EL SEÑOR DE LOS ANILLOS. Un sueño tan ambicioso que, a la larga, resultó irrealizable.

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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

J.R.R. Tolkien´s The Lord of the Rings

 

Ralph Bakshi, 1978

Independientemente de su calidad literaria, se vuelve innegable que El Señor de los Anillos (1954-1955), la colosal novela que escribiera el sudafricano J.R.R. Tolkien a manera de continuación de su primera obra, El Hobbit (1937), se convirtió en uno de los libros más influyentes del siglo XX. Desde mediados de dicho siglo hubo ya interés por adaptar a la pantalla grande la historia de la travesía de Frodo para destruir el Anillo Único. Los primeros interesados fueron, por cierto, los Beatles, quienes planeaban llevar la historia a la pantalla en una película psicodélica en la que ellos mismos encarnarían los papeles de los cuatro hobbits principales. Afortunadamente, los herederos de Tolkien nunca quisieron vender la licencia al Cuarteto Liverpool para llevar a cabo su idea.

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    El siguiente intento de adaptar la novela al cine surgió por parte del director John Boorman (Amarga pesadilla [1972], Excalibur [1981]), quien planeaba condensar los tres libros de la saga en una sola película de una hora y cuarenta y cinco minutos de duración. El animador independiente Ralph Bakshi escuchó los planes de Boorman y, siendo un acérrimo fanático de la obra de Tolkien, se sintió horrorizado.

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    Finalmente, el proyecto de Boorman se cayó y Bakshi le pidió personalmente a la hija de Tolkien que le vendiera los derechos para hacer una película de dibujos animados. Ella accedió debido a que le había gustado mucho el anterior largometraje de Bakshi, Los hechiceros de la guerra (1977).

    La cinta final, de casi dos horas y cuarto de duración, adapta de manera sorprendentemente fiel, aunque demasiado condensada, los dos primeros libros de la trilogía: La Comunidad del Anillo y Las dos torres... bueno, en realidad, sólo la primera mitad. La historia sigue, en medio de una narrativa horriblemente atropellada, al hobbit Frodo Bolsón (voz de Christopher Guard) en su travesía por la Tierra Media para destruir el Anillo Único, buscado por el Señor Oscuro, Sauron, para imponer su reinado de maldad. A Frodo se unirán aliados como el hobbit Samwise Gamyi (Michael Scholes), el mago Gandalf (William Squire), el elfo Legolas (voz de Anthony Daniels, quien ha dado vida al droide de protocolo favorito de todos, C-3PO en la saga de Star Wars) o el montaraz Aragorn (John Hurt, a quien seguro recuerdan por su maravillosa interpretación de John Merrick en El hombre elefante [Lynch, 1980]).

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    El Señor de los Anillos es, aún hoy, la película de dibujos animados más larga jamás filmada en Occidente –sólo seguida por Fantasía (Algar et al., 1940), de Disney, con 125 minutos de duración– y, en el momento de su estreno, también fue una de las más costosas, con un presupuesto de cuatro millones de dólares. También fue la primera película animada creada enteramente en rotoscopía.

    La técnica de rotoscopía consiste en filmar a actores reales en vivo para después dibujar o pintar celdas de animación sobre la película filmada. Esta técnica da movimientos mucho más realistas a los personajes animados –también es más barata y rápida que crear animación original desde cero– y fue utilizada para crear los efectos especiales de películas como TRON (Lisberger, 1982) o El despertar del diablo (Rami, 981). Pensemos en ella como una especie de Motion Capture rudimentario. En el caso de esta película, se llegó a filmar animación tradicional para ella; pero los realizadores decidieron desecharla y sustituirla toda por rotoscopía. La cinta final combina fondos pintados en acuarela con animación rotoscópica –para las escenas de la Batalla del Abismo de Helm se piratearon secuencias de la película clásica del cine soviético Alexander Nevsky (Eisenstein, 1938) y pintaron sobre ellas– y filmaciones Live Action.

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    Así pues, la película se mantiene como un monumento a la obra de Tolkien erigido por un verdadero admirador del autor. También puede verse en ella todo el esfuerzo del equipo de producción y cómo intentaron exprimir cada centavo del presupuesto para hacer la película. Del mismo modo, puede verse la muy marcada influencia de esta peli en las versiones Live Action de Peter Jackson de tres décadas después, pues hay tomas en las que le rinde tributo e incluso las calca. También, por desgracia, la película es increíblemente insatisfactoria.

    En muchas de las películas de Bakshi hay secuencias con problemas de ritmo. En el caso de esta peli, todas las escenas tienen un ritmo horrible. La película es lenta cunado debería ser rápida y llena de acción, y hay elipsis tan abruptas que a veces es difícil seguir el hilo de lo que está sucediendo. Del mismo modo, hay secuencias –sobre todo, de caminatas o cabalgatas– que son excesivamente largas y que no aportan nada a la narrativa y más bien parece que las dejaron en el corte final de la peli nomás porque ya las había filmado y qué caras salieron.

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    Otro punto que creo que es poco afortunado en la cinta es el diseño de los personajes que termina siendo francamente feo. Digo, nadie dijo que los hobbits tenían que ser guapos, por el contrario… ¡Caray! Según las descripciones de Tolkien, ni siquiera Aragorn es bien parecido; pero en esta película el look de todos los personajes es más bien desagradable. ¿Por qué Aragorn no usa pantalones? ¿Por qué Gimli (David Buck) no es enano? ¿Por qué Legolas se ve como si sus padres fueran hermanos? ¿Por qué los orcos parecen de cartón? ¿Por qué Sam tiene que ser tan auténticamente feo? ¿Por qué?

    Conforme la cinta se acerca a su culminación, el ritmo se va cayendo cada vez más y la técnica de la animación, que de por sí en ningún momento es sobresaliente y se nota más bien desprolija –el mismo Bakshi, quien la usó a destajo en prácticamente todas sus películas, no era afecto a ella–, va decayendo también. Para el final de la cinta, nos quedamos con un cierre completamente anticlimático y más bien pobre que promete una secuela que jamás llegó.

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    La idea original de Bakshi fue la de hacer un díptico y, en dos películas, contar los tres libros. Por desgracia, la pobre recaudación de la taquilla –la película ganó apenas alrededor de USD$600,000 en su fin de semana de estreno– y la mala impresión que se llevó el productor del proyecto cancelaron cualquier plan de una segunda parte.

    En cuanto a las virtudes que me gustaría resaltar de la película, puedo mencionar la actuación. La mayoría de los actores que prestaron sus voces para los personajes de la película eran actores británicos de teatro, por lo que la calidad de sus interpretaciones se nota desde el inicio. Del mismo modo, algunos de ellos habían participado anteriormente en la adaptación para radio que la BBC hiciera de la obra de Tolkien.

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    Otra cosa que me gustó de la peli son los fondos. Los paisajes bellamente pintados a mano en acuarela en los que aún se puede apreciar la textura del papel son una bonita muestra del arte psicodélico de los 70. También es interesante que los fondos apoyan a la narrativa de la película. Mientras que algunos parecen ilustraciones comunes y corrientes de cualquier libro de fantasía –con un toquecito de Art Nouveau, eso sí– éstos cambian con frecuencia de acuerdo con la emoción y a la intensidad de la escena.

    También me gustó la música. Originalmente, Bakshi quería utilizar música de Led Zeppelin –los miembros de la banda eran también fans de Tolkien e, incluso, algunos de sus temas fueron inspirados por su obra– para la película; pero le fue imposible conseguir los derechos. En cambio, la película fue musicalizada con composiciones originales hechas ex professo por Leonard Rosenman, cuyos créditos incluyen soundtracks como Barry Lyndon (Kubrick, 1975) o RoboCop 2 (Kershner, 1990).

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     A final de cuentas, creo que la versión animada de El Señor de los Anillos funciona más como experimento que como una adaptación de la compleja obra de Tolkien. Se ve que quienes hicieron la peli pusieron todo su esfuerzo en ello, e incluso más; pero que, aún así, no fue suficiente. Creo que, simplemente, los realizadores mordieron más de lo que podían tragar esta vez y el resultado fue una película que se siente sosa, inacabada y más bien fallida –de hecho, si uno no sabe absolutamente nada sobre el universo tolkiendili, es casi imposible inferir quién es quién o qué carajos está pasando a partir de lo mostrado en la peli–.

    Toda la cinta tiene un tono oscuro y onírico súper underground que le da todo el estilo de película de Canal 22 a la medianoche –estoy casi seguro de haberla visto ahí cuando era niño–; pero después de un acercamiento inicial, el estilo visual poco puede hacer para evitar el aburrimiento que esta peli provoca.

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     Me parece que la mayor aportación de esta cinta no está en la película misma, sino en su legado. La peli sirvió como inspiración para las versiones Live-Action de Peter Jackson, además de que generó un montón de merchandising, incluyendo una línea de figuras de acción –bastante feas también– que en su época ni quien las pelara, pero que, por lo mismo, se han vuelto increíblemente coleccionables. La historia sería concluida 2 años después con la adaptación del estudio Rankin Bass de El regreso del rey (Bass y Rankin Jr., 1980)… que oficialmente no tiene nada que ver con la peli de Bakshi, pero que todos sabemos que es su secuela bastarda y que, a pesar de su tono más light, tiene una mucho mayor calidad en la animación.

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PARA LA TRIVIA: El legendario director Tim Burton participó en esta película como animador, aunque su nombre no aparece en los créditos. Se trató de su primer trabajo en un largometraje.

Haz click en los enlaces para leer mis artículos sobre las versiones live action de La Comunidad del Anillo, La dos torres y El regreso del rey.

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BOHEMIAN RHAPSODY, LA HISTORIA DE FREDDIE MERCURY. Más de cuatro décadas después, siguen siendo los campeones.

