ATÓMICA. Se dice “atómica”… “atómica…

atomicblonde01

ATÓMICA

Atomic Blonde

 

David Leitch, 2017

 

Recuerdo haber visto la caída del Muro de Berlín por televisión cuando era niño. Digo, no cobró significado para mí hasta muchos años después; pero sí recuerdo estar sentado frente a ese televisor de torreta y verlo todo. La desaparición de la DDR, con sus pros y sus contras, es un telón de fondo magnífico para un thriller político o para una película de espías. Justo es este hecho histórico el que explota Atómica, basada en la novela gráfica de Antony Johnston, película que se convierte en un estilizado ejercicio de forma sobre fondo.

    La peli narra la historia de Lorraine Broughton (la genial Charlize Theron), una agente del Servicio Secreto Británico que es enviada a Berlín para investigar el asesinato de un colega y recuperar el valioso cargamento que éste llevaba y que le fue robado: una lista secreta con los nombres de los agentes de inteligencia de diferentes países que fungen como agentes dobles.

atomicblonde09

 

    Y ya. La trama es bastante lineal y es de lo más simple, aunque tiene montones de complicaciones de lo más artificiosas. Vueltas de tuerca sobre vueltas de tuerca sobre vueltas de tuerca que no sólo se vuelven predecibles desde que comienza el segundo acto de la peli; sino que ya al final terminan rayando en lo absurdo. De hecho, en una película que ya de por sí se nota derivativa, hay momentos en los que se siente que el guión está divagando y que sólo está dándole vueltas innecesariamente a algo que ya se expuso con claridad anteriormente.

    Lo que sí está muy bien son las actuaciones. Un reparto conformado por histriones del calibre de James McAvoy, John Goodman, Toby Jones, Bill Skargård ‒a quien veremos como el payaso Pennywise en el próximo remake de It y quien, francamente, me parece mejor actor que su hermano mayor‒ o la misma Theron logra elevar y volver interesante una película que, de otro modo, sería bastante olvidable. Los personajes se sienten un poco más profundos de lo que en realidad son y en general todos los intérpretes logran ponerle carnita a lo que encontraron en el papel.

Atomic Blonde (2017)

    Y también por ahí anda Sofia Boutella, a quien mejor no recordamos por el deleznable segundo remake de La momia (Kurtzman, 2017).

    Por otro lado, las escenas de acción son bastante disparejas. Eso sí, la película tiene mucha acción que se extiende a lo largo de varias secuencias y que la vuelve muy entretenida. Un buen uso del maquillaje prostético intenta darle un tono más realista a las escenas de peleas, haciendo ver que los catorrazos van en serio y eso está muy padre.

atomicblonde07

    Por desgracia, algunas de las coreografías están mal fotografiadas y se ven súper falsas. Se ve el clásico efecto de “Patada Jedi” en la que se nota que ni siquiera se tocaron y aun así hay reacción. Vamos, finalmente, hay varias de las coreografías en la película que se nota que son coreografías y eso es bastante chafa.

    Honor a quien honor merece, algunas otras coreografías se ven espectaculares.

atomicblonde03

    Quizá el aspecto más sobresaliente de la peli es la propuesta estética. Digo, es precisamente el elemento que vende la película en las imágenes publicitarias. La estética Glam/Retro New Wave se encuentra presente en toda la cinta, cuya fotografía está llena de colores sobresaturados que funcionan como una especie de leit motiv para identificar personajes y lugares. Éste es el elemento más llamativo de la película: una fotografía bella que se complementa con una edición bastante propositiva y dinámica que apoya a la narrativa de la peli. O sea, todo se ve bien pinches bonito.

    Lo que no deja de llamar poderosamente mi atención es que el empeño de crear una película de época sea sacrificado en aras del estilo. Digo, no se trata en absoluto de una película histórica; pero sí echaron mano de gran cantidad de recursos para recrear el aspecto de las diversas locaciones en aquella época ‒Alexanderplatz se ve genial‒, desde filmar en locaciones en Berlín, Londres y Budapest ‒que es donde se filman casi todas las películas gringas que quieren capturar ese look europeo, porque además es más barato‒ hasta utilizar el viejo truco de la pintura mate ‒que, de hecho, era muy popular en las películas de los 80, antes de los escenarios virtuales‒.

atomicblonde06

    De todos modos, los vestuarios de los personajes principales no lucen como de 1989… Están muy padres, sobre todo los trapos que usa la Theron; pero se notan un tanto anacrónicos.

    El soundtrack está conformado por increíbles composiciones originales de Tyler Bates ‒quien compusiera los soundtracks de Halloween: El inicio (Zombie, 2007), 300 (Snyder, 2006), Guardianes de la galaxia (Gunn, 2014) y Sucker Punch: Mundo surreal (Snyder, 2011)‒ muy en la vena Retro New Wave, y muy selecta música pop de los 80 con canciones de David Bowie, The Clash, Nena, Falco y Peter Schilling, entre otros. Porque ya saben que, si todo lo demás falla, siempre puedes llenar tu película con música exitosa del pasado para tener contento al público.

atomicblonde05

    Lo que sí me impresionó fue que en ningún momento sonara Atomic, de Blondie. Quizá quisieron evitar la obviedad, pero…

    Finalmente, Atómica no le va a cambiar la vida a nadie. No tiene casi nada de contenido y se siente que es una envoltura muy bonita para una caja vacía. Pero es una envoltura muy muy bonita. Es una cinta entretenida que lo mantiene a uno atento a lo que pasa, aunque se siente un poco larga por momentos. Sin embargo, en general creo que es una cinta de acción bastante decente con un par de gags que como que no acaban de caer del todo. Pero sí está chida.

atomicblonde04

    ¿Saben qué también es muy curioso? La película no se ve en absoluto como el comic, que está más clavado en una estética Noir en blanco y negro súper influida por el Sin City de Frank Miller.

PARA LA TRIVIA: La confrontación clave hacia el final de la película se filmó en el interior de un edificio real en Berlín en lo que parece ser una larga secuencia sin cortes. En realidad, la escena está compuesta por alrededor de 40 secuencias pequeñas que fueron editadas meticulosamente con ayuda de herramientas digitales para dar la ilusión de que se trataba de una sola.

atomicblonde-calif

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

ESCUADRÓN ANTI-MONSTRUOS. Es como si alguien tomara “Chabelo y Pepito contra los monstruos” y la hiciera bien.

monstersquad01

ESCUADRÓN ANTI-MONSTRUOS

Monster Squad

 

Fred Dekker, 1987

 

Fue en 1943 cuando un Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) recién despertado del coma liberó a la Creatura de Frankenstein (Bela Lugosi) de un bloque de hielo y, al no tener nada mejor que hacer, ambos monstruos batallaron hasta un clímax catastrófico en Frankenstein contra el Hombre-Lobo (Neill, 1943). Desde entonces, pareció que el destino de los Monstruos clásicos era encontrarse, ya fuera como enemigos o como aliados, en cintas como La guarida de Frankenstein (Kenton, 1944) o La mansión de Drácula (Kenton, 1945), la cómica Abbott y Costello contra los fantasmas (Barton, 1948), la apócrifa Drácula vs Frankenstein (Adamson, 1971) o nuestras queridas bastardizaciones nacionales El castillo de los monstruos (Soler, 1958) ‒siendo honesto, ésa sí me gusta mucho‒, Santo el enmascarado de plata y Blue Demon contra los monstruos  (Martìnez Solares, 1970) o Capulina contra los monstruos (Morayta, 1974).

    En 1987, el director de la genial película tributo a las cintas de Serie B El terror llama a su puerta (1986), Fred Dekker, decidió realizar un ambicioso guión que había escrito años atrás; pero para el que no había conseguido financiamiento. Tras la popularidad de El terror llama a su puerta, Dekker pudo más fácilmente conseguir quien produjera su película: una cinta familiar en la que un grupo de preadolescentes se enfrenta a los Monstruos clásicos. Lo que Dekker no pudo conseguir fueron los derechos para utilizar los diseños de los Monstruos que Jack Pierce creara para Universal Pictures cinco décadas atrás.

monstersquad02

    En el que probablemente sea uno de los prólogos más costosos en la historia del cine ‒y si se hubiese filmado como estaba en el guión habría costado más que toda la película‒, la película cuenta cómo el Dr. Abraham Van Helsing (Jack Willim), un siglo atrás, intentó usar un amuleto mágico para enviar a su enemigo Drácula (Duncan Regehr) y su séquito de monstruos al Limbo. Por desgracia, Van Helsing fracasó y sus discípulos emigraron a los EE.UU. para esconder el amuleto. En la época actual, Drácula y sus esbirros viajan al pueblo de Baton Rouge, Louisiana, para destruir el amuleto. Pero no contaban con Sean Crenshaw (Andre Gower), quien posee el diario de Van Helsing, su hermanita Phoebe (Ashley Bank) y sus amigos amantes de las películas clásicas de Monstruos, quienes saben justo cómo detener a los invasores.

    Pues no, el argumento no es lo que podría decirse sobresaliente. El guión está bien escrito, a secas; pero está lleno de huecos y salidas fáciles. Y aun así, la película funciona maravillosamente.

monstersquad11

    El sencillo guión de Fred Dekker y Shane Black ‒el guionista-actor a quien seguro recuerdan por su papel de Hawkins en Depredador (McTiernan, 1987)‒ tiene montones de frases ingeniosas ‒”Wolf-Man’s got nards!” (“¡El Hombre-Lobo tiene bolas!”)‒ y jocosas referencias a películas de monstruos. Dekker era fan de las películas clásicas de monstruos de Universal y de los seriales de La pandilla , por lo que decidió mezclarlos para crear esta película[1].

   Empero, el verdadero núcleo de la película es el mensaje de que la amistad trasciende a pesar de nuestras diferencias ‒el chavo rudo se alía con los nerds, el niño gordo recupera su dignidad por mano propia y, claro está, la Creatura de Frankenstein trabando una entrañable amistad con una niña de preprimaria‒. También hay por ahí un par de comentarios sobre los monstruos del mundo real que le dan a la película otro nivel de profundidad completamente nuevo.

monstersquad03

    Las actuaciones son bastante decentes; digo, no son particularmente buenas, pero no dejan qué desear, y lo que sí es sobresaliente es ver a tantos niños carismáticos juntos en pantalla ‒digo en Parque Jurásico (Spielberg, 1993) no pudieron juntar a dos‒. Los adultos también hacen un trabajo bastante competente, sobre todo Noonan como la Creatura de Frankenstein y Regehr, como el Rey de los Vampiros.

    Según lo ha referido en entrevistas[2], Regehr interpretó a Drácula como si fuera el supervillano de algún cómic y sí lograba darle miedo a los niños. Del mismo modo, Noonan no interactuaría nunca con los chicos si no estaba completamente caracterizado, además de que disfrutaría de jugarle bromas pesadas a Stan Winston con el maquillaje puesto.

monstersquad10

    La fotografía es muy buena y muy propositiva. Bradford May, director de foto, tuvo desde el principio el cometido de hacer que todo se viera lo más real posible. Del mismo modo, sabía que era una cinta para niños; pero no por eso dejó de darle una atmósfera oscura y tenebrosa. Finalmente, la propuesta de May en la pantalla es la de una película oscura pero con colores sólidos y brillantes, muy en el estilo de otras películas de la época, que se ve genial.

    Por supuesto, las estrellas del show son los monstruos. Según Shane Mahan, artista del Stan Winston Studio que estuvo liderando el proyecto de Escuadrón Anti-Monstruos, “El reto era sugerir estas criaturas clásicas sin copiarlas realmente”[3]. Según parece, ni Antonio Espino “Clavillazo”, ni Xavier López “Chabelo”, ni Santo tuvieron que preocuparse por eso alguna vez. Lo que sí es que las criaturas de Monster Squad, a diferencia de las Hechas en México, prácticamente no han envejecido en tres décadas.

monstersquad04

    El diseño de los monstruos estuvo a cargo del mismo Stan Winston, quien tuvo que delegar la confección de los mismos a los artistas del estudio, pues se encontraban saturados de trabajo. Mientras el SWS trabajaba en Escuadrón Anti-Monstruos, Winston estaba enfocado en el diseño y pre-porducción de la película que sería su debut como director, la ahora clásica Pumpkinhead (1988), y una pequeña porción del equipo trabajaba en un bomberazo en el que nadie creía llamado Depredador.

    Aunque un poco decepcionados por no poder utilizar los diseños originales de Pierce, los artistas del Stan Winston Studio no sólo crearon personajes carismáticos en pantalla; sino que lograron implementar en ellos nuevas tecnologías del puppeteering que reducían considerablemente el número de titiriteros que eran necesarios para dar vida a cada una de las criaturas. Esta cinta, además, marcó el debut del artista Tom Woodruff Jr.[4], quien pasara por muchas dificultades y sufrimientos al encarnar a la criatura acuática conocida como Gillman, como actor de creaturas. Además, la versión de esta peli de la Momia (Michael MacCay) es mi favorita de todas.

monstersquad09

    Fred Dekker reconoce que Escuadrón Anti-Monstruos es su mejor película; pero también reconoce que fue la película que acabó con su carrera. La cinta costó cerca de 12 millones de dólares, pero en taquilla no recaudó ni 4 millones en su breve corrida de tres semanas. Casi un lustro después, Dekker tuvo una nueva oportunidad de recuperar su carrera de director… por desgracia el proyecto que encabezó fue RoboCop 3 (1993) y, bueno, ya todos sabemos cómo terminó eso.

