VORAZ. Un extraño western de caníbales y una sátira del Destino Manifiesto.

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VORAZ

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Antonia Bird, 1999

Recuerdo que cuando estaba en la secundaria esta película causó cierto revuelo en el círculo independiente. En aquel entonces, la idea me pareció súper interesante; pero no pude ver la cinta sino hasta años después. La primera vez que la vi, recuerdo que me gustó, pero me decepcionó la segunda mitad, SPOILER francamente, sentí que el elemento mágico estaba un poco fuera de lugar TERMINA SPOILER. Sin embargo, en posteriores visionados, pude agarrarle bien la onda al planteamiento de la historia y a cómo se iba narrando ésta, y la verdad es que mi percepción sobre la cinta ha cambiado. Aún creo que se cae un poco en la segunda mitad; pero aun así me parece que es bastante buena.

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    Esta historia de Gótico Americano se desarrolla durante la Guerra Mexico-Americana, cuando el Cap. Boyd (Guy Pearce), único sobreviviente de una desastrosa batalla contra tropas mexicanas, es “promovido” al Fuerte Spencer, en el gélido norte de la Sierra Nevada, en California. El emplazamiento es un desastre que apenas subsiste en medio de la miseria y el desorden, poblado por excéntricos personajes y dirigido por el Cnel. Hart (Jeffrey Jones, maravilloso). Cierto día, al fuerte llega Colqhoun (Robert Carlyle, genial), un extraño sujeto que dice haber escapado de morir a manos del líder de su expedición, el Cnel. Ives, quien comenzó a devorar a los demás miembros de ésta cuando quedaron atrapados en una caverna. Cumpliendo con su deber, el Cnel. Hart arma una expedición con algunos de los soldados apostados en el Fuerte Spencer para investigar la cueva; pero, al llegar al lugar, descubrirán la aterradora verdad detrás de la historia de Colqhoun, así como del mito indio del Wendigo.

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    Desde los albores de la humanidad, el tema del canibalismo ha sido un tabú. Mientras algunas culturas polinesias lo practicaban como parte de su dieta regular, muchas civilizaciones mesoamericanas y africanas le daban un sentido ritual. En el caso de los indios norteamericanos, casi en su mayoría, lo consideraban una práctica despreciable y de ella surge el Mito del Wendigo. El incidente de esta película está muy ligeramente inspirado en la infausta Expedición Donner (1846-1847), probablemente el caso más famoso –o infame– sobre canibalismo de supervivencia documentado durante la conquista del Oeste Estadounidense, mientras que Colqhoun está inspirado en el personaje real del presunto guía de montaña Alfred Packer, conocido como el Caníbal de Colorado.

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    El mito del Wendigo era utilizado entre los indígenas de la Costa Este de EE.UU. –en lo cual difiere de la película, que se desarrolla en California–, particularmente los pueblos algonquinos, como un tabú y una metáfora de la avaricia, la glotonería y, en última instancia, del canibalismo. El Wendigo es un espíritu malévolo del bosque que siempre se está muriendo de hambre y nunca puede saciarse. Aunque las descripciones cambian de tribu en tribu, por lo general se describe que su forma de cazar consistía en caminar siempre detrás de su presa y desaparecer cuando ésta volteaba, hasta que la llevaba a la locura. Según algunas versiones, las personas podían convertirse en wendigos luego de ser acechados por uno. Cuando uno camina por el bosque y siente que lo observan o lo siguen, pero al voltearse en derredor no puede ver nada, es el Wendigo quien sigue sus pasos.

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    La película, además de lo obvio, habla sobre el canibalismo en varios niveles. Por supuesto, trata el tema en el nivel más superficial e inmediato: el del canibalismo como tal; pero también diserta sobre el canibalismo presente durante la eucaristía católica y, al mismo tiempo, presenta un canibalismo metafórico en la falaz hazaña del Cap. Boyd, quien sacrificó a todo su pelotón para sobrevivir durante la guerra. SPOILER Del mismo modo, con las propiedades atribuidas al consumo de carne humana, la película termina siendo un cuento muy sui generis de vampiros. TERMINA SPOILER. En un nivel más intelectual, el canibalismo de esta peli funciona como sátira de la doctrina del Destino Manifiesto y la forma voraz como EE.UU. se alimenta de otros países.

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    ¡Ah, la Sierra Nevada! La desolación y el aislamiento de la cordillera occidental estadounidense se llevan tan bien con historias de horror y locura como el pan y la mermelada. Digo, fue también en dichas montañas en las que Stanley Kubrick ambientó su versión de El resplandor (1980). En el caso de Voraz, si bien la película se ambienta en tal lugar, los exteriores se filmaron en su mayoría en la República Checa y algunos otros en el estado de Durango, al noroeste México.

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    Siempre se agradece que en los primeros planos la nieve sea de verdad, pues la artificial comúnmente resulta viéndose falsa. También pienso que, por las condiciones meteorológicas y del terreno, debe haber sido una mentada de madre filmar esta película. En algunas escenas pueden notarse en los rostros de los actores quemaduras por el sol y el frío.

    La ambientación histórica está bastante bien lograda y, sobre todo, llaman la atención los vestuarios, que lucen increíbles –excepto, claro, porque en algunas tomas se nota que las charreteras de las casacas son de plástico–; pero en general, todo se ve bastante bien, particularmente porque, además de la calidad de la manufactura de vestuarios y sets, todo está súper bien iluminado y fotografiado.

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    Lo cual nos lleva a uno de los puntos más fuertes de esta cinta: la fotografía. El trabajo de Anthony B. Richmond –a quien probablemente recuerden por la fotografía de cintas como Candyman (Rose, 1992) o Nuestra pandilla (Evans, 1993)– para esta cinta es verdaderamente impresionante. La iluminación meticulosamente cuidada en interiores, así como planos generales majestuosos en los exteriores logran, respectivamente, transmitir sentimientos de claustrofobia y de soledad y aislamiento que son realmente inquietantes.

    En general, toda la película es inquietante y perturbadora lo cual se debe, además, a su tono. Si bien todo el relato está imbuido por una atmósfera de horror, la verdad es que esta cinta también retoma muchos elementos del cine de aventuras y, por momentos, echa mano también de una ácida y mordaz comedia negra. Creo que la única otra película donde he visto que se mezclan tan afortunadamente tales géneros es Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981).

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      Las actuaciones son buenas y los intérpretes hacen un buen trabajo dándole vida a este grupo de estrafalarios personajes, porque, a final de cuentas, ¿quiénes son estos tipos? Aunque muchos de los personajes secundarios están un poco botados en su tono, las interpretaciones de Carlyle y Jones son de antología. Todos y cada uno de los personajes parecen estar con un pie bien metido en la locura durante la mayor parte del tiempo. Esto genera un pandemónium al interior del fuerte que lleva a Boyd a constatar, de forma fehaciente, que su promoción al Fuerte Spencer fue un castigo por su cobardía y no un premio por sus hazañas bélicas.

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    Y el genial Robert Carlyle está en verdad aterrador en su papel de Colqhoun. La pelea final entre Boyd y Colqhoun en el guión estaba propuesta para llevarse a cabo en el techo de uno de los edificios del fuerte mientras éste se quemaba. Sin embargo, los actores sintieron que la escena ya estaba muy trillada, por lo que propusieron a la directora SPOILER que, en vez de la escena planteada en el guión, los personajes sólo se golpearan brutalmente hasta matarse. La escena resultante es mucho más fuerte a nivel emocional y es la más sangrienta de toda la película. De hecho, la producción se quedó sin sangre artificial después de filmarla. TERMINA SPOILER Por eso, si uno se fija, hay algunas secuencias en las que la sangre no se ve tan bien; esto se debe a que la producción tuvo que improvisar formulando su propia sangre artificial, pues no les era posible conseguir más.

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    La producción no estuvo exenta de problemas, pues el director original, Milcho Manchevski, fue despedido cuando apenas llevaba dos semanas de rodaje. La producción entonces propuso a Raja Gosnell (Scooby Doo, Los pitufos) para sustituirlo, pero el elenco lo rechazó por no considerarlo suficientemente apto para tal función. Finalmente, Robert Carlyle contactó a su amiga Antonia Bird, con quien trabajara en Priest (1994), para que tomara la dirección del proyecto. Finalmente, el estilo intimista y visceral de Bird dotó a la película de una profundidad emocional poco vista en películas de género.

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    El elemento que siempre me ha asombrado más de esta película es la música. Compuesto por Damon Albarn y Michael Nyman, el soundtrack es completamente distinto a cualquier cosa que haya escuchado en alguna otra película. Tomando algunos elementos de música concreta, basándose por momentos en música tradicional de los indios norteamericanos e incorporando sonidos sinfónicos y electrónicos, así como acordes de banjo y violín, y samples de música popular estadounidense, la banda sonora de esta cinta transmite un sentimiento de soledad, aislamiento e impotencia ante la ominosa fuerza del mundo natural y de los misterios que esconde. Además, en muchas de las secuencias, la música es utilizada como contrapunto para darle un tono más grotesco a lo que se está mostrando en pantalla.

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    También, a lo largo de toda la peli, hay varios stunts bastante impresionantes, como aquella secuencia en la que Boyd se lanza desde un acantilado y se desliza aparatosamente por las ramas de un árbol que, se nota, fue filmada directamente frente a cámara, sin ayuda de efectos especiales o trucos de cámara. También ayuda que, en general, la edición de toda la cinta es muy buena.

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    Voraz no es una cinta para todos, eso queda claro desde el momento en el que se convirtió en película de culto. La cinta costó alrededor de 12 millones de dólares y durante su corrida original en cines en EE.UU. apenas pudo recaudar 2 millones; pero se ha hecho de una nutrida legión de fans. Fue, además, destrozada por la crítica de su tiempo. Se trata, de hecho, de una película bastante extraña que se sale de los cánones de Hollywood para dictar sus propias reglas. Aunque todavía creo que la segunda mitad se cae un poco y el tercer acto tiene un par de problemas de ritmo, se trata de un buen melodrama de aventuras con elementos de horror y comedia que constituye, quizá, una de las mejores películas sobre caníbales que se hayan hecho, si bien su tratamiento del tema es más fantástico y termina siendo en realidad una sátira sobre el Destino Manifiesto.

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PARA LA TRIVIA: Guy Pearce es, de hecho, vegetariano. Cuando filmó la escena en la que come el estofado preparado con la carne de Knox (Stephen Spinella), estoicamente tomaba bocados de un estofado de cordero preparado por el servicio de catering para después escupirlos en cuanto la directora gritaba “¡Corte!”… Así que el asco que puede verse en su rostro era genuino.

 

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ALIEN: COVENANT. Ridley Scott terminó haciendo justo lo que no quería hacer…

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ALIEN: COVENANT

Que originalmente se llamaba Paradise; luego, para evitar el mismo problema de disociación que con Prometeo, la llamaron Alien: Paradise Lost; pero que finalmente terminó llamándose Alien: Covenant.

Ridley Scott, 2017

Cuando el empleado de la taquilla del cine me vendió los boletos para la película que él llamó “El Alien”, pensé que vería algo como lo que aparece en el video Wild Boys de Duran Duran. Siendo honesto, tenía bajas expectativas sobre esta película… y el hecho de que se estrenara una semana antes en Europa y Latinoamérica que en EE.UU. me hizo pensar que no era el único que no le tenía mucha fe al proyecto. Cuando esta cinta por primera vez en el cine, me gustó. Pero ahora que la he vuelto a ver en Blu-Ray, me he dado cuenta de su montón de fallas y me di cuenta de que la califiqué demasiado alto.

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    La historia de esta cinta sucede 10 años después de la desaparición de la nave Prometheus, cuando la nave colonizadora Covenant sufre un accidente que despierta a su tripulación del hipersueño. La tripulación, conformada por parejas casadas, excepto por el androide Walter (regresa Michael Fassbender), descubre que cerca de ellos se encuentra otro planeta desconocido con condiciones similares a las de la Tierra. El capitán Oram (Billy Crudup), a pesar de la reticencia de la Segundo Oficial, Daniels (Katherin Waterson, quien convenientemente se parece a Sigourney Weaver en el físico), decide explorar el planeta. Sin embargo, la expedición es atacada por sanguinarias criaturas mutantes. La tripulación de la Covenant parece perdida hasta que son rescatados por un inesperado aliado, gracias al cual descubrirán el destino final de los últimos sobrevivientes de la Prometheus, el secreto detrás de las criaturas y horrores más allá de sus más alocadas pesadillas.

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    No es un secreto para nadie que Ridley Scott no quería hacer esta película. En 2010, cuando se rumoraba sobre un proyecto que en aquel entonces sólo se llamaba Alien 0, la principal incógnita era el resultado que tendrían las negociaciones entre Twentieth Century Fox y el director británico. Scott aceptó dirigir el proyecto a condición de ser también el productor del para tener libertad creativa. Dicho proyecto después se convertiría en Prometeo (Scott, 2012).

