KING KONG. La carta de amor de Peter Jackson a su peli favorita.

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KING KONG

King Kong

 

Peter Jackson, 2005

 

Existen dos cortes diferentes de esta película: La edición para cines (3 horas y 8 minutos) y la Edición Extendida (3 horas y 21 minutos). En general, las escenas reincorporadas incluyen varios dinosaurios y otras criaturas que no aparecieron en el montaje final de la cinta. En este artículo, me referiré a la versión extendida.

 

Después de un largo periplo que incluyó la odisea de filmar la Trilogía de El Señor de los Anillos (2001-2003), Peter Jackson tuvo la oportunidad de retomar su proyecto de ensueño: filmar su versión de su película favorita, aquélla por la cual se decidió a hacer cine. A pesar de toda la parafernalia en torno a la cinta y de la vorágine de efectos especiales que en ella aparecen, un servidor considera que éste es el proyecto más personal de Peter Jackson. El resultado final es una peli de aventuras con grandes dosis de acción, que tuvo un recibimiento tibio en la taquilla y que fue prácticamente ignorada por la crítica.

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    Durante la Gran Depresión en Estados Unidos Carl Denham (Jack Black), un fracasado y poco escrupuloso productor de cine, consigue el mapa para llegar a una isla desconocida que sería la locación ideal para su siguiente película. Acompañado por el dramaturgo Jack Driscoll (Adrien Brody),  la incipiente y famélica actriz Ann Darrow (Naomi Watts) y una tripulación de marineros dedicados al tráfico de animales, Denham se embarca hacia la isla huyendo de sus acreedores. Ninguno sospechó que la isla estaba habitada por bestias prehistóricas sobre las que se impone Kong, un poderoso gorila de siete metros de altura.

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    Esta cinta es un remake de la versión original de 1933 (Cooper y Schoedsack), todo un clásico del cine de aventuras y un parteaguas en el terreno de los efectos especiales. Ya antes el afamado (o infame) productor Dino de Laurentiis intentó hacer su propia versión en 1976 (Guillermin) con Jessica Lange y Jeff Bridges en los papeles protagónicos y resultados desastrosos.

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    Pero ahí donde John Guillermin fracasó, Jackson pudo salir airoso. Para muchos (incluyéndome), el error de De Laurentiis y Guillermin consistió en modernizar a la fuerza un clásico. Así, en la versión de 1976 no es un equipo de filmación el que visita la isla, sino una compañía petrolera; Kong no mide siete metros de altura, sino alrededor de quince; los dinosaurios que lucían geniales en la versión de 1933 quedaron completamente fuera de la cinta; y Kong no escala el Empire State Building, sino el World Trade Center.

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    Originalmente, hacia 1994, Jackson había empezado el borrador de un guión para King Kong ambientado en la época contemporánea. Sin embargo, la negativa de Universal Pictures para darle los derechos de la película echó por tierra el proyecto. Universal pretendía colgarse de la fama de que aún gozaba Parque Jurásico (Spielberg, 1993) y sacar su propia película de gorilas basada en una novela de Michael Crichton: la terriblemente fallida Congo (Marshall, 1995).

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     Rindiendo homenaje a su película favorita, Jackson decidió ambientar la cinta en 1933 y acertadamente, pues se dio cuenta de que esta historia sólo podría funcionar en su época. La recreación histórica de la ciudad de Nueva York durante la Gran Depresión es simplemente apabullante. De hecho, mucha de la fuerza dramática de la cinta de Jackson está apoyada precisamente en la crisis económica y social por la que pasaban los Estados Unidos en ese momento. ¿De qué otra forma una actriz de vaudeville aceptaría embarcarse hacia una isla desconocida con un productor que apenas conoció en una esquina?

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    La película es, más que otra cosa, una versión “corregida y aumentada” de la King Kong original, con una duración del triple de tiempo que ésta. Es interesante notar que Jackson incorporó muchas escenas basadas en pasajes descritos en la no poco popular novelización de la película de 1933, escrita por Delos W. Lovelace. Asimismo, integra muchas escenas que se encontraban en el guión original de la primera versión, pero que nunca se filmaron o escenas que se filmaron pero quedaron fuera del corte final, como la famosísima escena perdida de la araña gigante (sustituida en esta versión por wetas y euriptéridos gigantes) que ataca a los marineros en el fondo de una cañada.

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    Un punto más que notable es la actuación de la triada protagonista: Naomi Watts, Adrien Brody y Jack Black. No sólo cada uno de ellos interpreta su papel de forma magistral, sino que la química entre los tres y la de cada uno de ellos con los otros dos es simplemente maravillosa.

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      Para beneplácito mío ¡volvieron los dinosaurios! Sin embargo, la propuesta de Jackson en esta cinta es la de presentar especies ficticias de dinosaurios, en lugar de intentar recrear especies reales. Se supone que estas especies son el “cómo hubieran evolucionado estos animales si no se hubiesen extinto”. De tal suerte, en esta cinta Kong se enfrenta a un Vastatosaurus rex (cruza entre un Tyrannosaurus rex y un caimán), y los marineros del S.S. Venture son atacados por Venatosaurus (una especie superdesarrollada de Velociraptor) y por un Ferrucutus Cerastes (cruza entre un Pachyrhinosaurus y un Pentaceratops). Y con todo este párrafo quise exponer que la atención a los detalles del equipo de producción llegó al grado de ponerles nombres científicos a las especies que inventaron… y lucir mis conocimientos de aficionado a la paleontología.

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    Otro de los méritos de la peli es que, por fin, King Kong se ve como un gorila real. No como un muñeco de goma como en la versión original (no me malinterpreten, me encanta cómo luce, sólo que no se ve como un gorila, se ve como King Kong), ni como un actor en un traje de peluche, como en la versión de 1976; sino como un gorila de verdad. Para crear a Kong se usó la técnica del Motion Capture para trasladar los movimientos del actor Andy Serkis, quien en la Trilogía de El Señor de los Anillos interpretó a Gollum y en esta cinta interpreta a Kong y al cocinero “Lumpy”, a una computadora y, con base en esa información, crear un personaje digital.

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        En general, esta película es un poco simple en cuanto a su contenido, pero sin duda es entretenida. Más que otra cosa, debe vérsele como lo que es, el homenaje de un artista hacia su principal fuente de inspiración. En muchas secuencias, de hecho, parece que estamos viendo a un niño jugando con sus juguetes favoritos. Y precisamente ése es el quid de la cosa, pues la principal virtud de esta cinta es, al mismo tiempo, su principal defecto: Para realmente disfrutar de esta peli se necesita ser, al igual que Peter Jackson, todo un connoisseur de la película original de 1933.

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    Quizá ésta sea la película más personal de Peter Jackson, quien hace un trabajo asombroso al revisitar una de las más grandes películas en la historia del cine y traerla de vuelta a la vida. Por desgracia, su excesiva duración –Jackson se toma su tiempo para dibujar retratos preciosistas de los personajes y vale la pena– ahuyentó al grueso del público. Al igual que el simio titular de la cinta, King Kong es una bestia inmensa de otra era, un blockbuster de autor con ciertas pretensiones artísticas que en el mercado actual está prácticamente extinto que se ha convertido en una cinta de culto con todas las de la ley.

 

PARA LA TRIVIA: Cuando King Kong es capturado es presentado en un teatro en Broadway acompañado por un bailable y música de lo más kitsch. Tanto la música como el bailable y los vestuarios que usan los supuestos aborígenes son réplicas de los usados en la cinta de 1933.

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FLASH GORDON. La peli que estuvo a punto de ser “Star Wars”.

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FLASH GORDON

 

Mike Hodges, 1980

 

En 1929 el escritor estadounidense Phillip Francis Nowlan escribó el relato space opera titulado Armageddon 2149 A.D. en el que, al más puro estilo de Rip Van Winkle, un héroe del presente despierta en el futuro y se enfrenta a diferentes villanos. El relato fue publicado por entregas en la revista Amazing Stories, gozando de gran popularidad. Tanta, que el sindicato de periódicos de EE.UU. contrató a Nowlan para que adaptara la historia a una tira cómica titulada Buck Rogers en el siglo XXV, dibujada por Dick Calkins y cuyo primer número se publicó en enero de 1929.

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    El éxito de Buck Rogers fue inmediato, siendo adaptado a una gran variedad de medios como novelas, programas seriales en radio y cine, juguetes, etc., por lo que una avalancha de imitaciones no se hizo esperar. De todas ellas, la única que logró reconocimiento y que, en mi opinión, lograría superar la popularidad de Rogers, fue Flash Gordon, creada y dibujada por Alex Raymond, y publicada en periódicos por primera vez en enero de 1934.

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     A mediados de la década de 1970, un joven y ambicioso director californiano llamado George Lucas buscaba hacer una versión contemporánea de los viejos seriales cinematográficos de Flash Gordon que lo habían cautivado cuando era niño. Sin embargo, cuando quiso adquirir los derechos del personaje, se enteró de que el director Italiano Federico Fellini ya estaba en negociaciones para conseguir los mismos, por lo que tuvo que escribir su propia space opera, a la que tituló The Star Wars… y ya todos sabemos cómo le fue con eso.

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    Tras el éxito aplastante de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) en las salas cinematográficas de todo el mundo, el productor italiano Dino de Laurentiis finalmente pudo conseguir los derechos de Flash Gordon para una película que sería dirigida por federico Fellini y protagonizada por Kurt Russell. Empero, Fellini no pudo dirigir la cinta y a Russell no le interesó el personaje de Flash, prefiriendo actuar para John Carpenter en la ahora clásica Escape de Nueva York (1981). La película se sumergió entonces en el caos de la preproducción.

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    El guión original era ligeramente más fiel al comic: el tono era mucho más serio, no aparecía Klytus (Peter Wyngarde), Kala (Mariangela Melato) sí era el rey de los hombres tiburón y Thun (George Harris), el príncipe de los hombres león; la participación de las amazonas del reino helado de Frigia no se limitaba a un mero cameo y, quizá lo más importante: Ming (Max von Sydow) y Flash (Sam J. Jones) sí se enfrentaban en un duelo de espadas al final.

