KING KONG. La carta de amor de Peter Jackson a su peli favorita.

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KING KONG

King Kong

 

Peter Jackson, 2005

 

Existen dos cortes diferentes de esta película: La edición para cines (3 horas y 8 minutos) y la Edición Extendida (3 horas y 21 minutos). En general, las escenas reincorporadas incluyen varios dinosaurios y otras criaturas que no aparecieron en el montaje final de la cinta. En este artículo, me referiré a la versión extendida.

 

Después de un largo periplo que incluyó la odisea de filmar la Trilogía de El Señor de los Anillos (2001-2003), Peter Jackson tuvo la oportunidad de retomar su proyecto de ensueño: filmar su versión de su película favorita, aquélla por la cual se decidió a hacer cine. A pesar de toda la parafernalia en torno a la cinta y de la vorágine de efectos especiales que en ella aparecen, un servidor considera que éste es el proyecto más personal de Peter Jackson. El resultado final es una peli de aventuras con grandes dosis de acción, que tuvo un recibimiento tibio en la taquilla y que fue prácticamente ignorada por la crítica.

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    Durante la Gran Depresión en Estados Unidos Carl Denham (Jack Black), un fracasado y poco escrupuloso productor de cine, consigue el mapa para llegar a una isla desconocida que sería la locación ideal para su siguiente película. Acompañado por el dramaturgo Jack Driscoll (Adrien Brody),  la incipiente y famélica actriz Ann Darrow (Naomi Watts) y una tripulación de marineros dedicados al tráfico de animales, Denham se embarca hacia la isla huyendo de sus acreedores. Ninguno sospechó que la isla estaba habitada por bestias prehistóricas sobre las que se impone Kong, un poderoso gorila de siete metros de altura.

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    Esta cinta es un remake de la versión original de 1933 (Cooper y Schoedsack), todo un clásico del cine de aventuras y un parteaguas en el terreno de los efectos especiales. Ya antes el afamado (o infame) productor Dino de Laurentiis intentó hacer su propia versión en 1976 (Guillermin) con Jessica Lange y Jeff Bridges en los papeles protagónicos y resultados desastrosos.

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    Pero ahí donde John Guillermin fracasó, Jackson pudo salir airoso. Para muchos (incluyéndome), el error de De Laurentiis y Guillermin consistió en modernizar a la fuerza un clásico. Así, en la versión de 1976 no es un equipo de filmación el que visita la isla, sino una compañía petrolera; Kong no mide siete metros de altura, sino alrededor de quince; los dinosaurios que lucían geniales en la versión de 1933 quedaron completamente fuera de la cinta; y Kong no escala el Empire State Building, sino el World Trade Center.

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    Originalmente, hacia 1994, Jackson había empezado el borrador de un guión para King Kong ambientado en la época contemporánea. Sin embargo, la negativa de Universal Pictures para darle los derechos de la película echó por tierra el proyecto. Universal pretendía colgarse de la fama de que aún gozaba Parque Jurásico (Spielberg, 1993) y sacar su propia película de gorilas basada en una novela de Michael Crichton: la terriblemente fallida Congo (Marshall, 1995).

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     Rindiendo homenaje a su película favorita, Jackson decidió ambientar la cinta en 1933 y acertadamente, pues se dio cuenta de que esta historia sólo podría funcionar en su época. La recreación histórica de la ciudad de Nueva York durante la Gran Depresión es simplemente apabullante. De hecho, mucha de la fuerza dramática de la cinta de Jackson está apoyada precisamente en la crisis económica y social por la que pasaban los Estados Unidos en ese momento. ¿De qué otra forma una actriz de vaudeville aceptaría embarcarse hacia una isla desconocida con un productor que apenas conoció en una esquina?

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    La película es, más que otra cosa, una versión “corregida y aumentada” de la King Kong original, con una duración del triple de tiempo que ésta. Es interesante notar que Jackson incorporó muchas escenas basadas en pasajes descritos en la no poco popular novelización de la película de 1933, escrita por Delos W. Lovelace. Asimismo, integra muchas escenas que se encontraban en el guión original de la primera versión, pero que nunca se filmaron o escenas que se filmaron pero quedaron fuera del corte final, como la famosísima escena perdida de la araña gigante (sustituida en esta versión por wetas y euriptéridos gigantes) que ataca a los marineros en el fondo de una cañada.

