EL REY LEÓN

The Lion King

 

Jon Favreau, 2019

Por azares del destino, sólo una vez en mi vida he visto la película original de El Rey León (Allers y Minkoff, 1994) doblada al español. En 1994, cuando se estrenó, por alguna exótica razón que no logro recordar, terminé viéndola tarde en la noche en una sala de cine de arte con el audio original y subtítulos en español. Nunca la tuve en VHS y, cuando la conseguí en DVD y Blu-Ray, siempre la vi en inglés. Sólo la vi en español cuando fui a ver la edición del 20 aniversario en 3D. Sea como fuere, me acostumbré desde siempre a oír a los personajes con sus acentos británicos y, ahora que salió esta nueva versión, tuve que verla en inglés.

    Antes de continuar, debo aclarar que todo el asunto de Disney haciendo remakes Live-Action de sus películas animadas me parece un despropósito; pero esta cinta me dio curiosidad porque la original me encanta, así que me lancé a verla.

    Como si hiciera falta que escriba la sinopsis, la película narra la historia del pequeño Simba (Voces de JD McCrary y Donald Glover, quien era fan de la original cuando niño así que se sabía las canciones de memoria al momento de grabarlas), un cachorro de león, heredero del reino de su padre, Mufasa (James Earl Jones repitiendo su papel de la original), quien es acusado por su malvado tío Scar (Chiwetel Ejiofor) por la muerte de éste. Sintiéndose culpable, Simba se exilia del reino y conoce a sus nuevos amigos, Timón (Billy Eichner) y Pumbaa (Seth Rogen), con quienes se la pasa de lo lindo todos los días. Sin embargo, el momento decisivo para Simba llegará pronto, pues deberá decidir entre la vida despreocupada que ha llevado hasta ahora o reclamar su lugar como rey. Para quien no lo sepa, El Rey León es un pastiche que mezcla Hamlet con un plagio de Kimba, el león blanco (1965-1967).

    No estoy muy seguro de por dónde empezar a hablar de esta película, así que lo haré por lo más evidente: es un timo. Quiero decir, ¿cuál es el propósito de esta cinta… además de llenar los de por sí ya henchidos bolsillos del Ratón Miguelito, claro? Digo, porque la están vendiendo como el live-action de El Rey León, pero no es live-action; sigue siendo animación, sólo que, en vez de ser animación tradicional en 2D es un sofisticado CGI fotorrealista con algunos escenarios naturales.

    Por otro lado, sé que muchas veces nos quejamos de que cuando adaptan algo, le hacen cambios… pero creo que es peor cuando, como en este caso, no le cambian nada. Se trata casi exactamente de la misma maldita película. Prácticamente es una calca, pues los diálogos son los mismos, la narrativa es la misma, las tomas y secuencias son las mismas, muchos de los encuadres son idénticos… incluso el ritmo es el mismo –lo que, a la postre, la vuelve innecesariamente larga–.

    Lo único nuevo que aporta esta versión son un par de canciones originales –que son bastante anodinas– y un par de escenas que se notan metidas con calzador nomás como para que no fuéramos a decir que es exactamente la misma maldita película. Y sí, ya sé que el objetivo de la secuencia de la pelusa de Simba era ejemplificar lo del Círculo de la Vida, pero de verdad se siente que sobra, particularmente porque uno recuerda la película original.

    Lo que me pareció increíble que esta película lograra fue quitarle punch a los números musicales. Es muy extraño cómo las canciones que en la versión original eran entrañables en ésta se notan desangeladas. Si acaso Hakuna Matata y The Lion Sleeps Tonight –que no es original de la peli– se salvan; pero el bajón se siente muy duro con Be Prepared, que no es ni la sombra de lo que era en la original.

    Por supuesto, la verdadera estrella del show son los efectos especiales, que son simplemente espectaculares. Por momentos uno juraría que los animales que aparecen en pantalla son reales y los paisajes virtuales no están nada mal tampoco.

    Lo cual me lleva al mayor conflicto que me genera esta película: la sincronización. Desde luego, es prácticamente imposible sincronizar las labiales del audio con animales fotorrealistas que… pues básicamente no tienen labios y la verdad es que en ningún momento puede uno alejarse de la idea de que las estructuras faciales de esos animales son distintas a las nuestras, y que, mientras se mantengan en la onda realista, serán incapaces de expresar emociones. Es evidente que los animadores no quisieron arriesgarse con expresiones faciales y articulaciones bucales no realistas, pero a final de cuentas, la cosa termina viéndose igualmente poco orgánica. Quizá habría sido mejor que los animales sólo hablaran con voces en off o, incluso, hubiera sido súper interesante que se aventaran una película sin diálogos, porque para como se ven en pantalla en el mejor de los casos me recuerdan a Babe, el puerquito valiente (Noonan, 1995) y en el peor… pues la neta hay muchas secuencias que parecen sacadas de algún episodio de El show de Mr. Ed (1958-1966.. esperen, ¿qué? ¿Esta oda a la oligofrenia estuvo al aire por ocho años? ¿En qué clase de mundo vivimos?).

    Las actuaciones están bien a secas. No son nada del otro mundo y, francamente, James Earl Jones ya se escucha cansado y eché mucho en falta a Jeremy Irons; pero puedo decir que las actuaciones están bien. Me gustó bastante la interpretación de Florence Kasumba como la hiena Shenzi, aunque también extrañé a Whoopi Goldberg.

    Ahora bien, aunque la película me parezca un sinsentido, la verdad es que no es mala. Entretiene y tiene momentos divertidos. Me hizo pasar un rato agradable a pesar de parecerme completamente intrascendente. De tal suerte, si fuiste niño en los 90 y andabas en el mame de El Rey León, la película puede gustarte mucho por el lente distorsionador de la nostalgia o, como a mí, puede no tener absolutamente nada que ofrecerte más allá de los primeros 20 minutos en los que uno aún está boquiabierto con el CGI.

    Por otro lado, si en los 90 andabas con el mame de El Rey León y ahora eres papá y quieres compartir eso con tus hijos, la película es ideal. Es una gran cinta para pasar un buen rato en familia… y olvidarla en cuanto se estrene lo próximo del monopolio Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm/Twentieth Century Fox. Finalmente, esta nueva versión de El rey León está muy acorde con la propuesta actual de la Casa del Ratón de un cine completamente desechable. Un amigo mío calificó esta peli como “impresionante, pero intrascendente” y creo que me quedaré con ese epíteto.

PARA LA TRIVIA: Jeremy Irons mostró interés por volver a interpretar el papel de Scar; pero el rol fue ofrecido inicialmente a Benedict Cumberbatch, quien lo rechazó.

 

 

 

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VORAZ

Ravenous

 

Antonia Bird, 1999

Recuerdo que cuando estaba en la secundaria esta película causó cierto revuelo en el círculo independiente. En aquel entonces, la idea me pareció súper interesante; pero no pude ver la cinta sino hasta años después. La primera vez que la vi, recuerdo que me gustó, pero me decepcionó la segunda mitad, SPOILER francamente, sentí que el elemento mágico estaba un poco fuera de lugar TERMINA SPOILER. Sin embargo, en posteriores visionados, pude agarrarle bien la onda al planteamiento de la historia y a cómo se iba narrando ésta, y la verdad es que mi percepción sobre la cinta ha cambiado. Aún creo que se cae un poco en la segunda mitad; pero aun así me parece que es bastante buena.

