SPAWN: LA SERIE ANIMADA. Segunda parte del artículo especial por el 20 aniversario de Spawn en México.

En esta segunda parte de mi artículo conmemorativo por el 20 aniversario de Spawn en México, hablaré sobre la serie de dibujos animados basada en el cómic creado por el canadiense Todd McFarlane.

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SPAWN: LA SERIE ANIMADA

Todd McFarlane’s Spawn

 

Si bien es cierto que la película de Live-Action de Spawn dejó mucho qué desear, todo lo que nos quedó a deber la serie de dibujos animados lo compensó con creces. Los primeros intentos por llevar el cómic de Spawn a la pantalla chica fueron infructuosos, pues los productores que se acercaban a McFarlane querían convertir el programa en un show dirigido al público infantil para ser transmitido los sábados por la mañana. El autor nunca comulgó con esta idea, por lo que, al alimón con la cadena premium de televisión por cable HBO, desarrolló una adaptación de Spawn en seis episodios de veinticinco minutos cada uno. Y quizá el mayor acierto de los realizadores fue de entrada dirigir el programa al público adulto.

    Los dibujos animados para adultos han existido desde siempre, y Fritz the Cat (Bakshi, 1972) y Heavy Metal (Potterton et al, 1981) me dan la razón; pero la serie de Spawn, dividida en tres temporadas que se transmitieron en un horario de viernes a las 11:00pm entre 1997 y 1999, se convirtió en un hito de la historia televisiva.

TEMPORADA 1 (1997)

La primera temporada de Spawn tomó la pantalla chica por sorpresa y, en cuanto a argumento, es la más cercana a lo planteado al comic. El Tte. Cnel. Al Simmons (voz de Keith David, a quien quizá recuerden por su papel de Childs en La cosa de otro mundo [Carpenter, 1982] o por haber sido la voz en inglés de Goliath en Gárgolas [1994-1996]) vuelve a la Tierra como el nuevo Spawn luego de ser traicionado por su jefe, el director de la NSA, Jason Wynn (voz de John Rafter Lee, quien hiciera la voz de Trevor Goodchild en la legendaria serie de MTV, Æon Flux [1991-1995]), y asesinado por su compañero, Chapel (voz de Ruben Santiago-Hudson). Mientras Spawn es atormentado por los fragmentados recuerdos de su pasado y se aferra desesperadamente a la humanidad que le queda, es aconsejado por un misterioso vagabundo de nombre Cogliostro (voz del genial Richard Dysart, el Dr. Copper en La cosa de otro mundo) y provocado por el demonio Violator (Voz de Jamie Hanes) en su grotesca forma humanoide, Payaso (Voz de Michael Nicolosi).

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    El hilo conductor de la primera temporada es el caso del asesino serial de niños Billy Kincaid, quien en la serie es hijo ilegítimo del corrupto senador McMillan (voz del genial Rony Cox, a quien seguro recuerdan como el malvado Dick Jones en RoboCop, el defensor del futuro [Verhoeven, 1987]), y la investigación de los detectives Sam Burke (Voz de James Keane) y Twitch Williams (Voz de Michael McShane) sobre el caso. A su vez, McMillan está siendo manipulado por Jason Wynn para contender por la presidencia de EE.UU. La viuda de Al Simmons, la abogada Wanda Blake (Voz de Dominique Jennings), descubre evidencias que revelan la relación entre Kincaid y McMillan, por lo que su vida, la de su esposo, Terry Fitzgerald (Voz de Michael Beach), y su hija, Cyan (Voz de Kate McFarlane, hija de Todd), correrán peligro.

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    La primera temporada de la serie animada de Spawn es simplemente genial. Se trata de un thriller político complejo en el que Spawn funge como protector de la familia Fitzgerald, tratando de llevar un poco de orden al mundo exterior un tanto como compensación por el caos que reina en su interior. Finalmente, Spawn tendrá que aceptar, aunque de manera renuente, que no puede recuperar su humanidad así como así y que sus acciones tienen consecuencias severas en el mundo de los humanos.

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    Aunque la trama principal es la de Billy Kincaid, otros personajes clásicos de los cómics hacen su aparición conforme la serie se va desarrollando. El líder mafioso Tony Twist, quien también está involucrado en el complot de Jason Wynn; el sicario cyborg, Overtkill (Voz de Jamie Hanes), quien luce un look un tanto más realista en la pantalla chica que en los comics; el demonio con complejo de hermano mayor, Violator, cuya aparición es breve pero memorable y me dejó con ganas de más; Angela (Denise Poirier, quien prestara su inconfundible voz a Æon Flux), el ángel cazador de Hellspawns, quien llega a Manhattan para dar cuenta de Al Simmons y su antipática jefa Gabrielle, la embajadora del Cielo en la Tierra; todos tienen participaciones en la historia.

    La animación es más o menos buena, y con su estilo oscuro saturado de sombras y colores vibrantes recuerda a otras series animadas de la época, como X-Men (1992-1997) o WildC.A.T.S (1994-1995). Eso sí, echa mano de algunos recursos como las imágenes estáticas o el reciclaje de secuencias. Lo que sí queda un poco a deber es el diseño de los personajes, que es francamente inconsistente y el coloreado de los mismos, al cual no puedo describir de otro modo más que francamente feo.

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    También creo que la primera temporada es en la que hay más desnudos y más escenas sangrientas… bastante alejado de los dibujos animados de los sábados por la mañana.

    Durante la corrida original de la serie en TV por cable, cada episodio contaba con una introducción en Live-Action presentada por Todd McFarlane en la que hablaba un poco sobre el tema central del capítulo. Por alguna razón que desconozco, estas introducciones fueron retiradas de la serie completa en DVD. No es que fueran obras maestras del entretenimiento; pero eran interesantes.

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TEMPORADA 2 (1998)

El otoño siguiente, la serie animada de Spawn regresó con seis episodios más. Aunque no es propiamente una continuación directa, la segunda temporada retoma líneas argumentales planteadas en la primera… Por desgracia, no la de Angela, pues por ese entonces empezaron los pleitos legales entre Neil Gaiman y Todd McFarlane por los derechos del personaje. Quien tampoco regresó fue el guionista Alan McElroy, quien llevara la voz autoral de la primera temporada. Este segundo sexteto de episodios se sabe que tuvo muchos problemas durante la producción, que la misma cadena HBO ordenó que se reescribieran varios capítulos y que se grabaran nuevos diálogos.

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    La segunda temporada inicia con el anticipado enfrentamiento entre Chapel y Spawn en Rat City; aunque el hilo conductor es el lote de armas que Spawn robara del arsenal de la NSA en la primera temporada para derrotar a Overtkill. Jason Wynn aprovecha la confusión para vender armas de manera clandestina a ejércitos de países enemigos de EE.UU. Terry Fitzgerald descubre los negocios ilícitos de Wynn y es inculpado por los mismos, lo que lo obliga a huir de su casa y vagar por las calles de Manhattan, huyendo del equipo de mercenarios que Wynn ha puesto tras él. La huida eventualmente lo llevará a Rat City, donde los indigentes y desprotegidos han tomado como protector al huraño Spawn para que los defienda contra la legión de criminales ‒que incluyen a una secta de narcomenudistas y a un asesino serial supremacista que se hace pasar por conductor de taxi‒ que han invadido los callejones.

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    El primer episodio de la temporada sirve como una especie de transición entre el tono de la anterior y el de ésta, que se vuelve mucho más oscura y tiene un tratamiento un tanto más realista. Se abandona casi por completo la narrativa de superhéroes para dar paso a la de las leyendas urbanas y el relato de horror. Spawn se convierte entonces en una especie de ángel vengador; testigo a la vez que juez y verdugo de la degradación humana de los callejones. Aunque este aspecto del personaje se planteó en los comics de la serie regular, fue hasta la serie spin-off de novelas gráficas HellSpawn (200-2003, iniciada por Brian Michael Bendis en el guión y el genial Ashley Wood en el arte) que se profundizó en él.

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    Ninguno de los villanos clásicos de los comics regresa para esta segunda temporada, a excepción de Chapel, a quien descubrir la identidad de Spawn le cuesta la cordura; y una breve aparición de Payaso, quien pacta una alianza con Jason Wynn. Sam y Twitch se mantienen muy en la periferia del relato; pero aparecen personajes secundarios importantes, como Merrick, la asesina líder del escuadrón de mercenarios que persiguen a Terry, y la sagaz reportera Lisa Wu (Ming-Na Wen, quien fuera también la voz de Mulán).

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    No sólo la historia y los temas se vuelven más sórdidos y más oscuros. También lo hace el diseño de arte. Los escenarios están pintados en hermosos y complejos claroscuros, y los planos detalle que se utilizan para realzar lo horrorífico de algunas secuencias fueron dibujados con lujo de detalles. Hay menos desnudos en esta temporada y, por alguna extraña razón, aunque es tanto o más violenta que la primera, es menos sangrienta y la mayor parte de la sangre que se muestra en pantalla es de color marrón en vez de rojo. También la paleta de colores se ve reducida y las escenas diurnas son aún muchas menos.

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    La segunda temporada supera por mucho a la primera en cuanto a la calidad de la animación y el diseño de personajes. Por desgracia, los constantes cambios hechos al guión, aun cuando la animación ya se había producido, obligaron a incluir largas secuencias estáticas que crean un gran suspenso; pero que poco apoyan al desarrollo de la trama y secuencias de diálogo en las que el audio rara vez empata con los labios de los personajes.

TEMPORADA 3 (Todd McFarlane’s Spawn 3: The Ultimate Battle, 1999)

Comúnmente, la tercera temporada de la serie es vista como la más débil. Pero creo que encuentra el equilibrio justo entre el Spawn superhéroes y el Spawn de horror. El mayor acierto en esta temporada creo que es el hecho de que, en vez de adaptar literalmente el comic o de tratar de crear algo muy diferente, toma muchas de sus líneas argumentales y las reinterpreta en algo nuevo. Aquí, la trama se complica mucho más; pero es más consistente que en la segunda temporada, pues sigue una línea argumental fija en vez de tratarse de relatos casi independientes enmarcados por otro evento. Quizá el gran fallo es que son demasiados elementos argumentales que se suceden rápidamente uno al otro.

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    La traición de Jason Wynn es descubierta y éste es destituido como director de la NSA, y perseguido por diferentes instancias gubernamentales. El matrimonio de los Fitzgerald se desmorona y, nuevamente, Terry debe huir de su casa; pero esta vez planea vengarse de Wynn. El exdirector de la NSA, al verse acorralado, se esconde en el Barrio Chino, donde busca un objeto de poder místico incomparable: la Máscara de Genghis Kahn. Al ser rechazado por ésta como su portador, Wynn secuestrará al único hombre que puede saber cómo usarla, el antiguo mentor de Al Simmons, el mayor Forsberg (Robert Forster, a quien recuerdo con cariño de películas como Terror bajo la ciudad [Teague, 1980] y El vigilante [Lustig, 1983], quizá porque en ambas usa exactamente el mismo vestuario), a quien no se le permitió abandonar el Ejército y fue encerrado en un calabozo décadas atrás.

    Cogliostro trata de convencer a Spawn para que renuncie a la mortaja del Hellspawn, le ofrece santuario, trata de enseñarle a usar sus poderes y le revela su verdadera identidad: en el Medioevo fue el Caballero Oscuro, cosechando almas en nombre de Malebolgia; pero después logró renunciar a la mortaja convirtiéndose en el hombre conocido como Merlín. Al dominar su necrotraje, Spawn logra tomar la forma de otros. Se disfraza como Terry Fitzgerald y le hace el amor a Wanda por última vez, dejándola embarazada. Wanda se debate sobre qué debe hacer con el bebé y busca el consejo de la abuela Blake.

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    Mientras tanto, Twitch investiga los asesinatos en los callejones y descubre la relación entre Jason Wynn y el corrupto jefe de la policía, Banks (Victor Brandt). Wynn manda matar a Twitch y éste sufre un atentado, Spawn es señalado como el autor. Se revela la verdadera identidad de Lisa Wu, es un ángel cazador de Hellspawns de nombre Jade, que está en la Tierra para eliminar a Simmons. Sin embargo, Jade comienza a tener dudas sobre su misión, lo que la pone también a ella en la mira del Cielo.

    Al igual que en la temporada anterior, el primer episodio de ésta es uno de transición. En este episodio, basado en el argumento del número 90 de los comics, titulado Tres usos del cuchillo, Spawn juzga a tres jóvenes delincuentes, amigos de infancia, dos de los cuales se han convertido en sicarios de la mafia.

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    El complejo argumento de esta temporada retoma mucho de la narrativa del comic, pero la lleva a un nivel épico. Aunque Angela nunca regresaría al universo de Spawn ‒antes bien, ahora forma parte de los Avengers de Marvel, después de que se descubriera que era la hermana perdida de Thor (WTF???) en una vuelta de tuerca al estilo de Angelitos negros‒, es sustituida por Jade, quien tiene lo suyo. El jefe Banks, que tan importante fuera en los comics hace su debut aquí, lo mismo que el mayor Forsberg. Elementos de la mitología de Spawn son también retomados en esta temporada, como la relación entre Wynn y Genghis Kahn, el Spawn Caballero Negro ‒que, viviendo durante el Oscurantismo, no es el mismo que Spawn Medieval, quien apareciera en la Baja Edad Media‒ y el atentado en contra de Twitch.

    Nuevamente, ningún villano clásico hace su aparición en pantalla ‒lo cual, siendo honestos, siempre me decepcionó un poco‒ salvo el jefe Banks y, nuevamente, una breve aparición de Payaso. Sin embargo, aparece una pareja de ángeles cazadores que buscan a la renegada Jade y un personaje muy interesante: la vampira Lily (Voz de Jennifer Jason Leigh, a quien seguro recuerdan como la rebelde Allegra Geller en ExistenZ [Cronenberg, 1999]), quien fuera un ángel cazador que cayó de la Gracia tras ser violada por un Hellspawn y ahora trabaja como cazarrecompensas para el Cielo.

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    La impresión que da, en general, es que los realizadores trataron de meter en esta tercera temporada argumentos de varias otras; o que trataron de recuperar el tiempo perdido en la segunda. El ritmo de este sexteto de capítulos es frenético y a veces deja poco espacio para que los eventos sucedidos en ella tengan realmente una repercusión en la historia.

    Aunque el ambiente opresivo y claustrofóbico de la segunda temporada se mantiene, la paleta de colores vuelve a ampliarse; pero de formas más sólidas y vívidas. Ah, y la sangre vuelve a ser roja y se comporta de manera más realista. Eso sí, ni la animación ni el nivel de detalle en el arte son tan buenos como en la segunda temporada; ni son tan sencillos como en la primera. Algunos personajes, como Banks y Lilly tienen una marcada influencia del anime en su diseño.

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    La razón para la cancelación de la serie nunca ha quedado del todo clara. Los índices de audiencia nunca se desplomaron como con otras series… tampoco crecieron, porque siempre fue un poco una serie de nicho; pero el interés no decreció sustancialmente aun a pesar de la desconcertante tercera temporada. Lo que es más: el final de la serie es un cliffhanger ‒Spawn regresa al santuario de Cogliostro decidido a recuperar su humanidad‒ que quedó inconcluso. Lo que sí fue muy claro es que para 1999 HBO había cerrado su división de HBO Animation, dejando a Spawn como su única producción animada… o sea, que básicamente la cancelaron porque ya no había quién la hiciera y no buscaron a alguien más.

    Para concluir con este artículo conmemorativo, aquí presento la cuarta y última parte del sumario en el que recopilo los sucesos más importantes acontecidos en los comics de Spawn. Va del número 181 hasta el 227, que es el último publicado en México hasta el momento (en EE.UU. van en el 278).

