LA ISLA SINIESTRA. Un thriller psicológico de la mancuerna Scorsese-DiCaprio

LA ISLA SINIESTRA

Shutter Island

Martin Scorsese, 2010

Pasa con una inusitada frecuencia pero sí pasa, y cuando pasa es en verdad satisfactorio. Me refiero a que hay veces en que adquiero una película prácticamente a ciegas y cuando la veo resulta ser muy buena. En este caso, de esta cinta sólo sabía que se trataba de un thriller ambientado en la posguerra y que era obra de una de las mancuernas artísticas más prolíficas en la cinematografía de los últimos años, la conformada por Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio. Ya viendo la película, me encantó descubrir que poseía un reparto de primer nivel en el que, además del ya mencionado DiCaprio, participaban Mark Ruffalo, Sir Ben Kingsley, Elias Koteas, Jackie Earl Haley y el siempre excelente Max von Sydow.

    En 1954, el agente federal Teddy Daniels (DiCaprio) y su compañero Chuck Aule (Ruffalo) son llamados para investigar la desaparición de una interna en el Hospital Ashecliffe para criminales dementes de Shutter Island. Cuando llegan se encuentran con muchos inconvenientes para realizar su investigación: una tormenta perpetua que asola la isla, el hecho de que no pueden sacar nada claro de interrogar a los pacientes y, peor aún, la negativa casi absoluta de las autoridades del sanatorio para colaborar. Teddy, atormentado por dolorosos recuerdos del pasado, se da cuenta conforme pasan las horas de que el director de la institución (Kingsley) no sólo parece estar ocultando algo, sino que también parece tener planes para él y no lo dejará escapar de la isla tan fácilmente.

    Esta cinta captó toda mi atención desde los primeros minutos. Las secuencias de inicio, con la llegada a la isla, nos anuncian que estamos por embarcarnos en una espiral que desciende hasta los más recónditos y oscuros rincones de la mente humana. Con una música grandilocuente y macabra, y clarísimas influencias de la obra de Alfred Hitchcock, la peli abre presentando un misterio sin reparos ni concesiones: ¿Dónde está Rachel?

    Las circunstancias de su desaparición son por demás extrañas. También es muy sospechosa la actitud del Dr. Cawley (Kingsley), quien trata de frenar la investigación poniéndole trabas cada que le es posible. Asimismo, el apoyo de Cawley es el misterioso Dr. Naehring (von Sydow), quien es en realidad de origen alemán… Y Daniels lo descubre pues él estuvo en combate durante la Segunda guerra Mundial y los recuerdos de los horrores que vivió no lo dejan en paz… ¿O es que alguien ha estado drogando su comida? ¿O sus cigarrillos? ¿Qué está pasando en Shutter Island? ¿Serán ciertas las hipótesis de Aule sobre experimentos ilegales de técnicas de control mental, heredadas de los nazis, con los pacientes de Ashecliffe? Es más… ¿Existió una paciente llamada Rachel? Los médicos de Ashecliffe parecen estar conspirando en contra de Daniels para volverlo loco y que no descubra la verdad, ya que uno de los internos del manicomio parece estar ligado a la trágica muerte de su esposa años atrás.

    Esta cinta retoma muchos elementos del mejor Film Noir y los mezcla de una forma soberbia. Basada en la novela de Dennis Lehane, el guión es uno de los más inteligentes que he visto en los últimos años, lleno de vueltas de tuerca y callejones sin salida. Pasada la primera mitad de la película, uno se siente como el mismo Daniels, paranoico y desconfiado de todo y de todos. Esta cinta juega con el espectador de una forma audaz e ingeniosa.

    Las actuaciones son increíbles y todos los involucrados se desempeñan al tope de sus capacidades. Leo DiCaprio no sólo demuestra una vez más que es un actor comprometido y eficiente, sino que dirigido por Scorsese es capaz de reinventarse en cada cinta. Ben Kingsley, quien suele ser formidable, nos crea un sentimiento de rechazo encarnando a un personaje falaz y doble. La presencia del otrora actor fetiche de Ingmar Bergman, Max von Sydow, es inquietante durante todo el filme, pues logra crear una figura siniestra, medio real y medio onírica, a través de sus movimientos, su voz y el manejo de su propio físico. Elias Koteas y Jackie Earle Haley –quien parece dotado para interpretar psicópatas– están excelentes en sus papeles de pacientes del manicomio; Haley siendo un poco más extravagante y alocado, mientras que Koteas, fiel a su costumbre, es más sutil y un tanto socarrón.

    La estética de la película está muy bien lograda y llega a ser altamente sofisticada en algunas secuencias. Por principio de cuentas, hago notar el nivel de cuidado que pusieron los diseñadores de arte y los set dressers no sólo en recrear la década de los 50, sino en lograr que cobrara vida. El manicomio Ashecliffe no sólo es un edificio, es una bestia enorme que se alimenta de quienes viven en ella. Asimismo, los vestuarios de cada uno de los personajes están meticulosamente diseñados para reflejar sus respectivas personalidades y esto, como se descubrirá, es parte vital del guión.

    Los escenarios son majestuosos. Uno de los más impresionantes es la mansión donde vive el Dr. Cawley que, según él mismo explica, fue construida durante la Guerra Civil. Su estética sobrecargada y sus colores contrastantes son la clave que ordena todos los demás elementos estéticos y argumentales en el orden de un relato del más depurado Gótico Americano. Es el cerebro de la bestia.

    Los colores utilizados en las tomas son deprimentes y aportan peso dramático a las escenas. Moviéndose en una gama de grises, pardos y ámbares deslavados dan una sensación de desesperanza que impregna todo el filme.

    Recomiendo ampliamente esta película. Es un poco larga (alrededor de dos horas y cuarto), pero la verdad es que logra atraparlo a uno de tal forma que ni se siente. Una verdadera obra maestra del cine de suspenso en la que se siente la influencia de clásicos del género como Psicosis (Hitchcock, 1960), El silencio de los inocentes (Demme, 1991) y El gabinete del Dr. Caligari (1920).

PARA LA TRIVIA: El título Shutter Island es un anagrama para “Truths and Lies” (verdades y mentiras) y “Truths/Denials” (verdades/negaciones).

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ESPECIES. Bueno… nadie la veía porque fuera buena película, ¿o sí?

ESPECIES

Species

Roger Donaldson, 1995

Algunos críticos consideraron Congo (Marshall) la peor película del año 1995. Es una decisión difícil, pues 1995 fue un año de mierda para el cine de grandes presupuestos. La película de la que hablaré a continuación es un serio contendiente para ese reconocimiento. De hecho, quizá sea una de las peores películas que haya visto en mi vida, pero aun así le tengo un cierto cariño y la disfruto de principio a fin.

    En 1993 el equipo del programa S.E.T.I (Search for Extra-Terrestrial Intelligence o “Búsqueda de Inteligencia Extra-Terrestre en español) recibió una respuesta a su mensaje enviado veinte años atrás en el que detallaban nuestro código genético y ubicación en el Sistema Solar. La respuesta incluía una fórmula para producir energía limpia inagotable e instrucciones para mezclar una secuencia de ADN extraterrestre con la nuestra. Y claro, como no tenían nada mejor qué hacer, un grupo de científicos sigue la receta y crea una hembra de híbrido humano-extraterrestre con habilidades sobrehumanas que, como era de esperarse, se escapa de un laboratorio secreto cuando pretenden exterminarla.

    Una vez en libertad, el híbrido llamado Sil (la hermosa modelo canadiense Natasha Henstridge, cuya belleza que raya en lo alienígena debutó en la pantalla grande con esta película), que resulta ser un depredador diseñado para exterminar a la raza humana, llega a la ciudad de Los Angeles en estado de madurez sexual buscando un macho humano viable para reproducirse… Y al que no cumple con sus estándares, lo asesina brutalmente. Xavier Fitch (Sir Ben Kingsley, quien tiene un tino increíble para escoger malas películas en las cuales actuar), director del proyecto, reúne a un grupo de expertos para cazar a Sil y detenerla antes de que logre aparearse.

    Como bien puede advertirse, el argumento no es ni particularmente original ni particularmente inteligente; y el guión está apenas pasable, plagado de clichés, parlamentos malos y situaciones tan absurdas que llegan a lo jocoso. En general toda la peli tiene un aire de inverosimilitud que la hace simplemente deliciosa… si uno es de los que disfrutan con la desgracia ajena; si no, se vuelve insoportable bastante rápido.

    ¿Pero cómo pasó esto? Quiero decir… quizá el guión no es un Shakespeare, pero se sostiene. Y hablando de Shakespeare ¿ya vieron quiénes están en el reparto? Michael Madsen, que no es tan buen actor, pero los papeles de matón le salían bien; y está también un Forest Whitaker completamente desperdiciado en un papel que creo que pretende despertar nuestra simpatía, pero que termina pareciendo un gran lelo. Del lado de los británicos están el ya mencionado Ben Kingsley que… de verdad, ¿cómo escoge sus proyectos? ¿Hay una agencia de representantes artísticos especializados en proyectos piteros? ¿Quién se la recomendó, Michael Cane? Y Alfred Molina que sí, aún estaba a más de un lustro de volverse verdaderamente famoso, pero llevaba toda la vida trabajando en teatro. ¿Cómo puedes hacer una mala película con ese reparto?

    Y si el reparto fallaba, no se preocupen, que tenemos al que probablemente sea el artista plástico más influyente en el cine de la segunda mitad del siglo XX, el suizo H. R. Giger. Así es, el artista que diseñó al xenomorfo de Alien: el octavo pasajero (Scott, 1979) y que recibió un Oscar por eso diseñó también a Sil, al macho de su especie y al tren espectral que la atormenta en sus pesadillas.

