DIOSES Y MONSTRUOS

Gods and Monsters

 

Bill Condon, 1998

 

Es innegable que Frankenstein (1931), de James Whale, fue una de las películas más influyentes del siglo XX e, incluso, de la historia del cine. La imagen del monstruo cadavérico con pernos en el cuello y la cabeza plana se ha grabado con fuego en el inconsciente colectivo y se ha convertido en un icono de la cultura pop. Incluso, esta imagen de la Creatura de Frankenstein ha trascendido a la de la fuente original de la novela escrita entre 1816 y 1818 por la autora británica Mary Shelley.

 

    Gran parte del éxito de la película, y dicho sea de paso de su secuela, se debió a la genialidad de su director, el británico James Whale. Dioses y monstruos está basada en la novela Father of Frankenstein, de Christopher Bram, que es un relato ficticio sobre los últimos días en la vista del director británico, vistos a través de los ojos de su jardinero.

    En la película, Whale (Ian McKellen, insuperable) acaba de regresar a su casa luego de estar internado en el hospital debido a una embolia. Clayton Boone (Brendan Fraser cuando ya era conocido, pero antes de La momia [Summers, 1999]), el nuevo jardinero, despierta inmediatamente el interés de Whale, quien le pide que pose para pintar su retrato. Conforme el tiempo pasa, Whale y Boone se irán conociendo e irán trabando una compleja relación llena de satisfacciones y asperezas que pondrá a prueba su tolerancia y sus sensibilidades.

    Esta película la vi en el cable cuando estaba en el último año de la secundaria y me pareció maravillosa. Desde mi temprana adolescencia, Frankenstein ha sido mi libro favorito. Luego vi la película y me gustó, aunque recuerdo que me molestaba un poco que se hubieran tomado tantas libertades con respecto a la novela. Luego vi anunciado que iban a transmitir esta película y me causó mucha curiosidad. Cuando la vi, quedé abrumado.

    El guión de la cinta, escrito por el mismo Condon, es maravilloso. No sólo retrata a James Whale como lo que era: un artista sensible y temperamental, profundamente humano nacido en el entorno equivocado ‒bueno, seamos honestos: también era una superbitch‒; sino que crea un paralelismo entre él y la Creatura de Frankenstein. Se trata de monstruos ‒en la peli, Whale es marginado de la sociedad por su homosexualidad‒ que no tienen lugar en el mundo y que están condenados a vivir en la desesperación de la más absoluta soledad. Al igual que la Creatura, lo único que Whale busca es un amigo.

    Y así como hay un paralelismo entre Whale y la Creatura de Frankenstein, hay otro entre la Novia de Frankenstein y Boone, quien se horroriza y rechaza a Whale en un primer nivel; pero que comprende que ambos están constituidos de maneras muy similares. Incluso el personaje de Hannah (Lynn Redgrave), la sirvienta, es una clara parodia de la actriz de carácter Una O’Connor, quien se convirtiera en la actriz fetiche de James Whale.

    También me parecieron maravillosas las interpretaciones de Marlon Braccia como Elizabeth Taylor y Jack Betts como Boris Karlof… ¡Está igualito!

    Por otro lado, el guión está lleno de juegos de palabras y sutilezas que, interpretados por hábiles actores resultan por demás efectivos. La secuencia en la que Whale, en la recepción de la princesa Margarita (Cornelia Hayes O’Herlihy), presenta a Clayton como su nueva conquista sin que éste se dé por enterado es simplemente deliciosa. Muchos de los parlamentos son polisémicos e invitan al espectador a realizar varios visionados de la cinta para captar sus diferentes niveles de lectura.

    Y algo que me parece verdaderamente encomiable es que la película es de lo más accesible. Parece mucho menos compleja de lo que en realidad es. A diferencia de otras cintas que se las dan de muy intelectuales y cuyo cometido parece ser hacer sentir estúpido al público que no le entendió porque es demasiado profunda ‒sí, ¡Madre! (Aronofsky, 2017), te estoy viendo a ti‒, esta cinta lleva al espectador de la mano por un relato que, si bien no es históricamente preciso, sí retrata el genio artístico de Whale y su relación con su obra; además de ser una conmovedora historia sobre la compasión y la dignidad. Se trata de la lucha de un hombre incomprendido que trata de vivir su decrepitud con dignidad.