    Diversos factores se conjuntaron para que la película fracasara en taquilla. Algunos involucrados en la peli culpan a una campaña de mercadeo mal dirigida, otros culpan a la falta de los diseños originales de los monstruos. Sin embargo, el fondo del asunto fue que la cinta estaba dirigida a un público muy reducido. Los niños no la vieron porque los padres creyeron que la película era inapropiada para ellos, y los adolescentes y adultos tampoco la vieron porque creyeron que era una película para niños. Según lo refiere Tom Noonan[5], a él mismo le costó mucho trabajo conseguir una copia en VHS para que sus hijos la vieran. Lo cierto es que, con el paso del tiempo, de forma inesperada para sus realizadores, Escuadrón Anti-Monstruos se ha convertido en una película de culto cuya nutrida legión de fanáticos ha surgido de la TV por cable y los videoclubes. Yo me enteré de su existencia gracias al libro de Stan Winston y ahora me cuento entre los fans.

PARA LA TRIVIA: Dustin Diamond, quien interpretara a Screech en Salvados por la campana (1989-1993), tenía una breve aparición en la cinta; pero ésta fue eliminada junto con otros 13 minutos de película porque los ejecutivos de HBO no querían que la peli durara más de 90 minutos. Del mismo modo, Liam Neeson, quien originalmente fue considerado para el papel de Drácula, fue contratado y de hecho se le pagó para aparecer en una secuencia que nunca se filmó.

monstersquad-calif

 

[1] Según lo declara en la entrevista que dio para el especial Monster Squad Forever! (Felsher, 2007), incluido dentro del material extra de la edición de 20 aniversario en DVD.

[2] FELSHER, ídem.

[3] MAHAN, Shane, citado en Duncan, Jody The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, Londres, 2006. P.98. La traducción es mía.

[4] A partir de Alien 3 (Fincher, 1992) y hasta Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007), Woodruff sería el actor dentro de los trajes de xenomorfo en la saga Alien.

[5] FELSHER, ídem.

Lee mis reseñas de los Monstruos Clásicos de Universal:

Drácula

Frankenstein

La momia

El hombre invisible

La novia de Frankenstein

El hombre lobo

El Fantasma de la Ópera

El monstruo de la Laguna Negra

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

BRAINDEAD: TU MADRE SE COMIÓ A MI PERRO. Y le faltaba sal.

braindead01

BRAINDEAD: TU MADRE SE COMIÓ A MI PERRO

Que en EE.UU. fue conocida como Dead-Alive, pero que en su natal Nueva Zelanda se llamó Braindead. En México oficialmente se llama Muertos vivos, pero jamás he sabido de alguien que la llame así.

 

Peter Jackson, 1992

Existen numerosas versiones de esta película. La razón es que prácticamente cada compañía que la distribuyó fuera de Nueva Zelanda armó su propio corte para adecuarse, ya fuera a su mercado local, o a las clasificaciones restrictivas y la censura de su región. La versión completa de la película ‒que no he visto‒ tiene una duración de 104 minutos, mientras que la versión más censurada ‒que tampoco he podido ver‒ dura apenas 85 minutos. Esta reseña habla sobre la edición sin censura para DVD, que tiene una duración de 97 minutos.

Corría el año 1998 y yo acababa de regresar de provincia a la capital. Siendo tan aficionado como siempre lo he sido a los cómics, no podía perderme un evento que, por vivir en el interior de la República, ya había dejado pasar demasiadas veces: la MECyF. Había habido otras convenciones de cómics en México antes, sí; pero con el apoyo de importantes empresas y un leviatán de aparato publicitario, la MECyF se convirtió rápidamente en la más importante convención de cómics y cine fantástico en América Latina. Y, aunque me quedé con la espinita de presenciar el lanzamiento oficial del cómic de Spawn en México en la MECyF 97, en la edición 98 pude conocer al legendario guionista de Batman, Dennis O’Neil y al caricaturista español de MAD, Sergio Aragonés.

braindead08

    Dentro del marco de la MECyF ‘98 se celebraba también el Segundo Festival Internacional de Cine de Ciencia Ficción y Fantasía, que era una oportunidad única para ver películas de género de las más diversas latitudes, muchas de las cuales no habían tenido una corrida comercial en cines de nuestro país. En la programación de ese año figuraban películas como Acción mutante (de la Iglesia, 1993), Ciudad en tinieblas (Proyas, 1998), Nirvana (Salvatores, 1997), Tykho Moon (Bilal, 1996) o Braindead: tu madre se comió a mi perro.

braindead11

    En aquella ocasión no pude entrar a ver Braindead, pero el artículo que sobre ella publicaron en el programa del festival me dejó intrigado, sobre todo por las grotescas imágenes que incluía. El tiempo pasó y alrededor del año 2002, cuando compré mi primer reproductor de DVD, pude conseguir la película en dicho formato. Quedé estupefacto. ¿Cómo era posible que el director de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003) ‒a quien yo conocía por Muertos de miedo (1996), con Michael J. Fox‒ hubiera creado una película tan diferente a la adaptación de la obra de Tolkien? ¿Cómo una cinta tan absurda podía ser tan diabólicamente entretenida? ¿Cómo podía la cinta de verdad ser tan diferente a la que yo había imaginado? Y, sobre todo, ¿cómo podía arrastrarse un sistema respiratorio zombie por las vigas de un ático?

braindead05

    La película cuenta la historia del infeliz Lionel Cosgrove (Timothy Balme), un joven tímido que vive recluido en un aislado caserón con su dominante y posesiva madre, Vera (Elizabeth Moody). Cierto día, Lionel conoce a Paquita Sánchez (Diana Peñalver), la hija de una familia española dueña de una tienda, y se enamora de ella. Los jóvenes se citan en secreto en el zoológico, pero la castrante Vera se entera y va a espiarlos. Mientras ella trata de inmiscuirse aún más en la vida de su hijo, es mordida por un mono-rata maldito de Sumatra, que la contagia con un virus mortífero que la convertirá en un agresivo zombie. Lionel trata de mantener la enfermedad de su madre en secreto; pero esto sólo llevará a que la infección se esparza por el pueblo con hilarantes resultados.

braindead02

    Antes que nada, hay que aclarar: Braindead no es una película para todos. Y por esa misma razón es un clásico del gore y una de las obras cumbres del splatterstick. Pero uno sí debe estar de un humor especial para aguantarla. Y valdrá la pena el esfuerzo.

    Peter Jackson es un cinéfilo de toda la vida y en éste, su tercer largometraje, nos entrega una obra súper influida por montones de películas y que rinde un cariñoso tributo a todas ellas. Referencias a King Kong (Cooper y Schoedsack, 1933), Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981), Psicosis (Hitchcock, 1960), ¡Escalofrío! (Mann, 1971), El despertar del diablo (Raimi, 1981), Carrie: extraño presentimiento (DePalma, 1976), Re-Sonator (Gordon, 1986), Herbert West, Re-animador (Gordon, 1985), La masacre de Texas (Hooper, 1974) y hasta Payasos asesinos del espacio exterior (Chiodo, 1988) desfilan por la pantalla en una especie de juego de complicidad que el cinéfilo Peter Jackson propone a un público de cinéfilos.

braindead10

    Las actuaciones son caricaturescas y los actores logran crear personajes antipáticos en pantalla. Ésta es una de esas películas en las que uno termina odiando a prácticamente todos los personajes; lo que está padre, porque hace mucho más memorables y satisfactorias sus escenas de muerte. Sobre todo, presten atención al personaje del tío Les (Ian Watkin)… y ya que se convirtió en zombie, por favor presten atención al cable del que se ve que cuelga su columna vertebral.

    A pesar de cositas por el estilo, los efectos especiales y el maquillaje se sostienen bastante bien aun con del tiempo. Esta cinta es una de las más asquerosas que he visto y, sin duda, el beso final entre Lionel y Paquita, uno de los más repulsivos. Es muy interesante, y hasta un tanto morboso, ver la transformación de Vera y su transición por los diversos estadios de la zombificación. Por cierto, las secuencias en stop-motion las realizó Peter Jackson mismo.

braindead03

    Y si aún no están convencidos de que los efectos especiales son realmente buenos… ¿qué tal si les digo que muchas de las escenas de la calle principal del pueblo fueron logradas filmando maquetas?

    Pero no todo es gore sin sentido. La película también tiene varios logros técnicos que son más que dignos de mención. La fotografía es muy interesante, con tomas propositivas y heterodoxas y una propuesta estética bien definida que se volvería muy característica de las películas de los 90, colores estridentes y encuadres que resultan extravagantes. La edición y montaje de la película también están de lujo, logrando crear pequeños remates cómicos en una obra cuyo tono ya raya en lo absurdo.

braindead09

    ¿Y qué me dicen del cura que sabe kung fu? ¿O del sexo entre zombies? ¿O el bebé zombie producto del sexo entre zombies? ¿O las partes del cuerpo zombies que se vuelven autónomas y atacan a la gente? Si con David Cronenberg conocimos el Horror Corporal, con Jackson nos presentaron la Comedia Horrorífica Corporal.

braindead06

    Me confieso del todo ignorante de la historia neozelandesa; pero siempre me he preguntado si el hecho de que la película esté ambientada en la década de los 50 es de alguna relevancia para la historia. Del mismo modo que la vuelta de tuerca sobre las infidelidades del papá de Lionel parece no aportar nada a la trama.

braindead04

    A final de cuentas, Braindead es un referente del cine gore y un clásico del subgénero conocido como Happy Gore. La secuencia de Lionel destazando zombies con una podadora de césped ‒así es, Dead Rising (Capcom, 2006) no inventó nada de nada‒ es sencillamente hilarante, de verdadera antología… bueno, de hecho, toda la película es muy memorable y es fácil ver por qué se convirtió en un clásico. Resulta una especie de mezcla entre The Evil Dead y el Show de los Muppets (1976-1981).

PARA LA TRIVIA: Para la mencionada escena de la podadora se utilizaron cerca de 300 litros de sangre falsa que eran bombeados a una velocidad de 5 galones por segundo.

braindead-calif

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA. Si la anterior fue “Ricardo III”, ésta es “Mucho ruido y pocas nueces”.

warfortheplanetoftheapes01

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA

War for the Planet of the Apes

 

 

Matt Reeves, 2017

Twentieth Century Fox no tenía demasiada fe en la primera película de El planeta de los simios (Schaffner, 1968). De hecho, decidieron retrasar la filmación cerca de seis meses para enfocarse en otros proyectos que creían que tendrían más éxito. Sorprendentemente para Fox, la película basada en la novela de Ciencia Ficción de Pierre Boulle fue un trancazo en la taquilla que marcó a una generación, se convirtió en un clásico del cine de género y engendró cuatro secuelas, una serie de TV Live-Action, una serie de TV de dibujos animados, toneladas de merchandising, un remake y un reboot que, a su vez, generó una trilogía, la cual llega a su fin con La guerra.

warfortheplanetoftheapes08

    Tras los eventos de la película anterior, los simios inteligentes ya no son la especie dominante en el planeta. El líder chimpancé, Caesar (Andy Serkis, uno de los más sobresalientes actores de criaturas de la historia) lidera a su reducido grupo de simios, quienes se han escondido en una pequeña comunidad en el bosque californiano. Caesar y su familia no sólo deben enfrentarse a los ejércitos humanos que buscan destruirlos, sino también a simios disidentes que los han traicionado y la sombra de Koba, que sigue presente en la comunidad simia. En esta hora desesperada, un nuevo enemigo, el militar extremista conocido únicamente como el Coronel (Woody Harrelson, de antología), pretende asestar el golpe decisivo que acabará de una vez por todas con los simios. Caesar no sólo deberá enfrentarse al Coronel y sus hombres, sino a su propio lado oscuro para salvar a su especie de la extinción.

warfortheplanetoftheapes02

    Creo que una de las principales diferencias entre esta nueva franquicia de El planeta de los simios y la saga original de los 70 es que en ésta todas las entregas han mantenido más o menos un mismo nivel de calidad. Mi favorita sigue siendo la segunda, que me pareció una especie de reinterpretación de Ricardo III; pero Guerra no está nada mal y, de hecho, me sorprendió bastante en algunos aspectos.

warfortheplanetoftheapes07

    Por principio de cuentas, están los efectos especiales creados por Weta Digital ‒la misma gente detrás de la Trilogía de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003)‒ que me mantuvieron con la boca abierta durante las dos horas y cuarto que dura la película. Es la primera vez en mucho tiempo en la que me siento desconcertado y francamente no puedo decir cómo hicieron los efectos que aparecen en pantalla. Digo, sé que se trata de CGI; pero hay momentos en los que casi podría jurar que usaron animatrónicos. Por cierto, los simios digitales actúan mejor que muchos actores de carne y hueso que he visto.

warfortheplanetoftheapes11

    En segundo lugar, están las actuaciones. Es raro, las intervenciones de los humanos a lo largo de la película son más bien breves. Casi durante toda la cinta nos encontramos siguiendo a Caesar y sus compañeros en su travesía y no resulta aburrido. Por el contrario, Caesar y Maurice (Karin Konoval), que son quienes llevan el peso dramático de la narración, resultan interesantes y empáticos, y Bad Ape (Steve Zahn) resulta una vis comica efectiva, aunque se nota un poco forzada, como que los realizadores lo metieron para evitar que la película fuera demasiado oscura para el mainstream.  Harrelson está excelente en su papel, aunque he de decirlo,se parece bastante a otros personajes que ha interpretado antes. Aun así, la película se siente bien actuada, tanto por humanos como por antropoides.

