MATINEE. Un grandioso pero olvidado homenaje a la Serie B.

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MATINEE

 

Joe Dante, 1993

 

Roger Corman no es sólo el Rey de la Serie B, sino también un cineasta generoso que ha fundado escuela formando a muchos de los directores más influyentes de la década de 1970 y 1990, así como toda una legión de productores y actores. Directores como Francis Ford Coppola, James Cameron, Jonathan Demme, Ron Howard o Martin Scorsese trabajaron en sus inicios para Corman y sus compañías productoras. Y, por supuesto, tenemos a Joe Dante, director de blockbusters del calibre de Piraña (1978), Gremlins (1984), Viaje insólito (1987) o El aullido (1981).

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    Quizás Matinee no fue una de las películas más exitosas de Dante… bueno, para ser honestos, fue un fracaso de taquilla que no logró recuperar su modesto presupuesto de 13 millones de dólares y que ha permanecido prácticamente en el anonimato desde hace más de dos décadas. Se convirtió pues en una película de culto hecha y derecha.  También me parece que es una de las películas más personales de su director.

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    La película sucede en el otoño de 1962, durante la Crisis de los Misiles en Cuba. Los hermanos Gene (Simon Fenton) y Dennis Loomis (Jese Lee Soffer) son aficionados a las películas de terror y viven en el pequeño pueblo de Key West, en Florida. El pueblo se encuentra a tan sólo unos kilómetros de la isla caribeña y vive sumido en el terror de que se desate una guerra nuclear. En este clima de alerta y paranoia, el director y productor de películas de ciencia ficción venido a menos, Lawrence Woolsey (el siempre genial John Goodman) ve la oportunidad ideal para estrenar su última cinta de horror nuclear: Mant.

    Muchas de las películas de Dante son cariñosos homenajes a las películas de ciencia ficción de Serie B de la Era Nuclear. Desde las pirañas alteradas genéticamente hasta los soldados de juguete psicóticos de Pequeños guerreros (1998), pasando por los duendecillos que saboteaban aeronaves en la Segunda Guerra Mundial y la nave intergaláctica casera de Los exploradores (1985), Dante es, en su corazón, un niño nerdo fanático de la ciencia ficción que conserva su capacidad de asombro y la comparte con el mundo.

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    En esta ocasión, Dante rinde tributo no sólo a su propia niñez, sino a uno de los productores y directores de cine más excéntricos que hayan existido: William Castle.

    En las décadas de 1950 y 1960 las salas de cine pasaban por una crisis: la gente dejó de asistir a ellas, pues prefería quedarse en sus casas a ver televisión. Había que hacer algo al respecto y, según la historia nos ha enseñado, siempre que la gente deja de ir al cine comienzan a aparecer las películas en 3D. Pero Castle quiso ir más allá: el afable actor, director, guionista y productor neoyorquino creó toda una serie de películas de bajo presupuesto que utilizaban diferentes artificios en las salas de cine para asombrar al público, sumergirlo en la experiencia de las películas y atraerlo de nueva cuenta a la pantalla de plata.

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    En La casa en la colina embrujada (Castle y Horvath, 1959), protagonizada por el inmortal Vincent Price, un esqueleto fosforescente con ojos que despedían luz roja recorría el cine colgado de alambres sobre el público; en El aguijón de la muerte (Castle, 1959), algunas butacas escogidas al azar estaban equipadas con pequeños vibradores que sacudían al público en la escena clímax de la peli; y en 13 Fantasmas (Castle, 1960) al público se le daban lentes de colores azul y rojo, con los cuales podían ver o hacer desaparecer a los fantasmas que salían en pantalla.

    Aunque fueron pocos los cines que accedieron a participar en las locuras de Castle, su ingenio quedó para la posteridad y su idea de cine interactivo sentó las bases, me atrevo a afirmar, para los rides de parques de diversiones como Universal Studios o Disney World.

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    En la película, el personaje del productor y director Lawrence Woolsey rescata diversos aspectos de la personalidad y la leyenda de Castle, como el hecho de, emulando a Hitchcock, aparecer en los trailers de sus propias películas invitando al público a verlas; el ya mencionado caso de instalar vibradores debajo de las butacas o, en la tradición del Grand Guignol, contratar actrices para hacerse pasar por enfermeras en el lobby de los cines.

    También es un tributo el hecho de que varios de los personajes de la película hayan sido nombrados como personalidades del cine de Serie B de los 50 y 60, como es el caso de Ruth Corday (Cathy Moriarty), cuyo nombre hace referencia a la actriz Mara Corday, que apareciera en clásicos del género como Tarántula (Arnold, 1955) o La garra gigante (Sears, 1957); Herb Denning, cuyo nombre es un guiño al actor Richard Denning, que participara en cintas como El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954) o El monstruo del planeta perdido (Corman, 1955) o el mismo Woolsey, que fue nombrado en honor a Lawrence Woolner, productor de películas de Serie B de ciencia ficción de la compañía Woolner Brothers.

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    La compañía de Woolsey, Woolsey International Pictures, es una referencia a American-International Pictures, prolífica compañía y estudio de películas de bajo presupuesto que funcionara desde la década de 1950 hasta 1980, y que contó entre sus filas con los legendarios Roger Corman y Samuel Z. Arkoff, quien recibe su homenaje a través del personaje del Sr. Spector (Jesse White).

    Del mismo modo, la película cuenta con las participación, en papeles secundarios, de actores de películas de género de la época, como el gran Kevin McCarthy (La invasión de los usurpadores de cuerpos [Siegel, 1956]), Robert Cortwhaite (La cosa de otro mundo [Nyby y Hawks, 1951]), William Schallert (El increíble hombre menguante [Arnold, 1957]) y Dick Miller (La tiendita de los horrores [Corman y Griffith, 1960]), quien fuera el actor fetiche de Corman y después se convertiría en el de Dante.

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    Quizá el elemento más sobresaliente de Matinee es su metapelícula. En la cinta, la historia gira en torno al estreno en el cine del pueblo (filmado en locación en el Historic Cocoa Village Playhouse) de la nueva película de Woolsey. Ésta narra la historia de un hombre que, por un accidente con radiación, es convertido en una hormiga humanoide capaz de razonar y hablar.

    Las pocas secuencias que podemos apreciar de Mant son una verdadera joya que celebra, al mismo tiempo que parodia, el subgénero de los insectos atómicos que incluyera películas clásicas –algunas clásicas del cine naïve– como Tarántula, ¡Ellas! (Douglas, 1954), La mantis mortífera (Juran, 1957) o El escorpión negro (Ludwig, 1957). Dichas secuencias son verdaderamente divertidas y entrañables y lo dejan a uno con ganas de ver la película completa… que, por desgracia, no existe.

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    El guión original de Matinee era muy diferente de lo que se ve en pantalla y estaba más ubicado en el terreno de la fantasía, además de que incluía otros monstruos como vampiros y hombres lobo. Sin embargo, después de varias reescrituras por parte del guionista Charles S. Haas, la cinta se convirtió en una película para preadolescentes que diserta sobre el Horror Atómico en la cultura popular estadounidense. El guionista original, Jerico, demandó a los productores por haberle dado crédito únicamente por el argumento; sin embargo, perdió la demanda.

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    A final de cuentas, Matinee fue un fracaso de taquilla y su escasez en el mercado casero la han condenado a un, a mi parecer, injustificado olvido. Quizá no sea tan buena como Gremlins –que a mi gusto es la obra maestra de Dante–; pero es bastante buena, además de ser una bonita peli familiar cargada de nostalgia y personajes excéntricos y entrañables, además de contar con una escena clímax tan estrambótica y estrafalaria como las mismas ideas de William Castle para llevar gente a los cines. Es, pues, una película sobre cinéfilos hecha por un cinéfilo para un público de cinéfilos. Lo único que lamento es no haberla visto cuando era niño.

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PARA LA TRIVIA: Esta película es una trivia del cine de Serie B en sí misma; pero rescato el siguiente dato curioso: Kevin McCarthy y William Schallert también participaron en el tercer segmento de la película de La dimensión desconocida (Landis et al, 1983), que fuera dirigido por Dante.

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VENOM. Una de las pelis que más han dividido al público y la crítica.

 

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Ruben Fleischer, 2018

¿Recuerdan Spider-Man 3 (Raimi, 2007)? ¿Sí? ¿Recuerdan lo mala que es y lo chafa que se veía Venom? Pues lo siento por ustedes. Dice un cierto rumor que Sam Raimi y los actores de dicha película autosabotearon el proyecto como protesta por la imposición de Columbia Tri-Star para incluir a Venom en la peli, cuando el director no quería en absoluto utilizar al personaje. Más de una década después, Venom vuelve en una aventura en solitario en la que ya no se ve ñengo, ni sucede en Manhattan, ni tenemos que soportar la falta de carisma de Topher Grace en la pantalla… ¡Es más, ni siquiera sale Spider-Man!

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    Muy difundido fue el rumor, luego desmentido, de que la película Life: Vida inteligente (Espinosa, 2017) serviría como una precuela de Venom y, si bien ambas cintas no guardan relación, sí hay bastantes referentes en esta película que funcionan como guiños a la cinta de Espinosa.

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    En la peli –cuyo argumento se basa principalmente en la miserie de comics Venom: Lethal Protector y el arco argumental Planet of the Symbiotes–, Eddie Brock (Tom Hardy en una interpretación carismática aunque bastante inferior a lo que le hemos visto anteriormente) es un reportero de televisión que trata de exponer a las personas que no debía y, a causa de ello, pierde su programa y desencadena toda una debacle en su vida personal. Estas personas son los directivos de la compañía multinacional Life quienes, además de no creer en las cámaras de seguridad, exploran el espacio con vistas a la colonización. En su última misión, la corporación trae a la Tierra especímenes de organismos extraterrestres a los que llaman “simbiotes”. En una incursión a los cuarteles de la compañía, Brock es tomado como huésped por uno de los “simbiotes”, convirtiéndose en la criatura conocida como Venom, cuya sed de sangre lo lleva a un frenesí que no sólo resulta más provechoso de lo que parecería, sino que podría ser la clave para salvar a la humanidad.