No. 180 La mordedura del vrykolakas causa una incontrolable sed de sangre en Spawn. Al Simmons se separa del necrotraje y es vencido por él, perdiendo el control de Spawn. El necrotraje planea matar a Wanda para destruir la humanidad que aún queda en Spawn.
No. 181 En una visión, la abuela Blake revela a Cyan cómo detener a Spawn. Nyx y Cyan tratan de salvar a Wanda. Simmons se separa del necrotraje y éste busca un nuevo huésped.
No. 182 Regresa She-Spawn. Mammon revela que es el Amo del Limbo. Primera aparición de Morana, quien es la hija que años atrás perdieran Al y Wanda y ha sido criada en secreto por Mammon y el vrykolakas para convertirse en la Hellspawn definitiva que gobernará la Tierra.
No. 183 Moarana roba el necrotraje a Nyx.
No. 184 Nyx detiene a MAmmon y Al Simmons decide terminar con el ciclo de Spawn.
No. 185 Inicia la saga Endgame. Arte de Wilce Portacio. Simmons se arranca la cabeza, simultáneamente, Jim Downing, un paciente de hospital, despierta de un prolongado coma. Regresan Payaso y Violator. Último número publicado en México por el extinto Grupo Editorial Vid.
Endgame Tomo 1

(185-190)

Inicia la corrida de editorial Kamite. Downing es el nuevo Spawn. Primera aparición del periodista Marc, quien se convertirá en el agente de Jim Downing.
Endgame

Tomo 2 (191-196)

Arte de Whilce Portacio, Greg Capullo, Todd McFarlane y Rob Lifeld. Spawn captura un ángel cazador, al que Payaso le arranca las alas. Payaso se convierte en mentor del nuevo Spawn.
No. 197 Regresa Redeemer y Violator lo mata, ganándose la amistad de Downing.
No. 198 Arte de Khary Randolph. Primera aparición del paciente 46.
No. 199 Arte de Erik Larsen y Todd McFarlane. The Freak confronta a Spawn. Violator se enfrenta a The Freak quien, según se revela, estuvo en el Infierno. Primera aparición del Spawn Omega, la última evolución del necrotraje. Violator le provoca un infarto a Sam.
No.200 Arte de Michael Golden y Robert Kirkman. Spawn Omega se enfrenta contra Violator. Se revela la conexión entre Simmons y Downing. Se revela que The Freak es la reencarnación de Malebolgia. El necrotraje se enfrenta contra Spawn Omega.
No. 201 Arte de Szymon Kudranski. Downing realiza milagros en programas de TV en vivo. Primera aparición del villano Bludd.
No. 204 El grupo de vampiros conocido como la Vieja Guardia busca a Spawn. Trabajan para Bludd.
No. 205 La Vieja Guardia muestra su verdadera forma.
No. 207 Sam sufre un atentado mientras está en el hospital, pero el detective Rowand lo salva. Twitch se entera del destino de Simmons de boca de Downing.
No. 208 Spawn mata a Twitch y después lo revive. El detective Rowand es inculpado por el asesinato de la enfermera que atentó contra la vida de Sam.
No. 211 Se rompe la alianza de Jim Downing con Payaso.
No. 213 Jim Downing anuncia la creación de una fundación para sanar a los más necesitados utilizando sus poderes.
No. 215 Marc busca a Terry Fitzgerald. Malebolgia descubre que Payaso le lleva la delantera. Jim sufre un atentado.
No. 216 Downing descubre que su pasado, el de Overtkill, Tremor y The Freak están relacionados. Regresa Wynn.
No. 217 Malebolgia mata a Bludd y hiere a Payaso.
No. 218 Spawn se enfrenta a Malebolgia. Se revela la relación de Jim Downing con el Cielo.
No. 219 Spawn vence a Malebolgia y lo expulsa del cuerpo de The Freak.
No. 220 Regresa Cog.
No. 221 Regresa Tremor.
No. 222 Spawn se alía con Tremor para investigar el secreto militar de su creación.
No. 225 Downing interroga a Jaso Wynn. Éste revela la verdad sobre su participación en el Programa y sobre quién era Jim Downing antes del coma.
No. 226 Se resuelve, por fin, por qué Wynn fue elegido como el primer Redeemer (Anti-Spawn).

Al momento de escribir este artículo, el último número publicado en México fue el 227.

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LA MOMIA de Tom Cruise

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LA MOMIA

The Mummy

 

Alex Kurtzman, 2017

A principios de la década de los 90 el inesperado éxito de taquilla y crítica que tuvo Drácula, de Bram Stoker (Coppola, 1992) ‒las opiniones son muy variadas, pero en su época la peli fue muy popular‒ despertó un renovado interés por los monstruos clásicos de la pantalla de plata. A Drácula le siguió Frankenstein, de Mary Shelley (Branagh, 1994), producida de manera independiente por el mismo Coppola, y luego Lobo (Nichols, 1994). Incluso hubo un proyecto para una secuela de Drácula, de Bram Stoker que se centraría exclusivamente en el personaje de Abraham Van Helsing y que la rotunda negativa de Anthony Hopkins para repetir el papel obligó a no ver la luz sino hasta 2004.

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    La competencia estaba haciendo su agosto con los monstruos de los que Universal Pictures había creado iconos de la cultura pop, por lo que la otrora Casa de los Monstruos decidió producir nuevas versiones de las películas de los Monstruos Clásicos empezando con la Momia. El único pequeño detalle fue que, por alguna extraña razón, en vez de una película de terror, Universal decidió hacer una de aventuras y el resultado final, estelarizado por Brendan Fraser y Rachel Weisz, y dirigido por Stephen Sommers (1999) tenía más en común con Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981) que con la película con Boris Karloff; y, aunque fue un éxito de taquilla que generó dos secuelas, un Spin-Off y una serie de dibujos animados, difícilmente podría llamársele una película de monstruos. Strike uno.

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    Van Helsing (Sommers, 2004) fue un pequeño experimento de Universal para rehacer su universo de monstruos subiéndose al tren del mame de Freddy vs Jason (Yu, 2003), y Alien vs Depredador (Anderson, 2004); pero, aunque la cinta gozó de cierta popularidad, el resultado no fue del todo el que la Casa de los Monstruos esperaba. Del mismo modo, se suponía que Drácula: la leyenda jamás contada (Shore, 2014) sería un reboot del Dark Universe y La Momia una secuela directa; pero de última hora el estudio decidió dejar Drácula… como una cinta independiente.

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    Para finales de la década del 2000, hubo un rumor muy fuerte de que ahora sí, Universal Pictures iba a relanzar su universo de los monstruos clásicos con un remake de El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954), dirigida por el inepto profesional Joe Johnston. Entre las verdes y las maduras, resultó que el actor puertorriqueño Benicio del Toro levantó el proyecto para un remake de El hombre lobo (Waggner, 1941) que le fue asignado a Johnston. La película sería protagonizada por el mismo del Toro, cuyo parecido físico con Lon Chaney Jr. Es notable, y los efectos de maquillaje correrían por cuenta del multigalardonado Rick Baker (Hombres de negro [Sonnenfeld, 1997], El planeta de los simios [Burton, 2001]) así que ¿qué podría salir mal? La respuesta es: prácticamente todo. Un guión acartonado y rebuscado que mezclaba elementos de El hombre lobo de Londres (Walker, 1935) con El hombre lobo, malas actuaciones, una indefinición del tono entre el terror y la acción, y el Hugo Weaving más sobreactuado que se haya visto convirtieron este relanzamiento de los monstruos clásicos en lo que se conoce en Hollywood como un Monumental Flop-Out. Strike dos.

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    Así pues, tendría que pasar más de un lustro ‒bueno, un par de años si contamos desde Drácula…‒ para que el boom de las películas de superhéroes llevara a los ejecutivos de Universal Pictures a pensar: “Oigan, ¿y si hacemos un universo como de superhéroes, pero con los monstruos clásicos?” Claro, la idea de entrelazar las historias de los diferentes monstruos existía desde Frankenstein contra el Hombre lobo (Neill, 1943); pero fue gracias a las películas de superhéroes que Universal se animó a crear lo que llamó Dark Universe y que oficialmente arranca con este segundo remake de La Momia.

    ¡Vaya forma de comenzar!

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    La película narra la historia de Nick Morton (Tom Cruise, quien se ve muy bien para su edad), un militar dedicado de medio tiempo al contrabando de antigüedades, que descubre en Iraq la tumba de la antigua princesa egipcia Ahmanet (Sofia Boutella y su belleza exótica… o fealdad interesante), quien fuera momificada viva ‒lo cual de entrada es idiota‒ como castigo por su traición. La momia es llevada a Londres por la arqueóloga Jenny Halsey (Annabelle Wallis) sin sospechar que su llegada causará una serie de catastróficos eventos cuando Ahmanet trate de completar un ritual para resucitar a Seth ‒según parece, los guionistas traían una severa confusión entre Seth y su hermano Osiris‒.

    Lo primero que noté de esta película es que es un conglomerado de un montón de ideas que no necesariamente funcionan bien juntas. Es como decir: “Me gusta el sándwich de salami y me gusta el sándwich de crema de cacahuate ¿Por qué no hago un sándwich de salami con crema de cacahuate?” Además, la mayoría de dichas ideas ni siquiera son originales. La peli termina siendo un pastiche que mezcla básicamente cuatro películas: La sangre de la momia (Holt, 1971), La tumba (Ray, 1986), que ambas son de hecho adaptaciones bastante libres de la novela de Bram Stoker La joya de las siete estrellas; con Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981) ‒todo el show de un estadounidense en Londres que es acechado por muertos vivientes que no pueden descansar en paz ya se vio‒; con una de mis películas favoritas, Fuerza siniestra (Hooper, 1985), basada en la novela de Colin Wilson, en la que un vampiro estelar llega a la Tierra ‒Londres, específicamente‒ en la forma de una sexy mujer que roba a los humanos su fuerza vital convirtiéndolos en zombies sin voluntad… Incluso Mathilda May en Fuerza siniestra es más guapa… y está más desnuda.

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    Otro gran fallo de la cinta es el tono. Aunque hay bastantes elementos de terror y horror por aquí y por allá, de repente la cinta se mueve hacia el cine de aventuras e incluso hay varios guiños a la franquicia protagonizada por Brendan Fraser… pero, de repente, el melodrama de aventuras a la Minas del rey Salomón es desplazado por escenas de balazos al más puro estilo de las cintas de acción de Hollywood. Y cuando uno está tratando de integrar todo lo anterior ‒porque créanme, la peli falla en hacerlo‒ aparecen vueltas de tuerca que la convierten en una especie de película de superhéroes promedio. Por si todo eso fuera poco, hay varios diálogos que buscan ser cómicos… y que fracasan tan miserablemente en el intento; los personajes en pantalla terminan pareciéndose a ese profesor de tu prepa que quería “conectar” con los “chavos” y terminaba teniendo tanta gracia como pegarse en el dedo chiquito del pie.

    Las actuaciones de todos son malas… bastante malas. Digo, nadie esperaba que Tom Cruise actuara; pero Wallis y Jake Johnson (quien interpreta a Chris Vail, compinche de Morton) están bastante mal. El único que más o menos actúa es Russell Crowe; por desgracia, la vuelta de tuerca de su personaje se siente tan fuera de lugar; por no decir que esa línea argumental dura demasiado y lo hace a uno pensar que entonces la película se va a tratar de otra cosa… pero después regresan con Ahmanet y su plan de resucitar a Seth y hay una persecución en el Museo Británico de Historia Natural y gente corriendo y gritando y… ¿qué carajos es esto?

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     Como sea, hay un elemento de esta película que abiertamente alabo: los efectos especiales. En una era en la que el CGI ha logrado quitarle toda la magia a los efectos visuales que aparecen en pantalla, La Momia consigue que las cosas se vean reales. Incluso esa secuencia de las calles de Londres y aquella otra de la tormenta de arena que es un claro guiño a la versión de 1999 lucen bastante bien.

    Otra cosa que me agradó fue el diseño de los monstruos. Los zombies se ven bien y eso de los dobles irises es interesante… no me queda muy claro qué aportan a la trama o para qué sirven, pero es algo que no recuerdo haber visto antes en pantalla. Las criaturas de esta peli fueron diseñadas por Crash McCreery, discípulo del desaparecido Gurú de los Animatrónicos, Stan Winston, y se ven bien. La Momia se ve bastante impresionante mientras aún es momia; pero una vez que ya tiene carne sobre los huesos como que me quedó a deber. Parece una versión deslavada de Gozer, el gozeriano, que apareciera en Los Cazafantasmas (Reitman, 1984).

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    También me agradó que el despertar de Ahmanet desencadenara toda una serie de sucesos sobrenaturales en el estilo de La profecía (Donner, 1976)… que pudieron estar mucho mejor aprovechados, pero que al final son una especie de callejón sin salida del guión. Del mismo modo está padre el asunto del lazo telepático entre Nick y Ahmanet.

    El último elemento que me pareció bastante rescatable de la cinta fueron los Easter Eggs y las referencias. Mientras que las referencias a la película protagonizada por Fraser son evidentes ‒la tormenta de arena, el Libro de los Muertos‒, hay también muchos guiños a la cinta de 1932 y a otras películas de monstruos de Universal, como Drácula (Browning, 1931), El monstruo de la Laguna Negra, La novia de Frankenstein (Whale, 1935) y, sólo por evitar que el público recuerde aquel fiasco, ninguna referencia a El hombre lobo.

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    En conclusión, me pareció que esta reinterpretación de La Momia falla en muchos aspectos fundamentales y está más cercana a ser una atracción de parque temático en Orlando que a la película que marcaría el inicio de toda una nueva era para Universal Pictures. Tiene algunos momentos interesantes y otros tantos aburridos al borde de lo comatoso, y en general se siente más larga de lo que en realidad es. Recuerdo que cuando estaba en la secundaria y vi el primer remake de La Momia me agradó la onda de la aventura imperialista; pero que me decepcioné profundamente de que no hubiera terror… comparada con este nuevo remake, a aquél comienzo a recordarlo hasta con cariño. Y, por cierto, la mejor momia que haya visto en una película sigue siendo la que sale en Los Cazamonstruos (Dekker, 1987).

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    Dos ideas quedan flotando en mi mente: La primera es que los antiguos egipcios fueron una de las poquísimas civilizaciones del mundo antiguo que no realizaban sacrificios humanos ‒¿Vieron La bruja (Eggers, 2015)? Porque así se ve una película cuando el guionista sí hizo la tarea e investigó el tema sobre el que iba a hablar‒ y la segunda, que es muy curioso que los monstruos de Hammer nunca se enfrentaran entre ellos.

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    Así que… ¿debemos llamar a esta película Strike tres?

PARA LA TRIVIA: Originalmente, la película sería dirigida por Len Wiseman (director y productor de Inframundo [2003] e Inframundo: Evolución [2006]); pero éste abandonó al proyecto poco antes de iniciar la producción. El estudio contrató a Andrés Muschietti (Mamá [2013] y el próximo remake de It) para reemplazar a Wiseman; pero también abandonó el proyecto debido a “diferencias creativas”.

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SPAWN. Anexo 2. Sumario

La celebración por el 20 aniversario de Spawn en México continúa. En esta entrega, el resumen de los eventos más trascendentes sucedidos en el comic desde el número 121 hasta el 180. La próxima publicación será la reseña de la serie de dibujos animados de Spawn.

No. 122 Primera aparición de la wiccan Nyx. La sombra de Al Simmons lo busca para convertirlo de nuevo en Spawn.
No. 123 Wynn regresa como director de la NSA (National Security Agency) poseído por el espíritu de Payaso. Nyx, tras tener un affair con Al Simmons, lo reúne accidentalmente con su sombra.
No. 126 Al Simmons se ha reunido con su necrotraje y, como Spawn, regresa a Rat City. Le revela su identidad al mayor Forsberg y éste muere en paz.
No. 127 Terry Fitzgerald renuncia a la NSA y se muda de Queens con su familia.
No. 129 Wynn, poseído por Payaso, se convierte en un asesino serial que mata mujeres parecidas a Wanda Blake.