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    Un punto más que notable es la actuación de la triada protagonista: Naomi Watts, Adrien Brody y Jack Black. No sólo cada uno de ellos interpreta su papel de forma magistral, sino que la química entre los tres y la de cada uno de ellos con los otros dos es simplemente maravillosa.

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      Para beneplácito mío ¡volvieron los dinosaurios! Sin embargo, la propuesta de Jackson en esta cinta es la de presentar especies ficticias de dinosaurios, en lugar de intentar recrear especies reales. Se supone que estas especies son el “cómo hubieran evolucionado estos animales si no se hubiesen extinto”. De tal suerte, en esta cinta Kong se enfrenta a un Vastatosaurus rex (cruza entre un Tyrannosaurus rex y un caimán), y los marineros del S.S. Venture son atacados por Venatosaurus (una especie superdesarrollada de Velociraptor) y por un Ferrucutus Cerastes (cruza entre un Pachyrhinosaurus y un Pentaceratops). Y con todo este párrafo quise exponer que la atención a los detalles del equipo de producción llegó al grado de ponerles nombres científicos a las especies que inventaron… y lucir mis conocimientos de aficionado a la paleontología.

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    Otro de los méritos de la peli es que, por fin, King Kong se ve como un gorila real. No como un muñeco de goma como en la versión original (no me malinterpreten, me encanta cómo luce, sólo que no se ve como un gorila, se ve como King Kong), ni como un actor en un traje de peluche, como en la versión de 1976; sino como un gorila de verdad. Para crear a Kong se usó la técnica del Motion Capture para trasladar los movimientos del actor Andy Serkis, quien en la Trilogía de El Señor de los Anillos interpretó a Gollum y en esta cinta interpreta a Kong y al cocinero “Lumpy”, a una computadora y, con base en esa información, crear un personaje digital.

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        En general, esta película es un poco simple en cuanto a su contenido, pero sin duda es entretenida. Más que otra cosa, debe vérsele como lo que es, el homenaje de un artista hacia su principal fuente de inspiración. En muchas secuencias, de hecho, parece que estamos viendo a un niño jugando con sus juguetes favoritos. Y precisamente ése es el quid de la cosa, pues la principal virtud de esta cinta es, al mismo tiempo, su principal defecto: Para realmente disfrutar de esta peli se necesita ser, al igual que Peter Jackson, todo un connoisseur de la película original de 1933.

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    Quizá ésta sea la película más personal de Peter Jackson, quien hace un trabajo asombroso al revisitar una de las más grandes películas en la historia del cine y traerla de vuelta a la vida. Por desgracia, su excesiva duración –Jackson se toma su tiempo para dibujar retratos preciosistas de los personajes y vale la pena– ahuyentó al grueso del público. Al igual que el simio titular de la cinta, King Kong es una bestia inmensa de otra era, un blockbuster de autor con ciertas pretensiones artísticas que en el mercado actual está prácticamente extinto que se ha convertido en una cinta de culto con todas las de la ley.

 

PARA LA TRIVIA: Cuando King Kong es capturado es presentado en un teatro en Broadway acompañado por un bailable y música de lo más kitsch. Tanto la música como el bailable y los vestuarios que usan los supuestos aborígenes son réplicas de los usados en la cinta de 1933.

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FLASH GORDON. La peli que estuvo a punto de ser “Star Wars”.

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FLASH GORDON

 

Mike Hodges, 1980

 

En 1929 el escritor estadounidense Phillip Francis Nowlan escribó el relato space opera titulado Armageddon 2149 A.D. en el que, al más puro estilo de Rip Van Winkle, un héroe del presente despierta en el futuro y se enfrenta a diferentes villanos. El relato fue publicado por entregas en la revista Amazing Stories, gozando de gran popularidad. Tanta, que el sindicato de periódicos de EE.UU. contrató a Nowlan para que adaptara la historia a una tira cómica titulada Buck Rogers en el siglo XXV, dibujada por Dick Calkins y cuyo primer número se publicó en enero de 1929.