    La película como quedó finamente narra la historia de Flash Gordon, un jugador de football americano y Dale Arden (Melody Anderson), una agente de viajes, quienes sufren un accidente aéreo debido a extraños fenómenos meteorológicos y son secuestrados por el Dr. Hans Zarkoff (Topol), quien fuera desacreditado como científico tras descubrir que tales acontecimientos eran el resultado de un ataque extraterrestre a la Tierra. Zarkoff lleva a Gordon y a Dale al planeta Mongo, gobernado por el despiadado emperador Ming, quien mantiene oprimidos a los reinos de Mongo y busca destruir nuestro planeta.

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    Según se sabe, al caos de la preproducción de esta cinta le siguió un infierno de realización. Siete directores rechazaron el proyecto –entre ellos, Nicholas Roeg, el propio Fellini y Sergio Leone, quien no quiso hacer la peli porque se alejaba demasiado de los comics–. Actores descontentos que se la pasaban improvisando sus escenas, productores ahorrando exageradamente, desorganización, Dino de Laurentiis presionando para que la película fuera más cómica y amigable con el público familiar, los constantes problemas de Sam Jones dentro y fuera del set por su temperamento volátil y sus confrontaciones con De Laurentiis por la falta de pago, regrabaciones constantes y sendos otros incidentes llevaron al director Mike Hodges a referirse a esta película como “la única película improvisada de 27 millones de dólares en la historia”. El mismo Jones abandonó la producción dejándola inconclusa, por lo que algunas de sus escenas fueron filmadas por un doble y muchos de sus diálogos tuvieron que ser doblados.

    Y la verdad es que parte de tal pandemónium sí trasciende a la pantalla. Creo que uno de los principales fallos de la película es que nunca define su tono. En algunos momentos es chusca e infantil, pero en otros está cargada de erotismo y, en otros, tiene altas dosis de violencia… aunque, toda ella, eso sí, se ve de lo más camp.

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    Las actuaciones son increíblemente disparejas y, mientras a Jones y a Anderson hay momentos en que duele verlos, Max von Sydow se ve que está haciendo su mayor esfuerzo con el material de que dispone y Brian Blessed se ve a sus anchas en el papel del príncipe Vultan quien, según lo declara en sus memorias, era su personaje favorito de Flash Gordon cuando era niño.

    A pesar de todo, la película se distingue particularmente en dos rubros. El primero de ellos es, por supuesto, la música. El soundtrack de la película combina las composiciones sinfónicas de Howard Blake con los temas compuestos e interpretados por mi banda favorita de toda la vida, Queen. Hodges en algún momento consideró llamar a Pink Floyd para que se encargaran de musicalizar la cinta, sin embargo, la tarea recayó finamente en Queen –de quienes Dino De Laurentiis jamás había escuchado hablar antes de esta peli– y se mostraron entusiasmados con la idea casi de inmediato. El soundtrack de Flash Gordon, lanzado en diciembre de 1980, se convirtió en el noveno álbum de estudio de la banda y, francamente, me parece que supera con creces la calidad misma de la película.

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    El segundo elemento que sobresale de la cinta es el diseño de arte. Siguiendo una estética glam, los sets y los vestuarios, que recogen influencia del Art Decó que originalmente vio nacer a Flash Gordon y de la moda tradicional del Lejano Oriente, son verdaderamente impresionantes. Una de mis piezas de vestuario favoritas en la historia es el traje de gala de Ming, que pesaba alrededor de 30 kilos, por lo que von Sydow sólo podía llevarlo puesto por cortos periodos de tiempo.

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    Por desgracia, todo ello desmerece con la calidad de la producción. A pesar de que la fotografía es muy buena y fue dirigida por Gilbert Taylor, quien también dirigiera la fotografía de Repulsión (Polanski, 1965) y La guerra de las galaxias, los sets de la película nunca logran perder ese aspecto: el de que son sets y toda la cinta fue filmada en estudio. Además, los efectos visuales son malos hasta para la época.

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    Muchas de las deficiencias de la producción intentaron justificarse a través de la nostalgia. Es decir, para ocultar el hecho de que la película se veía chafa y pasada de moda, trataron de justificarlo con que era un tributo a los seriales de los 30… digo, porque de otro modo no concibo que alguien tuviera el valor de mostrar en pantalla algo como los lizard-men en 1980.

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    Originalmente, los actores principales habían firmado contrato para una trilogía; sin embargo, el estrepitoso fracaso de taquilla de la película en los Estados Unidos y el hecho de que apenas pudo recuperar su presupuesto después de su estreno internacional frustraron cualquier plan para una secuela. SPOILER Incluso el final de la película, que es un fusil/tributo al final de El horror de Drácula (Fisher, 1958), deja abierta la puerta para una secuela –en la que Klytus regresaría como el villano principal– que nunca existió. TERMINA SPOILER

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    A pesar de todo lo anterior, la verdad es que el resultado final me parece genial. Flash Gordon es muy entretenida y, a pesar de su enorme cantidad de enormes fallos… o precisamente debido a ellos, es toda una experiencia verla, pues no se parece a ninguna otra. Pauline Kael de The New York times ha dicho de ella que “Es como un cuento de hadas que sucede en una discoteca en las nubes” y el legendario crítico de cine Roger Ebert la llamó “una extravagancia chiclosa y boba, pero muy entretenida”. Lo que es indiscutible es que, casi desde su estreno, Flash Gordon se convirtió en una película de culto que aún hoy día sigue siendo un referente en la cultura pop del siglo pasado.

PARA LA TRIVIA: En los seriales cinematográficos de los 30, Buck Rogers y Flash Gordon eran interpretados por el mismo actor: Buster Crabbe, quien también llegó a dar vida a Tarzan.

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PSICÓPATA AMERICANO

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PSICÓPATA AMERICANO

American Psycho

 

Mary Harron, 2000

¿Qué sucede cuando se adapta una versión fílmica de la que probablemente sea la novela —estadounidense, al menos— más controvertida de la década? Si se adapta bien, quiero decir. Pues se obtiene una de las películas más controvertidas de la década. He de decir, eso sí, que en el momento de su estreno esta cinta dividió al público; pero que, conforme ha pasado el tiempo, ha encontrado su lugar.

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    La novela original American Psycho fue escrita en 1989 por el enfant terrible de la literatura estadounidense de la segunda mitad del siglo XX, Bret Easton Ellis. Sin embargo, el texto resultó tan escandaloso que la editorial con la que trabajaba Ellis, Simon & Shuster, se negó a publicarlo argumentando “diferencias estéticas”; por lo que fue rescatado por Vintage Books y publicado finalmente en 1991 en medio de la polémica. El libro recibió duras críticas que lo tacharon de misógino, pornográfico y violento sin sentido, e incluso fue prohibido en Canadá a mediados de los 90, cuando se descubrió que el asesino serial Paul Bernardo poseía una copia.

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    Pero lo que la crítica no vio, deslumbrada por los pasajes francamente gorno de la novela, es la maravillosa y sutil pieza de humor negro escrita por Ellis. A través de una narrativa completamente caótica que transmite la personalidad obsesiva y el deterioro mental del protagonista Patrick Bateman, el autor construye una ácida y filosa sátira social que se burla del consumismo, la frivolidad y, sobre todo, de la subcultura yuppie. Es una comedia de costumbres y de equivocaciones.

    La película es una adaptación bastante fiel al libro, aunque bastante resumida y un poco más ordenada, que narra la historia de un ejecutivo de Wall Street, Patrick Bateman (Christian Bale en el papel que lo lanzó al estrellato), a quien su existencia vacía y sin propósito saturada con las presiones sociales de estar siempre a la moda y llevar una vida chic llena de opulencia han llevado más allá del límite de la cordura. Sus ejemplos a seguir son Donald Trump, Ted Bundy y Ed Gein. Bateman es adicto a los medicamentos de prescripción, a la pornografía y a los Talk Shows… por no mencionar que es un asesino serial que gusta de torturar y asesinar salvajemente a indigentes, prostitutas, compañeros de trabajo y citas fallidas al compás de música pop de los ochenta.

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    El primer interesado en llevar a la pantalla grande el texto de Ellis fue el director de cine gore que nos trajo Herbert West: Re-Animador (1985), el legendario Stuart Gordon, quien pretendía convertir la novela en una película de horror filmada en blanco y negro. Más tarde, el director canadiense David Cronenberg, maestro del Horror Corporal, mostró interés en dirigir la adaptación e incluso Norman Snider, quien escribió el guión de Pacto de amor (1988), había escrito un guión. El mismo Bret Easton Ellis había escrito un guión.

    Sin embargo, el proyecto finalmente cayó en las manos de la directora novel Mary Harron, quien había conseguido bastante notoriedad en el Festival de Sundance con su primer largometraje Yo le disparé a Andy Warhol (1996). La cineasta tomó la película como un reto, pues no estaba segura de que pudiera adaptarse el libro de Ellis y, al mismo tiempo, como un vehículo para definir su postura como artista independiente y alejarse del cine mainstream.

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     Todo iba más o menos bien hasta que alguien le dio el pitazo de que el proyecto se estaba cocinando a Leonardo DiCaprio, quien se encontraba en la cima de la popularidad tras protagonizar Titanic (Cameron, 1997), y de inmediato se interesó en producir la película y protagonizarla. Harron creyó que era una de las peores ideas que había escuchado y se rehusó a incorporar a DiCarpio en la producción, por lo que fue despedida.

    El proyecto quedó a la deriva mientras se barajaban nombres de directores reconocidos para reemplazar a la directora. Martin Scorcesse y Danny Boyle fueron considerados para el puesto; pero fue hasta que Oliver Stone hizo la primera lectura del guión con Leo y Cameron Diaz, en la que los tres sugirieron infinidad de cambios, cuando se dieron cuenta de que la nueva dirección del proyecto no iba a funcionar. Finalmente, DiCaprio se desesperó y se fue a filmar La playa (Boyle, 2000).