    Pues bien, comparada con Spider-Man 3, Venom es una obra maestra. En cualquier otro sentido, se siente poco lograda.

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    En un principio, hace una década, la película se planeó como un spin-off directo de Spider-Man 3, aunque Topher Grace, de entrada, quedó fuera del proyecto. Tiempo después, cuando se rebooteó la saga de Spider-Man, la película de Venom y una posible película sobre Venom y Carnage serían incluidas como parte del universo de Amazing Spider-Man; pero los desastrosos resultados de la segunda parte, que fue vapuleada tanto por el público como por la crítica, puso fin al proyecto. Cuando Sony y Marvel decidieron colaborar en las adaptaciones cinematográficas del Hombre Araña, la idea de los spin-offs fue pausada nuevamente… Hasta ahora.

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    Sony ha manifestado su interés en continuar con los spin-offs, e incluso hay rumores sobre una película de Gata Negra, aunque nada ha sido confirmado por fuentes oficiales.

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    Originalmente, la película iba a ser clasificación R (para mayores de 17 años); pero a últimas de cambio, Columbia decidió convertirla en una cinta clasificación PG-13 (para mayores de 13 años) para poder realizar futuros crossovers con la nueva franquicia de Spider-Man. ¿Se imaginan lo que hubiera sido de esta peli con sangre, tripas y descuartizamientos? Pues síganlo imaginando, porque la cinta es bastante tibia y difícilmente hay una gota carmesí durante sus 112 minutos de duración.

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    Además, aunque se contempla la posibilidad de hacer películas en conjunto con el Amigable Vecino, la cinta oficialmente sucede fuera del Universo Cinematográfico Marvel. Incluso, el cuerpo de Venom no luce el emblema de la araña blanca que tiene en los comics. Empero, eso no le impide a la peli incluir elementos de la franquicia de Spider-Man, como el hecho de que es precisamente el astronauta de apellido Jameson, hijo de J.J. Jameson, quien trae uno de los simbiotes a nuestro planeta. Así que… por fin, ¿es o no es parte del UCM?

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    A nivel guión, la película queda debiendo. Una película oscura sobre el desequilibrio de Eddie Brock y sus conflictos internos con ser el portador del “simbiote” hubiera sido muy interesante y, aunque el tema se esboza a lo largo de la cinta, difícilmente es una parte medular de la historia. En general, la peli es más cercana en tono y narrativa a Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981); pero exagerando la comedia. Además, están las escenas de persecuciones y de acción que ni están tan bien logradas ni aportan realmente nada a la trama ­–la escena de persecución de autos en San Francisco es un cliché en sí misma–. Es una de esas películas en las que pasan muchas cosas pero, a final de cuentas, no pasa nada. De hecho, muchas de las secuencias de acción sólo me provocaban ganas de que se terminaran y pasaran a otra cosa.

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    Muchas explosiones, muchas decapitaciones –sin sangre, por supuesto– y monitos CGI –que tampoco se ven tan bien, por cierto– brincando de un lado a otro de la pantalla hacen que esta cinta se sienta más como una adaptación fallida de los comics de The Darkness que como una peli de Venom. Hay algunos chistes bien logrados, eso sí, pero hay también un montón de humor involuntario en la peli.

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    Las actuaciones se encuentran en el nivel inferior de la escala, ubicándose en un rango entre cumplidoras y malas. Hardy tiene carisma y logra que algunos de los momentos cómicos funcionen muy bien; pero definitivamente queda a deber en las secuencias más serias. El resto del elenco apenas si se esfuerza en sacar a flote el guión lleno de diálogos acartonados e inverosímiles y, lo que es más, creo que en ningún momento logran realmente conectar con el público. No hubo una sola escena en la que generara empatía con alguno de los personajes o me preocupara siquiera por lo que les pasaba.

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    El resultado final es una peli que es completamente forma y nada de fondo, que también sufre de una narrativa atropellada. Es entretenida en su mayor parte, pero se vuelve aburrida e incluso cansina por momentos. Sobre todo, palidece en comparación con otras cintas de superhéroes –no solamente del UCM y no solamente recientes– mucho más logradas. Además, la ambigüedad sobre su inclusión como spin-off de la saga de Spider-Man –al momento, ni siquiera los realizadores se han definido al respecto­– sólo provoca que uno extrañe más al Arácnido en esta película.

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PARA LA TRIVIA: Anne Weying trabaja para la firma legal llamada Michellinie & McFarlane, lo que es un tributo al guionista David Michellinie y el artista Todd MCFarlane, creadores de Venom. Ironía o chiste local, McFarlane entabló un largo proceso judicial contra Marvel, mismo que perdió, para recuperar los derechos del personaje. Dicho litigió impidió que Venom apareciera en las primeras dos entradas de la trilogía original de Spider-Man y retrasó su estreno.

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EL DEPREDADOR.El equipo que creó “Monster Squad” intenta resucitar la franquicia.

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EL DEPREDADOR

The Predator

 

Shane Black, 2018

 

Así que aquí tenemos la siguiente situación: Las casas productoras siguen sin estar muy seguras de cómo rayos funciona la Generación Z como público cinematográfico, así que prefieren vendernos películas a los millennials que, lejos de tener algún tipo de contenido o sustancia, se pueden sostener sin problema alguno gracias casi exclusivamente al factor nostalgia. Así pues, las secuelas y reboots innecesarios de sagas clásicas han plagado esta década. En esta ocasión, toca el turno de resucitar a la saga de Depredador, de mano del director y guionista Shane Black quien, de hecho, actuara en la primera cinta de la saga en aquel remoto 1987, y el guionista Fred Dekker, quien ha mantenido un bajísimo perfil después del estrepitoso fracaso en la taquilla, hace tres décadas, de su película Escuadrón anti-monstruos (1987).

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    Así que… ¿qué pasa cuando juntas a uno de los miembros del reparto de la peli original con el creador de una de las películas para preadolescentes más incomprendida de la historia? Pues lo obvio, obtienes una película cuyo tono entra y sale del PG-13 y que es un homenaje tan banal a la cinta original que casi parece una parodia.

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    La película continúa con la historia de sus predecesoras, aunque hace esfuerzos titánicos para sacar del canon lo planteado en la tercera parte –no veo por qué, no era tan mala–. En El Depredador, uno de los cazadores alienígenas de las cintas anteriores se estrella en la Tierra y es capturado por el gobierno de los EE.UU. y el único testigo sobreviviente, el militar Quinn McKenna (Boyd Holbrook), es enviado a un sanatorio mental del Ejército para ser silenciado. Sin embargo, cuando el Depredador escapa de una base militar secreta en Maryland y desata el caos, McKenna y su equipo de criminales militares dementes descubrirán que las conspiraciones llegan a niveles mucho más altos de lo que hubieran imaginado… para ambas especies.

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    SPOILER Recuerdo que cuando la saga de Alien se quedó sin ideas, decidieron que la cuarta parte, que al mismo tiempo pretendía funcionar como una especie de reboot, decidieron hacerla una comedia y meter híbridos. También recuerdo que cuando la saga de Jurassic Park se quedó sin ideas, decidieron rebootearla quince años después, darle un tono más chabacano y meter híbridos. Pues bien, lo mismo están haciendo con la franquicia de Depredador, auque oficialmente es una secuela y no un reboot. En esta nueva entrada de la saga, adaptada a la época de los teléfonos celulares, la mitología del universo de Depredador se expande y los verdaderos motivos de los cazadores alienígenas nos son revelados… en una justificación bastante decepcionante y que rompe con la lógica de las películas anteriores. TERMINA SPOILER

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    Creo que una de las características de los reboots de esta década –Jurassic World (Trevorrow, 2015), te estoy viendo a ti– es la falta de asombro ante el material original. En esta cinta, los depredadores son cosa plenamente estudiada y ya no espantan a nadie. El gobierno de EE.UU., a través de un proyecto secreto liderado por Keyes (Jake Busey) quien, podemos entender, es el hijo de Peter Keyes de Depredador 2 (Hopkins, 1990) –y su hijo en la vida real–, tiene pleno conocimiento de sus incursiones en nuestro planeta y ha seguido su progreso en las últimas tres décadas… aunque nunca queda muy claro qué frutos ha obtenido de dicho estudio.

    La película en general es entretenida y tiene mucha acción… quizá demasiada comedia en algunos momentos y es muy curioso cómo se van insertando elementos en la historia que, casi al momento de verlos, uno sabe que podrían salir del canon en la siguiente entrega. También, por momentos, es demasiado parecida a Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007)… y eso es malo a priori. Al menos, ésta sí se deja ver.

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    Las actuaciones están más o menos y creo que las más memorables son las del equipo de loquitos que acompaña a McKenna. Digo, creo que nadie esperaba súper actuaciones en una peli de Depredador –¡Oh, Arnie!–; pero Holbrook y Olivia Munn, en su papel de la Dra. Casey Brackett, luego tienen cada momento que es para soltar la carcajada.

    El personaje del pequeño Rory McKenna (Jacob Tremblay) me despierta sentimientos encontrados. Está interpretado de manera eficiente y cumple con su función dentro de la peli; pero la verdad es que siento que no termina de encontrar su lugar. Como que los personajes de niños no acaban de encajar dentro del universo de la saga. Es decir, el último que vimos fue aquel chavito que le ofrece chocolate al depredador y que es perdonado por éste al percatarse de que el arma que lleva no es real en Depredador 2.