    La razón es sencilla y Scott nunca la ha ocultado: la franquicia de Alien y, sobre todo su criatura estelar, están demasiado gastadas. Por eso trató de hacer una película que sirviera como precuela de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979); pero que al mismo tiempo apuntara en otra dirección. Por desgracia, el resultado, aunque bastante decente en sí mismo, no gozó del favor del público, al ser una película más orientada hacia la Ciencia Ficción y que seguía un hilo conductor enfocado en la cosmogonía, la exogénesis y la teodicea… Y bueno, hubo mucha gente que ni se enteró de que era la precuela de Alien.

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     Así las cosas, esta segunda película en la trilogía de precuelas de Alien trata de incorporar más elementos de horror. Al mismo tiempo, enlaza las tramas de Prometeo con la de las películas de Alien, mandando un poco a volar la primera y dando más énfasis a la segunda. Pero creo que lo mejor es que deja dos cosas bien claras: Primera, que Prometeo es indiscutiblemente una precuela de Alien ‒según lo que se planea, vendría siendo como Alien -2 ‒ y, definitivamente, saca del canon las inmundas películas de Alien vs Depredador (Anderson, 2004) y Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    No entiendo muy bien por qué me gustó tanto esta peli la primera vez y la verdad no entiendo por qué dije que el guión era bueno. Digo, los diálogos están bien en general; pero hay sendos huecos en él… y huecos profundos ‒sigo preguntándome por qué a un androide le crecería el cabello, por qué una nave cuya misión es colonizar y poblar nuevos planetas llevaría una pareja homosexual o cómo es posible que un camión que es lanzado desde la órbita planetaria caiga en línea recta hacia la superficie del planeta ‒. Al menos los personajes y sus relaciones están más o menos trabajados.

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    La peli mayormente se enfoca en el horror. Es una de las películas más sangrientas que he visto en los últimos años, lo que agradezco de verdad, porque por alguna razón los personajes de las películas actuales no tienen sangre. Casi al final hay una escena en una ducha que me pareció casi salida de alguna de las tantas entregas de Viernes 13, con un tímido topless incluido, cortesía de la hermosa Callie Hernandez… sí, así es, hay una mujer atractiva en una película de Alien… y sí, tuvieron que pasar casi 40 años para ver la primera escena casi topless en una película de la franquicia, sin contar a la Ripley mutante de Alien: la resurrección (Jeunet, 1997). Y francamente, me parece que esto es un paso atrás en la serie.

    Hay también muchos elementos de película de aventuras ‒es la primera cinta en la franquicia en la que vemos a los aliens en exteriores y, lo que es más, en medio de la vegetación‒, de película de acción ‒hay una escena de kung fu, lo juro‒ e incluso de thriller. Las secuencias entre Walter (Michael Fassbender) y David (Michael Fassbender…) están imbuidas de una atmósfera de misterio que llega a ser increíblemente perturbadora.

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    Las actuaciones se mantienen un nivel decente. Por supuesto, el que sobresale de todo el elenco y el que lleva la carga histriónica de la película es Fassbender, tanto así que lo pusieron a hacer dos papeles simultáneamente, por lo que la cinta termina siendo algo así como El show de Michael Fassbender y sus amigos

    Lo que sí está muy bien es la fotografía. Se agradece sobremanera que los realizadores prefirieran filmar en escenarios reales y redujeran al mínimo la utilización de sets virtuales. Las locaciones en Australia y Nueva Zelanda están muy bien aprovechadas y, aunque podrían parecer demasiado familiares, aún conservan ese halo de primitivismo que les da una calidad extraterrestre. La iluminación también está padre, aunque manda a la goma ese halo de misterio que tan bien funcionó en la cinta original… Por primera vez, vemos un xenomorfo a plena luz del día.

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    El diseño de la criatura es interesante. Toma como base del diseño original de Giger, pero retoma al mismo tiempo muchos elementos de los aiens de Alien: la resurrección (Jeunuet, 1997) de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr. Sin embargo, mientras que el alien de Giger era elegante y de aspecto biomecánico, el de esta cinta se ve salvaje y primitivo, lleno de texturas fibrosas y nervudas y, por primera vez se ve dentro de la cabeza de la criatura el cráneo que Giger puso originalmente ahí y que se perdió en la oscuridad de la primera cinta.

    SPOILER Por supuesto, lo que yo me pregunté desde que vi el primer tráiler de Alien: Covenant fue: Si en el tráiler nos están dejando ver al xenomorfo a plena luz del día, ¿qué será lo que no nos están mostrando? La respuesta es una nueva criatura en la franquicia, conocida como Neomorfo, que es una especie de versión primigenia del alien que todos conocemos y amamos; pero que se ve más orgánica y más cercana a los seres humanos. Originalmente, H.R. Giger, quien diseñara a la criatura original, quería que el xenomorfo de la primera película fuera de un color carne o hueso translúcido ‒como lagartija besucona‒, sin embargo, por las limitantes de los materiales de la época, esto no fue posible; pero ahora, casi cuarenta años después, este concepto fue llevado a la pantalla. TERMINA SPOILER

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    Los efectos especiales están bastante bien y me agrada mucho que, al menos en los primeros planos, las criaturas sean animatrónicas en vez de CGI. Llámenme anticuado, pero ya saben que siempre preferiré los animatrónicos y puppets por sobre el CGI.

    La película tiene varios fallos que convendría revisar. Alien: Covenant es al mismo tiempo una secuela y una precuela, y sí, está plagada de los fallos que abundan en precuelas y en secuelas al mismo tiempo.

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    Por ejemplo, falla la continuidad con las películas originales o se explican cosas que no deberían explicarse ¿De verdad era necesario explicar el origen de la criatura? Sobre todo, ¿era necesario que los xenomorfos fueran creados artificialmente? ¿No era mejor sólo dejarlo en que hay especies en el universo más letales que la humana? Digo, eso le daba un ligero tinte de Horror Cósmico a la original. Está también el que me gusta llamar el Efecto Episodio I: ¿Por qué si se supone que esta película sucede décadas antes que la original, todo se ve más moderno? Digo, podría salirme por la tangente diciendo que en Prometeo y Alien: Covenant parece que los viajes por el espacio son exclusivos para los ricos y poderosos, mientras que en Alien, el octavo pasajero ya están al alcance del hombre común; pero la verdad es que esa explicación no me convence ni a mí.

    En segundo término, la película también sufre de muchos de los defectos de las cintas de esta década: el inclusionismo injustificado, el hecho de que parece que ya a nadie le gusta usar tripiés para que sus tomas se vean más “dinámicas”, el que, a pesar de que no se hace pesada, se siente que la película podría durar menos ‒tengo la impresión de que últimamente las películas se hacen más largas y creo que quizá se deba a que las distribuidoras quieren que el gringo promedio sienta que desquita los alrededor de USD$20 que paga por un boleto para el cine‒, los finales con vuelta de tuerca increíblemente predecibles y otros tantos.

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    También se nota la presión por parte de algún agente externo para vincular esta peli con la original. En el argumento original para esta película, la Dra. Elizabeth Shaw y los restos de David llegaban al planeta de los Ingenieros, y se veían involucrados de algún modo en la extinción de éstos ocasionada por una pandemia generada a partir de uno de sus experimentos genéticos que se salió de control.

    Pero, en algún momento, Scott se vio forzado a mandar a la goma completamente la línea argumental de los Ingenieros, lo que vuelve el argumento de Prometeo completamente intrascendente para la saga. Es decir, hicieron una de esas cosas que detesto que hagan en las secuelas: tiraron por la borda a la película anterior.

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    Aun así, me quedó una duda enorme: ¿David exterminó a los Ingenieros? Digo, porque los que salen en esta peli no se parecen tanto a los de la primera y, de hecho, parecen adorarlos como dioses. Yo entendí que se trataba de otra especie descendiente de los Ingenieros, como la nuestra; pero quizá me equivoco.

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    En general, creo que Covenant es una de las entradas más débiles de la saga y es también un crudo reflejo de la crisis del cine de Hollywood ‒bueno, siendo justos, la producción es principalmente británica‒. Toda la cinta se siente como una oportunidad desperdiciada; pero, sobre todo, se nota que Ridley Scott terminó haciendo justo lo que no quería hacer con Prometeo: una precuela directa de Alien.

ALIEN: COVENANT

 

PARA LA TRIVIA: Ridley Scott se negó a ver Alien 3 (Fincher, 1992) cuando se estrenó originalmente. Cuando finalmente la vio, décadas después, le desagradó tanto que tuvo la idea de escribir una “secuela alternativa”. El argumento de dicha secuela fue la base sobre la cual se escribió el guión de Alien: Covenant.

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SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA. ¿Se acuerdan de “James Bond Jr.”? ¡Volvió! En forma de Spider-Man.

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SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA

Spider-Man: Far From Home

 

Jon Watts, 2019

 

No me gustó Spider-Man: de regreso a casa (Watts, 2017). El planteamiento de un Spider-Man que, en vez de ser un superhéroe por derecho propio, es el ahijado de Tony Stark y que sus superpoderes quedan como elemento secundario no me convenció nada. Se parece más a Timmy Turner que a Spider-Man. Para esta segunda entrega del Spider-Man integrado al Universo Cinematográfico Marvel, esperaba que el personaje regresara a algo un poco más cercano al original y, si bien no fue así del todo, la verdad es que esta película me agradó mucho más que su predecesora.

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    La historia se sitúa seis meses después de los eventos vistos en Avengers: Endgame (Hnos. Russo, 2019) –que parecen no haber tenido repercusión alguna en la sociedad–, cuando Peter Parker (Tom Holland, lo mejor de la peli) está por realizar un viaje escolar a Europa. En todo aspecto posible fatigado por la lucha contra Thanos y emocionalmente lastimado por la pérdida de su amigo y mentor, Tony Stark (Robert Downey Jr.), Parker se encuentra renuente a seguir cumpliendo con su deber de superhéroe. Cuando aparece Mysterio (Jake Gyllenhaal), un enigmático superhéroe que lucha para defender a nuestro planeta de seres elementales interdimensionales, Parker cree que podrá tomar un descanso. Sin embargo, no pasará mucho tiempo antes de que el Amigable Vecino descubra que Mysterio no es quien dice ser.

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    Como mencioné arriba, me gustó mucho más esta película que la anterior. Me emocioné en las escenas de acción, me reí con los chistes y toda la comedia adolescente –que es mucha– y, en general, disfruté la película en su mayor parte. Aunque, siendo objetivo, no me pareció particularmente buena.

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    Las actuaciones están bastante bien, particularmente de parte de los jóvenes. Quien se luce de todas todas es Tom Holland, quien creo que es un gran Spider-Man… bueno, no… la verdad es que no. Holland es mejor como Peter Parker que como Spider-Man; pero eso tiene que ver más con el planteamiento del personaje que con su interpretación. En general, todos los actores tienen buena química en pantalla, aunque me parece que los chavos se desenvuelven mejor por el lado de la comedia romántica adolescente a la Disney Channel que todo el rollo de los superhéroes y villanos.

Tom Holland (Pending);Jake Gyllenhaal (Finalized);Numan Acar (Finalized)

    Y perdón, pero sigo sin creerme que Zendaya sea MJ –aunque el personaje en esta peli es mucho más cercano al original de los comics– ni que Marisa Tomei sea la tía May… ni porque sus nombres riman. Quizá el eslabón más débil de la cadena sea Gyllenhaal, quien se siente tibio en un papel que daba para mucho más.

    Los efectos especiales están bastante bien. Aunque no soy fan del uso indiscriminado del CGI, al menos en esta película se mantiene un cierto nivel de calidad que otras producciones no tienen. Muchas veces, los efectos visuales de una cinta son encargados a varios estudios pequeños y la falta de integración sale a relucir en el producto final. No es el caso con esta película, en la que todos los efectos especiales se integran de manera orgánica.

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    Ahora bien, creo que el principal fallo de la película es el guión, que no sólo es terriblemente disparejo, sino un tato ocioso. Como si los guionistas se hubieran visto obligados a cumplir con una duración predeterminada y no hubiesen sabido con qué llenarla. El primer acto es lento y falto de cohesión. De hecho, más que una historia, parecen un montón de sketches de algún programa cómico que no están destinados a nada. El segundo acto se quiere poner serio y es en la única parte de la película en la que Mysterio hace… pues lo que uno esperaría que Mysterio hiciera como villano de una película; por desgracia, debido al cambio de tono de la historia en esta parte, pareciera que se tratase de una película completamente distinta. Finalmente, el tercer acto se vuelve a caer cuando Mysterio… pues básicamente deja de ser Misterio y en la confrontación final en realidad vale madres si uno es un genio de la tecnología holográfica –en los comics era un ilusionista, artista de efectos especiales y stunt– y el otro tiene superpoderes de una araña radioactiva porque, de todos modos, ambos usan la tecnología de papi Tony Stark.