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BOHEMIAN RHAPSODY: LA HISTORIA DE FREDDIE MERCURY

Bohemian Rhapsody

Bryan Singer, 2018

El director neoyorquino Bryan Singer fue, con las primeras dos cintas de X-Men, el creador de la película moderna de superhéroes. También, con Dr. House, fue el productor ejecutivo de una de las series de televisión más populares de la década pasada. La carrera de Singer como director se ha debatido entre altibajos desde hace años y ahora se enfrenta al reto de contar la historia de una de las bandas de rock más populares de la historia: Queen.

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    El proyecto para la peli fue aprobado en 2010 y sería protagonizado por el actor y comediante británico Sacha Baron Cohen, y dirigida por Stephen Frears. Después de un montón de reescrituras del guión –debidas, en mayor medida, por la insatisfacción de Brian May y Roger Taylor con el proyecto–, la salida de Cohen y Frears, y una rotación casi interminable de directores tentativos, la película por fin fue filmada. Incluso durante la producción, 20th Century Fox despidió a Singer por su mala actitud en el set y su pésima relación con el actor Rami Malek y la cinta tuvo que ser terminada por Dexter Fletcher –aunque el nombre de Ridley Scott se barajó como sustituto de Singer por un tiempo–. Todo el infierno de la preproducción y producción parecía destinarla al fracaso; pero, como se ha visto ya en la taquilla, no fue así en absoluto.

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    La película se toma ciertas libertades en contar la historia de la banda desde sus orígenes a principios de la década de 1970 hasta el concierto masivo Live Aid, en 1985, luego de su separación –en la vida real, el álbum The Works (1984) y su respectiva gira estuvieron de per medio–. La cinta se centra principalmente en la vida del vocalista de la banda, Freddie Mercury, así como sus conflictos intra e interpersonales.

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    Aunque nací a mediados de los 80, Queen es mi banda favorita desde que estaba en la secundaria, quizá antes. Como fan, puedo decir que la película me conmovió, me hizo reír, me asombró y, francamente, me dejó con ganas de que fuera más larga, con todo y que ya dura más de dos horas. SPOILER Digo, Queen lanzó 4 álbumes más después del Live Aid –dos de ellos, A Kind of Magic (1986) e Innuendo (1991), de sus mejores trabajos– TERMINA SPOILER. A pesar de sendas fallas, la película tiene lo que a muchas cintas actuales les está faltando: corazón.

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    Pero digo, si la película logró emocionarme como lo hizo, entonces logró su cometido. De eso se trata el cine, finalmente.

    Bohemian Rhapsody  tiene un cierto carisma y un tono encantador que reflejan la personalidad de la banda y de Mercury. Posee también un buen ritmo. Tiene, además, la fuerza impresionante que le da la música de Queen. Lo que más me gustó fue que, a pesar del mal CGI con el que recrea el Estadio de Wembley en el Live Aid, me hizo sentir como si hubiera estado ahí, en el escenario en un concierto de Queen.

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    Las actuaciones son buenas. Sobresale Malek en su interpretación de Mercury, pues logra transmitir las complejidades y sutilezas del personaje, y pasa poco tiempo de la película antes de que uno lo acepte como Freddie Mercury, cuya efigie es un icono de la cultura pop del siglo XX.

    Las caracterizaciones son verdaderamente impresionantes –me encantó Gwylim Lee como Brian May– y hacen que los actores se vean increíblemente parecidos a sus contrapartes de la vida real. Eso sí, Malek es menos corpulento que Mercury y en algunos primeros planos se le alcanza a ver el borde del mostacho postizo; pero en general creo que funcionan increíblemente bien.

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    En general, esta peli ha sido un trancazo de taquilla y se ha ganado, casi instantáneamente, un lugar en el corazón del público; pero no le ha ido tan bien con la crítica. Y me temo que, hablando como crítico y no como fan, tengo que coincidir.

    La dirección de la peli se nota torpe y dispareja. En algunas secuencias, algunos actores se notan botados o fuera de tono y el lenguaje de videoclip musical que trataron de utilizar para algunas partes no se integra del todo al producto final.

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    Sin embargo, el principal defecto de la película es el guión. Aunque se agradece que la peli no haya caído en el amarillismo y la sordidez, creo que sus esfuerzos por tratar la historia de la banda se fueron completamente al extremo opuesto. La cinta se siente incompleta y su tratamiento de la historia, superficial. Del mismo modo, el guión está lleno de los clichés propios de las películas de bandas y de huecos en la historia que violan las más elementales leyes de causa-efecto.

    ¿Y qué onda con esos montajes con las canciones de la banda y letreritos en la pantalla? Se ven súper caducos… si es que alguna vez estuvieron de moda.

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    También, si uno se deja llevar por lo que se muestra en la película, parecería que las más grandes canciones de la banda surgieron por ocurrencias geniales o serendipias. Y sí, la genialidad estuvo ahí todo el tiempo, de la mano del talento y la ambición; pero también hubo muchísimo trabajo detrás de la música de Queen y eso no se ve tanto en pantalla.

     Me hubiera gustado mucho también que hablaran de la relación entre Freddie Mercury y Zandra Rhodes, su vestuarista, pues fue ella quien desarrolló las ideas del vocalista –quien estaba bastante familiarizado con el negocio de la moda incluso antes de entrar a la banda– y les dio vida. Juntos definieron la estética del Glam.

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    La fotografía de la película es muy buena y me gusta las atmósferas que logra crear, así como las recreaciones que hacen de las presentaciones de Queen. Anécdota curiosa: Newton Thomas Sigel, el fotógrafo de la peli, tuvo que salir al quite y dirigir algunas secuencias debido a las repetidas y prolongadas ausencias de Singer en el set.

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    A final de cuentas, Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury es más que la suma de sus partes. Si bien es cierto que a nivel guión y dirección la película deja bastante que desear, el producto final funciona maravillosamente. Eso se debe, más que nada, a la poderosísima música de Queen y a la genial interpretación de Malek. Más que una biopic en el sentido estricto de la palabra, la cinta funciona como una celebración a la banda y a lo que significó para la historia de la música. Y me gustó mucho.

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PARA LA TRIVIA: La voz de Freddie Mercury para el film fue creada mezclando las voces de Mercury, el cantante canadiense Mark Martel –cuya voz es lo más cercano a Mercury que se ha encontrado hasta el momento– y el propio Malek.

PARA LA TRIVIA GEEK: El bajista de la banda, John Deacon, es interpretado por Joseph Mazzello, a quien muchos millennials seguramente recordamos como el pequeño Tim Murphy en Parque Jurásico (Spielberg, 1993).

PARA LA TRIVIA AÚN MÁS GEEK: El comediante Mike Myers interpreta el papel de Ray Foster –personaje ficticio–, el productor de Queen, quien, en algún momento de la película dice: “Nadie va a mover la cabeza al ritmo de Bohemian Rhapsody en sus autos”. Este parlamento es una referencia a la película que lanzara a la fama a Myers, El mundo según Wayne (Spheeris, 1992), en la que una de las escenas más icónicas es, precisamente, la de Wayne (Myers) cantando y cabeceando al ritmo de Bohemian Rhapsody mientras viaja con sus amigos en un auto.

 

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HALLOWEEN. Aquí está la secuela definitiva de la primera “Halloween”… otra vez.

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HALLOWEEN

 

David Gordon Green, 2018

 

Había una vez, en el lejano pueblo de Haddonfield, Illinois, una niñera adolescente que, como no tenía cita para la noche de Halloween, aceptó un trabajo cuidando niños en la casa de los vecinos. Poco sabía ella que un asesino psicópata, encerrado años atrás tras haber asesinado brutalmente a su hermana mayor y a su novio, había escapado de la institución psiquiátrica en la que lo habían recluido y estaba ansioso por regresar a su antiguo pasatiempo.

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    Con esta premisa básica, John Carpenter terminó de definir el que se convertiría en uno de los subgéneros del horror más populares: el slasher. El legado de Halloween (Carpenter, 1978) perduraría a través de once películas y la saga sería rebooteada y replanteada en sendas ocasiones.

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    En esta nueva iteración, se desecha todo el canon después de la primera cinta y se convierte en una secuela directa de ésta… Sí, también Halloween II (Rosenthal, 1981) y H20: Halloween 20 años después (Miner, 1998) quedan fuera, por lo que Myers y Strode ya no son hermanos… que fue lo que se planteó en la peli original. La historia de la cinta sucede 40 años después de la primera. Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se ha convertido en una ermitaña obsesiva con una sola idea fija en la cabeza: vengarse de Michael Myers (James Jude Courtney), el asesino serial que matara a sus amigos de la adolescencia. En la noche de Halloween, cuando Myers es transferido a un nuevo centro psiquiátrico, como era obvio suponer, escapa y se dirige directamente a Haddonfield para terminar lo que empezara décadas atrás, dejando un rastro de muerte a su paso y acechando a los descendientes de Laurie.

    La verdad es que el canon y cronología de la saga Halloween han sido modificados tantas veces que dejó de importarme hace mucho tiempo. Por muy fan que sea, debo admitir un hecho que los realizadores de estas películas se han negado a aceptar: la premisa se agotó en la primera cinta. En realidad, las únicas películas de la saga que más o menos proponen cosas diferentes son la tercera, la octava –lástima que sea tan mala– y la secuela del remake. Para no perder la costumbre, la nueva película de Halloween es básicamente la misma película de Halloween de siempre.

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     La historia tiene un par de vueltas de tuerca interesantes que, por desgracia, están bastante desaprovechados.

    Y creo que ésa es la principal falla de esta película: plantea muchas líneas argumentales interesantes, pero se queda a medio camino en todas ellas. Quizá pudieron explorar más la compulsión asesina de Myers, o mostrar a Laurie más deshumanizada por su paranoia SPOILER o explotar más la identificación del Dr. Sartain (Haluk Bilginer) con su paciente TERMINA SPOILER; pero, en vez de eso, decidieron producir una cinta tibia en todos los sentidos que, a final de cuentas, termina siendo más de lo mismo.