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    A este respecto, puedo decir que estaba un poco preocupado por el hecho de que le bajaran el tono a la película. Ya saben, menos sangre, menos mutilaciones y menos cuerpos desollados colgando de cabeza para atraer a más público porque, pues bueno, estas pinches películas salen caras y hay que recuperar la inversión. Sin embargo, la película no decepciona (finalmente, en EE.UU. fue clasificada como R: para mayores de 17 años); sobre todo en una década en la que la mayoría de las películas parecen olvidarse de que la gente, de hecho, tiene sangre.  Aunque definitivamente le bajaron el tono a las carnicerías, la violencia sigue presente y hay escenas lo suficientemente sangrientas como para que esta cinta no se sienta fuera de la franquicia… ¿verdad, remake de RoboCop (Padilha, 2018)?

    Empero, en cuanto al tono y la narrativa, no sé… son un equipo de inadaptados sociales con grandes armas recorriendo un pueblito en una camioneta… Parece más un episodio largo de Brigada A: los magníficos (1983-1987) que una peli de Depredador. Yo estaba esperando que en cualquier momento se apareciera Mr. T.

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    Las criaturas animatrónicas lucen espectaculares. Éstas fueron creadas por Alec Gillis y Tom Woodruff Jr., quienes fueran discípulos del gurú de los animatrónicos, Stan Winston, y crearan a los depredadores de las primeras dos cintas. Las criaturas digitales no funcionan tan bien y, en general, el diseño no me acabó de convencer. Los sabuesos utilizados por los depredadores son bastante decepcionantes… El diseño de estos perros de caza extraterrestres estaba padre en Depredadores (Antal, 2010), ¿por qué lo cambiaron? Digo, sé que los depredadores de aquella película pertenecían a otra especie y probablemente usarían otro tipo de criaturas, pero los de esta película son poco interesantes y, desde el punto de vista narrativo, se sienten desaprovechados.

    Creo que, de hecho, ése es uno de los principales defectos de esta cinta: los depredadores son, en general, poco interesantes y las adaptaciones que les hicieron para expandir el bestiario son ridículas.

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    SPOILER Del mismo modo, la propuesta de los depredadores renegados como aliados de la humanidad sigue sin parecerme verosímil. TERMINA SPOILER

    Y, por supuesto, gran parte de lo que mantiene el interés del público en esta cinta es el fan service y el montón de referencias que hace a otras entradas de la saga. Desde la inclusión de Busey hasta el chiste sobre por qué no deberían llamarse “depredadores” –el cual, por sierto, fue una aportación de Munn y su hermana–… y sí, por supuesto, “Get to the choppa!”

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    Así pues, El Depredador me mantuvo entretenido durante una hora y tres cuartos y me hizo reír en sendas ocasiones; pero me dejó con la sensación de que es más bien intrascendente y no aporta prácticamente nada a la saga. Digo, los elementos novedosos que propone no acaban de cuajar y palidecen ante las referencias a las películas clásicas que suelta cada dos minutos.

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    Siempre he creído que el futuro de la saga estaría más bien en los spin-offs… ¡Rayos, me encantaría ver una peli de Depredador ambientada en el Viejo Oeste!

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PARA LA TRIVIA: El guión original de la película incluía un cameo del personaje de Dutch Schaffer (Arnold Schwarzenegger) al final; sin embargo, Schwarzenegger declinó la oferta de aparecer en la cinta. Del mismo modo, Adrien Brody manifestó su interés de realizar un cameo con su personaje de Royce, pero éste nunca se concretó.

PARA LA TRIVIA GEEK: En el laboratorio del proyecto Stargazer se almacena una colección de artefactos de los depredadores. Entre ellos, puede verse la lanza con una cola de xenomorfo usada en Alien vs Depredador (Anderson, 2004). Es decir, las películas de AVP quedaron fuera del canon de la saga Alien (gracias a Prometeo [Scott, 2012]); pero no de la de Depredador.

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ESFERA… un poco, un poquito más.

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ESFERA

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Barry Levinson, 1998

Cuando uno piensa en los grandes autores de ciencia ficción del siglo XX, por supuesto, los primeros nombres que vendrán a la mente serán los de Ray Bradbury, Isaac Asimov o Richard Mathesson, y quizá, en menor medida, Athur C. Clarke, Phillip K. Dick o, incluso, Frank Herbert o Rod Serling. Sin embargo, durante el último tercio de dicho siglo, hubo un nombre que casi se volvió monopolio en las librerías de aeropuerto y cuya propuesta de ciencia ficción consistía en rescatar argumentos clásicos del género y reinterpretarlos a la luz de la tecnología de punta –de aquella época–. Me estoy refiriendo a Michael Crichton.

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    En Esfera, Crichton entrega su reinterpretación del contacto de la raza humana con seres extraterrestres, que esta vez, se da en la zona abisal del océano. Las similitudes entre la novela de Crichton, publicada en 1987 y la película de James Cameron El secreto del abismo, de 1990, son demasiadas como para pasarlas por alto.

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    La película se estrenó casi una década después de la publicación del libro, cuando, gracias al éxito de Parque Jurásico (Spielberg, 1993), los productores creían que el nombre de Crichton sería un sinónimo de éxito en la taquilla. Pero los estrepitosos –y hasta dolorosos– fracasos de Congo (Marshall, 1995) y Esfera demostraron que no necesariamente era así.

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    Además, en el caso de Esfera tampoco ayudó que la promocionaran con ese poster completamente genérico de finales de los 90.

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    La película es una adaptación bastante fiel a la novela y cuenta la historia del psicólogo Norman Johnson (el gran Dustin Hoffman, desperdiciado), especialista en atender a víctimas de choques aéreos, quien décadas atrás desarrollara un protocolo de acción para el gobierno de EE.UU. en el caso de una hipotética invasión extraterrestre. Cuando Johnson es llevado a una estación de investigación subacuática junto con otros científicos lo que menos espera es que su protocolo esté, de hecho, poniéndose en práctica, pues una empresa ha descubierto una nave extraterrestre en el fondo del mar. Lo que descubrirán en su interior no sólo cambiará todas las ideas sobre el futuro de nuestra especie, sino que los enfrentará a una entidad alienígena que tiene la capacidad de materializar los pensamientos.

    Esfera es, probablemente, uno de los textos más complejos de Crichton y, en realidad, se torna ambiguo en algunas partes –también siento que le falta un poco de cohesión, pero no está mal–. En la peli creo que hicieron un buen trabajo al adaptar el texto enfocándose más en crear un buen thriller de ciencia ficción que le quita a la historia original cerca de una tercera parte de su extensión y deja de lado algunos de los aspectos más filosóficos de la narración, al mismo tiempo que simplifica un poco el carácter de los personajes y digiere para el espectador algunas de las partes más complejas. Aun así, creo que el resultado es cumplidor.

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    Me gustó que respetaran la edad y el tipo físico del protagonista de la novela parala película. Me gustó también que, en general, la mayoría de los personajes que fueron adaptados a la pantalla lucen bastante cercanos a como se les describe en el libro. Me agradó el tono que trataron de lograr en la película, aunque a veces se consigue y a veces no. Creo que lo que más me decepcionó de la cinta fue el hecho de que el calamar gigante que ocupa cerca de una tercera parte de la narración en la novela nunca apareciera en pantalla. Quiero decir, fue un movimiento inteligente que, a final de cuentas, apoya a la narrativa… pero ¡cómo no lamentar la ausencia de un monstruo gigante!

    Y, a pesar de que creo que el resultado final funciona en tal o cual medida, la realidad es que la película se nota muy dispareja. Esto se debe, principalmente, a que los realizadores tuvieron que entregar el primer corte de la cinta antes de que estuviera lista para cumplir con el deadline impuesto por Warner Bros. El mismo Dustin Hoffman ha declarado varias veces que se sintió decepcionado con la película, pues se nota inconclusa.

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    El espectador puede notar esto desde el momento en el que algunas escenas están maravillosamente actuadas, mientras que otras –como aquella de Sharon Stone llorando– son como de pastorela de secundaria. También puede notarse en la narrativa que se vuelve caótica en algunas partes. Pero, sobre todo, uno se da cuenta de que la peli no estaba terminada al momento de estrenarla por la edición frenética que posee. El montaje final de la cinta está lleno de cortes duros y secuencias mutiladas que denotan que quien editó el corte final no tenía suficiente material con el cual trabajar.

    Muchas de las escenas, sobre todo aquéllas de conversaciones o discusiones, fueron completamente improvisadas por los actores en el set.

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    También, a lo largo de toda la cinta, hay algunas tomas increíblemente poco afortunadas que, sumadas a los cortes duros que mencioné arriba y a una narrativa visual poco propositiva llena de clichés y resoluciones fáciles, impiden que la cinta trascienda a un nivel visual. Y, bueno… ¡incluso hay tomas que rompen los ejes! Por favor, señores, esos son fallos de estudiante de cine de primer semestre.

    La música está bastante bien. Ésta corrió a cargo de Elliot Goldenthal, cuyas composiciones han aparecido en películas como Alien 3 (Fincher, 1992) o El demoledor (Brambilla, 1993). En general, logra crear la atmósfera necesaria de suspenso y tensión, aunque me pareció un poco demasiado romántica por momentos… y en otros momentos se parece demasiado a la de Alien 3.