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    El éxito de Buck Rogers fue inmediato, siendo adaptado a una gran variedad de medios como novelas, programas seriales en radio y cine, juguetes, etc., por lo que una avalancha de imitaciones no se hizo esperar. De todas ellas, la única que logró reconocimiento y que, en mi opinión, lograría superar la popularidad de Rogers, fue Flash Gordon, creada y dibujada por Alex Raymond, y publicada en periódicos por primera vez en enero de 1934.

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     A mediados de la década de 1970, un joven y ambicioso director californiano llamado George Lucas buscaba hacer una versión contemporánea de los viejos seriales cinematográficos de Flash Gordon que lo habían cautivado cuando era niño. Sin embargo, cuando quiso adquirir los derechos del personaje, se enteró de que el director Italiano Federico Fellini ya estaba en negociaciones para conseguir los mismos, por lo que tuvo que escribir su propia space opera, a la que tituló The Star Wars… y ya todos sabemos cómo le fue con eso.

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    Tras el éxito aplastante de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) en las salas cinematográficas de todo el mundo, el productor italiano Dino de Laurentiis finalmente pudo conseguir los derechos de Flash Gordon para una película que sería dirigida por federico Fellini y protagonizada por Kurt Russell. Empero, Fellini no pudo dirigir la cinta y a Russell no le interesó el personaje de Flash, prefiriendo actuar para John Carpenter en la ahora clásica Escape de Nueva York (1981). La película se sumergió entonces en el caos de la preproducción.

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    El guión original era ligeramente más fiel al comic: el tono era mucho más serio, no aparecía Klytus (Peter Wyngarde), Kala (Mariangela Melato) sí era el rey de los hombres tiburón y Thun (George Harris), el príncipe de los hombres león; la participación de las amazonas del reino helado de Frigia no se limitaba a un mero cameo y, quizá lo más importante: Ming (Max von Sydow) y Flash (Sam J. Jones) sí se enfrentaban en un duelo de espadas al final.

    La película como quedó finamente narra la historia de Flash Gordon, un jugador de football americano y Dale Arden (Melody Anderson), una agente de viajes, quienes sufren un accidente aéreo debido a extraños fenómenos meteorológicos y son secuestrados por el Dr. Hans Zarkoff (Topol), quien fuera desacreditado como científico tras descubrir que tales acontecimientos eran el resultado de un ataque extraterrestre a la Tierra. Zarkoff lleva a Gordon y a Dale al planeta Mongo, gobernado por el despiadado emperador Ming, quien mantiene oprimidos a los reinos de Mongo y busca destruir nuestro planeta.

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    Según se sabe, al caos de la preproducción de esta cinta le siguió un infierno de realización. Siete directores rechazaron el proyecto –entre ellos, Nicholas Roeg, el propio Fellini y Sergio Leone, quien no quiso hacer la peli porque se alejaba demasiado de los comics–. Actores descontentos que se la pasaban improvisando sus escenas, productores ahorrando exageradamente, desorganización, Dino de Laurentiis presionando para que la película fuera más cómica y amigable con el público familiar, los constantes problemas de Sam Jones dentro y fuera del set por su temperamento volátil y sus confrontaciones con De Laurentiis por la falta de pago, regrabaciones constantes y sendos otros incidentes llevaron al director Mike Hodges a referirse a esta película como “la única película improvisada de 27 millones de dólares en la historia”. El mismo Jones abandonó la producción dejándola inconclusa, por lo que algunas de sus escenas fueron filmadas por un doble y muchos de sus diálogos tuvieron que ser doblados.

    Y la verdad es que parte de tal pandemónium sí trasciende a la pantalla. Creo que uno de los principales fallos de la película es que nunca define su tono. En algunos momentos es chusca e infantil, pero en otros está cargada de erotismo y, en otros, tiene altas dosis de violencia… aunque, toda ella, eso sí, se ve de lo más camp.

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    Las actuaciones son increíblemente disparejas y, mientras a Jones y a Anderson hay momentos en que duele verlos, Max von Sydow se ve que está haciendo su mayor esfuerzo con el material de que dispone y Brian Blessed se ve a sus anchas en el papel del príncipe Vultan quien, según lo declara en sus memorias, era su personaje favorito de Flash Gordon cuando era niño.