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No. 132 Wynn se enfrenta con Spawn y muere. Resucita fusionado con Payaso.
No. 133 Regresa Violator. El espítitu de Payaso infecta a gente inocente. Se revela que Thea era la mejor amiga de Nyx y Mammon le revela a ésta que Spawn mató a Thea.
No. 134 Nyx entrega a Spawn a Mammon. Spawn es capturado por Payaso.
No. 136 Un ejército de payasos barre Nueva York. Spawn se enfrenta a Violator.
No. 137-138 Spawn derrota a los payasos con la ayuda de Sam y Twitch.

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No. 139-141 Colaboración del artista Nat Jones. Nyx trata de salvar a Al Simmons con un ritual, pero el necrotraje la posee. Primera participación de She-Spawn, quien baja al Infierno para salvar a Thea. En el Infierno se encuentra con Redeemer y forman una alianza. El alma de Thea es liberada, Nyx y Redeemer regresan a la Tierra.
No. 142-144 Regresa Angel Medina en el arte. Spawn busca vengarse de Nyx, quien es defendida por Redeemer. Se revela el engaño de Mammon. Spawn confronta a Mammon y éste destruye sus recuerdos de Wanda. Al Simmons/Spawn vaga sin rumbo.
No. 146 Spawn conoce una secta que practica sacrificios humanos y que adoran a los Olvidados, ángeles condenados a habitar la Tierra por no tomar partido en la expulsión de Luzbel del Cielo.
No. 148 Regresa The Heap.
No. 149 Spawn regresa a la tumba de Al Simmons y recuerda quién es.

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No. 150 Trazo de Angel Medina y Philip Tan. Especial de 48 páginas. El necrotraje muta de nuevo. 1ª aparición del Discípulo, el guerrero de más alto rango del Cielo. 1ª aparición del misterioso Hombre de los Milagros. Regresa Kincaid.
No. 153 Los gemelos que dio a luz Wanda son malvados y, aparentemente, inmortales.
No. 154 En todo el mundo, los muertos comienzan a volver a la vida. Spawn convoca a las almas de los Hellspawns anteriores a él para luchar contra los zombies. Los Olvidados atacan el Cielo. En un momento de desesperación, el Cielo libera al ángel demente Zera, Reina de los Serafines. El Armagedón está próximo.
No. 156 Spawn se enfrenta a Kali y ésta lo derrota, pero lo perdona a cambio de un sacrificio.
No. 158 Se revela que los gemelos son en realidad las encarnaciones de Dios y Satán. Se revela que el Hombre de los Milagros, Jesús, Kali y el Espíritu de la Tierra son avatares de la Madre Creación. Las almas de los devotos, entre ellas la abuela Blake, ascienden al Cielo.
No.159 Spawn salva a Wanda con la ayuda de la Madre Creación.

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No.160 Dios obliga a los devotos a pelear en contra de su voluntad. Spawn se enfrenta al Discípulo, cuyo origen es finalmente revelado: se trata de uno de doce guerreros de élite del Cielo, el arquetipo sobre el cual se creó a Redeemer, creados a partir de las almas de los Doce Apóstoles. El reloj de los poderes de Spawn se agota.
No. 161 El Armagedón. Los cuatro Jinetes del Apocalipsis barren la Tierra. Spawn renace con el poder de un dios.
No. 162 El alma de la abuela Blake muere en el Armagedón. Spawn se enfrenta a Zera y destruye la Tierra con el poder de la Madre Creación.
No. 163 Spawn vuelve a crear el mundo y destierra a Dios y Satanás a otra dimensión. En el nuevo mundo no hay Cielo ni Infierno.
No. 165 Mandarin Spawn
No. 166 Comienza la colaboración de Brian Haberlin en el arte. El mundo creado por Spawn tiene grietas que los pobladores del Cielo y el Infierno usan como portales.
No. 167 Regresa Violator.
No. 168 Regresa Mammon.
No. 169 Regresa Nyx.

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No. 170 Regresan Ab y Zab.
No. 172 Primera aparición del misterioso Malefick, quien les echó el ojo a los hermanos Simmons desde que eran niños para ser reclutados por el Infierno.
No. 173 Se revela que la estirpe de los Simmons está maldita y que la misión de la madre de Al era procrear una nueva generación de Hellspawns.
No. 174 Primera aparición de Spawn Pistolero en una historia de la Guerra Civil Estadounidense. Arte de Bing Cansino y Geirrod Van Dyke.
No. 176 Arte de Brian Haberlin y Geirrod Van Dyke. Primera aparición de Kenneth Erskine, un niño deforme que vive aislado dibujando comics. Se convierte en un asesino serial gracias a poderes sobrenaturales.
No. 177 Nyx y Spawn regresan a Rat City. Spawn es mordido por un Vrykolakas(especie de vampiro primigenio).
No. 179 Historia independiente de un Hellspawn en la Primera Guerra Mundial. Arte de Mike Mayhew.

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Spawn, la película    Anexo 1. Sumario Nos. 60-120

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LA MUJER MARAVILLA o ¿Por qué los alemanes hablan en inglés entre ellos?

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LA MUJER MARAVILLA

Wonder Woman

 

Patty Jenkins, 2017

Podría decir muchas cosas sobre la película de Wonder Woman, como que la mejor película de superhéroes de DC está al nivel de la peor de Marvel, que nunca he sido aficionado a los superhéroes o que después de Lynda Carter qué me importa Wonder Woman; pero la verdad es que serían puros prejuicios. La primera adaptación a la pantalla grande de la superheroína creada por el Dr. William Moulton Marston para DC Comics es una adición refrescante a las películas de superhéroes de dicha editorial.

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     La historia que se narra en la película es la de Diana (la hermosa Gal Gadot), la princesa de las amazonas de Temyscira, hija de Hyppolita (Connie Nielsen), quien es entrenada en las artes guerreras contra la voluntad de su madre por su tía Antíope (Robin Wright en un papel que le queda muy chido, pero que me hubiera encantado verlo interpretado por Brigitte Nielsen o Grace Jones). La isla de Temyscira se encontraba oculta del mundo exterior hasta que cierto día, el avión de combate del piloto Steve Trevor (Chris Pine, excelente) es derribado por tropas alemanas cerca de ella. Trevor es rescatado por Diana y los ubermalvados alemanes (en aquel entonces, prusianos) intentan invadir la isla. Diana se entera de que Trevor es un espía británico que ha robado la fórmula de un arma química súper secreta del laboratorio de la Dra. Isabel Maru (Elena Anaya de Lucía y el sexo [Medem, 2001]) y del enorme conflicto que es la Primera Guerra Mundial. Convencida de que la “Guerra para terminar con todas las guerras” es obra del malvado dios de la guerra, Ares, Diana decide acompañar a Trevor de regreso a Europa y se embarcará en una misión suicida tras las líneas enemigas para encontrar al hijo rebelde de Zeus.

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     Me gustaría mucho leer el guión de esta cinta, porque tengo la impresión de que funciona mejor en papel que en pantalla. Quiero decir que el planteamiento de la película me parece muy bueno y la dinámica entre los personajes de Diana y Trevor, insuperable; pero la película no puede evitar caer en un montón de clichés y lugares comunes que no sólo se sienten fuera de lugar, sino que francamente estorban.

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     Durante el final del primer acto vemos la dinámica de “pez fuera del agua” aplicada a Trevor mientras que, al inicio del segundo, la vemos en Diana… y no pude evitar pensar que todo el asunto de la princesa amazona llegando a un Londres lleno de imprecisiones históricas era increíblemente parecido a Pocahontas 2: Viaje a un nuevo mundo (Ellery y Raymond, 1998). Aun así, la dinámica funciona muy bien y es divertida… por un rato. Creo que la parte en la que se muestra a Diana tratando de comprender cómo funciona el mundo dura demasiado, pasa de lo adorable y naïve a lo camp para terminar en lo francamente idiota. Pero la primera parte es muy divertida y me recordó un poco al tono de la serie de TV.

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    Otra cosa que tampoco me agradó fueron los aliados de Diana. No están particularmente mal, sólo que esa dinámica del Club de la ONU se volvió vieja con Super Street Fighter II (Capcom, 1993)… aunque, tratándose de una historia situada en la Primera Guerra Mundial, está un poco más justificado. Pero los compinches pintorescos y étnicamente diversos son un cliché de las películas de superhéroes que ya vimos en Punisher (Hensleigh, 2004), Ant-Man (Reed, 2015), Deadpool (Miller, 2016) y una nutrida lista de etcéteras. Y luego, el personaje de la secretaria Etta Candy (Lucy Davis) nos es presentado como la vis comica de la cinta… sólo para desaparecer por completo durante la segunda mitad. Francamente, la peli funcionaría igual sin los patiños… o quizá funcionaría mejor.

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    Tampoco me latió que la historia se pareciera tanto a Rogue One: Una historia de Star Wars (Edwards, 2016) por un lado y a El quinto elemento (Besson, 1997) por el otro…

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    Y luego está el principal defecto de la peli: los villanos. Parece ser una tendencia en las cintas de superhéroes de esta década el que se les olviden los villanos. Se supone que un héroe es grande en la medida de los villanos que tiene que enfrentar; pero en ésta, como en otras películas recientes, los villanos son de lo más anodino. Maru me pareció prácticamente una copia de la reina Gedren, la villana de Sonja, la guerrera (Fleischer, 1985), Ludendorff (Danny Huston, a quien seguro recuerden por su increíble interpretación del vampiro Marlow en 30 días de noche [Slade, 2007]) apenas si está dibujado y la dinámica entre los dos me recordó demasiado a Rocky y Bullwinkle… y eso no puede ser bueno. ¿Qué tal si la próxima vez usan alemanes auténticos para interpretar alemanes?

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    SPOILER Finalmente, el enfrentamiento contra Ares es de lo menos inspirado. Se supone que es el Dios de la Guerra, se supone que el cuate ha vivido miles de años encubierto nutriéndose de sacrificios humanos… y su aparición no sólo es una de las vueltas de tuerca más predecibles que he visto últimamente; sino que se siente bastante genérico y poco interesante. El gran David Thewlis hace un gran trabajo con el material del que dispone, es una lástima que éste sea tan pobre. ¿Y por qué cuando atraviesan a Ludendorff con una espada, éste no sangra? TERMINA SPOILER

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    Creo que una razón importante para que tu supervillano sea el personaje mejor construido en la peli no es sólo que definirá en gran medida lo que va a ser el héroe; sino que, por regla general, el villano aparecerá solamente una vez en toda la saga. Habrá que ver si en futuras secuelas vilanos clásicos de Wonder Woman como Circe, Cheetah o Giganta se integran al elenco y a ver qué tal los resuelven.

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    Otro elemento que no acabó de convencerme fue la edición. En general está bien; pero hay dos o tres secuencias en las que las transiciones de un plano a otro son cortes tan duros que lo sacan a uno de la narración.

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    El increíblemente bien empleado comodín de la película es la misma Gal Gadot. La chica es muy guapa y el vestuario le queda muy bien; pero la neta es que no sabe actuar. Le falta mucha intensidad y mucho matiz; sin embargo, tiene un gran carisma en cámara. Para un director poco hábil, esto habría representado un problema, pero para Jenkins es simplemente la base sobre la cual construirá un personaje complejo sirviéndose de un guión bien escrito cortesía de Allan Heinberg y de los actores secundarios, que hacen un gran trabajo. Lo que sí está medio mamila es la cámara lenta para darle más dramatismo a escenas en las que se ve que la Gadot no está llenando el papel.

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    Pero la escena en la que Wonder Woman es tentada por el Lado oscuro y se cuestiona si vale la pena salvar a la humanidad está muy bien lograda.

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    Algunas secuencias en CGI son particularmente malas. Hablo principalmente de las tomas de establecimiento de los entrenamientos de las amazonas ‒sentí como si estuviera viendo una pantalla de Age of Empires (Microsoft, 1997)‒ y las tomas en las que Wonder Woman salta y hace acrobacias desde lejos… se ven como de CGI de los 90… Y es triste, porque demeritan muchas otras secuencias bien logradas, como los stunts que realizan las amazonas en los entrenamientos que son espectaculares.

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    Así pues, La Mujer Maravilla es una bienvenida adición interesante al panteón cinematográfico de la DC. Se nota el esfuerzo de todos los involucrados para por fin hacer una buena película de superhéroes de dicha casa editorial y, aunque es mucho mejor que Batman v Superman: el amanecer de la justicia (Snyder, 2016) e infinitamente superior a Suicide Squad (Ayer, 2016), no me parece que tenga los méritos necesarios para trascender en el sobresaturado mercado de las películas de superhéroes ‒que auguro que no sobrevivirá a la década‒. Está bien nada más, pero para lo que nos tiene acostumbrados Warner/DC últimamente, eso ya es mucho. En conclusión, ni es tan mala como el infame piloto de la serie de TV con Adrianne Palicki (Rainer, 2011), que fue tan malo que condenó la serie a jamás ser producida; ni es tan buena como la de dibujos animados de 2009, a la que le debe absolutamente todo.

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    Y sí, me quedé esperando un cameo de Lynda Carter… que sí estaba planeado, al igual que uno de Lyle Waggoner, quien interpretara a Steve Trevor en la serie de TV; pero no pudieron filmarse por diversas razones. Por cierto, la espada Godslayer se parece a la Espada Atlante de Conan. Y sí, también faltó el jet invisible.

PARA LA TRIVIA: El Dr. William Moulton Marston (1893-1947), psicólogo e inventor que creara al personaje de Wonder Woman en 1941, fue también el inventor del detector de mentiras, el cual fue la obvia inspiración del Lazo de la Verdad.

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SPAWN. Anexo 1. Sumario.

En esta segunda parte del sumario de los cómics de Spawn se narran los acontecimientos más relevantes ocurridos entre los números 61 y 120.

No. 61 Tratando de incluir los eventos de la película en el canon del cómic, se revela que el verdadero asesino de Al Simmons no fue Chapel, sino Jessica Priest.
No. 64 Spawn ataca a Jason Wynn y le revela su verdadera identidad.
No. 68 Regresa The Freak, quien contrató a un indigente para que le disparara y decapitara a Spawn.
No. 70 El indigente Bobby muere y es resucitado por su amigo, el indigente Boots quien, en una vuelta de tuerca completamente sacada de la manga, resulta ser un ángel encubierto.

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No. 71 Primera aparición del vampiro Wolfram, quien es un mercenario al servicio del Cielo.
No. 73 Eddie Beckett, el indigente que recuperara necroplasma de la cabeza decapitada de Spawn, por acción de dicha sustancia se convierte en el monstruo conocido como The Heap.
No. 74 Spawn se enfrenta a The Heap, quien es en realidad un portal a otra dimensión.
No. 75 Spawn es nombrado protector del mundo por el Espíritu de la Tierra.
No. 77 Se revela que Cogliostro (ahora llamado Cog por cuestiones legales) es en realidad un Spawn renegado. Twitch recibe un disparo en la cabeza.
No. 78 Spawn salva a Twitch.
No. 79 1ª aparición del reportero Ethan Crone.

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No. 81 El fantasma de Billy Kincaid recorre la Tierra esclavizando almas.
No. 85 Spawn se enfrenta a Billy Kincaid y su ejército de almas.
No. 86 Spawn vs el alma de Al Simmons. Spawn decide renunciar.
No. 88 Cog se reforma. Primera aparición del demonio Mammon.

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No. 92 El hechicero Mark ofrece a Spawn la mortalidad a cambio de sus poderes. Spawn lleva a Mark al Infierno.
No. 94 Wanda está embarazada… ¡de Spawn!
No. 95 Primera aparición de los demonios Ab y Zab, quienes invocan al dios oscuro Urizen.
No. 96 Spawn vs Urizen. El dios oscuro mata a Spawn, cuyo cadáver es reclamado por el Espíritu de la Tierra. Angela interroga a Ab y Zab.
No. 97 Angela resucita a Spawn. Urizen comienza el Apocalipsis. En el Cielo, los ángeles debaten sobre si intervenir o no. Primera aparición del ángel Domina.
No. 98 Spawn detiene a Urizen y Angela a un grupo de ángeles disidentes.
No. 99 Angela vence a Urizen, se revela que Ab y Zab fueron enviados por Malebolgia.