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    La casa productora Lionsgate recontrató a Mary con la condición de que no llamara a Bale para el papel de Bateman. Hábilmente, la directora le dio al estudio una lista de posibles reemplazos que sabía que no aceptarían el papel: Ewan McGregor —quien era amigo personal de Bale, por lo que una llamada telefónica de éste pidiéndole que no aceptara el proyecto lo resolvió todo—, Vince Vaughn —que no pudo porque estaba ocupado filmando el penoso remake de Psicosis (Van Sant, 1998)— y Edward Norton, quien simplemente dijo que no. Sin más opción, Lionsgate aceptó a Bale en el papel.

    La producción, que ya de por sí había sido complicada, no estuvo exenta de contratiempos, siendo el principal de ellos una campaña de desprestigio. Harron decidió filmar en Toronto —Así es, esta película ambientada en Nueva York y que todos creímos que se filmó en la Gran Manzana en realidad se filmó en Canadá—, lo que desató la indignación de una asociación civil canadiense contra la violencia en el entretenimiento. Esta asociación logró que la gran mayoría de las locaciones en las que la película iba a ser filmada se echaran para atrás, por lo que Psicópata americano no sólo no se filmó en Manhattan; sino que se filmó mayormente en estudio.

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    En un primer visionado uno podría pensar que quien escribió el guión de la cinta simplemente se limitó a cortar y pegar fragmentos del libro y a darles un orden más coherente; pero no es así. En ciertos momentos pareciera que la película es una parodia de la novela, que a su vez ya es una especie de parodia… lo que vuelve todo esto una metaparodia… o algo así.

    Uno de los grandes logros de esta película es que precisamente conserva el tono del texto en el que está basada. La novela de Ellis mezcla de manera magistral pasajes de horror puro con el gore más estrafalario y otros pasajes de lo más cómico. Recuerdo ir en el transporte público y sentirme asqueado mientras leía, sólo para carcajearme al llegar a la siguiente estación del Metro entre las miradas de las demás personas —me pregunto si el objetivo de Ellis era que el lector pareciera psicópata—. Esta cinta es un chiste macabro y de pésimo gusto que no sólo se burla de los yuppies y su estilo de vida, sino de las películas de asesinos seriales en general.

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    Precisamente una de las consignas de Harron al adaptar la cinta fue la de no caer en la tentación de convertir la película en un estudio de personaje dándole un background psicológico y profundo a Bateman. ¡El tipo está loco y ya! Y el círculo social a su alrededor está tan enajenado con el consumismo que nadie parece percatarse de ello. Es más, como todos sus amigos siguen las mismas tendencias de la moda e incluso tienen más o menos el mismo tipo físico, les es prácticamente imposible reconocerse unos a los otros, por lo que cuando Patrick comienza a dar cuenta de ellos, nadie lo nota.

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    Si algún fallo tiene esta película es que es demasiado fresa comparada con el libro, pero… ¿no lo son todas? Me refiero a que las escenas de asesinatos son mucho más espectaculares en la novela —¿Dónde quedó la escena en la que Patrick mete una rata en la vagina de una de sus víctimas?— y en la peli nunca mencionan el canibalismo del protagonista. Y por cierto, uno de mis pasajes favoritos quedó fuera: el del niño que Bateman mata en el estanque de los pingüinos en el zoológico de Central Park. Y es de mis favoritos porque creo que en él Ellis alcanzó el tono grotesco por excelencia. La escena es horrorosa, pero terriblemente cómica al mismo tiempo.

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    Creo que esta cinta es un nuevo clásico del cine de asesinos y, aunque en su momento quizá no fue valorada justamente, se ha afianzado como un referente de la cultura pop de nuestros días. Por no mencionar que su legado sentó las bases de una de mis series de televisión favoritas: Dexter (2006-2013).

A PARTIR DE AQUÍ EL TEXTO CONTIENE SPOILERS

Sin embargo, el mayor acierto de esta película es que conserva la ambigüedad del libro. Cuando uno termina de ver la cinta persiste la duda: ¿Realmente es Patrick Bateman esta bestia sádica sedienta de sangre? ¿O es este Alter Ego simplemente el producto de una imaginación frenética que encuentra en fantasías depravadas la única válvula de escape de una existencia completamente insatisfactoria? Es decir, como sea, Bateman está loco; pero quizás el horror no está en el espectador que es testigo de sus actos atroces, sino en el que alguna vez se ha sentido tan aburrido o tan frustrado que ha tenido fantasías similares… y nadie se percató de ello.

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PARA LA TRIVIA: Tanto Jared Leto como Robert Sean Leonard (mejor conocido como el Dr. James Wilson en House M.D.) audicionaron para el papel de Patrick Bateman. Leonard fue rechazado, pero Leto obtuvo el papel de Paul Allen en la cinta.

PARA LA TRIVIA GEEK: En la novela, las amigas de Bateman se refieren a él con el apodo de “Batman”, lo que es curioso porque Bale interpretaría al Hombre Murciélago cinco años después en Batman inicia (Nolan, 2005).

 

Fuente:

Rue Morgue Núm. 157, Julio de 2015. Pp.16-22.

 

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GREMLINS 2: LA NUEVA GENERACIÓN. Los duendecillos verdes regresan para burlarse de sí mismos.

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GREMLINS 2: LA NUEVA GENERACIÓN

Gremlins 2: The New Batch

 

Joe Dante, 1990

La primera película de Gremlins (Dante, 1984) se convirtió en un éxito inmediato y en una de las películas más icónicas de la década de los 80. De hecho, su importancia en la cultura pop trasciende la mera película, pues fue una de las dos cintas que obligaron a la MPAA a crear la clasificación PG-13. Una segunda parte era obligada, sólo que está llegó tarde y en un tono completamente distinto a la cinta anterior… y, sin embargo, es también una película genial y muy muy disfrutable.

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    Billy Peltzer (Zach Galligan) y su novia Kate (la hermosa Phoebe Cates) se han mudado a la Ciudad de Nueva York, donde él trabaja como artista conceptual para las Industrias Clamp, un corporativo multinacional que acaba de inaugurar un edificio inteligente, el más avanzado en el mundo. Cuando la tienda de su amo es destruida a unas cuantas cuadras de la torre Clamp, Gizmo, el pequeño y adorable Mogwai, no tiene otro remedio que vagar buscando la ayuda de su único amigo: Billy. Por supuesto, a pesar de todas las precauciones, esto eventualmente derivará en que la Torre Clamp sea invadida por una horda de salvajes gremlins que, en esta peli, son aún más peligrosos que en la anterior.

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    A veces, un paso lógico para hacer la secuela de una película de gran éxito no es crear una segunda parte que rtate de llegar al nivel o incluso superar a la anterior, sino burlarse de ella. De tal suerte, Gremlins 2 es al mismo tiempo una continuación, una autoparodia y un sentido tributo no sólo a la primera parte, sino al tipo de cine que le dio origen. Desde que la película empieza con una animación del Pato Lucas y Bugs Bunny dirigida por el legendario Chuck Jones, quien salió del retiro únicamente para colaborar en la peli, uno sabe que no podrá tomarse la cinta en serio.

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    De hecho, toda la peli es como un dibujo animado y está en un tono mucho más cómico que la anterior. Del mismo modo, se nota que esta cinta fue creada pensando en que fuera más amigable para toda la familia, pues hay menos violencia explícita y menos sangre que en su predecesora.

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    Como resultaría obvio pensar, tras el aplastante éxito de Gremlins, Warner Bros. inmediatamente quiso hacer una segunda parte; sin embargo, Joe Dante no estaba interesado en participar. El desarrollo del proyecto siguió sin Dante y se barajaron muchos directores diferentes, así como ideas de trasladar a los gremlins a lugares como la ciudad de Las Vegas o al planeta Marte. Luego de un largo tiempo en el que no pudo concretarse nada, Warner volvió a ofrecerle la dirección de la cinta a Dante, quien puso como condición para aceptar el que le permitieran hacer lo que quisiera. La productora cedió y el resultado es una peli bastante personal que, de hecho, al director le gusta más que la primera parte.

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    Del mismo modo, la Warner quería al artista de efectos especiales Chris Walas, quien creara a las criaturas de la primera parte, de regreso; sin embargo, Walas declinó la oferta para dedicarse a dirigir su primer largometraje: la infame La mosca 2 (1989). Tras la negativa de Walas, los productores se acercaron a uno de los más grandes artistas de maquillaje de todos los tiempos: Rick Baker… empero, a Baker no le interesaba hacer la película, pues no le atraía la idea de invertir tanto esfuerzo y dedicar tanto trabajo a criaturas diseñadas por alguien más. Finalmente, lo que convenció a Baker de participar fue el concepto de los gremlins mutantes, pues el artista podría diseñar sus propias criaturas… y la oferta de coproducir la película, claro.

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    Y por cierto que los gremlins de esta película lucen aún más espectaculares que los de la primera parte y, en general, todos los efectos especiales son geniales. Las animaciones en stop-motion, credas por el maestro del género Phil Tippett están de 10, e incluso se ven bien actualmente. Quizá las que desmerecen un poco son las tomas de cuerpo completo de Gizmo… caminado en la calle… a plena luz del día… ¿Por qué chingados Gizmo camina bajo el rayo del sol? ¿Y que no los Futterman estaban muertos? Bueno, supongo que tales errores de continuidad son deliberados en el ánimo de la autoparodia.

    Ya he hablado en ocasiones anteriores sobre cómo Joe Dante es un cinéfilo empedernido, un fan de hueso colorado de las cintas de monstruos de los 50 y 60 que no desperdicia ninguna oportunidad para rendir tributo a las películas que llenaron su imaginación infantil, y en esta película se da vuelo. Básicamente, toda la cinta es un gigantesco “Easter Egg” lleno de Easter Eggs.