    Empero, el diseño falla. Y no es tanto culpa de Giger, quien se sabe que quedó muy poco complacido con el resultado de esta película, sino de quien se lo encargó. El tren está padre, pero es una lástima que se muestre tan poco de él en pantalla. Y Sil… pues termina siendo Giger queriendo copiarse a sí mismo, digo… todos sabemos que eso es simplemente un alien pero con cuernitos, ojos de gato y enormes tetas, ¿cierto?

     Bueno, pero seguramente los efectos especiales salvan la película, ¿no? ¿No? ¡No! ¡Son espantosos! Los capullos alienígenas se nota a leguas que son viles bolsas de plástico embarradas con látex. El CGI es inmundo —digo, en esta época apenas empezaba, pero ya había salido Parque Jurásico (Spielberg, 1993)—; incluso en algunas tomas los modelos por computadora tienen dientes de sierra y saltos entre cuadros. Las escenas de Sil de cuerpo completo están mejor logradas, quizá porque todas son oscuras, y aun así no pueden tapar el efecto Guy-In-A-Rubber-Suit. Para acabar pronto, el efecto mejor logrado en la película son los medios planos de Sil porque los hicieron con una marioneta, pero estaba chida… lástima que las tres versiones de Sil –marioneta, botarga y CGI– no se parecían en nada.

    Se me quedó muy grabado de aquella época, cuando se estrenó esta cinta en México, el comentario de un crítico de cine que salió en la televisión —no recuerdo quién era ni en qué canal— que atinadamente dijo: “En la función a la que yo fui, en las escenas en las que la gente se supone que debía espantarse, se reía”. Tan cierto hoy, como cuando fue transmitido.

    Pero no nos hagamos. Nadie ve esta película por su guión tan elevado, por la calidad de las actuaciones de su reparto shakespeariano o por sus deslumbrantes efectos especiales. No, señores, esta película se vende, aún hoy día, por las sendas escenas topless de la Henstridge. Sólo así se entiende que uno aguante la hora y cuarenta minutos que dura esta madre que recuerdo con tanto cariño de mi pubertad.

    Y con todo, la peli de algún modo entretiene y al público le ha interesado lo suficiente como para generar tres secuelas: Especies II (Medak, 1998), que se estrenó en cines con moderado éxito y generó un par de figuras de acción producidas por McFarlane Toys; Especies III (Turner, 2004), que fue lanzada directamente al mercado de video y que brilla por su ausencia de desnudos gratuitos; y Especies IV: El despertar (Lyon, 2007) que fue filmada en la Ciudad de México haciéndola pasar por ciudad fronteriza y que sí trae montones de escenas de desnudos incluyendo algunos de la actriz de telenovelas Marelene Favela. ¿Quién dijo que el cine de explotación había muerto?

PARA LA TRIVIA: MGM había decidido no filmar la escena del tren para ahorrar presupuesto. Sin embargo, H.R. Giger ya había invertido mucho tiempo en la construcción de éste, por lo que financió la filmación de dicha secuencia con su propio dinero.

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EL JUEZ. Mucha gente la confunde con “El demoledor”… sólo que ésta sí es mala.

EL JUEZ

Judge Dredd

Danny Cannon, 1995

En 1977 la editorial británica IPC Magazines comenzó la publicación de una revista antológica de comics de publicación semanal titulada 2000 A.D. Un poco en la vena de la americana Heavy Metal, la revista se enfocaba en la ciencia ficción y la fantasía, estaba dirigida a un público adulto y presentaba historias maduras con altas dosis de violencia gráfica.

    Entre los personajes más populares en aparecer en las páginas de 2000 A.D. se encontraba Judge Dredd, un policía que vivía en un futuro en el que el crimen había sobrepasado la capacidad del sistema judicial, por lo que los oficiales de policía tenían la facultad de arrestar, juzgar y ejecutar a los delincuentes en el acto. Ya a mediados de los 80 hubo un intento para filmar una película basada en el juez Dredd; pero el proyecto nunca se concretó y terminó convirtiéndose en RoboCop, el defensor del futuro (Verhoeven, 1987).

    La película llegó finalmente en 1995 y en ella se cuenta la historia del juez Joseph Dredd (Sylvester Stallone), el más temido y respetado de los jueces de Metro City… hasta que es injustamente inculpado por un asesinato. Gracias al sacrificio de su mentor, el juez Fargo (Max von Sydow, el pobre) en vez de ser ejecutado, Dredd es exiliado a los páramos radiactivos que rodean la ciudad. Ahora, el juez caído en desgracia deberá regresar a Metro City y descubrir quién está detrás de la conspiración.

    Creo que debo comenzar este artículo diciendo que el guión de esta película corrió por cuenta del genial Steven E. De Souza… que bueno, si, el pobre dirigió Street Fighter: la batalla final (1994)… pero escribió Comando (Lester, 1985), Duro de matar (McTiernan, 1988) y El sobreviviente (Glaser, 1985)… y Street Fighter. Bueno, pero el punto es que el guión de esta película no es particularmente malo –sobre todo, la versión original–; digo, para ser película de acción. La historia no es nada sobresaliente y está llena de lugares comunes, pero no es mala y, de hecho, tiene todos los elementos para contarse bien. Lo que falla es la realización.

    Por principio de cuentas, el guión original de De Souza era muy diferente y estaba mucho más de acuerdo con la visión que tenía Danny Cannon de la película que quería hacer. El director se refería a su propuesta original como la Ben-Hur de las películas de acción. Más allá de la ambición de Cannon, su visión de la peli era mucho más oscura y satírica… Pero Sly vino a cambiarlo todo.

    Cuando leyó el guión, Stallone, quien jamás había oído hablar de Judge Dredd antes de que le ofrecieran el papel, creyó que se trataba de una comedia de acción, por lo que ordeno gran cantidad de cambios para ajustar la película a ese tono. Del mismo modo, el actor se empeñó en que el personaje de Fergie, que en el comic es el líder de los exiliados y los mutantes, fuera convertido en un patiño cómico, cuyo papel le ofreció personalmente a Joe Pesci, quien lo rechazó, para ofrecérselo luego a Rob Schneider.

    Otra de las cosas que llama mucho la atención de esta cinta es que, durante casi toda la peli, Dredd se la pasa sin casco… cuando una de las principales características del personaje en el comic es que jamás se quita el casco y, en las contadas ocasiones en que lo hace, no podemos ver su rostro, el cual se presume que está desfigurado. Sin embargo, los productores de la película creyeron que sería un desperdicio pagar el sueldo de Sylvester Stallone si el público no podía verle la cara, por lo que ordenaron que pasara la mayor parte del tiempo en pantalla sin casco… aunque eso le diera en la madre al personaje, ¿a quién le importa?

    Finalmente, Cannon quedó muy decepcionado de la película que, asegura, es completamente diferente a la visión original que él tenía y juró jamás volver a trabajar con un actor tan egocéntrico como Stallone. Al director ni siquiera la permitieron estar presente en el set para los re-shoots.

    En 2012, previo al estreno de Dredd: el juez del apocalipsis (Travis), la revista Empire entrevistó a John Wagner, creador del personaje de Judge Dredd, quien declaró que en la versión de 1995 la historia no tenía nada que ver con Dredd y que Dredd ni siquiera era realmente Dredd a pesar de que Stallone era el actor ideal para interpretarlo. Eso sí, alabó los altos valores de producción.

    Y ése es precisamente el único elemento de la película que la salva del olvido… aunque la mayoría de la gente la confunda con El demoledor (Brambilla, 1993). La producción es impresionante. Los sets –que beben fuertemente de fuentes como Blade Runner (Scott, 1982)– lucen geniales y se ve el cuidado que pusieron en construirlos y fotografiarlos bien. El maquillaje prostético con el que crearon a los mutantes también se ve muy bien, y el que se ve increíble es el guerrero ABC, que originalmente estaba pensado para ser interpretado por un actor en una botarga, pero que Cannon insistió en que fuera un animatrónico… así es, el robot en su película es un robot de verdad. Y, por alguna extraña razón que escapa a mi entendimiento, los vestuarios fueron diseñados por Gianni Versace, quien básicamente se limitó a hacer versiones glam de los uniformes mostrados en el comic.

    Por desgracia, creo que todos estos elementos no son suficientes para rescatar una película que tenía todo el potencial para ser un nuevo clásico del género y terminó convirtiéndose en un desastre genérico y poco inspirado, y un ejemplo de libro de texto de una adaptación que no tiene ni idea de qué se trata el material original.

    Por si eso fuera poco, las actuaciones fluctúan en el rango que va de lo pésimo a lo hilarante e incluso el pobre Max von Sydow parece estar pasando un mal rato.

    Originalmente, se había planeado que el villano de la película fuera Judge Death, el archienemigo de Dredd en los comics y líder de los jueces renegados conocidos como Dark Judges; sin embargo, la producción pensó que sería difícil y costoso recrear al personaje –que es básicamente un esqueleto viviente– de forma convincente en la pantalla, por lo que optaron por usar como villano principal a Rico Dredd, pues podía ser interpretado sin necesidad de una caracterización externa complicada y tenía más que ver con el pasado de Dredd. Lástima que sea tan mal villano en la película.

    Armand Assante, el actor encargado de dar vida a Rico, a pesar de ser un buen actor y haber participado en producciones galardonadas por todos lados, en ningún momento de esta película convence. La verdad es que su interpretación está de risa loca y parece más cercana a Stewie Griffin… o a la de una villana de telenovela mexicana… ¿y qué rayos pasa con su voz? ¿Necesita visitar a un foniatra? Cecea, raspa la voz… siento que me estoy lastimando la garganta sólo de escucharlo hablar.