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No. 100 Spawn y Angela bajan al Infierno y se enfrentan a Malebolgia, quien mata a Angela. Spawn decapita a Malebolgia y es perdonado por el Cielo, que le ofrece un lugar como ángel en recompensa. Spawn lo rechaza y en cambio pide la salvación de Wanda, quien está muriendo en el hospital. Spawn se asume como guardián de la Tierra, sin afiliación al Cielo o al Infierno.

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No.101 Comienza la colaboración del artista Angel Medina.Spawn le revela la verdad a la abuela Blake sobre el Cielo y ella lo rechaza.El trono del Infierno está vacío.
No. 102 Mammon engaña a la vidente Thea para que le venda su alma.
No. 105 Regreso de Overtkill.
No. 106 Spawn enloquece a Wynn, haciéndolo alucinar con que fue desollado vivo.
No. 107-113 Max Jr, el hijo de Twitch, se involucra con una secta conocida como El Reino, que es en realidad un clan de vampiros. Spawn vence a su líder, Simon Pure y envía a los vampiros al Infierno. Max Jr. Muere, pero al menos su alma se salva. Twitch queda devastado y Spawn evita que se suicide.

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No. 114 Primera aparición de Spawn Samurai.
No. 116 Eddie Frank se ha convertido en un fanático religioso y es elegido para encarnar al nuevo Redeemer. Cog está muriendo.
No. 119-120 El trono del Infierno reclama a Spawn y éste baja acompañado de Cog. En el Infierno se enfrentan Spawn, Cog, Reddemer y Violator. Cog traiciona a Spawn y reclama el trono del Infierno para él, revelando su verdadera identidad: es Caín. Cog devuelve a Spawn a la Tierra como Al Simmons.

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SPAWN. La versión cinematográfica del exitoso comic cumple 20 años. Primera parte.

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Siempre me han gustado los comics y recuerdo muy bien que el primero que leí fue “Asterix y Cleopatra”; también recuerdo que leí algunos números sueltos de “El Hombre-Araña” (recuerdo muy bien haber leído el origen de Venom; pero ignoro dónde habrá quedado ese número…), “Karmatrón y los Transformables” y de “Las tortugas ninja”. Sin embargo, no fue sino hasta que empecé a leer “Spawn” que verdaderamente me enganché en los comics.  Compré el número 1 del cómic de Spawn en mayo de 1997 en un puesto de periódicos cuando salía de la primaria. Me maravilló porque no se parecía a nada que hubiera visto antes. Salvo contadas excepciones, nunca he sido muy afecto a los súper héroes; pero esta reinterpretación de Fausto me atrapó de inmediato. El arte, el color ‒Spawn fue el primer cómic en ser coloreado enteramente de manera digital‒, la historia sobre un antihéroe que era un mercenario de élite resucitado como un guerrero del Infierno, todo estalló en mi mente preadolescente y me enganchó irremediablemente. A la fecha, es el único cómic del que he coleccionado y leído todos los números ‒al menos todos los que se han publicado en nuestro país‒ sin falta.

    Y digo, sé que nunca fue tan tan genial; pero sí hubo una época de esplendor y sí se entiende por qué fue punta de lanza en la revolución de los cómics independientes a finales de los 80 y principios de los 90. También es comprensible por qué ‒aunque quizá después perdió el rumbo‒ en los 90 Todd McFarlane, creador de Spawn, fue uno de los grandes visionarios no sólo de los cómics; sino de la industria del entretenimiento en general.

   1997 fue el año de Spawn. En primavera, el cómic se introdujo fuera de EE.UU.; en verano, se estrenó la película de Live-Action y en otoño se estrenó la serie de dibujos animados para adultos transmitida por el canal premium de TV por cable, HBO.

    La primera parte de este artículo conmemorativo será la crítica de la película de Live-Action.

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Mark A.Z. Dippé, 1997

Primero que nada, hay que entender que el mundo en 1997 era muy diferente de lo que es hoy. Las películas de superhéroes aún no se habían apoderado del mainstream y eran una cosa poco común, un terreno prácticamente inexplorado. Las dos principales franquicias de cómics en la pantalla grande estaban muerta y enterrada la una ‒Superman‒ y a punto de suicidarse la otra ‒Batman‒. Los efectos especiales generados por computadora estaban apenas en una etapa experimental y eran una cosa casi tan de Ciencia Ficción como las películas que los utilizaban.

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    En este mundo en el que la humanidad aún no había sido esclavizada por las tabletas electrónicas y en el que había que esperar horas para poder ver porno en Internet, se estrenó Spawn; una película independiente de mediano presupuesto, distribuida por una compañía semi-independiente ‒aunque en ese entonces New Line Cinema ya era parte de Warner Bros., mantenía su autonomía‒ basada en un exitoso cómic independiente que buscaba hacerse un lugar entre los grandes. Pero ¿lo lograría?

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     El argumento de la película sigue más o menos fielmente el primer arco argumental del cómic y narra la historia de Al Simmons (Michael Jai White), un asesino de élite del gobierno estadounidense quien, durante una misión en el Lejano Oriente, es traicionado por su jefe, el malvado Jason Wynn (Martin Sheen, porque pues hay que pagar la renta) y su compañera de escuadrón, la letal asesina Jessica Priest (la guapa Melinda Clarke, a quien seguro recuerdan como la novia resucitada en El regreso de los muertos vivientes III [Yuzna, 1993]), quienes lo queman vivo. Simmons reaparece cinco años después en la sección de los callejones de Manhattan conocida como Rat City ‒que es habitada por la legión de indigentes más increíblemente limpios que he visto jamás en una película‒ transformado en un Hellspawn, uno de los soldados de élite del ejército del Infierno. Mientras Spawn se aferra a los últimos restos de humanidad que le quedan y trata de recuperar su vida anterior, encontrará a Cogliostro (Nicol Williamson), un misterioso anciano que intenta ayudarlo a aprender a usar sus nuevos poderes y se enfrentará a Payaso (John Leguizamo, háganle un favor y no lo recuerden por la película de Super Mario Bros.[Jankel y Morton, 1993]), la forma humanoide del voraz demonio Violator, quien tratará de forzarlo a usar sus poderes en beneficio del Infierno.

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    ¿Por dónde empiezo? Bueno, la mayoría de las películas comienzan con un guión, así que creo que será mi punto de partida también. ¿Qué pedo con el guión de esta madre? La narrativa es súper atropellada, deja huecos en elementos clave ‒a menos que uno le esté poniendo mucha atención o que ya conozca la historia de antemano, resulta un poco difícil entender cómo es que Spawn se convierte en tal, tuvieron que añadir una escena narrativa de Cogliostro en la que explica su misión porque originalmente no se entendía, etc.‒, y está plagada de diálogos terribles y acartonados al punto de lo chicloso. Los chistes de Payaso son cada uno peor que el anterior y, aunque en general no me molestan demasiado los clichés, esta película los tiene por todos lados.

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    Pero vamos, eso no es problema porque los actores rescatan la película, ¿no? No, tristemente, no. Las actuaciones de todos y quiero decir absolutamente todos, son terribles. Si dije que la peli está plagada de clichés, es porque éstos se dejan ver incluso en la actuación. White está todo el tiempo en su papel de héroe rudo y es incapaz de matizar sus líneas de por sí malas, Sheen escupe mal un texto que se ve que ni él mismo se lo cree y Leguizamo… el actor colombiano da auténtica lástima, pues en pantalla se ve su sufrimiento al estar luchando contra el pésimo maquillaje prostético y el guión horrible para poder hacerse el gracioso en cada oportunidad posible y fracasando miserablemente. Y Williamson brinda una interpretación digna de una pastorela de secundaria, encima de lo cual, se rehusó a dejarse crecer la barba o a usar una postiza para parecerse más a su personaje.

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    Digo, sé que el personaje de Payaso debe ser molesto y decir malos chistes; pero en su traslación a la pantalla grande simplemente no funciona. No es que Leguizamo sea mal actor ‒por el contrario‒, no es que el maquillaje en sí mismo esté particularmente mal hecho ‒o sea, sí está mal; pero he visto peores en películas actuales‒… es que el personaje desde su planteamiento en el guión está mal y el director ‒un reconocido artista de efectos visuales‒ no tuvo la habilidad para ver que, en su conjunto, los elementos del personaje no se estaban articulando.

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    Sin embargo, estos problemas suelen ser comunes en las películas de acción y quizá me estoy ensañando con ésta. Finalmente, la idea de esta peli es que sus efectos especiales la convirtiesen en un deleite visual. De hecho, el proyecto originalmente tuvo un presupuesto de 20 millones de dólares que, en poco tiempo, se duplicó. De los 40 millones que costó la película finalmente, cerca de la tercera parte fueron para efectos especiales… y se me hace que un político mexicano les armó el presupuesto, porque ni un centavo de él se ve en pantalla.

    Por primera vez en el tiempo que llevo criticando películas estoy en completo desacuerdo con el fallecido Roger Ebert, quien dice de esta película que contiene “algunos de los efectos especiales más impresionantes que he visto” y que “Como una experiencia visual, Spawn es simplemente inolvidable”[1]. Lo que no puede sino dejarme pensando qué película habrá visto Ebert… digo, es una experiencia visual inolvidable, eso sí, pero por horrible. Recuerdo muy bien que cuando vi esta peli por primera vez fue en 1997 en una copia pirata en VHS y creí que se veía tan mal por la pésima calidad del video. Por desgracia, cuando conseguí una copia en DVD, descubrí la verdad.

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    Al CGI utilizado creo que no puedo calificarlo con otra palabra sino “repugnante”: la capa de Spawn parece hecha con papel crepé, Violator parece coloreado con crayones, al pendentif que brilla con un destello verde se le ve el recuadro donde termina el CGI, el ejército de Hellspawns se mueve como con dos cuadros de animación, y el Infierno y Malebolgia (voz del legendario actor de voz Frank Welker)… ¡Por Cthulhu! ¡Tuve juegos en mi Nintendo 64 que se veían mejor que eso! ¿Por qué rayos deciden hacer un primer plano de Malebolgia cerca del final de la peli si no se veía bien ni de lejos? “¡Salve Señor de las Tinieblas a medio inflar!”

    Y por favor, no caigamos en el “los efectos eran buenos para la época”, porque para cuando se estrenó esta película ya habían salido El quinto elemento (Besson, 1997) y El mundo perdido: Jurassic Park (Spielberg, 1997). Digo, hay varias escenas en las que la pantalla azul se refleja en el cuerpo de Spawn y a las tomas de establecimiento de un ficcionalizado Nueva York se les ven los pixeles. Además, la legendaria Industrial Light & Magic firmó por los efectos visuales de la cinta; aunque, a final de cuentas, el apretado presupuesto y tiempo para realizar la peli obligaron a los productores a contratar a cerca de veinte pequeños estudios independientes en EE.UU., Canadá y Japón para terminar el trabajo a tiempo e ILM sólo realizó las tomas principales.

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    Llegados a este punto, ¿qué más puedo decir de esta película? ¿Qué más sobre que Terry Fitzgerald (D.B. Sweeney en un papel que originalmente interpretaría Edward Norton) es blanco cuando en el cómic es negro? ¿Qué más sobre que los detectives Sam Burke y Max “Twitch” Williams son personajes clave en los cómics y en la película apenas si tienen un cameo que se pierde en el Full Screen? ¿Qué más aparte de que en la escena en la que Spawn es derribado en la cocina se le ven las botas debajo del traje? ¿Qué más después de que la cofia de anillas de Cogliostro está hecha con las patas? ¿Qué más aparte de que incluso las pocas tomas que se filmaron en locación parecen haber sido realizadas en estudio?

    Bueno, pues creo que el lado más flaco de la cinta son sus increíblemente pobres edición y montaje. La narrativa de por sí atropellada se vuelve torpe gracias a cortes duros, tomas de reacción que entran casi sin excepción un segundo antes, transiciones que dejan huecos y un montaje de las escenas de peleas que casi parece tener la encomienda de quitarles el poco dinamismo que tienen.

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    A pesar de todo lo anterior, la película no está exenta de algunos aciertos y creo que el principal de ellos es el diseño de Spawn. Uno de los principales atractivos de las películas de superhéroes de aquel entonces era el diseño de sus vestuarios pues, aún hoy día, los vistosos trajes de spandex de colores brillantes que aparecen en papel rara vez funcionan en la pantalla grande. En el caso de esta peli, se optó por darle al necrotraje de Spawn ‒que es una idea muy similar a la de Venom en Spider-Man porque fueron creados por la misma persona‒ una apariencia mucho más orgánica que la de su contraparte impresa. Me gusta el montón de texturas que le pusieron y, aunque las apariciones de Spawn enmascarado en pantalla son contadas y breves, creo que la máscara se ve genial con esos ojos verdes luminosos. Me hubiera gustado que saliera más la capa… o que por lo menos se viera bien, y que los picos del traje no parecieran de cartón; pero supongo que en términos generales luce bastante decente.

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    El otro acierto que creo que tiene la peli es el soundtrack. Lo cual es irónico, porque en sí mismo es bastante malo; pero en comparación con el resto de la película resulta sobresaliente. La música instrumental usada en la peli es completamente anodina, pero los temas cantados compuestos para el álbum, algunos de los cuales fueron incluidos en la cinta, llaman la atención. Desde el nivel conceptual se trata de un álbum raro, cuya propuesta fue armar duetos entre rockeros y músicos electrónicos con resultados a mi gusto fallidos. Sin embargo, si alguna vez les dio curiosidad saber cómo sonaría un dueto entre Korn y los Dust Brothers, entre Tom Morello y The Prodigy, Metallica con DJ Spooky, o el tema principal de la película, interpretado por Marilyn Manson y los Sneaker Pimps, quizá valdría la pena revisar este álbum. Otras participaciones incluyen a Moby y Orbital.

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     Muchos críticos consideraron que, a final de cuentas, el soundtrack simplemente era ruidoso y que estropeaba momentos clave de la peli; pero creo que funciona distanciando un poco al público de la cochinada que está viendo en pantalla. O sea, funciona porque no funciona.

     Originalmente, se planeó que esta cinta fuera la primera parte de una trilogía que continuaría en 1998 con Spawn 2 y Spawn 3: The Final Battle en 1999. Muchos elementos de la película sugieren la línea argumental que seguirían las secuelas, como la aparición de Angela (Laura Stepp) en la escena de la fiesta ‒fíjense bien, está ahí: vestido verde con rombos blancos‒ o el hecho de que Malebolgia no es derrotado al final. Sin embargo, la pobre recepción de público ‒la cinta recaudó apenas la mitad de su presupuesto en su fin de semana de estreno‒ y crítica aunada a la insatisfacción de Todd McFarlane con el resultado final de la cinta cerraron las puertas a cualquier secuela inmediata y sumergieron a una secuela a mediano plazo en un infierno de pre-producción que continuó hasta el año pasado.

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    En 2007, McFarlane anunció sus planes para una nueva película, que sería un reboot, se centraría más en los personajes de los detectives Sam y Twitch, y tendría un tono más similar al de un thriller con elementos de horror. Durante una temporada se rumoró que dicha película no sería Live-Action; sino una cinta animada que sería distibuida por Film Roman (responsables por series animadas como Los reyes de la colina [1997-2010], X-Men: Evolution [2000-2003], Garfield y sus amigos [1988-1995] o Los Simpson [1989- ]) directo al mercado casero. Sin emabrgo, el proyecto nunca vio la luz y fue hasta esta década, con el boom de las cintas de superhéroes y el éxito viral del cortometraje Spawn: The Recall (Paris, 2014) que rondó por Youtube, que McFarlane anunció oficialmente su proyecto de una nueva película de Spawn, para la cual terminó de escribir el guión el año pasado y que, en teoría, estaría estrenándose este año o el próximo.

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    Quizá lo único verdaderamente bueno que engendró la película de Spawn fue la serie de figuras de acción alusivas, de la cual hablé en mi artículo sobre las mejores figuras de acción basadas en películas.