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    La película presenta tantos cameos y referencias a otras fuentes, que son demasiados para contarlos. Por ejemplo, el cameo de John Astin, a quien Gizmo atinadamente llama “Gomez”; el del crítico de cine Leonard Maltin quien, de hecho, repite su crítica sobre la primera cinta; la aparición de Al Lewis repitiendo su papel del Abuelo Munster y la participación del siempre genial Sir Christopher Lee, el inmirtal Drácula de Hammer, quien tiene una reacción bastante peculiar cuando uno de los gremlins se convierte en murciélago; la aparición de las vainas espaciales de Invasion of the Body Snatchers (Siegel, 1958); el cameo de Hulk Hogan;  las referencias a La bestia de las profundidades (Lourié, 1953), El experimento del Dr. Quatermass (Guest, 1955) ; que el laboratorio se encuentre en el piso 51; que la película que presenten en el programa de TV sea en realidad Octaman (Essex, 1971), la primera cinta con un monstruo diseñado por Rick Baker; la placa en un pasillo de la Torre Clamp que dice “Vectorscope Labs”, que es el nombre del laboratorio de la película Viaje insólito (1987), dirigida también por Dante;  que la cara del gremlin que enciende el microondas en el programa de cocina sea la del Kraken de Furia de titanes (Davis, 1981); que Tony Randall le de voz al gremlin conocido como Cerebro; la obvia referencia a King Kong (Cooper y Shoedsack, 1933) cuando Daffy se sube a la maqueta del Empire State Building; el gremlin murciélago que deja un agujero con la forma de la batiseñal en la pared; el montón de referencias a Rambo II (Cosmatos, 1985) que, de hecho, fueron aprobadas personalmente por Sylvester Stallone y un gran número de etcéteras.

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    Las actuaciones son bastante buenas. Digo, todos están en un tono un tanto exagerado; pero, nuevamente, ése es el tono de la película y está bien. Quien siempre me ha parecido excelente en su papel es John Glover quien, con el personaje de Daniel Clamp hace una evidente pero no por ello menos efectiva parodia a Donald Trump; y lo hace no sólo con el nombre y el peinadito, sino copiando sus gestos, sus ademanes y sus manierismos. Por cierto que este personaje estaba pensado para ser el villano de la película; pero de última hora decidieron darle un tratamiento mucho más light.

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    Y hablando de cosas light, ya que por supuesto, no profundiza mucho en ello pues no es su objetivo, pero la cinta se toma algunos minutos para regar, por aquí y por allá, algunos comentarios sociales en la forma de una sátira al esnobismo, al control aparente y la forma en la que la automatización en realidad complica nuestras vidas, y a cómo las grandes corporaciones destruyen los sueños de la gente y, en este caso de manera específica, aplastan a los pequeños comerciantes.

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    En este caso me es difícil determinar si la secuela es mejor o peor que la original, pues se trata de dos películas muy muy diferentes. Sólo puedo decir que, cada una en su estilo, las dos me gustan mucho y que Gremlins 2 funciona mejor como parodia que como secuela; y está llena de muchas ideas interesantes, momentos verdaderamente hilarantes y muchos diseños de criaturas geniales. Dicho sea de paso, el videojuego para el Nintendo Entertainment System era genial… brutalmente difícil; pero genial.

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PARA LA TRIVIA: El ridículo video del Fin del Mundo transmitido por la cadena de televisión por cable de Clamp fue inspirado por un video real que posee la CNN en su archivo, producido para ser transmitido cuando el Fin del Mundo sea confirmado.

 

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CONGO. La hermanita bastarda de “Jurassic Park” cumple 25 años.

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CONGO

 

Frank Marshall, 1995

 

No es un secreto para nadie —por lo menos para nadie que haya vivido esa época— que Parque Jurásico (Spielberg, 1993] desató toda una ola de películas que buscaban colgarse de su fama. En general se trataba de cintas o con dinosaurios (o algo por el estilo, como la genialmente terrible Carnosaurio [Simon y Moloney, 1993]), o típicos melodramas de aventuras ambientados en locaciones selváticas con elementos de fantasía o ciencia ficción cuya lista de títulos es tan larga que creo que merecen un artículo aparte —¿Saben qué? Tal vez empiece a escribirlo de una vez—.

    El punto es que una gran cantidad de producciones se salpicaban del éxito de Parque Jurásico y sus productores sólo podían ver cómo oros productores engordaban con las sobras del gran pastel que ellos se habían preparado. Una secuela de Parque Jurásico era obligada, pero el respeto autoral de Steven Spielberg se interponía en el camino.

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    Me explico: Desde el rotundo éxito de ventas que fue la novela de Parque jurásico, los fans comenzaron a presionar a Michael Crichton para que escribiera una secuela. Hasta ese momento, Crichton nunca había escrito una segunda parte y no estaba seguro de saber cómo o de querer hacerlo, para el caso. En 1993, tras el arrasador éxito de la película de Parque jurásico, la presión sobre Crichton creció y los rumores de una secuela fílmica se incrementaban cada vez más.

    Sin embargo, Steven Spielberg, la cabeza del proyecto, se rehusaba a hacer una secuela sin la aprobación de Crichton. Después de más de un año de negociaciones, Spielberg convenció al novelista para que escribiera una secuela de Parque jurásico. Pero los productores de la película no iban a dejarla ir tan fácilmente.

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    Mientras se cocinaba el proyecto con Spielberg, su mano derecha la productora Kathleen Kennedy (quien produjo Parque jurásico y una larguísima lista de etcéteras) y su esposo, Frank Marshall (productor de Los cazadores del Arca Perdida [Spielberg, 1981], entre ambos productores ejecutivos de uno de los proyectos consentidos de Spielberg: Las aventuras de los Tiny Toons [1990-1995]) comenzaron a gestionar un proyecto paralelo. Se trataba de la adaptación fílmica de una novela prácticamente olvidada de Michael Chricton publicada en 1980 y que había tenido un éxito aceptable. También tenía elementos de aventura y ciencia ficción, y se desarrollaba en la jungla. Y lo mejor de todo, era que el guión ya estaba escrito[1].

    La idea original de Michael Crichton en 1979 era que su novela fuera una especie de actualización de Las minas del rey Salomón y el argumento sonaba tan bien que Twentieth Century Fox compró los derechos para hacer la película incluso antes de que el libro fuera publicado.

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    Desde que escribía la novela, el autor pensaba a Sean Connery en el personaje de Charles Monroe, una especie de Allan Quatermain moderno. Cuando surgió el proyecto para hacer la película, en 1981, la idea era que Sean Connery interpretara al personaje y Michael Chricton dirigiera la cinta. Pero por una serie de razones, siendo la principal de ellas que aún no se podían hacer gorilas realistas en el cine, el  proyecto se enfrió y, aunque en 1985 se intentó retomarlo, finalmente fue cancelado. Pasarían casi diez años para que Paramount lo rescatara.

    Finalmente, la versión fílmica resultó ser una adaptación bastante fiel al libro… O por lo menos bastante más que Parque jurásico, en la que se tomaron bastantes libertades con respecto a la fuente.

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    En la película se cuenta la historia del Dr. Peter Elliot (Dylan Walsh), un primatólogo de la Universidad de Berkeley, que ha trabajado durante años con la gorila Amy (Lorene Noh) enseñándole a comunicarse a través del Lenguaje Signado Americano. Después de que Amy es atormentada por terribles pesadillas, Elliot decide devolver a la gorila a su hábitat natural, por lo que comienza a reunir fondos para financiar una expedición al Congo[2] con tal fin. El único interesando en financiar tal empresa es el supuesto filántropo rumano Herkermer Homolka (el camaleónico Tim Curry más desaprovechado aún que en Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York [Columbus, 1992]); pero cuando la expedición sufre de problemas monetarios, será la Dra. Karen Ross (Laura Linney), quien rescate la misión. Ross trabaja para la compañía de telecomunicaciones TravisCom —¡Ah, cómo se quiebra la cabeza Chricton para ponerle nombres a las empresas de sus libros!— y fue enviada para encontrar a una desaparecida expedición anterior, liderada por su prometido (el legendario Bruce Campbell, quien de hecho audicionó para el papel de Peter Elliot pero le dieron éste como premio de consolación), para encontrar un raro tipo de diamante que —de manera inexplicable, aunque creo que en la novela sí lo explican— revolucionará las comunicaciones vía satélite. A medio camino y gracias a la suspicacia del mercenario Munro Kelly (Ernie Hudson, a quien quizá recuerden como Winston Zeddmore en Los cazafantasmas [Reitman, 1984]) se revela que la verdadera intención  de Homolka es buscar la legendaria ciudad perdida de Zinj, que se dice está construida sobre una mina de enormes diamantes. En el trayecto, nuestros protagonistas deberán enfrentarse a atentados terroristas, grupos guerrilleros, la fauna salvaje del lugar y los guardianes de la ciudad de Zinj.

    Y, como mencioné antes, la película es bastante fiel al texto original; pero difiere de él en varios elementos principales que me gustaría comentar porque algunos de ellos son bastante curiosos:

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    En primer lugar está el personaje de Monroe. Mientras en la novela Charles Monroe es un hombre escocés —que, de hecho, será una versión primigenia del personaje de Robert Muldoon en Parque jurásico—. En la película, Munro Kelly  se trata de un inglés de ascendencia africana. Por cierto, según lo reveló alguna vez Hudson, este personaje es su favorito de todos los que ha interpretado

    En segunda instancia se encuentra un consorcio alemán-japonés, empresa rival de TravisCom, quienes han descubierto otra ruta hacia la supuesta locación de la ciudad perdida de Zinj y se embarcan en una arriesgada empresa para llegar ahí antes que Ross. En diferentes momentos de la novela se habla de espionaje corporativo y de la carrera que TravisCom está corriendo en contra de sus competidores. Sin embargo, en la película esta línea argumental quedo fuera por completo.