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    Lo que sí me gustó mucho fue el trabajo con maquetas y el maquillaje. El maquillaje de los cadáveres y los puppets utilizados en la película se ven geniales, aunque el CGI sí ha envejecido bastante mal. Sobre todo, llama la atención la esfera, cuyo diseño tomó cerca de nueve meses. En la novela, la esfera es descrita como una gigantesca esfera con superficie cromada y una serie de circunvoluciones en un punto específico; sin embargo, el equipo de efectos especiales descubrió que si creaban una esfera cromada para usarla en un escenario tan oscuro, sólo reflejaría el color negro y se vería poco interesante, por lo que decidieron colorearla de color champaña.

    A final de cuentas, Esfera es un thriller de ciencia ficción con una marcada influencia de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979) que toma atajos y se salta pasos en su narrativa, se siente dispareja, es algo obvia y digerida, y es mucho más melodramática y sencilla que su contraparte literaria. Además de que el reparto se siente completamente desperdiciado. El resultado final es más parecido a Galaxia del terror (Clark, 1981), pero sin los elementos de explotación. Empero, a pesar de todos los fallos que he enumerado, no es una película particularmente mala… sólo que se queda demasiado corta, particularmente tomando en cuenta el tipo de público al que va dirigida. Creo que funciona, pero no llega nunca a explotar completamente su potencial.

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    SPOILER El final de la película es diferente al de la novela y no me gusta mucho. Cuando la Esfera, en un mal CGI, vuela fuera del océano me recuerda a cuando Poochy regresa a su planeta. Sin embargo, hay un final alternativo –que pudo mostrarse en TV por cable en EE.UU.–, mucho más apegado al del libro, en el que la Esfera simplemente desaparece. TERMINA SPOILER

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    ¡Ah! Y también, citando a Bob Esponja,: “Parece que nuestro amigo no se encuentra familiarizado con los inconvenientes de la vida submarina”; pero estos errores sí vienen desde el libro.

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PARA LA TRIVIA: Joseph Hahn, DJ de la banda Linkin Park, diseñó el aspecto de la serpiente marina que aterroriza a Norman.

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EL ATAQUE DE LOS TOMATES ASESINOS. Hecha puré por la crítica, infaltable en el sandwich de los fans.

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EL ATAQUE DE LOS TOMATES ASESINOS

Attack of the Killer Tomatoes!

 

John DeBello, 1978

Muy probablemente, ustedes han tenido o tienen uno de esos amigos que intenta desesperadamente hacerse el gracioso. El tipo no es mala persona, ni siquiera es del todo antipático; sino que simplemente no es tan gracioso como cree y parece no darse cuenta de que las risas que siguen a sus chistes son más provocadas por lástima que por buen humor. Aun así, lo estiman y lo aprecian porque, en el fondo, tiene buenos sentimientos. Lo mismo pasa con El ataque de los tomates asesinos.

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    Parodiando las películas baratas de ciencia ficción de los 50 y 60 –también hay una parodia de Tiburón (Spielberg, 1975)–, El ataque de los tomates asesinos cuenta la historia de un grupo de jitomates mutantes que comienzan a perpetrar violentos asesinatos para después llevar a cabo una invasión a gran escala que cimbrará los cimientos de la civilización entera. Será tarea de un pintoresco equipo de “expertos” reunido por el gobierno de EE.UU. el detenerlos.

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    No puedo recordar con exactitud cómo fue que llegué a tener conocimiento sobre la existencia de esta cinta; pero sí recuerdo que fue a muy corta edad. Desde que estaba en el kínder sabía que existía una peli titulada El ataque de los tomates asesinos, aunque en mi ignorancia de la etapa preescolar creía que se trataba de una cinta de terror. Poco a poco fui descubriendo la verdad sobre de qué iba la peli, pero no fue sino hasta los últimos años de la adolescencia que la vi.

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    Y me acuerdo que me reí… pero también recuerdo que no fue con muchas ganas. No he visto ninguna de las secuelas, aunque de niño me gustaba la serie de dibujos animados.

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    Algunas películas son tan malas que terminan siendo buenas. Otras muchas, como ésta, simplemente son malas malas. Algunos realizadores desde un inicio deciden que su película estará mal hecha a propósito y que ésa será precisamente su principal vis comica. Pero no a todos puede salirles bien. A pesar de ello, El ataque de los tomates asesinos tiene algunos puntos rescatables, la verdad es que hay algunas cosas que sí me dan risa.

    Filmada casi enteramente en locaciones en San Diego, California –algunas secuencias en lugares públicos fueron filmadas sin contar con permiso de las autoridades–, y con un ínfimo presupuesto de apenas USD$90,000 –gran parte del cual se obtuvo gracias a préstamos y donaciones por parte de familiares de los realizadores–, la película sí llega a ser un claro ejemplo de lo que se puede lograr cuando la gente de veras tiene ganas de hacer las cosas… Digo, la calidad del resultado ya es otra cosa, pero de que lograron producirla y estrenarla, lo lograron.

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    De hecho, la escena más costosa de toda la película fue la del helicóptero que se estrella en el fondo de una de las tomas. El choque fue real. Por un descuido, el rotor de cola de la aeronave golpeó el suelo, lo que ocasionó que perdiera el control, resultando en un piloto herido y varios extras aterrorizados. Los actores improvisaron las secuencias siguientes frente al helicóptero en llamas. Puesto que la nave era rentada, la producción tuvo que pagar cerca de USD$60,000 por él… es decir, dos terceras partes del presupuesto de toda la peli se utilizaron para cubrir el costo del siniestro.

    Una cosa que me llama la atención es cómo mucho del humor de la cinta se basa en chistes políticamente incorrectos que, en nuestra época de censura y libertad de expresión coartada, serían simplemente inadmisibles. ¿O qué les parece el personaje del atolondrado maestro del disfraz que termina caracterizándose como un Adolfo Hitler negro?

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    El guión de la película, cuyas principales fortalezas son precisamente su falta de fuerza y falta de inteligencia que raya en la oligofrenia, sufre de una falta de cohesión que la hace terminar pareciendo más bien una colección de sketches cómicos.

    La dirección es desprolija y las actuaciones prácticamente inexistentes así que, en cierto sentido, la peli logra transmitir la sensación de caos de la invasión de las malvadas frutas… creo. Muchos de los miembros del reparto jamás habían estado en una película y muchos otros nunca volvieron a actuar. El tema musical es gracioso, como también lo es el número musical de los soldados, eso sí.

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    A pesar de todo, esta peli, que pretendía ser una parodia de las películas de culto de animales gigantes, se convirtió en una película de culto por derecho propio y una con una de las bases de fans más leales, me atrevo a decir. Considerada una de las peores películas de la historia, la cinta fue ignorada por el público y vapuleada por gran parte de la crítica al momento de su estreno. Sin embargo, la popularidad de la cinta remontó gracias al mercado del video, que fue en el que realmente se volvió famosa.

    Tanto así que New World Pictures, la compañía del Rey de la Serie B, Roger Corman, adquirió los derechos para la distribución de tres secuelas en la segunda mitad de la década de los 80 e inicios de los 90: El regreso de los tomates asesinos (DeBello, 1988), en la que se presenta al creador de los jitomates mutantes, el Prof. Gangrena (el siempre genial John Astin, quien se ganara nuestros corazones interpretando a Homero en la serie de TV Los locos Addams [1964-1966]), quien esta vez desarrolla un procedimiento para convertir los jitomates en humanos e intentar una segunda invasión; Los tomates asesinos contraatacan (DeBello, 1991), en la que el Dr. Gangrena busca dominar al mundo a través de un lavado de cerebro perpetrado desde los Talk Shows de la TV; y Los tomates asesinos van a Francia (DeBello, 1992), en la que el Dr. Gangrena escapa de la cárcel ayudado por su comando de jitomates e intenta dominar al mundo haciendo que su asistente reclame el trono de Francia haciéndose pasar por Luis XVII.

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    A esto súmesele una serie de dibujos animados de 21 episodios y 2 temporadas de duración (1991-1992) –que, de hecho, a nivel guión es bastante superior a las películas–, y un poco inspirado videojuego para el Nintendo Entertainment System basado en los dibujos animados (THQ, 1992), así como una miniserie en cómic publicada en 2008 como anticipación a un presunto remake cuyo proyecto jamás se concretó. Actualmente, la producción de una nueva secuela de la saga se encuentra en proceso.

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    A fin de cuentas, si uno se siente aburrido de comedias tontas… y está en el humor para una comedia francamente idiota, El ataque de los tomates asesinos podría ser la respuesta.

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    SPOILER Quizá la mayor aportación de El ataque de los tomates asesinos es que se piratearon el final para Marcianos al ataque (1996), de Tim Burton. TERMINA SPOILER

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PARA LA TRIVIA CON SPOILER: La Canción Puberty Love, interpretada en la peli por la parodia de Donny Osmond, Ronny Osmond, fue interpretada por el músico y compositor Matt Cameron, quien creció para convertirse en un bello cisne… ¡No, no es cierto! Creció y se convirtió en el baterista de Soundgarden y, posteriormente, de Pearl Jam.

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MEGALODÓN. ¡Por fin! Después de 20 años.

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MEGALODÓN

The Meg

 

Jon Turteltaub, 2018

En 1997, el autor de Best Sellers de aeropuerto y uno de mis imitadores de Michael Crichton preferidos, Steven Alten, publicó con gran éxito la novela Meg: A Novel of Deep Terror, sobre un grupo de científicos que descubre una pareja de megalodontes, que se creían extintos, en la Fosa de las Marianas. Por supuesto, uno de los megalodontes logra regresar a la superficie y causa estragos en la costa de California. El libro gozó de una amplia popularidad que, eventualmente, generaría cuatro secuelas –en el segundo libro el megalodón se enfrenta a un mosasaurio que resultó tampoco estar extinto, jajaja– y, de hecho, una adaptación cinematográfica se planeó incluso antes de su publicación –la primera edición de la novela incluía en la portada la leyenda “Próximamente una película de gran éxito”–. Dicha adaptación, al igual que el tiburón estelar, se quedó atrapada en una zona abisal… hasta ahora.

