HALLOWEEN

 

David Gordon Green, 2018

 

Había una vez, en el lejano pueblo de Haddonfield, Illinois, una niñera adolescente que, como no tenía cita para la noche de Halloween, aceptó un trabajo cuidando niños en la casa de los vecinos. Poco sabía ella que un asesino psicópata, encerrado años atrás tras haber asesinado brutalmente a su hermana mayor y a su novio, había escapado de la institución psiquiátrica en la que lo habían recluido y estaba ansioso por regresar a su antiguo pasatiempo.

    Con esta premisa básica, John Carpenter terminó de definir el que se convertiría en uno de los subgéneros del horror más populares: el slasher. El legado de Halloween (Carpenter, 1978) perduraría a través de once películas y la saga sería rebooteada y replanteada en sendas ocasiones.

    En esta nueva iteración, se desecha todo el canon después de la primera cinta y se convierte en una secuela directa de ésta… Sí, también Halloween II (Rosenthal, 1981) y H20: Halloween 20 años después (Miner, 1998) quedan fuera, por lo que Myers y Strode ya no son hermanos… que fue lo que se planteó en la peli original. La historia de la cinta sucede 40 años después de la primera. Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se ha convertido en una ermitaña obsesiva con una sola idea fija en la cabeza: vengarse de Michael Myers (James Jude Courtney), el asesino serial que matara a sus amigos de la adolescencia. En la noche de Halloween, cuando Myers es transferido a un nuevo centro psiquiátrico, como era obvio suponer, escapa y se dirige directamente a Haddonfield para terminar lo que empezara décadas atrás, dejando un rastro de muerte a su paso y acechando a los descendientes de Laurie.

    La verdad es que el canon y cronología de la saga Halloween han sido modificados tantas veces que dejó de importarme hace mucho tiempo. Por muy fan que sea, debo admitir un hecho que los realizadores de estas películas se han negado a aceptar: la premisa se agotó en la primera cinta. En realidad, las únicas películas de la saga que más o menos proponen cosas diferentes son la tercera, la octava –lástima que sea tan mala– y la secuela del remake. Para no perder la costumbre, la nueva película de Halloween es básicamente la misma película de Halloween de siempre.

     La historia tiene un par de vueltas de tuerca interesantes que, por desgracia, están bastante desaprovechados.

    Y creo que ésa es la principal falla de esta película: plantea muchas líneas argumentales interesantes, pero se queda a medio camino en todas ellas. Quizá pudieron explorar más la compulsión asesina de Myers, o mostrar a Laurie más deshumanizada por su paranoia SPOILER o explotar más la identificación del Dr. Sartain (Haluk Bilginer) con su paciente TERMINA SPOILER; pero, en vez de eso, decidieron producir una cinta tibia en todos los sentidos que, a final de cuentas, termina siendo más de lo mismo.

    En cuanto a tono y narrativa, la película se siente muy parecida a H20 sólo que ésa me pareció mejor… aunque siempre creí que era algo aburrida.

    Otra cosa que es muy interesante es la timidez con la que se trata la cinta. Películas anteriores de la saga ya habían mostrado en exceso de violencia y escenas sangrientas –el remake de 2007, dirigido por Rob Zombie, es una obra maestra en ese rubro– e incluso la primera peli tenía montón de desnudos. Pero esta nueva entrega, nacida de la cultura de la censura y la corrección política, es increíblemente menos sangrienta que muchas de sus predecesoras y no tiene desnudos… Bueno, hay uno, pero es metraje reciclado de la primera película.

    Desde dicha perspectiva, la nueva Halloween es un tanto decepcionante y es uno de esos casos en los que la versión nueva de una peli slasher resulta más fresa que la original –Sangriento San Valentín (Lussier, 2009), te estoy viendo a ti–. Además, en general, no sé muy bien a qué se deba, esta peli se siente pasada de moda.

    Quizá la razón sea la manera en que está construida. Es un slasher filmado siguiendo la receta al pie de la letra, con una fórmula probada y reprobada. Creo que la gran aportación de la saga Scream (1996-2011) al género fue hacer películas autoconscientes que se autopaodiaban al mismo tiempo que reinventaban las reglas del género. Pero Halloween no. La franquicia prefiere quedarse en la zona de confort de la que Zombie ya la había sacado. Y tal vez eso es lo más frustrante: la peli parece un retroceso.