    La música también está padre y le da a la película un toque épico en el que la confrontación entre los dos bandos es muy clara. El score compuesto por Michael Giacchino utiliza sonidos militares para las escenas de los humanos y ritmos más tribales para las de los simios.

WAR FOR THE PLANET OF THE APES

    Finalmente, me encantó la fotografía. La forma en que ésta logra integrar el paisaje como un elemento más de la narración es impactante. Lo que pude ver como espectador fue un mundo salvaje y prístino convirtiéndose en el botín disputado por las dos especies ‒ya sé que entre los simios hay cuatro especies diferentes, lo digo en sentido figurado‒; vamos, uno entiende que quieran quedarse con este nuevo mundo. Lo que también me pareció interesante es que, a pesar de que la peli se ofrece en formatos 3D y 4DX, se filmó en 2D y la conversión se hizo en laboratorio. Y no sé por qué; pero como que las tomas en gran angular se ven mucho mejor filmadas en 2D de origen.

    Ahora, los puntos malos.

warfortheplanetoftheapes10

    Para empezar, me quedé esperando la prometida “Guerra” por el planeta de los simios. Ésta no es una película de acción. Es más un melodrama de aventuras y, aunque sí hay algunas secuencias de acción, son más bien breves y en realidad son apenas unos cuantos momentos durante toda la película. La confrontación final está bien, a secas, pero me dejó sintiendo que le faltó punch; ni siquiera las coreografías son muy buenas ‒si ponen atención en el fondo, notarán cómo hay extras que no están haciendo nada‒ y creo que la pelea decisiva entre Caesar y Koba en la peli anterior fue mucho más impactante. Incluso otras confrontaciones en películas de la saga como los enfrentamientos finales en La conquista del planeta de los simios (Thompson, 1972), Batalla por el planeta de los simios (Thompson, 1973)‒que la verdad está algo chafona‒ o incluso el final del infumable remake de Tim Burton se sienten más épicas que éste. No sé, la verdad me quedó a deber.

    Del mismo modo, el ritmo de la película es demasiado parsimonioso; creo que hay secuencias que pudieron ser más cortas. La narrativa está muy padre, pero quizá el ritmo pudo ser más ágil. En general, toda la cinta se siente pesada y algo densa. Muchas de las secuencias del Coronel recaen más en el diálogo que en la acción. Es uno de esos villanos que habla demasiado. En sí, parece que el verdadero combate entre Caesar y su adversario se da a través de las palabras y no en una batalla campal como la que la película prometía. Y está bien, pero no se siente como una guerra… supongo que era poco comercial llamarla Conversación por el planeta de los simios.

WAR FOR THE PLANET OF THE APES

    El guión está bien, a secas; con montones de huecos, pero nada grave. Empero,  la trama se siente poco original. El subtexto que se manejara de manera tan sutil e inteligente en la primera entrega de la saga o en La conquista… aquí se siente forzado y burdo. Los comentarios sobre temas políticos, la naturaleza humana y justicia social se sienten forzados y más bien parece que quien escribió el guión los metió en la película porque el público esperaba que estuvieran ahí y no porque de verdad aportaran algo a la cinta.

warfortheplanetoftheapes06

    Del mismo modo, la inclusión de elementos de la saga original, SPOILER como la aparición de Nova (Amiah Miller), la Bomba Omega, el hecho de que el Coronel sea sospechosamente parecido al gobernador Kolp o la reinterpretación de los mutantes TERMINA SPOILER, se siente poco trabajada y, al final, no termina de integrarse del todo con el resto de la película. Asimismo, al final la peli parece un pastiche que retoma elementos de La batalla por el planeta de los simios, con La conquista del planeta de los simios y un poquitito de Bajo el planeta de los simios con mucho de Apocalipsis (Coppola, 1979) y El gran escape (Sturges, 1963).

warfortheplanetoftheapes09

    El planeta de los simios: la guerra no es una mala película, por el contrario, creo que supera incluso a varias entradas de la franquicia original; pero ciertamente no llega al clímax de la saga que debería ser. Para tratarse de un final de trilogía es bastante blando y, en general se siente poco sincero. No voy a negar que me gustó bastante; pero creo que se debe más a que hay algunos elementos individuales que están muy bien trabajados que al producto final. SPOILER Y, francamente, me cayó muy gordo el paralelismo entre Caesar y Moisés TERMINA SPOLIER.

warfortheplanetoftheapes05     Así pues, el Changómetro del Cinéfilo Incurable, que ubica las películas de la saga de El planeta de los simios de la peor a la mejor basándose únicamente en mi apreciación personal, queda como sigue:

9.- El planeta de los simios (Burton, 2001).

8.- Escape del planeta de los simios (Taylor, 1971).

7.- La batalla por el planeta de los simios (Thompson, 1973).

6.- El planeta de los simios: La guerra (Reeves, 2017).

5.- El planeta de los simios: (R)Evolución (Wyatt, 2011).

4.- Bajo el planeta de los simios (Post, 1970).

3.- El planeta de los simios: Confrontación (Reeves, 2014).

2.- La conquista del planeta de los simios ‒particularmente la edición extendida‒ (Thompson, 1972).

1.- El planeta de los simios (Schaffner, 1968).

 

PARA LA TRIVIA: Winter (Aleks Paunovic) es un gorila blanco. Esta idea fue rescatada del diseño original del general Thade para el remake de El planeta de los simios. Tim Burton decidió convertir a Thade en un chimpancé porque le teme a los simios y la idea de dirigir a un gigantesco gorila blanco le aterraba.

PARA LA TRIVIA GEEK: Los simios son llamados por los militares “Kongs” y los simios disidentes, “Donkeys”. Así pues, un simio que sirve a los humanos es un “Donkey Kong”.

warfortheplanetoftheapes-calif

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

 

CLASE 1984. ¡Por fin! Una película en la que un profesor se venga de sus alumnos.

classof1984-01

CLASE 1984

Class of 1984

 

Mark Lester, 1982

 

Cada cierto tiempo me da por descubrir alguna película prácticamente desconocida o que nadie recuerda y llevarme una sorpresa muy agradable. En el caso de esta cinta, la conocí por un artículo que leí en la revista Fangoria que me pareció muy interesante. Así que en cuanto pude la conseguí y la vi. Y quedé más que complacido. Francamente, creí que me sería una de ésas películas de Serie B que son básicamente pura explotación; pero estaba muy equivocado.

     Por principio de cuentas debo decir que no estoy seguro de cómo clasificar esta peli. En general, es considerada como una película de terror; pero me da la impresión de que la ubicaron en esa categoría por no saber en qué otro pasillo del videoclub cabía. Tiene un par de elementos de película de horror; pero al mismo tiempo tiene cosas de película de acción, específicamente del subgénero que me ha gustado llamar “violencia urbana” ‒del cual cintas como Vengador anónimo (Winner, 1974) o El vigilante (Lustig, 1983) son claros ejemplos‒; el tercer acto es mucho más cercano al subgénero de Venganza por Violación[1] y en general todo es una suerte de melodrama clásico más llevado hacia el thriller.

classof1984-10

    La película cuenta la historia de Andrew Norris (Perry King), un nuevo profesor de música que es transferido a una escuela preparatoria del centro de la ciudad. Norris tiene la capacidad para superar la apatía de los estudiantes, tiene el entusiasmo para que las frecuentes confrontaciones con ellos no lo disuadan y tiene la vocación suficiente para saber guiar a los chicos desorientados que abundan en la escuela. Habrá que ver si tiene lo que hace falta para hacerle frente a Peter Stegman (Timothy Van Patten), un delincuente juvenil matricluado en la escuela, y su banda de punks, que han sumido al campus en un reino de terror. ¿O acaso será que estos muchachos necesitan mucho más que disciplina?

    Quizá lo más interesante y lo más triste de esta película es la forma en la que predijo el futuro. Los detectores de metales en las entradas de las escuelas públicas eran una cosa de ciencia ficción en 1982 e incluso hubo quien, en su época, tachó a la película de ridícula. Del mismo modo, un nivel de bullying que llevara a la víctima al suicidio, los estudiantes que amenazaran a sus profesores o el narcomenudeo al interior de las escuelas eran cosas difíciles de creer. De hecho, varias escenas de la peli tuvieron que ser reeditadas para evitar la temida clasificación X (para mayores de 21 años, lo que básicamente se convierte en un asesinato comercial de cualquier película en la taquilla de EE.UU.).

classof1984-02

    El guión de la película es bastante bueno y aun cuando muestra situaciones extremas, éstas siguen siendo creíbles. La progresión en los personajes es orgánica y uno no puede sino simpatizar con el protagonista, quien ha vivido una especie de Viaje del Héroe, cuando se decide a enfrentar a los alumnos en la escena climática de la película.

    Por cierto que, precisamente debido a esa escena, en la que un profesor somete a uno de sus estudiantes y le amputa el brazo con una sierra de banco, la película fue prohibida en algunos países y gravemente censurada en tantos otros. Y ésa es sólo una de tantas “bellezas” que se muestran en pantalla cuando un hombre bueno es llevado más allá de sus límites.

classof1984-08

    Y hablando de hombres buenos, el conmovedor personaje del profesor de Biología, Terry Corrigan, interpretado por el siempre genial Roddy McDowall ‒quien hizo tan buen trabajo en sus papeles de Cornelius y Caesar en la saga de El planeta de los simios (1968-1973) que seguramente no lo recuerdan por ellos‒ es uno de los personajes secundarios más interesantes que haya visto en una película. ¿Qué tuvieron que hacerle sus alumnos a este profesor para que decidiera secuestrar a un grupo y hacer un repaso a punta de pistola?

    Las actuaciones de casi todos son bastante buenas. Tanto King como McDowall y Van Patten se lucen en sus personajes y uno de verdad llega a interesarse por ellos. La escena en la que Norris visita la casa de Stegman es casi una clase de actuación de parte de los dos rivales, además de una vuelta de tuerca que, si bien es bastante predecible, no por ello deja de ser efectiva. Y por favor, no se pierdan la segunda incursión en la pantalla grande de un jovencísimo Michael J. Fox.

classof1984-03

    La música es interesante. Alice Cooper lanzó el sencillo I am the Future en 1982, de manera paralela al estreno de la película, y éste tuvo un recibimiento más bien pobre por parte del público. La canción fue incluida como tema principal de la cinta, lo que básicamente la salvó del olvido… aunque tampoco es una película escandalosamente popular. Como sea, tanto el tema de Cooper como el score compuesto por el legendario Lalo Schifrin son más que adecuados para la película.

classof1984-04

    Quizá el único departamento que sí queda a deber es la realización en general. No es que esté mal, es simplemente que a la película sí le llega a doler la falta de presupuesto. La fotografía es buena a secas; pero de repente desmerece por la iluminación. Aun así, hay una propuesta interesante en ella, como el hecho de que casi todas las secuencias de Van Patten fueron filmadas en un ángulo contrapicado para que su personaje luciera más amenazante.

classof1984-07

    Del mismo modo, los stunts se ven un poco chafas en algunas partes. En general todas las escenas de acción están más o menos bien logradas y la escena del ataque vandálico al laboratorio de Biología lo deja a uno con un nudo en la garganta; pero la verdad es que sí se nota que podrían haber echado mano de un poco más de recursos. Por cierto, que McDowall sí condujo el auto con el que trata de atropellar a Stegman y su pandilla, y el concierto de piano que toca Stegman fue escrito por Van Patten.

    Por otro lado, la película fue filmada casi enteramente en locación. Los graffitti con los que la producción llenó las paredes de la escuela en la que se filmó la cinta fueron muy difíciles de remover y causaron constantes quejas de parte del alumnado.

classof1984-05

    Clase de 1984 es una película interesante que, por debajo del sensacionalismo y la violencia, puede llevarnos a la reflexión, el autoanálisis y el cuestionamiento ético. Es una lástima que esta producción americana-canadiense haya quedado prácticamente en el olvido. De hecho, a los productores les costó trabajo conseguir una compañía que quisiera distribuirla en EE.UU. debido a los temas fuertes que trata y la gran cantidad de violencia que maneja le restaban atractivo comercial. A final de cuentas es, junto con tantas otras películas más o menos de la época, un vívido retrato del terror y la incomprensión que la sociedad sentía por la Generación X… que en los 90 ya se volvió mainstream.

PARA LA TRIVIA: Muchas escenas de la película fueron escritas basándose en historias reales de violencia escolar que el director Mark L. Lester había leído en periódicos. De entre todas, llama la atención la historia de un profesor que llevó una pistola a clase para controlar a sus alumnos, misma que se convirtió en una de las escenas más icónicas de la película.

classof1984-calif

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

 

[1] Para más información sobre el subgénero de Venganza por Violación, sírvanse leer este excelente artículo de la página Mujeres artistas.