    Esta historia de Gótico Americano se desarrolla durante la Guerra Mexico-Americana, cuando el Cap. Boyd (Guy Pearce), único sobreviviente de una desastrosa batalla contra tropas mexicanas, es “promovido” al Fuerte Spencer, en el gélido norte de la Sierra Nevada, en California. El emplazamiento es un desastre que apenas subsiste en medio de la miseria y el desorden, poblado por excéntricos personajes y dirigido por el Cnel. Hart (Jeffrey Jones, maravilloso). Cierto día, al fuerte llega Colqhoun (Robert Carlyle, genial), un extraño sujeto que dice haber escapado de morir a manos del líder de su expedición, el Cnel. Ives, quien comenzó a devorar a los demás miembros de ésta cuando quedaron atrapados en una caverna. Cumpliendo con su deber, el Cnel. Hart arma una expedición con algunos de los soldados apostados en el Fuerte Spencer para investigar la cueva; pero, al llegar al lugar, descubrirán la aterradora verdad detrás de la historia de Colqhoun, así como del mito indio del Wendigo.

    Desde los albores de la humanidad, el tema del canibalismo ha sido un tabú. Mientras algunas culturas polinesias lo practicaban como parte de su dieta regular, muchas civilizaciones mesoamericanas y africanas le daban un sentido ritual. En el caso de los indios norteamericanos, casi en su mayoría, lo consideraban una práctica despreciable y de ella surge el Mito del Wendigo. El incidente de esta película está muy ligeramente inspirado en la infausta Expedición Donner (1846-1847), probablemente el caso más famoso –o infame– sobre canibalismo de supervivencia documentado durante la conquista del Oeste Estadounidense, mientras que Colqhoun está inspirado en el personaje real del presunto guía de montaña Alfred Packer, conocido como el Caníbal de Colorado.

    El mito del Wendigo era utilizado entre los indígenas de la Costa Este de EE.UU. –en lo cual difiere de la película, que se desarrolla en California–, particularmente los pueblos algonquinos, como un tabú y una metáfora de la avaricia, la glotonería y, en última instancia, del canibalismo. El Wendigo es un espíritu malévolo del bosque que siempre se está muriendo de hambre y nunca puede saciarse. Aunque las descripciones cambian de tribu en tribu, por lo general se describe que su forma de cazar consistía en caminar siempre detrás de su presa y desaparecer cuando ésta volteaba, hasta que la llevaba a la locura. Según algunas versiones, las personas podían convertirse en wendigos luego de ser acechados por uno. Cuando uno camina por el bosque y siente que lo observan o lo siguen, pero al voltearse en derredor no puede ver nada, es el Wendigo quien sigue sus pasos.

    La película, además de lo obvio, habla sobre el canibalismo en varios niveles. Por supuesto, trata el tema en el nivel más superficial e inmediato: el del canibalismo como tal; pero también diserta sobre el canibalismo presente durante la eucaristía católica y, al mismo tiempo, presenta un canibalismo metafórico en la falaz hazaña del Cap. Boyd, quien sacrificó a todo su pelotón para sobrevivir durante la guerra. SPOILER Del mismo modo, con las propiedades atribuidas al consumo de carne humana, la película termina siendo un cuento muy sui generis de vampiros. TERMINA SPOILER. En un nivel más intelectual, el canibalismo de esta peli funciona como sátira de la doctrina del Destino Manifiesto y la forma voraz como EE.UU. se alimenta de otros países.

    ¡Ah, la Sierra Nevada! La desolación y el aislamiento de la cordillera occidental estadounidense se llevan tan bien con historias de horror y locura como el pan y la mermelada. Digo, fue también en dichas montañas en las que Stanley Kubrick ambientó su versión de El resplandor (1980). En el caso de Voraz, si bien la película se ambienta en tal lugar, los exteriores se filmaron en su mayoría en la República Checa y algunos otros en el estado de Durango, al noroeste México.

    Siempre se agradece que en los primeros planos la nieve sea de verdad, pues la artificial comúnmente resulta viéndose falsa. También pienso que, por las condiciones meteorológicas y del terreno, debe haber sido una mentada de madre filmar esta película. En algunas escenas pueden notarse en los rostros de los actores quemaduras por el sol y el frío.

    La ambientación histórica está bastante bien lograda y, sobre todo, llaman la atención los vestuarios, que lucen increíbles –excepto, claro, porque en algunas tomas se nota que las charreteras de las casacas son de plástico–; pero en general, todo se ve bastante bien, particularmente porque, además de la calidad de la manufactura de vestuarios y sets, todo está súper bien iluminado y fotografiado.

    Lo cual nos lleva a uno de los puntos más fuertes de esta cinta: la fotografía. El trabajo de Anthony B. Richmond –a quien probablemente recuerden por la fotografía de cintas como Candyman (Rose, 1992) o Nuestra pandilla (Evans, 1993)– para esta cinta es verdaderamente impresionante. La iluminación meticulosamente cuidada en interiores, así como planos generales majestuosos en los exteriores logran, respectivamente, transmitir sentimientos de claustrofobia y de soledad y aislamiento que son realmente inquietantes.

    En general, toda la película es inquietante y perturbadora lo cual se debe, además, a su tono. Si bien todo el relato está imbuido por una atmósfera de horror, la verdad es que esta cinta también retoma muchos elementos del cine de aventuras y, por momentos, echa mano también de una ácida y mordaz comedia negra. Creo que la única otra película donde he visto que se mezclan tan afortunadamente tales géneros es Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981).

      Las actuaciones son buenas y los intérpretes hacen un buen trabajo dándole vida a este grupo de estrafalarios personajes, porque, a final de cuentas, ¿quiénes son estos tipos? Aunque muchos de los personajes secundarios están un poco botados en su tono, las interpretaciones de Carlyle y Jones son de antología. Todos y cada uno de los personajes parecen estar con un pie bien metido en la locura durante la mayor parte del tiempo. Esto genera un pandemónium al interior del fuerte que lleva a Boyd a constatar, de forma fehaciente, que su promoción al Fuerte Spencer fue un castigo por su cobardía y no un premio por sus hazañas bélicas.

    Y el genial Robert Carlyle está en verdad aterrador en su papel de Colqhoun. La pelea final entre Boyd y Colqhoun en el guión estaba propuesta para llevarse a cabo en el techo de uno de los edificios del fuerte mientras éste se quemaba. Sin embargo, los actores sintieron que la escena ya estaba muy trillada, por lo que propusieron a la directora SPOILER que, en vez de la escena planteada en el guión, los personajes sólo se golpearan brutalmente hasta matarse. La escena resultante es mucho más fuerte a nivel emocional y es la más sangrienta de toda la película. De hecho, la producción se quedó sin sangre artificial después de filmarla. TERMINA SPOILER Por eso, si uno se fija, hay algunas secuencias en las que la sangre no se ve tan bien; esto se debe a que la producción tuvo que improvisar formulando su propia sangre artificial, pues no les era posible conseguir más.