    Sin embargo, todo lo anterior no significa que no sea entretenida. Lo es y, lo que es más, tiene algunos momentos de tensión y suspenso maravillosamente creados. La narrativa es muy buena, tanto que uno pasa por alto la falta de cohesión en la historia o el montón de huecos argumentales que presenta SPOILER –¿Por qué en una casa que prácticamente es una fortaleza hay un ventanal abierto de par en par?– TERMINA SPOILER.

    Mención aparte merece la interpretación de Curtis, que revisita y logra seguir sacándole jugo al papel que la lanzó a la fama y la convirtió en la Scream Queen por antonomasia –Por cierto, ¿mencioné que ella fue productora ejecutiva de la película junto con Carpenter?–.

    También me gustó mucho la fotografía –aunque de repente puede ser demasiado oscura–, que logra crear una sensación de claustrofobia y un ambiente onírico de la Noche de Brujas con marcados claroscuros y tonalidades anaranjadas y ocres.

    Finalmente, la música también me pareció bastante adecuada. Me gustaron las variaciones con las que se reinterpretan los temas originales compuestos por John Carpenter, así como los temas nuevos. La música contribuye bastante a construir la atmósfera planteada por la fotografía e iluminación y juntas logran crear una ambientación ideal para la cinta.

    Y, aunque ya hablé sobre la narrativa y cómo es semejante a la de H20, no puedo dejar de mencionar que en realidad me gustó. Me gustó cómo se va contando la historia y el ritmo que tiene el relato en general. Los cortes, la edición y el montaje son buenos; creo que más bien el punto es que lo que están contando no es tan interesante. Es un fallo de fondo, no de forma.

    También, como todas las películas actuales, la cinta está plagada de referencias y, aunque ignora todas las secuelas, remakes y reboots de la saga, les rinde sendos homenajes… ¡Incluso hay niños disfrazados con las máscaras de Silver Shamrock de Halloween III: el imperio de las brujas (Wallace, 1982)!

    En conclusión, Halloween se siente como un escenario prodigiosamente preparado para un evento maravilloso que nunca llega. La ambientación es buena; el tono, aunque fresa, funciona; las actuaciones son muy buenas; y el ritmo y narrativa de la peli son geniales. Sin embargo, el resultado es menor a la suma de sus partes. Los elementos de la peli funcionan bien por separado; pero la construcción final falla. Se trata de una película que se queda a medio camino entre la clasificación PG13 y la R –de hecho, aquí en México la clasificaron como B15– y que saca muy poco provecho del montón de material que ella misma está proponiendo. A ver “H60” les sale mejor…

    El mismo John Carpenter declaró que ésta será la última película de Halloween. Sin embargo, el contrato se hizo por dos películas y, puesto que ésta ha sido un trancazo de taquilla que ha multiplicado su presupuesto por más de siete, una secuela, e incluso una trilogía completa, estarían siendo consideradas.

PARA LA TRIVIA: Danielle Harris contactó a la producción de la cinta para proponer una participación de su personaje de la saga, Jamie Lloyd, en la película; pero los realizadores no se mostraron interesados.

 

 

De tal suerte, como ya saben que me encanta hacer cuadritos y tablas, aquí expongo cómo queda más o menos, después de esta cinta, el canon de Halloween… Y sí, está lleno de SPOILERS:

Para leer las reseñas completas de cada película, por favor, hagan click en los siguientes links:

Halloween 1-3

Halloween 4-6

H20, Resurrección y remakes

 

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MATINEE

 

Joe Dante, 1993

 

Roger Corman no es sólo el Rey de la Serie B, sino también un cineasta generoso que ha fundado escuela formando a muchos de los directores más influyentes de la década de 1970 y 1990, así como toda una legión de productores y actores. Directores como Francis Ford Coppola, James Cameron, Jonathan Demme, Ron Howard o Martin Scorsese trabajaron en sus inicios para Corman y sus compañías productoras. Y, por supuesto, tenemos a Joe Dante, director de blockbusters del calibre de Piraña (1978), Gremlins (1984), Viaje insólito (1987) o El aullido (1981).

    Quizás Matinee no fue una de las películas más exitosas de Dante… bueno, para ser honestos, fue un fracaso de taquilla que no logró recuperar su modesto presupuesto de 13 millones de dólares y que ha permanecido prácticamente en el anonimato desde hace más de dos décadas. Se convirtió pues en una película de culto hecha y derecha.  También me parece que es una de las películas más personales de su director.