SPIDER-MAN: DE REGRESO A CASA. Se fue siendo uno y volvió otro…

spidermanhomecoming01

SPIDER-MAN: DE REGRESO A CASA

Spider-Man: Homecoming

 

John Watts, 2017

 

Sé lo que están pensando: “Ahí va de nuevo el Cinéfilo Incurable a decir que no le gustan los superhéroes”; bueno, pues déjenme decirles que hay cuatro que sí me gustan y mucho. En ese orden: Spawn, Batman, Spider-Man y Witchblade.

spidermanhomecoming10

    Si mal no recuerdo, mi primer acercamiento a las aventuras del Amigable Vecino fue la serie de dibujos animados de principios de los 80, en la que no sólo se enfrentaba a villanos clásicos como El Buitre, el Dr. Pulpo o el Duende Verde; sino que tomaba prestados villanos de otras series de Marvel como el Dr. Doom o Calavera Roja. Más adelante, leí algunos cómics (estoy seguro de que tenía el comic de la primera aparición de Venom en la edición mexicana… me pregunto dónde habrá quedado) y en 1994 me volví muy aficionado a la serie de dibujos animados de Fox Kids, que me sigue pareciendo la mejor que se ha hecho sobre el personaje.

spidermanhomecoming14

    Y bueno, de ahí pa’l real he venido leyendo comics, jugando videojuegos y viendo películas sobre Spidey. Quizá en estos días no parezca mucho, pero la primera película de Spider-Man (Raimi, 2002) fue un hito en la historia del cine basado en comics y básicamente es, junto con las películas de X-Men de Bryan Singer, el antecedente directo del boom de películas de superhéroes que vivimos hoy.

spidermanhomecoming09

     Ahora que Marvel Studios (o sea, Disney) ha llegado a un acuerdo con Columbia Pictures (o sea, Sony), quien tiene los derechos del Hombre Araña para las adaptaciones a la pantalla grande, para que le prestaran al personaje y así completar el Universo Cinematográfico Marvel, decidí darle una nueva oportunidad que le negué con la fallida saga de Amazing Spider-Man (2012-2014). Digo, después de todo, Disney rescató Star Wars… ¿o no?

spidermanhomecoming02

    El Producto Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm de superhéroes para cines #016 sucede ocho años después de los eventos de la primera Avengers (Whedon, 2012). Stark Industries obtiene una licitación del Gobierno para recoger los escombros dejados por la invasión Chitauri a Manhattan al final de la mencionada Avengers, debido a que quieren evitar que la tecnología alienígena caiga en manos equivocadas. Esto saca del negocio a Adrian Toomes (el Michael Keaton más desperdiciado que he visto desde Voces del más allá [Sax, 2005]), quien roba los artefactos Chitauri. En una línea de tiempo con peor continuidad que la de La fea más bella (2006-2007), Toomes ha construido un par de alas mecánicas con tecnología alienígena y asume la identidad de El Buitre quien, con la ayuda de sus secuaces, el Hojalatero (Michael Chernus) y Shocker (Logan Marshall-Green/Bokeem Woodbine), planea robar los artefactos extraterrestres recuperados por los Avengers para vender armas de alta tecnología en el mercado negro. Pero Toomes no la tendrá tan fácil, pues el ahijado ‒en sentido figurado‒ de Tony Stark (Robert Downey Jr.), Peter Parker (Tom Holland), quien es en realidad el superhéroe conocido como Spider-Man, intentará detenerlo… o no.

    La verdad es que salí del cine sintiéndome muy insatisfecho con esta película… Lo cual quizá no sea tan malo, si tomo en cuenta que cuando salí de ver Spider-Man 3 (Raimi, 2007), la última peli del Héroe Arácnido que vi en el cine, me sentía timado y molesto. Me queda claro que Spider-Man: De regreso a casa no me estaba hablando a mí, me queda claro que su intención es venderle Spider-Man a la Generación Z, me queda claro que está basada en la serie de comics Ultimate Spider-Man más que en las series originales y me queda claro que al hablar de esta película quizá me esté volviendo más papista que el Papa. Pero también me queda muy claro que lo que vi en pantalla me dio una profunda sensación de desperdicio.

spidermanhomecoming13

     La cinta dura casi dos horas y cuarto, y la verdad es que se hace larga. Sucede algo muy curioso: a diferencia de la primera Spider-Man, no se trata de una historia de “el origen de…”; así que no pierden tiempo contándonos de dónde salió Spidey, asumen que ya lo sabemos y es cierto. Pero tampoco usan ese tiempo en desarrollar personajes. Adrian Toomes resuelve convertirse en supervillano cuando la película lleva cinco minutos; Peter Parker no evoluciona para asumirse como Spider-Man, sino que el autorreconocimiento le llega de golpe, literalmente, cuando el techo de una bodega le cae encima; y la batalla final entre Spider-Man y El Buitre dura apenas unos minutos… ¿En qué carajos invirtieron dos horas y cuarto? Perdón, pero siento que la película estuvo procrastinando.

    Bien, desperdiciar el tiempo en pantalla puede ser tolerable… ¿Pero desperdiciar a los actores? Las breves intervenciones de Michael Keaton son maravillosas y uno se queda con ganas de ver más de él en pantalla ‒hasta donde puedo recordar, Keaton es el único actor que ha interpretado a un superhéroe y a un supervillano en la pantalla grande‒. Tom Holland también está muy bien como Peter Parker e incluso es un buen Spider-Man; pero nuevamente, está desperdiciado. ¿Sabían que Holland es bailarín de formación? De niño interpretó a Billy Elliot en el musical de Broadway, además de que recibió un arduo entrenamiento gimnástico ¿Pero acaso algo de eso se ve en pantalla? Si yo tuviera un actor con esas habilidades, lo pondría a hacer stunts de verdad frente a la cámara.

spidermanhomecoming05

     Del mismo modo, Marissa Tomei está muy bien en el personaje que le dieron… que quién sabe cuál chingados sea, porque la tía May definitivamente no. Y creo que ése es el principal problema de toda la película. Los actores están muy bien, están haciendo su chamba de la mejor forma con el material de que disponen. El problema es que el material es malo desde un inicio. El planteamiento de los personajes es el que creo que está equivocado. La tía May simplemente no funciona y El Buitre es quizá el personaje que más respetaron con respecto a la fuente; pero lo vemos muy poco.

    Y luego está Spider-Man. ¡Qué forma de robarle la esencia a un personaje! Una parte importante del comic de Spider-Man era mostrar que para Peter Parker era difícil ser superhéroe; pero en la película es demasiado idiota. Prácticamente todas las hazañas que realiza el Amigable Vecino en pantalla son para salvar gente de estupideces que él mismo provocó. Sí, Parker era un jovencito nerdo y atolondrado, y eso en la peli se maneja muy bien… pero quizá se clavan en ello demasiado tiempo. También en los comics estaba presente el que otros superhéroes rechazaban a Spider-Man, de ahí que desarrollara una rivalidad con Johnny Storm cuando no lo dejaron entrar a los 4 Fantásticos ‒aunque para como está la franquicia cinematográfica de los 4 Fantasticos ¿quién querría entrar en ella? Jajaja‒ y creo que está bien manejado en la película.

spidermanhomecoming12

   Odié los gadgets de Tony Stark en el traje de Spider-Man porque pues si tiene toda esta alta tecnología, ¿qué más da si tiene superpoderes o no? Es más, ni siquiera vemos que use su Sentido Arácnido en toda la película. Aunque eso sí, artefactos que usaba en los 60 y que después fueron abandonados por ridículos, como las alitas de telaraña y la Spider-Señal, regresan en esta cinta.

Creo que lo que más me fastidió de la peli y que me parece que sí le quita parte importante de su esencia a Spider-Man es todo el rollo de Tony Stark, que se pude dividir en dos. Por principio de cuentas ¿dónde está el tío Ben? O sea, ya sé que está tres metros bajo tierra; pero me refiero a que el tío Ben era la inspiración, la motivación y la figura paterna de Peter, y en la película todo eso lo vemos transferido a Stark. A Ben Parker ni siquiera lo mencionan.

spidermanhomecoming06

    El otro fallo de la inclusión del Hada Azul, perdón, de Tony Stark/Iron Man en la trama es que despoja a Spider-Man de su derecho a ser superhéroe. Me explico: Gran parte del éxito primigenio que tuvo Spider-Man en los 60 se debió que era el primer superhéroe adolescente. A diferencia de otros chicos de los comics como Robin, quien era asistente de Batman, o Bucky Barnes, que era el compinche del Capitán América, Spider-Man era un superhéroe por derecho propio. No era el side-kick de nadie, era un chavito que tenía que resolver sus propios problemas, desde conseguir pareja para el baile de graduación hasta salvar al mundo. Y eso se pierde completamente cuando lo convierten en el protegido de Tony Stark.

    Otro elemento que es fundamental en las aventuras del arácnido y que gente como Todd McFarlane y Sam Raimi entendió muy bien es la Ciudad de Nueva York. Los rascacielos y callejones de Manhattan son un personaje más en los comics de Spider-Man y en esta película… en esta película la acción se traslada básicamente a Queens, Coney Island y Washington DC. Sí, Spider-Man en numerosas ocasiones sale de Manhattan y tan temprano como en el número 6 del comic original viaja a Florida para enfrentarse al Lagarto, y sí, hay un par de gags muy graciosos en De regreso a casa sobre cómo Spider-Man no puede colgarse de nada en Queens; pero ¿era necesario eliminar los rascacielos por completo?

spidermanhomecoming11

    Creo que lo que más me gustó de la película fue la anagnórisis entre Peter Parker y Adrian Toomes. Es una gran escena que funciona maravillosamente no sólo a nivel dramático; sino a nivel cinematográfico y actoral. Sólo es una lástima que el mismo recurso se haya utilizado hace quince años en la primera película de Spider-Man con Peter Parker y Norman Osborn. Y también es muy lamentable que el conflicto entre Parker y Toomes sea mucho más interesante y complejo que la pelea final entre Spider-Man y el Buitre; SPOILER en la que el arácnido demuestra ser un superhéroe tan incompetente que ni siquiera puede derrotar al villano por sí mismo TERMINA SPOILER.

spidermanhomecoming08

    La fotografía es rara, con un par de emplazamientos de cámara que son como de estudiante de primer semestre de cine y la música es bastante anodina, excepto por el tema de El Buitre.

spidermanhomecoming07

    Así pues, la última incursión del Amigable Vecino en la pantalla de plata no acaba de convencerme y, francamente, siento que me quedó a deber. El tono es más jovial y la verdad es que sí me reí mucho, pero me quedó a deber. No en la realización; sino en el planteamiento, cuya reinterpretación innecesaria afecta incluso a personajes secundarios, como Flash Thompson (Tony Revolori), quien ahora inexplicablemente es hispano e inexplicablemente siente una inexplicable envidia por Peter Parker y ¡está en el equipo de Decatlón Académico! Y de MJ (Zendaya) mejor ni hablo. Me gustaría ver cómo evoluciona el personaje en las secuelas, si es que lo hace, porque este crossover entre Spider-Man y Salvados por la campana (1989-1992) sencillamente no funciona para mí.

PARA LA TRIVIA: La primera vez que Spider-Man y el Buitre se enfrentan, éste aparece dibujando su silueta contra la luna llena. Esto es una referencia a la escena en la que la Bati-ala dibuja la batiseñal al volar frente a la luna llena en Batman (Burton, 1989), protagonizada por Michael Keaton, quien interpreta al Buitre.

spidermanhomecoming-calif

 

Blog anterior    Sumario 2017

EL QUINTO ELEMENTO. La película que lanzó a la fama a Milla Jovovich cumple 20 años… No, no fue “Regreso a la Laguna Azul”.

fifthelement01b

EL QUINTO ELEMENTO

The Fifth Element

 

Luc Besson, 1997

Según lo ha declarado en varias entrevistas, cuando Luc Besson era adolescente cargaba consigo un cuaderno en el que iba anotando ideas sobre un mundo paralelo que se le ocurrían para escapar de aburrimiento. En este universo alterno situado en un futuro distante habitaban coloridos personajes con culturas e identidades propias. El manuscrito final tenía 400 páginas, aunque Besson, quien quería seguir la profesión de sus padres ‒entrenadores de buceo‒, jamás se imaginó en convertirlo en una película. No fue sino hasta veinte años después, que el enfant terrible del cine francés plasmaría todas esas ideas en la que en ese entonces fue la cinta más costosa producida en Francia (con 90 millones de dólares, en realidad fue la película más costosa producida fuera de Hollywood), una delirante Space Opera glam que rendía tributo a La guerra de las galaxias (Lucas, 1977), Blade Runner (Scott, 1982), Flash Gordon (Hodges, 1980) y otro montón de películas llamada El quinto elemento.

fifthelement05

    En el siglo XXIII, cumpliendo una antigua profecía, la Tierra está a punto de ser atacada por lo que creo que es un planetoide hecho enteramente de maldad, ayudado por el inescrupuloso empresario Jean Baptiste Emanuel Zorg (el camaleónico Gary Oldman) y su grupo de mercenarios extraterrestres (mangalores). La única esperanza para salvar a la humanidad es el Quinto Elemento, un ser supremo creado por la raza extraterrestre conocida como Mondoshawan ‒que parecen la cruza entre un Corythosaurus y una dona‒, que ha venido a la Tierra cada 5000 años para detener al mal con la ayuda de las cuatro piedras de los elementos. Sin embargo, las naves mondoshawan son destruidas por los mangalores; por lo que el Quinto Elemento tiene que ser reconstruido en un laboratorio en la forma de una hermosa mujer llamada Leeloo (Milla Jovovich en el papel que la lanzó a la fama). Leeloo escapa del laboratorio en busca del sacerdote Vito Cornellius (el siempre genial Ian Holm), quien podrá ayudarla, y es rescatada por el taxista y exmilitar Korben Dallas (Bruce Willis, aunque la primera opción para interpretar al personaje era Jean Reno). Éste se enamora de Leeloo y decide ayudarla a recuperar las piedras de los elementos antes de que Zorg las encuentre.

fifthelement02

    Como puede verse, Besson no inventó el hilo negro. Simplemente encontró una forma complicadísima de contar una historia que ya se ha contado muchas veces antes. La idea de Besson cuando escribió la película fue la de integrar muchos de los elementos del universo que había creado alrededor de una historia única. Por eso la película se encuentra atestada de personajes y subtramas que no llevan a ningún lado y que sólo vuelven la trama más difícil de seguir y dan la impresión de que la película es más compleja de lo que en realidad es. De hecho, originalmente se pensó como una trilogía, pero las limitantes de presupuesto obligaron al director a condensar los guiones de tres películas en uno solo.