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    También, según yo, ésta es la primera película de superhéroes con un actor afroamericano en el rol principal, y ‒corríjanme si me equivoco, por favor‒ la primera película basada en un comic en la que el autor de dicho comic hace un cameo.

PARA LA TRIVIA: Originalmente, se había pensado en Tim Burton para dirigir la película de Spawn, pero nunca se concretó. La segunda opción fue Alex Proyas, quien abandonó el proyecto para dirigir Ciudad en tinieblas (1998) ‒¡Y qué bueno!‒. Del mismo modo, nombres como Wesley Snipes, Cuba Gooding Jr., Will Smith, Denzel Washington y Samuel L. Jackson, entre muchos otros, fueron barajados como candidatos para interpretar a Al Simmons/Spawn.

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Si pudiera bajarle puntos extra por los efectos especiales terribles y la edición horrenda, lo haría.

    Cuando le den play al trailer, por favor noten que utilizaron el maravilloso soundtrack de Patrick Doyle para “Frankenstein, de Mary Shelley” (Branagh, 1994) para musicalizarlo.

Y ahora, como parte de este artículo conmemorativo y porque ya saben que me encanta hacer cuadros, tablas y ese tipo de cosas, aquí presento un sumario con los eventos más importantes sucedidos en el cómic de Spawn hasta la fecha. Ésta será la primera de cuatro partes. Salvo que se indique otra cosa, la numeración corresponde a la edición mexicana.

No.0 Lo mismo que el número 1, pero en edición limitada conmemorativa de la visita de Todd McFarlane a México en el marco de la MECyF 97.
No.1 Al Simmons, el nuevo Spawn aparece en la Tierra. Primera aparición de Al Simmons, Jason Wynn, los detectives Sam y Twitch, y el demonio Malebolgia. Primera aparición del reloj de los poderes de Spawn. Cuando éste llegue a 0, el alma de Al Simmons se perderá para siempre.
No. 2 Primera aparición de Payaso y su forma demoniaca Violator.
No. 3 Supuesta primera aparición de Jim Downing. Spawn se entera de que su viuda, Wanda Blake, se casó con su mejor amigo, Terry Fitzgerald, y tienen una hija, Cyan.
No. 5 Primera aparición del asesino serial de niños Billy Kincaid, quien es asesinado por Spawn y su cadáver botado en la oficina de Sam y Twitch. El jefe de policía Banks estará haciéndoles la vida imposible de ahora en adelante.
No. 6 El líder mafioso Tony Twist manda traer al sicario cyborg Overtkill para eliminar a Spawn.
No. 8 Billy Kincaid llega al Infierno. Primera aparición de Vindicator y primera mención de los hermanos Phlebiac (hermanos de Violator). Escritor invitado: Alan Moore.
No. 9 Primera aparición de Spawn medieval. Primera aparición del ángel Gabrielle, la embajadora del Cielo en la Tierra. Primera aparición de Angela, el ángel cazador de Spawns, quien pierde su lanza en un enfrentamiento contra Spawn. Primera aparición de Cogliostro. Escritor invitado: Neil Gaiman.
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Spawn llega al Limbo en el que hace un crossover con Cerebus the Aardvark. Escritor invitado Dave Sim. Este número no se publicó en México por cuestiones de derechos de autor, creando un desfase en la numeración.
No. 10 Dos pandillas se disputan el callejón de Spawn. Escritor invitado: Frank Miller.
No. 11 Primera aparición de la abuela Blake, quien es invidente y cree que Al Simmons regresó como un ángel guardián, y del asesino de Simmons, el mercenario Chapel.
No. 12 Crossover Spawn vs Youngblood. Spawn se enfrenta a Chapel, quien pierde la razón.
No. 13 Una historia original de Spawn Medieval. Comeinza a publicarse Spawn Bible, una serie de dossiers de los personajes del cómic bellamente ilustrada por Greg Capullo.
No. 15 Saga “Reflexiones”, escrita por Grant Morrison. Inicia la colaboración de Greg Capullo en el arte. Primera aparición del Anti-Spawn, Jason Wynn, en un hueco argumental que tardaría más de dos décadas en resolverse.
No. 18 Spawn y Harry Houdini.
Especial Spawn vs Batman. Escrita por Frank Miller. Termina con Batman lanzándole un batibúmerang a Spawn en el rostro.
No. 20 El indigente Bobby cose la cara de Spawn con una agujeta, dándole el look conocido por los fans como “Hambuger Head”.
No. 21 Regresa Overtkill.
Especial Miniserie Violator. Escrita por Alan Moore. Arte de Bart Sears y Greg Capullo, tintas de Mark Pennington. Los hermanos Phlebiac, Vindicator, Vandalizer, Vaporizer y Vacillator deciden castigar a su hermano menor Violator por haber deshonrado a la familia. Tony Twist envía al mercenario psicópata Admonisher a eliminar a Payaso.
No. 24 Artista invitado: Mark Silvestri. Primera aparición del mutante Tremor, un sicario convertido en monstruo por los experimentos que Tony Twist hizo con él.
No. 25 Gabrielle se entrevista con Spawn para saber el paradero de la lanza de Angela.
No. 26 Primera aparición de The Curse, un fanático religioso con partes biónicas.
Especial Miniserie Angela. Escrita por Neil Gaiman y dibujada por Greg Capullo. En la ciudad celestial de Elysium, Angela es llevada a juicio por Gabrielle bajo cargos de traición por haber abandonado su lanza. Las amigas de Angela, Anahita y Kwan Yin, llevan a Spawn al Cielo como testigo; pero todo sale mal y Angela y Spawn deben escapar, recibiendo este último un disparo de energía celestial que casi mata su necrotraje. Hay un affair entre Spawn y Angela, quien es declarada renegada por el Cielo.
No. 28 Spawn regresa del Cielo al Medio Oeste estadounidense. Encuentra a Andy y Eddie Frank, dos niños que son maltratados por su padre abusivo.
No. 29 Spawn vs el KKK.
No. 30 El personaje conocido como Anti-Spawn es rebautizado como Redeemer. Nace un nuevo Redeemer encarnado en el buen samaritano Phil Timper. Redeemer derrota a Spawn y el necrotraje muere para después mutar. Primera aparición del ángel Raphaelle, quien sustituye a Gabrielle.
No. 32 Regresa Violator.
Especial Miniserie BloodFeud. Escrita por Alan Moore. Lápices de Tony Daniel, tintas de Kevin Conrad. Sam y Twitch investigan violentos asesinatos. A la ciudad llega el cazador de monstruos John Sansker, quien señala a Spawn como el responsable y lo acusa de ser un vampiro.
No. 33 Payaso pierde la capacidad de transformarse en Violator. Primera aparición del demente conocido como The Freak.
No. 34 Spawn se enfrenta a Jason Wynn, quien es rescatado por Terry Fitzgerald.
No. 35 Spawn revela su identidad a Wanda Blake, pero ella no le cree.
No. 36 The Freak pide ayuda a Spawn para vengarse contra el científico que lo usó como conejillo de Indias.
No. 37 Comienza la colaboración del artista Tony Daniel. Primera aparición de Cy-Gor, un gorila con partes biónicas creado con el cerebro del pupilo de Al Simmons, Stephen Smith. Cy-Gor escapa del laboratorio en el que estaba encerrado.
No. 38 El inmundo Especial de Navidad.
No. 39 Regresa The Curse.
No. 42 Spawn aprende a controlar a las criaturas de la noche. Tras ser amenazado por Jason Wynn, el jefe Banks se suicida.
No. 43 Primera aparición del ángel cazador Tiffany.
No. 45 Regresa Tremor, quien pide ayuda a Spawn para rescatar a su hermano de Tony Twist.
No. 47 Spawn deja los callejones. Payaso se alía con Jason Wynn.
No. 48 Comienza la colaboración del Dream Team de Spawn: Lápices de Greg Capullo, tintas de Danny Miki. Spawn pelea contra su necrotraje y es rescatado por Cogliostro. Terry tiene un tumor en el cerebro y sufre un accidente. Cy-Gor llega a Manhattan.
No. 49 En EE.UU. este número fue parte del 50, que fue un número doble. Spawn salva a Terry y Cyan conserva la agujeta de Spawn como recuerdo, desarrollando un vínculo psíquico con él.
No.50 Spawn desciende al Infierno. A partir de aquí, se empata la numeración de la edición mexicana con la original.
No. 51 En el cuarto nivel del Infierno, Spawn pierde su corazón humano.
No. 52 Crossover Spawn y Savage Dragon.
No. 53 Spawn se enfrenta a Billy Kincaid, ahora convertido en Hellspawn.
No. 56 1ª aparición del mentor de Al Simmons, el mayor Forsberg, quien ha estado pudriéndose en un calabozo desde los 70. Es rescatado por Spawn.
No. 57 Primera colaboración del artista Chance Wolf en las tintas. Spawn se enfrenta a Cy-Gor (por fin).
No. 58 Los hermanos Frank llegan a Manhattan tras escaparse del reformatorio.
No. 59 Payaso secuestra a Cyan.
No. 60 Spawn mata a Payaso.

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[1] Tomado de su sitio web, http://www.rogerebert.com/reviews/spawn-1997 . La traducción es mía.

ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS. Redux

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ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS

Rogue One

 

Gareth Edwards, 2016

¿Soy el único que piensa que lo mejor que pudo pasarle a la franquicia de Star Wars fue que George Lucas la vendiera? Digo, con el Universo Cinematográfico Marvel, el monopolio del entretenimiento Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm demostró que puede resucitar a los muertos… a menos que le pidan más de tres películas, porque entonces empiezan a repetir el mismo argumento ad infinitum ‒y Iron-Man/Ant-Man/Dr. Strange me dan la razón‒. También, cualquier oferta cinematográfica que produzcan correrá el riesgo de sobresaturar el mercado. De tal suerte, en vez de una película de Star Wars cada tres años, tendremos una para cada Navidad gracias al proyecto de Universo Expandido de Disney. Así pues, aquí va su primer intento de spin-off de la saga.

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    Antes que nada, quiero recordar la regla que tengo para hablar del “Canon” de Star Wars. Tantos cambios se han hecho sobre qué sí entra en el canon y qué se queda fuera, que francamente ya me fastidió estarlos siguiendo. De tal suerte, personalmente sólo considero “canon” aquello que vemos en pantalla dentro de las películas estrenadas en cines. Si acaso algunas escenas extendidas cuando éstas no contradigan otras cosas dentro de la saga… o sean ridículas como el “¡No!” de Vader en El regreso del Jedi (Marquand, 1983).

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    La historia de Rogue One se sitúa inmediatamente antes de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) y es protagonizada por la joven Jyn Erso (Felicity Jones), hija de Galen Erso (Mads Mikkelsen, a quien seguro recuerdan, junto con sus labios extraños por su interpretación del Dr. Hannibal Lecter en la serie de TV Hannibal [2013-2015]), el científico que diseñara la Estrella de la Muerte. El rumor de la construcción de un arma de poder destructivo inimaginable ha llegado a oídos de la Alianza Rebelde, quienes rescatarán a Jyn de una prisión imperial y la reclutarán en una misión para encontrar a Saw Gerrera (Forest Whitaker) un líder guerrillero independiente que podría tener información sobre el paradero del padre de Erso y sobre la última arma secreta del Imperio. Sin embargo, Cassian Andor (Diego Luna), quien está a cargo de la misión, tiene su propia agenda. Jyn y Andor emprenderán una misión suicida no autorizada por la Alianza para robar los planos de la temida Estrella de la Muerte.

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    Creo que debo empezar diciendo que me gustó esta película. Francamente, me gustó más que The Force Awakens (Abrams, 2016). Curiosamente, se siente menos forzada y, a pesar de que temporalmente se sitúa en la época de la Trilogía Original, toma prestado menos de las cintas originales que el séptimo episodio de la saga.

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     Lo primero que llama la atención sobre esta película y que me agradó bastante es el tono. Creo que es la película más oscura de la saga desde El Imperio contraataca (Kershner, 1980). Porque, vamos, Episodio III (Lucas, 2005) trataba de llegarle a ese tono, y es bastante sórdida en algunas partes, pero algo le faltaba… actuación, supongo. Los personajes de Rogue One no son héroes de manera inherente; sino que se convierten en héroes porque deben hacerlo. Hasta la vis comica, el androide imperial reprogramado K-2SO (Alan Tudyk), es el robot más cínico que recuerde en una película de la saga. A final de cuentas, la conclusión de la película es casi nihilista.

     Creo que la cinta es eficiente en mostrar la situación de represión y caos en la que estaba sumida la galaxia bajo el dominio del Imperio. En ese sentido, es perfectamente entendible el surgimiento de una Alianza Rebelde… que, según se expone en cierto momento de la película, en cuanto a sus métodos y su agenda no es mucho mejor al Imperio. Me gustó que le dieran más tiempo en pantalla a personajes como Mon Mothma (Genevieve O’Reilly) o el general Dodonna (Ian McElhinney).

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     A pesar de que un poco la jugada de las nuevas cintas de la saga es distanciarse de lo planteado en la Trilogía de Precuelas, en ésta se enlazan las dos trilogías con detalles como la aparición del senador Bail Organa (Jimmy Smits), o las secuencias de Darth Vader de las que hablaré más adelante.

    Está padre que Rogue One pudiera escapar a los dos síndromes de las precuelas. Por un lado, esa compulsión por explicar absolutamente todo lo que sucede en las películas anteriores, como en La Masacre de Texas: el inicio (Liebesman, 2006); o el de dejar demasiados cabos sueltos mañosamente para después llenar los huecos con películas innecesarias… como la Trilogía de Precuelas.

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     Lo que sí me despierta sentimientos encontrados es que Rogue One termine casi exactamente donde inicia La guerra de las galaxias, porque contradice lo que se plantea al inicio de ésta, de que la misión de la princesa Leia (Carrie Fisher) estaba encubierta como una misión diplomática. Yo me imaginaba una cosa más como de espionaje. Vamos, el diálogo entre Vader y Leia al inicio de la cinta resulta absurdo rayando en lo idiota según lo que se ve en Rogue One.

     También me pareció muy interesante que esta historia presenta la perspectiva del Imperio mejor que ninguna otra. Incluso el principal villano, Orson Krennic (Ben Mendels), director del proyecto de la Estrella de la Muerte, puede entenderse perfectamente como un héroe del Imperio. La lucha de poder entre Krennic y el gobernador —llamado en todo el merchandising “Grand Moff, no así en las películas— Tarkin (el icónico Peter Cushing resucitado gracias a la “magia” de la tecnología digital con la ayuda del actor Guy Henry) es uno de los puntos clave de la historia.

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    Por cierto que, también gracias a la tecnología CGI, Carrie Fisher fue rejuvenecida para la que sería su última aparición en pantalla.

    Me gustó la forma en la que aparece Darth Vader (Spencer Wilding, voz de James Earl Jones, quien ya se oye cansado) en esta película. Primero, recluido en Mustafar ‒recuperando un diseño hecho por Ralph McQuarrie para la secuela de Star Wars en 1978 ‒ y después reivindicándose como villano. Esto es uno de los mejores puntos de la cinta. Darth Vader deja de ser el niño llorón que extraña a su mami que plantearon los episodios III y III, y retomó su lugar como el segundo mejor villano (de cien) en la historia del cine según la lista del AFI. Al ver a Vader en acción en esta película recordamos por qué la galaxia entera le teme y por qué representa la perdición de los rebeldes.

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    Y justo cuando ya me estaba resignando a no ver acción de lightsabers en la película… es decir, ya había comprendido que podía no ser necesario porque la cinta iba bien aun sin ella, me regalan una escena climática con el Lord del Sith en todo su esplendor. Dicho sea de paso, ésta es la primera película de la saga desde El Imperio contraataca en la que vemos a Darth Vader en su cámara de meditación. Dicha secuencia también sirve para enlazar la Trilogía Original con la Trilogía de Precuelas.