    La película sucede en el otoño de 1962, durante la Crisis de los Misiles en Cuba. Los hermanos Gene (Simon Fenton) y Dennis Loomis (Jese Lee Soffer) son aficionados a las películas de terror y viven en el pequeño pueblo de Key West, en Florida. El pueblo se encuentra a tan sólo unos kilómetros de la isla caribeña y vive sumido en el terror de que se desate una guerra nuclear. En este clima de alerta y paranoia, el director y productor de películas de ciencia ficción venido a menos, Lawrence Woolsey (el siempre genial John Goodman) ve la oportunidad ideal para estrenar su última cinta de horror nuclear: Mant.

    Muchas de las películas de Dante son cariñosos homenajes a las películas de ciencia ficción de Serie B de la Era Nuclear. Desde las pirañas alteradas genéticamente hasta los soldados de juguete psicóticos de Pequeños guerreros (1998), pasando por los duendecillos que saboteaban aeronaves en la Segunda Guerra Mundial y la nave intergaláctica casera de Los exploradores (1985), Dante es, en su corazón, un niño nerdo fanático de la ciencia ficción que conserva su capacidad de asombro y la comparte con el mundo.

    En esta ocasión, Dante rinde tributo no sólo a su propia niñez, sino a uno de los productores y directores de cine más excéntricos que hayan existido: William Castle.

    En las décadas de 1950 y 1960 las salas de cine pasaban por una crisis: la gente dejó de asistir a ellas, pues prefería quedarse en sus casas a ver televisión. Había que hacer algo al respecto y, según la historia nos ha enseñado, siempre que la gente deja de ir al cine comienzan a aparecer las películas en 3D. Pero Castle quiso ir más allá: el afable actor, director, guionista y productor neoyorquino creó toda una serie de películas de bajo presupuesto que utilizaban diferentes artificios en las salas de cine para asombrar al público, sumergirlo en la experiencia de las películas y atraerlo de nueva cuenta a la pantalla de plata.

    En La casa en la colina embrujada (Castle y Horvath, 1959), protagonizada por el inmortal Vincent Price, un esqueleto fosforescente con ojos que despedían luz roja recorría el cine colgado de alambres sobre el público; en El aguijón de la muerte (Castle, 1959), algunas butacas escogidas al azar estaban equipadas con pequeños vibradores que sacudían al público en la escena clímax de la peli; y en 13 Fantasmas (Castle, 1960) al público se le daban lentes de colores azul y rojo, con los cuales podían ver o hacer desaparecer a los fantasmas que salían en pantalla.

    Aunque fueron pocos los cines que accedieron a participar en las locuras de Castle, su ingenio quedó para la posteridad y su idea de cine interactivo sentó las bases, me atrevo a afirmar, para los rides de parques de diversiones como Universal Studios o Disney World.

    En la película, el personaje del productor y director Lawrence Woolsey rescata diversos aspectos de la personalidad y la leyenda de Castle, como el hecho de, emulando a Hitchcock, aparecer en los trailers de sus propias películas invitando al público a verlas; el ya mencionado caso de instalar vibradores debajo de las butacas o, en la tradición del Grand Guignol, contratar actrices para hacerse pasar por enfermeras en el lobby de los cines.

    También es un tributo el hecho de que varios de los personajes de la película hayan sido nombrados como personalidades del cine de Serie B de los 50 y 60, como es el caso de Ruth Corday (Cathy Moriarty), cuyo nombre hace referencia a la actriz Mara Corday, que apareciera en clásicos del género como Tarántula (Arnold, 1955) o La garra gigante (Sears, 1957); Herb Denning, cuyo nombre es un guiño al actor Richard Denning, que participara en cintas como El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954) o El monstruo del planeta perdido (Corman, 1955) o el mismo Woolsey, que fue nombrado en honor a Lawrence Woolner, productor de películas de Serie B de ciencia ficción de la compañía Woolner Brothers.

    La compañía de Woolsey, Woolsey International Pictures, es una referencia a American-International Pictures, prolífica compañía y estudio de películas de bajo presupuesto que funcionara desde la década de 1950 hasta 1980, y que contó entre sus filas con los legendarios Roger Corman y Samuel Z. Arkoff, quien recibe su homenaje a través del personaje del Sr. Spector (Jesse White).

    Del mismo modo, la película cuenta con las participación, en papeles secundarios, de actores de películas de género de la época, como el gran Kevin McCarthy (La invasión de los usurpadores de cuerpos [Siegel, 1956]), Robert Cortwhaite (La cosa de otro mundo [Nyby y Hawks, 1951]), William Schallert (El increíble hombre menguante [Arnold, 1957]) y Dick Miller (La tiendita de los horrores [Corman y Griffith, 1960]), quien fuera el actor fetiche de Corman y después se convertiría en el de Dante.

