Aquellos de ustedes, queridos lectores, que llevan un rato siguiéndome ‒aprovecho la oportunidad para agradecérselos‒ habrán notado que prácticamente nunca publico noticias. Sin embargo, anoche, mientras surfeaba en la red buscando notas sobre la última cinta de Star Wars, me encontré con esta nota. La misma incluye una entrevista en la que Kathleen Kennedy, presidenta de Lucasfilm, en la que hace inesperadas revelaciones sobre los próximos planes de Disney para la saga e Star Wars.
La traducción del artículo, aparecido en el número 426 de la revista Variety, es mía.
“Toda la polémica desatada por la inconformidad de los fans hacia The Last Jedi nos ha ayudado para saber qué es lo que realmente quieren los fans” Aseguró Kathleen Kennedy, directora de Lucasfilm, en entrevista exclusiva a la revista Variety. “La ola de comentarios en redes sociales ha sido un indicador muy importante para guiarnos en la dirección correcta y puedo decir que, como productora, estoy muy emocionada por las nuevas oportunidades que se abren”.
En esta misma entrevista, Kennedy aseguró que no descarta la propuesta de dejar la última entrega de la saga fuera del tan mencionado “canon”: “Claro, si eso es lo que los fans quieren, debemos considerar su opinión; han sido tan generosos con su tiempo, con su interés, con sus conocimientos y están siempre tan emocionados por ver qué es lo que estás haciendo, que ya están a bordo. Después de todo, es gracias a los fans que Star Wars se ha mantenido durante cuarenta años como una de las marcas líderes en la industria del entretenimiento.”
Sin embargo, la exproductora de Amblin Entertainment y mano derecha de Steven Spielberg en proyectos como Los cazadores del Arca Perdida (1981) y Parque Jurásico (1993) declaró estar más interesada en otros cambios al canon: “Estábamos esperando el momento indicado para soltar la bomba; y creemos que, tras la polémica de The Last Jedi, ese momento ha llegado: a través de Disney, Lucasfilm ha logrado recuperar los derechos del Especial de Navidad de Star Wars (Binder y Acomba, 1978). Las negociaciones con CBS se dieron a lo largo del semestre pasado, pero no quisimos revelar nada para no arruinar la sorpresa”.
Según lo declarado por la productora a la revista, el Especial de Navidad de Star Wars sería reinsertado en el canon oficial de la saga: “La historia sucedería casi inmediatamente después de los eventos del Episodio IV” declaró antes de revelar otras características del proyecto: “Tuvimos acceso al video master de ¾” y logramos remasterizarlo en 4K; por lo que en la Edición Especial en Blu-Ray la imagen tendrá colores más vívidos, imágenes más nítidas y, en general, se verá mucho mejor que cuando se estrenó por televisión. También pudimos remasterizar el audio en THX, por lo que los números musicales se escuchan mejor que nunca”.
“Tenemos otras sorpresas” continuó “Hemos reinsertado escenas que fueron eliminadas del show original, también hemos logrado colar a algunos personajes de la saga en las escenas que ya estaban gracias a la magia del CGI y, en general, le dimos el tratamiento que el mismo George Lucas le hubiera dado a una edición especial… y sí, hay más números musicales de la princesa Leia”.
El Especial de Navidad de Star Wars será lanzado en streaming en abril próximo y simultáneamente en Disney DVD y Disney Blu-Ray a través de la Colección Diamante de la Casa del Ratón. Kennedy también aseguró que el proyecto por reinsertar en el canon programación alternativa de Star Wars casi con seguridad incluirá, en etapas posteriores, las series de dibujos animados Ewoks (1985-1987) y Droids (1985-1986), así como las películas live-action directas a video de los Ewoks, La aventura de los Ewoks (Korty, 1984) y Ewoks: la batalla de Endor (Hnos. Wheat, 1985).
¡Es esa época del año de nuevo! La temporada navideña, según los comerciales de la TV, es una época para compartir con nuestros seres queridos y convivir en familia. También, ¿por qué no? Es una época ideal para disfrutar de una película en familia… ¿seguros? Porque hay algunas películas navideñas que son tan espantosas que bien podrían causar la desintegración familiar.
Por supuesto, también es una época ideal para que esos vivales de Hollywood se llenen los bolsillos con peliculitas producidas al vapor con el único ánimo de estafar a los incautos aprovechando la temporada.
Antes de que empiecen a pensar “al amargado del Cinéfilo Incurable odia la Navidad porque es mainstream”, o que soy Scrooge ‒hago una buena imitación del Grinch, eso sí‒ o no sé qué, sépanse que sí me gusta la Navidad. Me gustan las lucecitas de colores y que me den regalos… ¡Ah! Y me gustan por igual el turrón de Jijona y el de Alicante.