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    En tercer plano mencionaré a los guardianes de Zinj. En la película, los exploradores descubren el origen de los gorilas grises al interpretar los jeroglíficos en los muros de las ruinas de la ciudad. Ahí, aprenden que los habitantes de Zinj criaron una raza de gorilas para usarlos como guardianes de la ciudad a través de la selección de los ejemplares más agresivos de la especie. En la novela, estos orígenes son mucho más escabrosos. Al principio los exploradores leen los jeroglíficos, pero más adelante, gracias a una rudimentaria autopsia de campo, descubren que los guardianes son una especie híbrida surgida del apareamiento de chimpancés y  gorilas en una primera etapa; y posteriormente, de seres humanos con gorilas. Además, los animales han sufrido algunas mutaciones espontáneas causadas por vivir en un medio ambiente con actividad volcánica constante. En el libro las criaturas son mucho más inteligentes e incluso fabrican un tipo particular de herramienta (un par de discos de piedra) con el fin específico de matar y, aunque en la película se menciona de forma casi tangencial, en la novela se vuelve evidente que los guardianes se rebelaron contra sus amos y fueron los causantes de la caída de Zinj.

    Por otro lado, tenemos el elemento de ciencia ficción del guante de Amy. Si bien en la novela la gorila se comunica con Elliot a través del Lenguaje Signado Americano —lo que, de hecho, está basado en el caso real de la gorila Koko, quien aprendió a utilizar dicho sistema en los setenta—, el guante no aparece. Este artefacto que, a través de un complejo sistema, logra transformar los signos del LSA en palabras sonoras, es una invención de la película y fue agregado por meros motivos dramáticos. Digo, en el libro tenemos un narrador que nos dice qué es lo que está diciendo Amy, pero en la pantalla no —aunque igual pudieron ponerle subtítulos, yo qué sé—.

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    Y finalmente está el asunto del canibalismo. En la película apenas si lo mencionan de refilón en un parlamento, mientras que en el libro se le dedica un capítulo casi completo al ataque de un grupo guerrillero que devora a sus enemigos. Sí, no aporta mucho a la historia y seguramente el pasaje retirado de la película por cuestiones de corrección política, pero es una diferencia interesante con la película.

    Volviendo a la película, cada vez que la veo no puedo evitar pensar que no es mala, sino incomprendida… No, no es verdad, sí es malita; pero no creo que merezca el título de La peor película del año (1995), como la nombraron algunos críticos, particularmente si uno toma en cuenta que ese año mismo salieron Showgirls (Verhoeven bajo el pseudónimo Jan Jansen), Mortal Kombat (Anderson), El juez (Cannon), Mundo acuático (Reynolds), Batman eternamente (Schumacher) y Un vampiro suelto en Brooklyn (Craven… sí, ese Craven) [3] —¿Ven? Poniéndolo en perspectiva Congo hasta parece buena película—. Es entretenida y creo que sólo tiene dos grandes fallos… pero sí son muy muy grandes.

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    El primero es el guión. Quizá el hecho de que sea una adaptación tan fiel del libro no ayuda mucho. La narrativa se vuelve atropellada por momentos y las escenas que deberían ser emocionantes resultan anodinas. El final mismo es completamente anticlimático y el paralelismo de un globo aerostático surcando el cielo con el de un helicóptero volando hacia el horizonte en cierto modo nos sirve como remate para recordarnos que acabamos de ver un intento tibio de sucesora de Parque jurásico.

    En el mismo apartado del guión está la cuestión de las tres líneas argumentales. Si bien la del rumano ambicioso pierde fuerza en la segunda mitad del filme, aún tenemos dos asuntos que seguir: La liberación de Amy y la búsqueda de Ross… ¡Y ninguno de los dos es realmente interesante! Quizá tenga que ver con que Amy está demasiado bien adaptada a la vida entre seres humanos —bebe martinis y fuma habanos sin problema alguno—, por lo que no parece que haya necesidad de devolverla a su hábitat; o tal vez tenga que ver con que el planteamiento del personaje de Charles (el prometido de Ross) es tan débil que a uno le importa un sorbete saber que está muerto desde que empezó la película. En la novela por lo menos había más suspenso mientras la gente de TravisCom examinaba el video del ataque a su campamento.

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    El segundo fallo son los efectos especiales. Con perdón de mi admiradísimo gurú de los animatrónicos Stan Winston, pero ¿Qué chingados es eso? Sí, se empeñaron mucho en hacer las botargas de los gorilas. Sí, los actores que los interpretan pasaron no sé cuánto tiempo entrenando para copiar los movimientos de los grandes primates. Pero es que al final del día, se ve a leguas que los simios son actores en botargas ¡Si hasta se les ven los bordes de las máscaras, por favor!

    Supongo que la publicidad de la película jugó en su contra, pues al anunciarla como “De los creadores de Parque jurásico” elevaron las expectativas a un nivel que no pudieron alcanzar. Incluso en la escena del primer ataque de los gorilas guardianes, el animal se veía tan falso que tuvieron que reeditarla en cámara lenta y con imágenes borrosas para esconderlo un poquito.

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    Y este fallo en realidad tiene que ver con un grave contratiempo en la producción. Originalmente, se había planeado que los gorilas de la película fueran CGI, pero tras meses de intentos fallidos, Industrial Light & Magic llegó a la conclusión de que aún no contaban con la tecnología necesaria para hacer un pelaje creíble en gráficos por computadora.

    Así, la producción recurrió al Stan Winston Studio, quienes crearon los dinosaurios animatrónicos de la película de Spielberg, para que confeccionaran las botargas de los gorilas de la película… ¡Ah, sí! Y un hipopótamo para la escena de la balsa; pero ése sí se ve padre, quizá porque su escena transcurre de noche.

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    Para empezar, el Stan Winston Studio recibió instrucciones de que Amy debía verse más adorable que realista, por lo que, a pesar de las recomendaciones de Winston, se decidió diseñar al personaje con la cabeza de un gorila de llanura en el cuerpo de un gorila de montaña.[4] Esto le quitó gran parte de su presencia al personaje.

    Luego están los gorilas grises. Según lo narra Paul Mejias, artista del Stan Winston Studio, los problemas con los gorilas grises aparecieron desde la etapa de diseño, pues la gente de Paramount nunca estuvo segura de cómo querían que los animales se vieran en pantalla:

El diseño de los grises, qué eran exactamente, continuaba cambiando […]. Aún mientras trabajábamos en arcilla, el diseño podía cambiar. Nos dijeron que estos gorilas estaban “descendiendo” genéticamente; pero creo que nunca nos quedó claro qué querían decir.[5]

 

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Así pues,  los gorilas híbridos —bueno, en la película no son híbridos y creo que gran parte del problema con la ambigüedad de su planteamiento fue que a la gente de Paramount le dio miedito meterse con ondas de zoofilia—  terminaron siendo animales deformes y tumorosos con dedos fusionados y vitíligo. Peor aún, el set en el que se filmó su escena era simplemente esta caverna de arcilla roja con luz blanca y plana que en vez de ayudar a eliminar el efecto “Guy-in-a-Rubber-Suit” lo incrementó.

    Con todo, Congo fue un éxito de taquilla… en Estados Unidos, seguramente gracias a los incautos que sí cayeron con eso de “De los creadores de Jurassic Park”, pues la crítica la vapuleó y su fama habrá sobrevivido apenas un par de semanas más allá de su fin de semana de estreno. Su caída casi inmediata en el olvido derivó en que prácticamente el único merchandising que hubo de ella fue la espantosa línea de figuras de acción de Kenner, pues ninguna editorial se animó a sacar una adaptación en cómic e incluso el videojuego para SuperNintendo desarrollado por Ocean fue cancelado a media producción.

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    Pero eso no importa, porque esta película vive en los corazones de quienes la fuimos a ver al cine —y ahora recuerdo que el cine en el que la vi dejó de existir hace más de quince años, lo cual es un poco deprimente—. O no, en general es un melodrama de aventuras en la selva, anticuado, sí, pero efectivo. Es bastante decente, lo mantiene a uno entretenido y tiene algunas escenas interesantes —No la de la lava arrasando las minas de diamante, por supuesto, pero las tiene—. Las actuaciones son más o menos buenas —excepto por Tim Curry, de verdad ¿qué pasó ahí?— y me gusta que en los noventa los héroes de acción tenían posgrados. Además, está llena de ese agradable racismo apto para toda la familia que ya no se ve tan a menudo.

 

PARA LA TRIVIA: Muchas de las innovaciones tecnológicas que eran ciencia ficción en la novela de 1979, como la fotografía y el video digitales o un tipo rudimentario de GPS, eran ya una realidad para el momento en que se filmó la película.

 

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[1] Finalmente se utilizó otro guión, escrito por John Patrick Shanley.

[2] El Congo no es un país como tal, sino una región formada por la cuenca del Río Congo en África Ecuatorial y que abarca una docena de países, principalmente Tanzania y la República Democrática del Congo (anteriormente, en los tiempos en que se filmó esta película de hecho, conocida como Zaire).

[3] ¡Pero qué asco de año! Bueno, salió Toy Story (Lasseter)… aunque en realidad la primera es la peorcita de las tres.

[4] Amy fue el primer personaje creado por el estudio en el que se usó piel de silicón, en vez de la espuma de látex convencional.

[5] MEJIAS, Paul, citado en Duncan, Jodi, The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, Londres, 2006. Pp.197-198. La traducción es mía.

 

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ROBOCOP 2. La película que hizo a Frank Miller jurar no volver a hacer cine cumple 30 años.

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ROBOCOP 2

 

Irving Kershner, 1990

 

El guión de la primera película de RoboCop (Verhoeven, 1987) se desarrolló partiendo del guión para una película de El juez Dredd que fue desechado. Con algunos ajustes, RoboCop, el defensor del futuro se convirtió en una de las películas más icónicas de la década de 1980, una fábula sobre el corporativismo desmedido, una reinterpretación del Mito de Frankenstein y, me atrevo a decir, probablemente la mejor película de acción y ciencia ficción jamás filmada.