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    En cuanto a tono y narrativa, la película se siente muy parecida a H20 sólo que ésa me pareció mejor… aunque siempre creí que era algo aburrida.

    Otra cosa que es muy interesante es la timidez con la que se trata la cinta. Películas anteriores de la saga ya habían mostrado en exceso de violencia y escenas sangrientas –el remake de 2007, dirigido por Rob Zombie, es una obra maestra en ese rubro– e incluso la primera peli tenía montón de desnudos. Pero esta nueva entrega, nacida de la cultura de la censura y la corrección política, es increíblemente menos sangrienta que muchas de sus predecesoras y no tiene desnudos… Bueno, hay uno, pero es metraje reciclado de la primera película.

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    Desde dicha perspectiva, la nueva Halloween es un tanto decepcionante y es uno de esos casos en los que la versión nueva de una peli slasher resulta más fresa que la original –Sangriento San Valentín (Lussier, 2009), te estoy viendo a ti–. Además, en general, no sé muy bien a qué se deba, esta peli se siente pasada de moda.

    Quizá la razón sea la manera en que está construida. Es un slasher filmado siguiendo la receta al pie de la letra, con una fórmula probada y reprobada. Creo que la gran aportación de la saga Scream (1996-2011) al género fue hacer películas autoconscientes que se autopaodiaban al mismo tiempo que reinventaban las reglas del género. Pero Halloween no. La franquicia prefiere quedarse en la zona de confort de la que Zombie ya la había sacado. Y tal vez eso es lo más frustrante: la peli parece un retroceso.

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    Sin embargo, todo lo anterior no significa que no sea entretenida. Lo es y, lo que es más, tiene algunos momentos de tensión y suspenso maravillosamente creados. La narrativa es muy buena, tanto que uno pasa por alto la falta de cohesión en la historia o el montón de huecos argumentales que presenta SPOILER –¿Por qué en una casa que prácticamente es una fortaleza hay un ventanal abierto de par en par?– TERMINA SPOILER.

    Mención aparte merece la interpretación de Curtis, que revisita y logra seguir sacándole jugo al papel que la lanzó a la fama y la convirtió en la Scream Queen por antonomasia –Por cierto, ¿mencioné que ella fue productora ejecutiva de la película junto con Carpenter?–.

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    También me gustó mucho la fotografía –aunque de repente puede ser demasiado oscura–, que logra crear una sensación de claustrofobia y un ambiente onírico de la Noche de Brujas con marcados claroscuros y tonalidades anaranjadas y ocres.

    Finalmente, la música también me pareció bastante adecuada. Me gustaron las variaciones con las que se reinterpretan los temas originales compuestos por John Carpenter, así como los temas nuevos. La música contribuye bastante a construir la atmósfera planteada por la fotografía e iluminación y juntas logran crear una ambientación ideal para la cinta.

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    Y, aunque ya hablé sobre la narrativa y cómo es semejante a la de H20, no puedo dejar de mencionar que en realidad me gustó. Me gustó cómo se va contando la historia y el ritmo que tiene el relato en general. Los cortes, la edición y el montaje son buenos; creo que más bien el punto es que lo que están contando no es tan interesante. Es un fallo de fondo, no de forma.

    También, como todas las películas actuales, la cinta está plagada de referencias y, aunque ignora todas las secuelas, remakes y reboots de la saga, les rinde sendos homenajes… ¡Incluso hay niños disfrazados con las máscaras de Silver Shamrock de Halloween III: el imperio de las brujas (Wallace, 1982)!

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    En conclusión, Halloween se siente como un escenario prodigiosamente preparado para un evento maravilloso que nunca llega. La ambientación es buena; el tono, aunque fresa, funciona; las actuaciones son muy buenas; y el ritmo y narrativa de la peli son geniales. Sin embargo, el resultado es menor a la suma de sus partes. Los elementos de la peli funcionan bien por separado; pero la construcción final falla. Se trata de una película que se queda a medio camino entre la clasificación PG13 y la R –de hecho, aquí en México la clasificaron como B15– y que saca muy poco provecho del montón de material que ella misma está proponiendo. A ver “H60” les sale mejor…

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    El mismo John Carpenter declaró que ésta será la última película de Halloween. Sin embargo, el contrato se hizo por dos películas y, puesto que ésta ha sido un trancazo de taquilla que ha multiplicado su presupuesto por más de siete, una secuela, e incluso una trilogía completa, estarían siendo consideradas.

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PARA LA TRIVIA: Danielle Harris contactó a la producción de la cinta para proponer una participación de su personaje de la saga, Jamie Lloyd, en la película; pero los realizadores no se mostraron interesados.

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De tal suerte, como ya saben que me encanta hacer cuadritos y tablas, aquí expongo cómo queda más o menos, después de esta cinta, el canon de Halloween… Y sí, está lleno de SPOILERS:

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Para leer las reseñas completas de cada película, por favor, hagan click en los siguientes links:

Halloween 1-3

Halloween 4-6

H20, Resurrección y remakes

 

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MATINEE. Un grandioso pero olvidado homenaje a la Serie B.

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MATINEE

 

Joe Dante, 1993

 

Roger Corman no es sólo el Rey de la Serie B, sino también un cineasta generoso que ha fundado escuela formando a muchos de los directores más influyentes de la década de 1970 y 1990, así como toda una legión de productores y actores. Directores como Francis Ford Coppola, James Cameron, Jonathan Demme, Ron Howard o Martin Scorsese trabajaron en sus inicios para Corman y sus compañías productoras. Y, por supuesto, tenemos a Joe Dante, director de blockbusters del calibre de Piraña (1978), Gremlins (1984), Viaje insólito (1987) o El aullido (1981).

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    Quizás Matinee no fue una de las películas más exitosas de Dante… bueno, para ser honestos, fue un fracaso de taquilla que no logró recuperar su modesto presupuesto de 13 millones de dólares y que ha permanecido prácticamente en el anonimato desde hace más de dos décadas. Se convirtió pues en una película de culto hecha y derecha.  También me parece que es una de las películas más personales de su director.

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    La película sucede en el otoño de 1962, durante la Crisis de los Misiles en Cuba. Los hermanos Gene (Simon Fenton) y Dennis Loomis (Jese Lee Soffer) son aficionados a las películas de terror y viven en el pequeño pueblo de Key West, en Florida. El pueblo se encuentra a tan sólo unos kilómetros de la isla caribeña y vive sumido en el terror de que se desate una guerra nuclear. En este clima de alerta y paranoia, el director y productor de películas de ciencia ficción venido a menos, Lawrence Woolsey (el siempre genial John Goodman) ve la oportunidad ideal para estrenar su última cinta de horror nuclear: Mant.

    Muchas de las películas de Dante son cariñosos homenajes a las películas de ciencia ficción de Serie B de la Era Nuclear. Desde las pirañas alteradas genéticamente hasta los soldados de juguete psicóticos de Pequeños guerreros (1998), pasando por los duendecillos que saboteaban aeronaves en la Segunda Guerra Mundial y la nave intergaláctica casera de Los exploradores (1985), Dante es, en su corazón, un niño nerdo fanático de la ciencia ficción que conserva su capacidad de asombro y la comparte con el mundo.

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    En esta ocasión, Dante rinde tributo no sólo a su propia niñez, sino a uno de los productores y directores de cine más excéntricos que hayan existido: William Castle.

    En las décadas de 1950 y 1960 las salas de cine pasaban por una crisis: la gente dejó de asistir a ellas, pues prefería quedarse en sus casas a ver televisión. Había que hacer algo al respecto y, según la historia nos ha enseñado, siempre que la gente deja de ir al cine comienzan a aparecer las películas en 3D. Pero Castle quiso ir más allá: el afable actor, director, guionista y productor neoyorquino creó toda una serie de películas de bajo presupuesto que utilizaban diferentes artificios en las salas de cine para asombrar al público, sumergirlo en la experiencia de las películas y atraerlo de nueva cuenta a la pantalla de plata.

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    En La casa en la colina embrujada (Castle y Horvath, 1959), protagonizada por el inmortal Vincent Price, un esqueleto fosforescente con ojos que despedían luz roja recorría el cine colgado de alambres sobre el público; en El aguijón de la muerte (Castle, 1959), algunas butacas escogidas al azar estaban equipadas con pequeños vibradores que sacudían al público en la escena clímax de la peli; y en 13 Fantasmas (Castle, 1960) al público se le daban lentes de colores azul y rojo, con los cuales podían ver o hacer desaparecer a los fantasmas que salían en pantalla.

    Aunque fueron pocos los cines que accedieron a participar en las locuras de Castle, su ingenio quedó para la posteridad y su idea de cine interactivo sentó las bases, me atrevo a afirmar, para los rides de parques de diversiones como Universal Studios o Disney World.

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    En la película, el personaje del productor y director Lawrence Woolsey rescata diversos aspectos de la personalidad y la leyenda de Castle, como el hecho de, emulando a Hitchcock, aparecer en los trailers de sus propias películas invitando al público a verlas; el ya mencionado caso de instalar vibradores debajo de las butacas o, en la tradición del Grand Guignol, contratar actrices para hacerse pasar por enfermeras en el lobby de los cines.

    También es un tributo el hecho de que varios de los personajes de la película hayan sido nombrados como personalidades del cine de Serie B de los 50 y 60, como es el caso de Ruth Corday (Cathy Moriarty), cuyo nombre hace referencia a la actriz Mara Corday, que apareciera en clásicos del género como Tarántula (Arnold, 1955) o La garra gigante (Sears, 1957); Herb Denning, cuyo nombre es un guiño al actor Richard Denning, que participara en cintas como El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954) o El monstruo del planeta perdido (Corman, 1955) o el mismo Woolsey, que fue nombrado en honor a Lawrence Woolner, productor de películas de Serie B de ciencia ficción de la compañía Woolner Brothers.

