TROLL. El origen oculto de Harry Potter.

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TROLL

 

John Carl Buechler, 1986

 

En la década de los ochenta hubo una pequeña casa productora, casi un negocio familiar, fundada por Charles Band debido a la insatisfacción que le producía la forma en la que se distribuían sus películas. Empire Pictures producía sus propias cintas de bajo presupuesto y las distribuía en pequeña escala en el mercado doméstico y directamente en video –en la mayoría de los casos– en el mercado internacional. Las películas de Empire fueron tan populares y tan buen negocio que la compañía pudo comprar los estudios de Dino de Laurentiis en Roma. Antes de declararse en bancarrota en 1989 y convertirse en una de las más prolíficas casas productoras de cine directo para video, Full Moon Features, Empire alcanzó la cima de su popularidad con películas como Herbert West: Re-Animador (Gordon, 1985), Re-Sonator (Gordon, 1986), Ghoulies (Bercovici, 1984), El sacristán del Diablo (Pavlou, 1986), TerrorVisión (Nicolau, 1986) o, la que nos atañe en este momento, Troll.

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    La película cuenta, de manera poco eficiente, la historia del joven Harry Potter Jr. (Noah Hathaway, a quien seguro recuerdan como el valiente Atreyu en La historia sin fin [Petersen, 1984]) y su familia, quienes se mudan a un viejo edificio de apartamentos en San Francisco poblado por los más pintorescos personajes… digo, Sonny Bono es el vecino mujeriego. La hermanita de Harry, Wendy (Jenny Beck), es poseída por el mago Torok (Phil Fondacaro) quien, siglos atrás, fuera convertido en un troll como castigo por tratar de alterar el balance entre el mundo humano y el mundo de las hadas. Usando a Wendy como vehículo, Torok intentará una vez más invadir el mundo humano para convertirlo en un nuevo mundo de las hadas. Sólo Harry, con la ayuda de la bruja Eunice Saint Clair (June Lockhart), podrá evitar la transformación de nuestro mundo.

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    Y si a ustedes les parece muy sospechosa la coincidencia de un adolescente llamado Harry Potter que aprende magia y lucha contra seres fantásticos en una película que se estrenó más de una década antes de que el primer libro de J.K. Rowling fuera publicado… a mí también. En un principio la escritora británica, al ser cuestionada sobre la elección del nombre de su protagonista, declaró que Harry era su nombre masculino favorito, mientras que Potter era el apellido de una familia vecina suya cuando era niña. Básicamente, explicaba que la idea sólo le vino a la mente. En posteriores cuestionamientos, cuando esta película salía a cuento, Rowling admitió que quizá había visto Troll y quizá había tomado alguna inspiración de la cinta. Juzgue usted mismo.

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    También me parece que la idea de los dos reinos en constante pugna pudo haber servido de inspiración para la genial película rusa Guardianes de la noche.

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    La primera vez que vi Troll tenía seis años y recuerdo que me encantó. Recuerdo también que no se parecía en nada a cualquier otra película que hubiera visto y que, aunque parecía una película de terror, era mucho más una divertida película de aventuras y fantasía. Como muchas otras películas de Empire, podría definirse más bien como un cuento de hadas oscuro. Volví a verla cuando la pasaban por televisión un par de veces más y, ya de adulto, hace unos diez años, la compré en DVD, con lo que me quedaron muy claras dos cosas: Primera, que la nostalgia es cabrona; y segunda, que el doblaje le tiraba un parote a esta película.

    La película es bastante desastrosa en su conjunto. El guión es inverosímil y sus personajes excéntricos terminan siendo acartonados y odiosos… Harry Potter y su esposa no sólo son padres negligentes, sino que rayan en la oligofrenia. A Sonny Bono dan ganas de agarrarlo a cachetadas –bueno, supongo que la Naturaleza ya se encargó de ello, perdón por el humor negro– y creo que los únicos que actúan más o menos decentemente son Hathaway y Lockhart… en algunas secuencias.

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    La narrativa en general es bastante ineficiente y con frecuencia uno se encuentra tratando de adivinar qué rayos está pasando en la peli. Las motivaciones de los personajes son poco claras y, cuando por fin éstas se explican, la verdad es que resultan demasiado simples y poco atractivas. Además, la verdad es que es un poco difícil sentir algún tipo de amenaza cuando las criaturas del mundo de las hadas y todo su entorno se ven tan chafones.

    Con el que quizá si desquitaron su ínfimo presupuesto (alrededor de un millón de dólares) fue con Torok, el troll titular. La verdad es que se ve bastante bien y recuerdo que de niño sí me daba miedo. Saben que siempre preferiré los efectos prácticos ante el CGI y puedo decir que Torok no le pide nada a muchas criaturas que aparecen en películas actuales, es una lástima que sus apariciones en pantalla sean tan breves. Originalmente, la criatura sería completamente animatrónica y el papel del Prof. Malcolm Mallory sería interpretado por Billy Barty –a pesar de que el papel fue escrito ex profeso para Phil Fondacaro–; mañosamente, Buechler rediseñó por completo al monstruo y lo modeló sobre un life-cast de Fondacaro para forzar a la producción a contratar al actor. Aunque, ahora que lo pienso, si es un troll… ¿Por qué puede salir a la luz del día?

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    De hecho, la mayoría de los efectos se ven bastante bien, particularmente teniendo en cuenta las limitaciones de la cinta.

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    El resto de las criaturas están de risa loca. La mayoría se ven adorablemente cutres, con malas aplicaciones de pintura y rebabas sobresaliendo por todos lados, por no mencionar que algunos de los muñecos usados en Ghoulies y Dungeonmaster (Allen et al., 1985) fueron reutilizados en esta película. Y de ese mago convertido en champiñón fálico mejor ni hablamos. Eso sí, se ven adorables cuando entonan a coro el tema musical de la película Cantos profane, compuesto por el compositor de cabecera de Empire/Full Moon –nada tenía que ver con que era hermano del productor, claro– Richard Band.

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    En su estreno, e incluso en tiempos posteriores, Troll ha sido vapuleada por la crítica –y con razón–; pero en su fin de semana de estreno duplicó su presupuesto y se convirtió rápidamente en una película de culto. Tanto así que cuenta con dos secuelas apócrifas. Troll 2 (Fragasso, 1990), que es considerada una de las peores películas de la historia, originalmente se titulaba Goblins –lo cual tiene mucho más sentido–; pero los productores decidieron cambiarle el nombre por Troll 2 para atraer más público. Del mismo modo, la película italiana de ínfimo presupuesto hecha pasar por gringa, The Crawlers (Laurenti, 1993), fue distribuida en América como Troll 3, también con la idea de confundir a los espectadores.

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    A final de cuentas sí, sí es una mala película; pero no por eso es aburrida. Todo lo contrario, es entretenida y tiene algunos momentos bastante divertidos, además de que, como lo dije arriba, la botarga de troll se ve bastante bien. También creo que algunos de los monólogos del profesor Mallory son conmovedores. Se trata de una de esas películas en las que lo recomendable es dejar de pensar un ratito, entrarle a la guasa, y sólo disfrutar del recorrido. Así que pidan una pizza, saquen las cervezas del refrigerador y prepárense para una noche de comedia involuntaria… Y si valoran sus neuronas, eviten a toda costa Troll 2.

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PARA LA TRIVIA: Esta película marca el debut en pantalla de la actriz Julia Louis Dreyfus, quien se volviera famosa por su papel de Elaine Benes en la sitcom televisiva Seinfeld (1989-1998). También fue la primera película dirigida por el artista de efectos especiales John Carl Buechler, quien hace un pequeño cameo como la forma humana de Torok que aparece pintada en un cuadro. Dreyfus siempre se ha sentido avergonzada por haber participado en la cinta.

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WI-FI RALPH. Tarde, pero llegó.

 

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WI-FI RALPH

Ralph Breaks the Internet

 

Phil Johnston y Rich Moore, 2018

La primera película de Ralph, el demoledor (Moore, 2012) me gustó mucho. Se trataba de una bonita fábula sobre la importancia de aceptarnos a nosotros mismos y de recibir reconocimiento por nuestro esfuerzo. Era de una joyita bien realizada con toneladas de referencias nostálgicas a la era clásica de los videojuegos y llena de corazón. Cuando supe que habría una secuela, a pesar de que trato de evitarlo, me emocioné y esperé casi impacientemente para poder verla. Ya vista, les comento qué tal me fue.

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    Ésta peli es la secuela de una cinta de animación producida enteramente por Disney que más tiempo ha tardado en aparecer después de la primera parte. De hecho, la producción tuvo que detenerse durante un año completo debido a que el director principal, Rich Moore, fue llamado para dirigir Zootopia (2016).