    Aun cuando en esencia se trata de un relato trágico, la película no está exenta de cierta comedia. De hecho, hay muchos momentos muy graciosos que se dan a partir de los parlamentos bien ejecutados y de la compleja relación entre los dos personajes centrales. En este sentido, creo que se trata de una película muy teatral ‒de hecho, sí existe una adaptación para teatro‒. La mayoría de las secuencias son simplemente dos personas hablando en un estudio ¡pero qué bien se ven!

    Por supuesto, nada de esto habría sido posible sin la hábil dirección del desigual Bill Condon, a quien quizá recuerden por películas como Kinsey: el científico del sexo (2004), Chicago (2002)… o La saga Crepúsculo: Amanecer Partes I (2011) y II (2012) ‒porque hasta él tiene que pagar la renta‒, y la versión Live Action de La Bella y la Bestia (2017). Empero, en esta película, los actores están muy bien dirigidos y todos están en un tono de drama bien logrado.

    La fotografía, a cargo de Stephen M. Katz (colaborador recurrente de Condon en sus primeros trabajos), al igual que el guión y las actuaciones está llena de matices y sutilezas. De hecho, la fotografía es propositiva y expresiva, y es utilizada como una herramienta narrativa de gran eficiencia. Por ejemplo, las escenas de flashbacks, sueños o de alucinaciones de James Whale están filmadas con un ligero desenfoque para darles un toque de irrealidad.

    Otro de los elementos que siempre me han encantado de esta película es el diseño de los sets, así como el set dressing. Desde la recreación del estudio donde se filmó La novia de Frankenstein (Whale, 1935), hasta el maravillosamente decorado set del estudio de Whale, pasando por sus recuerdos de las trincheras en la Primera Guerra Mundial, con su claro tributo a los sets de la primera Frankenstein.

    En algún momento de la película, Whale menciona que La novia de Frankenstein era una comedia sobre la muerte. Del mismo modo, Dioses y monstruos, aunque no es una comedia como tal, tiene un tono bastante ligero para hablar de esa barrera insondable que significa el fin de la vida. Es una película muy bien hecha, que resulta en una experiencia enternecedora y, sin duda, una de mis películas favoritas.

PARA LA TRIVIA: Cinco dibujos originales de James Whale fueron utilizados como parte de la utilería de la película.

 

 

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LA FORMA DEL AGUA

The Shape of Water

 

Guillermo del Toro, 2017

 

Aquellos de ustedes, queridos lectores, que lleven algún tiempo siguiéndome, estarán al corriente de mi afición por las películas del director jalisciense Guillermo del Toro. De hecho, no tendría reparo en ponerlo en mi lista de directores favoritos. Y no, no todas sus películas me encantan ‒Titanes del Pacífico (2013) sigue sin convencerme‒; pero el hombre sin duda tiene una propuesta artística muy bien definida y un estilo propio, e incluso ha sido de esos pocos locos que han logrado convertir el cine de autor en cine comercial[1]. Puedo decir, de entrada, que La forma del agua me gustó mucho, que los escándalos sobre un supuesto plagio me parecen interesantes pero un tanto carentes de fundamento y que, aunque fue la película que le mereció el León de Oro a Mejor Director, no me parece que ésta sea la mejor cinta del tapatío. Lo detallo todo a continuación.