Así pues, aquí les presento una selección de películas de Navidad que me parecen tan odiosas que sólo recomiendo que las vean en compañía de esos parientes que les caen mal… Ahora que, si por otro lado, lo que quieren saber son recomendaciones de películas de Navidad que sí me gustan, los invito a que le echen un ojito a mi artículo de Películas de terror navideñas o al de Películas navideñas de Tim Burton.
Por favor, recuerden que esta lista se basa únicamente en mi apreciación personal y que la intención es divertirnos un rato. También cabe aclarar que no se trata de películas navideñas malas, que de ésas algunas tienen su encanto, como la mexicana Santa Claus (Cardona, 1959) o la legendaria Santa Claus contra los marcianos (Webster, 1964); sino de aquéllas que, aparte de malas, son odiosas.
5.- GRITOS EN LA OSCURIDAD (remake de Residencia macabra)
Black Christmas, Glen Morgan, 2006.
Estaba pensando poner en este lugar a Santa Cláusula (Pasquin, 1994); pero la verdad es que tiene sus momentos… uno puede ver los chistes buenos y adelantar el resto de las escenas y se la pasará bien.
Me encanta la película original de Residencia macabra (Clark, 1974). Las guapísimas Olivia Hussey y Margot Kidder son acosadas en la casa de la fraternidad universitaria por un misterioso asesino en serie durante la Nochebuena.
El remake es más o menos lo mismo; pero con la participación de la guapísima Michelle “Tengoveinticincoañosdecarrerasinquelagentepuedaacordarsedemí” Trachtenberg. Es más fresa que la original ‒sí, aún con la escena de incesto y todo eso‒, aburrida y mete una historia secundaria sobre el origen del asesino que no sólo es inverosímil, sino completamente innecesaria.
Los personajes, que en la original eran interesantes y atractivos, en ésta son completamente anodinos y a uno apenas si le importa cuando caen presas del asesino… que tampoco da miedo, por cierto.
4.- MI POBRE ANGELITO 2: PERDIDO EN NUEVA YORK
Home Alone 2: Lost in New York, Chris Columbus, 1992
No, la primera película de Mi pobre angelito (Columbus, 1990) no fue ninguna joya de la cinematografía… más bien era una especie de episodio largo de Tom y Jerry; pero no estaba exenta de cierto encanto y nos hacía reír… también, me ha parecido siempre que es un gran argumento para una película de horror.
Pero la segunda parte… no sólo presenta un planteamiento aún más inverosímil que la primera, sino que se vuelve derivativa y ociosa. Tratando de no volverse pan con lo mismo, al mismo tiempo termina volviéndose pan con lo mismo y perdiendo el tiempo al presentar personajes secundarios completamente intrascendentes.
¡Oh, Tim Curry! ¿Por qué tienes que desperdiciarte en pura película pitera?
Al menos sigue siendo graciosa por momentos, porque las que le siguieron… ¡Por Krampus! ¡Hatsa el trailer de Mi pobre angelito 2 es horrible, sólo véanlo!
3.-EL GRINCH
How the Grinch Stole Christmas, Ron Howard, 2000
El Grinch era un maloso aunque adorable personaje creado por el autor de libros infantiles conocido como Dr. Seuss. La primera adaptación de su cuento en verso a la pantalla fue un cortometraje animado dirigido en 1966 por el maestro de la animación Chuck Jones e interpretado por la voz del Misterioso Karloff, cuya música y animación son excelentes y que en ningún momento cae en la cursilería propia de las películas de temporada.
La versión Live-Action, por otro lado… es espantosa. En general, puedo decir que me gustan mucho las películas de Jim Carrey ‒digo, fui niño en los 90‒; pero ésta de verdad creo que no logra llegar a ningún lado. El diseño de arte se esfuerza en crear tantos detalles en todos los personajes, el vestuario, la utilería, los decorados… sólo para que todo luzca atiborrado en tomas en las que nada puede apreciarse claramente.
¿Y por qué todos los personajes deben parecer oligofrénicos?
2.- ERNESTO SALVA LA NAVIDAD
Ernest Saves Christmas, John R. Cherry III, 1989
Hay una tradición más arraigada aún en la sociedad occidental que la misma Navidad: glorificar a los idiotas a través de una pantalla ‒y para quien aún tenga dudas, le recuerdo que Keeping Up with the Kardashians (2007-) va en su décima temporada‒. Por suerte para el actor y comediante estadounidense Jim Varney, esta costumbre le dio trabajo por más de una década gracias al personaje creado por la agencia de publicidad Carden & Cherry, Ernest P. Worrell. El molesto personaje después obtuvo su propia serie de TV y protagonizó películas, para video y cine, que se estrenaron desde finales de los 80 hasta principios de los 90.
En Ernesto salva la Navidad, el bien intencionado aunque francamente imbécil Ernesto, acompañado por un par de elfos, ayuda a Santa Claus a encontrar a su sucesor en medio de un montón de aventuras de pastelazo.