    Y ¿se han puesto a pensar que, en realidad, Dredd es uno de los héroes más chafas de la pantalla? Quiero decir que, cuando las cosas se ponen realmente difíciles y la vida de Dredd está en riesgo, nunca es capaz de salir del embrollo por sus propios medios; siempre son sus amigos los que tienen que salvarlo: Hershey (Diane Lane), Fargo, Fergie, Hershey otra vez…

    Ahora que he vuelto a ver la película, me llamó mucho la atención la escena de la carrera de motos voladoras: ¡es tan aburrida! La secuencia que debería ser emocionante, alocada y llena de acción es tan insípida… además de que la adornan algunos de los peores efectos digitales que he visto. Y no, no digan por favor que eran buenos para la época, porque el CGI de esa época podía hacer cosas mejores.

    En conclusión, El juez es entretenida por momentos; pero la verdad es que, en conjunto no funciona. No funciona como película de acción y ciencia ficción, pues hay muchos mejores especímenes en esa categoría. No funciona como vehículo de Sylvester Stallone, quien también tiene muchos mejores trabajos, incluso dentro del mismo subgénero. Y, finalmente, no funciona ni de chiste como adaptación del material original. Así que, si quieren ver una película chida de acción y ciencia ficción con Sly, mejor vean El demoledor; y si quieren ver una buena adaptación al cine de los comics de Judge Dredd, mejor vean Dredd: el juez del apocalipsis.

PARA LA TRIVIA: Ésta fue la primera película en ser estrenada simultáneamente con su videojuego. A diferencia de la cinta, el juego para SuperNintento publicado por Acclaim Entertainment, sí es un muy buen juego y, aunque más o menos sigue la historia de la película, está más basado en los comics.

DEPREDADOR 2. El cazador intergaláctico llega a la jungla de asfalto.

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DEPREDADOR 2

Predator 2

Stephen Hopkins, 1990


El éxito en taquilla de la primera película de Depredador (McTiernan, 1987) aseguró casi de inmediato una secuela. En junio de 1989, la editorial independiente Dark Horse Comics publicó el primer número del comic de licencia Predator, que pretendía ser una continuación a la película de 1987. En esta serie de comics, posteriormente rebautizada como Predator: Concrete Jungle, un Depredador llega de cacería a la Ciudad de Nueva York durante una guerra de pandillas en medio de un verano inusualmente caluroso y se vuelve la misión del detective John Schaeffer –hermano del personaje de Schwarzenegger en la primera peli– detenerlo.

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    Así es: el argumento de la segunda película se lo piratearon de los comics y, si han leído éstos, sabrán que no sólo se fusilaron el plot, sino detalles y eventos específicos. De hecho, la película originalmente sucedería en Nueva York; pero los guionistas decidieron cambiar la locación para ahorrar costos. Del mismo modo, se pretendía que el personaje de Dutch Schaeffer regresara para la secuela, ahora como policía del NYPD; sin embargo, el primero en bajarse del barco fue Arnold Schwarzenegger, quien pensaba que trasladar la acción a la ciudad era un error y no aprobaba a Hopkins como director.

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    De tal suerte, la película como quedó narra la historia del Tte. Mike Harrigan (Danny Glover quien es un gran actor pero se hizo famoso como héroe de acción por las pelis de Arma Mortal) quien, al investigar una serie de brutales asesinatos durante una guerra de pandillas en la ciudad de Los Ángeles, descubre que un cazador extraterrestre ha reclamado la metrópoli como coto de caza. Con la ayuda de los policías Danny Archuleta (Rubén Blades), Leona Cantrell (María Conchita Alonso) y Jerry Lambert (Bill Paxton), Harrigan deberá enfrentarse no sólo a los miembros de las bandas Scorpions y King Willie; sino a una agencia gubernamental secreta y al cazador intergaláctico, quien no tiene intenciones de terminar pronto su safari.

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    Esta película me despierta sentimientos encontrados. Por un lado, me encanta la forma en la que expande el universo de Depredador. Por otra, me decepciona mucho que el desarrollo de los personajes y la dinámica entre ellos no sean tan buenos como en la primera cinta.

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    El reparto no podría ser más heterogéneo. Acompañando al ya mencionado Glover, a quien siento que la película le queda chica, está otro excelente actor: Gary Busey y a ellos se les suman el carismático Bill Paxton, único actor en tener el honor de haber sido muerto en pantalla por un exterminador, una xenomorfo y un depredador; el cantante Rubén Blades y la cantante y actriz de telenovelas María Conchita Alonso. El resultado es que, al final, cada actor está en su tono y algunos, como Alonso, ni siquiera pueden mantener el paso.

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    Pero, por supuesto, la estrella de la película es el cazador alienígena que, una vez más, fue creado por los artistas del Stan Winston Studio, muchos de los cuales se sintieron entusiasmados por poder retomar un diseño anterior; pero con más tiempo y presupuesto que la primera vez.

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    El diseño del Depredador fue el primer trabajo del artista “Crash” McCreery. quien literalmente fue a tocar la puerta del Stan Winston Studio con su portafolio bajo el brazo y consiguió trabajo. Siendo un fan empedernido de la primera película, McCreery retomó el diseño de la cinta anterior y trató de darle un look más salvaje y tribal. La máscara fue esculpida y pintada por el artista John Rosengrant inspirándose en una serpiente de cascabel. Al respecto, el artista Shane Mahan dice: El director quería que su Depredador fuera más colorido […] con armas más intrincadas y deslumbrantes. […] No queríamos sólo sacar el viejo molde la primera película y pintarlo diferente…[1]

    Claro está, gran parte de que un monstruo funcione en pantalla tiene que ver con el actor que lo interpreta. Para esta iteración, el actor de 2.20m de altura, Kevin Peter Hall, quien interpretara al extraterrestre en la primera cinta, regresó para dar vida a dos criaturas: el Depredador principal y el Depredador anciano que aparece al final de la cinta, para el cual sí reutilizaron la botarga de la primera película añadiéndole algunas modificaciones prostéticas. El resto de los depredadores fue interpretado por algunos jugadores de los Lakers, a quienes se les pidió que customizaran sus propios cascos.

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    Otro de los elementos que es muy interesante es que, si bien en la primera cinta la jungla misma constituía un personaje, en ésta el centro de Los Ángeles se convierte también en un elemento dramático más allá de una mera locación. La mayoría de las escenas de exteriores fueron filmadas en locación, lo cual representó un reto tan o incluso más grande que filmar en la selva mexicana. Al respecto, el mismo Shane Mahan comenta: Los lugares más horribles en los que he tenido que filmar fueron los callejones en el centro de Los Angeles. […] Estaban sucios, eran deprimentes y asquerosos, con gente orinando en las paredes.[2]De hecho, según se sabe, la producción tuvo que detenerse durante algunos días pues el equipo de filmación descubrió un cadáver mientras preparaban la locación para la escena de la muerte de King Willie (Calvin Lockhart) y debieron esperar a que la policía concluyera los peritajes correspondientes.

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    Por cierto… ¿cómo le hicieron los Depredadores para meter su nave espacial en el drenaje de la ciudad sin que nadie se diera cuenta? Y también… aunque está chida la referencia del cráneo de xenomorfo; se supone que éstos son una especie de artrópodos, así que, técnicamente, serían invertebrados.

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    En general, el guión sigue una estructura similar a la de la primera peli; pero se siente más camp y medio tonto en algunas partes, además de que incorpora un montón de clichés, como el del policía rebelde, y de temas harto racistas que en aquella época no eran tan mal vistos como ahora.

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    Y sí, no es una buena película y es bastante inferior a la primera parte; pero es tremendamente entretenida. Es más sangrienta que la original, el Depredador está mucho mejor hecho y se ve genial, los efectos especiales son espectaculares y eso que muchos de ellos aún fueron logrados con trucos fotográficos, el soundtrack de Alan Silvestri realmente le da una profundidad inesperada a la cinta y la actuación de Golver es bastante decente. En conclusión, esta película es como una enorme hamburguesa grasosa: me encanta y la disfruto enormemente de principio a fin, aunque sé que es mala para mí.

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PARA LA TRIVIA: La banda de King Willie es, a todas luces, un pastiche racista que mezcla elementos de la religión rastafari de Jamaica y la religión vudú de Haití; sin embargo, está inspirada en un par de mafias reales que utilizaban el vudú y el hudú, y que asolaron las ciudades de Nueva York y Kansas a mediados de los 80.

 

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[1] MAHAN, Shane citado en DUNCAN, Jody, The Winston Effect: The Art and History of the Stan Winston Studio. Titan Books, Londres, 2006. P. 116. La traducción es mía.

[2] Ibid. P. 120. Traducción mía.

 

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EL JOVEN MANOS DE TIJERA. El conmovedor cuento de hadas contemporáneo de Tim Burton.

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EL JOVEN MANOS DE TIJERA

Edward Scissorhands

 Tim Burton, 1990

El cuarto largometraje de Burton y el primero producido por 20th Century Fox es un cuento de hadas contemporáneo inspirado en un dibujo que hiciera Burton cuando adolescente y que definirá elementos clave en la propuesta del director. La estética es tan sólida que hasta el logotipo de la Fox se ve influido por ella.