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    La película es una adaptación bastante libre que básicamente sólo retoma el título y algunos pasajes de la novela para contar la historia de Jonas Taylor (Jason Statham), un buzo rescatista de la marina de EE.UU. que, cinco años atrás, perdiera a miembros de su tripulación en un incidente con un presunto megalodón. Por supuesto, nadie le cree, hasta que, en la actualidad, el Dr. Zhang (Winston Chao) envía un equipo de investigadores, entre los que se encuentra Lori (Jessica McNamee), la exesposa de Taylor, a la zona abisal del Océano Pacífico y éstos son atacados por un megalodón. Con una renuencia tan creíble como un informe de gobierno, Taylor acepta traer de vuelta a los investigadores, sin contar con que el gigantesco tiburón prehistórico tiene planes de acompañarlos.

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    El peregrinar de esta peli por su proceso de preproducción es una historia larga e  interesante. En 1996, incluso antes de que la novela se publicara –la cual fue, por cierto, la primera novela publicada de Alten–, Disney, a través de su subsidiaria dedicada al cine de acción, Disney Holywood Pictures, adquirió los derechos para llevarla a la pantalla por un millón de dólares en una subasta.

    La Casa del Ratón encargó el guión de la película a Tom Wheeler, pero quedó insatisfecha con el resultado, por lo que llamó entonces a Jeffrey Boam, quien escribiera los guiones de películas como Indiana Jones y la última cruzada (Spielberg, 1989), o Los muchachos perdidos (Schumacher, 1987). Sin embargo, el guión de Boam también fue rechazado por Disney por malo. En este momento, se pensaba en Meg como un vehículo para impulsar la carrera de George Clooney.

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    El tiempo pasó y, en 1999, Warner estrenó Alerta en lo profundo (Harlin), una cinta sobre tiburones modificados genéticamente que dan cuenta de un grupo de científicos a bordo de una estación de investigación oceánica. Disney no quiso competir con Warner, así que pausó el proyecto.

    Desesperado por la falta de progreso de la Casa del Ratón, Alten les retiró los derechos, escribió su propia versión del guión y se la dio al productor Nick Nunziata quien, a su vez, se lo dio a Guillermo del Toro. En 2005, el proyecto fue atraído por New Line Cinema –en aquel entonces ya una subsidiaria de Warner Bros.– y Del Toro pasó a ser productor de la cinta. Poco tiempo después, Guillermo del Toro encargó el proyecto a los productores Lawrence Gordon y Lloyd Levin, quienes antes hubieran sido responsables por la insufrible Tomb Raider y la cuna de la vida (de Bont, 2003). En ese momento, la película sería escrita por John Salermo, quien escribiera los guiones de las deleznables Alien vs Depredador (Anderson, 2004) y Alien vs Depredaor 2 (Hnos. Strause, 2007) y dirigida por Jan de Bont.

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    Finalmente, New Line canceló también el proyecto y éste permaneció en el limbo durante casi una década, cuando Warner Bros. Lo rescató, probablemente en anticipación a los rumores de una nueva película de la saga Tiburón por parte de Universal Pictures, y se lo asignó al director de películas gore Eli Roth, quien escribiría y dirigiría la cinta. Roth abandonó el proyecto argumentando “diferencias creativas”, siendo la principal el hecho de que quería conservar el presupuesto de 150 millones de dólares al mismo tiempo que la clasificación R (para mayores de 17 años) lo cual, desde el punto de vista corporativo, es un suicidio financiero. A esto, súmesele el hecho de que el mismo Roth quería protagonizar la película, a lo que el estudio se negó rotundamente pues pensaron que el director y actor no tenía el atractivo comercial suficiente para un proyecto tan costoso.

    La dirección del proyecto terminó siendo para Jon Turteltaub, director de blocksbusters poco inspirados como Fenómeno (1996), protagonizado por John Travolta, o La leyenda del tesoro perdido (2004) con Nicholas Cage.

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    Ahora, la novela no es ninguna joya, ni siquiera para los estándares de la literatura de aeropuerto; pero, aun así, tiene un par de momentos brillantes y es muy entretenida. Además, de todas las novelas que se anuncian como “una mezcla entre Tiburón y Jurassic Park”, creo que es la única que verdaderamente merece el título. Plagada de clichés, lugares comunes, personajes tipo y situaciones inverosímiles, al menos el planteamiento es más o menos original y se disfruta leer… además, está bien gore.

    Ahora, imaginen que la película es como el resumen escolar de la novela. Y bueno, en mi caso, puedo pasar por alto los clichés y los lugares comunes en el argumento, la verdad es que no creo en la originalidad en ese sentido… pero ¿los clichés a nivel narrativo? Me refiero a que los realizadores de esta cinta se vieron realmente perezosos y simplemente tomaron su recetario de “Formas de filmar una película de acción” y lo siguieron a piesjuntillas. Quiero decir que, ya no digamos las “personalidades” de los personajes o sus diálogos son clichés; sino que ¡incluso las tomas y los emplazamientos de cámara son lugares comunes! ¿El resultado? Una cinta predecible y poco interesante.

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    Se entiende que los productores no quisieron hacer la película tan sangrienta como pudo haber sido para atraer más público; se entiende que, puesto que Hollywood actualmente vive del mercado chino más que del doméstico, cambiaran a los personajes japoneses del libro por chinos –en la novela, el Dr. Zhang es el Dr. Masao Tanaka y su hija Suyin, Terry Tanaka–, pero hay otra serie de diferencias que valdría la pena mencionar. Por ejemplo, el hecho de que en la novela Jonas Taylor es un paleontólogo y biólogo marino, y no un buzo rescatista; que la acción se desarrolla en la costa de California, con una escena cumbre teniendo lugar en San Diego; que la hembra de Megalodón está preñada; o el hecho de que la exesposa de Taylor no sea submarinista, sino una odiosa y ambiciosa reportera venida a menos de nombre Maggie.

    Pero, por supuesto, los cambios más notorios fueron los del escualo protagonista. Lo primero que noté –y me decepcionó– desde que vi el tráiler fue el color del Megalodón. En la novela, los megalodontes son de un blanco prístino –obvio guiño a Moby Dick–, casi luminiscente, ocasionado por la pérdida de pigmentación en su piel debido a vivir millones de años en la zona abisal. Sin embargo, los artistas de efectos especiales de Megalodón encontraron demasiado difícil colorear a su tiburón de blanco y que el CGI se viera bien, por lo que le dejaron la coloración grisácea de cualquier tiburón genérico. También en la novela el Megalodón sólo ataca de noche, pues sus ojos son hipersensibles a la luz –al menos hasta la parte en la que lo dejan ciego–; pero en la película lo vemos atacando a plena luz del día sin empacho alguno.

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    Las actuaciones de todos son bastante malas… lo que es una lástima porque Statham es muy buen actor, sólo que, como ya lo encasillaron en el papel de héroe de acción, a nadie le importa; además de que personalmente nunca lo habría elegido para el papel de Taylor basándome en la novela. El resto de los actores difícilmente logra salir avante con una dirección poco interesada y un guión acartonado y desabrido.

    Hablando del guión… ¿qué onda con eso? No sólo es predecible, clichesoso, inverosímil y ridículo en más de un momento; sino que hay unos diálogos tan melodramáticos que parecen sacados de una película de Roger Corman –no pude evitar soltar una sonora carcajada con el “I´m gonna kill it with evolution”. Y la relación disfuncional completamente injustificada entre Zhang y Suyin es de antología.

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    Hay también un par de escenas que no sé si quisieron hacer ridículas a propósito, pero que me dieron mucha risa. Digo, perdón, señores realizadores, pero un hombre nadando a toda velocidad para escapar por poco de un tiburón de 25 metros de largo no es aterrador o emocionante, es hilarante y me recuerda algunos de los mejores momentos de los Looney Tunes.

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    A final de cuentas, creo que Megalodón es un blockbuster veraniego completamente anodino que, al no saber definir ni su tono ni su público, se queda como un intento tibio a medio camino entre Tiburón (Spielberg, 1975) y Sharknado (Ferrante, 2013). Sí, tiene varios momentos de risas locas; pero creo que para la mayor parte del público éstos no compensarían las casi dos horas de película genérica de tiburones que se tienen que soplar.

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    Y… ¿los mataría poner un poco de sangre en las películas?

PARA LA TRIVIA: Jason Statham es un nadador de alto rendimiento que, de hecho, representó a Inglaterra en los Commonwealth Games de 1990, así que en esta cinta realizó casi todos sus stunts en el agua él mismo.

PARA LA TRIVIA GEEK: Actualmente aún existe controversia entre los taxónomos sobre si el Megalodón (Carcharocles megalodon), extinto hace apenas 2 millones de años, es un antepasado del tiburón blanco actual (Carcharodon carcharias) o si, de hecho, es una especie hermana del mismo genus (denominado en tal caso, Carcharodon megalodon).

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EL EJÉRCITO DE FRANKENSTEIN. ¡Los nazis continuaron con los experimentos del Dr. Frankenstein!

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EL EJÉRCITO DE FRANKENSTEIN

Frankenstein’s Army

 

Richard Raaphorst, 2013

Me enteré de la existencia de esta película hace años –cuando salió, vaya- gracias a la revista Fangoria. Cuando leí el breve artículo que sobre ella presentaban, la idea me pareció genial. Luego, con el tiempo, la idea se empezó a fermentar en mi cabeza. Cada vez que compraba películas en línea me paseaba un par de veces por este Blu-Ray sin decidirme completamente a adquirirlo… digo, finalmente la objetividad de Fangoria ha quedado en entredicho en sendas ocasiones. Después de mucha desidia, me animé a comprar la película y la vi hace un par de días, y aquí les cuento cómo me fue.