    La producción no estuvo exenta de problemas, pues el director original, Milcho Manchevski, fue despedido cuando apenas llevaba dos semanas de rodaje. La producción entonces propuso a Raja Gosnell (Scooby Doo, Los pitufos) para sustituirlo, pero el elenco lo rechazó por no considerarlo suficientemente apto para tal función. Finalmente, Robert Carlyle contactó a su amiga Antonia Bird, con quien trabajara en Priest (1994), para que tomara la dirección del proyecto. Finalmente, el estilo intimista y visceral de Bird dotó a la película de una profundidad emocional poco vista en películas de género.

    El elemento que siempre me ha asombrado más de esta película es la música. Compuesto por Damon Albarn y Michael Nyman, el soundtrack es completamente distinto a cualquier cosa que haya escuchado en alguna otra película. Tomando algunos elementos de música concreta, basándose por momentos en música tradicional de los indios norteamericanos e incorporando sonidos sinfónicos y electrónicos, así como acordes de banjo y violín, y samples de música popular estadounidense, la banda sonora de esta cinta transmite un sentimiento de soledad, aislamiento e impotencia ante la ominosa fuerza del mundo natural y de los misterios que esconde. Además, en muchas de las secuencias, la música es utilizada como contrapunto para darle un tono más grotesco a lo que se está mostrando en pantalla.

    También, a lo largo de toda la peli, hay varios stunts bastante impresionantes, como aquella secuencia en la que Boyd se lanza desde un acantilado y se desliza aparatosamente por las ramas de un árbol que, se nota, fue filmada directamente frente a cámara, sin ayuda de efectos especiales o trucos de cámara. También ayuda que, en general, la edición de toda la cinta es muy buena.

    Voraz no es una cinta para todos, eso queda claro desde el momento en el que se convirtió en película de culto. La cinta costó alrededor de 12 millones de dólares y durante su corrida original en cines en EE.UU. apenas pudo recaudar 2 millones; pero se ha hecho de una nutrida legión de fans. Fue, además, destrozada por la crítica de su tiempo. Se trata, de hecho, de una película bastante extraña que se sale de los cánones de Hollywood para dictar sus propias reglas. Aunque todavía creo que la segunda mitad se cae un poco y el tercer acto tiene un par de problemas de ritmo, se trata de un buen melodrama de aventuras con elementos de horror y comedia que constituye, quizá, una de las mejores películas sobre caníbales que se hayan hecho, si bien su tratamiento del tema es más fantástico y termina siendo en realidad una sátira sobre el Destino Manifiesto.

PARA LA TRIVIA: Guy Pearce es, de hecho, vegetariano. Cuando filmó la escena en la que come el estofado preparado con la carne de Knox (Stephen Spinella), estoicamente tomaba bocados de un estofado de cordero preparado por el servicio de catering para después escupirlos en cuanto la directora gritaba “¡Corte!”… Así que el asco que puede verse en su rostro era genuino.

 

 

 

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ALIEN: COVENANT

Que originalmente se llamaba Paradise; luego, para evitar el mismo problema de disociación que con Prometeo, la llamaron Alien: Paradise Lost; pero que finalmente terminó llamándose Alien: Covenant.

Ridley Scott, 2017

Cuando el empleado de la taquilla del cine me vendió los boletos para la película que él llamó “El Alien”, pensé que vería algo como lo que aparece en el video Wild Boys de Duran Duran. Siendo honesto, tenía bajas expectativas sobre esta película… y el hecho de que se estrenara una semana antes en Europa y Latinoamérica que en EE.UU. me hizo pensar que no era el único que no le tenía mucha fe al proyecto. Cuando esta cinta por primera vez en el cine, me gustó. Pero ahora que la he vuelto a ver en Blu-Ray, me he dado cuenta de su montón de fallas y me di cuenta de que la califiqué demasiado alto.

    La historia de esta cinta sucede 10 años después de la desaparición de la nave Prometheus, cuando la nave colonizadora Covenant sufre un accidente que despierta a su tripulación del hipersueño. La tripulación, conformada por parejas casadas, excepto por el androide Walter (regresa Michael Fassbender), descubre que cerca de ellos se encuentra otro planeta desconocido con condiciones similares a las de la Tierra. El capitán Oram (Billy Crudup), a pesar de la reticencia de la Segundo Oficial, Daniels (Katherin Waterson, quien convenientemente se parece a Sigourney Weaver en el físico), decide explorar el planeta. Sin embargo, la expedición es atacada por sanguinarias criaturas mutantes. La tripulación de la Covenant parece perdida hasta que son rescatados por un inesperado aliado, gracias al cual descubrirán el destino final de los últimos sobrevivientes de la Prometheus, el secreto detrás de las criaturas y horrores más allá de sus más alocadas pesadillas.

    No es un secreto para nadie que Ridley Scott no quería hacer esta película. En 2010, cuando se rumoraba sobre un proyecto que en aquel entonces sólo se llamaba Alien 0, la principal incógnita era el resultado que tendrían las negociaciones entre Twentieth Century Fox y el director británico. Scott aceptó dirigir el proyecto a condición de ser también el productor del para tener libertad creativa. Dicho proyecto después se convertiría en Prometeo (Scott, 2012).

    La razón es sencilla y Scott nunca la ha ocultado: la franquicia de Alien y, sobre todo su criatura estelar, están demasiado gastadas. Por eso trató de hacer una película que sirviera como precuela de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979); pero que al mismo tiempo apuntara en otra dirección. Por desgracia, el resultado, aunque bastante decente en sí mismo, no gozó del favor del público, al ser una película más orientada hacia la Ciencia Ficción y que seguía un hilo conductor enfocado en la cosmogonía, la exogénesis y la teodicea… Y bueno, hubo mucha gente que ni se enteró de que era la precuela de Alien.

     Así las cosas, esta segunda película en la trilogía de precuelas de Alien trata de incorporar más elementos de horror. Al mismo tiempo, enlaza las tramas de Prometeo con la de las películas de Alien, mandando un poco a volar la primera y dando más énfasis a la segunda. Pero creo que lo mejor es que deja dos cosas bien claras: Primera, que Prometeo es indiscutiblemente una precuela de Alien ‒según lo que se planea, vendría siendo como Alien -2 ‒ y, definitivamente, saca del canon las inmundas películas de Alien vs Depredador (Anderson, 2004) y Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    No entiendo muy bien por qué me gustó tanto esta peli la primera vez y la verdad no entiendo por qué dije que el guión era bueno. Digo, los diálogos están bien en general; pero hay sendos huecos en él… y huecos profundos ‒sigo preguntándome por qué a un androide le crecería el cabello, por qué una nave cuya misión es colonizar y poblar nuevos planetas llevaría una pareja homosexual o cómo es posible que un camión que es lanzado desde la órbita planetaria caiga en línea recta hacia la superficie del planeta ‒. Al menos los personajes y sus relaciones están más o menos trabajados.