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    La cinta cuenta la historia de una encantadora familia de la idílica, plástica y uniforme suburbia estadounidense de color pastel cuya madre, la bonachona Peg (Dianne Wiest en un papel que yo juraría que hizo Diane Keaton), es una vendedora de cosméticos de puerta en puerta (OK, OK, específicamente de Avon) que está teniendo un mal día. Agotados todos los recursos, Peg decide explorar una olvidada y tétrica mansión en los límites del vecindario. Allí encontrará a Edward (Johnny Depp en el papel con el que empezó a jugar en las “Ligas Mayores”), un peculiar y cándido hombre artificial con tijeras en vez de manos, y lo llevará a vivir con ella. Edward será la estrella del vecindario; pero poco a poco la frívola e hipócrita suburbia mostrará su verdadera cara y el único consuelo de Edward será la joven hija de Peg, Kim (Winona Ryder en su segunda colaboración con el director)… si es que logran estar juntos.

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     La influencia de Frankenstein es más que clara en esta película; pero más clara aún es la figura del Héroe Romántico Burtoniano que termina de tomar forma en ella. El protagonista de las historias dirigidas por Burton será un soñador y un idealista cuyos sueños lo han convertido en un marginado social que difícilmente puede funcionar en el mundo real. La proyección del autor es evidente.

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    En el caso particular de esta cinta, Edward se convierte en un intruso en el mundo perfecto ‒filmado en locación en Tampa, Florida‒ lleno de color y música de Tom Jones, en el que los vecinos se reúnen en amenas parrilladas hawaianas en sus patios traseros. Edward parece encajar muy bien; pero todo es una ilusión que pronto se resquebrajará gracias a los chismes y las maledicencias. Así, la suburbia sacará lo peor de Edward, cuando es forzado a encajar en el molde, obligado a pensar y a sentir como una persona “normal” y a llevar la rutina clasemediera.

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    Está también muy presente la influencia de otras cintas como El gabinete del Dr. Caligari (Wiene, 1920), Las mujeres perfectas (Forbes, 1975) o el ciclo de Edgar Allan Poe dirigido por Roger Corman y protagonizado por el inmortal Vincent Price. Y como sentido tributo a Price, Burton lo invitó a participar en esta película, que sería la última que harían antes de morir, en el papel del inventor.

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    También me gusta el guiño a La novia de Frankenstein (Whale, 1935). En la cinta de Whale, la ropa de la Creatura de Frankenstein se va deteriorando con el tiempo. En esta película, la ropa de “civil” de Edward también se va destruyendo conforme regresa al mundo en el que se encontraba recluido y hasta las esculturas de jardín que creara empiezan a crecer sin control adquiriendo un aspecto feral.

    La película es encantadora, la música de Danny Elfman insuperable, los efectos especiales bastante buenos y la fotografía, excelente. Burton retoma la obsesión con las maquetas que le conociéramos en Beetlejuice, el súper fantasma (1988) y los efectos logrados con pintura mate lucen convincentes.

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    Mención aparte merece el mismo Edward, cuyas manos fueron creadas por el Gurú de los Animatrónicos, Stan Winston. Para Winston, crear al personaje representó todo un reto, pues sus diseños siempre habían buscado ser realistas y funcioanles; pero en el caso de Edawrd, frbís verse fantástico y estilizado. Un acertijo en sí mismas representaron las manos de tijeras, que Winston resolvió así:

Normalmente, cuando haces el movimiento de una tijera, lo haces de costado, con tu mano y los dos primeros dedos paralelos al piso. Pero mientras más veía mis dedos, me di cuenta de que para hacer que las hojas se movieran más libremente, tendrián que hacer ese movimiento de tijeras apuntando hacia arriba, perpendicular al piso. Ése era un movimiento mucho más natural para los dedos y sería un movimiento mucho más orgánico para las cuchillas.[1]

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    Aunque en términos generales me parece una buena película, nunca ha dejado de estar entre mis favoritas y la escena de Kim bailando en la nieve está de antología, la cinta tiene sus fallos.

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     La narrativa es redundante y en más de una ocasión se siente que la cinta podría ser más corta. Además, la historia se siente fragmentada. La escena de la muerte del inventor funciona mucho mejor como una escena aislada que como parte del todo además de que, aunque es clara la intención de relacionarla con la escena que sucede en el presente, siempre me ha parecido que entra tarde a la película.

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     Las actuaciones son un tanto disparejas. En términos generales, la caracterización de todos los personajes es buena; pero las interpretaciones no lo son siempre. Tanto Ryder como Depp dejan qué desear en algunas escenas, mientras que en otras están increíbles. La breve intervención de Price es memorable y Wiest está maravillosa.

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    Del mismo modo, la puesta en escena creo que es poco afortunada y la gran mayoría de los stunts apenas si funcionan. Prácticamente todas las escenas de acción tienen un aire de inverosimilitud que es muy apropiado para ambientar la suburbia; pero no para secuencias en las que debe parecer que los personajes se encuentran en peligro. También es interesante que, apenas con cuatro películas, Burton ya comenzara a repetirse a sí mismo y que la escena climática de la cinta suceda en lo alto de una torre ruinosa, al igual que pasara en Batman (1989).

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    Finalmente, la aventura (o desventura) de Edward en el mundo del consumismo, la burocracia y la doble moral resulta en una fábula para toda la familia cuya moraleja la coloca atinadamente en el repertorio navideño del Cinéfilo Incurable. A pesar de todo, esta película me encanta y es, sin duda, una de las obras más íntimas y personales de Burton. En este cuento, la Navidad se presenta como una época de ilusión e integración.

 

PARA LA TRIVIA: Originalmente, esta película estaba planeada para ser un musical y el primer borrador del guión se escribió como tal; sin embargo, la idea sería descartada. Desde entonces, varias producciones musicales han adaptado la película a los escenarios, siendo la más sobresaliente un ballet producido por Mathew Bourne, escrito por Caroline Thompson y musicalizado por Danny Elfman, guionista y compositor de la cinta, respectivamente, estrenado en 2005.

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[1] WINSTON, Stan, citado en Duncan, Jody, The Winston Effect: The Art and History of the Stan Winston Studio, Titan Books, Londres, 2006. P.121. La traducción es mía.

CONSTANTINE. Cualquier parecido con el comic es mera coincidencia.

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CONSTANTINE

 

Francis Lawrence, 2005

 

Fui a ver esta película cuando se estrenó en el cine y recuerdo que me gustó. Conforme los años pasaron, me di cuenta de que no recordaba de qué se trataba en absoluto, así que la compré en Blu-Ray y la vi de nuevo. En el segundo visionado no sólo me sorprendí de que no recordara prácticamente nada; sino de que me hubiera gustado la primera vez. De tal suerte, en cada visionado subsecuente, la verdad es que la peli me ha ido gustando menos.

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    El personaje de John Constantine, creado por Alan Moore y Stephen Bissette, y apareció por primera vez en The Saga of the Swamp Thing #37, publicado por DC Comics en junio de 1985. En ese entonces, se trataba de un cínico y sarcástico, aunque refinado, hechicero británico que comienza a instruir a Swamp Thing en el uso de sus poderes y cuyo perfil recuerda sospechosamente al del cantante Sting. De hecho, en el guión del comic, Alan Moore fue muy enfático en que el personaje debía parecerse a Sting.

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    Constantine se volvió un personaje recurrente en los comics de Swamp Thing y, eventualmente, su popularidad le granjeó su propio comic, el spin-off Hellblazer, publicado por DC en enero de 1988. En Hellblazer, John Constantine era específicamente de Liverpool, se convirtió en un hechicero y nigromante amoral y heterodoxo acosado por infinidad de entidades sobrenaturales y, aunque perdió la mayor parte de su refinamiento, seguía siendo cínico y sarcástico; todo esto en un comic con ambientación y tono Noir, y una ácida crítica social a la Inglaterra de la década de 1980.

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    La película de Constantine dice estar basada en este comic… aunque no sé por qué.

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    En esta cinta, de la manera más ineficiente posible, se cuenta la historia de la detective Angela Dodson (Rachel Weisz), cuya hermana gemela, recluida en un hospital psiquiátrico, se suicida en circunstancias sospechosas. Investigando el incidente, Dodson comienza a colaborar con el exorcista y hechicero John Constantine (nuestro querido Keanu Reeves). Juntos, descubrirán que el suicidio de Isabel Dodson es sólo una estratagema dentro de la interminable pero definitiva lucha entre el Cielo y el Infierno.

    Después de analizarlo, llego a la conclusión de que el principal fallo de esta película es que toda ella se siente forzada y poco orgánica.

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    Por principio de cuentas está el guión, que es un enorme y reverendo desmadre en sí mismo. Me doy cuenta de que mi incapacidad para recordar de qué rayos se trata esta película tiene que ver con la forma en la que está contada.

    Los objetivos de los personajes son poco claros, por lo que, en general, se siente que la acción avanza porque el guión indica que tiene que avanzar y no porque los personajes realmente persigan una meta. De tal suerte, más pareciera que el argumento va arrastrando a los personajes. Así pues, no sólo son una retahíla de personajes secundarios, huecos pero coloridos e increíblemente poco parecidos a sus contrapartes impresas, los que no aportan nada a la trama… sino que ¡los personajes principales tampoco!

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    Por no mencionar que le bajaron el tono al personaje de Constantine, quien también parece convertido en héroe de melodrama a la fuerza… pero no en toda la película. El resultado es un personaje disparejo que en algunas escenas es buenito y chido, y de repente se le sale lo malote… pero sin llegar realmente a ser el antihéroe de los comics.

    Y luego está toda la mitología. La película es demasiado hermética en cuanto a explicar su propia mitología. Por supuesto, cuando una película está llena de explicaciones de qué está pasando o qué están haciendo los personajes, se vuelve aburrida y poco dramática; pero en el caso de Constantine, se trata de una cinta demasiado críptica. De repente, sí sentí como que necesitaba que me explicaran un poco de lo que estaba pasando. Y, por el contrario, en muchas escenas los personajes balbucean intrincados monólogos sobre cosas que en realidad no son tan importantes para la trama y que perece que incluso aburrían a los actores.