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    Y, por supuesto, la secuelitis de Hollywood no podía dejar de sacar ganancias de esa idea. Bastante modificada a partir de un guión escrito por Frank Miller, el artista de comics creador de Sin City, RoboCop 2 se estrenó tres años después de la cinta original. Debo decir que, aunque desde niño me gustó esta película –y ahí estoy yo de nuevo de niño viendo películas para adultos–, siempre me pareció mala y muy inferior a la original.

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    Contrario a lo que podría pensarse, a los productores les encantó el guión original de Miller; sin embargo, por las limitaciones de presupuesto y tiempo, se dieron cuenta rápidamente de que era imposible filmarlo tal y como estaba escrito, por lo que lo cambiaron sustancialmente, tan sólo retomando la idea general. Lo que es más, tanto Nancy Allen como Peter Weller y el director Tim Hunter estaban encantados con el guión, y se mostraron sumamente molestos cuando Hunter fue remplazado por Kershner, quien ayudó al guionista Walon Green a reescribir la cinta.

    En 2007, la editorial Avatar publicó Frank Miller’s RoboCop 2, una adaptación en comic del guión de Miller.

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    En este último visionado que hice para poder escribir este artículo, me sigue pareciendo mala e inferior a la original; pero creo que tengo un poco más de consciencia de lo que querían hacer con esta cinta y no puedo dejar de expresar mi sorpresa al darme cuenta de lo vigentes que siguen siendo los temas que aborda.

    En algún momento indeterminado después de la primera parte, la ciudad de Detroit es asolada por el crimen. En medio del caos, una nueva droga comienza a circular por las calles: el Nuke, fabricado y distribuido de manera exclusiva por el malvado Cain (Tom Noonan, soberbio) y su banda de criminales. Para defenderla contra el crimen, la ciudad cuenta con el oficial Alex Murphy (Peter Weller), ahora convertido en el cyborg RoboCop… sin embargo, quizá Murphy no sea suficiente para detener a esta nueva amenaza, por lo que OCP, la compañía que lo creó, está desesperada por producir un nuevo modelo a través del proyecto RoboCop 2. Ahora, Murphy deberá enfrentarse no sólo al narcotráfico y a la nueva actualización de cyborgs, sino a un gobierno inepto y a los conflictos internos de la voraz corporación privada, quienes se disputan el control de la ciudad.

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    Creo que lo primero que salta a la vista en esta segunda entrega de la saga es que parece esforzarse demasiado por igualar a la primera parte, sin conseguirlo. Hay algunas secuelas, como La masacre de Texas 2 (Hopper, 1986) o Gremlins 2 (Dante, 1990), que son más bien autoparodias de las películas originales. RoboCop 2 tiene un tono notoriamente más cómico que la primera cinta; sin embargo, no llega a ser una parodia y se queda más bien en el nivel de la imitación. En general, toda la cinta está en una onda camp y se vuelve medio estúpida por momentos –¿RoboCop montando una motocicleta? ¿De verdad?–.

    De hecho, a nivel de análisis es muy interesante cómo manejan el tópico de la humanidad perdida de Alex Murphy, que era uno de los temas principales de la primera parte, pues en esta segunda se convierte básicamente en un chiste. Pudo ser tan profundo, pudo ser tan oscuro, tan complejo… pero decidieron que mejor no.

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    Por otro lado, sí me gusta cómo se pitorrean de la corrección política en una parte de la película y hacen a RoboCop “amigable para los niños”. Estoy casi seguro de que se trata de una especie de respuesta a la cancelación de la serie de dibujos animados de RoboCop (Marvel Productions, 1988) por presiones de asociaciones de padres de familia que la consideraban demasiado violenta. La contrapropuesta llega tan lejos como presentar a una banda de niños ladrones. También los comerciales que aparecen a lo largo de la peli son divertidos.

    Eso sí, se notan las partes que sí respetaron del guión de Miller. De hecho, el propio Frank Miller hace un papel secundario: Frank, el nerdoso químico que produce los nuevos tipos de Nuke para Cain.

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    No puedo dejar de mencionar la edición de la cinta, que es desastrosa. Llena de cortes duros, transiciones extrañas y elipsis que no terminan de entenderse por la forma en que están montadas, denotando todo ello una edición y montaje apresurados y desprolijos.

    El maquillaje también se nota inferior al de la primera parte; pero por otro lado, los efectos prácticos son asombrosos. Tanto el puppet del RoboCop desmantelado (creación de Chris Walas) como las secuencias de animación Stop-Motion (por el genial creador de la técnica de animación conocida como Go-Motion, Phil Tippett) se ven geniales. Por cierto, que no pude dejar de pensar que el enfrentamiento final entre RoboCop y Cain/RoboCop 2 se veía básicamente como una batalla de mechas

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    Las actuaciones son increíblemente disparejas: mientras Weller y Nancy Allen bajaron su nivel comparados con la primera parte, Gabriel Damon y el siempre excelente Tom Noonan está de miedo en su papel del despiadado Cain.

    La verdad es que la película sí introduce conceptos interesantes, como el hecho de que un niño sea el líder de una organización criminal, que RoboCop no sea invencible, el proceso de privatización de la ciudad de Detroit, el cambio de color y diseño de RoboCop y su arma, el diseño de RoboCop 2/Cain o el hecho de que el discurso del Viejo (Dan O´ Herlihy), el corrupto CEO de OCP suene casi idéntico a un discurso de Donald Trump…. Por otro lado, hay algunos otros elementos argumentales como el que haya un policía gordo, drogadicto y que trabaja para los chicos malos, o que la policía reclute elementos de entre los criminales, que se me antojan demasiado naïve –por su obviedad, digo–.

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    Cuando era niño y vi esta película, dos escenas se me quedaron muy grabadas: la de la cirugía en la que extraen el cerebro y la columna vertebral de Cain que, aún ahora, se sigue viendo genial, macabramente cómica; y la otra escena de humor negro en la que muestran los prototipos fallidos para RoboCop 2… y que básicamente se piratearon con todo descaro en Iron Man 2 (Favreau, 2010).

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    También es notoria la poca participación del personaje de la oficial Anne Lewis, quien fuera una pieza clave para el desarrollo psicológico del personaje de Alex Murphy en la primera cinta y en el guión de Frank Miller.

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    Así pues, me sigue gustando RoboCop 2. Sobre todo, me sorprende cómo gran parte de su discurso se mantiene tan vigente; sin embargo, es indiscutiblemente inferior, y por mucho, a la primera parte… aunque superior en prácticamente todos los aspectos a la tercera. Es también muy impresionante, una vez que uno se entera de cómo fue escrita originalmente, enterarse de lo que esta película, la incomprensible última obra de quien dirigiera El Imperio contraataca (1980) pudo haber sido.

PARA LA TRIVIA: Aunque la trama se desarrolla en Detroit, Michigan, todos los exteriores de la película fueron filmados en Houston, Texas, e incluso la fachada del edificio del ayuntamiento en la cinta fue filmada en el famoso Distrito de Teatros de la ciudad texana.

PARA LA TRIVIA GEEK: Las tomas desde el punto de vista de RoboCop incorporan elementos que hacen referencia al sistema operativo MS-DOS, de Microsoft; mientras que las tomas desde el punto de vista de RoboCop 2/Cain hacen referencia al sistema operativo de Apple.

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¡Y hasta me dio risa el trailer, que prácticamente te espoilea TODA la película!

 

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LAS TORTUGAS NINJA. A 30 años de su debut en la pantalla grande.

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LAS TORTUGAS NINJA

Teenage Mutant Ninja Turtles

 

Steve Barron, 1990

Es cierto que se trata de una película que sirve más como vehículo de mercadotecnia que otra cosa. Cierto es también que el guión no es lo más profundo y que tiene un montón de errores de continuidad; y muy cierto que sí ha envejecido un poco… Pero para la mayoría de la gente que fuimos niños en esta época, esta peli fue lo máximo. Además, cualquier cinta donde haya artistas marciales capaces de realizar coreografías adentro de semejantes botargas merece respeto.

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    Quince años atrás, la rata mascota de un inmigrante japonés y cuatro tortugas cayeron a una alcantarilla y entraron en contacto con un químico mutágeno que les dio forma humanoide, inteligencia súper desarrollada y la habilidad de hablar como surfistas de los sesenta. Splinter (voz de Kevin Clash), la rata —por alguna extraña razón—, aprendió de su amo, Hamato Yoshi, el arte del ninjitsu y con él entrena a las tortugas para luchar por la justicia.

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    En la actualidad (de 1990), una ola delictiva azota a la Ciudad de Nueva York. Esta ola parece tener conexión con el misterioso clan ninja conocido como El Pie, así como con el pasado de Splinter. Ahora, las cuatro tortugas con la ayuda de sus amigos, la reportera April O’Neil (Judith Hoag) y el vigilante enmascarado Casey Jones (el genial Elias Koteas antes de que aprendiera a actuar), deberán detener al infame clan, mismo que ha estado reclutando a los niños y jóvenes de la ciudad para cometer sus fechorías.

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    Las Ninja Tortugas Adolescentes Mutantes fueron creadas en 1983 por los artistas amateur Kevin Eastman y Peter Laird. Eastman rentaba un cuarto en la casa de New Hampshire donde vivían Laird y su futura esposa y, siendo ambos artistas aficionados, fundaron los Mirage Studios… que eran una tomada de pelo, por eso se llamaban “Mirage” (“espejismo” en inglés); se trataba de dos restiradores en la sala de la casa y nada más.

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    Cierta noche, mientras Laird veía la televisión, Eastman lo molestaba mostrándole un boceto de algo a lo que llamó “Ninja Turtle”: Una tortuga parada sobre sus patas traseras, con una máscara y chacos amarrados a las patas delanteras. Al cabo de un par de horas, los artistas ya habían desarrollado la idea básica de cuatro tortugas mutantes que peleaban usando técnicas del Ninjitsu.