Fifth Element (1997) Milla Jovovich and Bruce Willis CR: Columbia Pictures

     ¿O acaso nunca se han preguntado qué son esos bichos que el personaje rastafario y racialmente ofensivo saca del tren de aterrizaje del avión? ¿O qué es esa mascota en el escritorio de Zorg? ¿O a qué raza pertenece la diva Plavalaguna (interpretada por la actriz Maïwenn, a quien seguro recuerdan como la damisela en desgracia Alex en El despertar del miedo [Aja, 2003], voz de Inva Mula Tchako)? ¿O se han dado cuenta de que el Mal es uno de los villanos más chafas en la historia del cine y que cuando asume la identidad de Mr. Shadow es aún peor? ¿O han notado que en realidad Zorg no es tan relevante para la trama? ¿O de que Ruby Rhod (Chris Tucker en un papel que originalmente fue pensado para el artista antes conocido como Prince) realmente parece no encajar con el resto?

fifthelement00

    Y sin embargo…  la película es genial. De alguna forma, Besson logra que este atiborramiento de elementos funcione en lo que él mismo denominaba “La guerra de las galaxias, pero en LSD”. O sea, podríamos llamarle Viaje Ácido del Héroe. Creo que gran parte de por qué funciona está en el tono. La cinta está a un paso de volverse autoconsciente y en general tiene un tono cómico que funciona muy bien. Digo, después de todo, Bruce Willis empezó como comediante antes de volverse héroe de acción. Incluso una de las escenas más memorables de la película es aquélla en la que Plavalaguna canta el “remix” de Il dolce suono de la ópera Lucia di Lamermmor… es decir, El quinto elemento se burla de que es una Space Opera, haciendo una escena de ópera en el espacio literalmente.

fifthelement07

    Las actuaciones son buenas. Bruce Willis es divertido en una versión light de John McClane; Jovovich actúa bastante bien cuando no tiene que hablar o cuando usa un idioma inventado por Besson ‒de hecho, en ese legendario manuscrito de 400 páginas el director galo incluyó un diccionario con el cual entender los idiomas alienígenas‒ y, sabiamente, Besson dejó las escenas explicativas y los textos densos en manos de los británicos ‒por cierto que fue un escándalo y una indignación para la crítica francesa que la película se filmara en inglés, porque a un francés hablarle en inglés es peor que mentarle la madre‒. Y Ruby Rhod es una caricatura viviente, pero muy divertida.

fifthelement03

    Por supuesto, el más grande acierto de la película, y por lo que creo que trasciende a la legión de cintas parecidas que existen, es el diseño de arte. La peli es simplemente espectacular, se trata de un abigarrado festín visual de principio a fin con una gran influencia del Art Decó que en todo momento nos da algo para ver en la pantalla. Los vestuarios fueron diseñados por Jean Paul Gaultier ‒es interesante que en su versión de la ropa del futuro casi todo es de plástico‒ y algunos otros elementos, como las armaduras de los policías, por Moebius. En general, muchos de los objetos de la vida cotidiana que se muestran en la película, como automóviles, cigarrillos, teléfonos, etc. Son una especie de “parodia evolutiva” de los objetos que tenemos en la actualidad.

    Del mismo modo, la fotografía es apabullante ‒por cierto que en conmemoración del 20° aniversario, la película fue lanzada en formato 4KUltra HD y se ve increíble‒ y verdaderamente contribuye con la narrativa. Ésta es fresca y orgánica, y hay algunas secuencias geniales en las que Besson logra armar una especie de diálogo entre dos situaciones contrastantes. La fotografía está llena de tomas propositivas, como el hecho de que casi siempre que Zorg está en pantalla, su silueta está enmarcada en un círculo, mientras que la de Korben está enmarcada en figuras cuadradas o rectangulares, esto para crear contraste. Es extraño, pero funciona muy bien. La edición también está bastante bien lograda.

fifthelement10

    Los efectos especiales eran la punta de lanza en su época; pero la verdad es que han envejecido. Al menos el CGI sí se ve un poco anticuado ya y un tanto disparejo, porque algunas cosas, como los escenarios virtuales o las tomas panorámicas de la Nueva York futurista lucen bastante bien aún; pero otras, como el planeta oscuro, las tomas en el espacio exterior o los autos voladores, ya se ven bastante obsoletas. Los mangalores, que son animatrónicos, se siguen viendo muy muy bien y la secuencia que me impresionó desde la primera vez que vi la peli, en la que Zorg hace la demostración del arma ZF-1 que durante el demo mode es CGI y cuando Oldman la toma en su mano ya es un prop, me sigue dejando con la boca abierta.

fifthelement06

    Otra cosa que me encanta de esta peli es el soundtrack. La ecléctica música compuesta por Eric Serra, colaborador frecuente de Besson, guía al espectador a través de distintas épocas y ayuda a construir atmósferas y definir el carácter de las distintas especies que actúan en esta ópera. El CD con la música de la peli sigue siendo uno de los consentidos de mi fonoteca.

fifthelement04.png

    En su tono más bien chabacano, la película está plagada de referencias a las fuentes de las que bebe. El puesto volador de ramen es un obvio guiño a Blade Runner; la kipá que usa David es una extraña referencia a Devo; la mayor Iceborg (Julie T. Wallace) por supuesto que es una parodia de la princesa Leia; Baby Ray (Ian Beckett) parece sacado de alguna escena de El Fantasma del Paraíso (DePalma, 1975); y el épico grito “Yeah!” de David que es sofocado por Ruby es una ingeniosa burla al grito final de Flash Gordon, del cual se burlaron también en Ted (McFarlane, 2012).

fifthelement11

    El quinto elemento no es una cinta de ciencia ficción; sino como su tía ricachona, La guerra de las galaxias, una película de fantasía que reinterpreta muchas fuentes diferentes, la mayoría de las cuales se encuentran en la literatura antigua y en los seriales cinematográficos de mediados del siglo XX. Eso sí, a diferencia de la obra de Lucas, la de Besson abandona un poco el tono romántico para entregarse casi de lleno al melodrama de acción con elementos cómicos.

fifthelement09

    Y también, es chistoso como la película predijo algunas cosas que son cotidianas en nuestros días, como las fotomultas vehiculares, los puntos en las licencias de conducir, los espacios extremadamente reducidos para vivir en las grandes ciudades o los drones limpiadores.

PARA LA TRIVIA: Cuando el compositor Eric Serra le mostró a la soprano Inva Mula, quien hace la voz de Plavalaguna, la partitura para el aria que debía cantar, ella la miró, sonrió y le rebatió que algunas de las notas que estaban ahí no eran humanamente posibles de alcanzar porque la colocación de la voz para cambiar de un registro a otro no es tan rápida. La solución fue grabar a Mula cantando las notas por separado y mezclarlas digitalmente en la postproducción.

fifthelement-calif

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

DEPREDADOR. El cazador intergaláctico cumple 30 años.

predator1987-01

DEPREDADOR

Predator

 

John McTiernan, 1987

 

Existen curiosos casos en la historia del cine de Hollywood de películas que tienen absolutamente todos los elementos necesarios para fracasar y aun así se convierten en grandes éxitos. Películas por las que nadie apostaría ni un chicle y que terminan convirtiéndose en clásicos. Incluso, películas cuya producción se vio sumergida en una mar de problemas e incluso se creyó que nunca serían terminadas y, a pesar de todo, lograron salir victoriosas y hasta ingresar en el Olimpo de Hollywood. Ése fue el caso de Depredador.

    La trama, que quizá peca de simple y que toma cierta influencia de la película de bajo presupuesto Llegan sin avisar (Clark, 1980) y del gran clásico de 1932 El malvado Zaroff (Pichel y Shoedsack), narra la historia de un escuadrón del Ejército de EE.UU. enviado en una misión secreta a rescatar a un diplomático secuestrado por un grupo guerrillero en la jungla centroamericana. Sin embargo, al llegar al lugar, el equipo cae presa de un cazador extraterrestre, quien tiene la habilidad de camuflarse perfectamente con el entorno y va matando a los soldados uno a uno para convertirlos en trofeos.

predator1987-14

    Creo que el mayor acierto de esta película es precisamente que se trata de una cinta que bien pudo haberse convertido en una más del montón, que nadie esperaba que hicieran en grande; y sin embargo, mucha gente puso muchísimo empeño en ella y convirtió lo que bien se pudo haber quedado como una producción de Serie B en un clásico de la década de 1980 que marcaría el camino para tanta otras películas por venir.

    El guión no es particularmente brillante; pero toma la base de una película de acción cualquiera e introduce elementos de Ciencia Ficción, de comedia e incluso de horror. Todo integrado magistralmente en una cinta que lo mantiene a uno al borde del asiento. Es una montaña rusa.

predator1987-03

 

    Además, algo que me encanta de esta peli es el desarrollo de los personajes. La cinta se toma bastante tiempo ‒el planteamiento dura prácticamente 40 minutos‒ en presentar a este pintoresco grupo de personajes encantadores y desarrollar relaciones significativas entre ellos. De tal suerte, cuando son asesinados a uno le pesa, porque no querías que se murieran.

     Es muy interesante, porque todos los personajes son más o menos importantes y, sin duda, todos son interesantes y simpáticos a su modo, así que la duda sobre quién sobrevivirá hasta el final se mantiene durante toda la cinta. Quiero decir, uno sabe que Schwarzenegger se va a salvar; pero la selección del resto de los personajes no es tan obvia.

predator1987-13

    Las actuaciones están más o menos… Es decir, nadie esperaba que Arnold Scwarzenegger o su amigo, el exluchador y exgobernador del Estado de Minnesota, Jesse Ventura, actuaran; pero se defienden bastante bien apareciendo como ellos mismos en pantalla. Los que sí actúan, y de paso lo hacen bastante bien, son el guionista Shane Black en el papel del nerdo Hawkins, quien cuenta malos chistes improvisados por el propio actor; Bill Duke, quien hubiera actuado antes al lado de Arnold en la seminal Comando (Lester, 1985); y Carl Weathers, a quien seguro recuerdan por su papel de Apollo Creed en Rocky (Avildsen, 1976).

    Originalmente, la película sería dirigida por Geoff Murphy y contaba con un presupuesto mucho menor. El Depredador original era una especie de lagartija bípeda con ciertos rasgos como de crustáceo interpretado por un desconocido artista marcial de origen belga llamado Jean Claude Van Damme, quien después fue despedido por la producción porque era demasiado bajito. El alienígena original se veía bastante bien en el diseño en papel y en forma de maqueta; pero que en la práctica resultó irrealizable. A pesar de que Boss Film Studio, la compañía de efectos especiales que fabricaría al depredador y que fue elegida por el estudio por el bajo costo de su trabajo, les advirtió a los realizadores que éste sería problemático, decidieron mandarlo construir de todos modos.[1]

predator1987-12

    El principal problema de la botarga construida por Boss Film fue que no permitía que el actor dentro de ella se parara sobre sus propios pies. Tenía que valerse de zancos y un sistema de cables y arneses para colgarlo de un riel por encima de su cabeza. Y si la película se hubiera filmado en la comodidad de un estudio, no hubiera habido problema… ¡Pero se filmó prácticamente en su totalidad en locación en Chiapas, México! Lo que hizo que los realizadores tuvieran que prescindir de cables, arneses y rieles. El resultado en pantalla fue tan poco satisfactorio que McTiernan envió el metraje que había filmado con el Depredador a los productores, comentándoles lo poco satisfecho que estaba con el resultado y éstos le dieron la razón. La producción tuvo que parar.

predator1987-08

    Por suerte, el productor Joel Silver vio el potencial de la película y autorizó la liberación de más presupuesto para terminarla, pero ¿qué harían con el Depredador defectuoso? La producción decidió volver a la mesa de dibujo e iniciar desde cero con un nuevo diseño. Scwarzenegger recomendó a su amigo Stan Winston, con quien trabajara en El exterminador (Cameron, 1984), para realizar al nuevo monstruo. Así pues, Winston recibió una llamada prácticamente de emergencia para pedirle, casi como un favor, que saliera al quite… en poco tiempo y con poco dinero.

predator1987-04

    Hasta este momento, la película se llamaba Hunter. Fue con el nuevo diseño de la criatura que su título cambió por Predator.