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    De hecho, estoy casi seguro de que a los actores les pasó lo mismo. En gran cantidad de escenas, se puede ver que los intérpretes sólo están vomitado el texto y que nunca entendieron realmente lo que estaban diciendo. Y la cosa es que, si no se va a explicar verbalmente, se puede hacer a través de la narrativa visual… pero ésa también me queda a deber.

    Las actuaciones están más o menos, creo que no es el mejor trabajo –o siquiera un trabajo memorable– de parte de cualquiera de los involucrados. Se nota el esfuerzo por parte de Weisz; pero también se nota que se está peleando con sus parlamentos y Reeves parece que sigue atrapado en la Matrix en una interpretación que casi luce como una autoparodia de su actuación como Neo. Quizá lo más interesante a nivel actoral en esta cinta sea la caracterización de la andrógina Tilda Swinton como el Arcángel Gabriel, ésa si se ve de lujo.

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    Lo que también se ve de lujo son muchos de los efectos especiales, que fueron creados como efectos prácticos, prostéticos y puppets por los artistas del Stan Winston Studio y luego mejorados a través de efectos digitales. Los efectos que sí fueron creados de forma enteramente digital han envejecido bastante mal, la verdad… porque, pues siempre que los efectos CGI están a cargo de una docena de estudios diferentes, el resultado no puede ser bueno.

   Así pues, la verdad es que, con una película cuya narrativa es deficiente, sus personajes son poco interesantes y el argumento parece no tener ningún objetivo, para cuando va a la mitad ya dejó de importarme. Y si uno ha leído los comics y trata de llenar los huecos con información de dicha fuente, la experiencia resulta aún más frustrante, pues la versión fílmica se ha tomado tantas libertades que apenas si se parece al material original.

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    A final de cuentas, creo que Constantine es una película aburrida con un par de escenas de acción interesantes e imágenes bonitas. De repente tiene algunos momentos que logran recapturar la atención; pero que no son suficientes para sostener un argumento flojo e innecesariamente rebuscado.

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PARA LA TRIVIA: Uno de los artefactos sagrados mostrados en la película es la llamada Lanza de Longinus o Lanza del Destino. Según la mitología cristiana, esta lanza fue con la que Jesús fue herido mientras se encontraba crucificado. La punta de lanza que aparece en la película, que fue reciclada de la utilería de Hellboy (Del Toro, 2004), es una réplica bastante fiel de la “verdadera” Lanza de Longinus, una reliquia sagrada que rondó por Europa desde el Medioevo y que incluso fue robada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La reliquia es, en realidad, una falsificación de la época carolingia y la Lanza del Destino, como tal, nunca aparece en los comics de Hellblazer.

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Test your might!… Test your might!… Test your might!… Test your might!… ¡¡¡MORTAL KOMBAT!!!

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MORTAL KOMBAT

Que en México sí se llamó oficialmente Combate Mortal, pero a quién le importa.

 

Paul W.S. Anderson, 1995

Como podrán recordar, al hacer mi investigación para el artículo de aniversario de Congo (Marshall, 1995) descubrí que 1995 fue un año plagado de malas películas. Ya hablamos de Congo y ahora decidí dedicarle unas líneas a Mortal Kombat.

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    En favor de esta película debo decir que es muy difícil analizarla fuera de su contexto. Quiero decir que en aquella época las películas basadas en videojuegos eran un fenómeno poco frecuente y un terreno más bien inexplorado. Para ese momento sólo habían salido Super Mario Bros. (Yankel y Morton, 1993), Doble Dragón (Yukich, 1994) Y Street Fighter: La batalla final (de Souza, 1994)… ¡Y las tres son inmundas! Incluso sospecho que en algunos países las utilizan para torturar gente. Siendo este el panorama, Mortal Kombat no parecía tan mala en su momento.

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    Además, si fue dirigida por el genio que nos trajo maravillosas adaptaciones cinematográficas como Resident Evil: El huésped maldito (2002) y Alien vs Depredador (2004), ¿qué podría salir mal?

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    La historia es una adaptación más o menos libre de la trama del primer videojuego de la serie —como si alguien se fijara en las tramas de los juegos de pelea—: Los mejores peleadores de la Tierra son convocados por el malvado hechicero Shang Tsung (Cary-Hiroyuki Tagawa) para competir en el torneo interdimensional conocido como Mortal Kombat llevado a cabo en el mundo de Outworld. Si Shang Tsung gana el torneo, conquistará la Tierra.

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    La película sigue a tres guerreros: Johnny Cage (Linden Ashby), un artista marcial y estrella de cine que busca desmentir los rumores que lo acusan de ser un fraude; Liu Kang (Robin Shou), un exmonje auto-exiliado que busca vengar la muerte de su hermano menor a manos de Tsung y Sonya Blade (la bella Bridgette Wilson, a quien quizá recuerden como la hija de Arnold Schwarzenegger en El último gran héroe [McTiernan, 1993]), una agente de fuerzas especiales que busca atrapar al líder criminal Kano (Trevor Goddard). En su aventura, se enfrentarán a enemigos formidables como el guerrero infernal Scorpion (Chris Casamassa, voz de Ed Boon, al igual que en el juego), el príncipe shokan Goro y encontrarán valiosos aliados como el dios del trueno, Rayden (Christopher “Connor MacLeod” Lambert) o la bella princesa Kitana (la exchica Bond Talisa Soto).

    Aunque el argumento es más cercano al primer juego, la película incluye personajes de Mortal Kombat II, como Shao Kahn (voz del gran actor de doblaje Frank Welker), Jax (Gregory McKinney), Shang Tsung joven, la versión animal de Reptile o la misma Kitana. Y me hubiera gustado ver más personajes de los videojuegos, porque en pantalla pelean varios que ni al caso. De hecho, en el guión original había una escena en la que aparecía una estatua de Kung Lao y otra en la que Sonya se enfrentaba a Jade, sin embargo, ninguna de ellas se filmó.

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    Mortal Kombat fue el videojuego que lo cambió todo. Desató toda una polémica por su elevadísimo grado de violencia… Digo, quizá se habían hecho videojuegos más violentos antes; pero MK fue uno de los primeros juegos en utilizar fotogramas digitalizados de actores reales, lo que le daba un nivel de realismo nunca antes visto —que en esta época resulta hilarante—. De hecho, fue tal el revuelo que causó este juego que, debido e a él se creó la ESRB (Entertainment Software Rating Board, por sus siglas en inglés), el organismo autónomo dedicado a clasificar los videojuegos para diferentes públicos de acuerdo con su contenido en EE.UU.

    Pero ¿estaría la película a la par del videojuego? Sí y no. En los primeros borradores del guión, la historia estaba más apegada a la del videojuego, había sangre y se incluían fatalities. Además, los ninjas al servicio de Shang Tsung serían guerreros tarkatan (la raza de Baraka). Sin embargo,  el presupuesto —o la falta de él— impidió que los tarkatan llegaran a la pantalla y los productores quitaron los fatalities del guión pues querían que la película fuera apta para adolescentes.

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    Aun así, en pantalla podemos ver los fatalities —o versiones light de ellos—de Scorpion, Shang Tsung y algo parecido al fatality de Liu Kang —de todos modos, el suyo siempre fue el más chafón del primer juego—; además del friendship de Johnny Cage y movimientos especiales de casi todos los personajes ejecutados en coreografías bastante decentes o, por lo menos, cumplidoras.

    El diseño de producción en general está bien. Los vestuarios se ven más o menos bien y algunos hasta se parecen a los que salen en el videojuego —los de los ninjas, el de Kano, el que saca al final Shang Tsung—. Los sets están padres, además de que ya por la forma como los iluminan se disimula un poco que están construidos casi en su totalidad con triplay y espuma de poliuretano.

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     Ahora bien, en el campo de los efectos especiales la película sí queda a deber… y con intereses. Los efectos digitales son espantosos. Todos ellos. Desde el celaje falsísimo en la pesadilla de Liu Kang con el que abre la película, pasando por las terribles tomas de paisajes CGI de Outworld hasta llegar a Reptile, que se ve peor que si lo hubieran hecho de plastilina. Y hablando de eso ¿Por qué Reptile necesita ser capturado por una estatua para tomar forma humana? ¿Es alguna especie de alusión a que era un personaje secreto en la primera arcadia?

    Y, por favor, no salgan con que los efectos eran buenos para su época, porque no lo eran. Ya en 1995 se veían chafones.

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    El que sí me gusta cómo se ve en pantalla es Goro, creado por los discípulos de Stan Winston, Alec Gillis y Tom Woodruff Jr., quienes por cierto nunca quisieron revelar cómo lo habían hecho. Mi hipótesis es que se trataba de un actor en una botarga —muy probablemente el mismo Woodruff Jr.—, que controlaba el par de brazos inferior y que el segundo par de brazos y la cabeza eran animatrónicos. Y muy probablemente hicieron una cabeza animatrónica aparte, con un rango más amplio de expresiones faciales, para los primeros planos. Por cierto, cuando lo veo, no puedo evitar recordar a la selenita que busca el amor de Antonio Espino “Clavillazo” en Conquistador de la Luna (González, 1960).