    SI ADVIERTO QUE ESTE PÁRRAFO ES UN SPOILER, ESTARÍA CONTRADICIENDO LO QUE DIGO EN ÉL… Lo que me pareció una monumental pérdida de tiempo fue la supuesta vuelta de tuerca de Mysterio. De verdad, creo que es por completo ociosa. Quiero decir ¿qué sentido tiene mantener a tu villano encubierto cuando todo mundo ya sabe que es el villano? El chiste de una vuelta de tuerca es que –por lo menos pretende– generar sorpresa. No conformes con no lograrlo, el desarrollo del personaje es lentísimo. Desde que aparece este villano haciéndose pasar por superhéroe que ya todos sabemos que es un villano porque… pues no mames, somos fans de Spider-Man y por eso estamos aquí, hasta el momento en que por fin se revela su identidad pasa una eternidad… de cosas no tan interesantes, además.

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    SPOILER Lo que sí verdaderamente odié fue la muerte de Mysterio. Y la odié porque es exactamente el mismo modo en el que murió el Buitre en la película anterior: embriagado de poder, el villano es incapaz de controlarse y termina matándose a sí mismo. Lo cual es increíblemente anticlimático. En las películas originales de Spider-Man, los villanos también terminaban destruyéndose a sí mismos; pero esta destrucción era el resultado –excepto por Green Goblin– de una anagnórisis en la que caían en cuenta de que en este mundo no había lugar para ellos… el Dock Ock y Sandman terminaban redimiéndose como héroes trágicos. El Buitre y Mysterio terminan sólo siendo idiotas. TERMINA SPOILER

    El diseño, pero sobre todo, la utilización del traje de Mysterio tampoco me acabaron de encantar. Digo, en general, el traje está bastante bien… sólo que es demasiado parecido al de Thor… Quiero decir, teniendo la tecnología para hacer un traje de Mysterio que de verdad se viera mamalón, SPOILER prefirieron sólo usarlo durante poco tiempo en pantalla. Nuevamente, nada de eso importa de todos modos, pues en la confrontación final Mysterio ni siquiera usa su traje, sino que prefiere vestir una pijama gris para Motion Capture. TERMINA SPOILER

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    Y bueno, lo que ya mencioné en mi crítica a Spider-Man: de regreso a casa sigue desagradándome. Sigue sin gustarme que el personaje de Spider-Man gire en torno al de Iron Man. Sigue sin gustarme que los poderes arácnidos de este Spider-Man queden en segundo plano porque finalmente, y en esta película se nota mucho más, Spider-Man parece una especie de James Bond… ¿Saben qué? No había caído en cuenta de eso, pero Spider-Man: lejos de casa parece más un episodio de James Bond Jr. (1991-1992) que una película de Spider-Man. ¡Ah, cómo extraño cuando Spidey sólo era mi amigable vecino!

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    Spider-Man: lejos de casa no es la mejor película de Spider-Man –a la fecha, ésa sigue siendo Spider-Man 2 (Raimi, 2004)–; pero tampoco es la peor –ese título lo sigue llevando The Amazing Spider-Man 2 (Webb, 2014)–. De hecho, ése es quizá su punto más flaco: que, a la postre, termina siendo anodina, pues se trata de más de lo mismo que la cinta anterior: más Peter Parker y su marginación social en la prepa, más de un super villano que engaña a Parker al suplir a su figura paterna ausente, más de Parker tratando de llenar las expectativas de Tony Stark, más cameos irrelevantes de villanos clásicos de Spider-Man –en esta ocasión se trata de Hydro-Man… más o menos–, más villanos que se matan solos… ¡Pero ahora en Europa!

SPIDER-MAN: ™ FAR FROM HOME

    No voy a mentir: con todos sus fallos, disfruté la película; pero la verdad es que no me pareció nada más que un entretenimiento de fin de semana y difícilmente volvería a verla.

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    Esta película marca un punto decisivo en la alianza Sony/Marvel sobre los derechos de Spider-Man. Según una cláusula estipulada en el contrato que fue revelada recientemente, el acuerdo decía que Sony y Marvel compartirían al personaje para tres apariciones en películas de otros superhéroes de Marvel –término que ya se cumplió– y tres películas en solitario –van dos– si y sólo si la segunda película alcanzaba una recaudación mínima de 1000 millones de dólares en taquilla a nivel mundial –lleva 600–. Parece poco probable que la cinta falle en conseguir dicha marca, por lo que es casi seguro que tendremos una tercera parte.

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PARA LA TRIVIA: Mysterio, y muy probablemente el Lagarto, eran los villanos que aparecerían en la nunca producida Spider-Man 4, de Sam Raimi, y el legendario Bruce Campbell, amigo íntimo y actor fetiche de Raimi, daría vida al villano de la escafandra. Durante la planeación de Lejos de casa, Tom Holland insistió a los productores, sin resultados, para que el villano fuera Kraven, el cazador, y que éste fuera interpretado por Jason Momoa. Finalmente, los productores decidieron regresar a la idea de Mysterio y le ofrecieron el papel originalmente a Matt Damon, quien lo rechazó.

 

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PROMETEO. ¿Un nuevo clásico del Sci-Fi o una tomada de pelo?

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PROMETEO

Prometheus

 

Ridley Scott, 2012

A la fecha sólo existe una edición de esta película, la que se estrenó en cines con 124 minutos de duración; sin embargo, en la edición especial en Blu-Ray se incluyen alrededor de 36 minutos de escenas eliminadas, extendidas y alternativas. En general, estas escenas extienden algunas líneas argumentales de la película o desarrollan más a profundidad el carácter de algunos personajes; otras vinculan esta cinta aún más estrechamente con la primera Alien.

Recuerdo que tenía como siete años la primera vez que vi Alien: el octavo pasajero (Scott, 1979) y me moría del susto. Desde entonces quedé fascinado con el universo planteado por la película, volviéndome no sólo un fanático, sino prácticamente un estudioso del tema. Hace como cuatro años se empezó a barajar la posibilidad de continuar con la franquicia; sin embargo, los intentos por crear una nueva franquicia con Alien vs Depredador (Anderson, 2004) tuvieron desastrosos resultados y ninguno de los involucrados en la saga original, ni la mismísima Sigourney Weaver, quien fungió incluso como productora ejecutiva de las últimas dos entregas, tenía interés en filmar una nueva secuela. Así las cosas, la propuesta de Twentieth Century Fox, dueños de los derechos del personaje, fue hacer un remake.

    Ante el repudio general de los fans en cuanto se filtró el rumor del remake, la Fox decidió cambiar de planes. Así pues, ya que la historia difícilmente podía extenderse más a través de secuelas, se planeó la posibilidad de una precuela y la casa productora anunció que comenzaría a trabajar en el proyecto cuyo nombre clave fue Alien 0. Para dicha cinta, Fox quiso reunir a los productores y director originales de la primera cinta de Alien, pero Ridley Scott se negó. Durante casi un año las negociaciones se empantanaron, pues ninguna de las partes quería ceder: Fox no quería producir Alien 0 sin Scott y Scott no quería hacer una precuela de Alien.

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    Después de mucho negociar, el director británico accedió a dirigir la película con la condición de que le dejaran también producirla. Fox estuvo de acuerdo y Scott comenzó a trabajar en la cinta con un control creativo casi absoluto. Esta libertad le permitió transformar lo que pretendía ser Alien 0 en la primera entrega de toda una nueva saga, anterior a Alien y que, tarde o temprano, se enlazaría con ella.

    En esta cinta, ubicada a finales del siglo XXI, un grupo de científicos descubre pinturas rupestres en Escocia que coinciden con otros varios jeroglíficos y estelas halladas en diversas épocas en diferentes lugares del mundo. Los científicos a cargo de la investigación, la Dra. Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y el Dr. Charlie Holloway (Logan Marshall Green) encuentran en estos jeroglíficos el mapa para llegar a un planeta desconocido en el que podría habitar vida inteligente estrechamente ligada a la raza humana. Con el patrocinio del difunto empresario Peter Weyland (Guy Pearce), Shaw y Holloway se embarcan en una expedición, a bordo de la nave Prometeo, que podría revelar el secreto de la creación del hombre… pero también, quizás, de su destrucción.

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    En una primera instancia, parece que la pregunta que plantea esta película es “Si estuvieras frente a tu creador ¿qué le preguntarías?” Sin embargo, conforme la trama se va desarrollando y más y más información es revelada, la interrogante planteada termina siendo más bien “Si le preguntaras a tu creador qué pretendía lograr cuando te creó ¿realmente querrías escuchar la respuesta?”

    Parece que cada vez que Ridley Scott mete las manos en la ciencia ficción, termina redefiniendo el género. Siendo responsable de obras maestras como la mencionada Alien o el “trhiller noir” Blade Runner (1982), dos de las películas más influyentes del género, Scott entrega en Prometeo una cinta que bien podría convertirse en un nuevo clásico; aunque, eso sí, se trata de una película mucho más condescendiente con el público que las dos anteriores.

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    Mezclando elementos de ciencia ficción dura, de horror, terror y thriller, Prometeo explora el controvertido tema de la exogénesis aderezándolo con elementos de la saga de Alien y sutilmente integrándolo a ella. A este respecto, dos opiniones que han rondado los círculos de críticos y fanáticos alrededor del mundo desde que se estrenó la cinta original en 1979 hallan su respuesta en esta película.

    Por principio de cuentas, está la morfología humanoide del Linguofeda acheronsis (nombre científico ficticio de la criatura); controvertida tomando en cuenta el hecho de que la evolución es un proceso caótico, por lo tanto, las probabilidades de que una forma de vida extraterrestre sea físicamente parecida al Homo sapiens son prácticamente ridículas.

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    Siguiendo este mismo orden de ideas, el Linguofeda acheronsis parece evolutivamente adaptado específicamente para ser un eficiente depredador de la raza humana; sin embargo, se suponía que ambas especies jamás habían estado en contacto.

    Como bien dije, estas cuestiones encuentran una satisfactoria respuesta, que en realidad es aún más oscura y perturbadora de lo que cabría esperar inicialmente, en Prometeo.

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    Las actuaciones de todos los involucrados son de primer nivel. Destacan particularmente la interpretación de Michael Fassbender como el androide David y la ya mencionada Noomi Rapace (a quien, discúlpenme ustedes, sigo sin verle lo guapa) como Elizabeth Shaw. Fassbender logra dotar a su personaje de una rica complejidad a través de acciones sutiles y mesuradas. Todo lo que hace David es completamente medido, exacto y preciso, pues es una máquina.

    Por su parte, Shaw representa un ideal romántico del científico que llega hasta las últimas consecuencias –el arquetipo de Frankenstein–, sacrificándose incluso él y a sus seres queridos, en aras del conocimiento. De hecho, el personaje de Shaw fue uno de los más problemáticos, pues había distintas propuestas para darle vida. Originalmente, se trataba de una persona más visceral y explosiva que ve convertido su idealismo científico en un desencantado nihilismo. Sin embargo, después de varias consideraciones, Scott decidió volver a filmar algunas de sus escenas para convertir al personaje en uno más comprensivo y concesivo.

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    En el rubro de los efectos especiales, la película está muy bien cuidada. Los efectos son impresionantes y sumamente realistas, además de que en general se nota que Scott prefirió el uso de efectos físicos y maquillaje protésico a la usanza de la vieja escuela por sobre los efectos digitales. De hecho, hubo un par de escenas que se filmaron con ambas técnicas, y el director eligió utilizar finalmente aquéllas tomas sin CGI.

    En el aspecto del maquillaje, sin embargo, sí me quedó a deber la caracterización de Guy Pearce como el vetusto Peter Weyland que no hay un minuto en el que no se vea falsa… Y pensar que pudieron arreglarlo fácilmente con un par de pupilentes.

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    Otro gran acierto de la cinta es la música compuesta por Marc Streitenfield. El soundtrack logra crear atmósferas con la ayuda de melodías que van desde lo más romántico e intimista hasta temas grandilocuentes y épicos; pero en general, la música es inquietante y angustiante. Algo tiene esta partitura que ayuda a crear el suspenso necesario para la cinta y lo mantiene a uno atento durante las dos horas que dura.

    Sin duda, gran parte del éxito de la primera Alien recayó en el apartado del diseño. Ciertamente era una tarea difícil lograr algo equiparable a los geniales diseños que H.R. Giger, Ron Cobb y Moebius desarrollaron para la cinta original, y sin embargo, el equipo de Prometeo lo logró.

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    Si bien la mayoría de los artefactos y construcciones alienígenas (construidas por los llamados “Ingenieros”, suerte de raza primigenia) conservan el estilo biomecanoide que tan popular hizo a la criatura de la primera cinta, los diseñadores de Prometeo se las ingeniaron para crear un entorno que se nota es producto de una civilización avanzada. Aunque se desconozca cuál es, todos los artefactos y construcciones de los Ingenieros denotan haber sido creados para una función específica.