    Quizá el elemento más sobresaliente de Matinee es su metapelícula. En la cinta, la historia gira en torno al estreno en el cine del pueblo (filmado en locación en el Historic Cocoa Village Playhouse) de la nueva película de Woolsey. Ésta narra la historia de un hombre que, por un accidente con radiación, es convertido en una hormiga humanoide capaz de razonar y hablar.

    Las pocas secuencias que podemos apreciar de Mant son una verdadera joya que celebra, al mismo tiempo que parodia, el subgénero de los insectos atómicos que incluyera películas clásicas –algunas clásicas del cine naïve– como Tarántula, ¡Ellas! (Douglas, 1954), La mantis mortífera (Juran, 1957) o El escorpión negro (Ludwig, 1957). Dichas secuencias son verdaderamente divertidas y entrañables y lo dejan a uno con ganas de ver la película completa… que, por desgracia, no existe.

    El guión original de Matinee era muy diferente de lo que se ve en pantalla y estaba más ubicado en el terreno de la fantasía, además de que incluía otros monstruos como vampiros y hombres lobo. Sin embargo, después de varias reescrituras por parte del guionista Charles S. Haas, la cinta se convirtió en una película para preadolescentes que diserta sobre el Horror Atómico en la cultura popular estadounidense. El guionista original, Jerico, demandó a los productores por haberle dado crédito únicamente por el argumento; sin embargo, perdió la demanda.

    A final de cuentas, Matinee fue un fracaso de taquilla y su escasez en el mercado casero la han condenado a un, a mi parecer, injustificado olvido. Quizá no sea tan buena como Gremlins –que a mi gusto es la obra maestra de Dante–; pero es bastante buena, además de ser una bonita peli familiar cargada de nostalgia y personajes excéntricos y entrañables, además de contar con una escena clímax tan estrambótica y estrafalaria como las mismas ideas de William Castle para llevar gente a los cines. Es, pues, una película sobre cinéfilos hecha por un cinéfilo para un público de cinéfilos. Lo único que lamento es no haberla visto cuando era niño.

PARA LA TRIVIA: Esta película es una trivia del cine de Serie B en sí misma; pero rescato el siguiente dato curioso: Kevin McCarthy y William Schallert también participaron en el tercer segmento de la película de La dimensión desconocida (Landis et al, 1983), que fuera dirigido por Dante.

 

 

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VENOM

 

Ruben Fleischer, 2018

¿Recuerdan Spider-Man 3 (Raimi, 2007)? ¿Sí? ¿Recuerdan lo mala que es y lo chafa que se veía Venom? Pues lo siento por ustedes. Dice un cierto rumor que Sam Raimi y los actores de dicha película autosabotearon el proyecto como protesta por la imposición de Columbia Tri-Star para incluir a Venom en la peli, cuando el director no quería en absoluto utilizar al personaje. Más de una década después, Venom vuelve en una aventura en solitario en la que ya no se ve ñengo, ni sucede en Manhattan, ni tenemos que soportar la falta de carisma de Topher Grace en la pantalla… ¡Es más, ni siquiera sale Spider-Man!

    Muy difundido fue el rumor, luego desmentido, de que la película Life: Vida inteligente (Espinosa, 2017) serviría como una precuela de Venom y, si bien ambas cintas no guardan relación, sí hay bastantes referentes en esta película que funcionan como guiños a la cinta de Espinosa.

    En la peli –cuyo argumento se basa principalmente en la miserie de comics Venom: Lethal Protector y el arco argumental Planet of the Symbiotes–, Eddie Brock (Tom Hardy en una interpretación carismática aunque bastante inferior a lo que le hemos visto anteriormente) es un reportero de televisión que trata de exponer a las personas que no debía y, a causa de ello, pierde su programa y desencadena toda una debacle en su vida personal. Estas personas son los directivos de la compañía multinacional Life quienes, además de no creer en las cámaras de seguridad, exploran el espacio con vistas a la colonización. En su última misión, la corporación trae a la Tierra especímenes de organismos extraterrestres a los que llaman “simbiotes”. En una incursión a los cuarteles de la compañía, Brock es tomado como huésped por uno de los “simbiotes”, convirtiéndose en la criatura conocida como Venom, cuya sed de sangre lo lleva a un frenesí que no sólo resulta más provechoso de lo que parecería, sino que podría ser la clave para salvar a la humanidad.

    Pues bien, comparada con Spider-Man 3, Venom es una obra maestra. En cualquier otro sentido, se siente poco lograda.