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    La historia de la cinta ocurre 6 años después de la anterior. Ralph (voz de John C. Reilly) y Vanelope Von Schweetz (voz de Sarah Silverman) son los mejores amigos y disfrutan de pasar tanto tiempo juntos como les es posible. Sin embargo, Vanellope desea algo más. La rutina de su videojuego la ha llevado a una depresión que sólo se ve acrecentada cuando su arcadia es clausurada por haberse roto una pieza. La solución ideada por la pareja de amigos es entrar a Internet para comprar  la codiciada pieza en un sitio de subastas en línea. Sin embargo, navegar por la red resultará ser una peligrosa aventura llena de autodescubrimiento que no sólo pondrá a prueba su amistad, sino que podría poner en riesgo  todo el ciberespacio.

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    Como secuela, Wi-Fi Ralph funciona bastante bien. Hace justo lo que se esperaría de una secuela: profundiza en el carácter de los personajes, les da un giro inesperado a los elementos planteados en la cinta anterior, expande el universo y continúa con el discurso de la primera parte. Esta película habla sobre buscar nuestro lugar en el mundo y aprender a dejar ir las cosas para poder crecer. También, en la tradición de muchas secuelas, su tono –particularmente durante el tercer acto– es más oscuro que el de su predecesora.

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    Como película, creo que también funciona bastante bien. Es entretenida, conmovedora, divertida y tiene muchos momentos bastante buenos. Tiene menos referencias a los videojuegos de la vieja escuela que la peli original, eso sí; pero no por ello desmerece. También creo que, por momentos, la anécdota pierde un poco de cohesión y tiende a divagar de más; pero la trama no es difícil de seguir.

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    Lo que sí pasa es que al final la película se siente un tanto superficial. Entiendo que, por estar dirigida al público infantil, debe de manejar su discurso de una forma un tanto más digerida; pero para cuando llegan los créditos finales uno siente que a lo que acaba de ver le falta carnita. La historia tenía todo el potencial para ser algo más profundo y un poco más denso, pero los realizadores prefirieron invertir tiempo en pantalla publicitando franquicias.

RALPH BREAKS THE INTERNET

    Por lo tanto, puedo decir que lo que de plano no me gustó fue el intento de colocación de plataformas de Internet y merchandising de Disney en el público infantil haciéndolas pasar por referencias. Digo, las referencias a iconos de la cultura pop son graciosas y se han convertido en una parte medular de la industria fílmica actual; pero una cosa es hacer chistes referenciales y otra, muy distinta, meter publicidad en las películas… La verdad es que hay momentos en los que tanta publicidad sí llega a volverse molesta. Parece que, aún hoy día, sigue habiendo una lección que aprender en películas como Mac: mi amigo de las estrellas (Raffill, 1988) o El mago de los videojuegos (Holland, 1989).

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    Las referencias que sí me gustaron –aunque también son publicidad–son las que se hacen a las diferentes franquicias de Disney –que para este momento son como la mitad de las franquicias del entretenimiento–, pues están en un tono más de autoparodia. Originalmente, Ralph y Vanellope viajarían al videojuego Disney Infinity; pero a media producción dicha serie de juegos fue cancelada. La intervención de las princesas me pareció muy divertida –¡Muero por escuchar el chiste a costillas de Merida en inglés!– y sí, hay un montón de parodias y referencias a Star Wars; originalmente, habría un chiste en el que Vanellope llamaba a Kylo Ren “niño malcriado”; pero los productores de la franquicia de Star Wars no lo permitieron…. y, por supuesto, Anthony Daniels hace la voz de C-3PO.

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    A final de cuentas, puedo decir que Wi-Fi Ralph es una buena película; pero sólo eso, buena a secas. No llega al nivel de la primera parte, pero me gustó la dirección en la que la llevaron. Es entretenida, disfrutable y quizá a más de uno le saque una lagrimita; pero tampoco creo que esté al nivel de otras grandes películas de animación dirigidas al público infantil como La Bella y la Bestia (Trousdale y Wise, 1991), El rey León (Allers y Minkoff, 1994) o Monsters, Inc. (Docter et al, 2001) Mi visionado de esta película se sintió un poco –y en ese sentido, supongo que fue un éxito– como navegar por internet en la década pasada, cuando uno tenía que andar esquivando miles de Pop-Ups y anuncios basura para poder llegar a lo que realmente le interesaba.

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PARA LA TRIVIA: Cuando el tiburón del videojuego ficticio Slaughter Race –parodia de la franquicia Twisted Metal (Sony Interactive Studios, 1995-2012)– sale de la alcantarilla por segunda vez, en sus fauces puede verse una placa de automóvil del estado de Luisiana. Esta placa es la misma que fue extraída del estómago del tiburón tigre pescado en Tiburón (Spielberg, 1975).

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*El sistema de calificación fue modificado para contemplar 4 rubros en lugar de 5.

 

 

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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS. Un sueño tan ambicioso que, a la larga, resultó irrealizable.

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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

J.R.R. Tolkien´s The Lord of the Rings

 

Ralph Bakshi, 1978

Independientemente de su calidad literaria, se vuelve innegable que El Señor de los Anillos (1954-1955), la colosal novela que escribiera el sudafricano J.R.R. Tolkien a manera de continuación de su primera obra, El Hobbit (1937), se convirtió en uno de los libros más influyentes del siglo XX. Desde mediados de dicho siglo hubo ya interés por adaptar a la pantalla grande la historia de la travesía de Frodo para destruir el Anillo Único. Los primeros interesados fueron, por cierto, los Beatles, quienes planeaban llevar la historia a la pantalla en una película psicodélica en la que ellos mismos encarnarían los papeles de los cuatro hobbits principales. Afortunadamente, los herederos de Tolkien nunca quisieron vender la licencia al Cuarteto Liverpool para llevar a cabo su idea.

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    El siguiente intento de adaptar la novela al cine surgió por parte del director John Boorman (Amarga pesadilla [1972], Excalibur [1981]), quien planeaba condensar los tres libros de la saga en una sola película de una hora y cuarenta y cinco minutos de duración. El animador independiente Ralph Bakshi escuchó los planes de Boorman y, siendo un acérrimo fanático de la obra de Tolkien, se sintió horrorizado.

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    Finalmente, el proyecto de Boorman se cayó y Bakshi le pidió personalmente a la hija de Tolkien que le vendiera los derechos para hacer una película de dibujos animados. Ella accedió debido a que le había gustado mucho el anterior largometraje de Bakshi, Los hechiceros de la guerra (1977).

    La cinta final, de casi dos horas y cuarto de duración, adapta de manera sorprendentemente fiel, aunque demasiado condensada, los dos primeros libros de la trilogía: La Comunidad del Anillo y Las dos torres... bueno, en realidad, sólo la primera mitad. La historia sigue, en medio de una narrativa horriblemente atropellada, al hobbit Frodo Bolsón (voz de Christopher Guard) en su travesía por la Tierra Media para destruir el Anillo Único, buscado por el Señor Oscuro, Sauron, para imponer su reinado de maldad. A Frodo se unirán aliados como el hobbit Samwise Gamyi (Michael Scholes), el mago Gandalf (William Squire), el elfo Legolas (voz de Anthony Daniels, quien ha dado vida al droide de protocolo favorito de todos, C-3PO en la saga de Star Wars) o el montaraz Aragorn (John Hurt, a quien seguro recuerdan por su maravillosa interpretación de John Merrick en El hombre elefante [Lynch, 1980]).

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    El Señor de los Anillos es, aún hoy, la película de dibujos animados más larga jamás filmada en Occidente –sólo seguida por Fantasía (Algar et al., 1940), de Disney, con 125 minutos de duración– y, en el momento de su estreno, también fue una de las más costosas, con un presupuesto de cuatro millones de dólares. También fue la primera película animada creada enteramente en rotoscopía.

    La técnica de rotoscopía consiste en filmar a actores reales en vivo para después dibujar o pintar celdas de animación sobre la película filmada. Esta técnica da movimientos mucho más realistas a los personajes animados –también es más barata y rápida que crear animación original desde cero– y fue utilizada para crear los efectos especiales de películas como TRON (Lisberger, 1982) o El despertar del diablo (Rami, 981). Pensemos en ella como una especie de Motion Capture rudimentario. En el caso de esta película, se llegó a filmar animación tradicional para ella; pero los realizadores decidieron desecharla y sustituirla toda por rotoscopía. La cinta final combina fondos pintados en acuarela con animación rotoscópica –para las escenas de la Batalla del Abismo de Helm se piratearon secuencias de la película clásica del cine soviético Alexander Nevsky (Eisenstein, 1938) y pintaron sobre ellas– y filmaciones Live Action.