    Para la primavera de 1984, Eastman y Laird ya habían escrito y dibujado lo que sería el primer número (y según pensaron ellos, el único, por eso la portada no tiene número) de Teenage Mutant Ninja Turtles. Con el dinero que habían recibido por su reembolso de impuestos y un préstamo del tío de Eastman, Quentin, los artistas publicaron el cómic de forma independiente con un tiraje de apenas 3000 ejemplares… ¡que se agotaron en un mes! Y el resto es historia.

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    De hecho, incluso durante los primeros números del cómic se mantuvo un tono más bien satírico que trataba de ridiculizar a muchos otros cómics de la época. Por citar sólo un ejemplo, el temido clan ninja de El Pie es una parodia del clan de La Mano que entrenó a Elektra en los cómics de Marvel.

    Para 1990, gracias en gran medida a la serie de dibujos animados que se transmitía por televisión, los personajes estaban en la cúspide de la fama, así que era momento de dar el paso a la pantalla grande. Con un presupuesto estimado en 13 y medio millones de dólares (cifra que fue apenas la décima parte de las ganancias totales de la cinta, haciendo de ésta la película independiente más rentable de la historia), la co-producción de Golden Harvest Productions (la compañía fílmica hongkonesa que producía las películas de Jackie Chan en su tierra natal) y efectos especiales creados por el Jim Henson’s Workshop, la película se filmó en locaciones y estudio en Carolina del Norte.

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    Algo que es muy interesante hacer notar es que los cómics de las Tortugas Ninja no eran para niños. Con su tono underground más cercano al del fanzine, su violencia sumamente gráfica y sus temáticas más oscuras, fueron un hit entre los adolescentes y adultos jóvenes de la época. Y es que, finalmente, las Tortugas eran quinceañeros y los escritores tuvieron una sensibilidad muy atinada para retratar sus problemas en el papel.

    Me parece que, además de la serie de dibujos animados producida por Fox Kids (2003-2010), y eso los primeros episodios, esta película es la única adaptación a la pantalla en la que se trató de conservar el espíritu y el tono oscuro y violento de los cómics originales de los quelonios. Aunque sí se incluyeron algunos elementos de la primera serie de dibujos animados, como el que Miguel Ángel hable como surfista, que April O’Neil sea reportera (en los cómics es la asistente del científico Baxter Stockman) y pelirroja o el cambio más notorio de todos: que las Tortugas usen cintas de colores para sus antifaces, pues en el cómic todas llevaban cintas rojas… bueno, eso lo sabemos por las portadas, porque los primeros cómics eran en blanco y negro.

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    El mantenerse fieles a este tono y concepto les granjeó una buena cantidad de problemas a los productores. Por principio de cuentas, Jim Henson, creador de los Muppets y cuyo estudio fabricó las botargas para esta cinta, quedó muy a disgusto e incluso un tanto escandalizado por la cantidad de violencia mostrada en el corte final de la película (aunque eso, curiosamente, no le impidió cobrar o participar en la secuela).

    Por cierto que una jugada muy inteligente de los creadores de las botargas de las Tortugas fue la de asegurarse que la película se filmara con muy poca luz. La primera regla de los efectos especiales dice: “Nunca muestres más de lo que sabes que vas a poder mostrar”.

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    En segundo término, ya que la película resultó más violenta de lo que la mayoría de los involucrados esperaba, la compañía juguetera Playmates Toys, quienes producían las figuras de acción basadas en los personajes, se negaron a sacar una línea de juguetes inspirada en la cinta… ¡Por favor! ¡Como si eso hubiera detenido a alguien antes! ¿Verdad, Kenner?

    Finalmente, los censores pidieron que se retiraran varias escenas y que se modificaran otras tantas para no darle a esta película la clasificación PG-13. Como resultado, algunas secuencias fueron removidas completamente y la escena en la que Tatsu (Toshihiro Obata) golpea a uno de sus discípulos en un ataque de ira fue doblada para que se entendiera que el chico había sobrevivido, en vez de morir como sucedía en el corte original (de hecho, en la novelización de la película es claro que se muere). Asimismo, muchas de las escenas de April O’Neil, particularmente aquéllas en las que mostraba su interés romántico por Casey Jones, fueron eliminadas por completo, lo que tuvo como consecuencia que la actriz Judith Hoag rechazara participar en la secuela.

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    Así pues, el resultado final es una película decente aunque dispareja. Hay algunas partes que son de un humor más bien ramplón y chistes claramente de slapstick, mientras que otras, como la narración del asesinato de Tang Shen y Yoshi[1] o la derrota de Rafael (voz de Josh Pais) a manos de los ninjas de El Pie, son mucho más oscuras y serias. Además, aunque creo que exageraron un poco al decir que era una película demasiado violenta, sí es agradable notar que en las ediciones en DVD y Blu-Ray se alcanza a apreciar que, después de las peleas, las tortugas tienen moretones y cortadas en la piel, justo como en los cómics.

    Las escenas de pelea están muy bien montadas. Quiero decir que la edición es muy buena, porque si uno se pone a verlas con detenimiento, se dará cuenta de que en realidad las coreografías son bastante simples y la mayoría de las pelas está resuelta con trucos de cámara. Además, casi todas estas escenas fueron filmadas en estudio (sí, gracias a la Alta Definición se puede notar que los edificios en el fondo de la azotea donde Rafael es vencido son un decorado).

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    Las actuaciones son cumplidoras y nada más; pero vamos, la película no se trata de eso. Sobresale, eso sí, la interpretación de Elias Koteas. Digo, cabe señalar que él, Judith Hoag y Michael Turney (quien interpreta al problemático adolescente Danny) fueron casi los únicos actores de la cinta cuyas voces no fueron dobladas. Curiosamente, los dos actores que doblaron las voces de personajes japoneses son estadounidenses.

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    Y hablando de los villanos, me parece que son bastante adecuados. Quizá Tatsu resulta un poco camp… bueno, toda la película, pues; pero Shredder sí se acerca bastante a lo propuesto en los cómics, en los que no era un villano atolondrado con mala suerte como en los primeros dibujos animados, sino un sanguinario jefe criminal con un retorcido código de honor. El vestuario de este personaje siempre me ha impresionado y a la fecha creo que es una de las mejores adaptaciones, visualmente hablando, de un personaje de cómics a la pantalla grande… Quizá el único problema es que el actor que lo interpretaba era demasiado bajito y, con ese casco, se veía como tachuela en los planos abiertos.

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    La banda sonora de la película es completamente un producto de su época, tanto así que creo que dos años después no hubiese podido funcionar. Además de las piezas instrumentales compuestas para esta peli, el soundtrack incluyó temas originales de los artistas de moda, como This Is What We Do del rapero MC Hammer, Spin That Wheel de Hi-Tek 3 o, mi favorita, T.U.R.T.L.E. Power de Partners In Kryme. Un verdadero monumento a lo kitsch.

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    Una película mediana, vivo testimonio de su época que, aun con sus limitantes, es más disfrutable que cualquiera de las secuelas o, incuso, de otras películas similares de la actualidad… Bueno, la verdad no sé si haya películas como ésta en la actualidad, creo que las pelis de botargas murieron con el siglo XX. Ha envejecido, sí, pero los temas que maneja, como los conflictos padre/hijo, la rivalidad fraternal o la delincuencia juvenil siguen vigentes.

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PARA LA TRIVIA: El personaje de April O’Neil se llama así porque el número 1 de los cómics de las Tortugas apareció en Abril de 1984. El número 2, primera aparición de April, se publicó casi un año después.

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[1] En los cómics la historia es así: Hamato Yoshi y Tang Shen están comprometidos; pero Oroku Nagi, miembro del Clan de El Pie desea a Shen. Cierta noche, Nagi va a la casa de Shen e intenta violarla, al resistirse, Nagi la mata a agolpes. En eso llega Yoshi y, en un arrebato de furia, asesina brutalmente a Nagi. Con el crimen y la deshonra a cuestas, Yoshi huye a EE.UU. donde piensa comenzar de nuevo. Sin embargo, es seguido por Oroku Saki, hermano menor de Nagi y quien busca venganza por su muerte. Años después de asesinar a Yoshi, Saki tomará la identidad del líder criminal conocido como The Shredder.

VENGADOR DEL FUTURO. Una de las mejores películas de acción y Sci-Fi cumple 30 años.

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VENGADOR DEL FUTURO

Total Recall

 

Paul Verhoeven, 1990

 

El director holandés Paul Verhoeven tenía un gran talento para mezclar la acción y la ciencia ficción y fue el encargado de brindarnos clásicos como RoboCop, el defensor del futuro (1987) y la cinta de culto Invasión (1997). Entre todas las cintas que el visionario cineasta tuvo a su cargo, se encuentra una que, durante mucho tiempo, fue considerada la mejor película que hubiera protagonizado Arnold Schwarzenegger: la adaptación hiperviolenta –y bastante libre, supongo, la verdad no he leído el cuento– de un relato del autor clásico de ciencia ficción, Phillip K. Dick, llamada We Can Rememberl It For You Wholesale.

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    En la película, la vida del trabajador de la construcción Quaid (Arnold Schwarzenegger cuando estaba en la cúspide) no podría ser mejor: tiene un buen empleo con amigos que lo estiman, una esposa hermosa que haría cualquier cosa por él (Sharon Stone) y un sueño: ir de vacaciones a Marte. Como el viaje al Planeta Rojo podría ser demasiado costoso para Quaid, decide acudir a la compañía ReCall, quienes se dedican a implantar recuerdos artificiales en sus clientes de vacaciones que nunca tuvieron. Pero cuando el tratamiento comienza, algo va mal: Quaid descubre que su memoria ya había sido alterada anteriormente, la que que él creía que era su vida perfecta es una mentira y que todo se relaciona, de algún modo, con la guerra civil en Marte.