    Los que quedan un poco a deber son los personajes secundarios. No sé, algo tienen que no me acaba de convencer. Quizá no son tan geniales. Quizá son demasiado parecidos a los personajes de los cómics de Star Wars. Quizá es que la franquicia sigue forzando la diversidad étnica en sus elencos… o quizá es que simplemente no terminan de encajar del todo en el universo de Star Wars. No son malos personajes, en general cumplen con su función, pero algo les falta.

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    La actuación me parece un tanto dispareja. Los protagónicos están bien a secas. Diego Luna sigue siendo uno de los actores más odiosos que he visto en pantalla, pero logra trascender a ello. SPOILER Aunque sí recuerdo que, al menos en la función a la que yo fui, la gente se lamentó mucho más por la muerte de K-2SO que por la escena en la que muere Andor TERMINA SPOILER. Felicity Jones está muy bien en algunas escenas y en otras como que le falta emoción.

    A mi gusto, el que se lleva de calle la película es Mendels y Krennic es quizá el mejor villano de la saga desde la aparición del Emperador en El regreso del Jedi ‒estuve muy tentado a poner que es el mejor desde Boba Fett, pero la verdad es que el Emperador tiene lo suyo‒. Me gusta que es un villano muy humano. No es una figura de acción de tamaño grande como Darth Maul o el general Griveous, ni un líder político poco carismático como el conde Dooku, ni un Milennial berinchudo como Kylo Ren; Krennic es un líder visionario y calculador que no está cegado por un exceso de confianza como Tarkin, y cuyo mayor defecto sería la falta de fe.

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    Me gustó la inclusión de vehículos clásicos de la saga, así como de algunos nuevos. En ese sentido, la película me recordó mucho a la saga de videojuegos Rogue Squadron (LucasArts, 1998-2003) a la que, francamente, creo que le debe todo, tanto en el tono como en el argumento.

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    La peli tiene buen ritmo y la historia se cuenta bien. La música de Michael Giaccino logra el tono épico de la saga, pero lo adereza con el tono oscuro de esta película particular. La fotografía es muy buena y se agradece la nueva preceptiva de la franquicia de filmar en locaciones reales en vez de escenarios virtuales. De hecho, desde El despertar de la Fuerza, se ha tratado de mantener al mínimo el uso de CGI… Peter Cushing virtual aparte.

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    El enfrentamiento final entre Erso y Krennic es bueno, aunque no pude dejar de pensar que era casi idéntico a la pelea climática entre James Bond y Alec Trevelyan al final de GoldenEyeel regreso del 007 (Campbell, 1995).

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    Rogue One es una buena película, una adición refrescante a la saga de Star Wars y creo que logra llenar esa especie de vacío que me había dejado El despertar de la Fuerza. Además, logra dejar claro que, si bien es parte de la franquicia, se trata de una cosa aparte. Es también una demostración de que el universo creado por Lucas puede abordarse desde muy distintas perspectivas. Sólo hay un detalle que me inquieta y sobre el cual apenas pude reflexionar en los últimos días: Rogue One parece confirmar, al menos en la pantalla grande, que la saga sólo funciona con todo su potencial dentro de lo planteado por la Trilogía Original.

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PARA LA TRIVIA: Según se sabe, a George Lucas le encantó la película.

PARA LA TRIVIA GEEK: La frase “Que la fuerza de otros te acompañe”, que tanto utiliza el personaje de Chirrut Îmwe (Donnie Yen) a lo largo de la película, era la frase que George Lucas había escrito en el guión original de The Star Wars, pero más tarde decidió sustituirla por “Que la Fuerza te acompañe”.

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STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA. A la que no llamaron “Episodio VII” porque no sea que la relacionen con… ya saben qué.

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STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA

Star Wars: The Force Awakens

 

J.J. Abrams, 2015

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy muy lejana… en la que pasaron tres generaciones y a nadie se le ocurrió inventar los barandales… Es un tiempo de incertidumbre en la galaxia y entre la fanaticada. George Lucas ha vendido Lucasfilm Ltd. A The Walt Disney Corporation y la Casa del Ratón, temerosa de que los actores de la Trilogía Original murieran de viejos[1], apresuró la producción de un nuevo episodio de la saga, mismo que continuaría con la historia a partir de donde se quedó después de El regreso del Jedi (Marquand, 1983)… o algo así.

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    Treinta años han pasado desde la caída del Imperio Galáctico. Luke Skywalker (Mark Hamill) ha desaparecido sin dejar rastro tras su fracaso por entrenar una nueva generación de jedis. Sin su apoyo, un grupo militarizado conocido como la Primera Orden, surgido de los residuos del Imperio, ha cobrado fuerza y busca apoderarse de la galaxia, lo que ha ocasionado el surgimiento de una guerrilla conocida como la Resistencia. El mejor piloto de la Resistencia, Poe Dameron (Oscar Isaac), se encuentra en una misión secreta asignada por la generala Leia Organa (Carrie Fisher) para recuperar un mapa que podría indicar la localización de Skywalker.

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    Sin embargo, Dameron es interceptado por las tropas comandadas por el caudillo de la Primera Orden, un wannabe de Lord del Sith llamado Kylo Ren (Adam Driver), y se ve obligado a ocultar el mapa en un droide BB-8 que queda vagando por el desierto en el planeta Jakku (que es increíblemente parecido a Tatooine). BB-8 cae en manos de una bella chatarrera llamada Rey (Daisy Ridley), quien parece ser, de manera innata, sensible a la Fuerza.

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    Ahora, Rey y el stormtrooper renegado Finn (John Boyega) hacen suya la misión de llevar al droide al cuartel general de la Resistencia, encontrando en el camino a los legendarios Han Solo (Harrison Ford) y Chewbacca (Peter Mayhew). Mientras tanto, la Primera Orden pone en funcionamiento el arma máxima: La estación de batalla Starkiller, que abarca todo un planeta, y que roba la energía de las estrellas y la canaliza en un rayo destructivo de capacidad inimaginable, capaz de aniquilar sistemas planetarios enteros.

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    Así como lo leen. El argumento de El despertar de la Fuerza es básicamente el mismo que el de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977). Incluso por ahí leí que, con esta película, J.J. Abrams había inventado la secuela/reboot/remake ‒no estoy de acuerdo, quien escribió eso seguro nunca vio El aullido IV: La pesadilla original (Hugh y Turner, 1988)‒.  Y eso que ya ni narré la parte en la que Rey es capturada por Ren y es llevada prisionera al interior de Starkiller, lo que desencadena un rescate por parte de Solo y Finn, y un ataque al planeta liderado por Dameron. De verdad, es la misma maldita película.

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    En general, pude notar dos cosas de esta cinta: La primera es que estaban tan preocupados por mandar a la goma la Trilogía de Precuelas que cayeron en el absurdo de parecer que estaban jugando al Día Opuesto de Bob Esponja. Me refiero a que hay muchos elementos en pantalla cuya única justificación parece ser “llevarle la contraria a las precuelas”. Y aunque sí pueden considerarse como un fracaso ‒quizá con excepción de Episodio III (Lucas, 2005) que no está tan mal… siendo la palabra “tan” la clave‒, la verdad es que plantearon un par de elementos valiosos que merecían ser rescatados.

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    Digo, el resultado final es bueno. La gran mayoría de las criaturas que se ven en la película son animatrónicos y el uso de escenarios digitales fue reducido al mínimo. Así pues, la película tiene un look diferente y se ve menos artificial que sus contrapartes de la década pasada. Aunque pudieron esforzarse más con los personajes. Lo digo particularmente por Maz (voz de Lupita Nyong’o, la segunda mexicana en Star Wars, cuyo personaje es más o menos la misma idea que Dexter Jetser en Episodio II), que es enteramente digital y sí contrasta con otras criaturas… y se ve medio chafón, la neta.

    Del mismo modo, mandaron a volar casi por completo los escenarios digitales y casi todas las escenas de esta película fueron grabadas en sets o en locaciones reales, muchas de ellas bastante impresionantes. La utilización de locaciones reales y una fotografía propositiva y arriesgada realmente realzan la película. Felicidades a los que hayan hecho el scouting.

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    En segundo término, está lo que en verdad odié de esta película: creo que es demasiado autocomplaciente. Nadie en esta cinta quiso salirse de su zona de confort: El argumento, prácticamente pirateado de la primera película; nuestros personajes favoritos están de regreso; un villano light que no se robaría la película ni aunque su vida dependiera de ello; la música, variaciones de los temas clásicos de la saga; la historia prácticamente no ha avanzado en 30 años y por aquí y por allá hay referencias a la Trilogía Original, porque si todo lo demás falla, siempre se puede apelar a la nostalgia.

    El problema de plagar tu película de referentes y de cosas prestadas de oras películas es que te niegas la posibilidad de sorprender al público —porque sus giros de tuerca son predecibles y están medios piteros, la verdad—. Por lo menos en la Trilogía de Precuelas se atrevieron a tomar riesgos… en la mayoría de las cosas nuevas que intentaron, fracasaron miserablemente de formas hasta dolorosas, pero al menos se atrevieron a probar.

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    De entrada, el panorama es bastante desalentador: Han pasado tres décadas después de la caída del Imperio… ¡y todo sigue igual! Yo esperaba ver a Leia en algún alto cargo diplomático, a Han quizá como un empresario o no sé, o a Luke como el líder espiritual de la Nueva República; pero no. Todos siguen haciendo exactamente lo mismo que cuando los dejamos y ni siquiera parecen haber crecido o evolucionado intelectual o emocionalmente. Y Luke ni siquiera anda por ahí, se fue a esconder en una línea argumental que es casi un plagio del primer arco narrativo de los cómics de Thundercats de Image[2]. Así, da la impresión de que las grandes hazañas y los sacrificios de los personajes en la Trilogía Original fueron en vano.

    La primera vez que vi esta peli no me gustó la música. Sin embargo, en visionados posteriores y tras poder escuchar el soundtrack por separado, la verdad es que me convenció bastante. Me tomó un poco de tiempo, con mi oído de artillero, encontrar los leit motivs que Williams propuso para esta ocasión. El tema de Rey, romántico y lleno de sutilezas, es de lo más sobresaliente de la banda sonora de esta cinta.

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     Pero aún hoy, insisto: ¿Qué onda con Kylo Ren? ¿Será atrevido de mi parte llamarlo el peor villano de la saga? Es decir, Jango Fett es pésimo, pero al menos tiene escenas padres. Darth Maul ni siquiera habla, pero tiene uno de los mejores diseños y el arma más padre de toda la saga… ¿Pero y Kylo Ren? Aun cuando podría llegar a ser el Sith más poderoso en la saga, como personaje es débil, no está tan bien actuado que digamos y la verdad es que toda la fuerza o presencia que pudo haber tenido la pierde cuando nos es revelada su identidad… Lo que sucede como a la media hora de película. De ahí en adelante sólo es ver cómo el muchacho hace sus berrinches y cómo la intervención que quisieron hacer sus padres fracasa. Recuerdo cómo en la parodia de la revista MAD decían que era un Lord del Sith con el que los millennials podían identificarse… y es divertido, porque es verdad.

    ¡Caray! Era un personaje que daba para tanto… incluso mantener el misterio de su identidad hubiese sido una jugada válida y un pretexto para meter otra escena referencial a El Imperio contraataca (Kershner, 1980) cuando Ren habla con Han Solo ‒sí, hubiera estado medio mamón, pero habría funcionado‒. Pero no, señores. Abrams, bien plantado en su zona segura, no se atreve a mantener el enigma por demasiado tiempo; quizá porque sabe que eso fue lo que vinimos a ver y que las nuevas generaciones, hacia quienes va más enfocada esta peli, son muy desesperadas y no soportarían ir atando cabos hasta el final de la cinta para adivinar quién es.

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    Finalmente, el lightsaber de Ren está padre. Es un poco más burdo que los lightsabers que hemos visto en otras películas de la saga, pero esto simplemente nos indica que las habilidades de Ren aún no están pulidas del todo y eso me pareció un buen detalle. Aunque también creo que se pudo explotar más.

    Por cierto que el líder supremo Snoke (Andy Serkis porque, coño, el tipo es un gran actor de criaturas y hay que tenerlo en una peli de Star Wars haciendo… algo) también me pareció un villano bastante decepcionante. Y en general todo el rollo de la Primera Orden. Vuelvo a lo mismo ¿Por qué pudo formarse un grupo así debajo de las narices de la República? Digo… se ve que mantenerlo sale caro. Creo que la historia del advenimiento de la Primera Orden hubiera sido un argumento muy interesante.

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    Lo que sí me encantó fue la actuación de Ridley. En general, todos actúan bastante bien; pero es Ridley quien se roba el show. Además, su personaje es entrañable y la chica lo interpreta bien. Nuevamente, quizá habría sido mejor ver un poco más de desarrollo en cuanto al uso de la Fuerza; pero en general creo que está bien.

    Al respecto de las acusaciones que dicen que Rey es demasiado hábil con la Fuerza de manera inexplicable, sólo puedo decir que me hubiera gustado que no todo le saliera perfectamente bien a la primera y que necesitara adiestramiento para hacer… todas las maravillas que hace y para las que parece tener un talento innato ‒hasta Luke era medio güey al principio‒. Supongo que será tarea de los Episodio VIII y IX justificar sus habilidades y, sobre todo y espero que de verdad lo sepan hacer, poner en crisis al personaje, como le pasó a Luke en El Imperio contraataca.

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    Esta película es como muchas personas: Pierde un poco su identidad al tratar de complacer a todos. Aunque, por otro lado, debo reconocer que en ese aspecto es sobresaliente: Logra entretener y hasta cautivar al público, la trama no es demasiado complicada para que sirva como película introductoria a nuevos públicos; pero aun así complace a los fans de la Trilogía Original, no sólo retomando elementos de ella; sino prácticamente borrando de la existencia la Trilogía de Precuelas. Y también hay mucho material que puede ser consumido por neófitos y villamelones. Además, hay una tarea sumamente importante con la que la cinta cumple cabalmente: Sí me dejó con ganas de más y esperando con ansias el Episdoio VIII.

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    Por cierto… ¿Fui el único al que le molestó que no le quitaran el casco a la capitana Phasma (Gwendoline Christie)? ¿Al igual que yo, ustedes esperan con ansias el momento en que Finn y Phasma se den agarren a catorrazos cuerpo a cuerpo? ¿Fui el único que le mentó la madre a Maz cuando se niega a explicar cómo recuperó el lightsaber de Luke ‒digo, porque lo perdió cuando le mocharon la mano en Bespin‒? En general, aunque me gustó bastante El despertar de la Fuerza, la sentí un tanto superficial. En el sentido de que tuvieron muchos elementos que pudieron explotar mucho más.

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    Sin embargo, creo que estoy perdiendo el quid de la cosa. Creo que en lo que sobresale El despertar de la Fuerza es en su narración. Finalmente, se trata sobre una bella y contemporaneizada fábula sobre el Libre Albedrío que se mueve sobre dos ejes principales. Por un lado, está Kylo Ren, quien tenía todo para convertirse en un jedi, un defensor de la paz en la galaxia y a quien incluso le fue ofrecida la redención, decide completar su descenso al Lado Oscuro por su propia voluntad. Por el otro lado está Finn, quien fue condicionado como Stormtrooper; pero, ante los horrores que le estaban ordenando cometer, se rebeló y venció su condicionamiento para unirse a la Resistencia.

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    Así pues, en un soberbio ejemplo de forma que se convierte en fondo, la fotografía de la peli maneja contrastes de colores, de luces y de sombras, para manifestar ese conflicto entre el bien y el mal. No es coincidencia que la gama cromática para el merchandising de la cinta fuera azul y rojo.

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    A final de cuentas, me gustó bastante y salí contento del cine… Pero no puedo quitarme la molesta sensación de que me están vendiendo una versión edulcorada de algo que ya vi. El despertar de la Fuerza es una entrada bastante decente en la saga y, aunque es una buena película (buena a secas), creo que su más grande defecto es que se siente “pre-fabricada”… Digo, ya sé que todas las películas de alto presupuesto de los grandes estudios lo están, pero en ésta es como muy notorio.