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    Así pues, la película se mantiene como un monumento a la obra de Tolkien erigido por un verdadero admirador del autor. También puede verse en ella todo el esfuerzo del equipo de producción y cómo intentaron exprimir cada centavo del presupuesto para hacer la película. Del mismo modo, puede verse la muy marcada influencia de esta peli en las versiones Live Action de Peter Jackson de tres décadas después, pues hay tomas en las que le rinde tributo e incluso las calca. También, por desgracia, la película es increíblemente insatisfactoria.

    En muchas de las películas de Bakshi hay secuencias con problemas de ritmo. En el caso de esta peli, todas las escenas tienen un ritmo horrible. La película es lenta cunado debería ser rápida y llena de acción, y hay elipsis tan abruptas que a veces es difícil seguir el hilo de lo que está sucediendo. Del mismo modo, hay secuencias –sobre todo, de caminatas o cabalgatas– que son excesivamente largas y que no aportan nada a la narrativa y más bien parece que las dejaron en el corte final de la peli nomás porque ya las había filmado y qué caras salieron.

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    Otro punto que creo que es poco afortunado en la cinta es el diseño de los personajes que termina siendo francamente feo. Digo, nadie dijo que los hobbits tenían que ser guapos, por el contrario… ¡Caray! Según las descripciones de Tolkien, ni siquiera Aragorn es bien parecido; pero en esta película el look de todos los personajes es más bien desagradable. ¿Por qué Aragorn no usa pantalones? ¿Por qué Gimli (David Buck) no es enano? ¿Por qué Legolas se ve como si sus padres fueran hermanos? ¿Por qué los orcos parecen de cartón? ¿Por qué Sam tiene que ser tan auténticamente feo? ¿Por qué?

    Conforme la cinta se acerca a su culminación, el ritmo se va cayendo cada vez más y la técnica de la animación, que de por sí en ningún momento es sobresaliente y se nota más bien desprolija –el mismo Bakshi, quien la usó a destajo en prácticamente todas sus películas, no era afecto a ella–, va decayendo también. Para el final de la cinta, nos quedamos con un cierre completamente anticlimático y más bien pobre que promete una secuela que jamás llegó.

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    La idea original de Bakshi fue la de hacer un díptico y, en dos películas, contar los tres libros. Por desgracia, la pobre recaudación de la taquilla –la película ganó apenas alrededor de USD$600,000 en su fin de semana de estreno– y la mala impresión que se llevó el productor del proyecto cancelaron cualquier plan de una segunda parte.

    En cuanto a las virtudes que me gustaría resaltar de la película, puedo mencionar la actuación. La mayoría de los actores que prestaron sus voces para los personajes de la película eran actores británicos de teatro, por lo que la calidad de sus interpretaciones se nota desde el inicio. Del mismo modo, algunos de ellos habían participado anteriormente en la adaptación para radio que la BBC hiciera de la obra de Tolkien.

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    Otra cosa que me gustó de la peli son los fondos. Los paisajes bellamente pintados a mano en acuarela en los que aún se puede apreciar la textura del papel son una bonita muestra del arte psicodélico de los 70. También es interesante que los fondos apoyan a la narrativa de la película. Mientras que algunos parecen ilustraciones comunes y corrientes de cualquier libro de fantasía –con un toquecito de Art Nouveau, eso sí– éstos cambian con frecuencia de acuerdo con la emoción y a la intensidad de la escena.

    También me gustó la música. Originalmente, Bakshi quería utilizar música de Led Zeppelin –los miembros de la banda eran también fans de Tolkien e, incluso, algunos de sus temas fueron inspirados por su obra– para la película; pero le fue imposible conseguir los derechos. En cambio, la película fue musicalizada con composiciones originales hechas ex professo por Leonard Rosenman, cuyos créditos incluyen soundtracks como Barry Lyndon (Kubrick, 1975) o RoboCop 2 (Kershner, 1990).

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     A final de cuentas, creo que la versión animada de El Señor de los Anillos funciona más como experimento que como una adaptación de la compleja obra de Tolkien. Se ve que quienes hicieron la peli pusieron todo su esfuerzo en ello, e incluso más; pero que, aún así, no fue suficiente. Creo que, simplemente, los realizadores mordieron más de lo que podían tragar esta vez y el resultado fue una película que se siente sosa, inacabada y más bien fallida –de hecho, si uno no sabe absolutamente nada sobre el universo tolkiendili, es casi imposible inferir quién es quién o qué carajos está pasando a partir de lo mostrado en la peli–.

    Toda la cinta tiene un tono oscuro y onírico súper underground que le da todo el estilo de película de Canal 22 a la medianoche –estoy casi seguro de haberla visto ahí cuando era niño–; pero después de un acercamiento inicial, el estilo visual poco puede hacer para evitar el aburrimiento que esta peli provoca.

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     Me parece que la mayor aportación de esta cinta no está en la película misma, sino en su legado. La peli sirvió como inspiración para las versiones Live-Action de Peter Jackson, además de que generó un montón de merchandising, incluyendo una línea de figuras de acción –bastante feas también– que en su época ni quien las pelara, pero que, por lo mismo, se han vuelto increíblemente coleccionables. La historia sería concluida 2 años después con la adaptación del estudio Rankin Bass de El regreso del rey (Bass y Rankin Jr., 1980)… que oficialmente no tiene nada que ver con la peli de Bakshi, pero que todos sabemos que es su secuela bastarda y que, a pesar de su tono más light, tiene una mucho mayor calidad en la animación.

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PARA LA TRIVIA: El legendario director Tim Burton participó en esta película como animador, aunque su nombre no aparece en los créditos. Se trató de su primer trabajo en un largometraje.

Haz click en los enlaces para leer mis artículos sobre las versiones live action de La Comunidad del Anillo, La dos torres y El regreso del rey.

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BOHEMIAN RHAPSODY, LA HISTORIA DE FREDDIE MERCURY. Más de cuatro décadas después, siguen siendo los campeones.

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BOHEMIAN RHAPSODY: LA HISTORIA DE FREDDIE MERCURY

Bohemian Rhapsody

Bryan Singer, 2018

El director neoyorquino Bryan Singer fue, con las primeras dos cintas de X-Men, el creador de la película moderna de superhéroes. También, con Dr. House, fue el productor ejecutivo de una de las series de televisión más populares de la década pasada. La carrera de Singer como director se ha debatido entre altibajos desde hace años y ahora se enfrenta al reto de contar la historia de una de las bandas de rock más populares de la historia: Queen.

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    El proyecto para la peli fue aprobado en 2010 y sería protagonizado por el actor y comediante británico Sacha Baron Cohen, y dirigida por Stephen Frears. Después de un montón de reescrituras del guión –debidas, en mayor medida, por la insatisfacción de Brian May y Roger Taylor con el proyecto–, la salida de Cohen y Frears, y una rotación casi interminable de directores tentativos, la película por fin fue filmada. Incluso durante la producción, 20th Century Fox despidió a Singer por su mala actitud en el set y su pésima relación con el actor Rami Malek y la cinta tuvo que ser terminada por Dexter Fletcher –aunque el nombre de Ridley Scott se barajó como sustituto de Singer por un tiempo–. Todo el infierno de la preproducción y producción parecía destinarla al fracaso; pero, como se ha visto ya en la taquilla, no fue así en absoluto.

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    La película se toma ciertas libertades en contar la historia de la banda desde sus orígenes a principios de la década de 1970 hasta el concierto masivo Live Aid, en 1985, luego de su separación –en la vida real, el álbum The Works (1984) y su respectiva gira estuvieron de per medio–. La cinta se centra principalmente en la vida del vocalista de la banda, Freddie Mercury, así como sus conflictos intra e interpersonales.

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    Aunque nací a mediados de los 80, Queen es mi banda favorita desde que estaba en la secundaria, quizá antes. Como fan, puedo decir que la película me conmovió, me hizo reír, me asombró y, francamente, me dejó con ganas de que fuera más larga, con todo y que ya dura más de dos horas. SPOILER Digo, Queen lanzó 4 álbumes más después del Live Aid –dos de ellos, A Kind of Magic (1986) e Innuendo (1991), de sus mejores trabajos– TERMINA SPOILER. A pesar de sendas fallas, la película tiene lo que a muchas cintas actuales les está faltando: corazón.

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    Pero digo, si la película logró emocionarme como lo hizo, entonces logró su cometido. De eso se trata el cine, finalmente.