    La peli mayormente se enfoca en el horror. Es una de las películas más sangrientas que he visto en los últimos años, lo que agradezco de verdad, porque por alguna razón los personajes de las películas actuales no tienen sangre. Casi al final hay una escena en una ducha que me pareció casi salida de alguna de las tantas entregas de Viernes 13, con un tímido topless incluido, cortesía de la hermosa Callie Hernandez… sí, así es, hay una mujer atractiva en una película de Alien… y sí, tuvieron que pasar casi 40 años para ver la primera escena casi topless en una película de la franquicia, sin contar a la Ripley mutante de Alien: la resurrección (Jeunet, 1997). Y francamente, me parece que esto es un paso atrás en la serie.

    Hay también muchos elementos de película de aventuras ‒es la primera cinta en la franquicia en la que vemos a los aliens en exteriores y, lo que es más, en medio de la vegetación‒, de película de acción ‒hay una escena de kung fu, lo juro‒ e incluso de thriller. Las secuencias entre Walter (Michael Fassbender) y David (Michael Fassbender…) están imbuidas de una atmósfera de misterio que llega a ser increíblemente perturbadora.

    Las actuaciones se mantienen un nivel decente. Por supuesto, el que sobresale de todo el elenco y el que lleva la carga histriónica de la película es Fassbender, tanto así que lo pusieron a hacer dos papeles simultáneamente, por lo que la cinta termina siendo algo así como El show de Michael Fassbender y sus amigos

    Lo que sí está muy bien es la fotografía. Se agradece sobremanera que los realizadores prefirieran filmar en escenarios reales y redujeran al mínimo la utilización de sets virtuales. Las locaciones en Australia y Nueva Zelanda están muy bien aprovechadas y, aunque podrían parecer demasiado familiares, aún conservan ese halo de primitivismo que les da una calidad extraterrestre. La iluminación también está padre, aunque manda a la goma ese halo de misterio que tan bien funcionó en la cinta original… Por primera vez, vemos un xenomorfo a plena luz del día.

    El diseño de la criatura es interesante. Toma como base del diseño original de Giger, pero retoma al mismo tiempo muchos elementos de los aiens de Alien: la resurrección (Jeunuet, 1997) de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr. Sin embargo, mientras que el alien de Giger era elegante y de aspecto biomecánico, el de esta cinta se ve salvaje y primitivo, lleno de texturas fibrosas y nervudas y, por primera vez se ve dentro de la cabeza de la criatura el cráneo que Giger puso originalmente ahí y que se perdió en la oscuridad de la primera cinta.

    SPOILER Por supuesto, lo que yo me pregunté desde que vi el primer tráiler de Alien: Covenant fue: Si en el tráiler nos están dejando ver al xenomorfo a plena luz del día, ¿qué será lo que no nos están mostrando? La respuesta es una nueva criatura en la franquicia, conocida como Neomorfo, que es una especie de versión primigenia del alien que todos conocemos y amamos; pero que se ve más orgánica y más cercana a los seres humanos. Originalmente, H.R. Giger, quien diseñara a la criatura original, quería que el xenomorfo de la primera película fuera de un color carne o hueso translúcido ‒como lagartija besucona‒, sin embargo, por las limitantes de los materiales de la época, esto no fue posible; pero ahora, casi cuarenta años después, este concepto fue llevado a la pantalla. TERMINA SPOILER

    Los efectos especiales están bastante bien y me agrada mucho que, al menos en los primeros planos, las criaturas sean animatrónicas en vez de CGI. Llámenme anticuado, pero ya saben que siempre preferiré los animatrónicos y puppets por sobre el CGI.

    La película tiene varios fallos que convendría revisar. Alien: Covenant es al mismo tiempo una secuela y una precuela, y sí, está plagada de los fallos que abundan en precuelas y en secuelas al mismo tiempo.

    Por ejemplo, falla la continuidad con las películas originales o se explican cosas que no deberían explicarse ¿De verdad era necesario explicar el origen de la criatura? Sobre todo, ¿era necesario que los xenomorfos fueran creados artificialmente? ¿No era mejor sólo dejarlo en que hay especies en el universo más letales que la humana? Digo, eso le daba un ligero tinte de Horror Cósmico a la original. Está también el que me gusta llamar el Efecto Episodio I: ¿Por qué si se supone que esta película sucede décadas antes que la original, todo se ve más moderno? Digo, podría salirme por la tangente diciendo que en Prometeo y Alien: Covenant parece que los viajes por el espacio son exclusivos para los ricos y poderosos, mientras que en Alien, el octavo pasajero ya están al alcance del hombre común; pero la verdad es que esa explicación no me convence ni a mí.

    En segundo término, la película también sufre de muchos de los defectos de las cintas de esta década: el inclusionismo injustificado, el hecho de que parece que ya a nadie le gusta usar tripiés para que sus tomas se vean más “dinámicas”, el que, a pesar de que no se hace pesada, se siente que la película podría durar menos ‒tengo la impresión de que últimamente las películas se hacen más largas y creo que quizá se deba a que las distribuidoras quieren que el gringo promedio sienta que desquita los alrededor de USD$20 que paga por un boleto para el cine‒, los finales con vuelta de tuerca increíblemente predecibles y otros tantos.

    También se nota la presión por parte de algún agente externo para vincular esta peli con la original. En el argumento original para esta película, la Dra. Elizabeth Shaw y los restos de David llegaban al planeta de los Ingenieros, y se veían involucrados de algún modo en la extinción de éstos ocasionada por una pandemia generada a partir de uno de sus experimentos genéticos que se salió de control.

    Pero, en algún momento, Scott se vio forzado a mandar a la goma completamente la línea argumental de los Ingenieros, lo que vuelve el argumento de Prometeo completamente intrascendente para la saga. Es decir, hicieron una de esas cosas que detesto que hagan en las secuelas: tiraron por la borda a la película anterior.

    Aun así, me quedó una duda enorme: ¿David exterminó a los Ingenieros? Digo, porque los que salen en esta peli no se parecen tanto a los de la primera y, de hecho, parecen adorarlos como dioses. Yo entendí que se trataba de otra especie descendiente de los Ingenieros, como la nuestra; pero quizá me equivoco.

    En general, creo que Covenant es una de las entradas más débiles de la saga y es también un crudo reflejo de la crisis del cine de Hollywood ‒bueno, siendo justos, la producción es principalmente británica‒. Toda la cinta se siente como una oportunidad desperdiciada; pero, sobre todo, se nota que Ridley Scott terminó haciendo justo lo que no quería hacer con Prometeo: una precuela directa de Alien.

 

PARA LA TRIVIA: Ridley Scott se negó a ver Alien 3 (Fincher, 1992) cuando se estrenó originalmente. Cuando finalmente la vio, décadas después, le desagradó tanto que tuvo la idea de escribir una “secuela alternativa”. El argumento de dicha secuela fue la base sobre la cual se escribió el guión de Alien: Covenant.

 

 

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SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA

Spider-Man: Far From Home

 

Jon Watts, 2019

 

No me gustó Spider-Man: de regreso a casa (Watts, 2017). El planteamiento de un Spider-Man que, en vez de ser un superhéroe por derecho propio, es el ahijado de Tony Stark y que sus superpoderes quedan como elemento secundario no me convenció nada. Se parece más a Timmy Turner que a Spider-Man. Para esta segunda entrega del Spider-Man integrado al Universo Cinematográfico Marvel, esperaba que el personaje regresara a algo un poco más cercano al original y, si bien no fue así del todo, la verdad es que esta película me agradó mucho más que su predecesora.