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    La compañía de Woolsey, Woolsey International Pictures, es una referencia a American-International Pictures, prolífica compañía y estudio de películas de bajo presupuesto que funcionara desde la década de 1950 hasta 1980, y que contó entre sus filas con los legendarios Roger Corman y Samuel Z. Arkoff, quien recibe su homenaje a través del personaje del Sr. Spector (Jesse White).

    Del mismo modo, la película cuenta con las participación, en papeles secundarios, de actores de películas de género de la época, como el gran Kevin McCarthy (La invasión de los usurpadores de cuerpos [Siegel, 1956]), Robert Cortwhaite (La cosa de otro mundo [Nyby y Hawks, 1951]), William Schallert (El increíble hombre menguante [Arnold, 1957]) y Dick Miller (La tiendita de los horrores [Corman y Griffith, 1960]), quien fuera el actor fetiche de Corman y después se convertiría en el de Dante.

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    Quizá el elemento más sobresaliente de Matinee es su metapelícula. En la cinta, la historia gira en torno al estreno en el cine del pueblo (filmado en locación en el Historic Cocoa Village Playhouse) de la nueva película de Woolsey. Ésta narra la historia de un hombre que, por un accidente con radiación, es convertido en una hormiga humanoide capaz de razonar y hablar.

    Las pocas secuencias que podemos apreciar de Mant son una verdadera joya que celebra, al mismo tiempo que parodia, el subgénero de los insectos atómicos que incluyera películas clásicas –algunas clásicas del cine naïve– como Tarántula, ¡Ellas! (Douglas, 1954), La mantis mortífera (Juran, 1957) o El escorpión negro (Ludwig, 1957). Dichas secuencias son verdaderamente divertidas y entrañables y lo dejan a uno con ganas de ver la película completa… que, por desgracia, no existe.

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    El guión original de Matinee era muy diferente de lo que se ve en pantalla y estaba más ubicado en el terreno de la fantasía, además de que incluía otros monstruos como vampiros y hombres lobo. Sin embargo, después de varias reescrituras por parte del guionista Charles S. Haas, la cinta se convirtió en una película para preadolescentes que diserta sobre el Horror Atómico en la cultura popular estadounidense. El guionista original, Jerico, demandó a los productores por haberle dado crédito únicamente por el argumento; sin embargo, perdió la demanda.

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    A final de cuentas, Matinee fue un fracaso de taquilla y su escasez en el mercado casero la han condenado a un, a mi parecer, injustificado olvido. Quizá no sea tan buena como Gremlins –que a mi gusto es la obra maestra de Dante–; pero es bastante buena, además de ser una bonita peli familiar cargada de nostalgia y personajes excéntricos y entrañables, además de contar con una escena clímax tan estrambótica y estrafalaria como las mismas ideas de William Castle para llevar gente a los cines. Es, pues, una película sobre cinéfilos hecha por un cinéfilo para un público de cinéfilos. Lo único que lamento es no haberla visto cuando era niño.

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PARA LA TRIVIA: Esta película es una trivia del cine de Serie B en sí misma; pero rescato el siguiente dato curioso: Kevin McCarthy y William Schallert también participaron en el tercer segmento de la película de La dimensión desconocida (Landis et al, 1983), que fuera dirigido por Dante.

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VENOM. Una de las pelis que más han dividido al público y la crítica.

 

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Ruben Fleischer, 2018

¿Recuerdan Spider-Man 3 (Raimi, 2007)? ¿Sí? ¿Recuerdan lo mala que es y lo chafa que se veía Venom? Pues lo siento por ustedes. Dice un cierto rumor que Sam Raimi y los actores de dicha película autosabotearon el proyecto como protesta por la imposición de Columbia Tri-Star para incluir a Venom en la peli, cuando el director no quería en absoluto utilizar al personaje. Más de una década después, Venom vuelve en una aventura en solitario en la que ya no se ve ñengo, ni sucede en Manhattan, ni tenemos que soportar la falta de carisma de Topher Grace en la pantalla… ¡Es más, ni siquiera sale Spider-Man!

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    Muy difundido fue el rumor, luego desmentido, de que la película Life: Vida inteligente (Espinosa, 2017) serviría como una precuela de Venom y, si bien ambas cintas no guardan relación, sí hay bastantes referentes en esta película que funcionan como guiños a la cinta de Espinosa.

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    En la peli –cuyo argumento se basa principalmente en la miserie de comics Venom: Lethal Protector y el arco argumental Planet of the Symbiotes–, Eddie Brock (Tom Hardy en una interpretación carismática aunque bastante inferior a lo que le hemos visto anteriormente) es un reportero de televisión que trata de exponer a las personas que no debía y, a causa de ello, pierde su programa y desencadena toda una debacle en su vida personal. Estas personas son los directivos de la compañía multinacional Life quienes, además de no creer en las cámaras de seguridad, exploran el espacio con vistas a la colonización. En su última misión, la corporación trae a la Tierra especímenes de organismos extraterrestres a los que llaman “simbiotes”. En una incursión a los cuarteles de la compañía, Brock es tomado como huésped por uno de los “simbiotes”, convirtiéndose en la criatura conocida como Venom, cuya sed de sangre lo lleva a un frenesí que no sólo resulta más provechoso de lo que parecería, sino que podría ser la clave para salvar a la humanidad.

    Pues bien, comparada con Spider-Man 3, Venom es una obra maestra. En cualquier otro sentido, se siente poco lograda.

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    En un principio, hace una década, la película se planeó como un spin-off directo de Spider-Man 3, aunque Topher Grace, de entrada, quedó fuera del proyecto. Tiempo después, cuando se rebooteó la saga de Spider-Man, la película de Venom y una posible película sobre Venom y Carnage serían incluidas como parte del universo de Amazing Spider-Man; pero los desastrosos resultados de la segunda parte, que fue vapuleada tanto por el público como por la crítica, puso fin al proyecto. Cuando Sony y Marvel decidieron colaborar en las adaptaciones cinematográficas del Hombre Araña, la idea de los spin-offs fue pausada nuevamente… Hasta ahora.

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    Sony ha manifestado su interés en continuar con los spin-offs, e incluso hay rumores sobre una película de Gata Negra, aunque nada ha sido confirmado por fuentes oficiales.

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    Originalmente, la película iba a ser clasificación R (para mayores de 17 años); pero a últimas de cambio, Columbia decidió convertirla en una cinta clasificación PG-13 (para mayores de 13 años) para poder realizar futuros crossovers con la nueva franquicia de Spider-Man. ¿Se imaginan lo que hubiera sido de esta peli con sangre, tripas y descuartizamientos? Pues síganlo imaginando, porque la cinta es bastante tibia y difícilmente hay una gota carmesí durante sus 112 minutos de duración.

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    Además, aunque se contempla la posibilidad de hacer películas en conjunto con el Amigable Vecino, la cinta oficialmente sucede fuera del Universo Cinematográfico Marvel. Incluso, el cuerpo de Venom no luce el emblema de la araña blanca que tiene en los comics. Empero, eso no le impide a la peli incluir elementos de la franquicia de Spider-Man, como el hecho de que es precisamente el astronauta de apellido Jameson, hijo de J.J. Jameson, quien trae uno de los simbiotes a nuestro planeta. Así que… por fin, ¿es o no es parte del UCM?

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    A nivel guión, la película queda debiendo. Una película oscura sobre el desequilibrio de Eddie Brock y sus conflictos internos con ser el portador del “simbiote” hubiera sido muy interesante y, aunque el tema se esboza a lo largo de la cinta, difícilmente es una parte medular de la historia. En general, la peli es más cercana en tono y narrativa a Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981); pero exagerando la comedia. Además, están las escenas de persecuciones y de acción que ni están tan bien logradas ni aportan realmente nada a la trama ­–la escena de persecución de autos en San Francisco es un cliché en sí misma–. Es una de esas películas en las que pasan muchas cosas pero, a final de cuentas, no pasa nada. De hecho, muchas de las secuencias de acción sólo me provocaban ganas de que se terminaran y pasaran a otra cosa.

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    Muchas explosiones, muchas decapitaciones –sin sangre, por supuesto– y monitos CGI –que tampoco se ven tan bien, por cierto– brincando de un lado a otro de la pantalla hacen que esta cinta se sienta más como una adaptación fallida de los comics de The Darkness que como una peli de Venom. Hay algunos chistes bien logrados, eso sí, pero hay también un montón de humor involuntario en la peli.

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    Las actuaciones se encuentran en el nivel inferior de la escala, ubicándose en un rango entre cumplidoras y malas. Hardy tiene carisma y logra que algunos de los momentos cómicos funcionen muy bien; pero definitivamente queda a deber en las secuencias más serias. El resto del elenco apenas si se esfuerza en sacar a flote el guión lleno de diálogos acartonados e inverosímiles y, lo que es más, creo que en ningún momento logran realmente conectar con el público. No hubo una sola escena en la que generara empatía con alguno de los personajes o me preocupara siquiera por lo que les pasaba.

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    El resultado final es una peli que es completamente forma y nada de fondo, que también sufre de una narrativa atropellada. Es entretenida en su mayor parte, pero se vuelve aburrida e incluso cansina por momentos. Sobre todo, palidece en comparación con otras cintas de superhéroes –no solamente del UCM y no solamente recientes– mucho más logradas. Además, la ambigüedad sobre su inclusión como spin-off de la saga de Spider-Man –al momento, ni siquiera los realizadores se han definido al respecto­– sólo provoca que uno extrañe más al Arácnido en esta película.

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PARA LA TRIVIA: Anne Weying trabaja para la firma legal llamada Michellinie & McFarlane, lo que es un tributo al guionista David Michellinie y el artista Todd MCFarlane, creadores de Venom. Ironía o chiste local, McFarlane entabló un largo proceso judicial contra Marvel, mismo que perdió, para recuperar los derechos del personaje. Dicho litigió impidió que Venom apareciera en las primeras dos entradas de la trilogía original de Spider-Man y retrasó su estreno.

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EL DEPREDADOR.El equipo que creó “Monster Squad” intenta resucitar la franquicia.