    Bohemian Rhapsody  tiene un cierto carisma y un tono encantador que reflejan la personalidad de la banda y de Mercury. Posee también un buen ritmo. Tiene, además, la fuerza impresionante que le da la música de Queen. Lo que más me gustó fue que, a pesar del mal CGI con el que recrea el Estadio de Wembley en el Live Aid, me hizo sentir como si hubiera estado ahí, en el escenario en un concierto de Queen.

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    Las actuaciones son buenas. Sobresale Malek en su interpretación de Mercury, pues logra transmitir las complejidades y sutilezas del personaje, y pasa poco tiempo de la película antes de que uno lo acepte como Freddie Mercury, cuya efigie es un icono de la cultura pop del siglo XX.

    Las caracterizaciones son verdaderamente impresionantes –me encantó Gwylim Lee como Brian May– y hacen que los actores se vean increíblemente parecidos a sus contrapartes de la vida real. Eso sí, Malek es menos corpulento que Mercury y en algunos primeros planos se le alcanza a ver el borde del mostacho postizo; pero en general creo que funcionan increíblemente bien.

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    En general, esta peli ha sido un trancazo de taquilla y se ha ganado, casi instantáneamente, un lugar en el corazón del público; pero no le ha ido tan bien con la crítica. Y me temo que, hablando como crítico y no como fan, tengo que coincidir.

    La dirección de la peli se nota torpe y dispareja. En algunas secuencias, algunos actores se notan botados o fuera de tono y el lenguaje de videoclip musical que trataron de utilizar para algunas partes no se integra del todo al producto final.

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    Sin embargo, el principal defecto de la película es el guión. Aunque se agradece que la peli no haya caído en el amarillismo y la sordidez, creo que sus esfuerzos por tratar la historia de la banda se fueron completamente al extremo opuesto. La cinta se siente incompleta y su tratamiento de la historia, superficial. Del mismo modo, el guión está lleno de los clichés propios de las películas de bandas y de huecos en la historia que violan las más elementales leyes de causa-efecto.

    ¿Y qué onda con esos montajes con las canciones de la banda y letreritos en la pantalla? Se ven súper caducos… si es que alguna vez estuvieron de moda.

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    También, si uno se deja llevar por lo que se muestra en la película, parecería que las más grandes canciones de la banda surgieron por ocurrencias geniales o serendipias. Y sí, la genialidad estuvo ahí todo el tiempo, de la mano del talento y la ambición; pero también hubo muchísimo trabajo detrás de la música de Queen y eso no se ve tanto en pantalla.

     Me hubiera gustado mucho también que hablaran de la relación entre Freddie Mercury y Zandra Rhodes, su vestuarista, pues fue ella quien desarrolló las ideas del vocalista –quien estaba bastante familiarizado con el negocio de la moda incluso antes de entrar a la banda– y les dio vida. Juntos definieron la estética del Glam.

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    La fotografía de la película es muy buena y me gusta las atmósferas que logra crear, así como las recreaciones que hacen de las presentaciones de Queen. Anécdota curiosa: Newton Thomas Sigel, el fotógrafo de la peli, tuvo que salir al quite y dirigir algunas secuencias debido a las repetidas y prolongadas ausencias de Singer en el set.

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    A final de cuentas, Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury es más que la suma de sus partes. Si bien es cierto que a nivel guión y dirección la película deja bastante que desear, el producto final funciona maravillosamente. Eso se debe, más que nada, a la poderosísima música de Queen y a la genial interpretación de Malek. Más que una biopic en el sentido estricto de la palabra, la cinta funciona como una celebración a la banda y a lo que significó para la historia de la música. Y me gustó mucho.

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PARA LA TRIVIA: La voz de Freddie Mercury para el film fue creada mezclando las voces de Mercury, el cantante canadiense Mark Martel –cuya voz es lo más cercano a Mercury que se ha encontrado hasta el momento– y el propio Malek.

PARA LA TRIVIA GEEK: El bajista de la banda, John Deacon, es interpretado por Joseph Mazzello, a quien muchos millennials seguramente recordamos como el pequeño Tim Murphy en Parque Jurásico (Spielberg, 1993).

PARA LA TRIVIA AÚN MÁS GEEK: El comediante Mike Myers interpreta el papel de Ray Foster –personaje ficticio–, el productor de Queen, quien, en algún momento de la película dice: “Nadie va a mover la cabeza al ritmo de Bohemian Rhapsody en sus autos”. Este parlamento es una referencia a la película que lanzara a la fama a Myers, El mundo según Wayne (Spheeris, 1992), en la que una de las escenas más icónicas es, precisamente, la de Wayne (Myers) cantando y cabeceando al ritmo de Bohemian Rhapsody mientras viaja con sus amigos en un auto.

 

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HALLOWEEN. Aquí está la secuela definitiva de la primera “Halloween”… otra vez.

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HALLOWEEN

 

David Gordon Green, 2018

 

Había una vez, en el lejano pueblo de Haddonfield, Illinois, una niñera adolescente que, como no tenía cita para la noche de Halloween, aceptó un trabajo cuidando niños en la casa de los vecinos. Poco sabía ella que un asesino psicópata, encerrado años atrás tras haber asesinado brutalmente a su hermana mayor y a su novio, había escapado de la institución psiquiátrica en la que lo habían recluido y estaba ansioso por regresar a su antiguo pasatiempo.

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    Con esta premisa básica, John Carpenter terminó de definir el que se convertiría en uno de los subgéneros del horror más populares: el slasher. El legado de Halloween (Carpenter, 1978) perduraría a través de once películas y la saga sería rebooteada y replanteada en sendas ocasiones.

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    En esta nueva iteración, se desecha todo el canon después de la primera cinta y se convierte en una secuela directa de ésta… Sí, también Halloween II (Rosenthal, 1981) y H20: Halloween 20 años después (Miner, 1998) quedan fuera, por lo que Myers y Strode ya no son hermanos… que fue lo que se planteó en la peli original. La historia de la cinta sucede 40 años después de la primera. Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se ha convertido en una ermitaña obsesiva con una sola idea fija en la cabeza: vengarse de Michael Myers (James Jude Courtney), el asesino serial que matara a sus amigos de la adolescencia. En la noche de Halloween, cuando Myers es transferido a un nuevo centro psiquiátrico, como era obvio suponer, escapa y se dirige directamente a Haddonfield para terminar lo que empezara décadas atrás, dejando un rastro de muerte a su paso y acechando a los descendientes de Laurie.

    La verdad es que el canon y cronología de la saga Halloween han sido modificados tantas veces que dejó de importarme hace mucho tiempo. Por muy fan que sea, debo admitir un hecho que los realizadores de estas películas se han negado a aceptar: la premisa se agotó en la primera cinta. En realidad, las únicas películas de la saga que más o menos proponen cosas diferentes son la tercera, la octava –lástima que sea tan mala– y la secuela del remake. Para no perder la costumbre, la nueva película de Halloween es básicamente la misma película de Halloween de siempre.

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     La historia tiene un par de vueltas de tuerca interesantes que, por desgracia, están bastante desaprovechados.

    Y creo que ésa es la principal falla de esta película: plantea muchas líneas argumentales interesantes, pero se queda a medio camino en todas ellas. Quizá pudieron explorar más la compulsión asesina de Myers, o mostrar a Laurie más deshumanizada por su paranoia SPOILER o explotar más la identificación del Dr. Sartain (Haluk Bilginer) con su paciente TERMINA SPOILER; pero, en vez de eso, decidieron producir una cinta tibia en todos los sentidos que, a final de cuentas, termina siendo más de lo mismo.

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    En cuanto a tono y narrativa, la película se siente muy parecida a H20 sólo que ésa me pareció mejor… aunque siempre creí que era algo aburrida.

    Otra cosa que es muy interesante es la timidez con la que se trata la cinta. Películas anteriores de la saga ya habían mostrado en exceso de violencia y escenas sangrientas –el remake de 2007, dirigido por Rob Zombie, es una obra maestra en ese rubro– e incluso la primera peli tenía montón de desnudos. Pero esta nueva entrega, nacida de la cultura de la censura y la corrección política, es increíblemente menos sangrienta que muchas de sus predecesoras y no tiene desnudos… Bueno, hay uno, pero es metraje reciclado de la primera película.

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    Desde dicha perspectiva, la nueva Halloween es un tanto decepcionante y es uno de esos casos en los que la versión nueva de una peli slasher resulta más fresa que la original –Sangriento San Valentín (Lussier, 2009), te estoy viendo a ti–. Además, en general, no sé muy bien a qué se deba, esta peli se siente pasada de moda.

    Quizá la razón sea la manera en que está construida. Es un slasher filmado siguiendo la receta al pie de la letra, con una fórmula probada y reprobada. Creo que la gran aportación de la saga Scream (1996-2011) al género fue hacer películas autoconscientes que se autopaodiaban al mismo tiempo que reinventaban las reglas del género. Pero Halloween no. La franquicia prefiere quedarse en la zona de confort de la que Zombie ya la había sacado. Y tal vez eso es lo más frustrante: la peli parece un retroceso.

