y  el 3D que tan de moda estuvo hasta mediados de esta década. Realmente ver esta película en Tercera Dimensión es un deleite, pues la técnica es utilizada como una verdadera herramienta narrativa que no busca que las imágenes se salgan de la pantalla, sino que el espectador sea introducido en ellas. Creo, francamente, que la forma en la que se utiliza el 3D en el cine actualmente proviene directamente de los resultados logrados por Cameron en esta cinta.

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    Para finalizar con este apartado mencionaré que, si en algo es rica esta producción, es en su diseño de arte. Es simplemente prodigioso. Cada pieza de vestuario, cada artefacto, cada instrumento que aparece en pantalla nos hace saber que tiene una función específica y que no aparece por azar o capricho. En este aspecto, los diseñadores de Weta Workshop (sí, los mismos de la Trilogía de El Señor de los Anillos [Jackson, 2001-2003]) logran crear un universo creíble que parece habitado por seres reales.

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    Concluyo este artículo dejando en claro (digo, por si alguien ya lo estaba pensando) que no odio esta película. Por el contrario, me parece muy entretenida y estimulante; del mismo modo que creo que ha sido terriblemente sobrevalorada. Finalmente, me parece que es una obra que se regodea en una forma exquisita y opulenta por falta de un fondo más sustancioso. Y es que sin el CGI ¿cuál es la diferencia entre Avatar y El Nuevo Mundo (Malick, 2005)?

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PARA LA TRIVIA: James Cameron tenía planeado estrenar Avatar después de Titanic, para la temporada de blockbusters de verano de 1999 o 2000; sin embargo, en aquel entonces, los efectos visuales que necesitaba para crear a los Na’vi elevaban el presupuesto de la película a 400 millones de dólares, por lo que ningún estudio quiso financiarla.

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