    La historia se sitúa seis meses después de los eventos vistos en Avengers: Endgame (Hnos. Russo, 2019) –que parecen no haber tenido repercusión alguna en la sociedad–, cuando Peter Parker (Tom Holland, lo mejor de la peli) está por realizar un viaje escolar a Europa. En todo aspecto posible fatigado por la lucha contra Thanos y emocionalmente lastimado por la pérdida de su amigo y mentor, Tony Stark (Robert Downey Jr.), Parker se encuentra renuente a seguir cumpliendo con su deber de superhéroe. Cuando aparece Mysterio (Jake Gyllenhaal), un enigmático superhéroe que lucha para defender a nuestro planeta de seres elementales interdimensionales, Parker cree que podrá tomar un descanso. Sin embargo, no pasará mucho tiempo antes de que el Amigable Vecino descubra que Mysterio no es quien dice ser.

    Como mencioné arriba, me gustó mucho más esta película que la anterior. Me emocioné en las escenas de acción, me reí con los chistes y toda la comedia adolescente –que es mucha– y, en general, disfruté la película en su mayor parte. Aunque, siendo objetivo, no me pareció particularmente buena.

    Las actuaciones están bastante bien, particularmente de parte de los jóvenes. Quien se luce de todas todas es Tom Holland, quien creo que es un gran Spider-Man… bueno, no… la verdad es que no. Holland es mejor como Peter Parker que como Spider-Man; pero eso tiene que ver más con el planteamiento del personaje que con su interpretación. En general, todos los actores tienen buena química en pantalla, aunque me parece que los chavos se desenvuelven mejor por el lado de la comedia romántica adolescente a la Disney Channel que todo el rollo de los superhéroes y villanos.

    Y perdón, pero sigo sin creerme que Zendaya sea MJ –aunque el personaje en esta peli es mucho más cercano al original de los comics– ni que Marisa Tomei sea la tía May… ni porque sus nombres riman. Quizá el eslabón más débil de la cadena sea Gyllenhaal, quien se siente tibio en un papel que daba para mucho más.

    Los efectos especiales están bastante bien. Aunque no soy fan del uso indiscriminado del CGI, al menos en esta película se mantiene un cierto nivel de calidad que otras producciones no tienen. Muchas veces, los efectos visuales de una cinta son encargados a varios estudios pequeños y la falta de integración sale a relucir en el producto final. No es el caso con esta película, en la que todos los efectos especiales se integran de manera orgánica.

    Ahora bien, creo que el principal fallo de la película es el guión, que no sólo es terriblemente disparejo, sino un tato ocioso. Como si los guionistas se hubieran visto obligados a cumplir con una duración predeterminada y no hubiesen sabido con qué llenarla. El primer acto es lento y falto de cohesión. De hecho, más que una historia, parecen un montón de sketches de algún programa cómico que no están destinados a nada. El segundo acto se quiere poner serio y es en la única parte de la película en la que Mysterio hace… pues lo que uno esperaría que Mysterio hiciera como villano de una película; por desgracia, debido al cambio de tono de la historia en esta parte, pareciera que se tratase de una película completamente distinta. Finalmente, el tercer acto se vuelve a caer cuando Mysterio… pues básicamente deja de ser Misterio y en la confrontación final en realidad vale madres si uno es un genio de la tecnología holográfica –en los comics era un ilusionista, artista de efectos especiales y stunt– y el otro tiene superpoderes de una araña radioactiva porque, de todos modos, ambos usan la tecnología de papi Tony Stark.

    SI ADVIERTO QUE ESTE PÁRRAFO ES UN SPOILER, ESTARÍA CONTRADICIENDO LO QUE DIGO EN ÉL… Lo que me pareció una monumental pérdida de tiempo fue la supuesta vuelta de tuerca de Mysterio. De verdad, creo que es por completo ociosa. Quiero decir ¿qué sentido tiene mantener a tu villano encubierto cuando todo mundo ya sabe que es el villano? El chiste de una vuelta de tuerca es que –por lo menos pretende– generar sorpresa. No conformes con no lograrlo, el desarrollo del personaje es lentísimo. Desde que aparece este villano haciéndose pasar por superhéroe que ya todos sabemos que es un villano porque… pues no mames, somos fans de Spider-Man y por eso estamos aquí, hasta el momento en que por fin se revela su identidad pasa una eternidad… de cosas no tan interesantes, además.

    SPOILER Lo que sí verdaderamente odié fue la muerte de Mysterio. Y la odié porque es exactamente el mismo modo en el que murió el Buitre en la película anterior: embriagado de poder, el villano es incapaz de controlarse y termina matándose a sí mismo. Lo cual es increíblemente anticlimático. En las películas originales de Spider-Man, los villanos también terminaban destruyéndose a sí mismos; pero esta destrucción era el resultado –excepto por Green Goblin– de una anagnórisis en la que caían en cuenta de que en este mundo no había lugar para ellos… el Dock Ock y Sandman terminaban redimiéndose como héroes trágicos. El Buitre y Mysterio terminan sólo siendo idiotas. TERMINA SPOILER

    El diseño, pero sobre todo, la utilización del traje de Mysterio tampoco me acabaron de encantar. Digo, en general, el traje está bastante bien… sólo que es demasiado parecido al de Thor… Quiero decir, teniendo la tecnología para hacer un traje de Mysterio que de verdad se viera mamalón, SPOILER prefirieron sólo usarlo durante poco tiempo en pantalla. Nuevamente, nada de eso importa de todos modos, pues en la confrontación final Mysterio ni siquiera usa su traje, sino que prefiere vestir una pijama gris para Motion Capture. TERMINA SPOILER

    Y bueno, lo que ya mencioné en mi crítica a Spider-Man: de regreso a casa sigue desagradándome. Sigue sin gustarme que el personaje de Spider-Man gire en torno al de Iron Man. Sigue sin gustarme que los poderes arácnidos de este Spider-Man queden en segundo plano porque finalmente, y en esta película se nota mucho más, Spider-Man parece una especie de James Bond… ¿Saben qué? No había caído en cuenta de eso, pero Spider-Man: lejos de casa parece más un episodio de James Bond Jr. (1991-1992) que una película de Spider-Man. ¡Ah, cómo extraño cuando Spidey sólo era mi amigable vecino!

    Spider-Man: lejos de casa no es la mejor película de Spider-Man –a la fecha, ésa sigue siendo Spider-Man 2 (Raimi, 2004)–; pero tampoco es la peor –ese título lo sigue llevando The Amazing Spider-Man 2 (Webb, 2014)–. De hecho, ése es quizá su punto más flaco: que, a la postre, termina siendo anodina, pues se trata de más de lo mismo que la cinta anterior: más Peter Parker y su marginación social en la prepa, más de un super villano que engaña a Parker al suplir a su figura paterna ausente, más de Parker tratando de llenar las expectativas de Tony Stark, más cameos irrelevantes de villanos clásicos de Spider-Man –en esta ocasión se trata de Hydro-Man… más o menos–, más villanos que se matan solos… ¡Pero ahora en Europa!