MENCIÓN HONORÍFICA: ESPECIAL DE NAVIDAD DE STAR WARS
Star Wars Holiday Special, Steve Binder y David Acomba, 1978.
Quizá este programa de TV debió estar en el primer lugar; pero la cosa es que no es una película como tal, sino un programa de variedades para televisión con varios numeritos hilados por la endeble historia de Chewbacca (Peter Mayhew) y Han Solo (Harrison Ford… lo juro sobre mi figurita empacada de Biggs Darklighter de POTF2), quienes van de regreso a casa del wookiee a tiempo para celebrar el Día de la Vida. Sin embargo, un bloqueo imperial les impide arribar a tiempo, por lo que la familia de Chewie mata el tiempo con extrañísimas formas de entretenimiento.
No sé qué sea peor en este especial… la falta de cualquier cosa parecida a un argumento, el abuelo wookiee pervertido ‒¿por qué el regalo que le dan al abuelo es una película porno con humanos?… ¿Y por qué él parece tan complacido?‒, el hecho de que prácticamente todos los actores de la película original repitieron sus roles en este especial ‒¿alguna vez sintieron curiosidad por saber cómo se vería Mark Hamill en maquillaje de Barbie? Aquí está la respuesta‒, o el numerito de Carrie Fisher cantando… o todas las anteriores en pantalla durante dos malditas horas.
Digo, no todo es malo… los wookiees animatrónicos fueron creados por el legendario Stan Winston y el segmento animado al final del especial incluye la primera aparición en pantalla del cazarrecompensas favorito de todos, Boba Fett; pero no vale la pena la tortura. El resto es mierda… así, humeante, apestosa y con mosquitas revoloteando alrededor.
1.- LA NAVIDAD DE MADEA
A Madea Christmas, Tyler Perry, 2013.
El comediante afroamericano Tyler Perry produce, escribe, dirige y protagoniza esta octava (de once) entrada en la ridículamente rentable franquicia de películas de su personaje Mabel “Madea” Simmons; una cínica mujer mayor que siempre tiene la última palabra sobre prácticamente todo y habla con un desagradable tono de voz para hacer chistes racistas sobre negros y blancos por igual.
Nunca he podido encontrarle la gracia a Madea. Nunca. No sé por qué; será cuestión de idiosincrasia, de que me gusta la comedia o más ramplona o más sofisticada y Madea está en una especie de punto medio… o quizá tenga que ver con que este personaje, que parece heredado del blaxploitation, de verdad no es gracioso.
La trama es pan con lo mismo ‒de hecho, la película primero fue una obra de teatro…‒, los chistes no son divertidos y, habiendo tanta película familiar para Navidad, uno puede obviar ésta sin culpa alguna. Sea como fuere, cada película de Madea duplica o hasta triplica su presupuesto en recaudación de taquilla, así que no parece que vayan a dejar de hacerlas pronto.
Aún entre las películas de Madea, que ya de por sí son de calidad más bien dudosa, La Navidad de Madea sobresale por su mal cuidada factura.
Así pues, como podrán ver, hasta ese especial de TV de Navidad con Kenny Rogers y Dolly Parton puede tener su encanto si se sabe buscar… estas pinches películas no. Gracias a todos por leerme, les deseo que pasen felices fiestas y por aquí nos leemos.
¿Alguna vez tuvieron uno de esos profesores que se la pasaban tratando de hacerse los graciosos contando chistes malos y que sólo daban ganas de que se callaran y dieran la maldita clase? Bueno, pues así se siente esta película. Hay algunas secuelas, como La masacre de Texas 2 (Hooper, 1986), que abiertamente son parodias de sus primeras partes, incluso hay algunas, como La novia de Frankenstein (Wale, 1935) o Gremlins 2: la nueva generación (Dante, 1990), que resultan geniales en ello. Pero no Los últimos Jedi. Ni siquiera creo que hayan intentado parodiar Star Wars deliberadamente, realmente no estoy muy seguro de qué fue lo que quisieron con esta película… además de vender juguetes, claro.
Antes de empezar, quiero hacer tres aclaraciones: Primero, el texto tiene varios spoilers, mismos que he señalado debidamente, y puede leerse perfectamente saltándose esas partes. Segundo, que el canon de Star Wars me lo paso por el arco del triunfo, y sólo considero canon lo que se ve en pantalla en las películas. Todo lo que pasó, pasa o pasará en los cómics, videojuegos o series de TV queda fuera. Finalmente, que soy muy fan de Star Wars desde que estaba en la primaria, tengo videos que lo prueban; pero que sea fan no quiere decir que no tenga criterio o que sienta la necesidad de defender a ultranza aquello que es indefendible.