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    Recuerdo que veía esta película cuando estaba en la primaria y la disfrutaba un montón. Cómo un niño de primaria tenía acceso a una película hiperviolenta para adultos es un recuerdo más nebuloso para mí que los de Quaid; pero lo que importa no es eso, sino que es una de mis cintas favoritas.

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    Y una de las razones por las que le tengo tanto cariño es porque fue filmada en la Ciudad de México y me parece muy interesante cómo las locaciones les parecieron futuristas al punto de que nomás las maquillaron tantito y las usaron para la película. Así, lugares como las estaciones del Metro Centro Médico o Chabacano, la Glorieta de Insurgentes, Calzada de Tlalpan o el Colegio Militar crean una convincente ciudad indeterminada de un futuro cercano. O sea que, desde hace 30 años, la Ciudad de México parece sumida en un futuro distópico…

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    Por cierto que uno de los grandes aciertos de la cinta es la acuciosidad con la que crea su universo. La película se toma su tiempo para construir un mundo futurista, mostrarnos cómo funciona y quiénes lo habitan. Por ejemplo, ¿habían notado que casi todas las personas que viven en la Tierra son caucásicas? Prácticamente sólo vemos gente de otras razas cuando la acción se traslada a Marte, lo cual integra un sutil pero bien marcado discurso social que el director continuaría en Invasión.

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    La película es el resultado de una mezcla de elementos por demás afortunada. Por principio de cuentas, está la dirección de Verhoeven quien, como ya dije, tenía una visión particular para introducir elementos de Sci-Fi en películas de acción. Por el otro lado, estaba Schwarzenegger, quien con pelis como El exterminador (Cameron, 1984) y El sobreviviente (Glaser, 1987), era también ya un veterano de las cintas de acción y ciencia ficción. Finalmente, está el guión escrito por los legendarios Dan O’ Bannon y Ronald Shussett, quienes escribieran el guión de la quintaesencial Alien: el octavo pasajero (Scott, 1979).

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    Las actuaciones están bien, y creo que en realidad el único que desmerece es Arnold… aunque en esta peli está bastante mejor que en la mayoría. Como actores de soporte se suman los siempre geniales Michael Ironside –con la cara de malo que se carga, uno ya sabe que los demás personajes valieron madres en cuanto sale Ironside– y Ronny Cox, quien también fuera el villano en RoboCop. Sharon Stone y Rachel Ticotin también hacen sus papeles de manera eficiente y convincente.

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    Y, por supuesto, como en cada buena película de ciencia ficción, la estrella principal son los efectos especiales. En el caso de esta película, la gran mayoría de las tomas de efectos se lograron a través de efectos prácticos a la usanza de la vieja escuela: muchas de estas escenas fantásticas fueron creadas con puppets, animatrónicos y maquetas… chingos de maquetas. El resultado final es impactante y logra que muchos de los efectos especiales se vean geniales incluso hoy –como esa escena de la cabeza que se separa en módulos–. Incluso, me atrevo a decir que se ven mejor que los efectos de ese remake de Vengador del futuro de 2012 (Wiseman)… que, francamente, nunca he visto completo.

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    Algo que siempre me causó gracia de esta película… además de la chica mutante con tres senos, por supuesto, fue su tema musical. En general, toda la música de la cinta, compuesta por el legendario Jerry Goldsmith, suena bastante bien; pero el tema principal es tan sospechosamente parecido al tema principal de Conan, el bárbaro (Milius, 1982), otra peli de Schwarzenegger, que se vuelve chistoso.

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    Vengador del futuro es una gran película de acción con elementos de ciencia ficción. Tomando como base un relato de uno de los maestros del género, logra componer una aventura que mezcla un clásico relato de espías con una space opera con el cine hiperviolento de finales del siglo XX. Se trata de una de mis películas generacionales, uno de los mejores trabajos de Verhoeven y una de las mejores interpretaciones de Schwarzenegger y, en general, una aventura súper entretenida con un poquito –y conste que digo “poquito”– más de subtexto de lo que estamos acostumbrados. Me encanta esta película.

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PARA LA TRIVIA: Marte fue recreado en el interior de los Estudios Churubusco en un enorme set que originalmente se acondicionó, juntando dos sets, para filmar Dunas (Lynch, 1984). El director de los estudios Cinecittá en Italia escuchó que en México había un set más grande que los suyos y tuvo que venir a comprobarlo, sintiéndose aliviado al descubrir que dicho set había sido creado al derribar la pared que separaba dos sets más pequeños.

PARA LA TRIVIA GEEK: Investigaciones actuales han logrado implantar recuerdos falsos en la memoria de ratones de laboratorio.

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VIERNES 13: UN NUEVO COMIENZO. ¿El regreso de Jason Voorhees?

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VIERNES 13 PARTE V: UN NUEVO COMIENZO

Friday the 13th: A New Beginning

  

Danny Steinmann, 1985

 

Viernes 13: el capítulo final (Zito, 1984), que como su nombre lo dice, estaba destinada a ser la última película de la franquicia, fue la cinta más taquillera de la saga. Por lo tanto, habría sido idiota no aprovechar la renovada fama de la serie con una nueva entrega. ¿Cómo, si Jason había muerto en la cinta anterior? ¡Qué importa! La continuidad de estas películas dejó de tener sentido desde la segunda parte.

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    En esta nueva entrega, Tommy (John Shepherd), protagonista de la película anterior y quien ultimara al maniático Jason Voorhees, se ha convertido en un joven perturbado y con tendencias violentas –lo que, técnicamente, ubicaría esta película en el futuro–. Después de muchas peripecias, Tommy es transferido a una granja para jóvenes con problemas mentales en medio del bosque. Con la llegada de Tommy, una serie de brutales asesinatos comienzan a ocurrir en la granja y sus alrededores, y todo parece indicar que o Jason (Tom Morga) está de regreso o alguien ha asumido la identidad del asesino de Crystal Lake.

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    Siempre he dicho que no hay nada que “eleve” más una mala película como una explosión. Esta peli tiene una explosión en los créditos iniciales… ¡Y vaya si es mala!

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    El guión es un completo desastre del cual pocas cosas pueden sacarse en claro e incluso, en algunas partes, ni siquiera parece que hubiera un guión. Los personajes prácticamente son inexistentes, se reducen a una colección de los más estereotípicos clichés y, de hecho, muchos de ellos sólo aparecen en la escena en la que los van a matar.

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    Los “personajes” llegan a ser tan superficiales y poco interesantes que no tardan en volverse molestos y, la neta, hay partes en las que uno siente que Jason ya se tardó demasiado en matarlos. Y créanme, las escenas de los hillbillies, que no sé si son una referencia a Bloody Mamma (Corman, 1970), son insoportables.

    Durante toda la peli se supone que el guión trata de manejar la ambigüedad sobre si Tommy es el asesino o no; pero ¿cómo decirlo?… Su ambigüedad resulta tan mal planteada que se vuelve ambigua. Me refiero a que a media película uno como espectador no está seguro si se supone que debe pensar que Tommy es el asesino o no e incluso, por momentos, la narrativa es tan atropellada que pareciera que hay dos Jasons simultáneamente. De cualquier modo, Tommy desaparece durante prácticamente toda la segunda mitad de la peli SPOILER y la vuelta de tuerca al final de la cinta, aunque interesante, resulta increíblemente rebuscada TERMINA SPOILER.

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    Y esa granja debe ser el peor centro de readaptación que he visto, porque en ningún momento parece que los chicos estén recibiendo algún tipo de terapia.

    Claro que nada de esto importaría en una película slasher mientras haya asesinatos brutales y escenas topless, ¿verdad? Bueno, pues ojalá y las hubiera. Sí, hay un par de topless –que en realidad resultan poco interesantes– y resulta bastante evidente que esta cinta se filmó después de las protestas de numerosas asociaciones religiosas y de padres de familia contra la franquicia. Algunas de las muertes son interesantes en concepto y otras son remakes de muertes que ya habíamos visto anteriormente en la saga. Sea como fuere, todas sufren de una terrible censura que no nos permite ver prácticamente nada, convirtiendo a ésta, probablemente, en la entrega más tibia de toda la franquicia.

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    En defensa de la película, puedo decir que ésta es la entrada de la saga que más problemas tuvo con la censura. La MPAA (Motion Picture Asociation of America), el organismo encargado de clasificar las películas en EE.UU., exigió que alrededor de 16 escenas fueran removidas o editadas para darle a la película la clasificación R (para mayores de 17 años) en vez de la temida Clasificación X (para mayores de 21 años), incluyendo una escena de sexo con una duración original de 3 minutos que fue acortada a 10 segundos.

    El resultado final es una película severamente mutilada, tanto que en realidad se vuelve difícil entenderla.

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     Las actuaciones pasan de francamente hilarantes a molestas y terminan siendo prácticamente inexistentes. Digo, uno no esperaba nada en este rubro; pero no por eso dejan de ser inmundas. También es muy interesante que la cinta sigue con la porfía de usar treintañeros como chavitos y luego sí cuesta trabajo agarrar la onda de cuántos años se supone que tienen los personajes.

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    Como lo mencioné arriba, la narrativa es terriblemente atropellada y el lenguaje visual está poco entendido. Quiero decir, muchas de sus tomas se ven tan anticuadas y llegan a ser confusas.

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    Al final del día, Viernes 13: un nuevo comienzo es, quizá, una de las peores entregas en una franquicia de películas de por sí bastante malas. Por no mencionar que comete el pecado capital: es aburrida. No importa si tu película es mala o buena, mientras sea entretenida al menos tienes algo que ofrecerle al espectador. Y esta cinta simplemente no lo tiene.

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PARA LA TRIVIA: Originalmente, la película sucedería inmediatamente después de la anterior y tendría a un Tommy Jarvis púber como protagonista. El guión fue escrito para que Corey Feldman regresara a interpretar el papel. Sin embargo, tuvieron que hacerse cambios para convertir al personaje de Tommy en adulto, pues Feldman se encontraba ocupado trabajando en Los Goonies (Donner, 1985) y tuvo que limitar su aparición a un cameo en el prólogo.

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