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    Sin embargo, todo lo anterior no significa que no sea entretenida. Lo es y, lo que es más, tiene algunos momentos de tensión y suspenso maravillosamente creados. La narrativa es muy buena, tanto que uno pasa por alto la falta de cohesión en la historia o el montón de huecos argumentales que presenta SPOILER –¿Por qué en una casa que prácticamente es una fortaleza hay un ventanal abierto de par en par?– TERMINA SPOILER.

    Mención aparte merece la interpretación de Curtis, que revisita y logra seguir sacándole jugo al papel que la lanzó a la fama y la convirtió en la Scream Queen por antonomasia –Por cierto, ¿mencioné que ella fue productora ejecutiva de la película junto con Carpenter?–.

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    También me gustó mucho la fotografía –aunque de repente puede ser demasiado oscura–, que logra crear una sensación de claustrofobia y un ambiente onírico de la Noche de Brujas con marcados claroscuros y tonalidades anaranjadas y ocres.

    Finalmente, la música también me pareció bastante adecuada. Me gustaron las variaciones con las que se reinterpretan los temas originales compuestos por John Carpenter, así como los temas nuevos. La música contribuye bastante a construir la atmósfera planteada por la fotografía e iluminación y juntas logran crear una ambientación ideal para la cinta.

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    Y, aunque ya hablé sobre la narrativa y cómo es semejante a la de H20, no puedo dejar de mencionar que en realidad me gustó. Me gustó cómo se va contando la historia y el ritmo que tiene el relato en general. Los cortes, la edición y el montaje son buenos; creo que más bien el punto es que lo que están contando no es tan interesante. Es un fallo de fondo, no de forma.

    También, como todas las películas actuales, la cinta está plagada de referencias y, aunque ignora todas las secuelas, remakes y reboots de la saga, les rinde sendos homenajes… ¡Incluso hay niños disfrazados con las máscaras de Silver Shamrock de Halloween III: el imperio de las brujas (Wallace, 1982)!

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    En conclusión, Halloween se siente como un escenario prodigiosamente preparado para un evento maravilloso que nunca llega. La ambientación es buena; el tono, aunque fresa, funciona; las actuaciones son muy buenas; y el ritmo y narrativa de la peli son geniales. Sin embargo, el resultado es menor a la suma de sus partes. Los elementos de la peli funcionan bien por separado; pero la construcción final falla. Se trata de una película que se queda a medio camino entre la clasificación PG13 y la R –de hecho, aquí en México la clasificaron como B15– y que saca muy poco provecho del montón de material que ella misma está proponiendo. A ver “H60” les sale mejor…

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    El mismo John Carpenter declaró que ésta será la última película de Halloween. Sin embargo, el contrato se hizo por dos películas y, puesto que ésta ha sido un trancazo de taquilla que ha multiplicado su presupuesto por más de siete, una secuela, e incluso una trilogía completa, estarían siendo consideradas.

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PARA LA TRIVIA: Danielle Harris contactó a la producción de la cinta para proponer una participación de su personaje de la saga, Jamie Lloyd, en la película; pero los realizadores no se mostraron interesados.

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De tal suerte, como ya saben que me encanta hacer cuadritos y tablas, aquí expongo cómo queda más o menos, después de esta cinta, el canon de Halloween… Y sí, está lleno de SPOILERS:

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Para leer las reseñas completas de cada película, por favor, hagan click en los siguientes links:

Halloween 1-3

Halloween 4-6

H20, Resurrección y remakes

 

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MATINEE. Un grandioso pero olvidado homenaje a la Serie B.

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MATINEE

 

Joe Dante, 1993

 

Roger Corman no es sólo el Rey de la Serie B, sino también un cineasta generoso que ha fundado escuela formando a muchos de los directores más influyentes de la década de 1970 y 1990, así como toda una legión de productores y actores. Directores como Francis Ford Coppola, James Cameron, Jonathan Demme, Ron Howard o Martin Scorsese trabajaron en sus inicios para Corman y sus compañías productoras. Y, por supuesto, tenemos a Joe Dante, director de blockbusters del calibre de Piraña (1978), Gremlins (1984), Viaje insólito (1987) o El aullido (1981).

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    Quizás Matinee no fue una de las películas más exitosas de Dante… bueno, para ser honestos, fue un fracaso de taquilla que no logró recuperar su modesto presupuesto de 13 millones de dólares y que ha permanecido prácticamente en el anonimato desde hace más de dos décadas. Se convirtió pues en una película de culto hecha y derecha.  También me parece que es una de las películas más personales de su director.

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    La película sucede en el otoño de 1962, durante la Crisis de los Misiles en Cuba. Los hermanos Gene (Simon Fenton) y Dennis Loomis (Jese Lee Soffer) son aficionados a las películas de terror y viven en el pequeño pueblo de Key West, en Florida. El pueblo se encuentra a tan sólo unos kilómetros de la isla caribeña y vive sumido en el terror de que se desate una guerra nuclear. En este clima de alerta y paranoia, el director y productor de películas de ciencia ficción venido a menos, Lawrence Woolsey (el siempre genial John Goodman) ve la oportunidad ideal para estrenar su última cinta de horror nuclear: Mant.

    Muchas de las películas de Dante son cariñosos homenajes a las películas de ciencia ficción de Serie B de la Era Nuclear. Desde las pirañas alteradas genéticamente hasta los soldados de juguete psicóticos de Pequeños guerreros (1998), pasando por los duendecillos que saboteaban aeronaves en la Segunda Guerra Mundial y la nave intergaláctica casera de Los exploradores (1985), Dante es, en su corazón, un niño nerdo fanático de la ciencia ficción que conserva su capacidad de asombro y la comparte con el mundo.

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    En esta ocasión, Dante rinde tributo no sólo a su propia niñez, sino a uno de los productores y directores de cine más excéntricos que hayan existido: William Castle.

    En las décadas de 1950 y 1960 las salas de cine pasaban por una crisis: la gente dejó de asistir a ellas, pues prefería quedarse en sus casas a ver televisión. Había que hacer algo al respecto y, según la historia nos ha enseñado, siempre que la gente deja de ir al cine comienzan a aparecer las películas en 3D. Pero Castle quiso ir más allá: el afable actor, director, guionista y productor neoyorquino creó toda una serie de películas de bajo presupuesto que utilizaban diferentes artificios en las salas de cine para asombrar al público, sumergirlo en la experiencia de las películas y atraerlo de nueva cuenta a la pantalla de plata.

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    En La casa en la colina embrujada (Castle y Horvath, 1959), protagonizada por el inmortal Vincent Price, un esqueleto fosforescente con ojos que despedían luz roja recorría el cine colgado de alambres sobre el público; en El aguijón de la muerte (Castle, 1959), algunas butacas escogidas al azar estaban equipadas con pequeños vibradores que sacudían al público en la escena clímax de la peli; y en 13 Fantasmas (Castle, 1960) al público se le daban lentes de colores azul y rojo, con los cuales podían ver o hacer desaparecer a los fantasmas que salían en pantalla.

    Aunque fueron pocos los cines que accedieron a participar en las locuras de Castle, su ingenio quedó para la posteridad y su idea de cine interactivo sentó las bases, me atrevo a afirmar, para los rides de parques de diversiones como Universal Studios o Disney World.

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    En la película, el personaje del productor y director Lawrence Woolsey rescata diversos aspectos de la personalidad y la leyenda de Castle, como el hecho de, emulando a Hitchcock, aparecer en los trailers de sus propias películas invitando al público a verlas; el ya mencionado caso de instalar vibradores debajo de las butacas o, en la tradición del Grand Guignol, contratar actrices para hacerse pasar por enfermeras en el lobby de los cines.

    También es un tributo el hecho de que varios de los personajes de la película hayan sido nombrados como personalidades del cine de Serie B de los 50 y 60, como es el caso de Ruth Corday (Cathy Moriarty), cuyo nombre hace referencia a la actriz Mara Corday, que apareciera en clásicos del género como Tarántula (Arnold, 1955) o La garra gigante (Sears, 1957); Herb Denning, cuyo nombre es un guiño al actor Richard Denning, que participara en cintas como El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954) o El monstruo del planeta perdido (Corman, 1955) o el mismo Woolsey, que fue nombrado en honor a Lawrence Woolner, productor de películas de Serie B de ciencia ficción de la compañía Woolner Brothers.