    Y si Luke no quería que lo encontraran… ¿por qué dejó un mapa con su ubicación?

PARA LA TRIVIA: En cierto momento, tanto Michael Fassbender como Hugo Weaving fueron considerados para el rol de Kylo Ren.

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[1] Bueno, cuando escribí esto Carrie Fisher seguía con nosotros.

[2] Al final de la serie de dibujos animados, una vez que los Thundercats han vencido a Mumm-Ra, Leon-O inicia un viaje místico al interior del Libro de Thundera para entrenarse como Señor de los Thundercats. Cuando regresa años más tarde, ve que Nueva Thundera ha caído en manos de los mutantes, quienes han esclavizado a sus compañeros, incapaces de resistirse sin su guía.

STAR WARS EPISODIO III: LA VENGANZA DE LOS SITH. De cuando George Lucas se acordó en domingo en la noche que le habían pedido una cartulina para el lunes…

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STAR WARS EPISODIO III: LA VENGANZA DE LOS SITH

Star Wars Episode III: Revenge of the Sith

 

George Lucas, 2005

Y así, toda una era llega a su fin. Y no me refiero sólo al gobierno del Senado Galáctico, sino a la Trilogía de Precuelas de Star Wars. En aquel lejano 2005, los cinéfilos nos sentíamos satisfechos y en cierto modo completos, y algunos ingenuos hasta creyeron que no volverían a ver una película de Star Wars en la pantalla grande, creencia que se incrementó cuando George Lucas públicamente declaró que no filmaría los episodios VII, VIII y IX porque “ya estaría demasiado viejo para entonces y no sería divertido”. Hay que reconocer que el hombre cumplió con su palabra.

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    En esta última película de la Trilogía, que según el canon original sucede tres años después de Episodio II, se narra la historia de cómo la Antigua República se encuentra devastada por la guerra promovida por el conde Dooku (de nuevo el inmortal Christopher Lee) y el general droide —bueno, en realidad es un cyborg— Grievous (voz de Matthew Wood). El canciller supremo Palpatine (Ian McDiarmid) ha retenido el poder por demasiado tiempo, lo que comienza a causar descontento entre el Consejo Jedi. El joven jedi Anakin Skywalker (Hayden “Noactuaríaniaunquemividadependieradeello” Christensen) está a punto de convertirse en padre; pero terribles visiones del futuro lo sumen en la desesperación y la incertidumbre, lo que lo lleva a acercarse al misterioso Lord del Sith Darth Sidious, cuyas enseñanzas del Lado Oscuro podrían salvar la vida de Padme (regresa la Portman en una de sus peores interpretaciones en la vida), la esposa secreta de Anakin. Sin embargo, seguir las enseñanzas de Sidious significaría traicionar a la Orden Jedi y destruir todo por lo que Anakin y los jedi han luchado.

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    Siempre que veo esta película me da la misma impresión: En mi mente veo a George Lucas como un estudiante irresponsable que se pone a estudiar tratando de aprender todos los contenidos del semestre la noche anterior al examen final. Es como que de repente dice: “¡Madres! ¡Llevamos dos películas haciéndonos pendejos, tenemos un montón de cosas que explicar y sólo nos queda una película de dos horas y cuarto!” Porque así es como se siente Episodio III.

    Principalmente me llama la atención el personaje del general Grievous. Por muchas razones. Se supone que Grievous, cuyo diseño original corrió a cargo del artista Warren Fu, fue creado para el Episodio III por George Lucas; pero su primera aparición se dio en la serie de cortometrajes animados Guerras Clónicas (2003-2005), para ir calentando el ambiente antes del estreno de la cinta. Así pues, el inicio de Episodio III se entiende más como un cierre a la serie animada… y si uno no la ha visto, sí le da la sensación de que se perdió de algo antes de la película.

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    Grievous funciona como una especie de antecedente de Darth Vader: al igual que el Señor del Sith, es un cyborg[1] con problemas de asma que se embarca en una cruzada para cazar a los jedi, conservando sus lightsabers como trofeos. Ahora bien, en este último visionado que hice de Episodio III me surgió la duda: Grievous es un antecedente de Darth Vader… ¿O es su sustituto? En mi crítica del Episodio II, mencioné que las precuelas desaprovecharon por completo los dos poderosos ejes argumentales que pudieron usar: las Guerras Clónicas y la Cacería de los Jedi.; ahora me dio la impresión de que Lucas llegó a un punto en el que aún le quedaban demasiados jedi vivos, por eso utilizó el recurso de la Orden 66 y, claro, lo más lógico era que tuviera un personaje que se dedicara a cazar jedis, sólo que, por desgracia, Darth Vader aún no existía. Por eso tuvo que crear a Grievous.

    En resumen: creo que se perdió tanto tiempo narrando las comiquísimas aventuras de Jar Jar Binks (Ahmed Best) y el romance estudiantil/chafón de Anakin y Padme en los Episodios I y II, que la historia en Episodio III se comprime al punto de necesitar un personaje que, según su propio planteamiento, ni siquiera existe aún.

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     Por supuesto, el plato fuerte de esta película es el origen de Darth Vader, el cual, por cierto, permaneció prácticamente igual a como lo narra el espíritu de Obi-Wan Kenobi en la novelización de El regreso del Jedi:

    … Cuando vi lo que había llegado a ser, intenté disuadirlo, atraerlo de nuevo a la luz. Luchamos… y tu padre cayó en un crisol de fundición. Cuando tu padre salió arrastrándose de ese terrible estanque, el cambio en él había sido impreso con fuego para siempre. Se convirtió en Darth Vader, sin el más leve asomo de Anakin Skywalker. Irremediablemente maligno. Surcado por cicatrices y mantenido con vida sólo por su maquinaria y su propia y negra voluntad…[2]

       Y en ese sentido, la película cumple. La esperada pelea entre Obi-Wan (Ewan “Soyelúnicoqueactúaenestasmadres” McGregor) y Anakin es espectacular, y la subsecuente derrota y destrucción de Anakin están de antología. Lo único que no me encanta es el epílogo. Francamente, creo que la película dura más de lo que debería; por mí, pudieron haber metido los créditos finales justo cuando terminan de ponerle la máscara a Vader. Así se habrían evitado el legendariamente ridículo grito de “¡No!”, además de que ésta sería la única película de la saga en terminar con un primer plano.

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    La que sí me pareció un tanto ociosa fue la pelea entre Yoda (voz de Frank Oz) y Darth Sidious en el Senado Galáctico. Tampoco creo que aporte nada a la historia y para lo único que sirve es para ver lo poco que se parece el Emperador del Episodio III al de El regreso del Jedi (Marquand, 1983), a pesar de haber sido interpretados por el mismo actor.

    Al respecto de la transformación de Palpatine en pantalla, también quisiera hacer notar que me pareció decepcionante. Quiero decir, porque fue inmediata. Uno entendía que la apariencia de Palpatine en El regreso del Jedi se debía a que sí era muy viejo, pero además había sido consumido por el Lado Oscuro a lo largo de los años. Nuevamente, como perdieron tiempo con otras cosas en los episodios anteriores, tuvieron que acelerar la degradación del personaje… Y ahora que me fijo, ¿por qué Palpatine ruge?

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    A pesar de la duración de la cinta, creo que el montaje y la edición son más que eficientes. Aun cuando es la película más larga de la Trilogía de Precuelas, es la que mejor fluye. Esto sin duda se debe a la edición; pero también seguramente tiene que ver con que es la única en la que de verdad pasan cosas interesantes.

    Del mismo modo, parece que Lucas y su equipo por fin se pusieron a hacer la tarea, porque de las tres precuelas ésta es la única que más o menos se acerca al tono de las películas originales y hasta antes de Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016).

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    Aunque no por eso está exenta de cada mamada… como… ¿Qué onda con Kashyyk y los wookies? Está más metido a la fuerza que Jango Fett en el Episodio II y peor lograda, porque en este caso ni siquiera contribuye a la historia. De verdad, hagan el intento: Saquen las secuencias de Kashyyk y la película sigue siendo la misma. Ni siquiera hace falta explicar por qué Yoda no fue muerto en el ataque al Templo Jedi —digo, uno entiende que Yoda es demasiado chingón como para morir a manos de los clone troopers—. Por no mencionar que la navecita del Maestro Jedi se parece muy sospechosamente a la nave de E.T. El extraterrestre (Spielberg, 1982) y, sobre todo… ¿Están tratando de decirme que Chewbacca (Peter Mayhew) conoció a Yoda mucho antes que Luke? ¿Y no le dijo nada? ¿Aun cuando lo vio esforzarse en su entrenamiento para ser jedi? ¡No mamen!

    ¿Y qué tal su explicación tardía, forzada y no solicitada sobre por qué los jedis de la Trilogía Original se desvanecían y los de la Trilogía de Precuelas sí dejan sus cadáveres ahí tirados? En el corte original de la película había una secuencia completa donde Qui-Gon lo explicaba a fondo; pero la dejaron fuera desde la primera edición.

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    Y R2-D2 (Kenny Baker) sigue teniendo retrocohetes. ¿O es que debo suponer que cuando le borran la memoria a los droides se le olvida que los tiene? No, pero esperen, sólo borraron la memoria de 3PO (Anthony Daniels), la de R2 se mantuvo intacta… Además, en la Trilogía Original, R2 podía comunicarse con Luke a través de la interfaz de la computadora de la X-Wing. ¿Y no pudo decirle nada sobre Vader? ¿O sobre Obi-Wan? O sobre… ¡Cualquier cosa!

    Hablando de droides ¿se fijaron que en los trece años que pasaron entre Episodio I y III la tecnología de la Federación de Comercio apenas si se desarrolló? O sea, empezaron siendo unos buenazos que tenían naves caza autómatas y, más de una década después, siguen teniendo el mismo modelo de naves caza autómatas, sólo que pintado de otro color y con un lanzamisiles integrado…

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    ¿Y qué onda con la muerte de Mace Windu (Samuel L. Jackson)? Desde antes de que saliera la película supuse que Anakin sería el encargado de darle muerte. Digo, finalmente fue Windu, más que cualquier otro, quien se oponía a que Anakin fuera entrenado como jedi… curiosamente, ni siquiera Yoda puso tantos peros hasta este episodio. Y a final de cuentas no lo mata —no directamente, quiero decir— y el pobre Windu perece en circunstancias que harían sonrojar al Equipo Rocket.

    Las actuaciones siguen siendo malas. Afortunadamente, Christensen como que se metió a clases o algo, porque la verdad es que sí mejora un poco en esta película ‒o sea, un poco‒; pero Portman está perdida. Completamente. Sin ánimo de exagerar puedo decir que la de esta cinta es la peor actuación que le he visto en la vida. Incluso en esa película en la que la abandonan en el Wal-Mart se ve mejor… ¡Hasta en la soporífera Thor (Brannagh, 2011) actúa mejor! Y si la lamentación de Anakin en el Episodio II estaba de risa loca; sin duda se echa un Tète-a-tète con el “Anakin, you’re breaking my heart!” de Padme en esta cinta. Mmhhh… quizá no es tanto que Christensen haya mejorado, es sólo que Portman se ve peor.

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    Así pues, de todos, de absolutamente todos los que aparecen en esta película, al único que le creo que se convertirá en el personaje que vimos en la Trilogía Original es a Ewan McGregor como Obi-Wan Kenobi. Y eso excluye a Vader, Yoda, Chewbacca, C-3PO, R2-D2 y a Palpatine, con todo y que casi todos ellos son interpretados por los actores originales y que las transformaciones de Vader y Palpatine incluso suceden en pantalla.

    Oh, bueno y el (en este momento apenas) gobernador Tarkin (Wayne Pygram) también es bastante convincente. Quizá porque se le ve de lejos y no se escucha ninguno de sus parlamentos.

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    Al respecto de esa escena: sólo logra reforzar lo que ya había mencionado sobre por qué no me encanta El regreso del Jedi. Se supone que Episodio III sucede casi veinte años antes que La guerra de las galaxias (Lucas, 1977), ¿no? Y ya aparece por lo menos la estructura de lo que será la Estrella de la Muerte; es decir, que se tardaron más de veinte años en su construcción ¿y me salen con la mamada de que en el Episodio VI construyeron otra, que además es diez veces más grande que la primera?

    Y en esta película no hay trajecitos sexys de Padme, pero lo compensan con las escenas de Aayla Secura (Amy Allen, quien de hecho no es actriz, sino asistente de producción en Industrial Light and Magic).

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    En general, el guión es mejor que en las entregas anteriores. Tiene mayor cohesión y se atreve a explorar un poco de la psicología de los personajes. Digo, a pesar de sus deficientes actuaciones, podemos ver el conflicto de Anakin y la decepción de la política que siente Padme, y me hubiera encantado que la relación entre Obi-Wan y su discípulo se hubiera planteado mejor en las cintas anteriores para que en ésta de verdad le doliera a uno que se resquebrajara.

    En parte, la mejoría en el guión se debe a que el guionista Tom Stoppard, responsable por los guiones de películas como Brasil (Gilliam, 1984), El Imperio del Sol (Spielberg, 1987) y Shakespeare enamorado (Madden, 1988), le dio “una pulidita” al guión original que había escrito Lucas.

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     A pesar de todo, me gusta esta película. Ésta sí. Creo que es realmente superior a los episodios anteriores y sí le anda llegando al nivel de El regreso del jedi… aunque no salen Jabba y su corte de muppets, y eso le quita puntos. Ésta es la precuela que los fans esperábamos, y que nos merecíamos, desde 1999. ¿Era tan difícil hacer esto desde el principio?

    Una vez que he concluido mi visionado de la Trilogía de Precuelas, puedo decir que hay algo que me incomoda, pero no lo había notado hasta ahora. El hecho de que todo se explique y de que resulte que todos los personajes están relacionados y todo mundo conocía a todo mundo me deja con la desagradable sensación de que la galaxia es mucho más pequeña y mucho menos vasta de lo que habían planteado las películas originales.

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    No puedo terminar este artículo sin decir que hay algo que siempre me ha llamado la atención de la saga. Si era tan tremendamente importante que Darth Vader no descubriera que tenía un hijo, es decir, el futuro de la galaxia dependía de ello, ¿por qué a nadie se le ocurrió cambiarle el apellido a Luke SKYWALKER?

PARA LA TRIVIA: Para concluir este artículo, les dejo algunos datos de trivia interesantes sobre esta cinta y un par del resto de la saga.

  • Episodio III es la única película de la saga en la que aparece un signo de exclamación en el intro.
  • El Imperio contraataca es la primera película en la que se menciona el nombre del planeta Tatooine.
  • Episodio III es la única película con un cameo de George Lucas (aparecen él y sus hijas a la entrada de la ópera).
  • En cada una de las películas de la saga, por lo menos una vez, suena el efecto de sonido conocido como Wilhelm Scream.
  • En Episodio III se insertaron escenas reales de la erupción del Monte Etna, que ocurrió en las mismas fechas que la filmación, para ambientar el planeta Mustafar.
  • La tos del general Grievous es la tos real de George Lucas, quien se enfermó de bronquitis durante la filmación.
  • Originalmente, Gary Oldman interpretaría la voz de Grievous; pero se vio forzado a abandonar el proyecto debido al veto que los sindicatos de actores le impusieron a George Lucas desde la década de los 80.
  • La frase más repetida en toda la saga es “I have a bad feeling about this” (“Tengo un mal presentimiento sobre esto”), que básicamente terminó convirtiéndose en un chiste local.

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[1] Originalmente se suponía que le habían implantado prótesis biónicas para curar las heridas sufridas en batalla. En la espantosa serie de animación CGI The Clone Wars, la historia cambia y ahora se plantea que Grievous, por su propia voluntad, sacrifica su cuerpo orgánico para obtener las habilidades que le permitan combatir a los jedi.

[2] KAHN, James, El retorno del Jedi, Best Sellers 52, Origen/Planeta, México, 1985. P.66.