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EL DEPREDADOR

The Predator

 

Shane Black, 2018

 

Así que aquí tenemos la siguiente situación: Las casas productoras siguen sin estar muy seguras de cómo rayos funciona la Generación Z como público cinematográfico, así que prefieren vendernos películas a los millennials que, lejos de tener algún tipo de contenido o sustancia, se pueden sostener sin problema alguno gracias casi exclusivamente al factor nostalgia. Así pues, las secuelas y reboots innecesarios de sagas clásicas han plagado esta década. En esta ocasión, toca el turno de resucitar a la saga de Depredador, de mano del director y guionista Shane Black quien, de hecho, actuara en la primera cinta de la saga en aquel remoto 1987, y el guionista Fred Dekker, quien ha mantenido un bajísimo perfil después del estrepitoso fracaso en la taquilla, hace tres décadas, de su película Escuadrón anti-monstruos (1987).

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    Así que… ¿qué pasa cuando juntas a uno de los miembros del reparto de la peli original con el creador de una de las películas para preadolescentes más incomprendida de la historia? Pues lo obvio, obtienes una película cuyo tono entra y sale del PG-13 y que es un homenaje tan banal a la cinta original que casi parece una parodia.

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    La película continúa con la historia de sus predecesoras, aunque hace esfuerzos titánicos para sacar del canon lo planteado en la tercera parte –no veo por qué, no era tan mala–. En El Depredador, uno de los cazadores alienígenas de las cintas anteriores se estrella en la Tierra y es capturado por el gobierno de los EE.UU. y el único testigo sobreviviente, el militar Quinn McKenna (Boyd Holbrook), es enviado a un sanatorio mental del Ejército para ser silenciado. Sin embargo, cuando el Depredador escapa de una base militar secreta en Maryland y desata el caos, McKenna y su equipo de criminales militares dementes descubrirán que las conspiraciones llegan a niveles mucho más altos de lo que hubieran imaginado… para ambas especies.

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    SPOILER Recuerdo que cuando la saga de Alien se quedó sin ideas, decidieron que la cuarta parte, que al mismo tiempo pretendía funcionar como una especie de reboot, decidieron hacerla una comedia y meter híbridos. También recuerdo que cuando la saga de Jurassic Park se quedó sin ideas, decidieron rebootearla quince años después, darle un tono más chabacano y meter híbridos. Pues bien, lo mismo están haciendo con la franquicia de Depredador, auque oficialmente es una secuela y no un reboot. En esta nueva entrada de la saga, adaptada a la época de los teléfonos celulares, la mitología del universo de Depredador se expande y los verdaderos motivos de los cazadores alienígenas nos son revelados… en una justificación bastante decepcionante y que rompe con la lógica de las películas anteriores. TERMINA SPOILER

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    Creo que una de las características de los reboots de esta década –Jurassic World (Trevorrow, 2015), te estoy viendo a ti– es la falta de asombro ante el material original. En esta cinta, los depredadores son cosa plenamente estudiada y ya no espantan a nadie. El gobierno de EE.UU., a través de un proyecto secreto liderado por Keyes (Jake Busey) quien, podemos entender, es el hijo de Peter Keyes de Depredador 2 (Hopkins, 1990) –y su hijo en la vida real–, tiene pleno conocimiento de sus incursiones en nuestro planeta y ha seguido su progreso en las últimas tres décadas… aunque nunca queda muy claro qué frutos ha obtenido de dicho estudio.

    La película en general es entretenida y tiene mucha acción… quizá demasiada comedia en algunos momentos y es muy curioso cómo se van insertando elementos en la historia que, casi al momento de verlos, uno sabe que podrían salir del canon en la siguiente entrega. También, por momentos, es demasiado parecida a Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007)… y eso es malo a priori. Al menos, ésta sí se deja ver.

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    Las actuaciones están más o menos y creo que las más memorables son las del equipo de loquitos que acompaña a McKenna. Digo, creo que nadie esperaba súper actuaciones en una peli de Depredador –¡Oh, Arnie!–; pero Holbrook y Olivia Munn, en su papel de la Dra. Casey Brackett, luego tienen cada momento que es para soltar la carcajada.

    El personaje del pequeño Rory McKenna (Jacob Tremblay) me despierta sentimientos encontrados. Está interpretado de manera eficiente y cumple con su función dentro de la peli; pero la verdad es que siento que no termina de encontrar su lugar. Como que los personajes de niños no acaban de encajar dentro del universo de la saga. Es decir, el último que vimos fue aquel chavito que le ofrece chocolate al depredador y que es perdonado por éste al percatarse de que el arma que lleva no es real en Depredador 2.

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    A este respecto, puedo decir que estaba un poco preocupado por el hecho de que le bajaran el tono a la película. Ya saben, menos sangre, menos mutilaciones y menos cuerpos desollados colgando de cabeza para atraer a más público porque, pues bueno, estas pinches películas salen caras y hay que recuperar la inversión. Sin embargo, la película no decepciona (finalmente, en EE.UU. fue clasificada como R: para mayores de 17 años); sobre todo en una década en la que la mayoría de las películas parecen olvidarse de que la gente, de hecho, tiene sangre.  Aunque definitivamente le bajaron el tono a las carnicerías, la violencia sigue presente y hay escenas lo suficientemente sangrientas como para que esta cinta no se sienta fuera de la franquicia… ¿verdad, remake de RoboCop (Padilha, 2018)?

    Empero, en cuanto al tono y la narrativa, no sé… son un equipo de inadaptados sociales con grandes armas recorriendo un pueblito en una camioneta… Parece más un episodio largo de Brigada A: los magníficos (1983-1987) que una peli de Depredador. Yo estaba esperando que en cualquier momento se apareciera Mr. T.

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    Las criaturas animatrónicas lucen espectaculares. Éstas fueron creadas por Alec Gillis y Tom Woodruff Jr., quienes fueran discípulos del gurú de los animatrónicos, Stan Winston, y crearan a los depredadores de las primeras dos cintas. Las criaturas digitales no funcionan tan bien y, en general, el diseño no me acabó de convencer. Los sabuesos utilizados por los depredadores son bastante decepcionantes… El diseño de estos perros de caza extraterrestres estaba padre en Depredadores (Antal, 2010), ¿por qué lo cambiaron? Digo, sé que los depredadores de aquella película pertenecían a otra especie y probablemente usarían otro tipo de criaturas, pero los de esta película son poco interesantes y, desde el punto de vista narrativo, se sienten desaprovechados.

    Creo que, de hecho, ése es uno de los principales defectos de esta cinta: los depredadores son, en general, poco interesantes y las adaptaciones que les hicieron para expandir el bestiario son ridículas.

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    SPOILER Del mismo modo, la propuesta de los depredadores renegados como aliados de la humanidad sigue sin parecerme verosímil. TERMINA SPOILER

    Y, por supuesto, gran parte de lo que mantiene el interés del público en esta cinta es el fan service y el montón de referencias que hace a otras entradas de la saga. Desde la inclusión de Busey hasta el chiste sobre por qué no deberían llamarse “depredadores” –el cual, por sierto, fue una aportación de Munn y su hermana–… y sí, por supuesto, “Get to the choppa!”

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    Así pues, El Depredador me mantuvo entretenido durante una hora y tres cuartos y me hizo reír en sendas ocasiones; pero me dejó con la sensación de que es más bien intrascendente y no aporta prácticamente nada a la saga. Digo, los elementos novedosos que propone no acaban de cuajar y palidecen ante las referencias a las películas clásicas que suelta cada dos minutos.

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    Siempre he creído que el futuro de la saga estaría más bien en los spin-offs… ¡Rayos, me encantaría ver una peli de Depredador ambientada en el Viejo Oeste!

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PARA LA TRIVIA: El guión original de la película incluía un cameo del personaje de Dutch Schaffer (Arnold Schwarzenegger) al final; sin embargo, Schwarzenegger declinó la oferta de aparecer en la cinta. Del mismo modo, Adrien Brody manifestó su interés de realizar un cameo con su personaje de Royce, pero éste nunca se concretó.

PARA LA TRIVIA GEEK: En el laboratorio del proyecto Stargazer se almacena una colección de artefactos de los depredadores. Entre ellos, puede verse la lanza con una cola de xenomorfo usada en Alien vs Depredador (Anderson, 2004). Es decir, las películas de AVP quedaron fuera del canon de la saga Alien (gracias a Prometeo [Scott, 2012]); pero no de la de Depredador.

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ESFERA… un poco, un poquito más.

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ESFERA

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Barry Levinson, 1998

Cuando uno piensa en los grandes autores de ciencia ficción del siglo XX, por supuesto, los primeros nombres que vendrán a la mente serán los de Ray Bradbury, Isaac Asimov o Richard Mathesson, y quizá, en menor medida, Athur C. Clarke, Phillip K. Dick o, incluso, Frank Herbert o Rod Serling. Sin embargo, durante el último tercio de dicho siglo, hubo un nombre que casi se volvió monopolio en las librerías de aeropuerto y cuya propuesta de ciencia ficción consistía en rescatar argumentos clásicos del género y reinterpretarlos a la luz de la tecnología de punta –de aquella época–. Me estoy refiriendo a Michael Crichton.

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    En Esfera, Crichton entrega su reinterpretación del contacto de la raza humana con seres extraterrestres, que esta vez, se da en la zona abisal del océano. Las similitudes entre la novela de Crichton, publicada en 1987 y la película de James Cameron El secreto del abismo, de 1990, son demasiadas como para pasarlas por alto.

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    La película se estrenó casi una década después de la publicación del libro, cuando, gracias al éxito de Parque Jurásico (Spielberg, 1993), los productores creían que el nombre de Crichton sería un sinónimo de éxito en la taquilla. Pero los estrepitosos –y hasta dolorosos– fracasos de Congo (Marshall, 1995) y Esfera demostraron que no necesariamente era así.