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    La compañía de Woolsey, Woolsey International Pictures, es una referencia a American-International Pictures, prolífica compañía y estudio de películas de bajo presupuesto que funcionara desde la década de 1950 hasta 1980, y que contó entre sus filas con los legendarios Roger Corman y Samuel Z. Arkoff, quien recibe su homenaje a través del personaje del Sr. Spector (Jesse White).

    Del mismo modo, la película cuenta con las participación, en papeles secundarios, de actores de películas de género de la época, como el gran Kevin McCarthy (La invasión de los usurpadores de cuerpos [Siegel, 1956]), Robert Cortwhaite (La cosa de otro mundo [Nyby y Hawks, 1951]), William Schallert (El increíble hombre menguante [Arnold, 1957]) y Dick Miller (La tiendita de los horrores [Corman y Griffith, 1960]), quien fuera el actor fetiche de Corman y después se convertiría en el de Dante.

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    Quizá el elemento más sobresaliente de Matinee es su metapelícula. En la cinta, la historia gira en torno al estreno en el cine del pueblo (filmado en locación en el Historic Cocoa Village Playhouse) de la nueva película de Woolsey. Ésta narra la historia de un hombre que, por un accidente con radiación, es convertido en una hormiga humanoide capaz de razonar y hablar.

    Las pocas secuencias que podemos apreciar de Mant son una verdadera joya que celebra, al mismo tiempo que parodia, el subgénero de los insectos atómicos que incluyera películas clásicas –algunas clásicas del cine naïve– como Tarántula, ¡Ellas! (Douglas, 1954), La mantis mortífera (Juran, 1957) o El escorpión negro (Ludwig, 1957). Dichas secuencias son verdaderamente divertidas y entrañables y lo dejan a uno con ganas de ver la película completa… que, por desgracia, no existe.

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    El guión original de Matinee era muy diferente de lo que se ve en pantalla y estaba más ubicado en el terreno de la fantasía, además de que incluía otros monstruos como vampiros y hombres lobo. Sin embargo, después de varias reescrituras por parte del guionista Charles S. Haas, la cinta se convirtió en una película para preadolescentes que diserta sobre el Horror Atómico en la cultura popular estadounidense. El guionista original, Jerico, demandó a los productores por haberle dado crédito únicamente por el argumento; sin embargo, perdió la demanda.

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    A final de cuentas, Matinee fue un fracaso de taquilla y su escasez en el mercado casero la han condenado a un, a mi parecer, injustificado olvido. Quizá no sea tan buena como Gremlins –que a mi gusto es la obra maestra de Dante–; pero es bastante buena, además de ser una bonita peli familiar cargada de nostalgia y personajes excéntricos y entrañables, además de contar con una escena clímax tan estrambótica y estrafalaria como las mismas ideas de William Castle para llevar gente a los cines. Es, pues, una película sobre cinéfilos hecha por un cinéfilo para un público de cinéfilos. Lo único que lamento es no haberla visto cuando era niño.

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PARA LA TRIVIA: Esta película es una trivia del cine de Serie B en sí misma; pero rescato el siguiente dato curioso: Kevin McCarthy y William Schallert también participaron en el tercer segmento de la película de La dimensión desconocida (Landis et al, 1983), que fuera dirigido por Dante.

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VENOM. Una de las pelis que más han dividido al público y la crítica.

 

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Ruben Fleischer, 2018

¿Recuerdan Spider-Man 3 (Raimi, 2007)? ¿Sí? ¿Recuerdan lo mala que es y lo chafa que se veía Venom? Pues lo siento por ustedes. Dice un cierto rumor que Sam Raimi y los actores de dicha película autosabotearon el proyecto como protesta por la imposición de Columbia Tri-Star para incluir a Venom en la peli, cuando el director no quería en absoluto utilizar al personaje. Más de una década después, Venom vuelve en una aventura en solitario en la que ya no se ve ñengo, ni sucede en Manhattan, ni tenemos que soportar la falta de carisma de Topher Grace en la pantalla… ¡Es más, ni siquiera sale Spider-Man!

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    Muy difundido fue el rumor, luego desmentido, de que la película Life: Vida inteligente (Espinosa, 2017) serviría como una precuela de Venom y, si bien ambas cintas no guardan relación, sí hay bastantes referentes en esta película que funcionan como guiños a la cinta de Espinosa.

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    En la peli –cuyo argumento se basa principalmente en la miserie de comics Venom: Lethal Protector y el arco argumental Planet of the Symbiotes–, Eddie Brock (Tom Hardy en una interpretación carismática aunque bastante inferior a lo que le hemos visto anteriormente) es un reportero de televisión que trata de exponer a las personas que no debía y, a causa de ello, pierde su programa y desencadena toda una debacle en su vida personal. Estas personas son los directivos de la compañía multinacional Life quienes, además de no creer en las cámaras de seguridad, exploran el espacio con vistas a la colonización. En su última misión, la corporación trae a la Tierra especímenes de organismos extraterrestres a los que llaman “simbiotes”. En una incursión a los cuarteles de la compañía, Brock es tomado como huésped por uno de los “simbiotes”, convirtiéndose en la criatura conocida como Venom, cuya sed de sangre lo lleva a un frenesí que no sólo resulta más provechoso de lo que parecería, sino que podría ser la clave para salvar a la humanidad.

    Pues bien, comparada con Spider-Man 3, Venom es una obra maestra. En cualquier otro sentido, se siente poco lograda.

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    En un principio, hace una década, la película se planeó como un spin-off directo de Spider-Man 3, aunque Topher Grace, de entrada, quedó fuera del proyecto. Tiempo después, cuando se rebooteó la saga de Spider-Man, la película de Venom y una posible película sobre Venom y Carnage serían incluidas como parte del universo de Amazing Spider-Man; pero los desastrosos resultados de la segunda parte, que fue vapuleada tanto por el público como por la crítica, puso fin al proyecto. Cuando Sony y Marvel decidieron colaborar en las adaptaciones cinematográficas del Hombre Araña, la idea de los spin-offs fue pausada nuevamente… Hasta ahora.

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    Sony ha manifestado su interés en continuar con los spin-offs, e incluso hay rumores sobre una película de Gata Negra, aunque nada ha sido confirmado por fuentes oficiales.

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    Originalmente, la película iba a ser clasificación R (para mayores de 17 años); pero a últimas de cambio, Columbia decidió convertirla en una cinta clasificación PG-13 (para mayores de 13 años) para poder realizar futuros crossovers con la nueva franquicia de Spider-Man. ¿Se imaginan lo que hubiera sido de esta peli con sangre, tripas y descuartizamientos? Pues síganlo imaginando, porque la cinta es bastante tibia y difícilmente hay una gota carmesí durante sus 112 minutos de duración.

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    Además, aunque se contempla la posibilidad de hacer películas en conjunto con el Amigable Vecino, la cinta oficialmente sucede fuera del Universo Cinematográfico Marvel. Incluso, el cuerpo de Venom no luce el emblema de la araña blanca que tiene en los comics. Empero, eso no le impide a la peli incluir elementos de la franquicia de Spider-Man, como el hecho de que es precisamente el astronauta de apellido Jameson, hijo de J.J. Jameson, quien trae uno de los simbiotes a nuestro planeta. Así que… por fin, ¿es o no es parte del UCM?

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    A nivel guión, la película queda debiendo. Una película oscura sobre el desequilibrio de Eddie Brock y sus conflictos internos con ser el portador del “simbiote” hubiera sido muy interesante y, aunque el tema se esboza a lo largo de la cinta, difícilmente es una parte medular de la historia. En general, la peli es más cercana en tono y narrativa a Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981); pero exagerando la comedia. Además, están las escenas de persecuciones y de acción que ni están tan bien logradas ni aportan realmente nada a la trama ­–la escena de persecución de autos en San Francisco es un cliché en sí misma–. Es una de esas películas en las que pasan muchas cosas pero, a final de cuentas, no pasa nada. De hecho, muchas de las secuencias de acción sólo me provocaban ganas de que se terminaran y pasaran a otra cosa.

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    Muchas explosiones, muchas decapitaciones –sin sangre, por supuesto– y monitos CGI –que tampoco se ven tan bien, por cierto– brincando de un lado a otro de la pantalla hacen que esta cinta se sienta más como una adaptación fallida de los comics de The Darkness que como una peli de Venom. Hay algunos chistes bien logrados, eso sí, pero hay también un montón de humor involuntario en la peli.

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    Las actuaciones se encuentran en el nivel inferior de la escala, ubicándose en un rango entre cumplidoras y malas. Hardy tiene carisma y logra que algunos de los momentos cómicos funcionen muy bien; pero definitivamente queda a deber en las secuencias más serias. El resto del elenco apenas si se esfuerza en sacar a flote el guión lleno de diálogos acartonados e inverosímiles y, lo que es más, creo que en ningún momento logran realmente conectar con el público. No hubo una sola escena en la que generara empatía con alguno de los personajes o me preocupara siquiera por lo que les pasaba.