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    Grabada en el estilo de Found Footage que sobresaturó el cine de terror hace algunos años –francamente, si hubiera sabido/recordado que la película estaba en dicho formato, no la habría comprado–, la película cuenta la historia de un comando soviético durante el final de la Segunda Guerra Mundial, mismo que decide hacer una incursión tras las líneas enemigas en la Alemania Nazi para rescatar a otro comando perdido. Al llegar a la aldea en la que supuestamente se encuentra el comando perdido, los soldados se encuentran con que ésta ha sido convertida en un campo de pruebas por científicos que, tras descubrir el diario de Victor Frankenstein, han construido un ejército de cyborgs asesinos creados a partir de cadáveres reanimados.

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    Creo que uno de los grandes problemas de las películas Found Footage es que todas siguen básicamente la misma secuencia. Si ustedes vieron Pesadilla jurásica (Bennett, 2012) o si llegaron hasta el final de la infumable Terror en Chernobyl (Parker, 2012)… pues para empezar se los aplaudo; pero más allá de eso, déjenme decirles que entonces ya vieron El ejército de Frankenstein.

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    La película comenzó su preproducción a principios de la década pasada y su título era Worst Case Scenario (El peor de los escenarios o El peor de los casos). Se trató de uno de los primeros proyectos de crowd funding en las redes sociales, que ofrecía a sus patrocinadores la oportunidad de aparecer como extras en la película a cambio de sus generosos donativos.

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    El proyecto, originalmente apadrinado por el legendario productor de Re-Animator (Gordon, 1985), Brian Yuzna, sería una comedia splatterstick y trataría sobre un escuadrón de soldados nazis modificados con partes biónicas que, luego de que su barco fuera hundido en la SGM, resucitarían en la actualidad sembrando el terror entre un grupo de turistas en una playa holandesa. La producción comenzó en 2004; pero debido a la falta de presupuesto y a los problemas al interior de la misma, el proyecto se vino abajo, hasta que fue abandonado definitivamente en 2009.

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    En 2012, con una co-producción Holandesa-estadounidense-checa y un guión reescrito, el director Richard Raaphorst comenzó la filmación de El ejército de Frankenstein en locaciones en la República Checa, sintiéndose bastante inseguro sobre si el cambio de título era benéfico para el proyecto o si el numerito en general iba a funcionar.

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    Pues bien, la película en sí misma es una especie de monstruo de Frankenstein, ensamblada con pedazos de otro proyecto –incluso algunos monstruos que fueron confeccionados para Worst Case Scenario fueron reciclados para esta cinta–… y sí funciona. No es una buena película ni mucho menos; pero es entretenida y creo que sí tiene un par de aspectos bastante rescatables.

    Por principio de cuentas, están los stunts. Aunque el CGI sí es utilizado para crear algunos efectos, la mayoría de las tomas se lograron a través de efectos prácticos que lucen bastante bien en pantalla. Casi todas las criaturas son creadas por actores disfrazados y, si bien la realización resulta deficiente en algunos de los casos, el resultado final es bastante eficiente. Hay algunas tomas en las que a los monstruos se les ven los cables y nunca entendí el concepto del niño-caldera –a veces siento que esta peli se toma a sí misma más en serio de lo que debería–; pero, en general, las criaturas son imaginativas.

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    Otro elemento que me agradó fue la fotografía. Aunque en las películas found footage es difícil hacer una fotografía sobresaliente –incluso en algunas pelis, como ésta, estorba más de lo que apoya a la narrativa–, la propuesta de El ejército de Frankenstein funciona bien. Toda la cinta está tratada con un filtro digital que la hace parecer filmada en ese tecnicolor rudimentario de tres cintas. Para quienes no conozcan la técnica, lo explico brevemente: En la década de 1930 se desarrolló una técnica que permitía producir películas a color. Ésta consistía en filmar simultáneamente en tres cintas diferentes: una verde, una magenta y una en blanco y negro. Cuando las cintas se procesaban en el laboratorio, y tras unos ajustes de saturación, podía obtenerse una gama bastante decente de colores al superponer las imágenes de las tres cintas. Películas como El museo de cera (Curtiz, 1933) fueron filmadas con esta técnica. Sin embargo, es inverosímil que la misma se utilizara para la fotografía de campos de guerra, pues era increíblemente costosa.

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    Fuera de lo anterior, la película es una acumulación de clichés y lugares comunes sin salvación. El guión y sus “personajes” no tienen el más mínimo atisbo de profundidad y, en general, son poco interesantes. Del mismo modo, la anécdota y el interés que suscita en el público se van diluyendo poco a poco desde la primera aparición de las criaturas.

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    Así pues, al final El ejército de Frankenstein termina funcionando mejor como videojuego que como película. Muchas secuencias parecen sacadas directamente de algún videojuego de la saga Wolfenstein, de la cual la película parece recibir su mayor influencia –bueno, también hay un par de monstruos que parecen sacados de BioShock (2K Games, 2017)–… De hecho, ahora que lo pienso, es bastante curioso. El videojuego Wolfenstein: The New Order (Bethesda, 2014), que sirvió como reboot de la serie, apareció para consolas de Séptima Generación algo así como seis meses después del estreno de El ejército de Frankenstein. Ya sé que sólo es una coincidencia, pero igual es curioso.

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    El ejército de Frankenstein está muy lejos de ser una buena película. Ni siquiera creo que sea de las mejores de Found Footage; pero es entretenida y, a pesar de lo predecible, logra mantener el interés durante sus alrededor de 80 minutos de duración. Hay algunos chistes de sátira política que funcionan bien y, sobre todo, es una muestra de cómo una película puede levantarse con empeño y amor a pesar de no tener un centavo para hacerla. A final de cuentas, empero, se siente como una buena idea desperdiciada en una película mediocre.

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PARA LA TRIVIA: El director Richard Raaphorst, se mostró muy reacio a cambiar el título de Worst Case Scenario debido a que el nombre ya se había popularizado en Internet y temía que el cambio creara confusión entre los fans.

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MAC: MI AMIGO DE LAS ESTRELLAS. La película que me daba pesadillas de niño me sigue dando pesadillas 30 años después.

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MAC: MI AMIGO DE LAS ESTRELLAS

Mac & Me

 

Stewart Raffill, 1988

 

La utilización de películas para colocar productos en un sector específico del mercado no es, en absoluto, una estrategia nueva. El mismísimo Harland David Sanders –mejor conocido como Coronel Sanders– era bastante espléndido para producir películas de baja calidad en las que pudiera hacer cameos promocionando su pollo estilo Kentucky en la década de los 60. En los 80, cuando se vino toda la ola de series de dibujos animados que eran en realidad comerciales largos de juguetes, también hubo un montón de películas que trataban de venderle cosas a los niños.

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    Así pues, Mac, mi amigo de las estrellas es un lastimoso intento de bajo presupuesto por parte de la dupla McDonald’s/ Coca-Cola para promocionar sus productos. Y no sólo es terrible, sino escalofriante.

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    En la peli, una expedición no tripulada de la NASA a un planeta distante captura y envía accidentalmente a una familia de extraterrestres a la Tierra. La familia se separa y el más pequeño de ellos llega a un vecindario suburbano al que Janet Cruise (Christine Ebersole), madre divorciada, y Eric (Jade Calegory) y Michael (Jonathan Ward), sus dos hijos, acaban de mudarse. Los niños, en medio de muchas peripecias y violencia sin sentido, ayudarán a Mac, el pequeño extraterrestre, a reunirse con su familia.

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    ¡Oh, por Cthulhu! ¿Pero qué rayos es esta madre? Digo, una cosa es querer piratearse E.T. el extraterrestre (Spielberg, 1982); otra distinta es querer posicionar productos en el mercado infantil… ¡Y otra totalmente diferente es querer traumatizar niños!

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    Recuerdo que vi esta película alguna vez en el cable cuando estaba en segundo de primaria, creo, y me moría de miedo. De por sí el diseño de E.T. es difícil de soportar para algunas personas; pero el aspecto de los alienígenas en Mac… es aterrador. No sé si sea el hecho de que el bajo presupuesto de la película los hace verse algo tétricos, no sé si sea el tono en el que fueron filmadas sus escenas o no sé si sea el hecho de que, por alguna extraña razón, decidieron que sería buena idea que estas criaturas lucieran sospechosamente parecidas a las víctimas de la radiación de Hiroshima.

    Recuerdo también que, en ese entonces, esta película me dio pesadillas. A la fecha, esa escena de los alienígenas chiflándole al sol me sigue poniendo los pelos de punta… ¿Y por qué se comunican chiflándose entre ellos? ¿Son de Tepito? Tal vez sólo fui un niño muy sensible. Si no fuera suficiente con el aspecto perturbador de los alienígenas para traumatizarme, las escenas de ese niño en silla de ruedas cayendo por una colina –Jajaja, los memes de Heidi y Clarita– o la de un niño muriendo en la explosión de un supermercado deberían bastar.

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    Y ahora que lo pienso, también hay un montón de violencia en contra del pobre Mac. Supongo que pretendían que fuera divertida, una especie de comedia de Slapstick como en Tom y Jerry; pero en vez de eso, termina siendo un conjunto de escenas truculentas sin justificación alguna contra un ser deforme que ni siquiera intenta defenderse, más en el tono de Nuestra Señora de París.

