ALIEN: LA RESURRECCIÓN. El final de la saga original.

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ALIEN: LA RESURRECCIÓN

Alien: Resurrection

 

Jean-Pierre Jeunet, 1997

Existen dos ediciones de esta película: El corte original para cines de 109 minutos, que según dice Jenuet, es la Edición del Director, pues él se sintió muy satisfecho con el resultado final de la cinta, y la Edición Especial de 116 minutos. La única diferencia son un prólogo y un epílogo alternativos (que están muy mamones, la verdad) y un par de escenas extendidas, particularmente aquéllas con diálogos que mencionaban a Newt… además del divertido diálogo en el que se menciona que la corporación Weyland-Yutani fue absorbida por Wal-Mart.

Uno de los grandes aciertos de las películas de Alien, que fue lo que les permitió sobrevivir a lo largo de más de dos décadas, fue el hecho de que cada cinta pertenece a un género diferente. Aunque todas están enmarcadas en un planteamiento de Ciencia-Ficción y Horror, cada una de las entregas de esta saga toma prestados elementos de diferentes subgéneros. La cinta original es una obra maestra del Terror, la segunda parte es una cinta bélica, la tercera es un Thriller y esta cuarta, una comedia.

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    La historia se desarrolla 200 años después de la tercera película. Después de muchos años de estudios y experimentos fallidos, los doctores Wren (J.E. Freeman) y Geridan (el siempre genial Brad Douriff, a quien seguro recuerda como la voz de Chucky) logran clonar a Ellen Ripley (Sigourney Weaver en su última encarnación del personaje) gracias a una muestra de sangre recuperada de Fiorina 161. Por supuesto, clonar a Ripley no es sino un mero paso en el proceso para obtener el verdadero objetivo: el embrión de alien reina que llevaba dentro cuando murió –no pregunten cómo, la neta no tengo idea–­. Los científicos logran su propósito y comienzan a criar xenomorfos en la nave laboratorio Auriga, propiedad del Ejército de los Sistemas Unidos, para lo cual necesitan humanos, mismos que son vendidos como cargamento por el pirata espacial Frank Elgyn (Michael Wincott, a quien quizá recuerden con una larga y sedosa cabellera como el villano de El cuervo [Proyas, 1994]) y su tripulación.

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    Como cabría suponer, los xenomorfos logran escapar mientras los secuaces de Elgyn quedan atrapados en la nave infestada de creaturas. Además, se encontraran con el clon de Ripley, cuyo ADN se ha mezclado con el de los aliens brindándole fuerza y habilidades sobrehumanas, además de sangre ácida. Pero esta nueva Ripley no parece tan interesada en salvar a la humanidad como la anterior, ¿será que su parte xenomorfa busca más que escapar del Auriga?

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    Si tomamos en cuenta sólo las Ediciones del Director de las cuatro películas de la saga, ésta sería sin dudas la más débil de todas. No es terrible, pero a comparación de las anteriores sí queda a deber, además de que la fórmula se siente gastada. Los realizadores trataron de introducir nuevos elementos al universo de Alien; pero la verdad es que eso de los aliens súper inteligentes y el híbrido humano-xenomorfo no termina de cuajar… De hecho, al respecto de esta última creatura, casi parece que la misma gente que hizo la peli trataba de satirizar el hecho de que la fórmula ya se había agotado.

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    Originalmente, el guión fue escrito por el nerdo profesional Joss Whedon (creador de las series de TV Buffy, la cazavampiros [1997-2003] y Firefly [2002-2003], y guionista de The Avengers [2012]) y su propuesta para esta secuela era mucho más oscura y menos cómica —en realidad el tono un tanto ramplón de la peli se debe a Jeunet—. Las principales diferencias entre el guión de Whedon y la versión final son varios personajes que fueron eliminados de la cinta, así como el enfrentamiento final con el Híbrido que, en el guión de Whedon, se llevaba a cabo en la Tierra.

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    Además, en el guión original, el Híbrido era una criatura mucho más grande, casi del tamaño del alien reina y más parecida a un cangrejo. Sin embargo, los realizadores decidieron cambiar su diseño para que fuera más creíble que poseía ADN humano.

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    Por cierto que se anunció con bombo y platillo que dicho híbrido sería una creación original diseñada por H.R. Giger; sin embargo, el artista suizo, recordando sus experiencias anteriores, se negó a participar en la cinta, por lo que el diseño corrió de nuevo por cuenta de Woodruff y Gillis. De cualquier modo, Giger escribió una carta de protesta a Fox por alterar tan drásticamente su diseño, misma que fue ignorada. En respuesta, el surrealista abrió un foro en su página web titulado Alien: Insurrection, para que los fans se quejaran en contra de la casa productora.

    Mientras tanto, los mencionados Woodruff y Gillis, por órdenes de Jeunet, diseñaron al Híbrido como una creatura hermafrodita (siguiendo con la idea planteada por Ridely Scott en la primera película) que claramente poseía los genitales de ambos sexos. Después de la filmación, el director reconoció que se había excedido y que el aspecto del monstruo  era demasiado grotesco —aun para él y para esta clase de películas—, por lo que los genitales del monstruo fueron removidos digitalmente en la postproducción.

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    El elemento sexual que era parte de la base de la primera cinta volvió en ésta. Sin embargo, mientras en la obra maestra de Scott dicho elemento era mucho más sutil y ambiguo, alcanzando tintes de surrealismo, en esta película la cosa se vuelve, si no más explícita, sí más burda… ¿O soy el único al que le pareció que en esa escena en la que Ripley cae en un nido de aliens, se aparea con uno de ellos? Seguro no, porque los productores quisieron eliminar esa escena hasta que Weaver amenazó con no participar en las campañas de promoción de la cinta si lo hacían.

    El diseño de las creaturas para esta película es extraño y por la iluminación que se usó en ella se pierden muchos de los detalles. En muchas tomas sólo parecen masas oscuras, rugosas y babosas. Por cierto que esta es la primera película en la que se muestra xenomorfos digitígrados (gestados en humanos, quiero decir), lo cual es una contradicción si se toma en cuenta que estas creaturas tienen ADN humano, lo que los hace más inteligentes y les permite gesticular, articular sonidos y exhalar vaho —se suponía que los xenomorfos no respiraban y por eso podían sobrevivir en el vacío, como en la primera peli—.

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    Toda la película tiene por todos lados el sello autoral de Jeunet: actuaciones caricaturescas, planos cerrados, iluminación lateral para resaltar volumen, filtros en colores ambarinos y sepias, abuso del zoom-in, la obsesión por usar actores feos  —¿Ron Perlman y Dominique Pinon en una misma película? ¿Qué es esto? ¿Freaks 2?— y todos esos elementos que le dieron su toque tan especial a películas como Delicatessen (1991) o Amèlie (2001) están presentes en ésta. De lo que aún no estoy muy seguro es de que sean adecuados para el universo de Alien…

    De hecho, todo el diseño de los sets y los vestuarios tiene un feeling muy particular que no sabría cómo describir. Supongo que sería una cosa como “Avant-Garde de los 90”; pero más kitsch. El asunto es que uno ve esta cinta, aunque sólo sea por un par de minutos, y no le cabe duda de que se trata de una cinta europea de los noventa… ¡Hombre! Como ver un videoclip de Aqua.

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    Según los rumores, la idea de esta película era que se tratara de la transición en la que el personaje de Ellen Ripley salía de la saga; un poco como lo que fue Pesadilla en la calle del Infierno 3: Los guerreros del sueño (Russell, 1987) para su franquicia. Mucho se especulaba sobre si esta cinta sería el inicio de toda una nueva saga que se centraría en la historia de Annalee Call (interpretada por la tomboy, aunque no por eso menos sexy, Winona Ryder); empero, debido a la mala recepción que tuvo esta cinta por parte de la crítica, además de que un par de años después la carrera de Ryder se fue al demonio, este plan nunca se concretó. Tendrían que pasar siete años para que los xenomorfos regresaran a la pantalla con la inmunda saga de Alien vs Depredador.

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    Algunos críticos se han referido a esta cinta como decepcionante y es fácil ver por qué. Aunque incorpora un par de elementos nuevos, como la hibridación de las especies o la primera vez que la acción de esta saga se transporta bajo el agua; en general es una especie de mezcla de elementos repetidos de las cintas anteriores —incluso se recicló al animatrónico del alien reina de Aliens: el regreso (Cameron, 1986), sólo lo pintaron de otro color—. Además, el hecho de estar retrasando la llegada de los xenomorfos a la Tierra hace que toda la saga se sienta estancada para este punto… De todos modos, según la terrible Alien vs Depredador (Anderson, 2004), los aliens siempre estuvieron aquí…  y uno se pregunta “¿entonces para qué tanto desmadre?”.

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    Además, creo que el tono fársico de todo el numerito sí fue un experimento fallido. Uno entiende que la idea era darle una identidad propia a esta cinta que le permitiera ser el inicio de una nueva saga; sin embargo, como que ver a Ron Perlman y a Dan Hedaya haciendo muecas y bizcos no le va. Hay diálogos muy bien logrados y algunos chistes bastante efectivos, pero en general creo que esta película se aleja demasiado de lo planteado por las anteriores.

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    A final de cuentas, esta cinta será la conclusión definitiva para la saga. Ripley logró su misión: destruyó a los aliens y salvó al planeta, además de que por fin, después de casi 260 años, pudo regresar a él. Se siente que esta película está coqueteando muy peligrosamente con la secuelitis innecesaria de otras sagas… Vamos, finalmente, todos esos monstruos que creíamos invencibles como Freddy, Jason, Michael Myers, Leatherface, Pinhead o incluso los mismísimos Drácula, el monstruo de Frankenstein y el Hombre lobo, fueron destruidos pos la fiebre de las secuelas interminables.

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    Para evitar dicha debacle, los productores de Fox intentaron mover las películas de alien en otra dirección: la de los crossovers con Depredador, mismos que desde finales de los 80 habían sido planteados en los cómics y popularizados con los videojuegos a mediados de los 90. De hecho, durante la etapa primigenia de Alien: la resurrección se planteó la idea de incluir depredadores en la cinta, pero fue desechada rápidamente. Al fallar esta alternativa, se buscó regresar a la fuente original: Una saga de precuelas dirigida y producida por Ridley Scott cuya primera entrega fue Prometeo (2012) y que, dicho sea de paso, sirve para dejar fuera de la cronología oficial a Alien vs Depredador… además de que también desecha varios de los conceptos planteados por Cameron.

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PARA LA TRIVIA: Durante las negociaciones iniciales, Sigourney Weaver se había negado a aceptar de nuevo el papel de Ripley, por lo que en los primeros tratamientos de guión se clonaría a Newt y no a Ripley. Una vez que Weaver aceptó salir en la película a cambio de que le pagaran 11 millones de dólares y la volvieran productora ejecutiva, se escribió el personaje de Call, mismo que originalmente fue ofrecido a Angelina Jolie, quien lo rechazó.

    Asimismo, en curiosidades del cast, mencionaré que el actor William H. Macy audicionó para el papel del Dr. Gediman, pero fue rechazado por la producción. Y, en un afán por reunir a las dos estrellas de Los cazafantasmas (Reitman, 1984), el personaje del Dr. Wren fue escrito originalmente par Bill Mrray, quien no quiso participar en el proyecto.

PARA LA TRIVIA GEEK: En los cómics, la historia continúa con el crossover Aliens vs Predator vs Terminator (2000… no, es en serio). En esta saga de dos partes se narra que, ya en la Tierra, Call y un grupo de mercenarios buscan a Ripley para pedirle su ayuda para detener un proyecto científico conducido por el Ejército en el que se busca mezclar ADN humano con el de los xenomorfos para crear un súper soldado.

    Pronto se revela que el Dr. Trollenberg, quien está a cargo del proyecto, es en realidad un Terminator (que en esta saga son cosa del pasado y ha permanecido encubierto durante un par de siglos) que planea mezclar el ADN de los aliens con el programa de los Terminators para crear un ejército de terminators orgánicos (ya lo eran, pues son cyborgs, pero aquí el chiste es que se cultiven en vez de construirse).

    Call, Ripley y su equipo logran infiltrarse en el laboratorio de Trollenberg, donde se enfrentarán a los depredadores que han venido a cazar a la nueva raza creada por el científico.

 

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X-MEN: DARK PHOENIX. La franquicia no se merecía ese final.

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X-MEN: DARK PHOENIX

Dark Phoenix

 

Simon Kinberg, 2019

El cómic de los X-Men apareció por primera vez a mediados de la década de los 60. Stan Lee y Jack Kirby estaban un poco cansados de tener que explicar de dónde venían los superpoderes de cada nuevo personaje que creaban, así que plantearon la idea de una nueva generación de seres humanos con mutaciones diversas que les daban habilidades fantásticas. La estrategia funcionó y ayudó a que los arcos argumentales de los cómics se narraran de forma más fluida sin necesidad de detenerse a explicar de dónde rayos había salido tal o cual personaje, pues la explicación se había dado a priori: eran mutantes.

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    Pronto, los X-Men y sus aliados y enemigos mutantes sirvieron como una metáfora/foro para hablar sobre la discriminación y la segregación. No es por nada que aparecieran en una fecha tan cercana al inicio oficial del Movimiento por los Derechos Civiles en EE.UU. Con el tiempo, las historias y los personajes de los X-Men fueron volviéndose más y más complejos hasta que, a finales de la década de 1970, el guionista Chris Claremont y el artistas John Byrne crearon uno de los Eventos Marvel que redefiniría el Universo Marvel; un arco argumental oscuro, nihilista, complejo, psicológicamente denso y emocionalmente sobrecogedor conocido como la Saga de Dark Phoenix.