    Para ese momento, el Stan Winston Studio estaba trabajando en El escuadrón anti-monstruos (Dekker, 1987), una película de alto presupuesto sobre la que se tenían muchas más expectativas que sobre Depredador. Winston dividió a su equipo en dos. La parte más grande trabajaría en El escuadrón…, mientras que la menor, con cierto recelo, fue comisionada para diseñar, esculpir, moldear, fabricar, armar y probar la botarga para Depredador… en 6 semanas.

predator1987-02

    Me parece que el principal elemento que salva a esta película de ser una más del montón es precisamente el diseño del Depredador. Winston tomó como principal inspiración el cuadro de un guerrero rastafario que colgaba de la pared en la oficina de Joel Silver. Según cuenta la anécdota, Winston se dirigía a Japón para dar una conferencia sobre Aliens: el regreso (Cameron, 1986) e iba sentado junto a James Cameron. El director canadiense vio lo que Winston boceteaba durante el vuelo y le comentó que nunca había visto en una película una criatura con mandíbulas [de cangrejo].[2]

    El alienígena que finalmente aparece en pantalla y que fue interpretado por “el actor menos famoso más famoso de Hollywood”, Kevin Peter Hall ‒quien, con sus 2.20m de estatura interpretó a Pie Grande en la ramplona comedia familiar Harry y los Henderson (Dear, 1987) e, irónicamente, también interpretó al cazador extraterrestre en Llegan sin avisar‒, es un cazador que posee una ventaja tecnológica sobre su presa; pero aun así no pierde su aspecto tribal y primitivo y, mucho menos, su honor.

predator1987-11

    Hall, quien interpretara al Depredador y por sus características físicas pasó casi toda su carrera haciendo papeles de monstruo o extraterrestre, hace un breve cameo sin máscara como piloto de un helicóptero hacia el final de la película. Durante la filmación en Palenque, el actor sufrió numerosas picaduras de alacrán y mordeduras de serpiente que no pasaron a más gracias a que el grueso traje del Depredador lo protegió. El actor juró no volver a interpretar al personaje. Sin embargo, en 1990 regresó para la secuela, Depredador 2 (Hopkins), ambientada y filmada en Los Angeles.

    Los sonidos y la voz del cazador alienígena fueron hechos por el actor Peter Cullen, quien se inspirara en el sonido que hacen los cangrejos bayoneta (cazuelitas de mar en México) cuando los voltean patas arriba. Cullen originalmente había rechazado el rol, pues se lastimó la garganta años atrás haciendo el rugido de King Kong para la versión de 1976; pero aceptó después de ver un dibujo del personaje.

predator1987-05

    Y por cierto, la sangre del Depredador iba a ser originalmente naranja; pero en las pruebas de cámara resultó poco convincente. Así, se cambió a la sangre verde que fue creada mezclando el contenido de varitas luminiscentes con el lubricante sexual KY-Jelly (que también se usó para volver baboso al Xenomorfo de Alien, el octavo pasajero [Scott, 1979]).

    Así como el diseño de la criatura está de diez, los efectos visuales también fueron sorprendentes y se merecieron una nominación al Oscar. En una época en la que los efectos por computadora eran prácticamente un sueño, el camuflaje óptico del Depredador se consiguió gracias a la combinación de una serie de ingeniosos trucos fotográficos. Del mismo modo y con la ayuda de una cámara térmica, se logró crear la visión térmica que el Depredador utiliza para cazar ‒la cual, de hecho, es sospechosamente parecida a la visión de los licántropos en Wolfen (Waldleigh, 1981)‒.

predator1987-10

    El soundtrack compuesto por Alan Silvestri ‒quien también compusiera el memorable tema de Volver al futuro (Zameckis, 1985)‒ es simple y salvaje, y mezcla ritmos tribales con una instrumentación sinfónica que crean un ambiente épico y selvático que nos mete de lleno en la acción. El tema principal de Depredador es uno de los más icónicos del cine de Ciencia Ficción.

    Del mismo modo, la fotografía es muy buena. No sólo logra crear un ambiente claustrofóbico y oscuro; sino que convierte a la jungla en un personaje más que hace al público sentirse acechado y apoya a la narración convirtiendo a los personajes de cazadores en presas de manera gradual. La narrativa visual es genial, y los diferentes emplazamientos y movimientos de cámara van contando la historia de forma ágil y orgánica.

predator1987-06

    Sí, Depredador no es una joya del Séptimo Arte y quien busque en ella algo más que entretenimiento merecerá la decepción. El crítico Gene Siskel la desechó como una una mezcla de Rambo (Kotcheff, 1982) y Aliens, aunque le gustó el planteamiento de la criatura; mientras que su compañero, Roger Ebert, la alabó como una “pura película de acción del verano”. Y eso es justo lo que es: una película entretenida y no puede negarse lo que dice la crítica Emma Westwood sobre ella, calificándola como “Adrenaline-pumping fun”[3] (divertida y bombea adrenalina); además de que con la cantidad de violencia y sangre que aparece en pantalla, se puede decir que es una reliquia de un tipo de cine que ya no existe.

    Creo que 30 años como referente en la cultura popular, dos secuelas, un crossover con sus respectivas secuelas, varios videojuegos, incontables series de cómics y otras tantas líneas de figuras de acción han demostrado que Depredador trascendió el ser un éxito de verano del que nadie se acuerda al año siguiente. Tanto que uno hasta se hace de la vista gorda con que el jabalí que aparece en la película se ve más falso que un billete de dos pesos o que todo el numerito de un comando de siete muy machos masacra a un ejército completo sin recibir un rasguño es de una inverosimilitud que haría sonrojar al peor episodio de ¡Combate! (1962-1967).

predator1987-09

    Para el próximo año está planeado el estreno de un reboot de la franquicia Depredador conocido como The Predator, que ha sido escrito y dirigido por Shane Black. Así es, el nerdo Hawkins regresa a la saga; pero ahora detrás de las cámaras y, aunque no soy muy afecto a los reboots, creo que éste merece una oportunidad. También se ha confirmado el regreso de Gary Busey, quien interpretara a Peter Keyes en Depredador 2. Sólo que no la vayan a hacer clasificación PG-13 porque ya valió madres, pregúntenle a RoboCop (Padilha, 2014). Si me preguntan, a mí me gustaría ver una película de Depredador ambientada en el Viejo Oeste.

    Por cierto, ¿alguien ha oído hablar de Escuadrón anti-monstruos últimamente?

predator1987-07

PARA LA TRIVIA: En su conocido afán de intentar vender juguetes para niños basados en películas para adultos, Twentieth Century Fox comisionó a la legendaria compañía juguetera Kenner para que creara una línea de figuras de acción basada en Depredador. Luego de descartar muchas ideas y producir varios prototipos, la colección fue cancelada. Sin embargo, fue rescatada y expandida en 1993 como contraparte de la serie de figuras de Aliens (1992-1998).

predator1987-calif

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

 

[1] DUNCAN, Jody. The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio. Titan Books. Londres, 2006. P.100

[2] Idem.

[3] WESTWOOD, Emma, Monster Movies, Pocket Essentials, Londres, 2008. P.156

MANUAL DE ETIQUETA. 7 prácticas recomendaciones para disfrutar más nuestra próxima visita al cine.

MANUAL DE ETIQUETA 

Una educación bien entendida, sentimientos generosos, conducta y conocimientos; he aquí lo que debe constituir á cualquiera miembro de una sociedad de buen tono. No obstante, debe haber también cierta disposición, una gracia especial, un cierto tacto particular. El conocimiento de algunos estilos es necesario, no precisamente para ser admitido en la sociedad de buen tono, sino para ser colocado en ella convenientemente, y brillar cada uno respectivamente.

Mariano de Rementeria y Fica, El hombre fino: manual completo de urbanidad, cortesía y buen tono.

 

En esta época de streaming y de plataformas virtuales de entretenimiento, la asistencia a las salas de cine es un fenómeno cada vez más extraño. Por suerte, sentarse en la oscuridad rodeado de extraños a disfrutar una película en una pantalla digital gigante con un sistema de audio de 7.1 canales o más sigue teniendo un atractivo irresistible que nos hace vencer la flojera de salir de nuestras casas. Y cuando uno entra a esa sala con la pareja, la cita o la familia, uno de verdad quiere que sus $80 ‒que son las salas más baratas en la Ciudad de México, en EE.UU. el precio más accesible para una sala de cine ronda los USD$15‒ valgan. Uno espera que sea una experiencia agradable y enriquecedora para todos.

    Por muy extraño que suene, ir al cine a ver una película no es lo mismo que ver una película en la sala de tu casa. Compartir la experiencia cinematográfica conlleva una serie de conductas que resultan deseables para que todos los asistentes a la sala disfruten en igual medida la función.

    En este artículo comparto algunas recomendaciones que puedes seguir para que tanto tú como los otros espectadores desquiten verdaderamente su visita a una sala de cine; sientan que invirtieron su dinero de forma inteligente y, sobre todo, su tiempo. Finalmente, el ser humano es un ser social y locales como las salas de cine se hicieron para compartir una experiencia en sociedad.

    Porque creo que una comedia no sería lo mismo si no pudiera escuchar cómo se ríe el de al lado.

1.- PUNTUALIDAD

Sí, lo sé perfectamente. Las películas rara vez empiezan a la hora que está anunciada. A menos que uno vaya a ver una función de horror a medianoche o alguna película “De Arte”, deberá chutarse entre diez y treinta minutos de anuncios. La cantidad de éstos generalmente depende de lo popular que se espera que sea una película y de la semana de su corrida en la que vaya. Sí, la segunda semana que una película está en cartelera pasan menos anuncios que en la primera. Y en la tercera, menos aún, y así sucesivamente… cuando la dejan más de dos semanas, quiero decir.

    Si aún con todo ese “colchón” de tiempo, uno entra a la sala cuando la película ya ha comenzado, siempre se agradecerá que lo haga con respeto y en silencio. No sé por qué la civilización tardó tanto en empezar a numerar las butacas en el cine; pero una vez que ha descubierto que esto puede hacerse, ya no hay necesidad de que uno entre a la sala gritando el nombre de su acompañante para saber dónde se sentó.

annoying04

    Del mismo modo, si para acceder a nuestros lugares, deben pasar por otros que ya se encuentran ocupados, no hay más: habrá que pedir permiso y tratar de no pisar a nadie. También es muy cortés de nuestra parte, tratar de apresurarnos en el proceso; salvo excepciones, nadie querrá tener nuestro trasero en su cara.

2.- SILENCIO EN LA SALA

El anteriormente mencionado espacio de mínimo diez minutos antes de que inicie la función debería bastarle a uno para ir a comprar cuanta chuchería se nos antoje a precios súper inflados, revisar Facebook y WhatsApp, silenciar los celulares, toser, rascarse, acomodarse cómodamente en la butaca y hasta platicar un rato.

    Pero una vez que las luces de la sala se han apagado, el silencio debe ser la norma. Claro, uno siempre tendrá ganas de comentar la película con su compañero de al lado o tratar de impresionar al ligue con algún dato curioso y puede hacerlo; pero por favor, que sea en voz baja. No sólo es más romántico, también es un gesto cortés hacia los demás miembros del público. Por supuesto, no hay nada de malo en carcajearse en una comedia… o en una película que resulte involuntariamente hilarante; pero una cosa es una risotada espontánea y otra, muy distinta, que parezca que una hiena se escapó del zoológico y fue a parar al cine.

annoying13

 

    Otro gran misterio de la vida es ¿Por qué si uno debe guardar silencio en el cine, empacan los nachos en esas bolsitas de celofán tan pinche ruidoso? No lo sé, pero una vez sí me hizo pasar vergüenza. Aunque con más frecuencia que sin ella uno se habrá terminado las botanas antes de que la película comience ‒digo, con todos esos anuncios‒, siempre será amable tratar de consumir nuestros bocadillos tratando de hacer el menor ruido posible. Por favor, no metan chicharrón al cine.

    ¡Ah! Y si la película ya nos aburrió, no hay ningún problema con que prefiramos dormirnos… ¡Pero sin roncar!

annoying11

3.- ESTO ES UN CINE, NO UN CAFÉ

¿Estás seguro de que elegiste bien las actividades para tu cita? Créeme, es más fácil conocerse tomando un café que yendo al cine. ¿Estás contento por haber reencontrado a ese amigo de la secundaria que hacía años no veías? Créeme, no hay nada como ponerse al día con dos tazas de café de por medio. ¿Los labios te escocen por no poderle contar ese chisme a tu amigui de inmediato? Vayan a tomar un café y podrás contárselo con lujo de detalles. ¿No te gustó la película y prefieres conversar? ¡Salte de la maldita sala!

Girls talking in movie theater.

    Lo que quiero decir es que el cine no es el mejor lugar para platicar. De hecho, no es un lugar para platicar. Con mucha frecuencia me ha tocado sentarme junto a personas con un nulo interés en la película y que se pasan la función hablando. No sólo es incómodo conversar con alguien en medio de susurros durante dos horas, también es una grosería para el resto de la gente que fue a ver una película, no a escuchar cómo uno echa el lavadero de oro con sus acompañantes.