    La forma del agua, ambientada en EE.UU. a finales de la década de 1950, narra la historia de Elisa Esposito (Sally Hawkins, de antología), una empleada de limpieza que quedara muda en su tierna infancia, quien trabaja para un centro de investigación secreto de la Fuerza Aérea. Cierta noche, un nuevo “activo” es llevado al centro de investigación. Se trata de un extraño ser parecido a un pez con apariencia humanoide capturado en el Amazonas ‒clara referencia a El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954)‒. Los científicos del centro realizan crueles experimentos con él, tratando de desarrollar nuevas tecnologías que los ayuden a ganar la Carrera Espacial. Elisa descubre a la criatura y entabla secretamente con ella una profunda relación. Cuando el malvado y melodramático Richard Strickland (Michael Shannon), directivo a cargo de la operación, decide que ya han aprendido todo lo que podían de la criatura y que lo único que queda por hacer con ella es viviseccionarla, Elisa recurrirá al carismático grupo de marginados sociales que son sus amigos para salvarla.

    Antes que cualquier otra cosa, quiero hablar sobre esas acusaciones de plagio contra del Toro. Es imposible negar la enorme cantidad de similitudes y lo profundo de éstas entre el cortometraje The Space Between Us (Nollkaemper, 2015) ‒ya lo vi, está más o menos‒ y La forma del agua; sin embargo, del Toro ha declarado que el proyecto de su película comenzó desde 2011 y que lo tiene todo perfectamente documentado. De hecho, la preproducción inició con el diseño de la criatura y el laboratorio a cargo de un equipo de artistas que él pagó con dinero de su bolsillo. Y yo le creo. Sobre todo, le creo porque se trata de una historia completamente genérica, no mamen ‒también tiene muchas similitudes con una novela soviética de 1928 titulada El hombre anfibio‒; podría ser Liberen a Willy (Wincer, 1993), E.T. el extraterrestre (Spielberg, 1982), Prehisteria (Band y Band, 1993), El joven manos de tijera (Burton, 1990) o una larguísima y variopinta lista de etcéteras… ¡Hombre! Hasta hay partes en las que parece un episodio de Los expedientes X (1993- ). Por otro lado, ¿James Cameron no podría acusar a los de The Space Between Us de plagio? La criatura de su película se parece sospechosamente los Na’vi de Avatar (Cameron, 2009) y el final del corto es muy parecido al final de El secreto del abismo (Cameron, 1989)…

    Volviendo a lo que nos atañe, puedo decir que la película me gustó bastante… aunque sentí que algo le faltaba. Creo que le falta carnita. Francamente, creo que se siente un poco superficial. No es mala, en absoluto, por el contrario; pero comparándola con otras películas de del Toro que son fantasía y además son muy complejas dramáticamente y a nivel personajes ‒como El espinazo del Diablo (2001) o El laberinto del Fauno (2006)‒, La forma del agua parece que no pasa de ser una especie de Mad Men (2007-2015) conoce a El monstruo de la Laguna Negra y es completamente predecible de principio a fin. Además de que me parece que también es la peli menos original de del Toro… y eso que Titanes del Pacífico ya se parecía demasiado a Neon Genesis Evangelion (1995-1996).

    Ahora bien, a pesar de lo anterior, el guión me pareció bastante bueno. Logra tomar una anécdota contada hasta el cansancio y volverla interesante. Los personajes secundarios son encantadores y contribuyen a crear esta idea de que realmente todos somos criaturas extrañas a los ojos del otro. La idea se refuerza cuando, de manera muy inteligente, el director utiliza el contraste para demostrar su punto: los personajes realizan labores completamente cotidianas en los ambientes más increíblemente extracotidianos.

    Por supuesto, la película está plagada con esos personajes extravagantes que tanto le gustan al director y ésta termina convirtiéndose en una fábula sobre la tolerancia y la aceptación: la protagonista sufre una discapacidad, sus mejores amigos y cómplices son un artista homosexual y una mujer negra en la época en la que el movimiento por los Derechos Civiles era apenas un sueño… y bueno, el hilo conductor de la película es básicamente un romance interespecies.

    Por otro lado, también creo que, en cierta medida, esta película no termina de sentirse del todo como una cinta de Guillermo del Toro, a pesar de que se trata de uno de sus proyectos más personales. Por supuesto, todos los artistas tienen derecho a experimentar con su obra y creo que el resultado de peli cinta demuestra que el tapatío experimentó en la dirección correcta… pero hay secuencias que parecen sacadas de una película de Jean Pierre Jeunet y no son pocas. Supongo que tendrá que ver con la evolución de del Toro como artista.