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    La película más o menos retoma el argumento de los cómics. Durante una misión espacial para rescatar a un grupo de astronautas, Jean Grey (Sophie Turner) es poseída por una maligna energía cósmica oscura que la vuelve más poderosa aún que el mismo Profesor X (James McAvoy). Los nuevos poderes de Grey, ahora conocida como Phoenix, despiertan en ella tormentosos recuerdos reprimidos sobre su terrible pasado, lo que la lleva a una incontrolable espiral de destrucción que la convierte no sólo en un peligro para sí misma y para sus compañeros, sino también para toda la humanidad. Por si esto fuera poco, alguien más está buscando el poder oscuro que se aloja en el interior de Phoenix.

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    Toda película empieza con un guión… bueno, no; muchas películas costosas en realidad empiezan con un estudio de marketing. Pero lo que define realmente qué se va a hacer con la película es el guión. Como sea, en el caso de Dark Phoenix el guión es bastante malo. A nivel argumental no está tan dado al traste, pero los diálogos son verdaderamente nefastos. Si bien algunas de las situaciones que se plantean a nivel anécdota son interesantes; luego el guión se encarga de darles en la madre con parlamentos clichesosos, acartonados y súper predecibles. Odio cuando veo una película y sé exactamente qué es lo siguiente que va a decir el personaje que está en pantalla.

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    La dirección de la película es completamente desprolija. Las actuaciones de todo mundo se ven burdas y sin matizar, y el tono de toda la película es lacónico y superficial. Digo, estamos hablando de un evento que lisió a los X-Men como equipo y que cuestionó la integridad de Charles Xavier, el universo entero de los mutantes se cimbra… esto debería ser mucho más cercano a una tragedia clásica y, en vez de eso, termina siendo un melodrama ramplón en tono de telenovela. ¿Por qué el director eligió este tono y este ritmo para una película que debía ser mucho más intensa?

    Como lo mencioné arriba, el argumento pone en entredicho la integridad y la ética de Charles Xavier y eso medio se asoma entre lo que vemos en pantalla. Y bueno, uno esperaría que eso repercutiera de forma más honda, que le causara conflicto a Xavier… pero no es así. En vez del periplo y anagnórisis que se esperarían del personaje, la transición entre “soy orgulloso y no acepto mis errores” y “está bien, la cagué” se da de forma artificial y superflua casi en un instante… como si de repente se hubiera dado cuenta de que se le estaba acabando el tiempo a la peli y no había hecho nada.

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    Las actuaciones de todos están en un nivel apenas decente, si acaso podrían rescatarse Kodi Smit-McPhee como Nightcrawler y Nicholas Hoult como Bestia. Y si la caracterización interna de los actores está apenas dibujada, la externa se pierde por completo en el caso de Turner. La verdad es que me costaba trabajo identificarla como Jean Grey. Tanto Fassbender como McAvoy, cuyas interpretaciones como personajes que antes fueran encarnados por Ian McKellen y Patrick Stewart, se sienten increíblemente desperdiciados.

    Y ya que hablé de las caracterizaciones, debo hablar sobre el maquillaje y lo disparejo que se ve. Los maquillajes prostéticos de Mystique (Jennifer Lawrence), Bestia y Nightacrawler se ven geniales, y agradezco profundamente que crearan a dichos personajes a través del maquillaje y no con CGI, como es la tendencia actual. Por otro lado, el maquillaje de Phoenix es bastante raro… digo, para empezar, se nota a leguas que es maquillaje y, lo que es más, se nota completamente anacrónico.

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    De hecho… se supone que esta historia sucedería en la década de 1990, ¿no? Tal cual, está situada en 1992 como homenaje a la serie de dibujos animados de X-Men (1992-1997) que se estrenó ese año; lo digo porque absolutamente nada se ve como de los 90. Ni la ropa, ni los automóviles, ni el maquillaje ¡ni absolutamente nada!

    Algunos efectos especiales se ven bien; pero sin duda, la superposición en los escenarios virtuales y la gran mayoría de las secuencias creadas con Green screen se ven terribles… Luego creo que debo retractarme: sí hay algo que se ve de los 90 ¡Sus malditos efectos con Green screen! Cuando llegué a casa después de ver esta peli, me puse a ver Los Goonies (Donner, 1985)… ¡Y se ve mucho mejor! Una película de 34 años antes, cuyos efectos fueron resueltos con impresión óptica y pintura mate.

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    Muy probablemente, gran parte de la falta de cohesión de la película se debe a que estaba programada para estrenarse a finales de 2018, pero Twentieth Century Fox, sintiéndose insegura sobre el look de la cinta, decidió regrabar grandes porciones de ésta. Como resultado de estos reshoots, y de una tormentosa post-producción, la apariencia del personaje de Dark Phoenix fue drásticamente alterada y el tercer acto fue cambiado casi por completo.

    Los villanos son completamente anodinos y olvidables, y creo que en realidad son completamente innecesarios para la trama. SPOILER Del mismo modo, el final de la cinta está tan desangelado y es tan superfluo… para cuando aparecen los créditos finales, francamente parece que a todos los X-Men les valió madres el destino de Jean… y al público, también. TERMINA SPOILER

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    Finalmente, que me perdone quien me tenga que perdonar, pero debo decirlo: me gustó más el tratamiento que le dieron al arco de Dark Phoenix en la infumable X-Men III: la batalla final (Ratner, 2006).

    Además, ¿soy sólo yo o a su película de mutantes le faltaron mutantes? Tanto en las secuencias de Genosha como en las del Instituto Xavier todos se ven muy normalitos… hay un tipo con cuernos por ahí, pero si uno recuerda la trilogía original de X-Men (2000-2006), los mutantes eran más variopintos. La neta, mis alumnos de bachillerato se ven más mutantes…

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    Dark Phoenix marca el final de una era. Será la última película de la franquicia producida por Twentieth Century Fox antes de que Walt Disney Corporation tome el control creativo –Los nuevos mutantes (Boone, 2020) se estrenará el próximo año, pero se filmó antes que Dark Phoenix–. Los planes son rebootear la franquicia e integrarla al Universo Cinematográfico Marvel, lo cual no deja de producirme cierta nostalgia porque, a final de cuentas, es a las películas originales de X-Men a quienes les debemos el boom de cintas de superhéroes que vivimos actualmente.

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    En vez de despedirse con un Grand Finale, la franquicia se fue extinguiendo penosamente en un fade out. Al menos, aunque mala, la película es entretenida.

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PARA LA TRIVIA: Originalmente no estaba planeado que Mystique ni Magneto aparecieran en el filme; sin embargo, fueron incluidos para darle un cierre a los personajes y en vez de que desaparecieran sin más.

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ALIEN 3. ¿Está justificado tanto odio?

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ALIEN 3

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David Fincher, 1992

 

Existen dos cortes de esta película. El estreno original para cines de 1992 y la edición conocida como “Assembly Cut” (no se le considera una Edición del Director pues, aunque sigue más o menos el montaje que había hecho Fincher, esta edición no fue supervisada por él ni contó con su aprobación). La diferencia es de cerca de media hora de escenas reinsertadas y otras tantas escenas alternativas —como la del rescate de Ripley o en la que el xenomorfo emerge de una res en lugar de un perro— que en general le dan mucha más cohesión a todo el asunto, además de desarrollar más ampliamente los elementos de un thriller que toma el fanatismo religioso como eje. Este tema se volvería recurrente en la filmografía de Fincher como bien lo mostró en Seven, los siete pecados capitales (1995).

La idea original para esta película era más o menos adaptar la historia narrada en los cómics publicados por la editorial Dark Horse, que seguía las aventuras de Ripley, Hicks y Newt. Sin embargo, la rotunda negativa de Michael Biehn por repetir su papel del cabo Dwayne Hicks –según ha declarado posteriormente el actor, éste fue el peor error que cometió en su carrera– obligó a los productores a llevar el argumento en otra dirección.

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    El conflicto con Biehn fue apenas el inicio de una serie de contratiempos que harían de esta cinta la producción más accidentada de toda la saga. Problemas con el presupuesto, con el elenco, con H.R. Giger, con la piratería y una encarnizada batalla entre el director y los productores fueron sólo algunas de las vicisitudes que, en última instancia, terminaron afectando el resultado final en pantalla, que quedó como sigue:

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    Sin que ellos lo sepan, la Sulaco, la nave en la que viajan los sobrevivientes de la película anterior, carga un huevo de alien que eclosiona mientras se encuentran en el hipersueño. El xenomorfo causa una avería que obliga a la computadora a expulsar una cápsula de evacuación que aterrizará en el planeta Fiorina 161, utilizado como prisión de máxima seguridad por la compañía Weyland Yutani.

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    La única sobreviviente al incidente es la Tte. Ellen Ripley (vuelve Sigourney Weaver y al menos para mí, fan de la serie, sigue permaneciendo como un misterio a qué hora la ascendieron al rango de teniente, si ni militar era) quien no sólo tendrá que enfrentarse a un xenomorfo completamente distinto de todos los conocidos hasta ahora, sino a la población integrada por hombres criminales y extremistas religiosos de Fiorina 161.

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    La tercera entrega de la saga de Alien sigue la evolución natural de una trilogía: En la primera parte se plantea el universo, en la segunda se expanden los elementos de dicho universo experimentando en nuevas direcciones, y en la tercera entrega se retoman de forma más literal los elementos de la primera parte y se les da una vuelta de tuerca.

    En el caso de Alien 3, Ripley debe combatir nuevamente con una sola creatura –sí, muchos de nosotros pensamos ¿cómo harán para superar la magnificencia de la segunda cinta? Bueno, parece que ni siquiera lo intentaron–; pero tendrá que hacerlo con todo en contra, sin armas ni tecnología y en un ambiente prácticamente medieval.

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    La similitud no es accidental. La idea primigenia de esta cinta era que la nave de Ripley se estrellaba en un planeta monasterio y la creatura se gestaba dentro de un toro, por lo que tenía cuernos. Por esta razón, los monjes consideraban a Ripley una agente del mal que había traído con ella un demonio a quebrantar la paz y santidad del monasterio, desencadenando una cacería de brujas (literalmente). En este tratamiento del guión, la película acababa con un enfrentamiento mano a mano entre Ripley y el xenomorfo en medio de un campo de centeno envuelto en llamas.

    Empero, los productores pensaron que hacer de Alien 3 una película sobre fanatismo religioso era poco interesante y que la propuesta estética de Fincher era estúpida. Originalmente, el director quería que los interiores del monasterio en Fiorina 161 fueran construcciones de madera, a lo que los productores inmediatamente objetaron “¿Y de dónde carajos van a sacar madera en mitad del espacio?” Poco a poco, las ideas de Fincher fueron cayendo bajo el yugo de la producción, convirtiendo la filmación en un proceso estresante y frustrante para el joven director californiano.

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    En pantalla se mantuvieron algunos de los elementos propuestos originalmente por Fincher. Por ejemplo, los interiores de madera fueron desechados; pero la película está filmada en tonos marrones, además de que casi toda la prisión parece construida a la antigüita, con ladrillo y concreto. Asimismo, en muchos de los escenarios pueden verse cruces en las paredes. Por si todo esto fuera poco, argumentando que la prisión se encuentra en muy malas condiciones y que por ello no hay luz eléctrica en grandes secciones de ésta, muchas escenas son iluminadas con velas.

    Del mismo modo, bajo el pretexto de una infestación de piojos en el planeta, todos los presidiarios llevan las cabezas afeitadas y las gruesas chamarras que utilizan, holgadas y con capucha, parecen hábitos de monje.

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    Otro de los problemas que tuvo que afrontar la producción de la cinta desde el principio fue un conflicto con H.R. Giger, a quien se le había pedido originalmente que diseñara a la creatura alienígena. Cuando Giger presentó su diseño, se enteró de que, por su parte, Tom Woodruff Jr. Y Alec Gillis, exdiscípulos de Stan Winston contratados para los efectos especiales de esta película, ya habían diseñado su propia versión del xenomorfo y que sería ésta la que se usaría en el filme… incorporando algunos elementos de los propuestos por el artista suizo. Éste demandó a Twentieth Century Fox y la casa productora, en respuesta, puso el nombre de Giger en los créditos iniciales de la película como diseñador original de la creatura.

    Las actuaciones de todos los involucrados son bastante buenas, aunque sí es interesante notar que en una prisión de máxima seguridad en los confines del espacio, los reos, que en su mayoría son asesinos, violadores y pedófilos, hablan con un refinado acento británico. Sobresalen particularmente las actuaciones de Charles Dance (quien interpretara a Tywin Lannister en la serie de TV Juego de tronos [2011-2019]) como Clemens, el médico de la prisión y Charles S. Dutton, un reo exfeminicida acogido como líder espiritual de sus compañeros.

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    Los efectos especiales son bastante decentes. Aunque se utilizaron muchos efectos tradicionales, como las botargas, los puppets y la impresión óptica, también se utilizaron efectos de vanguardia que en esa época se encontraban aún en su fase experimental. Por ejemplo, ésta fue la primera película en la que se utilizaron gráficos por computadora para hacer un fotomontaje, técnica que eventualmente reemplazaría a la impresión óptica… aunque ese xenomorfo verde correteando por los techos se ve increíblemente poco convincente.