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    Además, en el caso de Esfera tampoco ayudó que la promocionaran con ese poster completamente genérico de finales de los 90.

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    La película es una adaptación bastante fiel a la novela y cuenta la historia del psicólogo Norman Johnson (el gran Dustin Hoffman, desperdiciado), especialista en atender a víctimas de choques aéreos, quien décadas atrás desarrollara un protocolo de acción para el gobierno de EE.UU. en el caso de una hipotética invasión extraterrestre. Cuando Johnson es llevado a una estación de investigación subacuática junto con otros científicos lo que menos espera es que su protocolo esté, de hecho, poniéndose en práctica, pues una empresa ha descubierto una nave extraterrestre en el fondo del mar. Lo que descubrirán en su interior no sólo cambiará todas las ideas sobre el futuro de nuestra especie, sino que los enfrentará a una entidad alienígena que tiene la capacidad de materializar los pensamientos.

    Esfera es, probablemente, uno de los textos más complejos de Crichton y, en realidad, se torna ambiguo en algunas partes –también siento que le falta un poco de cohesión, pero no está mal–. En la peli creo que hicieron un buen trabajo al adaptar el texto enfocándose más en crear un buen thriller de ciencia ficción que le quita a la historia original cerca de una tercera parte de su extensión y deja de lado algunos de los aspectos más filosóficos de la narración, al mismo tiempo que simplifica un poco el carácter de los personajes y digiere para el espectador algunas de las partes más complejas. Aun así, creo que el resultado es cumplidor.

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    Me gustó que respetaran la edad y el tipo físico del protagonista de la novela parala película. Me gustó también que, en general, la mayoría de los personajes que fueron adaptados a la pantalla lucen bastante cercanos a como se les describe en el libro. Me agradó el tono que trataron de lograr en la película, aunque a veces se consigue y a veces no. Creo que lo que más me decepcionó de la cinta fue el hecho de que el calamar gigante que ocupa cerca de una tercera parte de la narración en la novela nunca apareciera en pantalla. Quiero decir, fue un movimiento inteligente que, a final de cuentas, apoya a la narrativa… pero ¡cómo no lamentar la ausencia de un monstruo gigante!

    Y, a pesar de que creo que el resultado final funciona en tal o cual medida, la realidad es que la película se nota muy dispareja. Esto se debe, principalmente, a que los realizadores tuvieron que entregar el primer corte de la cinta antes de que estuviera lista para cumplir con el deadline impuesto por Warner Bros. El mismo Dustin Hoffman ha declarado varias veces que se sintió decepcionado con la película, pues se nota inconclusa.

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    El espectador puede notar esto desde el momento en el que algunas escenas están maravillosamente actuadas, mientras que otras –como aquella de Sharon Stone llorando– son como de pastorela de secundaria. También puede notarse en la narrativa que se vuelve caótica en algunas partes. Pero, sobre todo, uno se da cuenta de que la peli no estaba terminada al momento de estrenarla por la edición frenética que posee. El montaje final de la cinta está lleno de cortes duros y secuencias mutiladas que denotan que quien editó el corte final no tenía suficiente material con el cual trabajar.

    Muchas de las escenas, sobre todo aquéllas de conversaciones o discusiones, fueron completamente improvisadas por los actores en el set.

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    También, a lo largo de toda la cinta, hay algunas tomas increíblemente poco afortunadas que, sumadas a los cortes duros que mencioné arriba y a una narrativa visual poco propositiva llena de clichés y resoluciones fáciles, impiden que la cinta trascienda a un nivel visual. Y, bueno… ¡incluso hay tomas que rompen los ejes! Por favor, señores, esos son fallos de estudiante de cine de primer semestre.

    La música está bastante bien. Ésta corrió a cargo de Elliot Goldenthal, cuyas composiciones han aparecido en películas como Alien 3 (Fincher, 1992) o El demoledor (Brambilla, 1993). En general, logra crear la atmósfera necesaria de suspenso y tensión, aunque me pareció un poco demasiado romántica por momentos… y en otros momentos se parece demasiado a la de Alien 3.

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    Lo que sí me gustó mucho fue el trabajo con maquetas y el maquillaje. El maquillaje de los cadáveres y los puppets utilizados en la película se ven geniales, aunque el CGI sí ha envejecido bastante mal. Sobre todo, llama la atención la esfera, cuyo diseño tomó cerca de nueve meses. En la novela, la esfera es descrita como una gigantesca esfera con superficie cromada y una serie de circunvoluciones en un punto específico; sin embargo, el equipo de efectos especiales descubrió que si creaban una esfera cromada para usarla en un escenario tan oscuro, sólo reflejaría el color negro y se vería poco interesante, por lo que decidieron colorearla de color champaña.

    A final de cuentas, Esfera es un thriller de ciencia ficción con una marcada influencia de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979) que toma atajos y se salta pasos en su narrativa, se siente dispareja, es algo obvia y digerida, y es mucho más melodramática y sencilla que su contraparte literaria. Además de que el reparto se siente completamente desperdiciado. El resultado final es más parecido a Galaxia del terror (Clark, 1981), pero sin los elementos de explotación. Empero, a pesar de todos los fallos que he enumerado, no es una película particularmente mala… sólo que se queda demasiado corta, particularmente tomando en cuenta el tipo de público al que va dirigida. Creo que funciona, pero no llega nunca a explotar completamente su potencial.

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    SPOILER El final de la película es diferente al de la novela y no me gusta mucho. Cuando la Esfera, en un mal CGI, vuela fuera del océano me recuerda a cuando Poochy regresa a su planeta. Sin embargo, hay un final alternativo –que pudo mostrarse en TV por cable en EE.UU.–, mucho más apegado al del libro, en el que la Esfera simplemente desaparece. TERMINA SPOILER

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    ¡Ah! Y también, citando a Bob Esponja,: “Parece que nuestro amigo no se encuentra familiarizado con los inconvenientes de la vida submarina”; pero estos errores sí vienen desde el libro.

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PARA LA TRIVIA: Joseph Hahn, DJ de la banda Linkin Park, diseñó el aspecto de la serpiente marina que aterroriza a Norman.

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EL ATAQUE DE LOS TOMATES ASESINOS. Hecha puré por la crítica, infaltable en el sandwich de los fans.

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EL ATAQUE DE LOS TOMATES ASESINOS

Attack of the Killer Tomatoes!

 

John DeBello, 1978

Muy probablemente, ustedes han tenido o tienen uno de esos amigos que intenta desesperadamente hacerse el gracioso. El tipo no es mala persona, ni siquiera es del todo antipático; sino que simplemente no es tan gracioso como cree y parece no darse cuenta de que las risas que siguen a sus chistes son más provocadas por lástima que por buen humor. Aun así, lo estiman y lo aprecian porque, en el fondo, tiene buenos sentimientos. Lo mismo pasa con El ataque de los tomates asesinos.

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    Parodiando las películas baratas de ciencia ficción de los 50 y 60 –también hay una parodia de Tiburón (Spielberg, 1975)–, El ataque de los tomates asesinos cuenta la historia de un grupo de jitomates mutantes que comienzan a perpetrar violentos asesinatos para después llevar a cabo una invasión a gran escala que cimbrará los cimientos de la civilización entera. Será tarea de un pintoresco equipo de “expertos” reunido por el gobierno de EE.UU. el detenerlos.

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    No puedo recordar con exactitud cómo fue que llegué a tener conocimiento sobre la existencia de esta cinta; pero sí recuerdo que fue a muy corta edad. Desde que estaba en el kínder sabía que existía una peli titulada El ataque de los tomates asesinos, aunque en mi ignorancia de la etapa preescolar creía que se trataba de una cinta de terror. Poco a poco fui descubriendo la verdad sobre de qué iba la peli, pero no fue sino hasta los últimos años de la adolescencia que la vi.

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    Y me acuerdo que me reí… pero también recuerdo que no fue con muchas ganas. No he visto ninguna de las secuelas, aunque de niño me gustaba la serie de dibujos animados.

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    Algunas películas son tan malas que terminan siendo buenas. Otras muchas, como ésta, simplemente son malas malas. Algunos realizadores desde un inicio deciden que su película estará mal hecha a propósito y que ésa será precisamente su principal vis comica. Pero no a todos puede salirles bien. A pesar de ello, El ataque de los tomates asesinos tiene algunos puntos rescatables, la verdad es que hay algunas cosas que sí me dan risa.

    Filmada casi enteramente en locaciones en San Diego, California –algunas secuencias en lugares públicos fueron filmadas sin contar con permiso de las autoridades–, y con un ínfimo presupuesto de apenas USD$90,000 –gran parte del cual se obtuvo gracias a préstamos y donaciones por parte de familiares de los realizadores–, la película sí llega a ser un claro ejemplo de lo que se puede lograr cuando la gente de veras tiene ganas de hacer las cosas… Digo, la calidad del resultado ya es otra cosa, pero de que lograron producirla y estrenarla, lo lograron.

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    De hecho, la escena más costosa de toda la película fue la del helicóptero que se estrella en el fondo de una de las tomas. El choque fue real. Por un descuido, el rotor de cola de la aeronave golpeó el suelo, lo que ocasionó que perdiera el control, resultando en un piloto herido y varios extras aterrorizados. Los actores improvisaron las secuencias siguientes frente al helicóptero en llamas. Puesto que la nave era rentada, la producción tuvo que pagar cerca de USD$60,000 por él… es decir, dos terceras partes del presupuesto de toda la peli se utilizaron para cubrir el costo del siniestro.

    Una cosa que me llama la atención es cómo mucho del humor de la cinta se basa en chistes políticamente incorrectos que, en nuestra época de censura y libertad de expresión coartada, serían simplemente inadmisibles. ¿O qué les parece el personaje del atolondrado maestro del disfraz que termina caracterizándose como un Adolfo Hitler negro?

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    El guión de la película, cuyas principales fortalezas son precisamente su falta de fuerza y falta de inteligencia que raya en la oligofrenia, sufre de una falta de cohesión que la hace terminar pareciendo más bien una colección de sketches cómicos.