    Eso sí, la dirección de actores está muy bien y todos los actores que participan en la película están excelentes. Sobre todo, me encantó la actuación de Doug jones, quien interpreta a la criatura. Me gustó que la mayoría de las escenas fueron logradas con el uso de una botarga y animatrónicos ‒Jones tardaba tres horas en ponerse el traje completo‒, y que la utilización de CGI se redujo al mínimo, explotando la interpretación de Jones justo en el set. Me atrevería a decir que Doug Jones es el mejor actor de criaturas desde Tom Woodruff Jr. … incluso, quizá, desde el gran Kevin Peter Hall.

    Otra cosa que me gustó mucho de esta cinta fue la fotografía de Dan Laustsen ‒con quien del Toro trabajara en Mimic (1997) y La cumbre escarlata (2015)‒. Las películas de del Toro siempre han tenido una influencia estética del Barroco novohispano, sobre todo del arte sacro; pero en ésta, más que irse por los claroscuros, las tomas abigarradas de detalles y los doraditos, prefirió utilizar tonos sobresaturados de verde, azul y turquesa. Y la cinta se ve maravillosa. Es curioso que el plan original del director fuera filmarla en blanco y negro.

    Finalmente, me gustaron muchísimo la edición y el montaje de la película. Es una cinta larga, con una duración de dos horas, pero está montada de tal forma que la narrativa es súper fluida y no se siente larga ni pesada en ningún momento, aun cuando uno ya sabe lo que va a pasar. Muy probablemente lo hicieron a propósito; pero la edición de la película hace que el flujo de la narración se sienta libre y orgánico, como el flujo de una corriente de agua.

    La forma del agua muy probablemente no sea un plagio directo de nada; pero ciertamente no es muy original. Tampoco me parece que sea la mejor película de Guillermo del Toro; francamente, creo que se merecía premios por Mejor Director por otras películas más que por ésta. Empero, se trata de una muy buena película, medio cursilona y hasta un poco frívola en algunas partes ‒a veces creo que Memo del Toro leyó demasiado a Jane Austen‒, pero no por eso menos disfrutable; vamos, que es un melodrama hecho y derecho… como todos los cuentos de hadas y éste es uno muy bueno. Además, está muy bien actuada, dirigida y fotografiada, y es intensamente emocional y majestuosamente hermosa, y la música de la época es la cereza del pastel que termina por internarnos en este mundo de la Guerra Fría donde las sirenas y los humanos coexisten… para bien o para mal.

Quizá Universal Pictures, la otrora Casa de los Monstruos, podría aprender un par de cosas de cinta como ésta, ya que sus películas de monstruos parecen haber perdido el rumbo por completo.

PARA LA TRIVIA: Evidentemente, la principal influencia para esta cinta fue El monstruo de la Laguna Negra y, para rendirle tributo, del Toro había decidido filmarla en blanco y negro. Sin embargo, terminó filmándola a colores porque, de hecho, era menos costoso.

 

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[1] Por favor, si tienen alguna duda sobre cómo estoy utilizando el término «Cine de Autor», chequen mi Manifiesto, ahí lo explico todo.

EDITORIAL 2018

 

Originalmente, para este Día de Reyes había pensado hacer un Top 5 de películas basadas en juguetes… sin embargo, bien pronto caí en cuenta de que sólo hay como cuatro o cinco y la mayoría son inmundas. Así pues, quizá los comentarios sobre películas de las franquicias de G.I. Joe o Transformers, o las campy películas de Clue (Lynn, 1985) y He-Man y los Amos del Universo (Goddard, 1987) tendrán que esperar para mejor ocasión, y esta entrada del blog se convertirá en una especie de editorial en el que disertaré un poco sobre mis experiencias como cinéfilo y como coleccionista de figuras de acción durante el último año.