    El controversial diseño de la criatura es interesante y se diferencia bastante de lo que vimos en las entregas anteriores. En esta ocasión el xenomorfo es cuadrúpedo y de color marrón verdoso, tiene una complexión más delgada y su abdomen y cola son mucho más largos. Perdió, además, los “dígitos” que le salían de la espalda y su cabeza vuelve a ser lisa, aunque más corta. Este es el primer alien en tener “labios” en la boca lo cual, por cierto, es una de las ideas pirateadas a Giger. Además, creo que la forma en la que por fin logran destruirlo es la más original de toda la saga… poco glamorosa, eso sí; pero original.

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      La fotografía es excelente (en toda la saga lo es) y la iluminación, soberbia. El aspecto visual de la película logra crear una atmósfera con tintes expresionistas que transmite un sentimiento muy especial. En ese sentido, al igual que la primera película pero con una estética diferente,  Alien 3 alcanza un tono gótico que lo sumerge a uno en el mundo cuasimedieval de Fiorina 161. Tan efectivo es este apartado de la película que apuesto a que no soy el único que siente que en los pasillos de esa cárcel o hace un calor sofocante y seco o un frío glacial y ventoso, dependiendo de la escena.

    Aunque suele considerarse que ésta es la entrada más débil de la trilogía original, la verdad es que no está exenta de cierto encanto. Es un cierre de trilogía decente –levantemos la mano todos los que queríamos volver a ver al alien reina– y, por lo menos, es la última película de la saga en mantener elementos de terror. Es mucho más recomendable el Assembly Cut, pero aun así la edición normal se deja ver y se queda digamos que en un punto medio: no es tan buena como la primera cinta, pero tampoco es tan mala como Aliens vs Depredador 2 (Hermanos Strause, 2007).

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SOBRE LA EDICIÓN “ASSEMBLY CUT”

Es bien sabido que Fincher, que hizo de esta película su ópera prima, quedó en muy malos términos con los productores después de que éstos prácticamente le arrebataron el control creativo de la cinta. El montaje final de la peli estrenado en 1992 correspondió más a la versión de Gordon Carroll que a la de Fincher y deja muchos elementos fuera.

    De hecho, fue tan dramático el corte que se hizo de la película, que si uno pone atención, hay personajes que desaparecen mágicamente sin dejar rastro; además de otros errores de continuidad y en general un tono que se siente superficial. Estas fallas se resuelven en el Assembly Cut.

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    Ya mencioné algunas de las escenas alternativas de esta cinta; pero hay otras también muy interesantes, como la escena extendida de la morgue y la autopsia de Newt, la escena en la que Golic (Paul McGann) come cereal después del ataque del alien o la escena en la que se revela que el Bishop (Lance Henriksen) que aparece al final y trata de persuadir a Ripley para que entregue el xenomorfo que lleva dentro a la Compañía no es un androide, sino un ser humano –con las películas de AVP resultaría ser un clon, pero eso ya quedó fuera del canon gracias a Prometeo (Scott, 2012)–.

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    Incluso la secuencia del final tuvo que ser cambiada de último momento –aunque en este caso sí me atrevo a decir que el cambio fue para bien– pues uno de los miembros del staff se robó el rollo donde estaba filmada dicha escena y lo anduvo pirateando entre sus conocidos.

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    Sin embargo, lo verdaderamente sobresaliente de este corte fue la reinserción de varias escenas que arman una línea argumental completa que había quedado fuera de la versión original. En ella, Golic, asesino serial y violador de mujeres, ve en el xenomorfo una especie de dios y se pone a su servicio. ¿Recuerdan que como a media película hay una secuencia donde planean atrapar al alien dentro de un contenedor para residuos tóxicos y todo termina en incendio, y que después de ese punto desaparece la mitad de los personajes y la historia se vuelve confusa? Bueno, pues en el Assembly Cut podemos ver que es Golic quien lo libera.

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    La única escena que sí quedó fuera del Assembly Cut es aquélla en la que se muestra el abrazarrosotros del alien reina, el cual es más grande, negro, con dedos palmeados, espinas en el lomo y una aleta en la punta de la cola.

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GODZILLA II: EL REY DE LOS MONSTRUOS. Así que… éste es tu rey…

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GODZILLA II: EL REY DE LOS MONSTRUOS

Godzilla: King of Monsters

 

Michael Dougherty, 2019

Recuerdo que la película anterior de Godzilla me gustó. Recuerdo que me pareció que le faltaba más Godzilla; pero en general eso se compensaba con un drama humano moderadamente interesante y que, sobre todo, tendía la línea para lo que vendría después. Tenía confianza en que la siguiente película corregiría los fallos de la versión de Gareth Edwards. Después vino Kong: la Isla Calavera (Vogt-Roberts, 2017), cuya escena post-créditos revelaba que Kong no estaría sólo, sino que formaría parte del universo de kaijus del que Godzilla era parte. Por supuesto, lo primero que me vino a la mente fue un remake de la espantosa King Kong vs Godzilla (Honda, 1962). Empero, antes de llegar a tal contienda fílmica, Warner Bros. decide preparar el terreno con esta secuela que resulta ser una de las películas más decepcionantes que he visto en los últimos años.

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    La historia sucede 5 años después de la película anterior, cuando la Dra. Emma Russell (Vera Farmiga), quien ha diseñado un aparato que puede medio controlar a los kaijus –aquí llamados “Titanes”–, y su hija, Madison (Milie Bobby Brown, en su debut en la pantalla grande), son secuestradas por un comando ecoterrorista con un plan siniestro: liberar a los titanes alrededor del mundo para restaurar el equilibrio original del planeta. Cuando Mark Russell (Kyle Chandler, quien curiosamente también estuvo en King Kong de Peter Jackson [2005]), exesposo de Emma, intenta rescatar a su familia, descubre que quizá nuestra única salvación es precisamente nuestro mayor amenaza: Godzilla… a quien nadie ha visto por cinco años.

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    El de Godzilla es uno de los cánones más revueltos de la cinematografía. Con viajes en el tiempo, invasiones alienígenas y errores de continuidad, la franquicia desarrolló cuatro líneas temporales diferentes –seis, si se toman en cuenta las películas americanas– que se intersectan, se superponen y se contradicen simultáneamente. Esta nueva saga constituiría una quinta –o séptima– línea temporal, producida en EE.UU. y sin relación con las otras. Si ustedes creían que el canon del Universo Marvel era confuso, intenten con el de Toho, en el que hasta el monstruo de Frankenstein quedó incluido…

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    Por supuesto, nadie va a ver una película de Godzilla esperando Shakespeare. Lo que es más, la gran mayoría de las películas de Godzilla pueden catalogarse en la sección de “Malas” o “Chafas”, así que mis expectativas eran bajas, pensando que, mientras la cinta entretuviera, estaría bien. Pero ni siquiera eso pudo hacer…

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    Uno de los puntos más flacos de la película es, sin duda, su guión. Está tan atiborrado de clichés y lugares comunes que cuando los predecibles giros de tuerca llegan, hasta parecen brillantes. Pero no lo son, en especial si uno ha visto otras pelis del Universo Cinematográfico Toho. Como sea, los diálogos son acartonados, el argumento es poco interesante y, en general, trataron de llenar los huecos de la película con un drama humano que no podría ser más predecible o soso. La película trata de abarcar demasiado y, en su empeño, aprieta poco.

    Creo que eso fue lo que realmente me molestó de la película. De verdad, uno no espera un buen guión o historias profundas en una película de éstas… digo, se agradece, pero no es lo que uno está buscando necesariamente en el cine de kaijus. Con la tecnología actual sería muy fácil crear impresionantes y sobrecogedoras batallas de monstruos gigantes destruyendo todo a su paso… y, sin embargo, en esta película deciden no hacerlo. Prefieren centrar el foco de atención en el conflicto humano superfluo que ni está bien escrito, ni está bien interpretado y está dirigido con las patas. Más de una vez me pasó que simplemente quería que los actores se quitaran del primer plano y me dejaran ver la pelea de kaijus en el fondo. Esta porfía de la peli llega al punto el ridículo cuando, durante la batalla final entre Godzilla y King Ghidorah, la cinta prefiere mostrarnos la búsqueda de Madison entre los escombros de Boston.

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    De tal suerte, en la misma película tenemos a cuatro de los kaijus más representativos del Universo Toho: Godzilla, King Ghidorah, Mothra y Rodan –quien ahora es mexicano en una bonita escena filmada en la Plaza de Santo Domingo… Centro Histórico de la Ciudad de México, República de Brasil esquina con República de Venezuela, ahí a una cuadra de donde voy a comprar la fayuca–; y por otro lado, tenemos a actores del calibre de Charles Dance, Vera Farmiga, Ken Watanabe, Millie Bobby Brown o Elisa Esposito completamente desperdiciados. Los monstruos apenas si son tomados en cuenta y sus contrapartes humanas hacen un trabajo mediocre con un guión al que cuesta trabajo sacarle carnita.

    Y bueno, los kaijus tampoco se ven bien todo el tiempo… la verdad es que hay secuencias que se notan mucho mejor trabajadas que otras; pero, durante la mayor parte de la peli son simplemente una masa de pixeles moviéndose torpemente de un lado a otro en medio de nubes y volutas de humo demasiado densas para poder ver nada. Quizá el diseño de Mothra era elegante, quizá el de Rodan era aterrador, la verdad es que poco puede sacarse en claro de lo que vemos en pantalla… ¡Chale! Creo que se veían más realistas cuando eran botargas.

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    En cuanto los monstruos hicieron sus primeras apariciones en pantalla, me emocioné. De verdad, siendo un fan de Godzilla por tanto tiempo, creo que hasta aplaudí cuando Mothra salió de su crisálida… y fue tan triste esperar y esperar y esperar durante toda la película a que hicieran algo interesante.

    Anécdota curiosa: Mothra y Rodan originalmente fueron protagonistas de sus propias películas; pero pronto Toho los integró dentro de su Universo Cinematográfico cuyo hilo conductor gira en torno a Godzilla. Y, de hecho, a Mothra le debemos el haber establecido a los kaijus como héroes, en vez de sólo ser fuerzas destructoras.

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    Creo que ya me he quejado suficiente. Si bien me pareció bastante mala, la película no está exenta de lo que me creo que es un gran acierto: la música. Las aburridas batallas de monstruos gigantes se vuelven soportables gracias a la música de Bear McCreary, que retoma los temas originales de las películas clásicas con interesantes variaciones. De estos sobresalen el de Godzilla, de Akira Ifukube, y  el de Mothra, de Yuji Koseki –el cual, por cierto, siempre me ha encantado–.

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    En conclusión, puedo decir que Godzilla II: el Rey de los Monstruos me ha decepcionado profundamente. La verdad es que incluso me pareció desesperante por momentos. La batalla final la sentí como esas veces en las que vas a un parque de diversiones, haces una fila de dos horas para subirte a un juego y, al final, ni siquiera era tan bueno. No, no esperaba un buen guión ni buenas actuaciones, pero entonces no debieron darle tanto peso a esos elementos en la cinta. A final de cuentas, creo que la peli, con sus dos horas y diez minutos de duración, falla en el objetivo primordial de una película de acción: entretener, al mismo tiempo que en el de una película de kaijus: mostrar batallas interesantes entre estos colosos.

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    Sea como fuere, la película ha sido un trancazo en la taquilla estadounidense y alrededor del mundo… aún no recupera su presupuesto de 200 millones de dólares; pero indudablemente lo hará en el transcurso de la semana y las secuelas están aseguradas. El próximo año veremos en la pantalla grande el prometido enfrentamiento entre Godzilla y Kong que podría o no terminar con la trilogía. ¿Cuántas películas más faltarán después del culminante duelo de titanes? ¿Qué otros kaijus serán revitalizados? Pero, sobre todo… ¿Valdrá le pena?

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    Por cierto, mi kaiju favorito del Universo Toho es Biollante porque… porque pues no mamen, es una rosa mutante que escupe ácido.

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PARA LA TRIVIA: Los kaijus que aparecen en esta cinta son los mismos que aparecieran en la original Ghidorah: el monstruo de tres cabezas (Honda, 1964), uno de los crossovers clásicos de Toho.

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ALIENS: EL REGRESO. Una de las mejores secuelas de la historia.

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ALIENS: EL REGRESO

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James Cameron, 1986

Existen dos versiones de esta película: El corte original para cines de 1986, con 2 horas y 17 minutos de duración, y la Edición Especial de 1990, con 2 horas y 37 minutos de duración. La diferencia son varias escenas extendidas y otras tantas reinsertadas, incluyendo las legendarias escenas de la hija de Ripley y la de los papás de Newt. Dichas escenas dan más fuerza a la línea narrativa de la relación entre Ripley y Newt, lo que le hace más contundente a la segunda mitad de la peli. Aliens: el regreso fue la primera cinta en contar con una Edición Especial (o corte del director) comercial, que salió exclusivamente a la venta en una edición muy limitada en formato VHS, allá por 1990. La cadena de televisión estadounidense ABC a veces transmitía la Edición Especial de la peli, mientras que, en Latinoamérica, lo hacía el canal de TV por cable Cinecanal.

 

Si bien la primera cinta de esta saga revolucionó las películas de Ciencia Ficción, esta secuela fue la creó toda una mitología. El director canadiense James Cameron, quien había obtenido un inusitado éxito y demostrado tener buen ojo para el género con su película anterior, El exterminador (1984), y su esposa, la productora Gale Anne Hurd (actualmente productora de la serie de T.V. The Walking Dead (2010-), fueron convocados por la Twentieth Century Fox para realizar la tan esperada y tanto tiempo pospuesta secuela de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979).