    Y así como el cine es cine y no café, tampoco es hotel. Y lo digo en todos los sentidos.

annoying07

4.- EL IMPERIO DE LOS CELULARES

Los teléfonos celulares se han convertido, en menos de dos décadas, en elementos fundamentales de nuestra vida cotidiana. Son herramientas increíblemente útiles que nos mantienen comunicados constantemente e incluso pueden llegar a salvarnos la vida. Por desgracia, la mayoría de la gente sólo los utiliza como juguetes costosos por los que sienten una especie de compulsión. Alabado sea Cthulhu, aún existen ciertos lugares donde el uso de los teléfonos celulares debe reducirse al mínimo posible y el cine es uno de ellos.

annoying01

    Siempre es molesto escuchar un ringtone con el ritmo de moda en el verano de 1995; pero lo es más aún cuando éste suena en medio de la escena climática de la película… o la escena romántica… o la escena emocionalmente densa… o en el discurso patriotero del héroe o… bueno, creo que me entienden. Los equipos de telefonía celular actuales cuentan con una gran variedad de opciones para silenciar el ringtone sin necesidad de apagarlos.

    Y claro, hay llamadas que se deben atender; pero entonces retirémonos de la sala, por favor. Incluso es válido contestar el teléfono para decirle a nuestro amigo: “No puedo contestar, estoy en el cine. Te devolveré la llamada más tarde” y después de ello colgar. Ya si de plano se trata de un asunto ineludible, salgamos de la sala, conversemos afuera y regresemos una vez terminado el asunto.

gettyimages-163296573-1

    Mientras más profunda es la oscuridad, más brillante parece la luz. No es una metáfora, es un efecto físico real y viene a cuento porque el brillo de la pantalla del teléfono celular se convierte en un fulgor enceguecedor en la oscuridad de la sala de cine.  Y es difícil de soportar, es tan molesto como que a media noche, un automóvil te aviente las luces altas a la cara. Por favor, abstengámonos de textear, mensajear, guatsapear, etc. Mientras nos encontramos al interior de la sala.

5.- LAS BOTAS QUE YO USO SON PARA CAMINAR

No para quitármelas en cuanto entro al cine. Cuando uno hace un vuelo transatlántico de ocho horas o más, es perfectamente comprensible que, en algún momento, se desamarre las agujetas o que incluso se saque los zapatos en el avión. Yo mismo lo he hecho.

annoying14

    Pero de eso a sacarse los zapatos en una sala de cine atestada de gente hay un gran trecho. No entiendo por qué la gente lo hace. Lo que es más, me parece repugnante; más aún cuando a la “persona” en cuestión le apestan los pies. Y bueno, OK, ya me saqué los zapatos y no me ruge la pantera; pero… ¿Por qué carajos tengo que subir las pezuñas en el respaldo del asiento de adelante? No sólo se ve bastante mal, es dañino para la espalda y la cadera.

6.- ¿NIÑOS EN EL CINE? SÍ, DEFINITIVAMENTE; PERO NO SIEMPRE

Llevar a los niños al cine puede ser una gran experiencia para ellos; pero, si no se hace con suficiente juicio, puede resultar en una vivencia bastante desagradable, no sólo para ellos y para nosotros mismos, sino también para los demás miembros de la audiencia.

    Por principio de cuentas, hay que tomarnos unos minutos para seleccionar la película que veremos con los pequeños. Las clasificaciones están ahí por algo. Una película puede tener una cierta restricción de edad no solamente porque contenga violencia, lenguaje fuerte, situaciones adultas o desnudos. A veces se tratan temas muy complejos o los diálogos son densos o el tema no es apropiado para ciertas edades. Investiguemos un poco sobre la película a la que queremos llevar a nuestros niños antes de acudir al cine. Y ojo, que no todas las cintas de dibujos animados están dirigidas al público infantil.

annoying05

    Tuve una amiga que quedó traumada porque su mamá la llevó a ver RoboCop 2 (Kershner, 1990) cuando estaba en el kínder. Y vi un éxodo de papás con sus críos huyendo de una proyección de El viaje de Chihiro (Miyazaki, 2001).

    Bien importante: Si el niño aún no sabe leer, ¡no lo lleven a ver películas subtituladas! Me pasó una vez que fui a ver una película ‒clasificación B, por cierto‒ y en la fila detrás de aquélla en la que yo me encontraba se sentó una señora con como cinco chavitos que deberían estar en el kínder o primeros años de la primaria, y pues como sus amiguitos no sabían leer, uno se puso a leerle los subtítulos a los demás en voz alta. Me cambié de lugar… a otro detrás del cual había otro niño al que la peli le valía madres, y andaba brincando y jugueteando en su asiento. Y lo que de verdad fue clasificación C fue lo que me contestó la mamá del escuincle cuando le pedí que lo controlara. Es la única vez que me he salido de un cine a media película.

annoying15

    Y si ya de plano ves que el chavito está muy aburrido y le importa un bledo la película o si empieza a berrar inconsolablemente, mejor sálganse de la sala. No hay razón para hacerlo sufrir a él, a ti mismo o al resto de los espectadores. Finalmente, los niños son nuestra responsabilidad y si se ponen inquietos en una sala de cine, estoy casi seguro de que la culpa no es suya, sino de la falta de criterio de sus padres.

7.- ¿OLVIDA USTED ALGO?

Por ejemplo, ¿su basura? Sí, las cadenas de cines pagan gente para que realice labores de limpieza. Sí, es trabajo de esa gente mantener las salas limpias para que todos podamos disfrutarlas… Pero ¿de verdad nos representa un esfuerzo tan enorme agarrar la charolita en la que metimos nuestras botanas, llenarla con la basura y entregarla a la salida de la función? Ni siquiera tenemos que tirarla nosotros mismos en el bote de basura, los empleados del cine lo hacen por nosotros.

    No sólo deja una pésima impresión dejar nuestra basura en la sala de cine; las demás personas corren el riesgo de ensuciarse con ella o, peor aún, de tropezarse o resbalarse al salir de la sala.

annoying08

    Así que por favor, cuando nos retiremos de la sala después de haber disfrutado de una película, una tina de palomitas, dos cubetas de refresco, un platón de nachos, tres 3 Musketeers, una bolsa de papitas y lata de refresco que con todo el mal gusto del mundo metimos de contrabando, y quién sabe cómo, una orden de gorditas de chicharrón prensado, llevemos nuestro montoncito de basura a la salida del cine.

    Espero que estas recomendaciones les ayuden a hacer de su próxima visita al cine una experiencia más agradable, porque después de todo, el cine es para aprender, para divertirse, para relajarse… no para estarse peleando con el de al lado o para estar pasando penas propias o ajenas.

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

SPAWN: LA SERIE ANIMADA. Segunda parte del artículo especial por el 20 aniversario de Spawn en México.

En esta segunda parte de mi artículo conmemorativo por el 20 aniversario de Spawn en México, hablaré sobre la serie de dibujos animados basada en el cómic creado por el canadiense Todd McFarlane.

spawn01-01

SPAWN: LA SERIE ANIMADA

Todd McFarlane’s Spawn

 

Si bien es cierto que la película de Live-Action de Spawn dejó mucho qué desear, todo lo que nos quedó a deber la serie de dibujos animados lo compensó con creces. Los primeros intentos por llevar el cómic de Spawn a la pantalla chica fueron infructuosos, pues los productores que se acercaban a McFarlane querían convertir el programa en un show dirigido al público infantil para ser transmitido los sábados por la mañana. El autor nunca comulgó con esta idea, por lo que, al alimón con la cadena premium de televisión por cable HBO, desarrolló una adaptación de Spawn en seis episodios de veinticinco minutos cada uno. Y quizá el mayor acierto de los realizadores fue de entrada dirigir el programa al público adulto.

    Los dibujos animados para adultos han existido desde siempre, y Fritz the Cat (Bakshi, 1972) y Heavy Metal (Potterton et al, 1981) me dan la razón; pero la serie de Spawn, dividida en tres temporadas que se transmitieron en un horario de viernes a las 11:00pm entre 1997 y 1999, se convirtió en un hito de la historia televisiva.

TEMPORADA 1 (1997)

La primera temporada de Spawn tomó la pantalla chica por sorpresa y, en cuanto a argumento, es la más cercana a lo planteado al comic. El Tte. Cnel. Al Simmons (voz de Keith David, a quien quizá recuerden por su papel de Childs en La cosa de otro mundo [Carpenter, 1982] o por haber sido la voz en inglés de Goliath en Gárgolas [1994-1996]) vuelve a la Tierra como el nuevo Spawn luego de ser traicionado por su jefe, el director de la NSA, Jason Wynn (voz de John Rafter Lee, quien hiciera la voz de Trevor Goodchild en la legendaria serie de MTV, Æon Flux [1991-1995]), y asesinado por su compañero, Chapel (voz de Ruben Santiago-Hudson). Mientras Spawn es atormentado por los fragmentados recuerdos de su pasado y se aferra desesperadamente a la humanidad que le queda, es aconsejado por un misterioso vagabundo de nombre Cogliostro (voz del genial Richard Dysart, el Dr. Copper en La cosa de otro mundo) y provocado por el demonio Violator (Voz de Jamie Hanes) en su grotesca forma humanoide, Payaso (Voz de Michael Nicolosi).

spawn01-07

    El hilo conductor de la primera temporada es el caso del asesino serial de niños Billy Kincaid, quien en la serie es hijo ilegítimo del corrupto senador McMillan (voz del genial Rony Cox, a quien seguro recuerdan como el malvado Dick Jones en RoboCop, el defensor del futuro [Verhoeven, 1987]), y la investigación de los detectives Sam Burke (Voz de James Keane) y Twitch Williams (Voz de Michael McShane) sobre el caso. A su vez, McMillan está siendo manipulado por Jason Wynn para contender por la presidencia de EE.UU. La viuda de Al Simmons, la abogada Wanda Blake (Voz de Dominique Jennings), descubre evidencias que revelan la relación entre Kincaid y McMillan, por lo que su vida, la de su esposo, Terry Fitzgerald (Voz de Michael Beach), y su hija, Cyan (Voz de Kate McFarlane, hija de Todd), correrán peligro.

spawn01-04

    La primera temporada de la serie animada de Spawn es simplemente genial. Se trata de un thriller político complejo en el que Spawn funge como protector de la familia Fitzgerald, tratando de llevar un poco de orden al mundo exterior un tanto como compensación por el caos que reina en su interior. Finalmente, Spawn tendrá que aceptar, aunque de manera renuente, que no puede recuperar su humanidad así como así y que sus acciones tienen consecuencias severas en el mundo de los humanos.

spawn01-02

    Aunque la trama principal es la de Billy Kincaid, otros personajes clásicos de los cómics hacen su aparición conforme la serie se va desarrollando. El líder mafioso Tony Twist, quien también está involucrado en el complot de Jason Wynn; el sicario cyborg, Overtkill (Voz de Jamie Hanes), quien luce un look un tanto más realista en la pantalla chica que en los comics; el demonio con complejo de hermano mayor, Violator, cuya aparición es breve pero memorable y me dejó con ganas de más; Angela (Denise Poirier, quien prestara su inconfundible voz a Æon Flux), el ángel cazador de Hellspawns, quien llega a Manhattan para dar cuenta de Al Simmons y su antipática jefa Gabrielle, la embajadora del Cielo en la Tierra; todos tienen participaciones en la historia.

    La animación es más o menos buena, y con su estilo oscuro saturado de sombras y colores vibrantes recuerda a otras series animadas de la época, como X-Men (1992-1997) o WildC.A.T.S (1994-1995). Eso sí, echa mano de algunos recursos como las imágenes estáticas o el reciclaje de secuencias. Lo que sí queda un poco a deber es el diseño de los personajes, que es francamente inconsistente y el coloreado de los mismos, al cual no puedo describir de otro modo más que francamente feo.

spawn01-06

    También creo que la primera temporada es en la que hay más desnudos y más escenas sangrientas… bastante alejado de los dibujos animados de los sábados por la mañana.