    Sin embargo, quizá lo más memorable de la película sea el soundtrack, que incluye temas instrumentales compuestos por George S. Clinton y pegajosos temas interpretados por artistas como Juno Reactor, Psykosonik, Gravity Kills, una mezcla del legendario Giorgio Moroder, el genial tema de Reptile que tan popular se volvió en los raves y, por supuesto, el inmortal tema de Mortal Kombat en la mezcla de The Immortals. Todo el conjunto conforma un álbum que, a mi gusto, es uno de los más finos exponentes de la música Techno.

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    Y con la emoción con la que platico todo esto casi estoy olvidando que el guión es increíblemente pobre. Tiene más huecos que el sofá donde se dormía mi gato y está lleno de diálogos malos, chistes sin gracia y frases de Rayden que quieren sonar filosóficas y profundas; pero que cuando uno las escucha con detenimiento se da cuenta de que no tienen ningún sentido. Pero supongo que no está tan mal… quiero decir, con parlamentos tan malos, las escenas de pelea lucen más.

    Las actuaciones, como cabría esperar en una película por el estilo, son pésimas. De verdad, sólo vean a Bridgette Wilson —como si fuera difícil prestarle atención—. Digo, no tengo nada contra las modelos que fueron Miss Teen USA para después ser actrices de telenovela, luego de cine y luego estrellas de pop; pero… ¡pero no manches, Wilson, por lo menos voltea a ver a tus compañeros de escena cuando tengas un diálogo con ellos! ¿Y qué onda con Christopher Lambert? Digo, nunca se destacó por sus dotes histriónicas, pero por lo menos uno lo respetaba por ser Highlander y haber peleado contra Freddy Mercury… Y luego viene en esta película con una caracterización de pena ajena y un personaje que trata de hacerse el gracioso cada cinco minutos, fracasando miserablemente en cada intento.

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    Así pues, en su época, la crítica despedazó a esta película y no dudó en hacerle varios Fatalities. De hecho, de todos los actores de la primera parte el único que quiso regresar para la secuela fue Robin Shou, quizá porque su personaje roba cámara en esta primera cinta, según yo porque sus coreografías son más lucidas debido a que era uno de los pocos artistas marciales de verdad que salen en la cinta —bueno, y Francois Petit, pero lo matan a media película—.

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    Y cuando dije que la cinta sí estaba a la altura del videojuego, me refería a que éste fue concebido por sus creadores, John Tobias y Ed Boon, como una parodia de las películas chafonas de kung fu (particularmente de los 70)… y la adaptación fílmica de Mortal Kombat terminó siendo una película chafona de kung fu.

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    Aún con todo esto y con el hecho de que la cinta ha envejecido bastante mal, sigue siendo disfrutable y muy entretenida. Y, quizá tristemente, para un servidor sigue siendo una de las dos mejores películas basadas en videojuegos que se han hecho hasta la fecha.

PARA LA TRIVIA: En el juego, el personaje de Johnny Cage es una parodia de Jean-Claude Van Damme, a quien, de hecho, se le pidió que participara en el mismo; pero se negó. Para la película, los productores nuevamente solicitaron a Van Damme; pero el actor belga nuevamente se rehusó y prefirió participar en la película de Street Fighter. Tanto Tom Cruise como Johnny Depp fueron considerados para el rol, pero nunca se concretó nada. Finalmente, el papel fue asignado a Brandon Lee, quien murió trágicamente durante la filmación de El cuervo (Proyas, 1994), meses antes de iniciar la filmación de Mortal Kombat.

    Originalmente, el papel de Rayden fue ofrecido a Sean Connery, quien lo rechazó… y creo que hizo bien.

PARA LA TRIVIA GEEK: Steven Spielberg se ha declarado abiertamente como fanático de los videojuegos de Mortal Kombat y estaba planeado que hiciera un cameo en la película como el director de la peli de Johhny Cage, sin embargo, por cuestiones de agenda no pudo estar en la filmación, por lo que fue sustituido por el actor Sandy Helberg.

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KING KONG. La carta de amor de Peter Jackson a su peli favorita.

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KING KONG

King Kong

 

Peter Jackson, 2005

 

Existen dos cortes diferentes de esta película: La edición para cines (3 horas y 8 minutos) y la Edición Extendida (3 horas y 21 minutos). En general, las escenas reincorporadas incluyen varios dinosaurios y otras criaturas que no aparecieron en el montaje final de la cinta. En este artículo, me referiré a la versión extendida.

 

Después de un largo periplo que incluyó la odisea de filmar la Trilogía de El Señor de los Anillos (2001-2003), Peter Jackson tuvo la oportunidad de retomar su proyecto de ensueño: filmar su versión de su película favorita, aquélla por la cual se decidió a hacer cine. A pesar de toda la parafernalia en torno a la cinta y de la vorágine de efectos especiales que en ella aparecen, un servidor considera que éste es el proyecto más personal de Peter Jackson. El resultado final es una peli de aventuras con grandes dosis de acción, que tuvo un recibimiento tibio en la taquilla y que fue prácticamente ignorada por la crítica.

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    Durante la Gran Depresión en Estados Unidos Carl Denham (Jack Black), un fracasado y poco escrupuloso productor de cine, consigue el mapa para llegar a una isla desconocida que sería la locación ideal para su siguiente película. Acompañado por el dramaturgo Jack Driscoll (Adrien Brody),  la incipiente y famélica actriz Ann Darrow (Naomi Watts) y una tripulación de marineros dedicados al tráfico de animales, Denham se embarca hacia la isla huyendo de sus acreedores. Ninguno sospechó que la isla estaba habitada por bestias prehistóricas sobre las que se impone Kong, un poderoso gorila de siete metros de altura.

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    Esta cinta es un remake de la versión original de 1933 (Cooper y Schoedsack), todo un clásico del cine de aventuras y un parteaguas en el terreno de los efectos especiales. Ya antes el afamado (o infame) productor Dino de Laurentiis intentó hacer su propia versión en 1976 (Guillermin) con Jessica Lange y Jeff Bridges en los papeles protagónicos y resultados desastrosos.

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    Pero ahí donde John Guillermin fracasó, Jackson pudo salir airoso. Para muchos (incluyéndome), el error de De Laurentiis y Guillermin consistió en modernizar a la fuerza un clásico. Así, en la versión de 1976 no es un equipo de filmación el que visita la isla, sino una compañía petrolera; Kong no mide siete metros de altura, sino alrededor de quince; los dinosaurios que lucían geniales en la versión de 1933 quedaron completamente fuera de la cinta; y Kong no escala el Empire State Building, sino el World Trade Center.

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    Originalmente, hacia 1994, Jackson había empezado el borrador de un guión para King Kong ambientado en la época contemporánea. Sin embargo, la negativa de Universal Pictures para darle los derechos de la película echó por tierra el proyecto. Universal pretendía colgarse de la fama de que aún gozaba Parque Jurásico (Spielberg, 1993) y sacar su propia película de gorilas basada en una novela de Michael Crichton: la terriblemente fallida Congo (Marshall, 1995).

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     Rindiendo homenaje a su película favorita, Jackson decidió ambientar la cinta en 1933 y acertadamente, pues se dio cuenta de que esta historia sólo podría funcionar en su época. La recreación histórica de la ciudad de Nueva York durante la Gran Depresión es simplemente apabullante. De hecho, mucha de la fuerza dramática de la cinta de Jackson está apoyada precisamente en la crisis económica y social por la que pasaban los Estados Unidos en ese momento. ¿De qué otra forma una actriz de vaudeville aceptaría embarcarse hacia una isla desconocida con un productor que apenas conoció en una esquina?

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    La película es, más que otra cosa, una versión “corregida y aumentada” de la King Kong original, con una duración del triple de tiempo que ésta. Es interesante notar que Jackson incorporó muchas escenas basadas en pasajes descritos en la no poco popular novelización de la película de 1933, escrita por Delos W. Lovelace. Asimismo, integra muchas escenas que se encontraban en el guión original de la primera versión, pero que nunca se filmaron o escenas que se filmaron pero quedaron fuera del corte final, como la famosísima escena perdida de la araña gigante (sustituida en esta versión por wetas y euriptéridos gigantes) que ataca a los marineros en el fondo de una cañada.

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    Un punto más que notable es la actuación de la triada protagonista: Naomi Watts, Adrien Brody y Jack Black. No sólo cada uno de ellos interpreta su papel de forma magistral, sino que la química entre los tres y la de cada uno de ellos con los otros dos es simplemente maravillosa.

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      Para beneplácito mío ¡volvieron los dinosaurios! Sin embargo, la propuesta de Jackson en esta cinta es la de presentar especies ficticias de dinosaurios, en lugar de intentar recrear especies reales. Se supone que estas especies son el “cómo hubieran evolucionado estos animales si no se hubiesen extinto”. De tal suerte, en esta cinta Kong se enfrenta a un Vastatosaurus rex (cruza entre un Tyrannosaurus rex y un caimán), y los marineros del S.S. Venture son atacados por Venatosaurus (una especie superdesarrollada de Velociraptor) y por un Ferrucutus Cerastes (cruza entre un Pachyrhinosaurus y un Pentaceratops). Y con todo este párrafo quise exponer que la atención a los detalles del equipo de producción llegó al grado de ponerles nombres científicos a las especies que inventaron… y lucir mis conocimientos de aficionado a la paleontología.

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    Otro de los méritos de la peli es que, por fin, King Kong se ve como un gorila real. No como un muñeco de goma como en la versión original (no me malinterpreten, me encanta cómo luce, sólo que no se ve como un gorila, se ve como King Kong), ni como un actor en un traje de peluche, como en la versión de 1976; sino como un gorila de verdad. Para crear a Kong se usó la técnica del Motion Capture para trasladar los movimientos del actor Andy Serkis, quien en la Trilogía de El Señor de los Anillos interpretó a Gollum y en esta cinta interpreta a Kong y al cocinero “Lumpy”, a una computadora y, con base en esa información, crear un personaje digital.