La historia continúa justo donde se quedó El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015) y sigue a Rey (Daisy Ridley), quien ha encontrado finalmente al autoexiliado Luke Skywalker (Mark Hamill), buscando entrenarse en las artes Jedi. Mientras tanto, la Resistencia dirigida por la generala Leia Organa (Carrie Fisher en su última aparición en pantalla) vive un momento crítico luego de que el intrépido piloto Poe Dameron (Oscar Isaac) lidera un ataque no autorizado en contra de la flota de la Primera Orden; lo que no sólo desencadena un feroz contraataque por parte de ésta, sino que también provocará un cisma en el que los miembros de la Resistencia sacarán lo peor de ellos mismos. Al mismo tiempo, Kylo Ren (Adam Driver) busca desesperadamente a Rey, con quien descubre un nuevo vínculo, para atraerla al Lado Oscuro.
Si El despertar de la Fuerza fue una bonita fábula sobre el libre albedrío, Los últimos Jedi habla sobre las expectativas que los demás se hacen sobre nosotros y cómo éstas influyen, para bien o para mal, en la forma en que nos conducimos.
Quizá el más grande acierto de esta película sea su propuesta estética. La mayoría de las cosas en pantalla se ven geniales ‒incluso esas escenas que ni siquiera parecen parte de una peli de Star Wars… digo, se ven fuera de lugar; pero están bien fotografiadas‒. Las batallas espaciales, las batallas en la superficie de los planetas, los vestuarios e incluso la mayoría del CGI se ve espectacular. Me encantó el diseño de la cámara del trono del Líder Supremo Snoke (Andy “Gollum” Serkis) y de sus guardias pretorianos.
También está padre que la Primera Orden aprendiera de los errores del Imperio y que su versión de los AT-St’s pueda saltar y sus AT-M6’s (basados en los AT-AT’s) tengan las patas reforzadas… al menos así se compensa que sigan poniéndoles puntos débiles evidentes a sus armas de destrucción masiva.
SPOILER También me gustó mucho que finalmente se enfrentaran cara a cara Finn (John Boyega) y Phasma (Gwendoline Christie). La escena es breve, pero es espectacular y está a la altura de los contendientes. TERMINA SPOILER
Y ya. Eso fue lo que más me gustó. La verdad es que el resto de la cinta me dejó más bien insatisfecho por las razones que expondré a continuación.
El guión no me acabó de convencer. Por principio de cuentas, hay demasiados chistes forzados ‒por momentos sentía que estaba viendo una de las parodias de Padre de familia, sólo que sin gracia‒ que incluso llegan a abusar del slapstick, casi me sorprendió que no saliera Jar Jar Binks. Por otro lado, la mayoría de los diálogos se sienten forzados y acartonados, SPOILER incluso los textos de Luke y de Yoda (voz de Frank Oz) se sienten frívolos y mal trabajados TERMINA SPOILER. Hasta aquellos textos que son un poco más densos o que son importantes para la trama pierden su efectividad al ser rematados con algún chascarrillo innecesario.
La narrativa se siente algo barata; pero, sobre todo, se siente tramposa. La historia está llena de vueltas de tuerca dentro de las vueltas de tuerca dentro de las vueltas de tuerca que, de todos modos, dejan a los personajes, al final de la peli, prácticamente como empezaron. En El Imperio contraataca (Kershner, 1980) la historia tampoco avanza mucho; pero por lo menos se dedica a profundizar en las relaciones entre los personajes y su desarrollo psicológico. SPOILER En Los últimos Jedi parece que quieren tomar esta dirección y se meten en una serie de vericuetos en la relación entre Rey y Kylo que, al final, terminan en nada. ¿No parecía que Ren se convertiría a luz y que Rey sería seducida por el Lado Oscuro? ¿No hubiera sido eso interesante? ¿No hubiera sido padre ver a los dos peleando en el mismo bando, fuera cual fuere? No. Según Johnson, quien también escribió la película, no lo era y al final, los dos terminan como empezaron TERMINA SPOILER.
Del mismo modo, odio cuando las secuelas tiran por la borda lo que planteó la película anterior ‒Alien: Covenant (Scott, 2017), te estoy viendo a ti‒ y Los últimos Jedi lo hace con la más holgada despreocupación. SPOILER ¿Querían saber quiénes fueron los verdaderos padres de Rey? Créanme, la respuesta los decepcionará y Snoke se muere sin que sepamos quién era, por qué tenía tanto poder o cómo logró el advenimiento de la Primera Orden TERMINA SPOILER. También me fastidia un poco que casi todas las razas alienígenas que aparecían en la Trilogía Original parecen haberse extinto de repente.
Y al menos ésas son las partes de la película que tienen cohesión. Toda la subtrama de la misión secreta de Finn y Rose (Kelly Marie Tran) se siente como un montón de cosas que van pasando y ya. A final de cuentas, a la película se le siente mucha paja, mucho relleno, muchas cosas sobran y las que sí deberían estar ahí no están; muchas cosas pasan sin tener una razón evidente y las motivaciones de los personajes son súper flojas.