    Algo que me encantó también fue el diseño de la nave Prometeo, pues fue desarrollado a partir del diseño de la Nostromo original. Incluso se puede percibir que los diferentes espacios de la nave están acomodados casi de la misma forma. Sin embargo, la Nostromo era una especie de tráiler espacial, una nave de carga de la flota de la Corporación Weyland-Yutani; mientras que la Prometeo es una nave particular para pasajeros propiedad de Peter Weyland. Digamos que la Prometeo viene siendo la versión de lujo de la Nostromo.

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    El diseño que más me gustó fue el de los Ingenieros. Dado que supuestamente esta raza alienígena fue la inspiración para los dioses de las mitologías antiguas, sus rasgos fueron diseñados a partir de las esculturas clásicas grecolatinas; incluso el color de su piel es el del mármol –a pesar de que esto es un error, pues las estatuas de mármol de la antigüedad clásica originalmente estaban pintadas de colores realistas–. El resultado son seres de una belleza ominosa por la perfección apolínea de sus proporciones.

    Prometeo, cuyo planteamiento parece apuntar hacia una especie de Ragnarök en el espacio,  tiene todos los elementos para convertirse en un nuevo clásico de la ciencia ficción. Ridley Scott y su equipo lograron lo que pocas secuelas/precuelas tardías han podido conseguir: satisfacer a los seguidores de la entrega original y cautivar al público de nuevas generaciones. Eso sí hay que decirlo, para conseguir esto, Scott tuvo que sacrificar un poco de la narrativa que originalmente planeó para esta cinta, optando por una menos críptica y esotérica, y más accesible y complaciente para el público general.

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    Hubo dos elementos que sí debo decir que no me gustaron nada, porque a mi parecer dan un poco al traste con el misterio detrás de dos de las figuras más desconcertantes de Alien.

    Por principio de cuentas, está el hecho de que se revele que el tan misterioso organismo fosilizado que aparece en el planeta LV-426 (posteriormente rebautizado como Acheron) es simplemente un traje espacial. Durante muchos años no sólo los fans, sino otros creativos del universo expandido de Alien, conjeturamos sobre cómo se vería esta criatura cuando estaba viva. Ahora resulta que es simplemente un traje de piloto.

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    La otra escena que me pareció completamente ociosa fue el epílogo. Desde que inició la película me intrigaba descubrir si Scott habría sucumbido ante la tentación de incluir un alien dentro de la cinta. Cuando finalmente vi aparecer a la criatura en el epílogo de la peli me sentí contrariado. Quiero decir, la escena es innecesaria y sobre-explicativa: Los fans que íbamos a ver la precuela de Alien ya sabíamos a lo que íbamos y no necesitábamos que se nos recordara; y por su parte, el público nuevo que no sabía que esta peli sería la precuela de Alien tampoco necesitaba saberlo, pues la película es lo suficientemente buena como para sostenerse por sus propios méritos.

    En general, aunque me gusta mucho esta cinta, creo que lo que más le dolió fue ser la precuela de Alien. Originalmente, se suponía que se mantendría la ambigüedad sobre la conexión entre esta trilogía de precuelas y la saga original de Alien; pero finalmente, se tomó un rumbo diferente del cual ya conocemos el resultado.

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PARA LA TRIVIA: El título original que Ridley Scott había escogido para esta película era Paradise. Cuando David le pregunta a uno de los Ingenieros de dónde vienen, la respuesta que éste le da es “Paraíso”. Sin embargo, este diálogo junto con todas las alusiones que había a este concepto fue eliminado de la versión final de la película.

 

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MAD MAX. Los salvajes de autopista cumplen 40 años.

 

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MAD MAX

 

George Miller, 1979

Hacia mediados de la década de 1970, el desabasto de combustibles derivados del petróleo a nivel mundial dio origen a toda una serie de películas con elementos de ciencia ficción en las que se glorificaba a los vehículos automotores. De todas ellas, quizá la más famosa es una peliculita independiente de producción australiana que combinaba elementos de road movie con elementos de western en un futuro postapocalíptico llamada Mad Max.

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    En un futuro cercano, cuando la civilización está al borde del colapso, Max Rockatansky (Mel Gibson en el papel que lo lanzaría a la fama) es miembro de un equipo especial de patrulleros dedicados a mantener el orden en las desérticas carreteras australianas, mismas que se han convertido en el coto de caza de ladrones de combustible (¿huachicoleros?), asesinos y toda clase de escoria criminal. Después de que el compañero de Max, Goose (Steve Bisley), es quemado vivo por la banda de motociclistas lidereada por Toecutter (Hugh Keays-Byrne, quien regresaría a la franquicia como Inmortan en Mad Max: Furia en el camino [Miller, 2015]), Max decide abandonar la corporación de patrulleros. Sin embargo, cuando Rockatansky intenta escapar, su familia será víctima del sanguinario Toecutter, desencadenando una racha de venganza que pondrá el “Mad” en Mad Max.

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    Dos influencias resultan más que evidentes en el argumento anterior: Por principio de cuentas está, por supuesto, la clásica El vengador anónimo (Winner, 1974), en la que Paul Kersey (el gran Charles Bronson), un arquitecto de la ciudad de Nueva York, se convierte en vigilante luego de perder a su esposa e hija –siendo justos, la hija sólo queda en estado catatónico– a manos de unos delincuentes. La otra es un poco menos conocida y se trata de una cinta producida por el Rey de la Serie B, Roger Corman, titulada Carrera Mortal en el año 2000 (Bartel, 1975). En esta peli se muestra un futuro distópico en el que se organiza una carrera a través de diferentes ciudades de EE.UU. en la que los competidores tienen permitido asesinar a quien se les cruce en frente.

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    De hecho, durante toda la película no puede dejar de sentirse una marcada influencia del cine de Corman: autos a toda velocidad, chicas, pandillas de motociclistas, violencia sin sentido y un manejo incipiente del lenguaje cinematográfico que se advierte en varios cortes raros a lo largo de la película –la cual, de hecho, fue editada en una mesa de edición hechiza armada por el padre del productor Byron Kennedy en su recámara– , así como que, por momentos, la narrativa es casi amateur –y no lo digo sólo por el lente Gran Angular mugroso durante gran parte de la cinta o por el audio mal sincronizado…– . También se siente una cierta influencia de Star Wars (Lucas, 1977), particularmente en la escena del Sugartown Cabaret, que no sólo es la típica escena de western en una cantina/bar/similar; sino que muestra una interesante arquitectura futurista de los 70. Y… ¿será posible también que haya una cierta influencia de los comics de 2000 A.D.? Miller refiere que la principal influencia para esta peli fue la postapocalíptica Un muchacho y su perro (Jone, 1975).

Mel Gibson In 'Mad Max'

    Anécdota curiosa: la película fue distribuida en EE.UU. por American International Pictures, una de las compañías fundadas, de hecho, por Roger Corman. Para su distribución en dicho país, las voces de los actores fueron dobladas, pues se pensó que sus marcados acentos australianos podrían disuadir al público de ver la cinta.

    Algo que siempre me ha encantado de esta película es cómo puede lograr tanto con tan poco. Con un presupuesto reducido y, en general, con pocos elementos y la mayoría de ellos, austeros, logra crear un universo propio que es creíble y que se sabe mucho más vasto de lo que vemos en pantalla.

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    Y hablando de lo que vemos, la fotografía es genial. Con una marcada influencia del Cinéma Vérité, la cámara es utilizada simultáneamente como testigo y narrador de lo que sucede en la pantalla. A pesar de los cortes duros que mencioné líneas arriba, la narrativa es muy interesante y está llena de tomas propositivas, como aquéllas en las que la cámara se sitúa al nivel del asfalto para que la carretera parezca omnipresente pues, a final de cuentas, ésta termina siendo un personaje más de esta visión pesimista de nuestro futuro. Mad Max fue una de las primeras películas filmadas en Australia en película de 35mm, de ahí que la calidad de la imagen sea tan buena.

    También retomando influencia del cine europeo de mediados del siglo XX, la película maneja un estilo de actuación súper intenso. Con una fuerte inclinación hacia el pathos, las actuaciones en Mad Max están increíblemente bien matizadas, llenas de momentos sutiles y microgestos que vuelven esta película un melodrama de venganza sofisticado. A final de cuentas, Mad Max es también una película de vigilantes, una de ésas que tan de moda estuvieron durante la segunda mitad de la década de los 70.

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     Otra de las características sobresalientes de esta cinta es la violencia explícita… creo que ya no dejan hacer películas como ésta. ¿Por qué en las películas el futuro siempre es un lugar en el que no nos gustaría vivir?… y, según parece por esta película, un momento en el que no existen las escobas… Como sea, la violencia gráfica y cruda y los temas sórdidos se convierten en parte integral del argumento. Miller es médico de formación y trabajó en la sala de emergencias de un hospital. De hecho, la idea para la película se le ocurrió a raíz de la enorme cantidad de pacientes que atendían por accidentes automovilísticos y de motocicletas. Las heridas que aparecen en la película están todas basadas en heridas reales presenciadas por Miller. Esto es llevado a cabo de forma sorprendente y complementado con stunts verdaderamente asombrosos; tanto como cabría esperar de un futuro en el que los autos no son sólo un vehículo, sino un arma, una herramienta de supervivencia y una forma de vida.

    A nivel creativo, una de las ventajas de las películas de bajo presupuesto es que no están sujetas a las limitantes de las grandes producciones. Las desventajas son… pues prácticamente todo lo demás. Mad Max fue filmada en lo que los directores coloquialmente denominan “Guerrilla Filmmaking”, una estratagema para filmar prácticamente sin presupuestos ni permisos que convierte cada sesión en una escaramuza.

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    Con un presupuesto que se estima en apenas USD$350 000, Miller y su equipo tuvieron que hacer de tripas corazón para sacar adelante el proyecto, y la cinta fue rodada en apenas 12 semanas. La mayoría de las acrobacias y otras suertes que se realizaron con automóviles y motocicletas eran ilegales, por lo que la producción debía filmar a escondidas, del mismo modo que cerrar carreteras de forma clandestina. La mayoría de los miembros de la banda de Toecutter eran, de hecho, miembros de bandas de bikers reales y conducían sus propias motos; a la gran mayoría de los extras de la película se les pagó con cerveza y, finalmente, casi todos los autos que aparecen en la película eran autos incautados por la Policía que fueron comprados a precios ridículos por la producción.

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    Quizá el elemento más afectado por la falta de presupuesto fue el planteamiento de la historia. Ésta originalmente no había sido pensada para suceder en un futuro postapocalíptico –nunca se especifica cuál, pero se presume después de la Tercera Guerra Mundial o una guerra nuclear–. Sin embargo, puesto que la producción no podía pagar extras ni edificios limpios y cuidados, tuvieron que rentar construcciones en ruinas o filmar clandestinamente en edificios abandonados.

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    También, como muchas otras cintas de la época, Mad Max hace patente el terror que sentía la sociedad establecida hacia la aparición del movimiento contracultural punk. Sin embargo, la película en sí misma termina siendo una cinta icono de dicho movimiento.

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    Mad Max no es la mejor película de la historia, ni es una gran cinta de acción y ciencia ficción; pero es una gran cinta de acción y autos, y una especie de reinterpretación posmoderna del western. Además, es considerada por muchos como la cinta que abrió el mercado estadounidense al cine australiano y, por supuesto, catapultó al estrellato a Mel Gibson, un perfecto desconocido que ni siquiera había terminado la carrera de actuación en aquel entonces. Generando tres secuelas, Mad Max se convirtió, sin lugar a dudas, en un icono de la cultura pop y un referente obligado para muchas cintas por venir.

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PARA LA TRIVIA: El personaje de Max Rockatansky fue nombrado así en honor al barón Carl von Rokitansky, quien diseñó el método Rokitansky a finales del siglo XIX. Éste es el procedimiento más usual para retirar los órganos internos de un cadáver durante una necropsia.

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ALIEN VS DEPREDADOR 2. Todas las franquicias tienen una entrega de la cual avergonzarse…

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Aliens vs Predator: Requiem

 

Colin Strause y Greg Strause, 2007

 

Existen dos versiones de esta película: El corte para cine de 94 minutos de duración y la edición sin censura de 102 minutos. Las diferencias son mínimas, las dos versiones son horrendas.

Todas las franquicias cinematográficas tienen al menos una película de la cual sentirse avergonzadas –en el caso de Rápido y furioso, tiene como ocho o nueve–. Todas las sagas de la pantalla grande han pasado por un momento en el que la fuente de a inspiración parece haberse agotado y la frescura y emoción de la película original es apenas un recuerdo. En el caso de la saga de Alien, creo que se trata de esta película que, si bien dejó de ser canon en cuanto se estrenó Prometeo (Scott, 2012), sigue siendo una muestra de cómo hasta las películas más geniales de la historia pueden engendrar secuelas difíciles de mirar.