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        En general, esta película es un poco simple en cuanto a su contenido, pero sin duda es entretenida. Más que otra cosa, debe vérsele como lo que es, el homenaje de un artista hacia su principal fuente de inspiración. En muchas secuencias, de hecho, parece que estamos viendo a un niño jugando con sus juguetes favoritos. Y precisamente ése es el quid de la cosa, pues la principal virtud de esta cinta es, al mismo tiempo, su principal defecto: Para realmente disfrutar de esta peli se necesita ser, al igual que Peter Jackson, todo un connoisseur de la película original de 1933.

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    Quizá ésta sea la película más personal de Peter Jackson, quien hace un trabajo asombroso al revisitar una de las más grandes películas en la historia del cine y traerla de vuelta a la vida. Por desgracia, su excesiva duración –Jackson se toma su tiempo para dibujar retratos preciosistas de los personajes y vale la pena– ahuyentó al grueso del público. Al igual que el simio titular de la cinta, King Kong es una bestia inmensa de otra era, un blockbuster de autor con ciertas pretensiones artísticas que en el mercado actual está prácticamente extinto que se ha convertido en una cinta de culto con todas las de la ley.

 

PARA LA TRIVIA: Cuando King Kong es capturado es presentado en un teatro en Broadway acompañado por un bailable y música de lo más kitsch. Tanto la música como el bailable y los vestuarios que usan los supuestos aborígenes son réplicas de los usados en la cinta de 1933.

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FLASH GORDON. La peli que estuvo a punto de ser “Star Wars”.

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FLASH GORDON

 

Mike Hodges, 1980

 

En 1929 el escritor estadounidense Phillip Francis Nowlan escribó el relato space opera titulado Armageddon 2149 A.D. en el que, al más puro estilo de Rip Van Winkle, un héroe del presente despierta en el futuro y se enfrenta a diferentes villanos. El relato fue publicado por entregas en la revista Amazing Stories, gozando de gran popularidad. Tanta, que el sindicato de periódicos de EE.UU. contrató a Nowlan para que adaptara la historia a una tira cómica titulada Buck Rogers en el siglo XXV, dibujada por Dick Calkins y cuyo primer número se publicó en enero de 1929.

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    El éxito de Buck Rogers fue inmediato, siendo adaptado a una gran variedad de medios como novelas, programas seriales en radio y cine, juguetes, etc., por lo que una avalancha de imitaciones no se hizo esperar. De todas ellas, la única que logró reconocimiento y que, en mi opinión, lograría superar la popularidad de Rogers, fue Flash Gordon, creada y dibujada por Alex Raymond, y publicada en periódicos por primera vez en enero de 1934.

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     A mediados de la década de 1970, un joven y ambicioso director californiano llamado George Lucas buscaba hacer una versión contemporánea de los viejos seriales cinematográficos de Flash Gordon que lo habían cautivado cuando era niño. Sin embargo, cuando quiso adquirir los derechos del personaje, se enteró de que el director Italiano Federico Fellini ya estaba en negociaciones para conseguir los mismos, por lo que tuvo que escribir su propia space opera, a la que tituló The Star Wars… y ya todos sabemos cómo le fue con eso.

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    Tras el éxito aplastante de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) en las salas cinematográficas de todo el mundo, el productor italiano Dino de Laurentiis finalmente pudo conseguir los derechos de Flash Gordon para una película que sería dirigida por federico Fellini y protagonizada por Kurt Russell. Empero, Fellini no pudo dirigir la cinta y a Russell no le interesó el personaje de Flash, prefiriendo actuar para John Carpenter en la ahora clásica Escape de Nueva York (1981). La película se sumergió entonces en el caos de la preproducción.

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    El guión original era ligeramente más fiel al comic: el tono era mucho más serio, no aparecía Klytus (Peter Wyngarde), Kala (Mariangela Melato) sí era el rey de los hombres tiburón y Thun (George Harris), el príncipe de los hombres león; la participación de las amazonas del reino helado de Frigia no se limitaba a un mero cameo y, quizá lo más importante: Ming (Max von Sydow) y Flash (Sam J. Jones) sí se enfrentaban en un duelo de espadas al final.

    La película como quedó finamente narra la historia de Flash Gordon, un jugador de football americano y Dale Arden (Melody Anderson), una agente de viajes, quienes sufren un accidente aéreo debido a extraños fenómenos meteorológicos y son secuestrados por el Dr. Hans Zarkoff (Topol), quien fuera desacreditado como científico tras descubrir que tales acontecimientos eran el resultado de un ataque extraterrestre a la Tierra. Zarkoff lleva a Gordon y a Dale al planeta Mongo, gobernado por el despiadado emperador Ming, quien mantiene oprimidos a los reinos de Mongo y busca destruir nuestro planeta.

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    Según se sabe, al caos de la preproducción de esta cinta le siguió un infierno de realización. Siete directores rechazaron el proyecto –entre ellos, Nicholas Roeg, el propio Fellini y Sergio Leone, quien no quiso hacer la peli porque se alejaba demasiado de los comics–. Actores descontentos que se la pasaban improvisando sus escenas, productores ahorrando exageradamente, desorganización, Dino de Laurentiis presionando para que la película fuera más cómica y amigable con el público familiar, los constantes problemas de Sam Jones dentro y fuera del set por su temperamento volátil y sus confrontaciones con De Laurentiis por la falta de pago, regrabaciones constantes y sendos otros incidentes llevaron al director Mike Hodges a referirse a esta película como “la única película improvisada de 27 millones de dólares en la historia”. El mismo Jones abandonó la producción dejándola inconclusa, por lo que algunas de sus escenas fueron filmadas por un doble y muchos de sus diálogos tuvieron que ser doblados.

    Y la verdad es que parte de tal pandemónium sí trasciende a la pantalla. Creo que uno de los principales fallos de la película es que nunca define su tono. En algunos momentos es chusca e infantil, pero en otros está cargada de erotismo y, en otros, tiene altas dosis de violencia… aunque, toda ella, eso sí, se ve de lo más camp.

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    Las actuaciones son increíblemente disparejas y, mientras a Jones y a Anderson hay momentos en que duele verlos, Max von Sydow se ve que está haciendo su mayor esfuerzo con el material de que dispone y Brian Blessed se ve a sus anchas en el papel del príncipe Vultan quien, según lo declara en sus memorias, era su personaje favorito de Flash Gordon cuando era niño.

    A pesar de todo, la película se distingue particularmente en dos rubros. El primero de ellos es, por supuesto, la música. El soundtrack de la película combina las composiciones sinfónicas de Howard Blake con los temas compuestos e interpretados por mi banda favorita de toda la vida, Queen. Hodges en algún momento consideró llamar a Pink Floyd para que se encargaran de musicalizar la cinta, sin embargo, la tarea recayó finamente en Queen –de quienes Dino De Laurentiis jamás había escuchado hablar antes de esta peli– y se mostraron entusiasmados con la idea casi de inmediato. El soundtrack de Flash Gordon, lanzado en diciembre de 1980, se convirtió en el noveno álbum de estudio de la banda y, francamente, me parece que supera con creces la calidad misma de la película.

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    El segundo elemento que sobresale de la cinta es el diseño de arte. Siguiendo una estética glam, los sets y los vestuarios, que recogen influencia del Art Decó que originalmente vio nacer a Flash Gordon y de la moda tradicional del Lejano Oriente, son verdaderamente impresionantes. Una de mis piezas de vestuario favoritas en la historia es el traje de gala de Ming, que pesaba alrededor de 30 kilos, por lo que von Sydow sólo podía llevarlo puesto por cortos periodos de tiempo.

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    Por desgracia, todo ello desmerece con la calidad de la producción. A pesar de que la fotografía es muy buena y fue dirigida por Gilbert Taylor, quien también dirigiera la fotografía de Repulsión (Polanski, 1965) y La guerra de las galaxias, los sets de la película nunca logran perder ese aspecto: el de que son sets y toda la cinta fue filmada en estudio. Además, los efectos visuales son malos hasta para la época.

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    Muchas de las deficiencias de la producción intentaron justificarse a través de la nostalgia. Es decir, para ocultar el hecho de que la película se veía chafa y pasada de moda, trataron de justificarlo con que era un tributo a los seriales de los 30… digo, porque de otro modo no concibo que alguien tuviera el valor de mostrar en pantalla algo como los lizard-men en 1980.

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    Originalmente, los actores principales habían firmado contrato para una trilogía; sin embargo, el estrepitoso fracaso de taquilla de la película en los Estados Unidos y el hecho de que apenas pudo recuperar su presupuesto después de su estreno internacional frustraron cualquier plan para una secuela. SPOILER Incluso el final de la película, que es un fusil/tributo al final de El horror de Drácula (Fisher, 1958), deja abierta la puerta para una secuela –en la que Klytus regresaría como el villano principal– que nunca existió. TERMINA SPOILER

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    A pesar de todo lo anterior, la verdad es que el resultado final me parece genial. Flash Gordon es muy entretenida y, a pesar de su enorme cantidad de enormes fallos… o precisamente debido a ellos, es toda una experiencia verla, pues no se parece a ninguna otra. Pauline Kael de The New York times ha dicho de ella que “Es como un cuento de hadas que sucede en una discoteca en las nubes” y el legendario crítico de cine Roger Ebert la llamó “una extravagancia chiclosa y boba, pero muy entretenida”. Lo que es indiscutible es que, casi desde su estreno, Flash Gordon se convirtió en una película de culto que aún hoy día sigue siendo un referente en la cultura pop del siglo pasado.