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    El resultado final es una peli que es completamente forma y nada de fondo, que también sufre de una narrativa atropellada. Es entretenida en su mayor parte, pero se vuelve aburrida e incluso cansina por momentos. Sobre todo, palidece en comparación con otras cintas de superhéroes –no solamente del UCM y no solamente recientes– mucho más logradas. Además, la ambigüedad sobre su inclusión como spin-off de la saga de Spider-Man –al momento, ni siquiera los realizadores se han definido al respecto­– sólo provoca que uno extrañe más al Arácnido en esta película.

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PARA LA TRIVIA: Anne Weying trabaja para la firma legal llamada Michellinie & McFarlane, lo que es un tributo al guionista David Michellinie y el artista Todd MCFarlane, creadores de Venom. Ironía o chiste local, McFarlane entabló un largo proceso judicial contra Marvel, mismo que perdió, para recuperar los derechos del personaje. Dicho litigió impidió que Venom apareciera en las primeras dos entradas de la trilogía original de Spider-Man y retrasó su estreno.

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EL DEPREDADOR.El equipo que creó “Monster Squad” intenta resucitar la franquicia.

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EL DEPREDADOR

The Predator

 

Shane Black, 2018

 

Así que aquí tenemos la siguiente situación: Las casas productoras siguen sin estar muy seguras de cómo rayos funciona la Generación Z como público cinematográfico, así que prefieren vendernos películas a los millennials que, lejos de tener algún tipo de contenido o sustancia, se pueden sostener sin problema alguno gracias casi exclusivamente al factor nostalgia. Así pues, las secuelas y reboots innecesarios de sagas clásicas han plagado esta década. En esta ocasión, toca el turno de resucitar a la saga de Depredador, de mano del director y guionista Shane Black quien, de hecho, actuara en la primera cinta de la saga en aquel remoto 1987, y el guionista Fred Dekker, quien ha mantenido un bajísimo perfil después del estrepitoso fracaso en la taquilla, hace tres décadas, de su película Escuadrón anti-monstruos (1987).

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    Así que… ¿qué pasa cuando juntas a uno de los miembros del reparto de la peli original con el creador de una de las películas para preadolescentes más incomprendida de la historia? Pues lo obvio, obtienes una película cuyo tono entra y sale del PG-13 y que es un homenaje tan banal a la cinta original que casi parece una parodia.

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    La película continúa con la historia de sus predecesoras, aunque hace esfuerzos titánicos para sacar del canon lo planteado en la tercera parte –no veo por qué, no era tan mala–. En El Depredador, uno de los cazadores alienígenas de las cintas anteriores se estrella en la Tierra y es capturado por el gobierno de los EE.UU. y el único testigo sobreviviente, el militar Quinn McKenna (Boyd Holbrook), es enviado a un sanatorio mental del Ejército para ser silenciado. Sin embargo, cuando el Depredador escapa de una base militar secreta en Maryland y desata el caos, McKenna y su equipo de criminales militares dementes descubrirán que las conspiraciones llegan a niveles mucho más altos de lo que hubieran imaginado… para ambas especies.

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    SPOILER Recuerdo que cuando la saga de Alien se quedó sin ideas, decidieron que la cuarta parte, que al mismo tiempo pretendía funcionar como una especie de reboot, decidieron hacerla una comedia y meter híbridos. También recuerdo que cuando la saga de Jurassic Park se quedó sin ideas, decidieron rebootearla quince años después, darle un tono más chabacano y meter híbridos. Pues bien, lo mismo están haciendo con la franquicia de Depredador, auque oficialmente es una secuela y no un reboot. En esta nueva entrada de la saga, adaptada a la época de los teléfonos celulares, la mitología del universo de Depredador se expande y los verdaderos motivos de los cazadores alienígenas nos son revelados… en una justificación bastante decepcionante y que rompe con la lógica de las películas anteriores. TERMINA SPOILER

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    Creo que una de las características de los reboots de esta década –Jurassic World (Trevorrow, 2015), te estoy viendo a ti– es la falta de asombro ante el material original. En esta cinta, los depredadores son cosa plenamente estudiada y ya no espantan a nadie. El gobierno de EE.UU., a través de un proyecto secreto liderado por Keyes (Jake Busey) quien, podemos entender, es el hijo de Peter Keyes de Depredador 2 (Hopkins, 1990) –y su hijo en la vida real–, tiene pleno conocimiento de sus incursiones en nuestro planeta y ha seguido su progreso en las últimas tres décadas… aunque nunca queda muy claro qué frutos ha obtenido de dicho estudio.

    La película en general es entretenida y tiene mucha acción… quizá demasiada comedia en algunos momentos y es muy curioso cómo se van insertando elementos en la historia que, casi al momento de verlos, uno sabe que podrían salir del canon en la siguiente entrega. También, por momentos, es demasiado parecida a Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007)… y eso es malo a priori. Al menos, ésta sí se deja ver.

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    Las actuaciones están más o menos y creo que las más memorables son las del equipo de loquitos que acompaña a McKenna. Digo, creo que nadie esperaba súper actuaciones en una peli de Depredador –¡Oh, Arnie!–; pero Holbrook y Olivia Munn, en su papel de la Dra. Casey Brackett, luego tienen cada momento que es para soltar la carcajada.

    El personaje del pequeño Rory McKenna (Jacob Tremblay) me despierta sentimientos encontrados. Está interpretado de manera eficiente y cumple con su función dentro de la peli; pero la verdad es que siento que no termina de encontrar su lugar. Como que los personajes de niños no acaban de encajar dentro del universo de la saga. Es decir, el último que vimos fue aquel chavito que le ofrece chocolate al depredador y que es perdonado por éste al percatarse de que el arma que lleva no es real en Depredador 2.

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    A este respecto, puedo decir que estaba un poco preocupado por el hecho de que le bajaran el tono a la película. Ya saben, menos sangre, menos mutilaciones y menos cuerpos desollados colgando de cabeza para atraer a más público porque, pues bueno, estas pinches películas salen caras y hay que recuperar la inversión. Sin embargo, la película no decepciona (finalmente, en EE.UU. fue clasificada como R: para mayores de 17 años); sobre todo en una década en la que la mayoría de las películas parecen olvidarse de que la gente, de hecho, tiene sangre.  Aunque definitivamente le bajaron el tono a las carnicerías, la violencia sigue presente y hay escenas lo suficientemente sangrientas como para que esta cinta no se sienta fuera de la franquicia… ¿verdad, remake de RoboCop (Padilha, 2018)?

    Empero, en cuanto al tono y la narrativa, no sé… son un equipo de inadaptados sociales con grandes armas recorriendo un pueblito en una camioneta… Parece más un episodio largo de Brigada A: los magníficos (1983-1987) que una peli de Depredador. Yo estaba esperando que en cualquier momento se apareciera Mr. T.

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    Las criaturas animatrónicas lucen espectaculares. Éstas fueron creadas por Alec Gillis y Tom Woodruff Jr., quienes fueran discípulos del gurú de los animatrónicos, Stan Winston, y crearan a los depredadores de las primeras dos cintas. Las criaturas digitales no funcionan tan bien y, en general, el diseño no me acabó de convencer. Los sabuesos utilizados por los depredadores son bastante decepcionantes… El diseño de estos perros de caza extraterrestres estaba padre en Depredadores (Antal, 2010), ¿por qué lo cambiaron? Digo, sé que los depredadores de aquella película pertenecían a otra especie y probablemente usarían otro tipo de criaturas, pero los de esta película son poco interesantes y, desde el punto de vista narrativo, se sienten desaprovechados.

    Creo que, de hecho, ése es uno de los principales defectos de esta cinta: los depredadores son, en general, poco interesantes y las adaptaciones que les hicieron para expandir el bestiario son ridículas.

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    SPOILER Del mismo modo, la propuesta de los depredadores renegados como aliados de la humanidad sigue sin parecerme verosímil. TERMINA SPOILER

    Y, por supuesto, gran parte de lo que mantiene el interés del público en esta cinta es el fan service y el montón de referencias que hace a otras entradas de la saga. Desde la inclusión de Busey hasta el chiste sobre por qué no deberían llamarse “depredadores” –el cual, por sierto, fue una aportación de Munn y su hermana–… y sí, por supuesto, “Get to the choppa!”