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    La acción comienza justo donde terminó la película anterior, SPOILER con el nacimiento del alien híbrido, quien diezma a la tripulación de la nave de depredadores de la primera película TERMINA SPOILER, lo que ocasiona que ésta se estrelle en la Tierra, específicamente en un pueblito gringo de ésos que les encantan en las películas de monstruos y que en realidad desaparecieron a finales del siglo pasado. En pocos días, el pueblo se ve infestado de xenomorfos y casi nadie parece recordar que esta película se titula Aliens vs Depredador y que por ahí hay escenitas poco interesantes de un depredador (conocido para todo fin mercadológico como Wolf Predator, en honor al Mr. Wolf de Pulp Fiction [Tarantino, 1994]) cuya misión es detener la propagación de los xenomorfos y limpiar toda evidencia de la presencia de cualquiera de ambas razas en nuestro planeta.

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    Además, hay varias tramas secundarias: una sobre la familia de Kelly (Reiko Aylesworth) una combatiente de Iraq que regresa a casa y que, casualmente, tiene un gran parecido físico con Sigourney Weaver. Por otro lado, está la historia de los dos hermanos que se reencuentran después de que uno de ellos saliera de prisión en una trama sospechosamente parecida a la serie de TV Prison Break (2005-2009).

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    Por cierto que la mayoría de los actores que participan en esta película son actores de televisión y todos, prácticamente todos, son pésimos; por no mencionar que ninguna de las tramas secundarias es interesante u original, o terminan de integrarse como parte de la película.

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    En general, toda esta película da esa sensación: que está hecha de pedazos de otras cosas que no terminan de cuajar bien. El soundtrack, aunque no es malo, contiene muchas variaciones sobre temas del que compusiera James Horner para Aliens: El regreso (Cameron, 1986). A final de cuentas, esta película es como una de esas veces que uno quiere improvisar en la cocina y echa en una olla porciones de todo lo que le gusta creyendo que el sabor será genial… y al final resulta que no.

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    Quizá el elemento más decepcionante de la cinta es el alien híbrido (cariñosamente conocido por los fans como Predalien) que tanto ansiábamos ver en pantalla. Su diseño no es tan malo, a pesar de que parece una cruza genética entre el depredador y el xenomorfo, en vez de un xenomorfo que se gestó en un depredador y que por ello adquirió algunas de sus características (como el Alien perro de Alien 3 [Fincher, 1992]). Pero eso es una peccata minuta en comparación con cómo se comporta este alienígena. ¿Por qué carambas puede inocular embriones de xenomorfo de forma directa? O sea, con sólo unos minutos en pantalla echa por tierra todo el ciclo reproductivo del alien planteado a lo largo de cinco películas.

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    Cuando los directores fueron cuestionados a este respecto, se la sacaron diciendo que lo que pasaba era que el Predalien era en realidad un alien reina en estado juvenil. ¡La manga del muerto, qué!

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    El diseño que sí es más interesante es el del alien guerrero, que mezcla los diseños de Alien: La resurrección (Jeunet, 1997) y Aliens: el regreso de forma afortunada. Los xenomorfos son de color negro y tienen patas digitígradas, pero su cráneo tiene crestas y protuberancias. Lástima que durante prácticamente toda la película se la pasen brincando como chapulines y espantando gente de forma más parecida a la que usarían los gremlins.

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    Lo que me hace pensar ¿Por qué esta película es tan condenadamente oscura? Entiendo que en algunas escenas sirva para crear una atmósfera lúgubre y para generar misterio alrededor de los xenomorfos; pero no se la jalen. De verdad, llega un punto en el que la cinta se vuelve desesperante porque no puede uno ver nada, ya que además de haber sido filmada con poca iluminación parce que en la edición usaron filtros para que se viera aún más oscura.

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    Así pues, para cuando termina la película en un final completamente plagiado de El regreso de los muertos vivientes (O’Bannon, 1985), uno ya no sabe qué catástrofe es peor: Si la que vivieron los personajes o la que vivió el público con este desastre de película. Dicen los hermanos Strause que estaban muy emocionados por haber dirigido esta película, pues son grandes fans de las películas de Alien. ¡Mentira vil! Los fans no le hacen eso a sus ídolos. Esta película no fue dirigida por un par de fans, fue dirigida por una pareja de idiotas.

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PARA LA TRIVIA: Como Fan Service, Bill Paxton fue contactado para aparecer en un cameo en esta película. De esta manera, el actor habría aparecido en la segunda película de la saga de Alien, en la segunda entrega de la de Depredador y en la segunda de Alien vs Depredador; sin embargo, el actor no pudo participar en la peli por compromisos de trabajo.

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ALIEN VS DEPREDADOR. Quienquiera que gane, nosotros perdemos…

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ALIEN VS DEPREDADOR

Alien vs Predator

 

Paul W. S. Anderson, 2004

Existen tres versiones de esta película: El corte original para cines (101 minutos), la Edición extendida (103 minutos) y la Edición sin censura (109 minutos). Además de las escenas reinsertadas y el inicio alternativo, las diferencias se explicarán más delante.

Los crossovers en el cine no son cosa nueva, como tampoco lo son las decepciones que nos brindan. Frankenstein y el Hombre lobo (Neill, 1943), King Kong vs Godzilla (Honda, 1962), o Freddy vs Jason (Yu, 2003) no han sido más que una larga serie de eventos muy anticipados que resultaron por demás decepcionantes… con decir que de esta triada que recién mencioné, la película que sale mejor librada es Freddy vs Jason. Pa’l caso, creo que la más ingeniosa de estas contiendas de universos compartidos ha resultado ser Tres hombres poderosos (Uçak, 1973), título original del crossover bastardo de manufactura turca que en el resto del mundo es conocido como Santo y Capitán América contra Spider-Man.

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    A mediados de los ochenta se fundó en EE.UU. una editorial independiente de cómics llamada Dark Horse Comics. Esta editorial sabía que para posicionarse en el competido mercado de la narrativa gráfica, antes de lanzar propuestas arriesgadas y novedosas, debía llenar sus alcancías con cómics meramente comerciales. De tal suerte, Dark Horse consiguió la licencia para publicar cómics basados en la exitosísima película de la Twentieth Century Fox, Aliens: el regreso (Cameron, 1986).

    Aunque los cómics eran en blanco y negro para abaratar costos de producción, el arte era de primera calidad y las historias eran profundas e interesantes. Esto le abrió las puertas a Dark Horse para adquirir otras licencias como Depredador, Terminator, RoboCop y Star Wars (estas dos últimas las compró a principios de los 90 cuando su anterior propietario, Marvel Comics, se fue a la quiebra).

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    Sin embargo, para finales de la década, las ventas de estos cómics habían bajado, por lo que Dark Horse se vio en la necesidad de convocar a una junta emergente que generara ideas para nuevos títulos. En medio de la lluvia de ideas, Chris Warner, uno de los artistas y editores de Dark Horse en tono de broma gritó “¿Por qué no hacemos Alien contra Depredador?” Todos los miembros de la junta soltaron una sonora carcajada, que se fue acallando poco a poco mientras caían en cuenta de las ricas posibilidades de esta idea.

    La serie original de cómics de Aliens vs Predator se publicó en cuatro ediciones en 1990 y retoma elementos de las dos primeras películas de Alien, así como de la primera de Depredador (McTiernan, 1987) mezclándolos con un toque de western.

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    En este cómic se narra la historia de una colonia terraformadora, propiedad de la compañía Chigusa, instalada en el desértico planeta Ryushi. Lo que Chigusa y la dirigente de la operación local, la guapa e inteligente Machiko Noguchi, no sabían era que Ryushi tradicionalmente estaba en la lista de cotos de caza de un clan de depredadores, cuyo viaje actual ha sufrido numerosos imprevistos: Uno de los jóvenes del clan se ha rebelado contra el líder conocido como Cuerno Roto, quien termina desaparecido en Ryushi; y por otro lado, sin que los depredadores se den cuenta, el alien reina que tienen cautivo para que produzca xenomorfos que sirvan como presas de sus cacerías ha desovado un huevo de reina, que cae en Ryushi.

    Así pues, el clan de Cuerno Roto, siguiendo a su nuevo líder, rompe su código de honor y comienza a cazar tanto a xenomorfos como a humanos, sin advertir que la colonia terraformadora se ha convertido en el nido de un nuevo alien reina y su colmena. Ahora, Machiko deberá aliarse con el exiliado Cuerno Roto para salvar a la gente de la colonia y restablecer el orden en el clan de depredadores.

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    Esta serie de cómics fue un éxito absoluto que generó secuelas y series subsiguientes, además de que la historia fue adaptada a otros medios, como novelas y, quizá el que ayudó a difundir la franquicia en mayor medida, los videojuegos. Ante tal éxito, para 1994 la Twentieth Century Fox anunció oficialmente que produciría una película basada en los cómics lo que, por supuesto, generó una oleada de expectativa entre los fans que llegaron incluso a esparcir el rumor de que existía un ánime basado en la franquicia.

    Sea como fuere, los años pasaron y pasaron, y la idea de la película de Alien vs Depredador pareció quedarse en el tintero. No fue sino hasta diez años después cuando el director, escritor y productor Paul W.S. Anderson retomó el proyecto que alguna vez llamara la atención de Robert Rodriguez y lo materilizó.

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    Y ojalá se hubiera quedado en el tintero.

    La película resultante fue una cinta de acción que sirve como precuela a Alien: El octavo pasajero (Scott, 1979) y como secuela a Depredador 2 (Hopkins, 1990). Y es interesante que ambas franquicias luego produjeron películas que sacarían a Alien Vs Depredador de su cronología. En el caso de depredador, sería Depredadores (Antal, 2010) y en el de Alien, Prometeo (Scott, 2012).

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    La cinta de Anderson narra la historia de la Corporación Weyland (forma primigenia de la Corporación Weyland-Yutani de la saga de Alien), dirigida por Charles Bishop Weyland (Lance Henriksen, en su tercera interpretación del personaje, aunque en Aliens se trataba de un androide y en Alien 3 [Fincher, 1993] de un clon… dependiendo de la edición que uno viera), que organiza una expedición a la Antártida luego de recibir imágenes satelitales que informan sobre la presencia de una gran fuente de energía artificial debajo de un campamento ballenero abandonado. La expedición, liderada por la espeleóloga —¿Se han dado cuenta de lo comunes que son los espeleólogos en las películas? En mi vida he conocido uno o a alguien que conozca a uno— Alexa Woods (Sanaa Lathan) descubre que bajo la capa de hielo de la Antártida hay una pirámide ancestral que fue utilizada por los depredadores para sus cacerías rituales de xenomorfos.

    Como cabría esperar, la expedición queda atrapada en medio de la cacería. Los cazadores, a su vez, se convierten en presas cuando los xenomorfos se salen de control. Alexa formará una alianza con el líder de los depredadores —conocido para todo fin práctico como Scar Predator, debido a la escarificación que lleva en la frente— para salir con vida de la pirámide, cuya estructura se reconfigura constantemente, y evitar que los xenomorfos lleguen a la superficie terrestre.

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    Como bien puede advertirse, muchos elementos del cómic original fueron retomados para la cinta; pero son aquéllos en los que se distanció de la obra de Dark Horse en los que acabó por perder.

    Por principio de cuentas está el asunto de que esta historia tome lugar en la Tierra. Digo, sí está chida la propuesta de los depredadores como alienígenas ancestrales, que por cierto ya se había tratado en los cómics también, pero… ¿Los aliens? Quiero decir, ¿qué no Ellen Ripley y sus amigos se pasaron cuatro malditas películas tratando de evitar que los xenomorfos llegaran a la Tierra, pues con sólo uno que plantara sus patas en ella aniquilaría toda la civilización? ¿Y ahora me salen con su mamada de que los aliens siempre estuvieron aquí? ¡Por favor!

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    Por otro lado, está el hecho de que la historia suceda en el presente. Aunque sí hay algunos elementos de Ciencia Ficción y montones de tomas de planos holográficos como las que siempre le han encantado a Anderson, la verdad es que el hecho de que esta historia ocurra en el 2004 le quita mucho de su encanto a los aliens.

    Además, dicho sea de paso, los xenomorfos pierden algo en esta cinta. De algún modo, parecen haber perdido parte de su “fineza”. Por alguna razón, no sé si se deba al diseño —que es básicamente el mismo de Alien: La resurrección (Jeunuet, 1997), pero en negro y con patas plantígradas— o al guión —ciertamente no a la actuación, pues los xenomorfos son interpretados por Tom Woodruff Jr., quien viene metiéndose en la botarga de alien desde 1986— o a la digitalización de muchas de sus escenas; pero los aliens de esta película simplemente no funcionan, se ven como lagartijas. Y ni qué decir del alien reina, quien termina pareciéndose más al T-Rex de Parque Jurásico (Spielberg, 1993) que a sus encarnaciones previas.

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     El diseño que sí sufrió un cambio radical fue el de los depredadores. Si ustedes recuerdan, estos cazadores interplanetarios tienen unas mandíbulas como de jaiba enmarcando una pequeña boca que más bien parece una vulva con cinco colmillos, dos arriba y tres abajo. Pues bien, como en esta peli los depredadores iban a ser “los buenos”, el equipo de diseño buscó darles una apariencia más humana, por lo que les pusieron cuatro colmillos en el maxilar superior y ojos marrones, en contraste con los amarillos que habían tenido siempre.