    La dirección es desprolija y las actuaciones prácticamente inexistentes así que, en cierto sentido, la peli logra transmitir la sensación de caos de la invasión de las malvadas frutas… creo. Muchos de los miembros del reparto jamás habían estado en una película y muchos otros nunca volvieron a actuar. El tema musical es gracioso, como también lo es el número musical de los soldados, eso sí.

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    A pesar de todo, esta peli, que pretendía ser una parodia de las películas de culto de animales gigantes, se convirtió en una película de culto por derecho propio y una con una de las bases de fans más leales, me atrevo a decir. Considerada una de las peores películas de la historia, la cinta fue ignorada por el público y vapuleada por gran parte de la crítica al momento de su estreno. Sin embargo, la popularidad de la cinta remontó gracias al mercado del video, que fue en el que realmente se volvió famosa.

    Tanto así que New World Pictures, la compañía del Rey de la Serie B, Roger Corman, adquirió los derechos para la distribución de tres secuelas en la segunda mitad de la década de los 80 e inicios de los 90: El regreso de los tomates asesinos (DeBello, 1988), en la que se presenta al creador de los jitomates mutantes, el Prof. Gangrena (el siempre genial John Astin, quien se ganara nuestros corazones interpretando a Homero en la serie de TV Los locos Addams [1964-1966]), quien esta vez desarrolla un procedimiento para convertir los jitomates en humanos e intentar una segunda invasión; Los tomates asesinos contraatacan (DeBello, 1991), en la que el Dr. Gangrena busca dominar al mundo a través de un lavado de cerebro perpetrado desde los Talk Shows de la TV; y Los tomates asesinos van a Francia (DeBello, 1992), en la que el Dr. Gangrena escapa de la cárcel ayudado por su comando de jitomates e intenta dominar al mundo haciendo que su asistente reclame el trono de Francia haciéndose pasar por Luis XVII.

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    A esto súmesele una serie de dibujos animados de 21 episodios y 2 temporadas de duración (1991-1992) –que, de hecho, a nivel guión es bastante superior a las películas–, y un poco inspirado videojuego para el Nintendo Entertainment System basado en los dibujos animados (THQ, 1992), así como una miniserie en cómic publicada en 2008 como anticipación a un presunto remake cuyo proyecto jamás se concretó. Actualmente, la producción de una nueva secuela de la saga se encuentra en proceso.

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    A fin de cuentas, si uno se siente aburrido de comedias tontas… y está en el humor para una comedia francamente idiota, El ataque de los tomates asesinos podría ser la respuesta.

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    SPOILER Quizá la mayor aportación de El ataque de los tomates asesinos es que se piratearon el final para Marcianos al ataque (1996), de Tim Burton. TERMINA SPOILER

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PARA LA TRIVIA CON SPOILER: La Canción Puberty Love, interpretada en la peli por la parodia de Donny Osmond, Ronny Osmond, fue interpretada por el músico y compositor Matt Cameron, quien creció para convertirse en un bello cisne… ¡No, no es cierto! Creció y se convirtió en el baterista de Soundgarden y, posteriormente, de Pearl Jam.

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MEGALODÓN. ¡Por fin! Después de 20 años.

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MEGALODÓN

The Meg

 

Jon Turteltaub, 2018

En 1997, el autor de Best Sellers de aeropuerto y uno de mis imitadores de Michael Crichton preferidos, Steven Alten, publicó con gran éxito la novela Meg: A Novel of Deep Terror, sobre un grupo de científicos que descubre una pareja de megalodontes, que se creían extintos, en la Fosa de las Marianas. Por supuesto, uno de los megalodontes logra regresar a la superficie y causa estragos en la costa de California. El libro gozó de una amplia popularidad que, eventualmente, generaría cuatro secuelas –en el segundo libro el megalodón se enfrenta a un mosasaurio que resultó tampoco estar extinto, jajaja– y, de hecho, una adaptación cinematográfica se planeó incluso antes de su publicación –la primera edición de la novela incluía en la portada la leyenda “Próximamente una película de gran éxito”–. Dicha adaptación, al igual que el tiburón estelar, se quedó atrapada en una zona abisal… hasta ahora.

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    La película es una adaptación bastante libre que básicamente sólo retoma el título y algunos pasajes de la novela para contar la historia de Jonas Taylor (Jason Statham), un buzo rescatista de la marina de EE.UU. que, cinco años atrás, perdiera a miembros de su tripulación en un incidente con un presunto megalodón. Por supuesto, nadie le cree, hasta que, en la actualidad, el Dr. Zhang (Winston Chao) envía un equipo de investigadores, entre los que se encuentra Lori (Jessica McNamee), la exesposa de Taylor, a la zona abisal del Océano Pacífico y éstos son atacados por un megalodón. Con una renuencia tan creíble como un informe de gobierno, Taylor acepta traer de vuelta a los investigadores, sin contar con que el gigantesco tiburón prehistórico tiene planes de acompañarlos.

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    El peregrinar de esta peli por su proceso de preproducción es una historia larga e  interesante. En 1996, incluso antes de que la novela se publicara –la cual fue, por cierto, la primera novela publicada de Alten–, Disney, a través de su subsidiaria dedicada al cine de acción, Disney Holywood Pictures, adquirió los derechos para llevarla a la pantalla por un millón de dólares en una subasta.

    La Casa del Ratón encargó el guión de la película a Tom Wheeler, pero quedó insatisfecha con el resultado, por lo que llamó entonces a Jeffrey Boam, quien escribiera los guiones de películas como Indiana Jones y la última cruzada (Spielberg, 1989), o Los muchachos perdidos (Schumacher, 1987). Sin embargo, el guión de Boam también fue rechazado por Disney por malo. En este momento, se pensaba en Meg como un vehículo para impulsar la carrera de George Clooney.

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    El tiempo pasó y, en 1999, Warner estrenó Alerta en lo profundo (Harlin), una cinta sobre tiburones modificados genéticamente que dan cuenta de un grupo de científicos a bordo de una estación de investigación oceánica. Disney no quiso competir con Warner, así que pausó el proyecto.

    Desesperado por la falta de progreso de la Casa del Ratón, Alten les retiró los derechos, escribió su propia versión del guión y se la dio al productor Nick Nunziata quien, a su vez, se lo dio a Guillermo del Toro. En 2005, el proyecto fue atraído por New Line Cinema –en aquel entonces ya una subsidiaria de Warner Bros.– y Del Toro pasó a ser productor de la cinta. Poco tiempo después, Guillermo del Toro encargó el proyecto a los productores Lawrence Gordon y Lloyd Levin, quienes antes hubieran sido responsables por la insufrible Tomb Raider y la cuna de la vida (de Bont, 2003). En ese momento, la película sería escrita por John Salermo, quien escribiera los guiones de las deleznables Alien vs Depredador (Anderson, 2004) y Alien vs Depredaor 2 (Hnos. Strause, 2007) y dirigida por Jan de Bont.

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    Finalmente, New Line canceló también el proyecto y éste permaneció en el limbo durante casi una década, cuando Warner Bros. Lo rescató, probablemente en anticipación a los rumores de una nueva película de la saga Tiburón por parte de Universal Pictures, y se lo asignó al director de películas gore Eli Roth, quien escribiría y dirigiría la cinta. Roth abandonó el proyecto argumentando “diferencias creativas”, siendo la principal el hecho de que quería conservar el presupuesto de 150 millones de dólares al mismo tiempo que la clasificación R (para mayores de 17 años) lo cual, desde el punto de vista corporativo, es un suicidio financiero. A esto, súmesele el hecho de que el mismo Roth quería protagonizar la película, a lo que el estudio se negó rotundamente pues pensaron que el director y actor no tenía el atractivo comercial suficiente para un proyecto tan costoso.

    La dirección del proyecto terminó siendo para Jon Turteltaub, director de blocksbusters poco inspirados como Fenómeno (1996), protagonizado por John Travolta, o La leyenda del tesoro perdido (2004) con Nicholas Cage.

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    Ahora, la novela no es ninguna joya, ni siquiera para los estándares de la literatura de aeropuerto; pero, aun así, tiene un par de momentos brillantes y es muy entretenida. Además, de todas las novelas que se anuncian como “una mezcla entre Tiburón y Jurassic Park”, creo que es la única que verdaderamente merece el título. Plagada de clichés, lugares comunes, personajes tipo y situaciones inverosímiles, al menos el planteamiento es más o menos original y se disfruta leer… además, está bien gore.

    Ahora, imaginen que la película es como el resumen escolar de la novela. Y bueno, en mi caso, puedo pasar por alto los clichés y los lugares comunes en el argumento, la verdad es que no creo en la originalidad en ese sentido… pero ¿los clichés a nivel narrativo? Me refiero a que los realizadores de esta cinta se vieron realmente perezosos y simplemente tomaron su recetario de “Formas de filmar una película de acción” y lo siguieron a piesjuntillas. Quiero decir que, ya no digamos las “personalidades” de los personajes o sus diálogos son clichés; sino que ¡incluso las tomas y los emplazamientos de cámara son lugares comunes! ¿El resultado? Una cinta predecible y poco interesante.

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    Se entiende que los productores no quisieron hacer la película tan sangrienta como pudo haber sido para atraer más público; se entiende que, puesto que Hollywood actualmente vive del mercado chino más que del doméstico, cambiaran a los personajes japoneses del libro por chinos –en la novela, el Dr. Zhang es el Dr. Masao Tanaka y su hija Suyin, Terry Tanaka–, pero hay otra serie de diferencias que valdría la pena mencionar. Por ejemplo, el hecho de que en la novela Jonas Taylor es un paleontólogo y biólogo marino, y no un buzo rescatista; que la acción se desarrolla en la costa de California, con una escena cumbre teniendo lugar en San Diego; que la hembra de Megalodón está preñada; o el hecho de que la exesposa de Taylor no sea submarinista, sino una odiosa y ambiciosa reportera venida a menos de nombre Maggie.