    Recuerdo que a inicios del año me sentía entusiasmado porque la cartelera pintaba mejor que la del 2016 y los resultados fueron variados. Películas que fui a ver a sabiendas de que iban a ser malas, como Resident Evil: el capítulo final (Anderson, 2016) o Kong: la Isla Calavera (Vogt-Roberts, 2017); películas que esperaba ávidamente y me decepcionaron, como ¡Madre! (Aronofsky, 2017) O Guardianes de la galaxia Vol. 2 (Gunn, 2017); películas que creo que me gustaron más de lo que deberían, como Alien: Covenant (Scott, 2017) o Wonder Woman (Jenkins, 2017); sorpresas más que agradables como Blade Runner 2049 (Villeneuve, 2017) o las comidillas del año: La momia (Kurtzman, 2017) y Star Wars: los últimos Jedi (Johnson, 2017). Y aún no he visto Logan (Mangold, 2017).

    Como lo he comentado ya varias veces, la verdad es que ya me aburrieron las películas de superhéroes y este año traté de evitar tantas como pude. Mi plan original era ver La Liga de la Justicia (Snyder, 2017); pero después perdí el interés… ni siquiera supe de qué se trató: tuve la hipótesis de que iban a resucitar a Superman como villano y que el resto de los metahumanos debían aliarse para derrotarlo, onda la saga de El reino de los Supermanes, pero ya después no me enteré de qué se trataba. La que si vi fue Spider-Man: de regreso a casa (Watts, 2017)… y me arrepiento un poco.

    Digo, el mayor fuerte de crear un universo cinematográfico tan estrechamente ligado es precisamente su punto débil: Sientes que tienes que ver todas las películas, así que si una o dos no te interesan, lo más probable es que dejen de interesarte las demás.

    También me quedé con ganas de ver varias películas como ¡Huye! (Peele, 2017), El demonio 3 (Salva, 2017) o Jigsaw (Hnos. Spierig, 2017)… independientemente de sus calidades, soy fan y la verdad es que lamento que siempre hubieran estado en horarios tan inconvenientes. Quizá no me perdí de nada, pero me hubiese gustado saberlo.

    En el campo de las figuras de acción hubo cosas muy interesantes. Las series de Aliens de NECA están padres y tienen algunas ideas geniales, como las figuras tributo a los aliens de Kenner de los 90… ojalá y mejoraran su control de calidad y sus materiales. Las figuras del 40 aniversario de Star Wars, que también son una especie de tributo a las legendarias Originales 12 fabricadas por Kenner en 1977, están muy padres.

    Las figuras de The Last Jedi en formato de 3 ¾” son tan decepcionantes como la película y odio que les hayan quitado articulaciones. De hecho, estoy seguro de no ser el único que ha protestado al respecto, pues Hasbro lanzó una línea de figuras Black series en formato de 3 ¾”.

    ¿Recuerdan el CommTech Chip? Ese chip que acompañaba a las figuras de Episodio I y que les permitía reproducir frases de la película… si uno compraba el lector CommTech por separado, claro. Fue la estafa que catapultó los precios de las figuras de Star Wars y que, de hecho, contribuyó a la quiebra total de Kenner en 2000. Bueno, pues volvó en forma del “Force Link”, un aparato que igual se debe comprar por separado y que permite que las figuras reproduzcan frases de la película, hagan ruiditos ¡y es necesario para que los vehículos activen luces y sonidos! Esta vez fuiste demasiado lejos, Hasbro.

    Por eso me da gusto que Hasbro haya perdido la licencia de los juguetes de Jurassic World. Así pues, me entusiasma que el próximo año Mattel vaya a encargarse de producir dos series de figuras de acción basadas en la franquicia: los juguetes oficiales de la nueva película, Jurassic World: Fallen Kingdom en primavera y, supuestamente, juguetes basados en la película de 1993 en invierno. Mattel ha sido muy hermético al respecto y no ha difundido imágenes de la línea.

    Hace unos meses se difundió la noticia de que, de hecho, Hasbro ofreció una fuerte suma para comprar Mattel. Por suerte, las negociaciones no prosperaron.