STAR WARS EPISODIO II: EL ATAQUE DE LOS CLONES. La película de Star Wars que es mala desde el título.

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STAR WARS EPISODIO II

Star Wars Episode II: Attack of the Clones

 

George Lucas, 2002

 

Tras el éxito financiero y el fracaso con el público que fue Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma (Lucas, 1999), la secuela era esperada con ansias. ¿Volverían las soporíferas escenas de intriga política? ¿Volverían el guión pobre y las malas actuaciones? ¿Nuevamente tratarían de convencernos a punta de madrazos durante más de dos horas de que Jar Jar Binks (Ahmed Best) es gracioso? Pero, sobre todo, ¿estaría esta nueva cinta al altura de por lo menos El regreso del Jedi (Marquand, 1983)?

    El título original de la Trilogía de Precuelas iba a ser tal cual Clone Wars, pero los realizadores decidieron mantener el de Star Wars para facilitar la asociación del público con la franquicia.

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    La trama de esta película sucede diez años después de Episodio I. Anakin Skywalker (Hayden Christensen… sobre quien hablaré largo y tendido más adelante) es ya un adolescente impulsivo bajo la tutela de su maestro jedi, Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor). La República atraviesa una crisis, ya que el exjedi conocido como conde Dooku (el inmortal Chrsitopher Lee haciendo un personaje que es una obvia referencia a Drácula, el papel que lo hiciera inmortal) se ha convertido en el caudillo de un movimiento separatista, liderado por la Confederación de Comercio, que busca independizar varios sistemas planetarios del yugo del Senado Galáctico.

     La República planea defenderse de dicho movimiento al crear un gigantesco ejército; pero, sumida en la burocracia, necesita el apoyo del Senado Galáctico para lograrlo. El voto decisivo será el de la senadora Padmé Amidala (regresa Natalie Portman), quien sufre un atentado en contra de su vida ni bien llega a Coruscant —que en esta cinta luce una marcada influencia de Blade Runner (Scott, 1982)— para la votación. Para protegerla, el Consejo Jedi nombra a Anakin como su escolta. Los dos jóvenes obviamente se enamoran, mientras Obi-Wan lleva a cabo la investigación para dar con el autor intelectual del atentado contra Padmé y en el camino descubre al Ejército de la República, conformado por clones del cazarrecompensas Jango Fett (Temuera Morrison) cultivados en secreto bajo presuntas órdenes de los Jedi.

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    Esta película retoma, en mayor medida, un pasaje del guión original de The Star Wars que quedó fuera de la Trilogía Original[1]. En él, el renegado guerrero jedi Luke Skywalker encomienda el cuidado de la princesa Leia a su discípulo Anikin Skywalker, quien la oculta en el desértico planeta Gordon —agradecemos a Lucas evitar una referencia tan obvia— y, de manera bastante inexplicable, surge el amor entre ambos.

    Por cierto… se supone que en esta película los malos son los separatistas: un grupo de rebeldes azuzados por un viejo caballero jedi que se levantan en armas en contra de un gobierno corrupto e ineficiente… Un momento… ¿Qué no era eso lo que hacía la Alianza Rebelde en la Trilogía Original? Me huele a doble moral.

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     Recuerdo que en aquella época la decisión de castear al prácticamente desconocido Hayden Christensen para interpretar al joven Anakin Skywalker generó mucha controversia —varios críticos del momento se refirieron a él como el “Backstreet Boy de Star wars”—. Las opiniones en contra argumentaban que Christensen no daba el ancho para el papel, que había sido elegido por su físico ‒posteriormente se sabría que la elección recayó en que a Lucas le gustó cómo se veían juntos Portman y Christensen‒ y no por sus capacidades histriónicas, y lo atacaban porque, según reveló en una entrevista, nunca había visto ninguna película de Star Wars.

    Y si bien creo que el no ser fanático de la franquicia no tendría por qué influir en su trabajo, estoy de acuerdo con todo lo demás. Porque es cierto. Porque si hay un solo elemento que mantuvo una férrea continuidad entre el Episodio I y el II fue precisamente el que Anakin es odioso en pantalla. Su actuación es acartonada y pueril, innecesariamente melodramática, y uno no puede evitar carcajearse hasta las lágrimas cuando el pobre lamenta la muerte de su madre y describe cómo asesinó a los tusken raiders.

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    Y si de por sí el chavo es maleta, la verdad es que Lucas no le da con qué trabajar. Es decir, nadie esperaba un Shakespeare; pero aparte de lo malito del guión, me encuentro con lo que más me choca de esta película: el planteamiento del personaje de Anakin Skywalker. A final de cuentas, resulta que Darth Vader, el villano número 2 en la lista de los 100 mejores villanos en la historia del cine según el AFI —el primero es Hannibal Lecter—, la encarnación del mal en la galaxia[2], es sólo un niño llorón que extraña a su mami y que se vuelve malo por berrinchudo y porque la niña que le gusta no lo pela.

    Así pues, Christensen roba cámara con su mala actuación; pero los demás no se quedan atrás. La Portman también es bastante malita, aunque eso sí, es superior a su compañero de escena y a como la vimos en el Episodio I. El que sorprende es Ewan McGregor, quien se ve mucho más comprometido con su labor que en la cinta anterior, quizá porque cayó en cuenta de que en esta peli la responsabilidad de que por lo menos un actor efectivamente actuara en pantalla caía enteramente sobre él.

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    De todos modos, es difícil concentrarse en ello cuando la película está llena de distractores. Creo que el argumento es innecesariamente complicado, quizá porque quisieron darle vueltas a lo que en su núcleo no es más que una historia de amor chafona, y además falla en momentos clave.

    Quiero decir, algunas resoluciones son increíblemente torpes. Siendo el mayor ejemplo la votación en el Senado Galáctico, que a final de cuentas resulta ser una escena casi idéntica a la del Episodio I en la que se destituye a Valorum (Terence Stamp) como Canciller Supremo. Y siempre me he preguntado… ¿Neta? ¿Quién chingados deja a Jar Jar Binks (Ahmed Best) en un cargo diplomático? Porque entonces el estúpido no es él, sino Padmé.

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    ¿Y qué me dicen de los retrocohetes de R2-D2 (Kenny Baker)? Digo… ¿Es en serio? De por sí toda la secuencia de la fábrica de droides ‒que no estaba en el guión de la película, sino que se les ocurrió de último momento… y se nota‒ parece más apropiada para un dibujo animado de Tom y Jerry que para una cinta de Star Wars, y después me salen con que prácticamente la mitad de las peripecias de R2 en las películas anteriores se pudieron evitar fácilmente. ¿Y por qué en el futuro (o sea, en la Trilogía Original) ya no los usa? ¿Se le olvidó que los tenía?

    Lo que sí es que la película está poblada por la que quizá es la más extensa variedad de personajes secundarios… todos desaprovechados. De verdad, esta cinta tiene varias líneas argumentales que no llevan a ningún lado y creo que metieron demasiados personajes de apoyo que hubieran resultado interesantes por ellos mismos, pero que al no ser bien desarrollados quedan superfluos y se siente que sobran.

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    El que sí de plano lo metieron con calzador fue a Jango Fett. Digo, ahora resulta que los Stormtroopers, que cuando disparan no le atinan ni a un burro amarrado, son clones del más eficiente cazarrecompensas y asesino a sueldo de la galaxia. Y lo peor es que uno de nuestros villanos consentidos, Boba Fett (Daniel Logan), de quien uno de sus principales atractivos era el misterio alrededor de su persona, resulta tener un origen perfectamente definido que además lo plantea como un niñito mal actor con peinado chistoso.

    Y hablando de los Fett, ¿qué onda con su reparto de “Escuela de la ONU”? En general, la Trilogía Original de Star Wars era percibida como una franquicia de blancos, todos caucásicos. En la Trilogía de Precuelas se nota que los realizadores se sintieron obligados a darle diversidad étnica al asunto, aunque francamente me parece innecesario. Y sí, te estoy hablando a ti, Mace Windu (Samuel L. Jackson). Aunque eso favoreció la aparición de la primera actriz mexicana en una película de Star Wars: Verónica Segura, quien interpreta el papel de Cordé… lo que es completamente irrelevante, porque la matan ni bien pasados los primeros cinco minutos de la película.

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    En el apartado tecnológico, puede mencionarse el hecho de que ésta fue la primera cinta de la saga grabada enteramente de manera digital. Así, Lucasfilm se ahorró el ya un poco sinsentido proceso de revelado de la película para después digitalizarla y agregar el CGI.

    Fue una dura decisión para Lucas sustituir al Yoda (Frank Oz) tradicional por uno digital para esta película. Y el resultado se ve en pantalla… ¡No se parece en nada! Y lo peor es que le dieron en toda la madre al planteamiento del personaje. ¿Recuerdan a ese Yoda meditativo, sabio, estoico y bonachón pero firme? Bueno, pues olvídenlo por completo, que este nuevo Yoda es irascible, hiperactivo y pelea con un diminuto lightsaber contra el gigantón Christopher Lee (recordemos que medía casi 2m) en una de las escenas más ridículas de las que tenga memoria.

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    Del mismo modo, a diferencia del Episodio I en el que el CGI se usó mayormente para retocar y expandir escenarios reales filmados en vivo, trabajo que en la Trilogía Original se logró con pintura mate, en Episodio II la gran mayoría de los escenarios fueron creados con tecnología digital[3]. Nunca existieron. Los actores simplemente se paraban en un estudio con pantallas verdes o azules y actuaban que se encontraban en tal o cual locación. Y se nota. Gracias a la poca pericia del director, con frecuencia, y esto por supuesto es más notorio en la edición en Blu-Ray, los actores tienen una notable cara de desconcierto en las escenas grabadas en escenarios digitales, como si la indicación de en dónde se encontraban hubiese sido poco clara o de plano inexistente…

    Y bien, si en Episodio I los personajes carecían completamente de objetivos, creo que en esta cinta ese mal se contagió a los realizadores. Ahora que volví a ver esta película sólo pude ver una cosa: Miedo. Puro y absoluto miedo. Y esta sensación sólo fue reforzada cuando volví a ver las escenas eliminadas incluidas en el material extra de la edición en DVD.

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    Me refiero a que, temerosos de caer en las largas secuencias explicativas de la película anterior, los realizadores de ésta dejaron fuera casi toda la intriga política y las escenas demasiado dialogadas. El problema es que creo que se les pasó la mano. Así, fuera del corte final de la película quedaron las escenas en las que se desarrollaba el romance entre Padmé y Anakin; por lo que éste termina viéndose simplón, injustificado y sin fuerza en pantalla.

    Del mismo modo, la masacre de jedis en la arena de Geonosis se ve padre; pero me molesta un poco que rompe con la imagen que me había formado de los jedi gracias a la Trilogía Original e incluso a Episodio I: Que eran guerreros sabios y ecuánimes casi invencibles. Aquí son tan tontos como para meterse solitos en una ratonera y dejar que los acribille un ejército de Battle Droids.

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    También pude notar una cierta desesperación por ponerle más acción a las escenas de acción. ¿O de qué otro modo se explica uno que se la pasen jugando con el zoom-in? Que, por cierto, usar zooms rápidos para darle dinamismo a una secuencia es taaan de los setenta…

    La confrontación final entre el conde Dooku y Yoda resulta ridícula. Además, aunque probablemente Lee sea el actor que mayor número de peleas con espada ha representado frente a cámara, ésta no la realizó él; sino un doble debido a la avanzada edad de Lee. Así pues, la confrontación entre los dos poderosos jedis que se ve en pantalla es una coreografía entre un muchacho de la estatura de Lee y nada.

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    Mucha gente opina que, de hecho, Episodio II: El ataque de los clones es la peor película de la saga; sin embargo, discrepo. Sí creo que esta cinta es superior a la anterior —o quizá convendría decir que es “no tan pinche”— y baso mi argumentación en tres puntos. Primero: No sale Jake Lloyd. Segundo: Las apariciones en pantalla de Jar Jar Binks son reducidas drásticamente, hasta el punto de ser prácticamente irrelevantes —vamos, su voto lo pudo emitir cualquier otro—. Y tercero: En general los vestuarios que le ponen a Padmé en esta ocasión son muchos más reveladores que en la peli anterior.

    Y ya. Por lo demás, sigue siendo pura basura.

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GUERRAS CLÓNICAS (Star Wars: Clone Wars, Genndy Tartakovsky, 2003-2005… curiosamente, sin relación con la película Star Wars: Clone Wars [Filoni, 2008] ni la serie de televisión Star Wars: Clone Wars (2008])

Y, finalmente, hay un punto que siempre me llamó la atención. ¿Recuerdan en La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) cuando el holograma de la princesa Leia mencionaba que Obi-Wan había servido a su padre durante las Guerras Clónicas? Y uno se preguntaba qué había sido eso que debió ser un evento tan grande e importante que a partir de él se extinguieron los jedi. Uno pensaría que la Trilogía de Precuelas iba a contar la historia de las Guerras Clónicas. Pero no.

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    Había dos ejes perfectamente claros alrededor de los cuales podría haber girado el argumento de la Trilogía de Precuelas: Las Guerras Clónicas y la cacería de los jedi a manos de Darth Vader. Sin embargo, en su infinita sabiduría, Lucas y McCallum (productor de la Trilogía de Precuelas) decidieron no tomar ninguno de los dos.

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    En vez de ello, optaron por narrar las Guerras Clónicas a través de una serie de cortometrajes animados para televisión. La serie fue producida por la cadena de TV por cable Cartoon Network y dirigida por el genio detrás de El laboratorio de Dexter (1997-2013 de forma interrumpida), Las Chicas Superpoderosas(1998-2005) y Samurai Jack (2001-2015 de forma interrumpida), Genndy Tartakovsky.

    La serie enlazaba el Episodio II con el III (de hecho, el inicio de Episodio III es tal cual el epílogo de Clone Wars) y en ella se veían eventos interesantes como la invasión del Ejército Separatista a Coruscant, la caza a Anakin Skywalker por parte de la aprendiz de Dooku, la misteriosa Asajj Ventress, el rito a través del cual Anakin deja de ser un padawan y se convierte en jedi o la prueba a través de la cual Barris Offee, padawan de Luminara Unduli, construye su lightsaber[4].

clonewars02        Puedo decir, sin miedo a equivocarme, que a nivel argumental esta serie, cuya duración total es de un poco más de dos horas, es mucho más interesante que los Episodios I y II juntos. Asimismo, me parece que la calidad narrativa es muy superior a dichas películas —algunos capítulos carecen en absoluto de diálogos y aun así son más emocionantes que las pelis— y el drama en general está mucho mejor construido.

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    De cualquier modo, nada de eso importa ya, porque con la compra de Lucasfilm por parte de Disney en 2014 la serie de dibujos animados de Clone Wars —y la película y serie de TV de animación digital que mandaban a la goma la serie de Tartakovsky y volvían a contar la misma historia, pero mal— quedó fuera del canon oficial de Star Wars.

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PARA LA TRIVIA: Bueno, no sé si sea dato de trivia; pero igual es algo que siempre me ha llamado la atención. En la escena en la que Obi-Wan está en el archivo del Templo Jedi buscando el planeta Kamino, le menciona a la bibliotecaria que “debería estar aquí, justo al sur del Laberinto Ryshi”… Y yo me pregunto: ¿Cómo chingados un planeta puede estar “al sur” de… cualquier cosa?

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[1] Baso todas mis referencias y afirmaciones sobre “el guión original” en RINZLER, J.W. y Mike Mayhew, The Star Wars, Dark Horse Books, United States, 2014. La adaptación en cómic del primer borrador de guión escrito por Lucas.

[2] Sí, el que acosaba a Debbie Harry en la versión europea del videoclip de The Tide is High, el que le hacía caballito a Freddie Mercury.

[3] Aunque algunas escenas sí fueron grabadas en locaciones reales en Italia, España y Australia.

[4] Me sigue intrigando que en toda la saga cinematográfica nunca se haya visto el momento en el que un jedi crea su lightsaber, excepto por cierta secuencia eliminada de El regreso del Jedi.

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