    Bueno; pero no todo en esta película es aterrador… muchas partes simplemente son inmundas. Como esa escena de la fiesta de cumpleaños en un McDonald’s en la que todos cantan y bailan improvisadamente y sin razón, pero con una coreografía perfecta… con Mac disfrazado de osito de peluche… está bien, esperen, eso también se ve tétrico. Por cierto, que la escena fue filmada en un McDonald’s en City of Industry, California, que fue construido específicamente para la grabación de comerciales y la capacitación de personal. Aunque se trataba de un restaurante completamente funcional, nunca estuvo abierto al público –por si se preguntaban por qué en los comerciales de McDonald’s todos los restaurantes se veían iguales–.

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    También hay sendos momentos ridículos, como en esa misma escena del McDonald’s en la que alguien tira un vaso de refresco –­vacío, por cierto­– y todos los actores en la escena deciden ignorarlo. Por no mencionar el hecho de que en varias escenas a los papás de Mac se les ven roturas en las botargas o al mismo Mac, las rebabas y los cables con los que lo movían.

    Las “actuaciones” también son de pena ajena y hay escenas en las que parece que los actores están compitiendo para ver quién lo hace peor. Aunque, eso sí, hay que reconocer que esta película significó el debut en la pantalla grande de varios actores hoy famosos, como Jennifer Aniston –su debut con un personaje con parlamentos de verdad sería en Leprechaun, el duende maldito (Jones, 1993); pero la primera vez que la vemos en una película es aquí–, y la actriz y comediante Nikki Cox, quienes son bailarinas en el infame numerito musical de McDonald’s; o el actor Paul Rudd –a quien seguro recuerdan por su papel de Ant-Man en Ant-Man: el hombre hormiga (Reed, 2015), quien fue el doble de Calegory para la infame escena en la que lo tiran por un barranco en una silla de ruedas.

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    En general, la cohesión del guión es prácticamente nula y es difícil encontrar la relación que guarda cada escena con la siguiente. A media película, uno comienza a preguntarse si todo eso que pasa en pantalla en realidad está llevando a algo.

    Debo reconocer que hay un aspecto, y sólo uno, rescatable en esta porquería: la música. El gran compositor Alan Silvestri, quien nos deleitara con soundtracks maravillosos como los de la Trilogía de Volver al futuro (Zemeckis, 1985-1990), las primeras dos cintas de Depredador o Beowulf (Zemeckis, 2007), compone la música original para Mac: mi amigo de las estrellas. Y la verdad es que le queda muy grande a la peli. Aunque no me atrevería a contar este soundtrack entre los mejores trabajos de Silvestri, sí es bastante decente. Sin embargo, durante toda la cinta da la impresión de que pertenece a otra película. Si uno se imaginara la peli a partir de escuchar el soundtrack, creería que se trata de una aventura emocionante y trepidante llena de acción… cosa que obviamente no es.

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    SPOILER Y ya, lo tenía que soltar. Al final, Mac y su familia son premiados con la ciudadanía estadounidense. Así es, no con volver a su planeta; sino con ser obligados a integrarse a la sociedad gringa, vivir en los suburbios, buscar empleos, comprar un auto y pagar impuestos… Cosa que nunca nos dijeron que querían. TERMINA SPOILER

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    Al final de la peli, Mac y su familia amenazan con volver. Una secuela estaba planeada para esta cinta; pero tras su estrepitoso fracaso en la taquilla fue cancelada. La película costó cerca de 13 millones de dólares –sí, aunque no se le vean por ningún lado– y recaudó apenas la módica cantidad de seis millones, impidiendo así cualquier intento de continuar la franquicia… ¡Alabado sea Cthulhu!

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PARA LA TRIVIA: Tanto a Anjelica Huston como a Kim Basinger les fue ofrecido el papel de Janet Cruise, la madre de Eric y Michael. Ambas lo rechazaron.

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VIERNES 13 PARTE III. ¿Cómo no amar ese tema musical?

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VIERNES 13 PARTE III

Friday the 13th Part III

 

Steve Miner, 1982

 

Existen múltiples versiones de esta película: La versión original sin censura que se estrenó en cines, misma que se ofreció en formatos 2D y 3D –en un número limitado de salas debido a la escasez de proyectores 3D en la época– y la versión para formatos caseros que también se ha comercializado en 2D y 3D, tanto en VHS como en DVD y Blu-Ray. La diferencia entre ambos cortes son las escenas de asesinatos, que son mucho más explícitas en la versión original, así como un par de escenas topless. Según sé, la única vez que se comercializó la versión sin censura en formato casero fue en la edición holandesa para VHS.

    

No puedo negarlo: Me encantan las películas de Viernes 13. Y tampoco puedo negarlo: son malísimas. Siendo objetivo, creo que la única película de la franquicia que más o menos vale la pena es la primera. Muchos fans y críticos consideran que la segunda es mejor, pero la cuestión de que el planteamiento de la segunda película básicamente niega a la primera como que nunca me convenció. Sea como fuere, Viernes 13 fue una de las franquicias más longevas y populares del cine de horror; pero, sobre todo, una de las más redituables; por eso las hacían cada año. Eran cintas que costaban poco y ganaban mucho –Viernes 13 parte III costó poco más de 2 millones de dólares y recaudó casi 37­–.

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    Esta tercera entrada de la saga fue, además, una de las pioneras en la moda ochentera del cine en 3D. Siempre que la afluencia a las salas de cine disminuye, los productores echan mano del cine en 3D para hacerlo parecer novedoso. Lo hicieron en los 50, cuando la gente dejó de ir a los cines por preferir quedarse en casa viendo televisión; lo hicieron en los 80, cuando el público dejó de ir al cine porque podía rentar películas en video y verlas en la comodidad de sus hogares sin censura y sin comerciales; y lo están haciendo ahora –aunque ya está bajando un poco la tendencia, en realidad–, cuando la gente dejó de ir al cine porque podía ver las películas en Alta Definición en sus casas gracias a las plataformas digitales.

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    Viernes 13 parte III comienza justo donde se quedó la anterior –de hecho, como en la cinta anterior, el prólogo de la peli es metraje reciclado de Viernes 13 parte 2 (Miner, 1981) que ni siquiera se tomaron la molestia de transferir a formato 3D–, cuando Jason (el trapecista británico Richard Brooker) sobrevive milagrosa e inexplicablemente al ataque de Ginny. El asesino deforme se retira a su cabaña en el Lago Cristal para reponerse y justo a tiempo para recibir a un grupo de estudiantes universitarios que piensan pasar un fin de semana de reventón en una casa aledaña al lago. Hay también por ahí una banda de motociclistas que poco viene al caso y que también serán víctimas del niño Voorhees.

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    Y como la peli inicia al final de la cinta anterior, en realidad sucede en sábado 14 y domingo 15… curioso, ¿no?

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    Originalmente, Ginny (Amy Steel), de la película anterior, regresaría en esta cinta. El  personaje estaría traumatizado por los eventos de la peli anterior y Jason la rastrearía hasta el hospital psiquiátrico en el que se encontraría recluida, dando cuenta del staff y de otros pacientes… vamos, básicamente se iban a piratear el argumento de Halloween II (Rosenthal, 1981). Pero cuando Steel rechazó repetir el papel para dedicarse a otros proyectos, la idea se desechó.

    Quizá el elemento más importante de esta película es que en ella termina de definirse al personaje de Jason Voorhees –al menos hasta que lo replantean en Viernes 13 parte VI: Jason vive (McLoughlin, 1986)–. En esta cinta la vemos por primera vez con su careta de hockey, misma que no sólo se volvería un icono de la franquicia, sino del subgénero slasher mismo. El director no quería volver a usar el costal con el que Jason se cubría el rostro en la cinta anterior porque sentía que se parecía demasiado a El hombre elefante (Lynch, 1981), estrenada el año anterior. Así pues, la idea de la careta de hockey fue de Martin Jay Sadoff, supervisor de efectos 3D de la película, quien era un asiduo fan del deporte.

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    También es curioso que sea la primera –y quizá la única, no lo recuerdo bien– película de la saga en la que no aparece una chica rubia.

    La película es, curiosamente, una de las menos sangrientas de la saga. Según se sabe, espectaculares escenas de asesinatos fueron filmadas para la cinta; pero tuvieron que ser retiradas del corte estrenado en cines para evitar la temida clasificación X (para mayores de 21 años). Algunas eran demasiado sangrientas, otras demasiado reales y otras simplemente grotescas. Todavía después de que se retiraran dichas secuencias, las escenas de asesinatos fueron aún más recortadas, junto con las escenas de reacción de las víctimas, mayormente debido a la presión que varias asociaciones de padres de familia ejercieron sobre la película, cuya franquicia ya tenía muy mala fama para entonces.

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    El resto de la cinta es, objetivamente hablando, bastante olvidable. La narrativa es floja y por momentos hasta aburrida. Es decir, tratan de meterle suspenso al asunto; pero la verdad es que el suspenso sólo funciona si lo que se está contando es interesante. Y como a las escenas de muertes les bajaron mucho el tono, los momentos de horror en los que debería culminar el suspenso simplemente no se dan.

    Tampoco hay desnudos como en las pelis anteriores… ¡Vaya desperdicio del 3D!

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    ¿Y qué creen que tampoco hay? ¡Personajes! Muchos de los personajes que aparecen en pantalla son demasiado simples o son clichés… o son personajes simples que la franquicia volvería clichés en las siguientes entradas, como los pachecos o el chistocito que sólo trata de encajar en el grupo. Incluso Chris (Dana Kimmell), nuestra Final Girl para esta entrega, es poco interesante y cuesta trabajo conectar con ella; además de que es curioso que se trate de una chica traumatizada por un encuentro anterior con Jason.