    En un principio, hace una década, la película se planeó como un spin-off directo de Spider-Man 3, aunque Topher Grace, de entrada, quedó fuera del proyecto. Tiempo después, cuando se rebooteó la saga de Spider-Man, la película de Venom y una posible película sobre Venom y Carnage serían incluidas como parte del universo de Amazing Spider-Man; pero los desastrosos resultados de la segunda parte, que fue vapuleada tanto por el público como por la crítica, puso fin al proyecto. Cuando Sony y Marvel decidieron colaborar en las adaptaciones cinematográficas del Hombre Araña, la idea de los spin-offs fue pausada nuevamente… Hasta ahora.

    Sony ha manifestado su interés en continuar con los spin-offs, e incluso hay rumores sobre una película de Gata Negra, aunque nada ha sido confirmado por fuentes oficiales.

    Originalmente, la película iba a ser clasificación R (para mayores de 17 años); pero a últimas de cambio, Columbia decidió convertirla en una cinta clasificación PG-13 (para mayores de 13 años) para poder realizar futuros crossovers con la nueva franquicia de Spider-Man. ¿Se imaginan lo que hubiera sido de esta peli con sangre, tripas y descuartizamientos? Pues síganlo imaginando, porque la cinta es bastante tibia y difícilmente hay una gota carmesí durante sus 112 minutos de duración.

    Además, aunque se contempla la posibilidad de hacer películas en conjunto con el Amigable Vecino, la cinta oficialmente sucede fuera del Universo Cinematográfico Marvel. Incluso, el cuerpo de Venom no luce el emblema de la araña blanca que tiene en los comics. Empero, eso no le impide a la peli incluir elementos de la franquicia de Spider-Man, como el hecho de que es precisamente el astronauta de apellido Jameson, hijo de J.J. Jameson, quien trae uno de los simbiotes a nuestro planeta. Así que… por fin, ¿es o no es parte del UCM?

    A nivel guión, la película queda debiendo. Una película oscura sobre el desequilibrio de Eddie Brock y sus conflictos internos con ser el portador del “simbiote” hubiera sido muy interesante y, aunque el tema se esboza a lo largo de la cinta, difícilmente es una parte medular de la historia. En general, la peli es más cercana en tono y narrativa a Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981); pero exagerando la comedia. Además, están las escenas de persecuciones y de acción que ni están tan bien logradas ni aportan realmente nada a la trama ­–la escena de persecución de autos en San Francisco es un cliché en sí misma–. Es una de esas películas en las que pasan muchas cosas pero, a final de cuentas, no pasa nada. De hecho, muchas de las secuencias de acción sólo me provocaban ganas de que se terminaran y pasaran a otra cosa.

    Muchas explosiones, muchas decapitaciones –sin sangre, por supuesto– y monitos CGI –que tampoco se ven tan bien, por cierto– brincando de un lado a otro de la pantalla hacen que esta cinta se sienta más como una adaptación fallida de los comics de The Darkness que como una peli de Venom. Hay algunos chistes bien logrados, eso sí, pero hay también un montón de humor involuntario en la peli.

    Las actuaciones se encuentran en el nivel inferior de la escala, ubicándose en un rango entre cumplidoras y malas. Hardy tiene carisma y logra que algunos de los momentos cómicos funcionen muy bien; pero definitivamente queda a deber en las secuencias más serias. El resto del elenco apenas si se esfuerza en sacar a flote el guión lleno de diálogos acartonados e inverosímiles y, lo que es más, creo que en ningún momento logran realmente conectar con el público. No hubo una sola escena en la que generara empatía con alguno de los personajes o me preocupara siquiera por lo que les pasaba.

    El resultado final es una peli que es completamente forma y nada de fondo, que también sufre de una narrativa atropellada. Es entretenida en su mayor parte, pero se vuelve aburrida e incluso cansina por momentos. Sobre todo, palidece en comparación con otras cintas de superhéroes –no solamente del UCM y no solamente recientes– mucho más logradas. Además, la ambigüedad sobre su inclusión como spin-off de la saga de Spider-Man –al momento, ni siquiera los realizadores se han definido al respecto­– sólo provoca que uno extrañe más al Arácnido en esta película.

PARA LA TRIVIA: Anne Weying trabaja para la firma legal llamada Michellinie & McFarlane, lo que es un tributo al guionista David Michellinie y el artista Todd MCFarlane, creadores de Venom. Ironía o chiste local, McFarlane entabló un largo proceso judicial contra Marvel, mismo que perdió, para recuperar los derechos del personaje. Dicho litigió impidió que Venom apareciera en las primeras dos entradas de la trilogía original de Spider-Man y retrasó su estreno.

 

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