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    Así pues, El Depredador me mantuvo entretenido durante una hora y tres cuartos y me hizo reír en sendas ocasiones; pero me dejó con la sensación de que es más bien intrascendente y no aporta prácticamente nada a la saga. Digo, los elementos novedosos que propone no acaban de cuajar y palidecen ante las referencias a las películas clásicas que suelta cada dos minutos.

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    Siempre he creído que el futuro de la saga estaría más bien en los spin-offs… ¡Rayos, me encantaría ver una peli de Depredador ambientada en el Viejo Oeste!

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PARA LA TRIVIA: El guión original de la película incluía un cameo del personaje de Dutch Schaffer (Arnold Schwarzenegger) al final; sin embargo, Schwarzenegger declinó la oferta de aparecer en la cinta. Del mismo modo, Adrien Brody manifestó su interés de realizar un cameo con su personaje de Royce, pero éste nunca se concretó.

PARA LA TRIVIA GEEK: En el laboratorio del proyecto Stargazer se almacena una colección de artefactos de los depredadores. Entre ellos, puede verse la lanza con una cola de xenomorfo usada en Alien vs Depredador (Anderson, 2004). Es decir, las películas de AVP quedaron fuera del canon de la saga Alien (gracias a Prometeo [Scott, 2012]); pero no de la de Depredador.

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ESFERA… un poco, un poquito más.

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ESFERA

Sphere

 

Barry Levinson, 1998

Cuando uno piensa en los grandes autores de ciencia ficción del siglo XX, por supuesto, los primeros nombres que vendrán a la mente serán los de Ray Bradbury, Isaac Asimov o Richard Mathesson, y quizá, en menor medida, Athur C. Clarke, Phillip K. Dick o, incluso, Frank Herbert o Rod Serling. Sin embargo, durante el último tercio de dicho siglo, hubo un nombre que casi se volvió monopolio en las librerías de aeropuerto y cuya propuesta de ciencia ficción consistía en rescatar argumentos clásicos del género y reinterpretarlos a la luz de la tecnología de punta –de aquella época–. Me estoy refiriendo a Michael Crichton.

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    En Esfera, Crichton entrega su reinterpretación del contacto de la raza humana con seres extraterrestres, que esta vez, se da en la zona abisal del océano. Las similitudes entre la novela de Crichton, publicada en 1987 y la película de James Cameron El secreto del abismo, de 1990, son demasiadas como para pasarlas por alto.

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    La película se estrenó casi una década después de la publicación del libro, cuando, gracias al éxito de Parque Jurásico (Spielberg, 1993), los productores creían que el nombre de Crichton sería un sinónimo de éxito en la taquilla. Pero los estrepitosos –y hasta dolorosos– fracasos de Congo (Marshall, 1995) y Esfera demostraron que no necesariamente era así.

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    Además, en el caso de Esfera tampoco ayudó que la promocionaran con ese poster completamente genérico de finales de los 90.

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    La película es una adaptación bastante fiel a la novela y cuenta la historia del psicólogo Norman Johnson (el gran Dustin Hoffman, desperdiciado), especialista en atender a víctimas de choques aéreos, quien décadas atrás desarrollara un protocolo de acción para el gobierno de EE.UU. en el caso de una hipotética invasión extraterrestre. Cuando Johnson es llevado a una estación de investigación subacuática junto con otros científicos lo que menos espera es que su protocolo esté, de hecho, poniéndose en práctica, pues una empresa ha descubierto una nave extraterrestre en el fondo del mar. Lo que descubrirán en su interior no sólo cambiará todas las ideas sobre el futuro de nuestra especie, sino que los enfrentará a una entidad alienígena que tiene la capacidad de materializar los pensamientos.

    Esfera es, probablemente, uno de los textos más complejos de Crichton y, en realidad, se torna ambiguo en algunas partes –también siento que le falta un poco de cohesión, pero no está mal–. En la peli creo que hicieron un buen trabajo al adaptar el texto enfocándose más en crear un buen thriller de ciencia ficción que le quita a la historia original cerca de una tercera parte de su extensión y deja de lado algunos de los aspectos más filosóficos de la narración, al mismo tiempo que simplifica un poco el carácter de los personajes y digiere para el espectador algunas de las partes más complejas. Aun así, creo que el resultado es cumplidor.

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    Me gustó que respetaran la edad y el tipo físico del protagonista de la novela parala película. Me gustó también que, en general, la mayoría de los personajes que fueron adaptados a la pantalla lucen bastante cercanos a como se les describe en el libro. Me agradó el tono que trataron de lograr en la película, aunque a veces se consigue y a veces no. Creo que lo que más me decepcionó de la cinta fue el hecho de que el calamar gigante que ocupa cerca de una tercera parte de la narración en la novela nunca apareciera en pantalla. Quiero decir, fue un movimiento inteligente que, a final de cuentas, apoya a la narrativa… pero ¡cómo no lamentar la ausencia de un monstruo gigante!

    Y, a pesar de que creo que el resultado final funciona en tal o cual medida, la realidad es que la película se nota muy dispareja. Esto se debe, principalmente, a que los realizadores tuvieron que entregar el primer corte de la cinta antes de que estuviera lista para cumplir con el deadline impuesto por Warner Bros. El mismo Dustin Hoffman ha declarado varias veces que se sintió decepcionado con la película, pues se nota inconclusa.

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    El espectador puede notar esto desde el momento en el que algunas escenas están maravillosamente actuadas, mientras que otras –como aquella de Sharon Stone llorando– son como de pastorela de secundaria. También puede notarse en la narrativa que se vuelve caótica en algunas partes. Pero, sobre todo, uno se da cuenta de que la peli no estaba terminada al momento de estrenarla por la edición frenética que posee. El montaje final de la cinta está lleno de cortes duros y secuencias mutiladas que denotan que quien editó el corte final no tenía suficiente material con el cual trabajar.

    Muchas de las escenas, sobre todo aquéllas de conversaciones o discusiones, fueron completamente improvisadas por los actores en el set.

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    También, a lo largo de toda la cinta, hay algunas tomas increíblemente poco afortunadas que, sumadas a los cortes duros que mencioné arriba y a una narrativa visual poco propositiva llena de clichés y resoluciones fáciles, impiden que la cinta trascienda a un nivel visual. Y, bueno… ¡incluso hay tomas que rompen los ejes! Por favor, señores, esos son fallos de estudiante de cine de primer semestre.

    La música está bastante bien. Ésta corrió a cargo de Elliot Goldenthal, cuyas composiciones han aparecido en películas como Alien 3 (Fincher, 1992) o El demoledor (Brambilla, 1993). En general, logra crear la atmósfera necesaria de suspenso y tensión, aunque me pareció un poco demasiado romántica por momentos… y en otros momentos se parece demasiado a la de Alien 3.

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    Lo que sí me gustó mucho fue el trabajo con maquetas y el maquillaje. El maquillaje de los cadáveres y los puppets utilizados en la película se ven geniales, aunque el CGI sí ha envejecido bastante mal. Sobre todo, llama la atención la esfera, cuyo diseño tomó cerca de nueve meses. En la novela, la esfera es descrita como una gigantesca esfera con superficie cromada y una serie de circunvoluciones en un punto específico; sin embargo, el equipo de efectos especiales descubrió que si creaban una esfera cromada para usarla en un escenario tan oscuro, sólo reflejaría el color negro y se vería poco interesante, por lo que decidieron colorearla de color champaña.

    A final de cuentas, Esfera es un thriller de ciencia ficción con una marcada influencia de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979) que toma atajos y se salta pasos en su narrativa, se siente dispareja, es algo obvia y digerida, y es mucho más melodramática y sencilla que su contraparte literaria. Además de que el reparto se siente completamente desperdiciado. El resultado final es más parecido a Galaxia del terror (Clark, 1981), pero sin los elementos de explotación. Empero, a pesar de todos los fallos que he enumerado, no es una película particularmente mala… sólo que se queda demasiado corta, particularmente tomando en cuenta el tipo de público al que va dirigida. Creo que funciona, pero no llega nunca a explotar completamente su potencial.

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    SPOILER El final de la película es diferente al de la novela y no me gusta mucho. Cuando la Esfera, en un mal CGI, vuela fuera del océano me recuerda a cuando Poochy regresa a su planeta. Sin embargo, hay un final alternativo –que pudo mostrarse en TV por cable en EE.UU.–, mucho más apegado al del libro, en el que la Esfera simplemente desaparece. TERMINA SPOILER

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    ¡Ah! Y también, citando a Bob Esponja,: “Parece que nuestro amigo no se encuentra familiarizado con los inconvenientes de la vida submarina”; pero estos errores sí vienen desde el libro.

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PARA LA TRIVIA: Joseph Hahn, DJ de la banda Linkin Park, diseñó el aspecto de la serpiente marina que aterroriza a Norman.

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