    Ya que hablé de Hasbro, me pongo a pensar en otra corporación multinacional que parece dispuesta a comprarlo todo: The Walt Disney Corporation. La estrategia utilizada por la Casa del Ratón ‒que es la misma que utilizan compañías como Nabisco, Hasbro, Nestlé o EA Games‒ es una clásica estrategia capitalista de libro de texto: tu compañía produce cosas de mejor calidad que la mía; pero la mía produce y vende más volumen en otros territorios porque tengo un aparato de distribución más grande, así que, para no competir contigo y arriesgarme a perder, mejor compro tu compañía, me quedo con los productos que me interesan produciéndolos en calidad inferior y hago quebrar a tu compañía, que ya es una división de la mía.

    La ventaja de que Disney comprara Fox es, por supuesto, que tendremos más personajes del Universo Marvel interactuando en las películas, podría haber algunos crossovers interesantes ‒¿Alguien ha pensado ya en Guardianes de la galaxia vs Aliens?‒… y quizá hasta tengamos por fin una película de los 4 Fantásticos apta para consumo humano; pero las repercusiones generales son devastadoras. Disney compró el mayor porcentaje de acciones de 21st Century Fox que la Ley Antimonopolios de EE.UU. le permitió: el 30%, convirtiéndose con ello en el accionista mayoritario de la corporación, lo que quiere decir que todos los proyectos y propuestas de la empresa deben ser aprobados por Disney.

    Esto no sólo significa que las nuevas ideas tendrán menos lugares para expresarse; sino que, con la adquisición, Disney controlará alrededor del 40% de la taquilla de Estados Unidos. Si uno toma en cuenta que entre un 20% y un 30% del PIB de EE.UU. proviene de la industria del entretenimiento, estaríamos hablando de que una sola corporación concentra casi la décima parte de la riqueza total de la segunda potencia económica del mundo. Lo que es un tanto aterrador. Quizá ese mundo que plantea Gladiador del futuro (Jewison, 1975), en el que los países han desaparecido y la gente habita en feudos que son propiedad de las grandes corporaciones, no esté tan lejos de ocurrir.

    Tal dominancia en el mercado supondrá que la Casa del Ratón puede dictar las reglas del juego para la industria del cine, estableciendo sus propios tabuladores para pagos de regalías por recaudación de taquilla ‒lo cual ya hizo con The Last Jedi‒, sus propias condiciones para exhibición de películas, sus propios mecanismos y restricciones para los servicios de streaming, sus propios acuerdos sindicales y básicamente hacer lo que le dé la gana en cuestión de contratos y prestaciones laborales.

     Así pues, creo que el dizque no monopolio de Disney podría acentuar antes que mitigar la profunda crisis que vive la industria cinematográfica de Hollywood desde principios del siglo.

    Es, sin duda, una época de cambios. Si éstos serán para bien o para mal, eso aún está por verse. Por lo pronto, yo sigo emocionado por los próximos estrenos de este año: La forma del agua, dirigida por uno de mis autores favoritos, Guillermo del Toro; Deadpool (Miller, 2016) me gustó mucho, así que veré la segunda; Jurassic World: Fallen Kingdom (Bayona, 2018); el reboot de Depredador me da mucho morbo; Ready Player One (Spielberg, 2018) me da curiosidad; Solo: A Star Wars Story (Howard, 2018) tiene todos los elementos para fracasar en la taquilla y quiero ver si será así; y hay por ahí una peliculita sobre la tormentosa relación entre Percy Shelley y Mary Wollestonecraft Godwin (luego Mary Shelley) que se ve interesante.

    También, si todo sale bien, este año podré lanzar una nueva fase del proyecto de El Cinéfilo Incurable que me emociona mucho y espero que les guste; pero que no voy a revelar por ahora, no sea que se cebe. Muchas gracias por leerme, espero que podamos seguir compartiendo nuestra pasión por el cine en este año que comienza y en muchos más por seguir.

    Si gustan revisar de qué otras películas hablamos este año, los invito a echarle un ojito al Sumario de 2017.

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