PARA LA TRIVIA: En los seriales cinematográficos de los 30, Buck Rogers y Flash Gordon eran interpretados por el mismo actor: Buster Crabbe, quien también llegó a dar vida a Tarzan.

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PSICÓPATA AMERICANO

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PSICÓPATA AMERICANO

American Psycho

 

Mary Harron, 2000

¿Qué sucede cuando se adapta una versión fílmica de la que probablemente sea la novela —estadounidense, al menos— más controvertida de la década? Si se adapta bien, quiero decir. Pues se obtiene una de las películas más controvertidas de la década. He de decir, eso sí, que en el momento de su estreno esta cinta dividió al público; pero que, conforme ha pasado el tiempo, ha encontrado su lugar.

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    La novela original American Psycho fue escrita en 1989 por el enfant terrible de la literatura estadounidense de la segunda mitad del siglo XX, Bret Easton Ellis. Sin embargo, el texto resultó tan escandaloso que la editorial con la que trabajaba Ellis, Simon & Shuster, se negó a publicarlo argumentando “diferencias estéticas”; por lo que fue rescatado por Vintage Books y publicado finalmente en 1991 en medio de la polémica. El libro recibió duras críticas que lo tacharon de misógino, pornográfico y violento sin sentido, e incluso fue prohibido en Canadá a mediados de los 90, cuando se descubrió que el asesino serial Paul Bernardo poseía una copia.

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    Pero lo que la crítica no vio, deslumbrada por los pasajes francamente gorno de la novela, es la maravillosa y sutil pieza de humor negro escrita por Ellis. A través de una narrativa completamente caótica que transmite la personalidad obsesiva y el deterioro mental del protagonista Patrick Bateman, el autor construye una ácida y filosa sátira social que se burla del consumismo, la frivolidad y, sobre todo, de la subcultura yuppie. Es una comedia de costumbres y de equivocaciones.

    La película es una adaptación bastante fiel al libro, aunque bastante resumida y un poco más ordenada, que narra la historia de un ejecutivo de Wall Street, Patrick Bateman (Christian Bale en el papel que lo lanzó al estrellato), a quien su existencia vacía y sin propósito saturada con las presiones sociales de estar siempre a la moda y llevar una vida chic llena de opulencia han llevado más allá del límite de la cordura. Sus ejemplos a seguir son Donald Trump, Ted Bundy y Ed Gein. Bateman es adicto a los medicamentos de prescripción, a la pornografía y a los Talk Shows… por no mencionar que es un asesino serial que gusta de torturar y asesinar salvajemente a indigentes, prostitutas, compañeros de trabajo y citas fallidas al compás de música pop de los ochenta.

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    El primer interesado en llevar a la pantalla grande el texto de Ellis fue el director de cine gore que nos trajo Herbert West: Re-Animador (1985), el legendario Stuart Gordon, quien pretendía convertir la novela en una película de horror filmada en blanco y negro. Más tarde, el director canadiense David Cronenberg, maestro del Horror Corporal, mostró interés en dirigir la adaptación e incluso Norman Snider, quien escribió el guión de Pacto de amor (1988), había escrito un guión. El mismo Bret Easton Ellis había escrito un guión.

    Sin embargo, el proyecto finalmente cayó en las manos de la directora novel Mary Harron, quien había conseguido bastante notoriedad en el Festival de Sundance con su primer largometraje Yo le disparé a Andy Warhol (1996). La cineasta tomó la película como un reto, pues no estaba segura de que pudiera adaptarse el libro de Ellis y, al mismo tiempo, como un vehículo para definir su postura como artista independiente y alejarse del cine mainstream.

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     Todo iba más o menos bien hasta que alguien le dio el pitazo de que el proyecto se estaba cocinando a Leonardo DiCaprio, quien se encontraba en la cima de la popularidad tras protagonizar Titanic (Cameron, 1997), y de inmediato se interesó en producir la película y protagonizarla. Harron creyó que era una de las peores ideas que había escuchado y se rehusó a incorporar a DiCarpio en la producción, por lo que fue despedida.

    El proyecto quedó a la deriva mientras se barajaban nombres de directores reconocidos para reemplazar a la directora. Martin Scorcesse y Danny Boyle fueron considerados para el puesto; pero fue hasta que Oliver Stone hizo la primera lectura del guión con Leo y Cameron Diaz, en la que los tres sugirieron infinidad de cambios, cuando se dieron cuenta de que la nueva dirección del proyecto no iba a funcionar. Finalmente, DiCaprio se desesperó y se fue a filmar La playa (Boyle, 2000).

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    La casa productora Lionsgate recontrató a Mary con la condición de que no llamara a Bale para el papel de Bateman. Hábilmente, la directora le dio al estudio una lista de posibles reemplazos que sabía que no aceptarían el papel: Ewan McGregor —quien era amigo personal de Bale, por lo que una llamada telefónica de éste pidiéndole que no aceptara el proyecto lo resolvió todo—, Vince Vaughn —que no pudo porque estaba ocupado filmando el penoso remake de Psicosis (Van Sant, 1998)— y Edward Norton, quien simplemente dijo que no. Sin más opción, Lionsgate aceptó a Bale en el papel.

    La producción, que ya de por sí había sido complicada, no estuvo exenta de contratiempos, siendo el principal de ellos una campaña de desprestigio. Harron decidió filmar en Toronto —Así es, esta película ambientada en Nueva York y que todos creímos que se filmó en la Gran Manzana en realidad se filmó en Canadá—, lo que desató la indignación de una asociación civil canadiense contra la violencia en el entretenimiento. Esta asociación logró que la gran mayoría de las locaciones en las que la película iba a ser filmada se echaran para atrás, por lo que Psicópata americano no sólo no se filmó en Manhattan; sino que se filmó mayormente en estudio.

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    En un primer visionado uno podría pensar que quien escribió el guión de la cinta simplemente se limitó a cortar y pegar fragmentos del libro y a darles un orden más coherente; pero no es así. En ciertos momentos pareciera que la película es una parodia de la novela, que a su vez ya es una especie de parodia… lo que vuelve todo esto una metaparodia… o algo así.

    Uno de los grandes logros de esta película es que precisamente conserva el tono del texto en el que está basada. La novela de Ellis mezcla de manera magistral pasajes de horror puro con el gore más estrafalario y otros pasajes de lo más cómico. Recuerdo ir en el transporte público y sentirme asqueado mientras leía, sólo para carcajearme al llegar a la siguiente estación del Metro entre las miradas de las demás personas —me pregunto si el objetivo de Ellis era que el lector pareciera psicópata—. Esta cinta es un chiste macabro y de pésimo gusto que no sólo se burla de los yuppies y su estilo de vida, sino de las películas de asesinos seriales en general.

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    Precisamente una de las consignas de Harron al adaptar la cinta fue la de no caer en la tentación de convertir la película en un estudio de personaje dándole un background psicológico y profundo a Bateman. ¡El tipo está loco y ya! Y el círculo social a su alrededor está tan enajenado con el consumismo que nadie parece percatarse de ello. Es más, como todos sus amigos siguen las mismas tendencias de la moda e incluso tienen más o menos el mismo tipo físico, les es prácticamente imposible reconocerse unos a los otros, por lo que cuando Patrick comienza a dar cuenta de ellos, nadie lo nota.

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    Si algún fallo tiene esta película es que es demasiado fresa comparada con el libro, pero… ¿no lo son todas? Me refiero a que las escenas de asesinatos son mucho más espectaculares en la novela —¿Dónde quedó la escena en la que Patrick mete una rata en la vagina de una de sus víctimas?— y en la peli nunca mencionan el canibalismo del protagonista. Y por cierto, uno de mis pasajes favoritos quedó fuera: el del niño que Bateman mata en el estanque de los pingüinos en el zoológico de Central Park. Y es de mis favoritos porque creo que en él Ellis alcanzó el tono grotesco por excelencia. La escena es horrorosa, pero terriblemente cómica al mismo tiempo.

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    Creo que esta cinta es un nuevo clásico del cine de asesinos y, aunque en su momento quizá no fue valorada justamente, se ha afianzado como un referente de la cultura pop de nuestros días. Por no mencionar que su legado sentó las bases de una de mis series de televisión favoritas: Dexter (2006-2013).

A PARTIR DE AQUÍ EL TEXTO CONTIENE SPOILERS

Sin embargo, el mayor acierto de esta película es que conserva la ambigüedad del libro. Cuando uno termina de ver la cinta persiste la duda: ¿Realmente es Patrick Bateman esta bestia sádica sedienta de sangre? ¿O es este Alter Ego simplemente el producto de una imaginación frenética que encuentra en fantasías depravadas la única válvula de escape de una existencia completamente insatisfactoria? Es decir, como sea, Bateman está loco; pero quizás el horror no está en el espectador que es testigo de sus actos atroces, sino en el que alguna vez se ha sentido tan aburrido o tan frustrado que ha tenido fantasías similares… y nadie se percató de ello.

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PARA LA TRIVIA: Tanto Jared Leto como Robert Sean Leonard (mejor conocido como el Dr. James Wilson en House M.D.) audicionaron para el papel de Patrick Bateman. Leonard fue rechazado, pero Leto obtuvo el papel de Paul Allen en la cinta.

PARA LA TRIVIA GEEK: En la novela, las amigas de Bateman se refieren a él con el apodo de “Batman”, lo que es curioso porque Bale interpretaría al Hombre Murciélago cinco años después en Batman inicia (Nolan, 2005).

 

Fuente:

Rue Morgue Núm. 157, Julio de 2015. Pp.16-22.

 

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