Eso sí, la cinta se compone en el tercer acto y mejora mucho; pero para ese momento el daño ya está hecho. En realidad, para lo poco que avanza la trama, el primero y segundo actos se sienten innecesarios. Y, de todos modos, el tercer acto termina en un epílogo que ni siquiera parece de una película de Star Wars y se siente completamente fuera de lugar.
Lo que es más, para cuando la película terminó, sentí que había permanecido más de tres horas en el cine. La cinta dura sólo dos horas y media ‒aun así, es la película más larga de la franquicia‒. Cuando una peli se percibe más larga de lo que en realidad es, es una muy mala señal.
Luego están el tono y el ritmo. Como lo mencioné arriba, la película está en un tono de comedia ramplona que simplemente no le va. Me da la impresión de que los realizadores buscaban hacer una cinta oscura y densa; pero les dio miedo alejar al público infantil y decidieron volverla “chistosa”. Aun con sus fallos, la historia que se cuenta es interesante, pero simplemente el tono no le ayuda nada.
El ritmo de la cinta y la forma en la que finalmente fue montada son completamente frenéticos. Las tomas no tienen el tiempo suficiente para contar todo lo que deben y momentos que deberían ser emocionalmente profundos pasan casi desapercibidos debido a la prisa con la que se está contando la historia. Incluso la pirotecnia de las batallas pierde mucha de su magnificencia porque simplemente la película va demasiado rápido ‒esto también mejora un poco en el tercer acto‒. Es muy curioso ver cómo la narración va súper acelerada, pero al final de la peli se siente como si no hubiera pasado mucho… o sea, la película pierde el tiempo prodigiosamente.
Así como el tono de la película no es el más adecuado, la dirección de actores también resulta poco eficiente. Como para adecuarse al alocado ritmo con el que se montaría la cinta, la mayoría de los actores están todo el tiempo en un tono casi histérico que, a la larga, no sólo se nota artificial y poco natural; sino que resulta cansino. No es que los actores sean malos, incluso algunos tienen momentos verdaderamente brillantes, sólo creo que el director no tuvo el mejor tino para trabajar con ellos. Incluso Laura Dern y Benicio del Toro ‒quien finalmente se integra a la saga, casi 20 años después de rechazar el rol de Darth Maul en Episodio I (Lucas, 1999)‒ se sienten desaprovechados y un poco fuera de juego.
Honestamente, estoy muy en desacuerdo con quienes dicen que Disney echó a perder Star Wars… ese honor le corresponde a George Lucas. Y también creo que los realizadores de esta película cometieron muchos de los mismos errores que cometiera George Lucas con Episodio I y el resultado, al igual que el fallido inicio de la Trilogía de Precuelas de Lucas, quizá se convierta en parte de los menos memorable de la saga.
Fin. No pasó nada. Ni se acabó el mundo, ni me pondré a despotricar en contra de Disney ni dejaré de consumir películas de una de mis sagas cinematográficas favoritas. Simplemente, creo que es una mala entrada de la franquicia y ya, ni siquiera es la peor. De todos modos, así como Leia se aferró a la esperanza hasta el final , siempre existe la esperanza de que la siguiente entrega de la saga sea mejor… después de todo, ya sacan estas madres cada año, ¿no?
De tal suerte, el Starwarsómetro del Cinéfilo Incurable, que ordena las películas de la saga de la peor a la mejor únicamente con base en mi apreciación personal, quedaría así:
PARA LA TRIVIA: Según lo declaró en entrevista a la revista Fanity Fair, luego de leer el libreto de Los últimos Jedi, Mark Hamill le dijo a Rian Johnson: “Estoy fundamentalmente en desacuerdo con cada una de las decisiones que has tomado para este personaje.” y luego completó: “Ahora, ya que lo he dicho y lo saqué de mi pecho, mi trabajo es tomar lo que has creado y dar lo mejor de mí para realizar tu visión”.
Los insectos están realmente bien diseñados por la naturaleza. […] Pero no los encuentro admirables en su función, social o espiritualmente. Y creo que por eso les tememos, porque tienen una completa falta de emoción. Son verdaderos autómatas vivientes de la naturaleza.
Guillermo del Toro.
Existen dos versiones de esta película. La original de 1997 y la Edición del Director de 2011. La diferencia está en 6 minutos de escenas reinsertadas y extendidas, así como algunas secuencias alternativas que fueron cambiadas ‒muchas de ellas fueron filmadas originalmente por el director y cambiadas por los productores durante la edición‒ para acercar la película lo más posible a lo que del Toro propuso originalmente. Del mismo modo, el ritmo de la peli es un tanto diferente. Aun así, honestamente he de admitir que los cambios hechos en la Edición del Director logran aportar poco a la película que ya existía. Esta reseña es sobre la Edición del Director.