    No voy a mentir: con todos sus fallos, disfruté la película; pero la verdad es que no me pareció nada más que un entretenimiento de fin de semana y difícilmente volvería a verla.

    Esta película marca un punto decisivo en la alianza Sony/Marvel sobre los derechos de Spider-Man. Según una cláusula estipulada en el contrato que fue revelada recientemente, el acuerdo decía que Sony y Marvel compartirían al personaje para tres apariciones en películas de otros superhéroes de Marvel –término que ya se cumplió– y tres películas en solitario –van dos– si y sólo si la segunda película alcanzaba una recaudación mínima de 1000 millones de dólares en taquilla a nivel mundial –lleva 600–. Parece poco probable que la cinta falle en conseguir dicha marca, por lo que es casi seguro que tendremos una tercera parte.

PARA LA TRIVIA: Mysterio, y muy probablemente el Lagarto, eran los villanos que aparecerían en la nunca producida Spider-Man 4, de Sam Raimi, y el legendario Bruce Campbell, amigo íntimo y actor fetiche de Raimi, daría vida al villano de la escafandra. Durante la planeación de Lejos de casa, Tom Holland insistió a los productores, sin resultados, para que el villano fuera Kraven, el cazador, y que éste fuera interpretado por Jason Momoa. Finalmente, los productores decidieron regresar a la idea de Mysterio y le ofrecieron el papel originalmente a Matt Damon, quien lo rechazó.

 

 

 

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PROMETEO

Prometheus

 

Ridley Scott, 2012

A la fecha sólo existe una edición de esta película, la que se estrenó en cines con 124 minutos de duración; sin embargo, en la edición especial en Blu-Ray se incluyen alrededor de 36 minutos de escenas eliminadas, extendidas y alternativas. En general, estas escenas extienden algunas líneas argumentales de la película o desarrollan más a profundidad el carácter de algunos personajes; otras vinculan esta cinta aún más estrechamente con la primera Alien.

Recuerdo que tenía como siete años la primera vez que vi Alien: el octavo pasajero (Scott, 1979) y me moría del susto. Desde entonces quedé fascinado con el universo planteado por la película, volviéndome no sólo un fanático, sino prácticamente un estudioso del tema. Hace como cuatro años se empezó a barajar la posibilidad de continuar con la franquicia; sin embargo, los intentos por crear una nueva franquicia con Alien vs Depredador (Anderson, 2004) tuvieron desastrosos resultados y ninguno de los involucrados en la saga original, ni la mismísima Sigourney Weaver, quien fungió incluso como productora ejecutiva de las últimas dos entregas, tenía interés en filmar una nueva secuela. Así las cosas, la propuesta de Twentieth Century Fox, dueños de los derechos del personaje, fue hacer un remake.

    Ante el repudio general de los fans en cuanto se filtró el rumor del remake, la Fox decidió cambiar de planes. Así pues, ya que la historia difícilmente podía extenderse más a través de secuelas, se planeó la posibilidad de una precuela y la casa productora anunció que comenzaría a trabajar en el proyecto cuyo nombre clave fue Alien 0. Para dicha cinta, Fox quiso reunir a los productores y director originales de la primera cinta de Alien, pero Ridley Scott se negó. Durante casi un año las negociaciones se empantanaron, pues ninguna de las partes quería ceder: Fox no quería producir Alien 0 sin Scott y Scott no quería hacer una precuela de Alien.

    Después de mucho negociar, el director británico accedió a dirigir la película con la condición de que le dejaran también producirla. Fox estuvo de acuerdo y Scott comenzó a trabajar en la cinta con un control creativo casi absoluto. Esta libertad le permitió transformar lo que pretendía ser Alien 0 en la primera entrega de toda una nueva saga, anterior a Alien y que, tarde o temprano, se enlazaría con ella.

    En esta cinta, ubicada a finales del siglo XXI, un grupo de científicos descubre pinturas rupestres en Escocia que coinciden con otros varios jeroglíficos y estelas halladas en diversas épocas en diferentes lugares del mundo. Los científicos a cargo de la investigación, la Dra. Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y el Dr. Charlie Holloway (Logan Marshall Green) encuentran en estos jeroglíficos el mapa para llegar a un planeta desconocido en el que podría habitar vida inteligente estrechamente ligada a la raza humana. Con el patrocinio del difunto empresario Peter Weyland (Guy Pearce), Shaw y Holloway se embarcan en una expedición, a bordo de la nave Prometeo, que podría revelar el secreto de la creación del hombre… pero también, quizás, de su destrucción.

    En una primera instancia, parece que la pregunta que plantea esta película es “Si estuvieras frente a tu creador ¿qué le preguntarías?” Sin embargo, conforme la trama se va desarrollando y más y más información es revelada, la interrogante planteada termina siendo más bien “Si le preguntaras a tu creador qué pretendía lograr cuando te creó ¿realmente querrías escuchar la respuesta?”

    Parece que cada vez que Ridley Scott mete las manos en la ciencia ficción, termina redefiniendo el género. Siendo responsable de obras maestras como la mencionada Alien o el “trhiller noir» Blade Runner (1982), dos de las películas más influyentes del género, Scott entrega en Prometeo una cinta que bien podría convertirse en un nuevo clásico; aunque, eso sí, se trata de una película mucho más condescendiente con el público que las dos anteriores.

    Mezclando elementos de ciencia ficción dura, de horror, terror y thriller, Prometeo explora el controvertido tema de la exogénesis aderezándolo con elementos de la saga de Alien y sutilmente integrándolo a ella. A este respecto, dos opiniones que han rondado los círculos de críticos y fanáticos alrededor del mundo desde que se estrenó la cinta original en 1979 hallan su respuesta en esta película.

    Por principio de cuentas, está la morfología humanoide del Linguofeda acheronsis (nombre científico ficticio de la criatura); controvertida tomando en cuenta el hecho de que la evolución es un proceso caótico, por lo tanto, las probabilidades de que una forma de vida extraterrestre sea físicamente parecida al Homo sapiens son prácticamente ridículas.

    Siguiendo este mismo orden de ideas, el Linguofeda acheronsis parece evolutivamente adaptado específicamente para ser un eficiente depredador de la raza humana; sin embargo, se suponía que ambas especies jamás habían estado en contacto.

    Como bien dije, estas cuestiones encuentran una satisfactoria respuesta, que en realidad es aún más oscura y perturbadora de lo que cabría esperar inicialmente, en Prometeo.

    Las actuaciones de todos los involucrados son de primer nivel. Destacan particularmente la interpretación de Michael Fassbender como el androide David y la ya mencionada Noomi Rapace (a quien, discúlpenme ustedes, sigo sin verle lo guapa) como Elizabeth Shaw. Fassbender logra dotar a su personaje de una rica complejidad a través de acciones sutiles y mesuradas. Todo lo que hace David es completamente medido, exacto y preciso, pues es una máquina.