    A pesar de todo, la película se distingue particularmente en dos rubros. El primero de ellos es, por supuesto, la música. El soundtrack de la película combina las composiciones sinfónicas de Howard Blake con los temas compuestos e interpretados por mi banda favorita de toda la vida, Queen. Hodges en algún momento consideró llamar a Pink Floyd para que se encargaran de musicalizar la cinta, sin embargo, la tarea recayó finamente en Queen –de quienes Dino De Laurentiis jamás había escuchado hablar antes de esta peli– y se mostraron entusiasmados con la idea casi de inmediato. El soundtrack de Flash Gordon, lanzado en diciembre de 1980, se convirtió en el noveno álbum de estudio de la banda y, francamente, me parece que supera con creces la calidad misma de la película.

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    El segundo elemento que sobresale de la cinta es el diseño de arte. Siguiendo una estética glam, los sets y los vestuarios, que recogen influencia del Art Decó que originalmente vio nacer a Flash Gordon y de la moda tradicional del Lejano Oriente, son verdaderamente impresionantes. Una de mis piezas de vestuario favoritas en la historia es el traje de gala de Ming, que pesaba alrededor de 30 kilos, por lo que von Sydow sólo podía llevarlo puesto por cortos periodos de tiempo.

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    Por desgracia, todo ello desmerece con la calidad de la producción. A pesar de que la fotografía es muy buena y fue dirigida por Gilbert Taylor, quien también dirigiera la fotografía de Repulsión (Polanski, 1965) y La guerra de las galaxias, los sets de la película nunca logran perder ese aspecto: el de que son sets y toda la cinta fue filmada en estudio. Además, los efectos visuales son malos hasta para la época.

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    Muchas de las deficiencias de la producción intentaron justificarse a través de la nostalgia. Es decir, para ocultar el hecho de que la película se veía chafa y pasada de moda, trataron de justificarlo con que era un tributo a los seriales de los 30… digo, porque de otro modo no concibo que alguien tuviera el valor de mostrar en pantalla algo como los lizard-men en 1980.

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    Originalmente, los actores principales habían firmado contrato para una trilogía; sin embargo, el estrepitoso fracaso de taquilla de la película en los Estados Unidos y el hecho de que apenas pudo recuperar su presupuesto después de su estreno internacional frustraron cualquier plan para una secuela. SPOILER Incluso el final de la película, que es un fusil/tributo al final de El horror de Drácula (Fisher, 1958), deja abierta la puerta para una secuela –en la que Klytus regresaría como el villano principal– que nunca existió. TERMINA SPOILER

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    A pesar de todo lo anterior, la verdad es que el resultado final me parece genial. Flash Gordon es muy entretenida y, a pesar de su enorme cantidad de enormes fallos… o precisamente debido a ellos, es toda una experiencia verla, pues no se parece a ninguna otra. Pauline Kael de The New York times ha dicho de ella que “Es como un cuento de hadas que sucede en una discoteca en las nubes” y el legendario crítico de cine Roger Ebert la llamó “una extravagancia chiclosa y boba, pero muy entretenida”. Lo que es indiscutible es que, casi desde su estreno, Flash Gordon se convirtió en una película de culto que aún hoy día sigue siendo un referente en la cultura pop del siglo pasado.

PARA LA TRIVIA: En los seriales cinematográficos de los 30, Buck Rogers y Flash Gordon eran interpretados por el mismo actor: Buster Crabbe, quien también llegó a dar vida a Tarzan.

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PSICÓPATA AMERICANO

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PSICÓPATA AMERICANO

American Psycho

 

Mary Harron, 2000

¿Qué sucede cuando se adapta una versión fílmica de la que probablemente sea la novela —estadounidense, al menos— más controvertida de la década? Si se adapta bien, quiero decir. Pues se obtiene una de las películas más controvertidas de la década. He de decir, eso sí, que en el momento de su estreno esta cinta dividió al público; pero que, conforme ha pasado el tiempo, ha encontrado su lugar.

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    La novela original American Psycho fue escrita en 1989 por el enfant terrible de la literatura estadounidense de la segunda mitad del siglo XX, Bret Easton Ellis. Sin embargo, el texto resultó tan escandaloso que la editorial con la que trabajaba Ellis, Simon & Shuster, se negó a publicarlo argumentando “diferencias estéticas”; por lo que fue rescatado por Vintage Books y publicado finalmente en 1991 en medio de la polémica. El libro recibió duras críticas que lo tacharon de misógino, pornográfico y violento sin sentido, e incluso fue prohibido en Canadá a mediados de los 90, cuando se descubrió que el asesino serial Paul Bernardo poseía una copia.