La primera película de Guillermo del Toro producida en EE.UU. fue una experiencia más bien desagradable para el director jalisciense. En la edición original de la película, uno casi puede tomar un marcador y trazar sobre la pantalla una línea en el momento justo en el que la dirección de la cinta le fue arrebatada a del Toro por los productores ‒más o menos cuando la peli lleva una hora y diez‒, quienes volvieron a filmar una cantidad considerable de secuencias y montaron un corte final más orientado hacia el thriller de acción… y no sabían dirigir actores. Aun así, muchas de las ideas planteadas originalmente por el cineasta lograron colarse en la película… y, como para sacarse la espinita, muchas de ellas, sin importar si finalmente aparecieron en el filme o no, fueron recicladas en las novelas de la Trilogía de la Oscuridad (2009-2011), escritas por del Toro al alimón con Chuck Hogan.
La película cuenta la historia de la Dra. Susan Tyler (Mira Sorvino, quien acababa de ganarse un Oscar como Mejor Actriz de Reparto), una entomóloga quien, por petición del Centro de Control de Enfermedades, creó un insecto híbrido que acabaría con las cucarachas de la Ciudad de Nueva York, mismas que eran portadoras de una terrible enfermedad que estaba diezmando a la población infantil. Tres años después, extraños asesinatos comienzan a ocurrir en los barrios bajos de Manhattan. Cuando el asesino parece no ser humano, sino estar relacionado con los experimentos de Tyler, ella, junto con su esposo, el Dr. Peter Mann (Jeremy Northam), y un variopinto grupo de personajes, deberá descender al inframundo de las cloacas y las estaciones del Metro para encontrar al responsable.
Aun a pesar de los esfuerzos de Dimension Films por convertir la cinta del director mexicano en una película de acción con elementos de Sci-Fi Horror más del montón, y de acusarlo de “tratar de hacer una película de arte a partir de una película de bichos de Serie B”[1], Mimic logra sobresalir por la calidad de su factura. Aun los elementos que podrían ser clichés o lugares comunes de este tipo de películas, se ven contrarrestados por los sellos autorales del tapatío.
Su obsesión por los insectos, los mecanismos de relojería, las crisálidas ‒la secuencia de los pabellones de cama del hospital fue odiada por los productores desde que se filmó‒, la iconografía religiosa ‒de hecho, una de las ideas originales para la peli era que los indigentes adoraran a los insectos mutantes como ángeles; pero fue descartada‒, el ámbar, la pérdida de la inocencia en los niños, la relación abuelo-nieto ‒aunque en esta peli casi parecen Gepetto y Pinocho‒, y las cuevas y túneles convierten esta reinterpretación del Mito de Frankenstein casi en una película de autor… digo, porque sin los recursos estilísticos del cineasta, la verdad es que no pasa de ser una nueva versión de El mundo en peligro (Douglas, 1954).
Ahora, con todo y los recursos estilísticos y la visión de autor, la película no puede ocultar que no fue filmada en Nueva York. Se filmó en locación en Toronto y en estudio en Los Angeles, y las tomas de establecimiento en las que aparece la isla de Manhattan son claramente secuencias de archivo. También se nota que sus secuencias al interior del Museo Americano de Historia Natural no se filmaron en dicho recinto.
El CGI también está medio chafón, incluso para la época. De hecho, mucho de lo que del Toro quería hacer con los insectos de la Cepa Judas no pudo lograrse debido a las limitantes de presupuesto. Los animatrónicos y efectos físicos, esos sí, se ven bastante bien, y el diseño de las criaturas está padre. Además, al menos en la Edición del Director, tienen el buen tino de no mostrar demasiado de ellas.
En general, las actuaciones son buenas. Y es muy curioso, porque de verdad uno puede fácilmente distinguir las escenas en las que del Toro tuvo la oportunidad de dirigir a los actores y aquéllas en las que los dirigió alguien más. Siguiendo el paradigma de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979), esta película sabe que los monstruos en la pantalla sólo son tan aterradores como los actores nos lo hacen ver ¡Y vaya si estos actores lo logran!
Y es que también tienen con qué trabajar. Si bien el guión no va a ganar ningún premio por originalidad, creo que su fuerte está en otros aspectos más allá de la historia que trata de contar. Los personajes son interesantes, algunos un tanto estrafalarios, pero aún así creíbles, y las relaciones entre ellos son complejas y profundas.
Del mismo modo, el guión desarrolla algunos juegos de opuestos muy funcionales. Por ejemplo, el hecho de que la mejor forma para los insectos de esconderse es a plena vista. O el niño Chuy (Alexander Goodwin) que, con su autismo, es más cercano a los insectos y es capaz de comunicarse con ellos de manera más eficiente que con los humanos. Está también la pareja de Susan y Peter quienes, por más que intentan, no pueden concebir un hijo, mientras que los insectos que crearon se reproducen de forma exponencial. La cuestión de que los insectos parecen máquinas ‒incluso sus garras suenan como si estuvieran hechas de acero templado, no mamen‒, pero son completamente orgánicos; a diferencia de los humanos que parecen orgánicos, pero utilizan máquinas para funcionar ‒como Peter, que está perdido sin sus anteojos‒.