     Y hablando de las cosas que faltaron en esta cinta ¿Se acuerdan de que las películas de Depredador eran extremadamente sangrientas? Las de Alien no tanto, pero ahí se iban —¿Recuerdan la escena de Alien 3 en la que a un tipo lo despedaza un ventilador gigante?— ¿Y Alien vs Depredador? ¡Nada ¡Cero! ¡No hay una maldita gota de sangre en toda la película! ¿O qué? ¿Porque están en la Antártida la sangre no fluye o cómo? Ni siquiera hay sangre en la escena en la que emerge un chestburster.

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    Aunque no sé qué sea peor. Si la deliberada falta de escenas sangrientas a lo largo de la película para que ésta alcanzara la clasificación PG13 (para mayores de 13 años) o que en la Edición sin censura le hayan agregado sangre digital a las escenas. ¡Terminaron viéndose peor!

    En la Edición extendida de la cinta se le agregó un inicio alternativo y un par de escenas fueron extendidas. El inicio original de la cinta estaba más padre porque hacía una referencia a Aliens: El regreso; pero en el alternativo vemos una escena ubicada en 1904, cuando el campamento ballenero estaba operando y fue el terreno de batalla de las dos especies extraterrestres.

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    Sin embargo, en la Edición sin censura, no sólo se le agregó la sangre digital a las escenas violentas, sino que todas las escenas que Anderson y su editor sacaron del corte original fueron reinsertadas en la película. La mayoría de ellas habían quedado fuera porque tenían un tono más bien cómico, o porque de plano no funcionaban. Por ejemplo, la escena en la que el Scar predator le juega una broma a Alexa o aquélla otra en la que se explica que la cacería se salió de control porque estos depredadores no eran cazadores experimentados, sino adolescentes que cumplían con un rito de iniciación.

    Escenas más, escenas menos y con o sin sangre digital, esta película me pareció un fracaso desde la primera vez que la vi. Es entretenida, eso sí; pero no mucho más. Recuerdo que en alguna revista de cine decían que era sólo para los muy fans, lo que me hizo preguntarme ¿Por qué la opinión general es que cuando uno es fan de algo debe ser un idiota que consuma por una compulsión digna de Pac-Man todo lo relacionado con ese algo? ¿Qué no deberíamos ser los fans quienes fuéramos más exigentes con estos productos?

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    A final de cuentas, me sentí muy decepcionado de que me tuvieran esperando diez años por esta tontería. Que con todo, es infinitamente superior a su secuela.

PARA LA TRIVIA: En etapas iniciales de producción se planeaba que el actor Peter weller (Alex Murphy en RoboCop, el defensor del futuro [Verhoeven, 1988]) hiciera un cameo como John Yutani, el co-fundador de la compañía Weyland-Yutani. Weller salió del proyecto, por lo que el papel fue ofrecido a Gary Busey, quien participó como el científico que desea atrapar al depredador en Depredador 2 (Hopkins, 1990). Finalmente, el personaje de John Yutani fue sacado por completo de la película.

    Asimismo, como una especie de apuesta, Arnold Schwarzenegger se ofreció a hacer un cameo como su personaje de depredador, el mayor Dutch Schaeffer, si perdía las elecciones de California.

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WATCHMEN: LOS VIGILANTES. La que es considerada por muchos como la mejor peli de superhéroes cumple 10 años.

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WATCHMEN: LOS VIGILANTES

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Zack Snyder, 2009

 

Existen 3 cortes de esta película. Por un lado, están la edición original para cines, con 2 horas y 42 minutos de duración, y la Edición del Director, con 3 horas y 6 minutos de duración. La diferencia son un montón de escenas reinsertadas y extendidas que profundizan en el desarrollo de los personajes, además de que hacen la película aún más apegada al comic. Por el otro lado, existe una tercera edición conocida como Corte Definitivo, con una duración de 3 horas y 35 minutos. El Corte Definitivo integra a la Edición del Director el mediometraje animado Relatos del Navío Negro (DelPurgatorio/Smith, 2009), el metacomic que acompaña a los estásimos de la novela gráfica.

Creo que lo mejor será dejar algo en claro desde el principio: la única forma de permanecer fiel al espíritu nihilista-anarquista de la novela gráfica de Alan Moore habría sido no hacer esta película en absoluto. Pero ya que la hicieron y me gustó, quiero hablar sobre ella.

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    Muchas veces, a las películas basadas en comics, específicamente a las películas de superhéroes, se les critica por alejarse demasiado del material original. Con frecuencia, se les critica que no se toman el tiempo necesario para desarrollar a sus personajes o las situaciones a las que éstos se enfrentarán. Y luego está Watchmen, a la que muchos criticaron por ser excesivamente larga y por ser demasiado apegada a la novela gráfica en la que está basada, sacrificando incluso, las convenciones del lenguaje cinematográfico. O sea, que ningún chile les embona. Sea como fuere, los comentarios negativos poca mella han podido hacer en la que es considerada por muchos como la mejor película de superhéroes de todos los tiempos.

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    La cinta se basa en la novela gráfica escrita por el británico Alan Moore –quien odia que sus obras sean adaptadas al cine–, ilustrada por los artistas Dave Gibbons (trazos) y John Higgins (tintas), y publicada por Vertigo Comics –la rama de DC Comics encargada de las historietas y novelas gráficas alternativas– entre septiembre de 1986 y octubre de 1987.

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    En la peli la historia comienza en el año de 1986, cuando el mundo está al borde de la guerra nuclear entre EE.UU. y la Unión Soviética, y el exvigilante y mercenario al servicio del gobierno estadounidense Eddie Blake, “The Comedian” (Jeffrey Dean Morgan), es asesinado brutalmente en su departamento de Manhattan por un atacante desconocido. El caso es investigado por otro vigilante, excompañero de Comedian en el equipo de vigilantes conocido como The Watchmen, llamado Rorschach (Jackie Earle Haley). Mientras la investigación transcurre, el desintegrado equipo de The Watchmen deberá medio reintegrarse para esclarecer el misterio, que podría tener implicaciones mucho más graves de lo que inicialmente creyeron, tanto que podrían cambiar el curso de la historia.

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    La anécdota se narrará de manera rebuscada y casi barroca entre flashbacks hacia la posguerra y las décadas de los 50, 60 y 70, y los eventos que suceden en la actualidad –los 80–. En esta realidad alterna, un grupo de vigilantes enmascarados, conocido como Minutemen, surgió en la posguerra y cambió a la sociedad estadounidense para siempre; Richard Nixon (Robert Wisden) se ha perpetuado en el poder reeligiéndose durante más de una década; EE.UU. ganó la Guerra de Vietnam; y un accidente con tecnología nuclear convirtió al Dr. Jon Osterman (Billy Crudup) en un ser conocido como Dr. Manhattan, que tiene la capacidad de manipular la materia, convirtiéndolo en el único superhéroe verdadero.

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    A principios de la década de los 80, Alan Moore realizó una “puesta al día” del superhéroe otrora conocido como Marvelman y luego rebautizado como Miracleman. DC Comics quería que Moore escribiera más títulos además de su participación regular en Swamp Thing, por lo que encargó al británico un tratamiento similar al de Miracleman aplicado a otro superhéroe. Moore originalmente eligió al equipo de superhéroes conocido como The Mighty Crusaders, pero le fue imposible utilizarlos debido a conflictos por derechos de autor con MLJ/Archie Comics, dueña de los personajes. De tal suerte, Moore decidió utilizar personajes de la extinta editorial Charlton Comics, cuyos derechos habían sido adquiridos en 1983 por DC Comics.

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    Cuando Moore presentó su proyecto al editor Dick Giordano, éste pensó que la historia era genial, pero que tenía un gran inconveniente: los personajes de Charlton aún no habían sido anunciados oficialmente como parte del Universo DC y, puesto que los eventos en la historia serían psicológicamente demasiado traumáticos e incluso, en algunos casos, mortales, sería muy difícil integrarlos posteriormente a dicho universo. Moore se vio obligado entonces a crear personajes originales basados en los de Charlton, realizando las siguientes sustituciones: Blue Beetle se convirtió en Nite Owl, Meter Cannon Thunderbolt en Ozymandias, Captain Atom dio origen al Dr. Manhattan, Peacemaker se volvió The Comedian, Night Shade terminó siendo Silk Spectre y The Question, Rorschach.

    Los derechos para una adaptación fílmica de Watchmen fueron adquiridos por Warner Bros. tan pronto como finales de la década de los 80. Moore fue requerido para escribir el guión de la película, pero declinó la oferta argumentando que el material era imposible de filmar. En 1989, con un guión de Sam Hamm (quien escribiera los guiones de Batman [Burton, 1989] y Batman regresa [Burton, 1992]), el proyecto sería dirigido por Terry Gilliam. Después de varias re-escrituras del guión realizadas por el propio Gilliam y su guionista de cabecera, Charles McKeown, el exMonty Python desistió, argumentando que el material era imposible de filmar. El proyecto quedó en el limbo por más de una década, hasta que en 2003, se eligió a Michael Bay para dirigir la película; sin embargo, en 2004 los derechos fueron vendidos a Paramount, quien comisionó al director Paul Greengrass para el proyecto. La idea de Greengrass era una película de superhéroes mucho más tradicional, apenas inspirada por la obra original. En cierto punto, Tim Burton estuvo interesado en dirigir la película –con Johnny Depp en el papel de The Comedian–; pero prefirió dejarla pasar para trabajar en la adaptación cinematográfica de la obra de teatro musical Sweeney Todd: el barbero demoniaco de la calle Fleet (2007). Posteriormente, Warner Bros. recuperó los derechos de la peli de Paramount para que fuera dirigida por Darren Aronofsky; empero, la idea de Aronofsky de trasladar la historia a la época actual y sustituir la Guerra de Vietnam por la Guerra de Iraq, así como incluir el terrorismo en la trama, desalentó a Warner, quien le dio la dirección del proyecto a Zack Snyder debido a su trabajo en la adaptación de la novela gráfica de Frank Miller 300 (2006).

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    Watchmen es toda una experiencia. No sólo es una de esas películas que amas u odias; sino que el sólo verla ya es una experiencia única. Técnicamente es una película de superhéroes; pero, en realidad, su discurso va completamente en contra de los superhéroes. A grandes rasgos, podría clasificársele dentro del género de Acción/Aventura; pero en realidad se trata de un thriller noir cuyo peso recae en el drama y el desarrollo psicológico de los personajes. Comercialmente, está planteada como un blockbuster de verano; pero es elegante y estilizada con ciertos visos de cine de autor. Es, en definitiva, una obra paradójica y diferente a cualquier cosa que se hubiera hecho antes de ella… y a muchas de las que vendrían después.

    Lo primero que salta a la vista es que se trata de una peli completamente estilizada. Los diferentes colores que predominan en la iluminación son utilizados no sólo para definir los lugares en los que se desarrolla la acción, sino también las épocas y los estados de ánimo de los personajes. La mayor parte de la película está en un tono noir, mientras que las escenas de acción –que en realidad son pocas– están mucho más en el tono del cine de superhéroes –por cierto, ¿alguien más notó que en las secuencias de acción las botas de Silk Spectre (Malin Akerman) cambian de tacón a suela plana dependiendo de si tiene que correr o no?­–. Y, sobre todo, me gustó que la película mantuviera esa estética de la Ultraviolencia que tan presente estuvo en el cine de los 80 y que también influyó poderosamente en el comic.

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      Del mismo modo, puedo decir que la fotografía es muy buena. Por momento preciosista, por momentos barroca, las imágenes presentadas en pantalla están llenas de texturas y claroscuros, así como secuencias de acción multiángulo en cámara lenta que realzan la violencia gráfica como parte de la propuesta estética de la película. Desde el inicio, la peli deja clara esta propuesta con la estilizada muerte de Eddie Blake. Zack Snyder tomó como referencia para sus storyboards los paneles del cómic, por lo que muchas de las tomas son recreaciones bastante fieles de los visto en el material impreso.

    Aunque se ve bastante bien, es justo reconocer que los efectos visuales han envejecido. Si bien siguen manteniendo una cierta calidad en relación con producciones actuales, la verdad es que el CGI con el que fue creado el Dr. Manhattan ya no se ve tan bien como hace diez años. La película contiene alrededor de 1100 tomas de efectos visuales, la mayoría de las cuales aún se sostienen bastante bien.

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    Para lo complicado de la trama y el denso recorrido emocional de los personajes, la narrativa es sorprendentemente fluida. A pesar de que deja varias líneas argumentales fuera –siendo la más importante la del artista de comics, sin la cual, francamente, la inclusión de los Relatos del Navío Negro en la cinta carece de sentido–, el guión es bastante fiel al material original y está contado tan bien que, si la película lo engancha a uno desde el principio, las tres horas y media de duración ni se sienten.