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    Pero lo que la crítica no vio, deslumbrada por los pasajes francamente gorno de la novela, es la maravillosa y sutil pieza de humor negro escrita por Ellis. A través de una narrativa completamente caótica que transmite la personalidad obsesiva y el deterioro mental del protagonista Patrick Bateman, el autor construye una ácida y filosa sátira social que se burla del consumismo, la frivolidad y, sobre todo, de la subcultura yuppie. Es una comedia de costumbres y de equivocaciones.

    La película es una adaptación bastante fiel al libro, aunque bastante resumida y un poco más ordenada, que narra la historia de un ejecutivo de Wall Street, Patrick Bateman (Christian Bale en el papel que lo lanzó al estrellato), a quien su existencia vacía y sin propósito saturada con las presiones sociales de estar siempre a la moda y llevar una vida chic llena de opulencia han llevado más allá del límite de la cordura. Sus ejemplos a seguir son Donald Trump, Ted Bundy y Ed Gein. Bateman es adicto a los medicamentos de prescripción, a la pornografía y a los Talk Shows… por no mencionar que es un asesino serial que gusta de torturar y asesinar salvajemente a indigentes, prostitutas, compañeros de trabajo y citas fallidas al compás de música pop de los ochenta.

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    El primer interesado en llevar a la pantalla grande el texto de Ellis fue el director de cine gore que nos trajo Herbert West: Re-Animador (1985), el legendario Stuart Gordon, quien pretendía convertir la novela en una película de horror filmada en blanco y negro. Más tarde, el director canadiense David Cronenberg, maestro del Horror Corporal, mostró interés en dirigir la adaptación e incluso Norman Snider, quien escribió el guión de Pacto de amor (1988), había escrito un guión. El mismo Bret Easton Ellis había escrito un guión.

    Sin embargo, el proyecto finalmente cayó en las manos de la directora novel Mary Harron, quien había conseguido bastante notoriedad en el Festival de Sundance con su primer largometraje Yo le disparé a Andy Warhol (1996). La cineasta tomó la película como un reto, pues no estaba segura de que pudiera adaptarse el libro de Ellis y, al mismo tiempo, como un vehículo para definir su postura como artista independiente y alejarse del cine mainstream.

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     Todo iba más o menos bien hasta que alguien le dio el pitazo de que el proyecto se estaba cocinando a Leonardo DiCaprio, quien se encontraba en la cima de la popularidad tras protagonizar Titanic (Cameron, 1997), y de inmediato se interesó en producir la película y protagonizarla. Harron creyó que era una de las peores ideas que había escuchado y se rehusó a incorporar a DiCarpio en la producción, por lo que fue despedida.

    El proyecto quedó a la deriva mientras se barajaban nombres de directores reconocidos para reemplazar a la directora. Martin Scorcesse y Danny Boyle fueron considerados para el puesto; pero fue hasta que Oliver Stone hizo la primera lectura del guión con Leo y Cameron Diaz, en la que los tres sugirieron infinidad de cambios, cuando se dieron cuenta de que la nueva dirección del proyecto no iba a funcionar. Finalmente, DiCaprio se desesperó y se fue a filmar La playa (Boyle, 2000).

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    La casa productora Lionsgate recontrató a Mary con la condición de que no llamara a Bale para el papel de Bateman. Hábilmente, la directora le dio al estudio una lista de posibles reemplazos que sabía que no aceptarían el papel: Ewan McGregor —quien era amigo personal de Bale, por lo que una llamada telefónica de éste pidiéndole que no aceptara el proyecto lo resolvió todo—, Vince Vaughn —que no pudo porque estaba ocupado filmando el penoso remake de Psicosis (Van Sant, 1998)— y Edward Norton, quien simplemente dijo que no. Sin más opción, Lionsgate aceptó a Bale en el papel.