La fotografía es excelente. El veterano Dan Lausten (cuyos créditos incluyen películas como Pacto con lobos [Gans, 2001], Terror en Silent Hill [Gans, 2006] o La cumbre escarlata [del Toro, 2015]) logra consolidar una propuesta estética que utiliza los claroscuros como herramientas narrativas y que recibe mucha influencia de la pintura religiosa del Barroco. El trabajo de Lausten logra crear una atmósfera densa y claustrofóbica que le da un nivel más profundo de terror a la película. Es como si alguien tomara la propuesta de fotografía de La reliquia (Hyams, 1997) y la hiciera bien.
A pesar del tortuoso camino que tuvo que recorrer, Mimic es una buena película, y significó un gran debut y una valiosísima lección para Guillermo del Toro. En su momento, fue bien recibida por la crítica… aunque no así por el público, quien al parecer no se sintió atraído por la propuesta de la cinta. De un presupuesto de 30 millones de dólares, en su corrida original en cines de EE.UU. la película recaudó 25 millones ‒es decir, ni siquiera recuperó su presupuesto‒; pero logró convertirse en una peli de culto con una nutrida y leal legión de fans y presentó al mundo a uno de los autores más influyentes del cine fantástico contemporáneo.
La cinta generó dos secuelas que aparecieron directo para video: Mimic 2 (De Segonzac, 2001) y Mimic 2: centinela (Petty, 2003) en las que Guillermo del Toro no tuvo nada que ver.
PARA LA TRIVIA: El papel de Manny originalmente fue pensado para el actor argentino Federico Luppi, con quien del Toro trabajara en su opera prima, Cronos (1993). Por desgracia, el inglés de Luppi era más bien malo y los productores decidieron cambiarlo por el italiano Giancarlo Giannini.
[1] Cfr. Del Toro, Guillermo y Marc Scott Zicree, Guillermo del Toro Cabinet of Curiosities. My Notebooks, Collections and Other Obsessions, Hamper Design, New York, 2013. P. 88
No tengo ningún reparo en decir que Stuart Gordon es uno de mis directores favoritos. De formación teatral, Gordon es en parte responsable por la popularidad de la que actualmente goza H. P. Lovecraft y me parece que hace un gran trabajo con actores, lo que le permite desarrollarse en casi cualquiera de los géneros que ha visitado; desde la comedia horrorífica de Herbert West, Re-Animador (1985), hasta el cine familiar de aventuras de Querida, encogí a los niños (escribió el guión, la dirección corrió a cargo del inepto profesional Joe Johnston, 1989); pasando por la acción-ciencia ficción de La fortaleza.
La primera vez que vi la película fue en un autobús. Y la segunda, también… la tercera vez ya la vi porque la renté de un videoclub; pero si no fuera por eso, creo que esta cinta se hubiera quedado como una más en mi lista de las “exclusivas del autobús”.
En el futuro (en el año 2017, de hecho), el gobierno de los EE.UU. ha implementado una ley que prohíbe a las parejas tener más de un hijo. El primer hijo del exmilitar John Brennick (Christopher Lambert con su voz de pato, a quien seguro recuerdan como Tarzán en Greystoke: La leyenda de Tarzán [Hudson, 1984] o como Raiden en Mortal Kombat [Anderson, 1995]) y su esposa, Karen (la guapa Loryn Locklin), nació muerto. Karen está embarazada de su segundo hijo y trata de escapar a Canadá para burlar a las autoridades estadounidenses. Sin embargo, justo en la frontera, el embarazo de Karen es descubierto y ella y John son arrestados y enviados a una cárcel de alta tecnología conocida como la Fortaleza. El complejo, concesionado a la empresa privada Men-Tel, se encuentra 30 pisos bajo tierra en medio del desierto, y cuenta con sofisticados y crueles equipos para contener y controlar a los prisioneros; por no mencionar que es dirigida por el maquiavélico director Poe (el siempre genial Kurtwood Smith, a quien seguro recuerdan como el malvado Clarence Boddicker en RoboCop, el defensor del futuro [Verhoeven, 1987]).
La película originalmente sería un blockbuster de alto presupuesto (se habían calculado alrededor de 60 millones de dólares) protagonizado por Arnold Schwarzenegger, quien levantó el proyecto después de ver Herbert West, Re-Animador y quedar maravillado con ella. Sin embargo, Schwarzenegger abandonó el proyecto para estelarizar El último gran héroe (McTiernan, 1993), llevándose a los grandes inversionistas con él.