    Por supuesto, la obra original de Moore, al igual que lo fuera Desde el infierno (1989-1996), otra de sus novelas gráficas, es una pieza de época que, a través de múltiples referencias a la cultura pop, los momentos políticos y el zeitgeist, trata de criticar y crear consciencia sobre la situación sociopolítica actual. Muchas de estas referencias se conservan en la película de Watchmen, que no sólo incluye guiños a la cultura popular, sino versiones alternas de eventos históricos como el asesinato de John F. Kennedy o la llegada del hombre a la Luna.

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    La secuencia de títulos iniciales resume, a través de tomas cortas e imágenes fijas, no sólo la historia del grupo de vigilantes conocido como Minutemen, sino el tono y espíritu de la posguerra al ritmo de la canción The Times Are A-Changin’ de Bob Dylan. A esta secuencia me ha gustado llamarla el “Anti-Forrest Gump”.

    Otro punto interesante a este respecto es el de cameos de personajes famosos y su caracterización. Es curioso cómo algunos personajes como Andy Warhol (Greg Travis), Truman Capote (Greg Armstrong-Morris), David Bowie (J.R. Killigrew), John F. Kennedy o Henry Kissinger (Frank Novak) se ven increíblemente bien; mientras que otros, como Richard Nixon, quedan a deber.

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    Las actuaciones son muy buenas, sobresaliendo el trabajo de Jackie Earle Hayley como Rorschach en el papel que lo catapultó a la fama y que, en mi opinión, nunca pudo superar. Es también interesante cómo Matthew Goode logra llenar el papel de Ozymandias, que en el comic se explica que es el hombre más inteligente, fuerte y rápido del mundo, a pesar de que le falta el físico para el personaje. Por cierto, su traje está inspirado en los del Batman de Joel Schummacher.

    Lo que me recuerda que, aunque sí se ven muy bien en pantalla, el diseño de los trajes de estos antihéroes –particularmente el de Nite Owl (Patrick Wilson)– se ve increíblemente fuera de lugar. Por alguna razón, lucen anacrónicos y se revelan como lo que son: una reinterpretación de finales de la década del 2000 de los trajes de superhéroes en las películas de los 80. En general, la ambientación de época en la película podría haber estado más lograda.

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    Siguiendo la propuesta de Forrest Gump (Zemeckis, 1994), Watchmen está musicalizada casi en su totalidad con canciones pop de la época que se está representando, narrando la historia de EE.UU. en la segunda mitad del siglo XX no sólo a través de las imágenes, sino de la música. Canciones de Jimi Hendrix, Simon & Garfunkel, Janis Joplin, Bob Dylan, Nena, Leonard Cohen y Nat King Cole, entre otros, ambientan la cinta creando secuencias geniales. En la humilde opinión de su servidor, ver a The Comedian, un psicópata auspiciado por el gobierno para hacer su trabajo sucio, masacrar manifestantes al ritmo de K.C. & The Sunshine Band es una de los mejores momentos que ha dado el género.

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    SPOILER A final de cuentas, Watchmen no es sólo una intensa película de superhéroes, sino más bien una crítica al concepto mismo del superhéroe. Al final de la película, la acción más contundente que los Watchmen realizan para salvar al mundo es precisamente la inacción. La única forma de salvar a la humanidad de sí misma es, precisamente, no hacer nada, sino simplemente observar mientras el plan maestro de Ozymandias se cumple, asesinando a miles de personas para salvar a miles de millones y, en el epítome de la ironía, Rorschach, el único personaje que se obstina en hacer lo que es moralmente correcto, es destruido después de una peripecia digna de una tragedia griega. TERMINA SPOILER

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    SPOILER El mensaje de la historia es claro y es una clarísima crítica a la mentalidad de la década de 1980, cuando la subcultura yuppie y la debacle del Bloque Socialista parecían anunciar el supuesto triunfo del capitalismo: el mundo no necesita héroes. Necesita empresarios megalómanos, temerarios e inescrupulosos que sepan lo que es mejor para todos, pues sólo ellos podrán salvarnos… y mientras escribía lo anterior, caí en cuenta de lo vigente que suena, ¿verdad, Donald Trump?… TERMINA SPOILER

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    Watchmen es, en toda regla, una película de culto. Fue un fracaso de taquilla en EE.UU., no pudiendo recaudar ni siquiera la mitad de su presupuesto durante su fin de semana de estreno; pero que mantuvo un público constante, animado por la publicidad de boca en boca, acudiendo a las salas de cine de manera regular mientras estuvo en cartelera. De hecho, yo recuerdo que fui a verla al cine nomás por el puro morbo de ver si de verdad habían podido adaptar la obra de Moore. Y, bien que mal, pudieron. Watchmen fue un tour de force que demostró que el cine de superhéroes podía ser inteligente, maduro y sofisticado. Es también una película de superhéroes que puede complacer a quienes no gustan del cine de superhéroes y, a la postre, es la reivindicación de un género en aquel entonces golpeado por producciones tan ignominiosas como Superman IV, en busca de la paz (Furie, 1987), Batman & Robin (Schumacher, 1997) o Spawn (Dippé, 1997).

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    A la fecha, Alan Moore nunca ha visto la película y espera nunca tener que hacerlo.

PARA LA TRIVIA: De todo el elenco, sólo Jackie Earle Haley conocía la novela gráfica. Cuando a Patrick Wilson le fue ofrecido el papel de Dan Dreiberg/Nite Owl, éste llamó a un amigo suyo aficionado a los comics, quien le dijo que si hacía alguna vez una película de superhéroes en toda su vida, debía ser ésta. Del mismo modo, Matthew Goode consultó con un amigo suyo sobre si debía siquiera terminar de leer el larguísimo guión que le habían enviado ofreciéndole el papel de Adrian Veidt/Ozymandias. Su amigo le dijo que no lo terminara y que aceptara sin más.

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ALIEN: LA RESURRECCIÓN. El final de la saga original.

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ALIEN: LA RESURRECCIÓN

Alien: Resurrection

 

Jean-Pierre Jeunet, 1997

Existen dos ediciones de esta película: El corte original para cines de 109 minutos, que según dice Jenuet, es la Edición del Director, pues él se sintió muy satisfecho con el resultado final de la cinta, y la Edición Especial de 116 minutos. La única diferencia son un prólogo y un epílogo alternativos (que están muy mamones, la verdad) y un par de escenas extendidas, particularmente aquéllas con diálogos que mencionaban a Newt… además del divertido diálogo en el que se menciona que la corporación Weyland-Yutani fue absorbida por Wal-Mart.

Uno de los grandes aciertos de las películas de Alien, que fue lo que les permitió sobrevivir a lo largo de más de dos décadas, fue el hecho de que cada cinta pertenece a un género diferente. Aunque todas están enmarcadas en un planteamiento de Ciencia-Ficción y Horror, cada una de las entregas de esta saga toma prestados elementos de diferentes subgéneros. La cinta original es una obra maestra del Terror, la segunda parte es una cinta bélica, la tercera es un Thriller y esta cuarta, una comedia.

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    La historia se desarrolla 200 años después de la tercera película. Después de muchos años de estudios y experimentos fallidos, los doctores Wren (J.E. Freeman) y Geridan (el siempre genial Brad Douriff, a quien seguro recuerda como la voz de Chucky) logran clonar a Ellen Ripley (Sigourney Weaver en su última encarnación del personaje) gracias a una muestra de sangre recuperada de Fiorina 161. Por supuesto, clonar a Ripley no es sino un mero paso en el proceso para obtener el verdadero objetivo: el embrión de alien reina que llevaba dentro cuando murió –no pregunten cómo, la neta no tengo idea–­. Los científicos logran su propósito y comienzan a criar xenomorfos en la nave laboratorio Auriga, propiedad del Ejército de los Sistemas Unidos, para lo cual necesitan humanos, mismos que son vendidos como cargamento por el pirata espacial Frank Elgyn (Michael Wincott, a quien quizá recuerden con una larga y sedosa cabellera como el villano de El cuervo [Proyas, 1994]) y su tripulación.

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    Como cabría suponer, los xenomorfos logran escapar mientras los secuaces de Elgyn quedan atrapados en la nave infestada de creaturas. Además, se encontraran con el clon de Ripley, cuyo ADN se ha mezclado con el de los aliens brindándole fuerza y habilidades sobrehumanas, además de sangre ácida. Pero esta nueva Ripley no parece tan interesada en salvar a la humanidad como la anterior, ¿será que su parte xenomorfa busca más que escapar del Auriga?

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    Si tomamos en cuenta sólo las Ediciones del Director de las cuatro películas de la saga, ésta sería sin dudas la más débil de todas. No es terrible, pero a comparación de las anteriores sí queda a deber, además de que la fórmula se siente gastada. Los realizadores trataron de introducir nuevos elementos al universo de Alien; pero la verdad es que eso de los aliens súper inteligentes y el híbrido humano-xenomorfo no termina de cuajar… De hecho, al respecto de esta última creatura, casi parece que la misma gente que hizo la peli trataba de satirizar el hecho de que la fórmula ya se había agotado.

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    Originalmente, el guión fue escrito por el nerdo profesional Joss Whedon (creador de las series de TV Buffy, la cazavampiros [1997-2003] y Firefly [2002-2003], y guionista de The Avengers [2012]) y su propuesta para esta secuela era mucho más oscura y menos cómica —en realidad el tono un tanto ramplón de la peli se debe a Jeunet—. Las principales diferencias entre el guión de Whedon y la versión final son varios personajes que fueron eliminados de la cinta, así como el enfrentamiento final con el Híbrido que, en el guión de Whedon, se llevaba a cabo en la Tierra.

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    Además, en el guión original, el Híbrido era una criatura mucho más grande, casi del tamaño del alien reina y más parecida a un cangrejo. Sin embargo, los realizadores decidieron cambiar su diseño para que fuera más creíble que poseía ADN humano.

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    Por cierto que se anunció con bombo y platillo que dicho híbrido sería una creación original diseñada por H.R. Giger; sin embargo, el artista suizo, recordando sus experiencias anteriores, se negó a participar en la cinta, por lo que el diseño corrió de nuevo por cuenta de Woodruff y Gillis. De cualquier modo, Giger escribió una carta de protesta a Fox por alterar tan drásticamente su diseño, misma que fue ignorada. En respuesta, el surrealista abrió un foro en su página web titulado Alien: Insurrection, para que los fans se quejaran en contra de la casa productora.

    Mientras tanto, los mencionados Woodruff y Gillis, por órdenes de Jeunet, diseñaron al Híbrido como una creatura hermafrodita (siguiendo con la idea planteada por Ridely Scott en la primera película) que claramente poseía los genitales de ambos sexos. Después de la filmación, el director reconoció que se había excedido y que el aspecto del monstruo  era demasiado grotesco —aun para él y para esta clase de películas—, por lo que los genitales del monstruo fueron removidos digitalmente en la postproducción.

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    El elemento sexual que era parte de la base de la primera cinta volvió en ésta. Sin embargo, mientras en la obra maestra de Scott dicho elemento era mucho más sutil y ambiguo, alcanzando tintes de surrealismo, en esta película la cosa se vuelve, si no más explícita, sí más burda… ¿O soy el único al que le pareció que en esa escena en la que Ripley cae en un nido de aliens, se aparea con uno de ellos? Seguro no, porque los productores quisieron eliminar esa escena hasta que Weaver amenazó con no participar en las campañas de promoción de la cinta si lo hacían.

    El diseño de las creaturas para esta película es extraño y por la iluminación que se usó en ella se pierden muchos de los detalles. En muchas tomas sólo parecen masas oscuras, rugosas y babosas. Por cierto que esta es la primera película en la que se muestra xenomorfos digitígrados (gestados en humanos, quiero decir), lo cual es una contradicción si se toma en cuenta que estas creaturas tienen ADN humano, lo que los hace más inteligentes y les permite gesticular, articular sonidos y exhalar vaho —se suponía que los xenomorfos no respiraban y por eso podían sobrevivir en el vacío, como en la primera peli—.

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    Toda la película tiene por todos lados el sello autoral de Jeunet: actuaciones caricaturescas, planos cerrados, iluminación lateral para resaltar volumen, filtros en colores ambarinos y sepias, abuso del zoom-in, la obsesión por usar actores feos  —¿Ron Perlman y Dominique Pinon en una misma película? ¿Qué es esto? ¿Freaks 2?— y todos esos elementos que le dieron su toque tan especial a películas como Delicatessen (1991) o Amèlie (2001) están presentes en ésta. De lo que aún no estoy muy seguro es de que sean adecuados para el universo de Alien…

    De hecho, todo el diseño de los sets y los vestuarios tiene un feeling muy particular que no sabría cómo describir. Supongo que sería una cosa como “Avant-Garde de los 90”; pero más kitsch. El asunto es que uno ve esta cinta, aunque sólo sea por un par de minutos, y no le cabe duda de que se trata de una cinta europea de los noventa… ¡Hombre! Como ver un videoclip de Aqua.