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    El reto era grande y por eso mismo la casa productora se había mostrado renuente a producir la ansiada secuela. Con frecuencia, la secuela de una película de éxito cae en una de dos fallas: o los realizadores tienen miedo de echar a perder la fórmula de éxito de la cinta original y la continuación termina siendo más de lo mismo, una mera copia del original –como Shrek 2 (Adamson et al., 2004)­–, o los realizadores saben que no pueden competir con la primera parte y hacen algo tan diametralmente opuesto que cuesta trabajo creer que ambas películas son parte de una misma saga –como El ejército de las tinieblas (Raimi, 1992), que oficialmente sí es la tercera parte de la trilogía de The Evil Dead–.

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    Casi desde que se estrenara la primera cinta, los planes para una secuela fueron puestos en marcha. La dirección en la que debía continuarse la historia era obvia: casi desde el principio, se planteó que la historia se desarrollaría en el planeta de los aliens. Del mismo modo, circularon fuertes rumores de una serie de TV basada en la primera película, e incluso una sinopsis fue incluida dentro de los estrenos de la temporada de invierno de 1980 en la revista TV Guide; pero nunca fue producida.

    Cameron, de manera muy inteligente, llevó la saga en la dirección indicada: tomó los elementos más representativos de la primera entrega y los expandió en direcciones interesantes. Esclareció varios puntos sobre el comportamiento y el ciclo de vida de las criaturas, introdujo la idea de un alien reina y de una estructura social tipo colmena. Además, se redujo un bastante la dosis de horror en esta cinta para dar paso a la acción.

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    57 años después de los hechos narrados en la primera película, la cápsula de escape Narcisus II, en la que Ripley (Sigourney Weaver, magistral) lograra sobrevivir al encuentro con el primer xenomorfo y la subsecuente destrucción del carguero estelar USS Nostromo, por fin es rescatada y llevada a la estación espacial Gateway. Ahí, Ripley se entera de su situación y es llevada a juicio por la destrucción de la costosa nave, en el que es defendida por Carter J. Burke (Paul Reiser en el mejor papel de su carrera… sí, el mejor de los dos). Poco tiempo después, Ripley es requerida por Burke para fungir como asesora de un escuadrón de marines coloniales que van a investigar la colonia terraformadora en LV-426 –sí, el planetoide de la primera cinta, rebautizado en los cómics como Acheron– con la que se ha perdido contacto.

    Al llegar al lugar, Ripley y los marines descubren que la colonia entera ha sido invadida por las criaturas –que a partir de esta cinta son llamadas xenomorfos– de las que Ripley creía haber escapado. La colonia está infestada por cientos de xenomorfos y la única sobreviviente es una pequeña niña llamada Newt (Carrie Henn). La operación sale terriblemente mal cuando los marines quedan atrapados en el nido de los alienígenas, donde tendrán que enfrentarse a peligros insospechados si es que desean salir con vida de ahí.

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    Creo que uno de los principales aciertos de esta película es lo bien escritos que están los personajes. Casi todos los marines están increíblemente bien delineados y son memorables a pesar de que aparecieran poco tiempo en pantalla. Con frecuencia el fallo de los personajes en este tipo de cintas es que sólo están para rellenar y, como están uniformados, a la mitad de la cinta a uno deja de importarle quién es quién –Despertar del Diablo 2 (Weisz, 2007), te hablo a ti–.

    ¿Cómo olvidar al noble cabo Dwayne Hicks (Michael Biehn, quien también protagonizó la película anterior de Cameron, El exterminador), al inepto teniente Gorman (William Hope), el leal androide Bishop (el genial Lance Henriksen, quien también estuvo en El exterminador), el aguerrido soldado Drake (Mark Rolston), la ruda soldado Vasquez (Jenette Goldstein, quien aparecería en Terminator 2: El Juicio Final [Cameron, 1991]) o al payaso del grupo, el soldado Hudson (Bill Paxton)?

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    Por cierto que Al Matthews, quien interpretó al sargento Apone, era un auténtico sargento del cuerpo de marines de EE.UU. En aras del realismo y para molestia de los actores, durante el tiempo que duró el rodaje, Matthews despertaba a todo el elenco a las cinco de la mañana para hacer ejercicio y practicar tácticas de combate como si se tratara de un escuadrón de verdad. Los resultados se ven en pantalla.

    Otro de los muy grandes aciertos de la peli son los efectos especiales. A pesar de que esta cinta se estrenó hace más de treinta años, los efectos especiales apenas si han envejecido. Es más, me atrevo a decir que muchos de los efectos en esta cinta se ven aún más reales que los efectos e cualquier película siguiente de la saga… Quizá exceptuando Prometeo, pero incluyendo las terribles Alien vs Depredador. Muchas técnicas fueron utilizadas para la creación de esta cinta; pero sin duda, las que más llamaron la atención fueron las utilizadas para crear a los xenomorfos.

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    Las criaturas en esta ocasión fueron creadas por el gurú de los animatrónicos, colaborador frecuente de Cameron y uno de mis ídolos personales, por cierto, Stan Winston, el mismo artista detrás de los dinosaurios de Parque Jurásico (Spielberg, 1993). Winston y su equipo tomaron el diseño original de Giger y prácticamente lo “tunearon” para darle una apariencia más agresiva y más como de insecto. En vez del color negro lustroso de la primera cinta, los xenomorfos de esta son de colores marrón o azul; tienen más picos, una especie de aleta en los antebrazos, cinco dedos en las manos en lugar de seis, que además son más largos, y una cabeza llena de protuberancias y orificios en vez de la cabeza lisa de la primera cinta.

    Cuenta cierta anécdota que el equipo de artistas del Stan Winston Studio estaba muy entusiasmado porque el departamento de vestuario de Twenieth Century Fox había accedido a prestarles la botarga original del alienígena de la primera cinta… hasta que lo desempacaron. Los artistas pudieron comprobar de primera mano que más de la mitad del monstruo que aparecía en la película de 1979 era creado gracias a una excelente fotografía e iluminación, pues la botarga de látex incluía un par de tenis converse y varias secciones del cuerpo en las que el staff de plano le había pegado macarrones secos pintados de negro para realzar la textura.

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    Sin embargo, el más grande triunfo del diseño, fruto del arduo trabajo que realizaron durante meses Winston y su equipo frente al restirador, es el alien reina. Según esta cinta, la estructura social del xenomorfo es como la de una colmena de hormigas o abejas, en la que hay una sola hembra fértil encargada de regir a todas las demás. Esta clase particular de xenomorfo mide cuatro metros de altura, tiene dos pares de brazos, un aguijón venenoso en la cola  –¿de verdad una criatura que lo puede convertir a uno en brocheta con su aguijón necesita veneno?– y un característico cráneo alargado y plano con forma de corona.

    Lo que más me gusta del diseño de esta criatura es que sí, parece una cucaracha del tamaño de un autobús; pero aun así lograron incluir en ella rasgos femeninos. Es decir, uno ve al alien reina y se nota que es la hembra que lleva la batuta de la colmen; a diferencia de Alien vs Depredador (Anderson, 2004), donde el alien reina termina pareciendo un tiranosaurio.

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    De hecho, el planteamiento del alien reina vino a despejar muchas incógnitas que habían quedado de la primera parte sobre el ciclo vital de la criatura. En una de las escenas nunca filmadas de la primera peli, Ash (Ian Holm) menciona que los tripulantes de la Nostromo probablemente aún no habían visto a la criatura en su etapa madura. Este diálogo no se filmó, pero sí se conservó en la novelización de la cinta escrita por Alan Dean Foster.

    Muchos fans se preguntan por qué el alien no ataca a Ripley a bordo de la cápsula de escape al final de la primera cinta. En ese momento, hubo tres hipótesis: (1) El metabolismo del alien es muy rápido y ya había concluido su ciclo vital, por lo que se escondió en la cápsula esperando su propia muerte; (2) la criatura sabía que su única posibilidad de sobrevivir era pasando desapercibida como polizón o (3) el xenomorfo no había completado aún su desarrollo, por lo que se escondió en la cápsula para entrar en fase de pupa. Esta última opción es retomada en el videojuego Aliens vs Predator (Rebellion, 2010), en el que el final cuando se juega controlando al alien es que éste se convierte en una reina.

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    Empero, tanto en los cómics como en la tercera película, se puntualizó lo que parecía evidente desde la segunda: que la reina alien no es un estado en el desarrollo del xenomorfo; sino una casta aparte de la misma especie.

    Y una de las escenas que desde mi tierna infancia me han fascinado, e incluso obsesionado, es precisamente la pelea final entre Ripley, a bordo de un traje montacargas (Power Loader), y el alien reina –denominada afectuosamente por los fans como la Guerra de las Madres–. Es simplemente sublime. Echando mano de prácticamente todas las técnicas de efectos especiales disponibles en la época, el equipo de filmación logró crear una secuencia de batalla inolvidable y extremadamente realista.

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    Las actuaciones son espectaculares lo que, en conjunción con los efectos especiales –quizá la única escena de efectos especiales que queda a deber sea aquélla en la que se estrella la nave de rescate–, logra crear una película en la que uno puede simplemente dejarse llevar y disfrutar la experiencia de ser transportado a otro universo.

    Hablando de los efectos especiales, de verdad son impresionantes. Lo que es aún más increíble es el hecho de que muchos fueron creados con las técnicas más simples. Y no diré que “eran la punta de la tecnología en 1986” ni que “para su época fueron muy buenos”; estos efectos especiales son una mezcla de técnicas antiguas, como al retroproyección o la perspectiva forzada, con las técnicas más avanzadas de la época, como los animatrónicos, en una demostración envidiable de ingenio, todo con el fin de dar vida a un universo que en manos menos diestras resultaría completamente inverosímil.

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     Un efecto especial funciona cuando uno no se da cuenta de que está ahí y en esta película abundan los ejemplos: la ya mencionada pelea entre Ripley y el alien reina, los exteriores de la colonia terraformadora Hadley’s Hope o la entrada al nido de los xenomorfos –la mayoría de la gente no nota que estos escenarios eran solamente maquetas–, las escenas de los Power Loaders –¿no se habían preguntado antes cómo hicieron para moverlos?– o, mi gran favorita, aquella secuencia en la que los marines sobrevivientes escapan a través de un ducto de ventilación y los xenomorfos que los persiguen, delante de nuestros ojos y sin cortes o trucos de cámara, reptan por el piso y después por la pared.

    Incluso en el caso de la Edición Especial, cuya duración podría parecer excesiva –ya ven que a Cameron le gustan las películas largas–, el visionado de esta cinta es entretenido y emocionante.

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    Mención aparte merece el magistral soundtrack compuesto por James Horner, del cual hablé anteriormente en mi lista de soundtracks favoritos. Una banda sonora de influencia mayoritariamente militar expande la dimensión de esta película y de veras que logra engancharlo a uno en lo que está viendo, así como ayudar a la historia que se cuenta para emocionar a su público.

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    Al igual que la primera cinta, ésta se convirtió en una de las más influyentes obras de la Ciencia Ficción cinematográfica; tanto que aún hoy día muchas películas siguen su estructura. Como las más evidentes descendientes directas de esta película puedo citar Mimic (Del Toro, 1997), Invasión (Verhoeven, 1997), El huésped maldito (Resident Evil pa’ los cuates, Anderson, 2002), Exterminio 2 (Fresnadillo, 2007), Titanes del Pacífico (Del Toro, 2013), Godzilla (Edwards, 2014) y un nutrido grupo de etcéteras.

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    La recepción de la película fue grandiosa, cuadruplicando su presupuesto en ganancias en taquilla. Incluso hay quienes dicen que esta cinta es mejor que la primera. Yo no sé si me atrevería a afirmar tal cosa, pero sí puedo decir sin reparos que está a la altura de su predecesora. Éste es James Cameron en su máxima expresión, cuando su mentalidad de “más grande es mejor” realmente lo ayudó a expandir una idea que parecía insuperable.

PARA LA TRIVIA: Sigourney Weaver es una de las principales activistas en contra de la libre venta de armas en EE.UU. Según afirma, mientras estaba filmando esta cinta no se dio cuenta de la cantidad de armas y violencia que hay en ella –incluso la nave Sulaco tiene forma de ametralladora–, por lo que, cuando vio el resultado final, quedó muy a disgusto. Según se rumora, en parte por eso co-produjo las siguientes dos entregas de la saga, pues buscaba tener mayor control creativo sobre las peículas. Debido a estas diferencias, Weaver no permitió que se utilizara su rostro en figuras de acción basadas en su personaje de Ellen Ripley durante casi tres décadas. Irónicamente, la primera nominación nominación al Oscar que la actriz recibió fue por su interpretación en esta cinta.

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ALIEN: EL OCTAVO PASAJERO. La película que me volvió cinéfilo cumple 40 años.

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ALIEN: EL OCTAVO PASAJERO

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Ridley Scott, 1979

Existen dos versiones oficiales de esta película: La edición original de cine de 1979 y la Edición del 25 Aniversario. La diferencia son cerca de cinco minutos de escenas extendidas y reinsertadas que habían quedado fuera del corte original, algunas de las cuales, como la toma extendida de la muerte de Brett (Harry Dean Stanton) o Ripley (Sigourney Weaver) bajando al compartimiento de carga donde el alien ha empezado a construir su nido,  se habían convertido prácticamente en leyenda urbana entre los fans.