La fortaleza que, de hecho, es una especie de remake de Condena brutal (Flynn, 1989), con Sylvester Stallone, y retoma un par de influencias de La conquista del planeta de los simios (Thompson, 1972), quizá sea una de las obras más débiles de Gordon. Durante su hora y media de duración en ningún momento puede quitarse ese aire camp que la envuelve. Las actuaciones están más o menos ‒hasta Smith, que suele ser bueno, queda a deber‒ y las motivaciones de los personajes son de lo más endeble; por no mencionar que los diálogos son completamente chiclosos y acartonados, y el guión tiene sendos huecos.
¡Pero cómo me gusta esta peli!
Mientras Brennick se encuentra recluido en la prisión, su esposa y el director Poe recrean lo que puede ser entendido como una reinterpretación de la Bella y la Bestia… o de Scherezade y Las Mil y una noches, para el caso. Lo que le da un toque más de melodrama a todo el show.
También hay algunos desnudos y una escena de sexo gratuito en la que… oh, esperen… ¿ésas son las pelotas de Christopher Lambert?…
Y sí, quizá las actuaciones no son buenas, Lambert apenas si actúa ‒aunque Gordon logra sacar lo mejor de él, como antes lo hiciera Hudson‒, y Clifton Collins Jr. y Tom Towles están atrapados en los papeles más estereotípicos que les pudieron encontrar; pero al final creo que todo el conjunto funciona bien. Además, no se pierdan al buen Jeffrey Combs, el actor fetiche de Gordon, en su eterno papel de nerd, como D-Day… ¡Ahora con el cabello largo!
A pesar de todo lo anterior y de que las limitantes del presupuesto saltan a la vista durante toda la peli ‒se ve que sólo construyeron un set del bloque de celdas y lo repiten ad infinitum a lo largo de la cinta, por ejemplo‒, la cinta logra hacer que el futuro que plantea sea creíble. A partir de sets bien diseñados y del uso de maquetas e ingeniosos efectos especiales, como la composición con pintura mate, la Fortaleza cobra vida, con sus monitores de pensamientos, sus celdas con barrotes láser, puentes retráctiles, giroscopios de tortura, camiones conducidos a control remoto y, las que quizá son las dos armas más interesantes de la película: el Intestinator y los Strike Clones.
Algo que me gusta mucho de esta cinta es que introduce conceptos interesantes que le agregan “carnita” a todo el asunto. De la mano de buenos efectos de maquillaje, junto con la dirección de Gordon, quien se dio a conocer en el cine gore, la peli introduce los llamados “Intestinators”. Se trata de sádicos aparatos que son implantados en los intestinos de los presos y que, si éstos sobrepasan ciertas líneas marcadas en el piso, les causarán un dolor agónico para después hacerles estallar el abdomen.
Los Strike Clones son los guardias de élite de la Fortaleza. Se trata de cyborgs controlados a control remoto por la computadora central, armados con ametralladoras de grueso calibre y lanzallamas. En el diseño de los Strike Clones puede notarse una marcada influencia de los Cylons de Galáctica (Colla, 1978); pero los Strike Clones se ven más rudos. SPOILER Además, nunca queda del todo claro, pero… ¿los Strike Clones son fabricados con los segundos bebés de las parejas que infringen la ley de un solo hijo? TERMINA SPOILER
Así pues, creo que La Fortaleza comparte su mayor debilidad con tantas otras cintas de (o con elementos de) Ciencia Ficción: Está muy preocupada y se vuelve meticulosa en la construcción de un futuro verosímil para que lo habiten sus personajes y, cuando lo ha logrado, ya no sabe qué hacer con ellos. La segunda mitad de la cinta va cuesta abajo en cuestiones de profundidad y es sólo un juego de Gato y el Ratón… uno muy divertido, con algunas vueltas de tuerca bastante decentes, pero una corretiza al fin y al cabo.
La recepción de la crítica fue variada; aunque en general la cinta fue catalogada como una más del montón. Por el contrario, la recepción del público fue extraordinaria, haciendo que esta peli, que costara tan solo 8 millones de dólares se embolsara casi 47 millones alrededor del mundo ‒bueno, en EE.UU. fue un fracaso que no pudo recuperar su presupuesto, pero le fue muy bien en el mercado internacional‒. La cinta generó una secuela (Fortress 2: Re-Entry [Murphy, 2000]) que no he podido ver, y una nutrida legión de fans alrededor del mundo. También, creo que es justo admitirlo, me parece que marcó el inicio de la debacle en la carrera del otrora Highlander como actor.
Por cierto, las cárceles mexicanas hacen que la Fortaleza parezca un resort.
PARA LA TRIVIA: Christopher Lambert padece de miopía severa y no puede ver prácticamente nada sin sus anteojos. Como tampoco le es posible usar lentes de contacto, Lambert con frecuencia actúa sin ver, lo que ha ocasionado que se lesione en repetidas ocasiones mientras ejecuta sus propios stunts.
El Cinéfilo Incurable 