    La producción, que ya de por sí había sido complicada, no estuvo exenta de contratiempos, siendo el principal de ellos una campaña de desprestigio. Harron decidió filmar en Toronto —Así es, esta película ambientada en Nueva York y que todos creímos que se filmó en la Gran Manzana en realidad se filmó en Canadá—, lo que desató la indignación de una asociación civil canadiense contra la violencia en el entretenimiento. Esta asociación logró que la gran mayoría de las locaciones en las que la película iba a ser filmada se echaran para atrás, por lo que Psicópata americano no sólo no se filmó en Manhattan; sino que se filmó mayormente en estudio.

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    En un primer visionado uno podría pensar que quien escribió el guión de la cinta simplemente se limitó a cortar y pegar fragmentos del libro y a darles un orden más coherente; pero no es así. En ciertos momentos pareciera que la película es una parodia de la novela, que a su vez ya es una especie de parodia… lo que vuelve todo esto una metaparodia… o algo así.

    Uno de los grandes logros de esta película es que precisamente conserva el tono del texto en el que está basada. La novela de Ellis mezcla de manera magistral pasajes de horror puro con el gore más estrafalario y otros pasajes de lo más cómico. Recuerdo ir en el transporte público y sentirme asqueado mientras leía, sólo para carcajearme al llegar a la siguiente estación del Metro entre las miradas de las demás personas —me pregunto si el objetivo de Ellis era que el lector pareciera psicópata—. Esta cinta es un chiste macabro y de pésimo gusto que no sólo se burla de los yuppies y su estilo de vida, sino de las películas de asesinos seriales en general.

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    Precisamente una de las consignas de Harron al adaptar la cinta fue la de no caer en la tentación de convertir la película en un estudio de personaje dándole un background psicológico y profundo a Bateman. ¡El tipo está loco y ya! Y el círculo social a su alrededor está tan enajenado con el consumismo que nadie parece percatarse de ello. Es más, como todos sus amigos siguen las mismas tendencias de la moda e incluso tienen más o menos el mismo tipo físico, les es prácticamente imposible reconocerse unos a los otros, por lo que cuando Patrick comienza a dar cuenta de ellos, nadie lo nota.

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    Si algún fallo tiene esta película es que es demasiado fresa comparada con el libro, pero… ¿no lo son todas? Me refiero a que las escenas de asesinatos son mucho más espectaculares en la novela —¿Dónde quedó la escena en la que Patrick mete una rata en la vagina de una de sus víctimas?— y en la peli nunca mencionan el canibalismo del protagonista. Y por cierto, uno de mis pasajes favoritos quedó fuera: el del niño que Bateman mata en el estanque de los pingüinos en el zoológico de Central Park. Y es de mis favoritos porque creo que en él Ellis alcanzó el tono grotesco por excelencia. La escena es horrorosa, pero terriblemente cómica al mismo tiempo.

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    Creo que esta cinta es un nuevo clásico del cine de asesinos y, aunque en su momento quizá no fue valorada justamente, se ha afianzado como un referente de la cultura pop de nuestros días. Por no mencionar que su legado sentó las bases de una de mis series de televisión favoritas: Dexter (2006-2013).

A PARTIR DE AQUÍ EL TEXTO CONTIENE SPOILERS

Sin embargo, el mayor acierto de esta película es que conserva la ambigüedad del libro. Cuando uno termina de ver la cinta persiste la duda: ¿Realmente es Patrick Bateman esta bestia sádica sedienta de sangre? ¿O es este Alter Ego simplemente el producto de una imaginación frenética que encuentra en fantasías depravadas la única válvula de escape de una existencia completamente insatisfactoria? Es decir, como sea, Bateman está loco; pero quizás el horror no está en el espectador que es testigo de sus actos atroces, sino en el que alguna vez se ha sentido tan aburrido o tan frustrado que ha tenido fantasías similares… y nadie se percató de ello.

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PARA LA TRIVIA: Tanto Jared Leto como Robert Sean Leonard (mejor conocido como el Dr. James Wilson en House M.D.) audicionaron para el papel de Patrick Bateman. Leonard fue rechazado, pero Leto obtuvo el papel de Paul Allen en la cinta.

PARA LA TRIVIA GEEK: En la novela, las amigas de Bateman se refieren a él con el apodo de “Batman”, lo que es curioso porque Bale interpretaría al Hombre Murciélago cinco años después en Batman inicia (Nolan, 2005).

 

Fuente:

Rue Morgue Núm. 157, Julio de 2015. Pp.16-22.

 

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