¿Qué pasa cuando alguien se toma en serio una película de serie B y dice: “de acuerdo, vamos a hacer esto, pero lo vamos a hacer bien”? Pues surge un clásico como Star Wars (Lucas, 1977), Cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981) o Alien: el octavo pasajero. Me atrevo a decir que desde que H.P. Lovecraft escribió, nadie había vuelto a integrar de forma tan armónica la Ciencia Ficción con el Terror Gótico.

    A título muy personal comentaré además que ésta debe ser una de las cinco películas más influyentes en mi vida. La vi por primera vez cuando tenía siete años, una tarde nublada en Canal Cinco… y de ahí pa’l real. Recuerdo que me asustó, al mismo tiempo que me fascinó e intrigó y, de hecho, siempre que me preguntan, no tengo empacho en decir que ésta fue la peli que me convirtió en cinéfilo.

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    La tripulación del carguero espacial Nostromo es despertada del hipersueño durante su viaje de regreso a la Tierra para responder una señal de auxilio en un planetoide desconocido. Al descender  en dicho lugar, Kane (el siempre genial John Hurt) es utilizado como huésped por un parásito extraterrestre que se gesta dentro del cuerpo humano y que aumenta su tamaño minuto a minuto. Uno a uno, los tripulantes de la Nostromo irán cayendo presas de la criatura que parece haber evolucionado con el único objetivo de aniquilar a la raza humana —y según nos revelaría más tarde Prometeo (Scott, 2012), así fue—.

    La génesis de esta película comienza cuando el guionista Dan O’Bannon, luego de producir y estelarizar su película Dark Star (Carpenter, 1975), una comedia ramplona de Ciencia Ficción, se hospedaba en casa de su amigo, el también guionista y director teatral Ronald Shusett. De hecho, O’Bannon se encontraba recuperándose después de su estadía en una clínica psiquiátrica a raíz del colapso nervioso que sufrió cuando su proyecto de adaptar la clásica novela de Ciencia Ficción, Dune, a la pantalla grande en una película dirigida por Alejandro Jodorowsky fracasara. O’Bannon retomó un borrador que había empezado a escribir en el sanatorio y comenzó a convertirlo en lo que sería su próxima película, titulada en aquel entonces, Star Beast.

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    La idea original del guión era la de una película de serie B, mezcla de Ciencia Ficción y horror, llena de escenas sangrientas y desnudos. O’Bannon llevaba varios meses trabajando en su texto; pero sentía que aún le faltaba “punch”, alguna característica única que le diera identidad a la película.

    Fue entonces cuando, cierta noche de insomnio, Shusett se encontraba viendo televisión y sintonizó casualmente un documental sobre cierta especie de avispa que utiliza su aguijón para inocular a las catarinas con embriones de sus propias crías. Las crías van devorando a la catarina desde adentro hasta que destrozan el exoesqueleto de su huésped y emergen de su cuerpo violentamente. Shusett quedó fascinado con la idea y le sugirió a O’Bannon que la incluyera en su guión.

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    O’Bannon reescribió toda la película tomando como eje central la idea del parásito que se gesta dentro del cuerpo humano y después trató de vender su guión a las mayores casas productoras, quienes lo rechazaron. Únicamente el legendario productor de películas de bajo presupuesto, Roger Corman, mostró interés por el guión de Star Beast. Corman se apalabró con O’Bannon para comprar su guión, aunque los meses pasaron y no había adelantos en las negociaciones.

    Finalmente, O’Bannon recibió una llamada de la oficina de Corman confirmándole que querían comprar su guión; pero que el pago se demoraría una quincena más y que preferían firmar el contrato con él hasta que tuvieran el dinero listo.

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    Mientras tanto, la Twentieth Century Fox vivía una época de bonanza y gran esplendor económico gracias al inesperado éxito de Star Wars (Lucas, 1977). Los ejecutivos de la casa productora presionaban a los productores para que hicieran más películas de Ciencia Ficción y así aprovechar la racha; sin embargo, no había guiones del género disponibles y todos los guionistas de planta de la compañía estaban ocupados en otros proyectos. Fue entonces que los productores Gordon Caroll y Walter Hill desempolvaron un guión titulado Star Beast que habían rechazado con anterioridad. Al ser el único guión con una nave espacial en él, se convirtió en el proyecto de ambos productores para cumplir con las exigencias de la Fox.

    La Fox contactó a O’Bannon días antes de que éste cerrara el trato con New Concorde Pictures (la compañía de Corman), ofreciéndole una cantidad muy superior de dinero por su guión, además de producirlo con un presupuesto de Serie A. Caroll y Hill reescribieron el guión de O’Bannon dándole un tratamiento más “maduro” y menos grandilocuente… menos de serie B, pues. Desde entonces ha habido muchas discusiones al respecto, pues O’Bannon aseguraba que los productores habían arruinado su guión, mientras que éstos alegaban que el guión original era pésimo, acartonado y lleno de lugares comunes. Sea como fuere, ambas facciones, lo mismo que los fans, podemos sentirnos más que satisfechos con el resultado final.

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    Con el guión listo, el siguiente paso era conseguir un director que pudiera darle forma a un proyecto de semejantes dimensiones (en cuestión de un mes, el presupuesto de la película aumentó de 3.5 a 6 millones de dólares y posteriormente a 9… que era muchísimo dinero en 1976). Los productores entrevistaron a decenas de candidatos, siendo la pregunta decisiva “¿Cómo resolverías la escena del “abraza-rostros”?” Caroll comentó alguna vez en una entrevista que la peor de las respuestas fue la de un director (nunca quiso decir quién) que contestó: “Fácil. Le arrojamos un hígado crudo a la cara del actor y lo filmamos en contrapicado”.

    Después de un arduo proceso de selección, el ganador del puesto de director fue el británico Ridely Scott, quien sólo contaba con un largometraje en su curriculum (Los duelistas, 1977). A Scott no le gustaban las películas de Ciencia Ficción ni las de Horror, así que se fue a pasar un fin de semana con un amigo suyo que durante dos días le pasó proyecciones de cintas de dichos géneros. Al final de esta experiencia, Scott sólo encontró dos filmes que le gustaron: 2001: Una odisea del espacio (Kubrick, 1968) y La masacre de Texas (Hooper, 1974). Siendo estas cintas sus principales influencias, Scott fue quien decidió que el personaje de Ripley (la inmortal Sigourney Weaver) fuera una mujer, pues en el guión nunca se especificaba su sexo.

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    Ahora que volví a ver la cinta, caí en cuenta de que es también un enorme logro en el diseño de arte. Originalmente, el diseño de toda la cinta iba a correr a cargo del artista Ron Cobb. Sin embargo, Cobb había dibujado alrededor de cincuenta bocetos para la criatura extraterrestre sin que uno solo convenciera a nadie de la producción o al director. Fue entonces que O’ Bannon recordó haber visto el libro Necronomicon, una colección de pinturas del artista surrealista suizo H. R. Giger inspiradas en la mitología de H.P. Lovecraft.

    O’Bannon había quedado impresionado con el trabajo del suizo pues le pareció perturbador. De hecho, tuvo que negociar arduamente con Caroll para contratar a Giger, pues el productor consideraba que “ese hombre estaba enfermo”. Finalmente, O’Bannon en persona fue a hablar con Giger en París, Francia. Se acordó que Ron Cobb diseñaría la nave espacial, mientras que Giger diseñaría a la criatura y todo su medio ambiente. De forma tardía, al proyecto se incorporó el artista francés de cómics Moebius quien, basándose en las armaduras de los guerreros samurái, diseñó los trajes espaciales de los tripulantes de la nave.

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    Los escenarios diseñados por Cobb son simplemente espectaculares. Según lo declaró alguna vez, coincidió con Scott en querer alejarse de la estética de otras películas ambientadas en el espacio, como Star Wars o la citada obra maestra de Kubrick, pues les parecían tan prístinas que caían en lo inverosímil. Así pues, la nave diseñada por Cobb es grande, oscura, sucia y, como él mismo lo dijo alguna vez, combina una refinería de petróleo con una catedral gótica.

    Para crear en los actores un sentimiento real de claustrofobia, y porque quería hacer paneos largos, Scott pidió a la producción que todos los sets se construyeran en un solo módulo gigantesco. Así, todos los cuartos de la Nostromo quedaron interconectados formando un laberinto con una sola entrada y una salida. Si alguno de los actores (o quien fuera, en realidad) quería salir del set, debía pasar por todo el laberinto.

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    Empero, por supuesto que la estrella de la película es la criatura conocida como “alien” –luego rebautizada como “xenomorfo”, que en griego significa literalmente “forma extraña”– y gran parte de su éxito tiene que ver con el diseño. Nunca antes en pantalla se había mostrado un extraterrestre que se viera así, ni después se han mostrado extraterrestres que no estén influidos, al menos en cierta medida, por el de esta cinta.

    H.R. Giger diseñó a la criatura, pero también la esculpió desde cero utilizando los materiales más diversos, que incluyeron desde huesos humanos hasta piezas de automóviles  —los… no sé cómo llamarlas, digámosles “dígitos” que sobresalen de la espalda de la criatura son los mofles de un Rolls Royce, por ejemplo—. La producción puso a disposición del artista un cajón lleno de huesos de diferentes animales. Según cuentan las anécdotas, algunos de estos huesos aún estaban frescos, por lo que apestaban horriblemente; además, al tener a este tipo vestido de negro y con cara de loco trabajando en él, el taller que la producción le instaló a Giger era el lugar que todos querían evitar.

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    Las actuaciones son de primer nivel y eso es importante por una razón crucial para la película: casi no se ve al alien. Una astuta estrategia de Scott fue casi no mostrar a la criatura en pantalla, dejando más a la imaginación del público. A final de cuentas, sabemos que este monstruo es horrendo y gigantesco por las reacciones de quienes lo ven y no tanto por lo que realmente se muestra de él.

    De hecho, Scott quiso apelar a los instintos primarios del ser humano y por eso muchas de las escenas en las que la criatura ataca a sus víctimas incluyen primeros planos de su boca: Si uno muere devorado, lo último que verá son las fauces de su depredador.

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    A pesar de ello, otro de los factores que causan el terror en esta película es que, por lo menos en esta primera entrega, no se sabía a ciencia cierta qué fin tenían las víctimas de la criatura. Digo, algunos como Parker (Yaphet Koto) era evidente que le servían de botana, pero ¿y los otros? Me refiero a que en la escena de la muerte de Lambert (Veronica Cartwright, quien se hizo famosa como actriz infantil por su participación en la obra maestra de Hitchcock, Los pájaros [1963]) realmente nunca se ve cómo la mata, sólo se escuchan una serie de gruñidos y jadeos extraños en el corredor y, en la siguiente escena en que aparece, Lambert está desnuda colgando del techo.

    Siempre me ha parecido que la película tiene un subtexto claramente sexual e, incluso, que algunas partes de ella pueden entenderse como una metáfora de la violación. Scott siempre consideró a su criatura como hermafrodita y capaz de reproducirse por sí sola; el concepto de una hembra reproductora fue introducido por James Cameron hasta la segunda cinta.

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    Además, en la Edición del 25 Aniversario, en la mítica escena reinsertada de Ripley en el compartimiento de carga, se muestra a Dallas (Tom Skerritt) vivo y encerrado en un capullo ¿Con qué propósito? En el final original del guión, que nunca se filmó, la cápsula de escape que transporta a Ripley transporta también el abraza-rostros que impregnó a Kane y se muestra cómo éste comienza a encerrarse en una especie de crisálida.

    Aunque la Edición del 25 Aniversario es bastante completa y amplía mucho del background de los personajes ­en dicha edición se aprecia perfectamente que Ripley y Lambert se llevan del carajo, por ejemplo–, hubo aún un par de escenas que quedaron fuera.

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    La más interesante de ellas sea quizá una de las escenas favoritas de O’Bannon cuando escribió el guión. Como su idea original era que ésta fuera una película de explotación, el elemento sexual estaba mucho más marcado. De hecho, en algún tratamiento del guión se sugería que todos los personajes estarían desnudos todo el tiempo. Sea como fuere, se llegó a filmar una escena en la que Lambert y Ripley se cuentan sus intimidades, dejando ver que son más bien facilonas y que se han acostado con toda la tripulación; mencionan entonces que Ash (Ian Holm, a quien seguro recuerdan como Bilbo Bolsón en la Trilogía de El Señor de los Anillos [Jackson, 2001-2003]), el oficial científico, es bastante malo en la cama. Este elemento podría parecer intrascendente, excepto porque en ese corte de la película, ésta era la primera pista que se daba al público de que Ash era en realidad un androide.

    Otras escenas que quedaron fuera, y que en realidad nunca se filmaron, fueron el final alternativo que mencioné arriba (el libreto termina en la secuencia 218 y tiene una nota final que dice: “escenas 219 a 228 suprimidas”). En otro final alternativo se escuchaba la narración de Ripley a manera de epílogo, sólo para descubrir después que el alien hablaba a través de ella insertando su segundo par de mandíbulas en su cráneo. En otro más se aprecia que los huevos de alien en realidad estaban dentro de un templo con forma de pirámide en el que se realizaban sacrificios ­–el diseño de este templo fue utilizado en el videojuego de PC Aliens vs Predator (Fox Interactive, 1999)–­ y tampoco llegó a filmarse nunca la escena de sexo entre Dallas y Ripley, quienes en el guión original tenían una relación romántica.

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    La película tuvo un excelente recibimiento en EE.UU., y causó furor en Europa (particularmente en Alemania e Italia) y Japón. De hecho, durante toda la década de los ochenta, hubo secuelas apócrifas de Alien producidas en Italia —donde casi ni les gusta eso de piratearse las cosas— y un par de imitaciones provenientes de tierras germanas. Irónicamente, casi toda la primera hora de la película está fuertemente influida –por no decir que se la fusilaron vilmente– por la cinta italiana El planeta de los vampiros (Bava, 1965).