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    Según los rumores, la idea de esta película era que se tratara de la transición en la que el personaje de Ellen Ripley salía de la saga; un poco como lo que fue Pesadilla en la calle del Infierno 3: Los guerreros del sueño (Russell, 1987) para su franquicia. Mucho se especulaba sobre si esta cinta sería el inicio de toda una nueva saga que se centraría en la historia de Annalee Call (interpretada por la tomboy, aunque no por eso menos sexy, Winona Ryder); empero, debido a la mala recepción que tuvo esta cinta por parte de la crítica, además de que un par de años después la carrera de Ryder se fue al demonio, este plan nunca se concretó. Tendrían que pasar siete años para que los xenomorfos regresaran a la pantalla con la inmunda saga de Alien vs Depredador.

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    Algunos críticos se han referido a esta cinta como decepcionante y es fácil ver por qué. Aunque incorpora un par de elementos nuevos, como la hibridación de las especies o la primera vez que la acción de esta saga se transporta bajo el agua; en general es una especie de mezcla de elementos repetidos de las cintas anteriores —incluso se recicló al animatrónico del alien reina de Aliens: el regreso (Cameron, 1986), sólo lo pintaron de otro color—. Además, el hecho de estar retrasando la llegada de los xenomorfos a la Tierra hace que toda la saga se sienta estancada para este punto… De todos modos, según la terrible Alien vs Depredador (Anderson, 2004), los aliens siempre estuvieron aquí…  y uno se pregunta “¿entonces para qué tanto desmadre?”.

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    Además, creo que el tono fársico de todo el numerito sí fue un experimento fallido. Uno entiende que la idea era darle una identidad propia a esta cinta que le permitiera ser el inicio de una nueva saga; sin embargo, como que ver a Ron Perlman y a Dan Hedaya haciendo muecas y bizcos no le va. Hay diálogos muy bien logrados y algunos chistes bastante efectivos, pero en general creo que esta película se aleja demasiado de lo planteado por las anteriores.

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    A final de cuentas, esta cinta será la conclusión definitiva para la saga. Ripley logró su misión: destruyó a los aliens y salvó al planeta, además de que por fin, después de casi 260 años, pudo regresar a él. Se siente que esta película está coqueteando muy peligrosamente con la secuelitis innecesaria de otras sagas… Vamos, finalmente, todos esos monstruos que creíamos invencibles como Freddy, Jason, Michael Myers, Leatherface, Pinhead o incluso los mismísimos Drácula, el monstruo de Frankenstein y el Hombre lobo, fueron destruidos pos la fiebre de las secuelas interminables.

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    Para evitar dicha debacle, los productores de Fox intentaron mover las películas de alien en otra dirección: la de los crossovers con Depredador, mismos que desde finales de los 80 habían sido planteados en los cómics y popularizados con los videojuegos a mediados de los 90. De hecho, durante la etapa primigenia de Alien: la resurrección se planteó la idea de incluir depredadores en la cinta, pero fue desechada rápidamente. Al fallar esta alternativa, se buscó regresar a la fuente original: Una saga de precuelas dirigida y producida por Ridley Scott cuya primera entrega fue Prometeo (2012) y que, dicho sea de paso, sirve para dejar fuera de la cronología oficial a Alien vs Depredador… además de que también desecha varios de los conceptos planteados por Cameron.

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PARA LA TRIVIA: Durante las negociaciones iniciales, Sigourney Weaver se había negado a aceptar de nuevo el papel de Ripley, por lo que en los primeros tratamientos de guión se clonaría a Newt y no a Ripley. Una vez que Weaver aceptó salir en la película a cambio de que le pagaran 11 millones de dólares y la volvieran productora ejecutiva, se escribió el personaje de Call, mismo que originalmente fue ofrecido a Angelina Jolie, quien lo rechazó.

    Asimismo, en curiosidades del cast, mencionaré que el actor William H. Macy audicionó para el papel del Dr. Gediman, pero fue rechazado por la producción. Y, en un afán por reunir a las dos estrellas de Los cazafantasmas (Reitman, 1984), el personaje del Dr. Wren fue escrito originalmente par Bill Mrray, quien no quiso participar en el proyecto.

PARA LA TRIVIA GEEK: En los cómics, la historia continúa con el crossover Aliens vs Predator vs Terminator (2000… no, es en serio). En esta saga de dos partes se narra que, ya en la Tierra, Call y un grupo de mercenarios buscan a Ripley para pedirle su ayuda para detener un proyecto científico conducido por el Ejército en el que se busca mezclar ADN humano con el de los xenomorfos para crear un súper soldado.

    Pronto se revela que el Dr. Trollenberg, quien está a cargo del proyecto, es en realidad un Terminator (que en esta saga son cosa del pasado y ha permanecido encubierto durante un par de siglos) que planea mezclar el ADN de los aliens con el programa de los Terminators para crear un ejército de terminators orgánicos (ya lo eran, pues son cyborgs, pero aquí el chiste es que se cultiven en vez de construirse).

    Call, Ripley y su equipo logran infiltrarse en el laboratorio de Trollenberg, donde se enfrentarán a los depredadores que han venido a cazar a la nueva raza creada por el científico.

 

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X-MEN: DARK PHOENIX. La franquicia no se merecía ese final.

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X-MEN: DARK PHOENIX

Dark Phoenix

 

Simon Kinberg, 2019

El cómic de los X-Men apareció por primera vez a mediados de la década de los 60. Stan Lee y Jack Kirby estaban un poco cansados de tener que explicar de dónde venían los superpoderes de cada nuevo personaje que creaban, así que plantearon la idea de una nueva generación de seres humanos con mutaciones diversas que les daban habilidades fantásticas. La estrategia funcionó y ayudó a que los arcos argumentales de los cómics se narraran de forma más fluida sin necesidad de detenerse a explicar de dónde rayos había salido tal o cual personaje, pues la explicación se había dado a priori: eran mutantes.

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    Pronto, los X-Men y sus aliados y enemigos mutantes sirvieron como una metáfora/foro para hablar sobre la discriminación y la segregación. No es por nada que aparecieran en una fecha tan cercana al inicio oficial del Movimiento por los Derechos Civiles en EE.UU. Con el tiempo, las historias y los personajes de los X-Men fueron volviéndose más y más complejos hasta que, a finales de la década de 1970, el guionista Chris Claremont y el artistas John Byrne crearon uno de los Eventos Marvel que redefiniría el Universo Marvel; un arco argumental oscuro, nihilista, complejo, psicológicamente denso y emocionalmente sobrecogedor conocido como la Saga de Dark Phoenix.

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    La película más o menos retoma el argumento de los cómics. Durante una misión espacial para rescatar a un grupo de astronautas, Jean Grey (Sophie Turner) es poseída por una maligna energía cósmica oscura que la vuelve más poderosa aún que el mismo Profesor X (James McAvoy). Los nuevos poderes de Grey, ahora conocida como Phoenix, despiertan en ella tormentosos recuerdos reprimidos sobre su terrible pasado, lo que la lleva a una incontrolable espiral de destrucción que la convierte no sólo en un peligro para sí misma y para sus compañeros, sino también para toda la humanidad. Por si esto fuera poco, alguien más está buscando el poder oscuro que se aloja en el interior de Phoenix.

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    Toda película empieza con un guión… bueno, no; muchas películas costosas en realidad empiezan con un estudio de marketing. Pero lo que define realmente qué se va a hacer con la película es el guión. Como sea, en el caso de Dark Phoenix el guión es bastante malo. A nivel argumental no está tan dado al traste, pero los diálogos son verdaderamente nefastos. Si bien algunas de las situaciones que se plantean a nivel anécdota son interesantes; luego el guión se encarga de darles en la madre con parlamentos clichesosos, acartonados y súper predecibles. Odio cuando veo una película y sé exactamente qué es lo siguiente que va a decir el personaje que está en pantalla.

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    La dirección de la película es completamente desprolija. Las actuaciones de todo mundo se ven burdas y sin matizar, y el tono de toda la película es lacónico y superficial. Digo, estamos hablando de un evento que lisió a los X-Men como equipo y que cuestionó la integridad de Charles Xavier, el universo entero de los mutantes se cimbra… esto debería ser mucho más cercano a una tragedia clásica y, en vez de eso, termina siendo un melodrama ramplón en tono de telenovela. ¿Por qué el director eligió este tono y este ritmo para una película que debía ser mucho más intensa?

    Como lo mencioné arriba, el argumento pone en entredicho la integridad y la ética de Charles Xavier y eso medio se asoma entre lo que vemos en pantalla. Y bueno, uno esperaría que eso repercutiera de forma más honda, que le causara conflicto a Xavier… pero no es así. En vez del periplo y anagnórisis que se esperarían del personaje, la transición entre “soy orgulloso y no acepto mis errores” y “está bien, la cagué” se da de forma artificial y superflua casi en un instante… como si de repente se hubiera dado cuenta de que se le estaba acabando el tiempo a la peli y no había hecho nada.

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    Las actuaciones de todos están en un nivel apenas decente, si acaso podrían rescatarse Kodi Smit-McPhee como Nightcrawler y Nicholas Hoult como Bestia. Y si la caracterización interna de los actores está apenas dibujada, la externa se pierde por completo en el caso de Turner. La verdad es que me costaba trabajo identificarla como Jean Grey. Tanto Fassbender como McAvoy, cuyas interpretaciones como personajes que antes fueran encarnados por Ian McKellen y Patrick Stewart, se sienten increíblemente desperdiciados.

    Y ya que hablé de las caracterizaciones, debo hablar sobre el maquillaje y lo disparejo que se ve. Los maquillajes prostéticos de Mystique (Jennifer Lawrence), Bestia y Nightacrawler se ven geniales, y agradezco profundamente que crearan a dichos personajes a través del maquillaje y no con CGI, como es la tendencia actual. Por otro lado, el maquillaje de Phoenix es bastante raro… digo, para empezar, se nota a leguas que es maquillaje y, lo que es más, se nota completamente anacrónico.

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    De hecho… se supone que esta historia sucedería en la década de 1990, ¿no? Tal cual, está situada en 1992 como homenaje a la serie de dibujos animados de X-Men (1992-1997) que se estrenó ese año; lo digo porque absolutamente nada se ve como de los 90. Ni la ropa, ni los automóviles, ni el maquillaje ¡ni absolutamente nada!

    Algunos efectos especiales se ven bien; pero sin duda, la superposición en los escenarios virtuales y la gran mayoría de las secuencias creadas con Green screen se ven terribles… Luego creo que debo retractarme: sí hay algo que se ve de los 90 ¡Sus malditos efectos con Green screen! Cuando llegué a casa después de ver esta peli, me puse a ver Los Goonies (Donner, 1985)… ¡Y se ve mucho mejor! Una película de 34 años antes, cuyos efectos fueron resueltos con impresión óptica y pintura mate.

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    Muy probablemente, gran parte de la falta de cohesión de la película se debe a que estaba programada para estrenarse a finales de 2018, pero Twentieth Century Fox, sintiéndose insegura sobre el look de la cinta, decidió regrabar grandes porciones de ésta. Como resultado de estos reshoots, y de una tormentosa post-producción, la apariencia del personaje de Dark Phoenix fue drásticamente alterada y el tercer acto fue cambiado casi por completo.

    Los villanos son completamente anodinos y olvidables, y creo que en realidad son completamente innecesarios para la trama. SPOILER Del mismo modo, el final de la cinta está tan desangelado y es tan superfluo… para cuando aparecen los créditos finales, francamente parece que a todos los X-Men les valió madres el destino de Jean… y al público, también. TERMINA SPOILER

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    Finalmente, que me perdone quien me tenga que perdonar, pero debo decirlo: me gustó más el tratamiento que le dieron al arco de Dark Phoenix en la infumable X-Men III: la batalla final (Ratner, 2006).

    Además, ¿soy sólo yo o a su película de mutantes le faltaron mutantes? Tanto en las secuencias de Genosha como en las del Instituto Xavier todos se ven muy normalitos… hay un tipo con cuernos por ahí, pero si uno recuerda la trilogía original de X-Men (2000-2006), los mutantes eran más variopintos. La neta, mis alumnos de bachillerato se ven más mutantes…

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    Dark Phoenix marca el final de una era. Será la última película de la franquicia producida por Twentieth Century Fox antes de que Walt Disney Corporation tome el control creativo –Los nuevos mutantes (Boone, 2020) se estrenará el próximo año, pero se filmó antes que Dark Phoenix–. Los planes son rebootear la franquicia e integrarla al Universo Cinematográfico Marvel, lo cual no deja de producirme cierta nostalgia porque, a final de cuentas, es a las películas originales de X-Men a quienes les debemos el boom de cintas de superhéroes que vivimos actualmente.

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    En vez de despedirse con un Grand Finale, la franquicia se fue extinguiendo penosamente en un fade out. Al menos, aunque mala, la película es entretenida.

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PARA LA TRIVIA: Originalmente no estaba planeado que Mystique ni Magneto aparecieran en el filme; sin embargo, fueron incluidos para darle un cierre a los personajes y en vez de que desaparecieran sin más.

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