    Si a los personajes pobremente escritos se le añaden actores poco competentes, entonces no hay mucho qué esperar. Es muy chistoso cómo uno puede ver escenas pasar y pasar sin que ninguno de los actores actúe. Empero, no es completamente su culpa. Según testimonios, el director estaba mucho más preocupado por pedirles a los actores que improvisaran acciones absurdas tratando de descubrir qué se vería bien en 3D que en realmente dirigirlos.

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    La falta de una idea sólida que sostuviera la película se nota en el montón de homenajes y referencias que esta tercera parte le hace a la primera. Además de que agrega elementos de comedia y, si no veo mal, también hace varias referencias –o de plano se fusila olímpicamente– a varias secuencias de La masacre de Texas (Hooper, 1974).

    Sin embargo, creo que lo que más me gusta de esta película es el tema musical. No sé por qué a Harry Manfredini se le ocurrió que sería buena idea hacer una versión disco del tema que compusiera para la primera película, pero gracias a los dioses que lo hizo… No importando que la música disco estuviera muerta y enterrada en Estados Unidos para el momento. El resultado es tan kitsch que creo que vale la pena ver la peli nada más por escuchar esa versión del tema de Viernes 13.

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    Viernes 13 parte III fue una de las primeras cintas en rodarse con nueva tecnología 3D en los 80. Fue también la primera película en 3D de Paramount Pictures desde 1954, cuando estrenaran Ulises (Camerini) con Kirk Douglas y Silvana Mangano. Por esto mismo, quizá el 3D no termina de funcionar tan bien –hablo de la versión casera, no tengo idea de cómo se haya visto en el cine–. Además de que algunas tomas se notan inseguras y la película se la pasa recordándonos que está en 3D al lanzar cosas completamente random hacia la cámara (palos, arpones, trinches, un ratón, una serpiente, etc.). Por si fuera poco, se sabe que, aunque la película fue barata de producir, Paramount gastó alrededor de 10 millones de dólares más en acondicionar las salas de cine para proyectarla en su formato de 3D.

    Creo que esta película me despierta sentimientos encontrados. Como fan de la saga puedo decir que es de mis favoritas porque en ella Jason obtiene su máscara y es en la que se definen la dinámica de la serie, así como los tipos de personajes, por no mencionar el soundtrack. Como crítico puedo decir que es una de las entradas más débiles en una franquicia que ya de por sí es débil. Creo que, a final de cuentas, uno debe ver esta cinta con el pleno afán de divertirse y sin esperar demasiado de ella o tomársela muy en serio. Tengan a la mano pizza y cervezas.

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    Por cierto, la peli está filmada mayormente en colores pardos para evitar que los vestuarios o los decorados interfirieran con el efecto 3D.

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PARA LA TRIVIA: Para evitar que se filtrara información sobre la película –y, según dicen las malas lenguas, por conflictos con sindicatos–, el proyecto se manejó con el nombre clave de Crystal Japan durante la producción, retomando el título de una canción de David Bowie. Esto inauguró una tradición/chiste local en el que cada película de la franquicia recibía por nombre clave el título de una canción de Bowie.

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Viernes 13

Viernes 13 parte 2

 

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ANT-MAN Y WASP. La película número 20 en el Universo Cinematográfico Marvel.

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ANT-MAN Y WASP

Ant-Man and The Wasp

 

Peyton Reed, 2018

Me gustó mucho la primera película de Ant-Man (Reed, 2015). Recuerdo que no tenía mucha intención de ir a verla, pues comenzaba a saciarme de películas de superhéroes; pero que luego escuché varios comentarios muy positivos sobre ella y decidí darle una oportunidad. Y no me decepcionó. A pesar de que básicamente es la misma película de Iron Man (Favreau, 2008), la dinámica entre los personajes y el tono relajado y campechano de la cinta funcionaban muy bien. De la segunda película no sabía muy bien qué esperar, Marvel suele ser pobre a la hora de entregar secuelas interesantes… y creo que éste es el caso.

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    La historia sucede 3 después de los hechos ocurridos en la primera peli y, según me parece, simultáneamente con los hechos vistos en Avengers: Infinity War (Hnos. Russo, 2018). Scott Lang (regresa Paul Rudd), exconvicto portador del traje de Ant-Man está por terminar de cumplir su arresto domiciliario. Mientras tanto, Hank Pym (regresa Michael Douglas), el inventor del traje, y su hija, Hope Van Dyne (¿Qué creen? ¡También Evangeline Lilly regresa!), descubren que la madre de ésta, quien se perdiera más de 30 años atrás en el reino cuántico al reducirse a un tamaño subatómico, podría estar viva. Pym y Hope, con la renuente ayuda de Lang, tratarán de rescatarla, al mismo tiempo que eluden a mafiosos que buscan apoderase del traje, agentes federales que cuidarán celosamente que Lang purgue su condena y un misterioso enemigo conocido como Ghost (Hannah John-Kamen), quien puede atravesar objetos sólidos –y sí, sí hay una escena sospechosamente parecida a la persecución con esos gemelos albinos en Matrix: Recargado (Hnos. Wachowski, 2003)– y busca una cura para su mal… en la que podría estar involucrada la madre de Hope.

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     Al final del día, creo que Ant-Man y Wasp es, más que otra cosa, una oportunidad desperdiciada. Aunque el tono relajado de la peli se mantiene, ya no se siente tan fresco como en la primera parte; del mismo modo que el humor, a pesar de ser bueno, ya no funciona tan bien y no le llega al de su predecesora. Lo que sí sigue funcionando muy bien es la química entre los personajes que, francamente, me parece que es lo único que salva a esta cinta de ser completamente olvidable.

    Creo que lo que más resentí en la película de Ant-Man y Wasp fue la ausencia… ¡de Ant-Man y Wasp! Las escenas de acción de este dúo de superhéroes son más bien escasas a lo largo de la peli, cuya narrativa se va entre persecuciones y corretizas. Me hubiera gustado que le pusieran más atención al personaje de The Wasp –no a Hope, ése tiene suficiente–; sino a ella en su papel de superheroína, pues al final del día habrá apenas un par de secuencias en las que la vemos volar.

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    Siempre he dicho que un elemento fundamental para que una peli de superhéroes funcione son sus villanos. Particularmente en una secuela. Quiero decir, al héroe ya lo conocemos, toda esa información se nos dio en la primera parte, por lo que una dirección conveniente a tomar para la continuación es el desarrollo del villano. Si el villano no funciona, la idea de que es un peligro terrible del cual el héroe nos debe salvar se desvanece y, por lo tanto, el héroe se vuelve innecesario. Ejemplos de secuelas de películas de superhéroes que funcionan bien gracias a sus villanos los encontramos en Batman: el Caballero de la Noche (Nolan, 2008), Spider-Man 2 (Raimi, 2004) o X-Men 2 (Singer, 2003).

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    Sin embargo, en Ant-Man y Wasp hay cuatro antagonistas, dos de ellos son villanos per se, otro es un agente de la ley atolondrado y el otro simplemente se ve arrastrado por sus circunstancias… ¡Y ninguno de ellos funciona! Tanto Ghost como Sonny Burch (Walton Goggins… anécdota curiosa, John-Kamen y Goggins ya habían trabajado juntos en el anodino reboot Tomb Raider: las aventuras de Lara Croft [Uthaug, 2018]) son básicamente clichés de vilanos que ya se han visto ad nauseam y, particularmente en el caso de Ghost, que debería resultar trágico y patético se vuelve increíblemente aburrido.

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    Las actuaciones están bastante decentes, eso que ni qué. Todos los actores están bien en sus personajes. Me parece que Rudd y Lawrence Fishburne sobresalen con interpretaciones que sobrepasan la media… aunque tampoco por mucho. El resultado final es un conjunto de actores que funcionan bien, se siente la química entre ellos y, lo más importante, se siente cohesión en el elenco y las relaciones entre los personajes funcionan, a pesar de que no hay una interpretación que me haya asombrado en modo alguno.

    Hay otra cosa que no me gustó para nada de esta película: el diseño de los personajes. Sin embargo, esto no es un mal específico de esta cinta, sino una tendencia que Marvel ya viene arrastrando desde varios años atrás. ¿Por qué todos los trajes de sus superhéroes se ven iguales? ¿Por qué, salvo raras excepciones, todos sus personajes parece que están a punto de participar en una competencia de motocross? ¡Caray! Pudieron haber hecho cosas bellísimas con los trajes de Wasp y Ghost; pero, en vez de ello, decidieron diseñarlos bajo el mismo troquel de todos los demás. Digo, creo que todos estaremos de acuerdo con que el spandex de colores brillantes no funciona en la pantalla grande… pero piénsenle un poquito, señores diseñadores.

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    Y ése es el punto con Ant-Man y Wasp. No es una mala película, para nada. Es una divertida cinta de acción con elementos de ciencia ficción de Marvel… pero todo lo que sucede en pantalla lo hemos visto ya. Al final del día se vuelve redundante y repetitiva, y se ve muy inferior a otras películas del Universo Cinematográfico Marvel estrenadas recientemente. Creo que el término que podría utilizar para referirme a ella es “poco inspirada”.

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    Ant-Man y wasp es entretenida, tiene algunos chistes buenos y, en su mayor parte, se deja ver; pero la verdad es que uno puede saltársela sin culpa alguna… por supuesto, el Universo Cinematográfico Marvel está construido de tal forma que uno no pueda hacerlo. Creo que sólo es indispensable si uno es completista, Para el resto, será mejor no tener muy altas expectativas antes de verla y no esperar ser sorprendido… quizá, si acaso, por los encantadores trucos de magia con cartas de Lang.

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PARA LA TRIVIA:  Anécdota curiosa: en los cómics, Ghost es hombre y nunca ha peleado contra Ant-Man; originalmente se trataba de un enemigo de Iron Man.

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