    Lo que sí es un hecho es que, después de esta cinta, las películas de monstruos jamás volverían a ser lo mismo y prácticamente todas tomarían su influencia en un aspecto u otro. Sin duda, Alien, el octavo pasajero es un clásico inmortal que apenas si ha envejecido después de 40 años y una de las películas más influyentes en la historia del cine. Bastante bien para ser la segunda obra de un director con formación teatral a quien no le gustaban ni el Horror ni la Ciencia Ficción.

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    Y, por cierto, siempre he tenido conflicto con el nombre en español “El octavo pasajero”…  Digo, en realidad, el xenomorfo sería el único pasajero (y tampoco, era un  polizón), pues la Nostromo era una nave de carga… los otros güeyes no eran pasajeros, sino tripulación…

PARA LA TRIVIA: Sería casi aberrante negar que Sigourney Weaver con su interpretación de Ripley definió el arquetipo de la heroína de acción contemporánea (Nancy Thompson, Lara Croft, Jill Valentine y prácticamente cualquier personaje interpretado por Milla Jovovich no existirían sin Ripley); empero, la actriz estuvo a punto de perder el papel. Durante las pruebas de cámara, Weaver mostró una violenta reacción alérgica al gato usado en la cinta. Por desgracia, como había sido muy difícil conseguir un gato justo del color que quería Scott y que estuviera entrenado para hacer exactamente lo que el director necesitaba, sería más fácil cambiar a la actriz que al felino. Afortunadamente, en pruebas posteriores se descubrió que a lo que era alérgica la actriz era a la combinación del pelo de gato con la glicerina que el equipo de maquillaje utilizaba para hacerla sudar en cámara.

    Y hablando de Ripley, una anécdota interesante cuenta que Veronica Cartwright originalmente audicionó para dicho papel. La gente de Fox le dio call-back y la contrataron para la película, pero olvidaron decirle que le habían dado el papel de Lambert (y ella no preguntó). No fue sino hasta la primera prueba de cámara, cuando la vestuarista le entregó su uniforme (y después de tamaña discusión, según cuentan), que Cartwright se enteró del papel que interpretaría en la cinta.

 

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EL CUERVO.Una película lo convirtió en leyenda…

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EL CUERVO

The Crow

 

Alex Proyas, 1994

“Alguna vez, la gente creyó que, cuando alguien moría, un cuervo cargaba su alma hasta la Tierra de los Muertos. Pero a veces, algo tan malo ocurría que una terrible tristeza acompañaba al alma y ésta no podía descansar en paz. Entonces a veces, sólo a veces, el cuervo podía traer el alma de regreso para componer las cosas que están mal”.

Como lo comenté en mi crítica de la película de Spawn (Dippé, 1997) –de la cual creo que nunca me cansaré de abjurar–, a mediados de los 90 el cine de cómics era aún un terreno cuasi-experimental. Nadie sabía realmente cómo debía ser una película basada en un comic… era un poco como los videojuegos caseros de los 80, todo mundo estaba probando cosas y dando palos de ciego, sin saber realmente qué iba a funcionar y qué no.

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    Esto derivó en que las dos principales sagas fílmicas de superhéroes –Superman (1978-1987) y Batman (1989-1997)– se fueran diluyendo entre propuestas cada vez más absurdas, que se coqueteara con ideas alocadas como la peli de La muerte de Superman, con Nicholas Cage interpretado al último Hijo de Kryptón, que, a Cthulhu gracias, nunca se concretó; o que las productoras echaran mano de los cómics independientes, e incluso underground, con resultados poco afortunados como Vampirella (Wynorski, 1996) o la mencionada Spawn, o mucho más logrados como La máscara (Russell, 1994) y The Crow.

    En la película, Eric Draven (Brandon Lee, en su mejor y última interpretación) es un rockero que vive con su prometida, Shelly Webster (Sofia Shinas), en un edificio en una versión ficcionalizada de la ciudad de Detroit. Cierta noche, una banda de matones llega a la buhardilla en la que vive la pareja y violan a Shelly para después asesinar a Eric. Un año después, Eric regresa de la tumba convertido en un vigilante inmortal. Al enterarse de la muerte de Shelly, Draven acechará a los mafiosos locales para vengar su propia muerte y la de su novia.

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    El cómic de El cuervo fue creado por el artista James O’Barr en 1989 como una especie de catarsis para ayudarse a lidiar con la muerte de su prometida, atropellada por un conductor ebrio. El personaje fue presentado por primera vez en el primer número del cómic Caliber Presents, publicado por Caliber Comics en 1989.

    Anécdota curiosa, cuando los ejecutivos de Paramount Pictures se acercaron a O’Barr para presentarle el proyecto, su propuesta era hacer una película musical protagonizada por Michael Jackson. O’Barr soltó una carcajada pensando que se trataba de una broma.

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    De hecho, O’Barr tampoco estaba conforme con la decisión de contratar a Lee para interpretar a Draven, pues creía que la peli se convertiría en una cinta de artes marciales de bajo presupuesto destinada directamente al mercado casero. El artista cambió de opinión cuando visitó el set y vio por primera vez al actor caracterizado como el personaje.

    Lee se sentía inconforme con la forma en que lucía su maquillaje, por lo que acordó con el director irse a dormir maquillado cada noche para que, al filmar, éste luciera deslavado y gastado.

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    Por supuesto, no habiendo muchos más referentes en cuanto a cine de cómics, El Cuervo bebe de las fuentes que tenía a mano y, por ello, es imposible no ver una enorme influencia de la primera película de Batman (Burton, 1989) en ella. Incluso el último enfrentamiento entre Draven y Top Dollar (Michael Wincott, a quien seguro recuerdan por su particular timbre de voz), el jefe mafioso y último villano de la cinta, sucede en el techo de una iglesia, igual que en la peli de Burton.

    Sin embargo, la película de Proyas logra evolucionar a partir de lo planteado por la primera iteración fílmica del Hombre Murciélago y logra desarrollar una narrativa, un tono y una estética propias, que serán imitadas por muchas otras pelis después de ella, pero nunca igualadas.

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    Parte de la estética se debe a que, originalmente, Proyas quería filmar la peli completamente en blanco y negro, pues los cómics se habían publicado de ese modo. Sin embargo, los ejecutivos del estudio, temiendo que tan temeraria aproximación alejara al público joven, rechazaron la propuesta del director. Proyas entonces decidió filmar en una gama casi monocromática de negro, gris y rojo.

    La fotografía de Dariusz Wolski es muy buena. La cámara logra captar una rica y vasta colección de texturas y tonos en la propuesta casi monocromática de Proyas.

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    Sobre todo, me maravilla la narrativa. Creo que la película entendió muy bien cómo funciona la narrativa gráfica de los cómics y la adaptó lo mejor que pudo a la pantalla. De hecho, por momentos, me recuerda un poco a la narrativa de El Día de la Bestia (De la Iglesia, 1995), que también se encuentra fuertemente inspirada por los cómics sin estar basada en ninguno. En el caso de El Cuervo, creo que la cinta supo hacer suyos muchos elementos de la narrativa gráfica y adaptarlos al lenguaje cinematográfico.

    El guión es ingenioso, con diálogos bien escritos, bien pensados y que, en muchos momentos, son casi transcripciones literales de los textos del comic.

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    Las actuaciones son entre buenas y regulares, de hecho, me es difícil imaginar a cualquier otro actor en el papel de Draven… quizá por eso ninguna de las secuelas realmente terminó de funcionar. También me gusta el trabajo de Michael Wincott con su voz extraña, y de los veteranos Ernie Hudson (a quien seguro recuerdan como Winston Zeddmore en Los Cazafantasmas [Reitman, 1984]) y el icono del cine de terror Tony Todd (y si a él no lo recuerdan por su escalofriante interpretación de Candyman [Rose, 1992] o protagonizando el remake de La noche de los muertos vivientes [Savini, 1990], al menos recuérdenlo por sus casi dos metros de estatura, por favor).

    La película, además de un buen soundtrack instrumental compuesto por Grame Revell, incorpora canciones de bandas como los Stone Temple Pilots, Nine Inch Nails, Rage Against the Machine, Pantera y The Cure, y el álbum se convirtió en uno de los más atesorados por los adolescentes de la época. De hecho, O’Barr se sintió sumamente complacido cuando Robert Smith, líder de The Cure accedió a componer una canción original, Burn, para el soundtrack de la cinta, pues el artista comentó que escuchaba a la banda mientras trabajaba en el comic.

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    Y, bueno, por supuesto, es imposible hablar de esta película sin mencionar las sórdidas circunstancias de su filmación, que vieron su momento cumbre en la trágica muerte del actor protagónico, Brandon Lee.

    Al haber sufrido el asesinato de su padre en sospechosas circunstancias cuando era niño, Lee creció para convertirse en un joven obsesionado con la muerte y lo macabro que disfrutaba de conducir por las noches a bordo de una carroza fúnebre de su propiedad, y visitar tumbas de personajes famosos.

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    El set de filmación de El Cuervo parecía condenado al desastre desde un principio, pues los accidentes eran frecuentes. Brandon Lee se hirió una mano al romper un vidrio trucado y, de hecho, varios miembros del crew resultaron seriamente heridos durante la filmación. Incluso parte del estudio se quemó durante un incendio del que nunca se supo la causa y otros tantos sets fueron destruidos por un huracán. A esto debe sumársele el sonado abuso de drogas al interior del set pues, según se sabe, miembros del crew se escapaban al baño entre tomas para aspirar cocaína, mientras que varios camarógrafos levantaban sus tomas completamente drogados.

    La muerte de Lee acaeció en las circunstancias más extrañas, derivadas de casi increíbles coincidencias. En cierta toma, se requería que uno de los revólveres usados en la cinta fuera cargado, amartillado y apuntado hacia la cámara. Debido a la cercanía y al nivel de detalle de la toma, se utilizaron balas de utilería, que consisten en una bala de latón montada sobre un cartucho sin pólvora. Al terminar la toma, el Maestro de Armas se retiró del set, por lo que el arma fue descargada por el Maestro Utilero, quien sacó las balas por el tambor, excepto por la bala que ya estaba en la recámara, que fue disparada. Esta bala de latón, en teoría inocua, quedó atascada en el cañón de la pistola. La siguiente escena filmada con el arma fue cuando Eric entra al departamento en medio de la violación de Shelly y Funboy (Michael Massee) le dispara en el pecho. Para dicha escena se utilizaron salvas, que no tienen balas sino sólo un cartucho relleno con una cantidad exagerada de pólvora para que el fogonazo del disparo se vea más impresionante. Al disparar el arma, la explosión de la pólvora disparó la bala de latón atorada en el cañón, lo que mató a Lee casi al instante.

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     La tragedia tuvo un efecto devastador para todos los involucrados e incluso el actor Michael Massee dejó de actuar por más de un año después de la muerte de Lee. Hasta el día de su muerte, en 2016, el actor declaró que tenía pesadillas sobre el incidente. Paramount Pictures, quienes desarrollaron y produjeron el proyecto, canceló la producción, dejando la película inconclusa y el productor, Edward R. Pressman tuvo que indemnizar a Linda Lee Cadwell, viuda de Bruce Lee y madre de Brandon, con 3 millones de dólares para evitar una demanda por negligencia.

    Originalmente, la producción intentó terminar la cinta con el doble de riesgo de Lee, quien usaría una máscara de espuma de látex de la cara del difunto actor que había sido planeada para usarse en las escenas de riesgo y para stand-ins en planos abiertos. Sin embargo, la presencia del doble enmascarado fue demasiado perturbadora para los miembros del crew y sus compañeros de escena, por lo que el plan fue abortado.

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    Pressman entonces fundó la compañía Entertainment Investment Media Corporation para comprar la película a Paramount y completarla utilizando novedosas técnicas de superposición digital de imágenes.

    A pesar de su truculenta producción, El Cuervo pudo estrenarse con muy buenos números. El presupuesto estimado originalmente para la cinta era de 30 millones de dólares; pero fue reducido a 18, por lo que la producción tuvo que hacer de tripas corazón y exprimir cada centavo. El resultado se ve en pantalla. Al final, luego de las tomas adicionales, la peli costó 23 millones de dólares y logró recaudar 50 tan sólo en EE.UU. más otros  94 alrededor del mundo. Se convirtió rápidamente en una cinta de culto y un icono de las subculturas Goth y Grunge, así como de la Generación X. Su legado incluye tres secuelas –bastante malas todas–, un videojuego basado en la segunda película –pésimo– y una serie de TV. En el último lustro se ha hablado mucho de un reboot de la franquicia, mismo que sería protagonizado por Jason Momoa; pero el futuro de este proyecto quedó a la deriva luego de que el actor hawaiano abandonara el proyecto.

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    Proyas se convirtió en amigo cercano de Lee, por lo que se sintió culpable por su muerte. Con el dinero que recibió por la cinta compró un automóvil para su mamá, un sistema de sonido surround para su casa y el resto lo donó, de forma anónima y en secreto, a diversas organizaciones de caridad.

PARA LA TRIVIA: Originalmente, O’Barr quería que Johnny Depp interpretara Eric Draven. La producción le ofreció el papel a Christian Slater y River Phoenix; pero ambos rechazaron el papel.

 

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EL ABISMO NEGRO. Hace 40 años, así respondió Disney a “Star Wars”.