    Pero, por supuesto, los cambios más notorios fueron los del escualo protagonista. Lo primero que noté –y me decepcionó– desde que vi el tráiler fue el color del Megalodón. En la novela, los megalodontes son de un blanco prístino –obvio guiño a Moby Dick–, casi luminiscente, ocasionado por la pérdida de pigmentación en su piel debido a vivir millones de años en la zona abisal. Sin embargo, los artistas de efectos especiales de Megalodón encontraron demasiado difícil colorear a su tiburón de blanco y que el CGI se viera bien, por lo que le dejaron la coloración grisácea de cualquier tiburón genérico. También en la novela el Megalodón sólo ataca de noche, pues sus ojos son hipersensibles a la luz –al menos hasta la parte en la que lo dejan ciego–; pero en la película lo vemos atacando a plena luz del día sin empacho alguno.

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    Las actuaciones de todos son bastante malas… lo que es una lástima porque Statham es muy buen actor, sólo que, como ya lo encasillaron en el papel de héroe de acción, a nadie le importa; además de que personalmente nunca lo habría elegido para el papel de Taylor basándome en la novela. El resto de los actores difícilmente logra salir avante con una dirección poco interesada y un guión acartonado y desabrido.

    Hablando del guión… ¿qué onda con eso? No sólo es predecible, clichesoso, inverosímil y ridículo en más de un momento; sino que hay unos diálogos tan melodramáticos que parecen sacados de una película de Roger Corman –no pude evitar soltar una sonora carcajada con el “I´m gonna kill it with evolution”. Y la relación disfuncional completamente injustificada entre Zhang y Suyin es de antología.

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    Hay también un par de escenas que no sé si quisieron hacer ridículas a propósito, pero que me dieron mucha risa. Digo, perdón, señores realizadores, pero un hombre nadando a toda velocidad para escapar por poco de un tiburón de 25 metros de largo no es aterrador o emocionante, es hilarante y me recuerda algunos de los mejores momentos de los Looney Tunes.

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    A final de cuentas, creo que Megalodón es un blockbuster veraniego completamente anodino que, al no saber definir ni su tono ni su público, se queda como un intento tibio a medio camino entre Tiburón (Spielberg, 1975) y Sharknado (Ferrante, 2013). Sí, tiene varios momentos de risas locas; pero creo que para la mayor parte del público éstos no compensarían las casi dos horas de película genérica de tiburones que se tienen que soplar.

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    Y… ¿los mataría poner un poco de sangre en las películas?

PARA LA TRIVIA: Jason Statham es un nadador de alto rendimiento que, de hecho, representó a Inglaterra en los Commonwealth Games de 1990, así que en esta cinta realizó casi todos sus stunts en el agua él mismo.

PARA LA TRIVIA GEEK: Actualmente aún existe controversia entre los taxónomos sobre si el Megalodón (Carcharocles megalodon), extinto hace apenas 2 millones de años, es un antepasado del tiburón blanco actual (Carcharodon carcharias) o si, de hecho, es una especie hermana del mismo genus (denominado en tal caso, Carcharodon megalodon).

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EL EJÉRCITO DE FRANKENSTEIN. ¡Los nazis continuaron con los experimentos del Dr. Frankenstein!

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EL EJÉRCITO DE FRANKENSTEIN

Frankenstein’s Army

 

Richard Raaphorst, 2013

Me enteré de la existencia de esta película hace años –cuando salió, vaya- gracias a la revista Fangoria. Cuando leí el breve artículo que sobre ella presentaban, la idea me pareció genial. Luego, con el tiempo, la idea se empezó a fermentar en mi cabeza. Cada vez que compraba películas en línea me paseaba un par de veces por este Blu-Ray sin decidirme completamente a adquirirlo… digo, finalmente la objetividad de Fangoria ha quedado en entredicho en sendas ocasiones. Después de mucha desidia, me animé a comprar la película y la vi hace un par de días, y aquí les cuento cómo me fue.

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    Grabada en el estilo de Found Footage que sobresaturó el cine de terror hace algunos años –francamente, si hubiera sabido/recordado que la película estaba en dicho formato, no la habría comprado–, la película cuenta la historia de un comando soviético durante el final de la Segunda Guerra Mundial, mismo que decide hacer una incursión tras las líneas enemigas en la Alemania Nazi para rescatar a otro comando perdido. Al llegar a la aldea en la que supuestamente se encuentra el comando perdido, los soldados se encuentran con que ésta ha sido convertida en un campo de pruebas por científicos que, tras descubrir el diario de Victor Frankenstein, han construido un ejército de cyborgs asesinos creados a partir de cadáveres reanimados.

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    Creo que uno de los grandes problemas de las películas Found Footage es que todas siguen básicamente la misma secuencia. Si ustedes vieron Pesadilla jurásica (Bennett, 2012) o si llegaron hasta el final de la infumable Terror en Chernobyl (Parker, 2012)… pues para empezar se los aplaudo; pero más allá de eso, déjenme decirles que entonces ya vieron El ejército de Frankenstein.

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    La película comenzó su preproducción a principios de la década pasada y su título era Worst Case Scenario (El peor de los escenarios o El peor de los casos). Se trató de uno de los primeros proyectos de crowd funding en las redes sociales, que ofrecía a sus patrocinadores la oportunidad de aparecer como extras en la película a cambio de sus generosos donativos.

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    El proyecto, originalmente apadrinado por el legendario productor de Re-Animator (Gordon, 1985), Brian Yuzna, sería una comedia splatterstick y trataría sobre un escuadrón de soldados nazis modificados con partes biónicas que, luego de que su barco fuera hundido en la SGM, resucitarían en la actualidad sembrando el terror entre un grupo de turistas en una playa holandesa. La producción comenzó en 2004; pero debido a la falta de presupuesto y a los problemas al interior de la misma, el proyecto se vino abajo, hasta que fue abandonado definitivamente en 2009.

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    En 2012, con una co-producción Holandesa-estadounidense-checa y un guión reescrito, el director Richard Raaphorst comenzó la filmación de El ejército de Frankenstein en locaciones en la República Checa, sintiéndose bastante inseguro sobre si el cambio de título era benéfico para el proyecto o si el numerito en general iba a funcionar.

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    Pues bien, la película en sí misma es una especie de monstruo de Frankenstein, ensamblada con pedazos de otro proyecto –incluso algunos monstruos que fueron confeccionados para Worst Case Scenario fueron reciclados para esta cinta–… y sí funciona. No es una buena película ni mucho menos; pero es entretenida y creo que sí tiene un par de aspectos bastante rescatables.

    Por principio de cuentas, están los stunts. Aunque el CGI sí es utilizado para crear algunos efectos, la mayoría de las tomas se lograron a través de efectos prácticos que lucen bastante bien en pantalla. Casi todas las criaturas son creadas por actores disfrazados y, si bien la realización resulta deficiente en algunos de los casos, el resultado final es bastante eficiente. Hay algunas tomas en las que a los monstruos se les ven los cables y nunca entendí el concepto del niño-caldera –a veces siento que esta peli se toma a sí misma más en serio de lo que debería–; pero, en general, las criaturas son imaginativas.

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    Otro elemento que me agradó fue la fotografía. Aunque en las películas found footage es difícil hacer una fotografía sobresaliente –incluso en algunas pelis, como ésta, estorba más de lo que apoya a la narrativa–, la propuesta de El ejército de Frankenstein funciona bien. Toda la cinta está tratada con un filtro digital que la hace parecer filmada en ese tecnicolor rudimentario de tres cintas. Para quienes no conozcan la técnica, lo explico brevemente: En la década de 1930 se desarrolló una técnica que permitía producir películas a color. Ésta consistía en filmar simultáneamente en tres cintas diferentes: una verde, una magenta y una en blanco y negro. Cuando las cintas se procesaban en el laboratorio, y tras unos ajustes de saturación, podía obtenerse una gama bastante decente de colores al superponer las imágenes de las tres cintas. Películas como El museo de cera (Curtiz, 1933) fueron filmadas con esta técnica. Sin embargo, es inverosímil que la misma se utilizara para la fotografía de campos de guerra, pues era increíblemente costosa.

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    Fuera de lo anterior, la película es una acumulación de clichés y lugares comunes sin salvación. El guión y sus “personajes” no tienen el más mínimo atisbo de profundidad y, en general, son poco interesantes. Del mismo modo, la anécdota y el interés que suscita en el público se van diluyendo poco a poco desde la primera aparición de las criaturas.

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    Así pues, al final El ejército de Frankenstein termina funcionando mejor como videojuego que como película. Muchas secuencias parecen sacadas directamente de algún videojuego de la saga Wolfenstein, de la cual la película parece recibir su mayor influencia –bueno, también hay un par de monstruos que parecen sacados de BioShock (2K Games, 2017)–… De hecho, ahora que lo pienso, es bastante curioso. El videojuego Wolfenstein: The New Order (Bethesda, 2014), que sirvió como reboot de la serie, apareció para consolas de Séptima Generación algo así como seis meses después del estreno de El ejército de Frankenstein. Ya sé que sólo es una coincidencia, pero igual es curioso.

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    El ejército de Frankenstein está muy lejos de ser una buena película. Ni siquiera creo que sea de las mejores de Found Footage; pero es entretenida y, a pesar de lo predecible, logra mantener el interés durante sus alrededor de 80 minutos de duración. Hay algunos chistes de sátira política que funcionan bien y, sobre todo, es una muestra de cómo una película puede levantarse con empeño y amor a pesar de no tener un centavo para hacerla. A final de cuentas, empero, se siente como una buena idea desperdiciada en una película mediocre.

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PARA LA TRIVIA: El director Richard Raaphorst, se mostró muy reacio a cambiar el título de Worst Case Scenario debido a que el nombre ya se había popularizado en Internet y temía que el cambio creara confusión entre los fans.

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