    Por su parte, Shaw representa un ideal romántico del científico que llega hasta las últimas consecuencias –el arquetipo de Frankenstein–, sacrificándose incluso él y a sus seres queridos, en aras del conocimiento. De hecho, el personaje de Shaw fue uno de los más problemáticos, pues había distintas propuestas para darle vida. Originalmente, se trataba de una persona más visceral y explosiva que ve convertido su idealismo científico en un desencantado nihilismo. Sin embargo, después de varias consideraciones, Scott decidió volver a filmar algunas de sus escenas para convertir al personaje en uno más comprensivo y concesivo.

    En el rubro de los efectos especiales, la película está muy bien cuidada. Los efectos son impresionantes y sumamente realistas, además de que en general se nota que Scott prefirió el uso de efectos físicos y maquillaje protésico a la usanza de la vieja escuela por sobre los efectos digitales. De hecho, hubo un par de escenas que se filmaron con ambas técnicas, y el director eligió utilizar finalmente aquéllas tomas sin CGI.

    En el aspecto del maquillaje, sin embargo, sí me quedó a deber la caracterización de Guy Pearce como el vetusto Peter Weyland que no hay un minuto en el que no se vea falsa… Y pensar que pudieron arreglarlo fácilmente con un par de pupilentes.

    Otro gran acierto de la cinta es la música compuesta por Marc Streitenfield. El soundtrack logra crear atmósferas con la ayuda de melodías que van desde lo más romántico e intimista hasta temas grandilocuentes y épicos; pero en general, la música es inquietante y angustiante. Algo tiene esta partitura que ayuda a crear el suspenso necesario para la cinta y lo mantiene a uno atento durante las dos horas que dura.

    Sin duda, gran parte del éxito de la primera Alien recayó en el apartado del diseño. Ciertamente era una tarea difícil lograr algo equiparable a los geniales diseños que H.R. Giger, Ron Cobb y Moebius desarrollaron para la cinta original, y sin embargo, el equipo de Prometeo lo logró.

    Si bien la mayoría de los artefactos y construcciones alienígenas (construidas por los llamados “Ingenieros”, suerte de raza primigenia) conservan el estilo biomecanoide que tan popular hizo a la criatura de la primera cinta, los diseñadores de Prometeo se las ingeniaron para crear un entorno que se nota es producto de una civilización avanzada. Aunque se desconozca cuál es, todos los artefactos y construcciones de los Ingenieros denotan haber sido creados para una función específica.

    Algo que me encantó también fue el diseño de la nave Prometeo, pues fue desarrollado a partir del diseño de la Nostromo original. Incluso se puede percibir que los diferentes espacios de la nave están acomodados casi de la misma forma. Sin embargo, la Nostromo era una especie de tráiler espacial, una nave de carga de la flota de la Corporación Weyland-Yutani; mientras que la Prometeo es una nave particular para pasajeros propiedad de Peter Weyland. Digamos que la Prometeo viene siendo la versión de lujo de la Nostromo.

    El diseño que más me gustó fue el de los Ingenieros. Dado que supuestamente esta raza alienígena fue la inspiración para los dioses de las mitologías antiguas, sus rasgos fueron diseñados a partir de las esculturas clásicas grecolatinas; incluso el color de su piel es el del mármol –a pesar de que esto es un error, pues las estatuas de mármol de la antigüedad clásica originalmente estaban pintadas de colores realistas–. El resultado son seres de una belleza ominosa por la perfección apolínea de sus proporciones.

    Prometeo, cuyo planteamiento parece apuntar hacia una especie de Ragnarök en el espacio,  tiene todos los elementos para convertirse en un nuevo clásico de la ciencia ficción. Ridley Scott y su equipo lograron lo que pocas secuelas/precuelas tardías han podido conseguir: satisfacer a los seguidores de la entrega original y cautivar al público de nuevas generaciones. Eso sí hay que decirlo, para conseguir esto, Scott tuvo que sacrificar un poco de la narrativa que originalmente planeó para esta cinta, optando por una menos críptica y esotérica, y más accesible y complaciente para el público general.

    Hubo dos elementos que sí debo decir que no me gustaron nada, porque a mi parecer dan un poco al traste con el misterio detrás de dos de las figuras más desconcertantes de Alien.

    Por principio de cuentas, está el hecho de que se revele que el tan misterioso organismo fosilizado que aparece en el planeta LV-426 (posteriormente rebautizado como Acheron) es simplemente un traje espacial. Durante muchos años no sólo los fans, sino otros creativos del universo expandido de Alien, conjeturamos sobre cómo se vería esta criatura cuando estaba viva. Ahora resulta que es simplemente un traje de piloto.

    La otra escena que me pareció completamente ociosa fue el epílogo. Desde que inició la película me intrigaba descubrir si Scott habría sucumbido ante la tentación de incluir un alien dentro de la cinta. Cuando finalmente vi aparecer a la criatura en el epílogo de la peli me sentí contrariado. Quiero decir, la escena es innecesaria y sobre-explicativa: Los fans que íbamos a ver la precuela de Alien ya sabíamos a lo que íbamos y no necesitábamos que se nos recordara; y por su parte, el público nuevo que no sabía que esta peli sería la precuela de Alien tampoco necesitaba saberlo, pues la película es lo suficientemente buena como para sostenerse por sus propios méritos.

    En general, aunque me gusta mucho esta cinta, creo que lo que más le dolió fue ser la precuela de Alien. Originalmente, se suponía que se mantendría la ambigüedad sobre la conexión entre esta trilogía de precuelas y la saga original de Alien; pero finalmente, se tomó un rumbo diferente del cual ya conocemos el resultado.

 

PARA LA TRIVIA: El título original que Ridley Scott había escogido para esta película era Paradise. Cuando David le pregunta a uno de los Ingenieros de dónde vienen, la respuesta que éste le da es “Paraíso”. Sin embargo, este diálogo junto con todas las alusiones que había a este concepto fue eliminado de la versión final de la película.

 

 

 

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MAD MAX

 

George Miller, 1979

Hacia mediados de la década de 1970, el desabasto de combustibles derivados del petróleo a nivel mundial dio origen a toda una serie de películas con elementos de ciencia ficción en las que se glorificaba a los vehículos automotores. De todas ellas, quizá la más famosa es una peliculita independiente de producción australiana que combinaba elementos de road movie con elementos de western en un futuro postapocalíptico llamada Mad Max.

    En un futuro cercano, cuando la civilización está al borde del colapso, Max Rockatansky (Mel Gibson en el papel que lo lanzaría a la fama) es miembro de un equipo especial de patrulleros dedicados a mantener el orden en las desérticas carreteras australianas, mismas que se han convertido en el coto de caza de ladrones de combustible (¿huachicoleros?), asesinos y toda clase de escoria criminal. Después de que el compañero de Max, Goose (Steve Bisley), es quemado vivo por la banda de motociclistas lidereada por Toecutter (Hugh Keays-Byrne, quien regresaría a la franquicia como Inmortan en Mad Max: Furia en el camino [Miller, 2015]), Max decide abandonar la corporación de patrulleros. Sin embargo, cuando Rockatansky intenta escapar, su familia será víctima del sanguinario Toecutter, desencadenando una racha de venganza que pondrá el “Mad” en Mad Max.