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EL ABISMO NEGRO

The Black Hole

 

Gary Nelson, 1979

Hace alrededor de un mes, científicos sorprendieron al mundo con la primera fotografía de un agujero negro. Memes aparte, la importancia de tal fotografía radica en que los hoyos negros, hasta entonces, existían sólo como teoría. Inferíamos su existencia a partir de las consecuencias y de sus efectos en el espacio circundante; pero nunca habíamos, como tal, visto uno. Según sabemos, un agujero negro se forma tras la muerte de una estrella, cuando la materia de ésta se compacta tanto que crea un campo gravitacional a su alrededor tan poderoso que ni siquiera la luz puede escapar de él. Y ya. No sabemos más. Qué sucede exactamente al interior de un agujero negro, que es básicamente una ruptura en el tejido del tiempo-espacio, nadie lo sabe con certeza y sigue siendo uno de los grandes misterios de la Ciencia… pero no del cine.

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    A finales de la década de 1970, con el boom de las películas de naves espaciales y ciencia ficción, Walt Disney Productions quiso subirse al tren del mame con esta película que parece haber sido producida diez años atrás; pero que no por ello carece de encanto. De hecho, recuerdo muy bien que vi esta cinta cuando estaba en el kínder y que me gustó mucho. Ya después, volví a verla siendo adulto y me di cuenta de todos sus fallos; pero, aun así, sigue conservando parte de su carisma.

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    En el año 2130 la tripulación de la nave espacial USS Palomino, liderada por el Dr. Alex Durant (Anthony Perkins, tan desperdiciado), descubre un agujero negro y, en el borde de su Horizonte de Eventos, a una nave perdida: la USS Cygnus, con la que la Tierra perdió contacto veinte años atrás, luego de que su capitán, el Dr. Hans Reinhardt (Maximilian Schell), desobedeciera la orden de regresar a casa. La tripulación de la Palomino descubre que Reinhardt ha sobrevivido completamente solo durante dos décadas en una nave autosustentable y habitada sólo por robots. Pero, como cabría suponer, nada es lo que parece y, mientras la Cygnus deriva inexorablemente hacia el agujero negro, sus secretos irán siendo desvelados uno a uno hasta el climático final.

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    Por supuesto, la influencia de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) es más que evidente en esta película; pero creo que ésta va mucho más allá de lo que parece. El abismo negro no sólo trató, como cientos de otras producciones, de llevar agua a su molino tras el éxito de la peli de Lucas; sino que creo que fue una contrapropuesta directa a ella.

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    Digo, no hace falta ser demasiado perspicaz para notar las similitudes entre el robot V.I.N.CENT (voz del siempre genial Roddy McDowall) y R2-D2, o entre los guardias androides lidereados por el capitán S.T.A.R. (Tom McLoughlin) y los stormtroopers. Por cierto que originalmente V.I.N.CENT usaría ojos electrónicos creados mediante displays digitales, pero como éstos nunca funcionaron correctamente, fueron reemplazados por las calcomanías que vemos finalmente en pantalla.

    De hecho, Disney quiso rentar las cámaras controladas por computadora creadas por Industrial Light & Magic para Star Wars (nombradas Dykstraflex en honor a su creador, John Dykstra); pero los precios de renta eran exorbitantes y las condiciones del contrato, ridículas. Por ello, los productores decidieron encargar la creación de sus propias cámaras robóticas programables que, a la larga, resultaron técnicamente superiores a las de ILM.

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    Del mismo modo, ya que la fortuna de Lucas fue amasada gracias al merchandising, la Casa del Ratón diseñó un agresivo plan de mercadotecnia y productos licenciados para la película, la mayoría de los cuales fueron un fracaso –recuerdo haber tenido discos para View Master de esta peli–. Las figuras de acción producidas por la legendaria compañía MEGO, que se crearon en colecciones de 12, 8 y 3.75 pulgadas, reportaron tan bajas ventas que tuvieron que ser retiradas del mercado. Sobra decir que actualmente alcanzan precios exorbitantes entre los coleccionistas.

    La película en general termina siendo un espécimen raro y lleno de contradicciones. Por momentos parece querer meterse en el terreno de la ciencia ficción dura; pero no puede despegarse del Space Opera ni un solo instante, e incluso hay muchas secuencias que son de lo más naïve. La película se la pasa presumiendo su alto presupuesto (20 millones de dólares, que en 1979 era un dineral); pero cosas elementales, como mantener una cierta calidad de la imagen entre las secuencias filmadas en gloriosos 70mm y las más modestas, filmadas en 35mm, parece que les fue imposible. Los efectos visuales son fastuosos… pero no se ven tan bien como los de otras películas coetáneas.

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    En general, los efectos visuales han envejecido bastante mal. Particularmente las escenas que fueron creadas con impresión óptica y pintura mate en una versión rudimentaria de los escenarios virtuales, parecen no haber sido favorecidas por los años. Por todos lados se ven los parches y los recortes que utilizaron para extender los escenarios.

    Las actuaciones son bastante anodinas y esto me parece una falla fatal, pues por lo menos hay tres actores de primer nivel en esta cinta. Por principio de cuentas, está Anthony Perkins, a quien seguro recuerdan como el desequilibrado Norman Bates en la magistral Psicosis (Hitchcock, 1960); está también el siempre genial Ernest Borgnine, en el papel de Harry Booth, cuya filmografía es más que extensa, pero a quien recordamos con particular cariño por ser la voz de Sirenoman en Bob Esponja (1999-); y Robert Forster quien, a pesar de ser un muy buen actor, encontró la fama como intérprete de películas de explotación de bajo presupuesto como Terror bajo la ciudad (Teague, 1980) y El vigilante (Lustig, 1982). Y todos ellos, más sus coestelares, en todo momento están increíblemente desperdiciados.

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    Los pobres actores se ven en la necesidad de trabajar con un guión rebuscado y confuso que plantea personajes poco interesantes y poco atractivos cuyas dinámicas de plano no funcionan. ¿Alguien notó la increíble falta de cohesión entre los tripulantes de la Palomino? Es difícil creer que sean compañeros de misión… o que incluso tengan algún tipo de relación en los momentos en los que se encuentran fuera de cuadro.

    Un elemento de la película que sí disfruto mucho es su diseño de arte. Fuertemente influido por la arquitectura de estructura tridilosa –lo que me recuerda al Metro Chabacano o al Mercado de la Bola–­­­, el diseño de la nave Cygnus, en un paralelismo con la Nostromo de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979), parece la reinterpretación posmoderna de una catedral gótica. En general, creo que la nave luce mucho mejor por fuera que por dentro.

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    Otro elemento que me gusta mucho es la música. El tema principal, compuesto por John Barry, es estrafalario y mesmérico, y fue compuesto para acompañar a la secuencia de títulos iniciales creada por John Hughes que, en esa época, se convirtió en la secuencia de animación por computadora más larga creada hasta el momento.

     Y, a pesar de todo, la película no puede quitarse el olor a rancio con el que está impregnada. Algo tiene, no sé si sean las actuaciones, el elenco, el diseño, la narrativa visual, el hecho de que demasiados elementos parecen calcados de Star Wars, o incluso el tipo de película en el que fue filmada, no logro precisarlo a ciencia cierta; pero algo tiene esta cinta que la hace verse increíblemente pasada de moda. Algo pasa en ella que, al mirarla, uno juraría que está viendo alguna cinta de ciencia ficción de los 60.

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    Además, en nada ayuda a la película un ritmo lento y soso que no logran despertar interés en el resto la cinta. La parte emocionante y el festín de efectos visuales que nos es prometido al inicio apenas si cubre los últimos diez minutos de película y, para muchos espectadores, la larga espera podría no valer la pena.

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    Creo que El abismo negro debe entenderse como yo la entendí cuando la vi siendo adulto: un producto del zeitgeist y un intento de la Casa del Ratón por capitalizar un éxito que no era suyo. Aun cuando la película se ve pasada de moda –incluso inicia con una obertura musical como las épicas de los 50 y 60– y de lo más camp –en casi todas las escenas de gravedad cero a los actores se les ven los cables con los que los colgaron o se ve que sus vestuarios están sujetados con seguros­–, se convirtió en un éxito de taquilla que casi duplicó su presupuesto durante su corrida original por cines. Empero, el plan de mercadotecnia a su alrededor fracasó miserablemente y, a final de cuentas, creo que puedo asegurar que el tiempo fue poco clemente con ella, condenándola al olvido.

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    La historia es, a fin de cuentas, una especie de reinterpretación de 20,000 leguas de viaje submarino (Fleischer, 1954) que pone en el Dr. Reinhardt no sólo un capitán Nemo postmoderno; sino el arquetipo de Gilgamesh y su fútil búsqueda de la inmortalidad. Demasiado oscura para lo que Disney nos tiene acostumbrados, la peli es, sin duda, una pieza apenas decente de entretenimiento familiar –la neta, se hace aburrida por momentos– cuyo final original fue removido de la versión estrenada en cines por sus connotaciones religiosas. Este final fue reinsertado en la película para su edición en DVD.

PARA LA TRIVIA: La novelización de la película corrió a cargo del escritor de ciencia ficción y fantasía Alan Dean Foster, cuyos trabajos incluyen el argumento de Viaje a las estrellas: la película (Wise, 1979) y novelizaciones de otras cintas como Star Wars (Lucas, 1977) –como escritor fantasma–, Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979) o La cosa de otro mundo (Carpenter, 1982). Cuando Foster recibió el guión de El abismo negro para escribir la adaptación, escribió una carta a los productores señalando los garrafales errores científicos en el texto y proponiendo cambios en el guión que podrían mejorar la historia. Los ejecutivos de Disney, consternados, convocaron a una junta de emergencia para discutir los cambios.

 

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AVENGERS: ENDGAME. El final de una era.

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AVENGERS: ENDGAME

 

Anthony Russo y Joe Russo, 2019

En el video que posteé minutos después de salir de ver esta película la califiqué con el bonito epíteto de “apoteosis del cine de superhéroes”. Y lo sostengo. Incluso creo que podríamos llamarla una obra maestra del género. Si bien la primera parte, Avengers: Infinity War (Hnos. Russo, 2018), siento que me quedó a deber un poco, con esta lo compensaron y es que, más que una película y su secuela, se trata de una peli dividida en dos partes que se complementan de forma armónica.

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    Esta película comienza casi un mes después de los eventos vistos en Avengers: Infinity War. El titán Thanos (Josh Brolin) ha logrado su objetivo, causando la desaparición de la mitad de la vida terrestre, tras lo cual ha desaparecido. En la Tierra, el equipo conformado por los Vengadores restantes, Viuda Negra (Scarlett Johansson), Capitán América (Chris Evans),War Machine (Don Cheadle), Thor (Chris Hemsworth) y Bruce Banner (Mark Ruffalo) trata de encontrar una solución. Después de cinco años, todo parece perdido cuando SPOILER, en un deus ex machina digno de folletín del XIX, Ant- Man (Paul Rudd) regresa del Mundo Cuántico con una idea que podría devolver a aquéllos que fueron arrebatados de nuestro mundo por Thanos. La idea no sólo es descabellada, sino terriblemente peligrosa; por lo que los Avengers se cuestionarán si realmente quieren salvar a la humanidad o si simplemente deben resignarse a vivir en el universo mutilado por el Titán Loco. TERMINA SPOILER

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    En repetidas ocasiones he mencionado ya que no soy fan del cine de superhéroes. Me gusta; pero no soy fanático. No he visto las 21 películas de Marvel antes de Endgame… habré visto dieciséis o diecisiete, jaja. Sea como fuere, sin importar el género, cuando una película es encomiable, no tengo empacho en decirlo y Avengers: Endgame lo es.

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    Si ustedes recuerdan mi crítica de Avengers: Infinity War, entonces recordarán que no me había dejado del todo satisfecho. Me parecía que estaba bien, pero que algo le faltaba, como que algo de plano no terminaba de cuajar. Ahora ya lo entendí. Mucho de lo que estaba faltando en Infinity War lo reservaron para Endgame. Como lo dije al inicio, ambas películas se complementan y, como en el caso de la Trilogía de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003), más bien se trata de una sola obra dividida en varias partes.

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    La historia está bien. Digo, a nivel de historia no hay mucho de qué hablar, pasa más o menos lo que uno sabía que iba a pasar, aunque se agradecen un par de vueltas de tuerca inesperadas que refrescan el asunto y que mantienen el suspenso.

    Del mismo modo, el guión me pareció bueno. No es nada profundo ni mucho menos; pero creo que es un buen melodrama con resoluciones ingeniosas y moderadas dosis de humor para aliviar los momentos de tensión. La pléyade de personajes que aparecen en pantalla mantiene su esencia e incluso evolucionan, mientras el argumento rebuscado se cuenta de manera eficiente. Es interesante cómo funciona el primer acto de la peli, que es más bien denso, oscuro y contemplativo, y desarrolla de forma interesante a los personajes para aquello en o que se convertirán durante el resto de la cinta.

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    Aunque, eso sí, hay algunos parlamentos de los personajes que resultan un tanto contradictorios con el contexto, con la situación o incluso con las acciones que se están mostrando en pantalla. Del mismo modo, está plagado de huecos argumentales difíciles e incluso imposibles de salvar si uno de verdad se pone quisquilloso.