    Durante la corrida original de la serie en TV por cable, cada episodio contaba con una introducción en Live-Action presentada por Todd McFarlane en la que hablaba un poco sobre el tema central del capítulo. Por alguna razón que desconozco, estas introducciones fueron retiradas de la serie completa en DVD. No es que fueran obras maestras del entretenimiento; pero eran interesantes.

spawn01-03

TEMPORADA 2 (1998)

El otoño siguiente, la serie animada de Spawn regresó con seis episodios más. Aunque no es propiamente una continuación directa, la segunda temporada retoma líneas argumentales planteadas en la primera… Por desgracia, no la de Angela, pues por ese entonces empezaron los pleitos legales entre Neil Gaiman y Todd McFarlane por los derechos del personaje. Quien tampoco regresó fue el guionista Alan McElroy, quien llevara la voz autoral de la primera temporada. Este segundo sexteto de episodios se sabe que tuvo muchos problemas durante la producción, que la misma cadena HBO ordenó que se reescribieran varios capítulos y que se grabaran nuevos diálogos.

spawn02-05

    La segunda temporada inicia con el anticipado enfrentamiento entre Chapel y Spawn en Rat City; aunque el hilo conductor es el lote de armas que Spawn robara del arsenal de la NSA en la primera temporada para derrotar a Overtkill. Jason Wynn aprovecha la confusión para vender armas de manera clandestina a ejércitos de países enemigos de EE.UU. Terry Fitzgerald descubre los negocios ilícitos de Wynn y es inculpado por los mismos, lo que lo obliga a huir de su casa y vagar por las calles de Manhattan, huyendo del equipo de mercenarios que Wynn ha puesto tras él. La huida eventualmente lo llevará a Rat City, donde los indigentes y desprotegidos han tomado como protector al huraño Spawn para que los defienda contra la legión de criminales ‒que incluyen a una secta de narcomenudistas y a un asesino serial supremacista que se hace pasar por conductor de taxi‒ que han invadido los callejones.

spawn02-03

    El primer episodio de la temporada sirve como una especie de transición entre el tono de la anterior y el de ésta, que se vuelve mucho más oscura y tiene un tratamiento un tanto más realista. Se abandona casi por completo la narrativa de superhéroes para dar paso a la de las leyendas urbanas y el relato de horror. Spawn se convierte entonces en una especie de ángel vengador; testigo a la vez que juez y verdugo de la degradación humana de los callejones. Aunque este aspecto del personaje se planteó en los comics de la serie regular, fue hasta la serie spin-off de novelas gráficas HellSpawn (200-2003, iniciada por Brian Michael Bendis en el guión y el genial Ashley Wood en el arte) que se profundizó en él.

spawn02-01

    Ninguno de los villanos clásicos de los comics regresa para esta segunda temporada, a excepción de Chapel, a quien descubrir la identidad de Spawn le cuesta la cordura; y una breve aparición de Payaso, quien pacta una alianza con Jason Wynn. Sam y Twitch se mantienen muy en la periferia del relato; pero aparecen personajes secundarios importantes, como Merrick, la asesina líder del escuadrón de mercenarios que persiguen a Terry, y la sagaz reportera Lisa Wu (Ming-Na Wen, quien fuera también la voz de Mulán).

spawn02-02

    No sólo la historia y los temas se vuelven más sórdidos y más oscuros. También lo hace el diseño de arte. Los escenarios están pintados en hermosos y complejos claroscuros, y los planos detalle que se utilizan para realzar lo horrorífico de algunas secuencias fueron dibujados con lujo de detalles. Hay menos desnudos en esta temporada y, por alguna extraña razón, aunque es tanto o más violenta que la primera, es menos sangrienta y la mayor parte de la sangre que se muestra en pantalla es de color marrón en vez de rojo. También la paleta de colores se ve reducida y las escenas diurnas son aún muchas menos.

spawn02-04

    La segunda temporada supera por mucho a la primera en cuanto a la calidad de la animación y el diseño de personajes. Por desgracia, los constantes cambios hechos al guión, aun cuando la animación ya se había producido, obligaron a incluir largas secuencias estáticas que crean un gran suspenso; pero que poco apoyan al desarrollo de la trama y secuencias de diálogo en las que el audio rara vez empata con los labios de los personajes.

TEMPORADA 3 (Todd McFarlane’s Spawn 3: The Ultimate Battle, 1999)

Comúnmente, la tercera temporada de la serie es vista como la más débil. Pero creo que encuentra el equilibrio justo entre el Spawn superhéroes y el Spawn de horror. El mayor acierto en esta temporada creo que es el hecho de que, en vez de adaptar literalmente el comic o de tratar de crear algo muy diferente, toma muchas de sus líneas argumentales y las reinterpreta en algo nuevo. Aquí, la trama se complica mucho más; pero es más consistente que en la segunda temporada, pues sigue una línea argumental fija en vez de tratarse de relatos casi independientes enmarcados por otro evento. Quizá el gran fallo es que son demasiados elementos argumentales que se suceden rápidamente uno al otro.

spawn03-07

    La traición de Jason Wynn es descubierta y éste es destituido como director de la NSA, y perseguido por diferentes instancias gubernamentales. El matrimonio de los Fitzgerald se desmorona y, nuevamente, Terry debe huir de su casa; pero esta vez planea vengarse de Wynn. El exdirector de la NSA, al verse acorralado, se esconde en el Barrio Chino, donde busca un objeto de poder místico incomparable: la Máscara de Genghis Kahn. Al ser rechazado por ésta como su portador, Wynn secuestrará al único hombre que puede saber cómo usarla, el antiguo mentor de Al Simmons, el mayor Forsberg (Robert Forster, a quien recuerdo con cariño de películas como Terror bajo la ciudad [Teague, 1980] y El vigilante [Lustig, 1983], quizá porque en ambas usa exactamente el mismo vestuario), a quien no se le permitió abandonar el Ejército y fue encerrado en un calabozo décadas atrás.

    Cogliostro trata de convencer a Spawn para que renuncie a la mortaja del Hellspawn, le ofrece santuario, trata de enseñarle a usar sus poderes y le revela su verdadera identidad: en el Medioevo fue el Caballero Oscuro, cosechando almas en nombre de Malebolgia; pero después logró renunciar a la mortaja convirtiéndose en el hombre conocido como Merlín. Al dominar su necrotraje, Spawn logra tomar la forma de otros. Se disfraza como Terry Fitzgerald y le hace el amor a Wanda por última vez, dejándola embarazada. Wanda se debate sobre qué debe hacer con el bebé y busca el consejo de la abuela Blake.

spawn03-01

    Mientras tanto, Twitch investiga los asesinatos en los callejones y descubre la relación entre Jason Wynn y el corrupto jefe de la policía, Banks (Victor Brandt). Wynn manda matar a Twitch y éste sufre un atentado, Spawn es señalado como el autor. Se revela la verdadera identidad de Lisa Wu, es un ángel cazador de Hellspawns de nombre Jade, que está en la Tierra para eliminar a Simmons. Sin embargo, Jade comienza a tener dudas sobre su misión, lo que la pone también a ella en la mira del Cielo.

    Al igual que en la temporada anterior, el primer episodio de ésta es uno de transición. En este episodio, basado en el argumento del número 90 de los comics, titulado Tres usos del cuchillo, Spawn juzga a tres jóvenes delincuentes, amigos de infancia, dos de los cuales se han convertido en sicarios de la mafia.

spawn03-03

    El complejo argumento de esta temporada retoma mucho de la narrativa del comic, pero la lleva a un nivel épico. Aunque Angela nunca regresaría al universo de Spawn ‒antes bien, ahora forma parte de los Avengers de Marvel, después de que se descubriera que era la hermana perdida de Thor (WTF???) en una vuelta de tuerca al estilo de Angelitos negros‒, es sustituida por Jade, quien tiene lo suyo. El jefe Banks, que tan importante fuera en los comics hace su debut aquí, lo mismo que el mayor Forsberg. Elementos de la mitología de Spawn son también retomados en esta temporada, como la relación entre Wynn y Genghis Kahn, el Spawn Caballero Negro ‒que, viviendo durante el Oscurantismo, no es el mismo que Spawn Medieval, quien apareciera en la Baja Edad Media‒ y el atentado en contra de Twitch.

    Nuevamente, ningún villano clásico hace su aparición en pantalla ‒lo cual, siendo honestos, siempre me decepcionó un poco‒ salvo el jefe Banks y, nuevamente, una breve aparición de Payaso. Sin embargo, aparece una pareja de ángeles cazadores que buscan a la renegada Jade y un personaje muy interesante: la vampira Lily (Voz de Jennifer Jason Leigh, a quien seguro recuerdan como la rebelde Allegra Geller en ExistenZ [Cronenberg, 1999]), quien fuera un ángel cazador que cayó de la Gracia tras ser violada por un Hellspawn y ahora trabaja como cazarrecompensas para el Cielo.

spawn03-02

    La impresión que da, en general, es que los realizadores trataron de meter en esta tercera temporada argumentos de varias otras; o que trataron de recuperar el tiempo perdido en la segunda. El ritmo de este sexteto de capítulos es frenético y a veces deja poco espacio para que los eventos sucedidos en ella tengan realmente una repercusión en la historia.

    Aunque el ambiente opresivo y claustrofóbico de la segunda temporada se mantiene, la paleta de colores vuelve a ampliarse; pero de formas más sólidas y vívidas. Ah, y la sangre vuelve a ser roja y se comporta de manera más realista. Eso sí, ni la animación ni el nivel de detalle en el arte son tan buenos como en la segunda temporada; ni son tan sencillos como en la primera. Algunos personajes, como Banks y Lilly tienen una marcada influencia del anime en su diseño.

spawn03-05

    La razón para la cancelación de la serie nunca ha quedado del todo clara. Los índices de audiencia nunca se desplomaron como con otras series… tampoco crecieron, porque siempre fue un poco una serie de nicho; pero el interés no decreció sustancialmente aun a pesar de la desconcertante tercera temporada. Lo que es más: el final de la serie es un cliffhanger ‒Spawn regresa al santuario de Cogliostro decidido a recuperar su humanidad‒ que quedó inconcluso. Lo que sí fue muy claro es que para 1999 HBO había cerrado su división de HBO Animation, dejando a Spawn como su única producción animada… o sea, que básicamente la cancelaron porque ya no había quién la hiciera y no buscaron a alguien más.

    Para concluir con este artículo conmemorativo, aquí presento la cuarta y última parte del sumario en el que recopilo los sucesos más importantes acontecidos en los comics de Spawn. Va del número 181 hasta el 227, que es el último publicado en México hasta el momento (en EE.UU. van en el 278).

No. 180 La mordedura del vrykolakas causa una incontrolable sed de sangre en Spawn. Al Simmons se separa del necrotraje y es vencido por él, perdiendo el control de Spawn. El necrotraje planea matar a Wanda para destruir la humanidad que aún queda en Spawn.
No. 181 En una visión, la abuela Blake revela a Cyan cómo detener a Spawn. Nyx y Cyan tratan de salvar a Wanda. Simmons se separa del necrotraje y éste busca un nuevo huésped.
No. 182 Regresa She-Spawn. Mammon revela que es el Amo del Limbo. Primera aparición de Morana, quien es la hija que años atrás perdieran Al y Wanda y ha sido criada en secreto por Mammon y el vrykolakas para convertirse en la Hellspawn definitiva que gobernará la Tierra.
No. 183 Moarana roba el necrotraje a Nyx.
No. 184 Nyx detiene a MAmmon y Al Simmons decide terminar con el ciclo de Spawn.
No. 185 Inicia la saga Endgame. Arte de Wilce Portacio. Simmons se arranca la cabeza, simultáneamente, Jim Downing, un paciente de hospital, despierta de un prolongado coma. Regresan Payaso y Violator. Último número publicado en México por el extinto Grupo Editorial Vid.
Endgame Tomo 1

(185-190)

Inicia la corrida de editorial Kamite. Downing es el nuevo Spawn. Primera aparición del periodista Marc, quien se convertirá en el agente de Jim Downing.
Endgame

Tomo 2 (191-196)

Arte de Whilce Portacio, Greg Capullo, Todd McFarlane y Rob Lifeld. Spawn captura un ángel cazador, al que Payaso le arranca las alas. Payaso se convierte en mentor del nuevo Spawn.
No. 197 Regresa Redeemer y Violator lo mata, ganándose la amistad de Downing.
No. 198 Arte de Khary Randolph. Primera aparición del paciente 46.
No. 199 Arte de Erik Larsen y Todd McFarlane. The Freak confronta a Spawn. Violator se enfrenta a The Freak quien, según se revela, estuvo en el Infierno. Primera aparición del Spawn Omega, la última evolución del necrotraje. Violator le provoca un infarto a Sam.
No.200 Arte de Michael Golden y Robert Kirkman. Spawn Omega se enfrenta contra Violator. Se revela la conexión entre Simmons y Downing. Se revela que The Freak es la reencarnación de Malebolgia. El necrotraje se enfrenta contra Spawn Omega.
No. 201 Arte de Szymon Kudranski. Downing realiza milagros en programas de TV en vivo. Primera aparición del villano Bludd.
No. 204 El grupo de vampiros conocido como la Vieja Guardia busca a Spawn. Trabajan para Bludd.
No. 205 La Vieja Guardia muestra su verdadera forma.
No. 207 Sam sufre un atentado mientras está en el hospital, pero el detective Rowand lo salva. Twitch se entera del destino de Simmons de boca de Downing.
No. 208 Spawn mata a Twitch y después lo revive. El detective Rowand es inculpado por el asesinato de la enfermera que atentó contra la vida de Sam.
No. 211 Se rompe la alianza de Jim Downing con Payaso.
No. 213 Jim Downing anuncia la creación de una fundación para sanar a los más necesitados utilizando sus poderes.
No. 215 Marc busca a Terry Fitzgerald. Malebolgia descubre que Payaso le lleva la delantera. Jim sufre un atentado.
No. 216 Downing descubre que su pasado, el de Overtkill, Tremor y The Freak están relacionados. Regresa Wynn.
No. 217 Malebolgia mata a Bludd y hiere a Payaso.
No. 218 Spawn se enfrenta a Malebolgia. Se revela la relación de Jim Downing con el Cielo.
No. 219 Spawn vence a Malebolgia y lo expulsa del cuerpo de The Freak.
No. 220 Regresa Cog.
No. 221 Regresa Tremor.
No. 222 Spawn se alía con Tremor para investigar el secreto militar de su creación.
No. 225 Downing interroga a Jaso Wynn. Éste revela la verdad sobre su participación en el Programa y sobre quién era Jim Downing antes del coma.
No. 226 Se resuelve, por fin, por qué Wynn fue elegido como el primer Redeemer (Anti-Spawn).

Al momento de escribir este artículo, el último número publicado en México fue el 227.

Spawn, la película    Sumario comics 1    Sumario comics 2

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!