    Dos influencias resultan más que evidentes en el argumento anterior: Por principio de cuentas está, por supuesto, la clásica El vengador anónimo (Winner, 1974), en la que Paul Kersey (el gran Charles Bronson), un arquitecto de la ciudad de Nueva York, se convierte en vigilante luego de perder a su esposa e hija –siendo justos, la hija sólo queda en estado catatónico– a manos de unos delincuentes. La otra es un poco menos conocida y se trata de una cinta producida por el Rey de la Serie B, Roger Corman, titulada Carrera Mortal en el año 2000 (Bartel, 1975). En esta peli se muestra un futuro distópico en el que se organiza una carrera a través de diferentes ciudades de EE.UU. en la que los competidores tienen permitido asesinar a quien se les cruce en frente.

    De hecho, durante toda la película no puede dejar de sentirse una marcada influencia del cine de Corman: autos a toda velocidad, chicas, pandillas de motociclistas, violencia sin sentido y un manejo incipiente del lenguaje cinematográfico que se advierte en varios cortes raros a lo largo de la película –la cual, de hecho, fue editada en una mesa de edición hechiza armada por el padre del productor Byron Kennedy en su recámara– , así como que, por momentos, la narrativa es casi amateur –y no lo digo sólo por el lente Gran Angular mugroso durante gran parte de la cinta o por el audio mal sincronizado…– . También se siente una cierta influencia de Star Wars (Lucas, 1977), particularmente en la escena del Sugartown Cabaret, que no sólo es la típica escena de western en una cantina/bar/similar; sino que muestra una interesante arquitectura futurista de los 70. Y… ¿será posible también que haya una cierta influencia de los comics de 2000 A.D.? Miller refiere que la principal influencia para esta peli fue la postapocalíptica Un muchacho y su perro (Jone, 1975).

    Anécdota curiosa: la película fue distribuida en EE.UU. por American International Pictures, una de las compañías fundadas, de hecho, por Roger Corman. Para su distribución en dicho país, las voces de los actores fueron dobladas, pues se pensó que sus marcados acentos australianos podrían disuadir al público de ver la cinta.

    Algo que siempre me ha encantado de esta película es cómo puede lograr tanto con tan poco. Con un presupuesto reducido y, en general, con pocos elementos y la mayoría de ellos, austeros, logra crear un universo propio que es creíble y que se sabe mucho más vasto de lo que vemos en pantalla.

    Y hablando de lo que vemos, la fotografía es genial. Con una marcada influencia del Cinéma Vérité, la cámara es utilizada simultáneamente como testigo y narrador de lo que sucede en la pantalla. A pesar de los cortes duros que mencioné líneas arriba, la narrativa es muy interesante y está llena de tomas propositivas, como aquéllas en las que la cámara se sitúa al nivel del asfalto para que la carretera parezca omnipresente pues, a final de cuentas, ésta termina siendo un personaje más de esta visión pesimista de nuestro futuro. Mad Max fue una de las primeras películas filmadas en Australia en película de 35mm, de ahí que la calidad de la imagen sea tan buena.

    También retomando influencia del cine europeo de mediados del siglo XX, la película maneja un estilo de actuación súper intenso. Con una fuerte inclinación hacia el pathos, las actuaciones en Mad Max están increíblemente bien matizadas, llenas de momentos sutiles y microgestos que vuelven esta película un melodrama de venganza sofisticado. A final de cuentas, Mad Max es también una película de vigilantes, una de ésas que tan de moda estuvieron durante la segunda mitad de la década de los 70.

     Otra de las características sobresalientes de esta cinta es la violencia explícita… creo que ya no dejan hacer películas como ésta. ¿Por qué en las películas el futuro siempre es un lugar en el que no nos gustaría vivir?… y, según parece por esta película, un momento en el que no existen las escobas… Como sea, la violencia gráfica y cruda y los temas sórdidos se convierten en parte integral del argumento. Miller es médico de formación y trabajó en la sala de emergencias de un hospital. De hecho, la idea para la película se le ocurrió a raíz de la enorme cantidad de pacientes que atendían por accidentes automovilísticos y de motocicletas. Las heridas que aparecen en la película están todas basadas en heridas reales presenciadas por Miller. Esto es llevado a cabo de forma sorprendente y complementado con stunts verdaderamente asombrosos; tanto como cabría esperar de un futuro en el que los autos no son sólo un vehículo, sino un arma, una herramienta de supervivencia y una forma de vida.

    A nivel creativo, una de las ventajas de las películas de bajo presupuesto es que no están sujetas a las limitantes de las grandes producciones. Las desventajas son… pues prácticamente todo lo demás. Mad Max fue filmada en lo que los directores coloquialmente denominan “Guerrilla Filmmaking”, una estratagema para filmar prácticamente sin presupuestos ni permisos que convierte cada sesión en una escaramuza.

    Con un presupuesto que se estima en apenas USD$350 000, Miller y su equipo tuvieron que hacer de tripas corazón para sacar adelante el proyecto, y la cinta fue rodada en apenas 12 semanas. La mayoría de las acrobacias y otras suertes que se realizaron con automóviles y motocicletas eran ilegales, por lo que la producción debía filmar a escondidas, del mismo modo que cerrar carreteras de forma clandestina. La mayoría de los miembros de la banda de Toecutter eran, de hecho, miembros de bandas de bikers reales y conducían sus propias motos; a la gran mayoría de los extras de la película se les pagó con cerveza y, finalmente, casi todos los autos que aparecen en la película eran autos incautados por la Policía que fueron comprados a precios ridículos por la producción.

    Quizá el elemento más afectado por la falta de presupuesto fue el planteamiento de la historia. Ésta originalmente no había sido pensada para suceder en un futuro postapocalíptico –nunca se especifica cuál, pero se presume después de la Tercera Guerra Mundial o una guerra nuclear–. Sin embargo, puesto que la producción no podía pagar extras ni edificios limpios y cuidados, tuvieron que rentar construcciones en ruinas o filmar clandestinamente en edificios abandonados.

    También, como muchas otras cintas de la época, Mad Max hace patente el terror que sentía la sociedad establecida hacia la aparición del movimiento contracultural punk. Sin embargo, la película en sí misma termina siendo una cinta icono de dicho movimiento.

    Mad Max no es la mejor película de la historia, ni es una gran cinta de acción y ciencia ficción; pero es una gran cinta de acción y autos, y una especie de reinterpretación posmoderna del western. Además, es considerada por muchos como la cinta que abrió el mercado estadounidense al cine australiano y, por supuesto, catapultó al estrellato a Mel Gibson, un perfecto desconocido que ni siquiera había terminado la carrera de actuación en aquel entonces. Generando tres secuelas, Mad Max se convirtió, sin lugar a dudas, en un icono de la cultura pop y un referente obligado para muchas cintas por venir.

PARA LA TRIVIA: El personaje de Max Rockatansky fue nombrado así en honor al barón Carl von Rokitansky, quien diseñó el método Rokitansky a finales del siglo XIX. Éste es el procedimiento más usual para retirar los órganos internos de un cadáver durante una necropsia.

 

 

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