    SPOILER Y bueno, por lo general, cuando una saga empieza a utilizar como recurso los viajes en el tiempo, tradicionalmente se considera que se les están acabando las ideas. Por ejemplo, en el guión original de Pesadilla en la calle del Infierno 3: los guerreros del sueño (Russell, 1987), se contemplaba un viaje en el tiempo; pero los realizadores desecharon la idea rápidamente, casi por la pura pena. Empero, en el caso de Avengers: Endgame, la idea del viaje en el tiempo ha estado presente desde el principio de la saga, por lo que, al final logran hacer que funcione y no sólo como un recurso sacado de la manga, sino como un pivote de la historia. TERMINA SPOILER

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    Las actuaciones también me gustaron mucho. Digo, los actores ya han tenido bastante tiempo para crecer dentro de sus personajes, siendo las adiciones más recientes Tom Holland, como Peter Parker/Spider-Man, y Brie Larson como Capitana Marvel, por lo que pueden brindar interpretaciones llenas de matices y sutilezas. Quizá no todos, quizá no todo el tiempo; pero muchos de los personajes tienen momentos brillantes en pantalla.

    La dirección también está bien y, sobre todo, es sorprendente cómo logran integrar tantos elementos en un solo argumento –con sus errores de continuidad, estoy seguro, pero que francamente no detecté en este primer visionado–. A pesar de todo, la película no es pesada ni se sienten su más de tres horas de duración. Por el contrario, mantiene un muy buen ritmo y es entretenida e interesante durante todo el tiempo.

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     Y, por supuesto, lo que es verdaderamente apabullante es la batalla final. Recuerdo haber estado sentado en la butaca del cine y pensar que justo eso es lo que esperaba ver en una película de superhéroes desde que era niño. Por supuesto, es un show de pirotecnia… ¡pero qué show de pirotecnia!

    Lo que me lleva a otro punto: los efectos especiales. Los tres más grandes estudios de efectos especiales en la industria trabajaron en esta película: Industrial Light & Magic, Weta Digital y Digital Domain, y se nota en el resultado… la mayor parte del tiempo. Me refiero a que, si bien la mayoría de los efectos visuales en la cinta son asombrosos, Hulk queda a deber en varias de sus escenas. Fuera de eso, creo que en lo demás no hay fallo.

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    Y, por supuesto, la peli está llena de fan service y de referencias no sólo a otras películas de Marvel; sino a los cómics que las inspiraron y a otras pelis. SPOILER La referencia a Volver al futuro (Zemeckis, 1987) que, de hecho, deriva ultimadamente en una parodia de Volver al futuro, me pareció genial. TERMINA SPOILER

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    Debo admitir que no pude dejar de pensar durante toda la película que, si uno lo cavila un poco, se dará cuenta de que si desaparece la mitad de la población mundial, en nuestro planeta aún quedarían más de 3500 millones de personas… lo que sigue siendo un chingo de gente y ¿cuánto tiempo tardaríamos en reponernos? ¿Veinte años?

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    A final de cuentas, Avengers: Endgame se siente como una conclusión más que satisfactoria para el proyecto del Universo Cinematográfico Marvel y me atrevo a decir que, como Star Wars (Lucas et al., 1977-1983), Matrix (Hnos. Wachowski (1999-2003),  o Harry Potter (Columbus et al., 2001-2011) en su momento, se convertirá en una película o, mejor dicho, en una franquicia generacional. Endgame no es sólo la culminación de Avengers, ni la culminación de las 21 pelis de Marvel anteriores, es la prueba definitiva de un nuevo modo de hacer cine y el tour de force definitivo de la Casa del Ratón.

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    El estándar para el cine de superhéroes –en cuanto a su producción, no a su calidad dramática– ha sido elevado a un nivel tan alto que será difícil de igualar en los años por venir.

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    Y no, no lloré en el cine; pero sí me gustó mucho la película. Sí se me hizo un nudo en la boca del estómago en varias de las escenas y SPOILER no pude evitar contener la respiración cuando Capitán América gritó: “Avengers… Assemble!” TERMINA SPOILER

PARA LA TRIVIA: En los créditos finales, además del reparto, aparecen imágenes de los personajes de la saga, así como las firmas de los actores que los interpretaron. Esto es una referencia a Star Trek VI: La tierra desconocida (Meyer, 1991), pues en esta peli las firmas de los actores también aparecen en los créditos, además de que fue también el capítulo final con el elenco original de la serie. A esto se le suma que Kevin Feige, presidente de Marvel Studios y productor de Endgame, declaró que el episodio final de la serie Star Trek: la nueva generación (1987-1994), titulado All Good Things…, fue una fuerte inspiración para este film.

 

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HELLBOY. Así debe sentirse estar en el Infierno…

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HELLBOY

 

Neil Marshall, 2019

 

“Deberían rehacer las películas malas, no las buenas ¿ésas para qué?” Dijo alguna vez el director John Waters y creo que tiene toda la razón. En este caso, no estamos hablando de un remake; sino de un reboot de la saga de Hellboy. El problema aquí radica en que estamos hablando de reiniciar y reinterpretar no sólo una de las mejores películas basadas en cómics que se hayan hecho; sino también una película de autor que estaba, por todos lados, impregnada con la personalidad de su director, el tapatío Guillermo del Toro, quien, a través de sus hijas, descubrió los cómics de Hellboy y rápidamente se convirtió en fan. Así que, ¿qué tan bien librada sale la nueva iteración de Hellboy? Me atrevo a decir que bastante, bastante mal y a continuación explico por qué.

    La película cuenta la historia de Hellboy (David Harbour), un híbrido de humano y demonio bravucón y sarcástico que trabaja como agente de campo para la organización gubernamental secreta B.P.R.D. (Agencia de Investigación y Defensa Paranormal, por sus siglas en inglés). Luego de perder a uno de sus compañeros en una misión en la frontera mexicana, Hellboy cae en una depresión bárbara de la cual es rescatado por la B.P.R.D., quienes lo reclutan para una operación en colaboración con el gobierno británico: Nimue (Milla Jovovich, quien parece que sí es bruja porque no ha envejecido nada en diez años), conocida como la Reina Sangrienta, está por resucitar después de haber sido derrotada en el pasado por el rey Arturo (Mark Stanley), y planea consumar su venganza esparciendo la peste por toda la faz del planeta. Por supuesto, la tarea de Hellboy y sus compañeros, Alice Monaghan (interpretada inexplicablemente por la actriz de ascendencia afroamericana Sasha Lane, pues el personaje era irlandés en los cómics) y Ben Daimio (Daniel Dae Kim), será detenerla.

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    De entrada, mis expectativas sobre esta cinta eran muy bajas. Por supuesto, sabía que no le iba a llegar a las cintas de Del Toro, pero estaba dispuesto a darle el beneficio de la duda. Francamente, no pensé que fuera tan mala. Luego de ver la película, vi artículos rolando por redes sociales en los que la llamaban “la peor película de superhéroes” y que “le había quitado el trono a DC”. Francamente, discrepo. Creo que la infamia de ser la peor película de superhéroes de todos los tiempos se la siguen disputando entre Batman & Robin (Schumacher, 1997) y Superman IV (Furie, 1987). Pero eso no quiere decir que Hellboy no sea muy mala.

    Durante años, el director Guillermo del Toro y el actor Ron Perlman lanzaron varias campañas en redes sociales para lograr que se produjera Hellboy III después de abandonar el proyecto original debido a diferencias creativas. A pesar de ello, el productor Lawrence Gordon –quien tiene los derechos del personaje– decidió iniciar este nuevo proyecto a partir de la franquicia. Irónicamente, el autor de los comics, Mike Mignola, tuvo mucho más control creativo esta vez que en las versiones anteriores.

David Harbour stars as 'Hellboy' in HELLBOY. Photo Credit: Mark Rogers.

    Al fallido intento de terminar la trilogía de Del Toro se suma el terrible proceso de producción que contó con sendos escándalos sobre los constantes pleitos y luchas de poder entre los productores y el director, el despido injustificado del director de fotografía original, y la terrible relación entre Marshall y Harbour en el set, asperezas que, de hecho, terminaron en la corte y cuyas consecuencias pueden verse claramente en pantalla.

    Para empezar, el argumento de la primera peli de Hellboy ya era muy fiel al primer arco argumental de los cómics (la saga de Seed of Destruction [1994]), así que esta peli no podía basarse en eso. Lo que hicieron entonces fue retomar líneas argumentales del comic de un solo tomo Hellboy en México (2010) y del comic regular B.P.R.D. , que es en realidad un spin-off de Hellboy, además de los arcos argumentales The Wild Hunt y Darkness Calls. Así pues, a esta nueva versión le hace falta una base argumental sólida sobre la cual construirse, pues se cometió el error de querer meter cuatro líneas argumentales en una sola peli de dos horas.

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    El guión es muy extraño y se siente súper disparejo. Mientras los diálogos están bien, tirándole a regulares y el humor ácido y cínico de Hellboy casi se mantiene –en papel, al menos–, la parte anecdótica es increíblemente pobre e innecesariamente rebuscada, rayando en lo incomprensible. Por momentos se siente que la historia no avanza, los personajes nunca se desarrollan realmente, las vueltas de tuerca son anodinas y, al final del día, el numerito termina siendo un pastiche con demonios, brujas, hombres-lobo, vampiros, agentes secretos, hadas, espiritismo, luchadores, nazis, folklor ruso y hasta braijus (que es como me ha gustado llamarle a los kaijus británicos) con un ritmo más apropiado para un videojuego en línea… y, digo, ése es un poco el chiste de Hellboy, excepto por lo del videojuego, claro; pero en esta ocasión no lo supieron integrar. Al final hasta me sentí un poco decepcionado de que no hubiera un número musical…

    Ahora quisiera retomar un punto que mencioné en el párrafo anterior: el personaje de Hellboy está escrito con su característico sentido del humor; pero simplemente no termina de cuajar. A este Hellboy le faltan toneladas de carisma y, en vez de lucir sarcástico y chabacano, el pobre aparece de lo más anodino y nos hace extrañar terriblemente al actor anterior. Porque, perdón, pero Ron Perlman es Hellboy.

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    Otra cosa que me impresionó fue lo mal que se ve este Hellboy. ¡La caracterización la hicieron con las patas! ¿Cómo lograron que esta versión del personaje se viera peor que la de hace diez años? No sólo se le notan los bordes a los prostéticos usados por el actor; sino que el tono de rojo que usaron para maquillarlo ni siquiera es consistente de una toma a otra… Es más, ¡el tono de rojo de una parte del cuerpo no es consistente con el de otra! Honor a quien honor merece, la caracterización de personajes secundarios como Baba Yaga está mucho mejor lograda –en algunas tomas–; pero su Hellboy simplemente no funciona. Digo, es vergonzoso ver su brazo de piedra en los primeros planos y notar sin mucho esfuerzo que está fabricado en espuma de poliuretano.

    Y luego está el caso de Gruagach (voz de Stephen Graham), una criatura mitad hombre mitad jabalí con un marcado acento escocés que fue creada a través de las botargas y el maquillaje animatrónico y que fue fotografiada de una manera tan torpe que se ve como un mal CGI… ¿Qué pedo con eso?

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     Ahora bien, según pude apreciar en los créditos de la peli, los efectos visuales fueron realizados por toda una legión de compañías pequeñas, lo que explicaría la falta de unidad entre unos y otros, logrando que unos se vean feos, otros pinches y otros más, inmundos. El hombre-leopardo también está de risa loca.

    En general, las actuaciones de todos están muy mal y, si bien cada uno de los intérpretes tiene su parte de responsabilidad, creo que es también un problema de dirección. Digo, nunca he esperado una buena actuación de parte de Milla Jovovich; pero hay escenas en esta cinta en la que, de verdad, me hizo partirme de risa… aunque estoy seguro de que ésa no era la intención.

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    Otro de los problemas principales que hieren de muerte a esta peli es que nunca logra definir su tono. ¿Es una comedia? ¿Es una cinta de acción? ¿Es una peli de horror? ¿Es para adultos? ¿Es para adolescentes? ¿Es un demo para un videojuego? ¿Qué rayos es esta madre y por qué al verla siento que los realizadores se sintieron obligados a explotar la clasificación R que les dieron, aun cuando no fuera necesario?

    Pero no todo en esta película está perdido. Algunos parlamentos son ingeniosos y creo que las escenas con Ian McShane son muy buenas. Luego luego se siente cómo el actor levanta el ritmo de la película e incluso logra levantar a Harbour, permitiéndole lucir de cuando en cuando. De hecho, aunque fue desmentido por el director, aún perduran muchos rumores de que ambos actores reescribieron sus escenas juntos durante la filmación.

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    A final de cuentas, creo que Hellboy no es la peor película basada en cómics; pero sin duda es una de las peores… la verdad es que yo la incluiría en el Top 10… quizá en el Top 5. Francamente, hubo partes en las que me estaba quedando dormido ¡En una película plagada de escenas de acción! Después de chutarme las dos escenas post-créditos y salir de la sala de cine, me quedé con la impresión de que acababa de ver una de esas secuelas o spin-offs de películas de éxito pero que las hicieron con un bajísimo presupuesto y salieron directamente a video… o, con esa acartonada música de rock y ese irrisorio maquillaje de demonio, alguna especie de versión alterna de Tenacious D (Lynch, 2006).

    La película costó 50 millones de dólares y en su fin de semana de estreno apenas recaudó poco más de 12, aunque su pronóstico era de 15, lo que ya la perfila como uno de los más grandes fracasos del año. Si quieren ver una película de Hellboy, hay dos y sólo dos, son geniales y las dirigió Del Toro.

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PARA LA TRIVIA: Mike Mignola, creador de Hellboy, colaboró con el guión e incluso reescribió parte del mismo, además de fungir como productor.

 

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