Siempre me han gustado los comics y recuerdo muy bien que el primero que leí fue «Asterix y Cleopatra»; también recuerdo que leí algunos números sueltos de «El Hombre-Araña» (recuerdo muy bien haber leído el origen de Venom; pero ignoro dónde habrá quedado ese número…), «Karmatrón y los Transformables» y de «Las tortugas ninja». Sin embargo, no fue sino hasta que empecé a leer «Spawn» que verdaderamente me enganché en los comics.  Compré el número 1 del cómic de Spawn en mayo de 1997 en un puesto de periódicos cuando salía de la primaria. Me maravilló porque no se parecía a nada que hubiera visto antes. Salvo contadas excepciones, nunca he sido muy afecto a los súper héroes; pero esta reinterpretación de Fausto me atrapó de inmediato. El arte, el color ‒Spawn fue el primer cómic en ser coloreado enteramente de manera digital‒, la historia sobre un antihéroe que era un mercenario de élite resucitado como un guerrero del Infierno, todo estalló en mi mente preadolescente y me enganchó irremediablemente. A la fecha, es el único cómic del que he coleccionado y leído todos los números ‒al menos todos los que se han publicado en nuestro país‒ sin falta.

    Y digo, sé que nunca fue tan tan genial; pero sí hubo una época de esplendor y sí se entiende por qué fue punta de lanza en la revolución de los cómics independientes a finales de los 80 y principios de los 90. También es comprensible por qué ‒aunque quizá después perdió el rumbo‒ en los 90 Todd McFarlane, creador de Spawn, fue uno de los grandes visionarios no sólo de los cómics; sino de la industria del entretenimiento en general.

   1997 fue el año de Spawn. En primavera, el cómic se introdujo fuera de EE.UU.; en verano, se estrenó la película de Live-Action y en otoño se estrenó la serie de dibujos animados para adultos transmitida por el canal premium de TV por cable, HBO.

    La primera parte de este artículo conmemorativo será la crítica de la película de Live-Action.

 SPAWN

 

Mark A.Z. Dippé, 1997

Primero que nada, hay que entender que el mundo en 1997 era muy diferente de lo que es hoy. Las películas de superhéroes aún no se habían apoderado del mainstream y eran una cosa poco común, un terreno prácticamente inexplorado. Las dos principales franquicias de cómics en la pantalla grande estaban muerta y enterrada la una ‒Superman‒ y a punto de suicidarse la otra ‒Batman‒. Los efectos especiales generados por computadora estaban apenas en una etapa experimental y eran una cosa casi tan de Ciencia Ficción como las películas que los utilizaban.

    En este mundo en el que la humanidad aún no había sido esclavizada por las tabletas electrónicas y en el que había que esperar horas para poder ver porno en Internet, se estrenó Spawn; una película independiente de mediano presupuesto, distribuida por una compañía semi-independiente ‒aunque en ese entonces New Line Cinema ya era parte de Warner Bros., mantenía su autonomía‒ basada en un exitoso cómic independiente que buscaba hacerse un lugar entre los grandes. Pero ¿lo lograría?

     El argumento de la película sigue más o menos fielmente el primer arco argumental del cómic y narra la historia de Al Simmons (Michael Jai White), un asesino de élite del gobierno estadounidense quien, durante una misión en el Lejano Oriente, es traicionado por su jefe, el malvado Jason Wynn (Martin Sheen, porque pues hay que pagar la renta) y su compañera de escuadrón, la letal asesina Jessica Priest (la guapa Melinda Clarke, a quien seguro recuerdan como la novia resucitada en El regreso de los muertos vivientes III [Yuzna, 1993]), quienes lo queman vivo. Simmons reaparece cinco años después en la sección de los callejones de Manhattan conocida como Rat City ‒que es habitada por la legión de indigentes más increíblemente limpios que he visto jamás en una película‒ transformado en un Hellspawn, uno de los soldados de élite del ejército del Infierno. Mientras Spawn se aferra a los últimos restos de humanidad que le quedan y trata de recuperar su vida anterior, encontrará a Cogliostro (Nicol Williamson), un misterioso anciano que intenta ayudarlo a aprender a usar sus nuevos poderes y se enfrentará a Payaso (John Leguizamo, háganle un favor y no lo recuerden por la película de Super Mario Bros.[Jankel y Morton, 1993]), la forma humanoide del voraz demonio Violator, quien tratará de forzarlo a usar sus poderes en beneficio del Infierno.

    ¿Por dónde empiezo? Bueno, la mayoría de las películas comienzan con un guión, así que creo que será mi punto de partida también. ¿Qué pedo con el guión de esta madre? La narrativa es súper atropellada, deja huecos en elementos clave ‒a menos que uno le esté poniendo mucha atención o que ya conozca la historia de antemano, resulta un poco difícil entender cómo es que Spawn se convierte en tal, tuvieron que añadir una escena narrativa de Cogliostro en la que explica su misión porque originalmente no se entendía, etc.‒, y está plagada de diálogos terribles y acartonados al punto de lo chicloso. Los chistes de Payaso son cada uno peor que el anterior y, aunque en general no me molestan demasiado los clichés, esta película los tiene por todos lados.

    Pero vamos, eso no es problema porque los actores rescatan la película, ¿no? No, tristemente, no. Las actuaciones de todos y quiero decir absolutamente todos, son terribles. Si dije que la peli está plagada de clichés, es porque éstos se dejan ver incluso en la actuación. White está todo el tiempo en su papel de héroe rudo y es incapaz de matizar sus líneas de por sí malas, Sheen escupe mal un texto que se ve que ni él mismo se lo cree y Leguizamo… el actor colombiano da auténtica lástima, pues en pantalla se ve su sufrimiento al estar luchando contra el pésimo maquillaje prostético y el guión horrible para poder hacerse el gracioso en cada oportunidad posible y fracasando miserablemente. Y Williamson brinda una interpretación digna de una pastorela de secundaria, encima de lo cual, se rehusó a dejarse crecer la barba o a usar una postiza para parecerse más a su personaje.

    Digo, sé que el personaje de Payaso debe ser molesto y decir malos chistes; pero en su traslación a la pantalla grande simplemente no funciona. No es que Leguizamo sea mal actor ‒por el contrario‒, no es que el maquillaje en sí mismo esté particularmente mal hecho ‒o sea, sí está mal; pero he visto peores en películas actuales‒… es que el personaje desde su planteamiento en el guión está mal y el director ‒un reconocido artista de efectos visuales‒ no tuvo la habilidad para ver que, en su conjunto, los elementos del personaje no se estaban articulando.

    Sin embargo, estos problemas suelen ser comunes en las películas de acción y quizá me estoy ensañando con ésta. Finalmente, la idea de esta peli es que sus efectos especiales la convirtiesen en un deleite visual. De hecho, el proyecto originalmente tuvo un presupuesto de 20 millones de dólares que, en poco tiempo, se duplicó. De los 40 millones que costó la película finalmente, cerca de la tercera parte fueron para efectos especiales… y se me hace que un político mexicano les armó el presupuesto, porque ni un centavo de él se ve en pantalla.

    Por primera vez en el tiempo que llevo criticando películas estoy en completo desacuerdo con el fallecido Roger Ebert, quien dice de esta película que contiene “algunos de los efectos especiales más impresionantes que he visto” y que “Como una experiencia visual, Spawn es simplemente inolvidable”[1]. Lo que no puede sino dejarme pensando qué película habrá visto Ebert… digo, es una experiencia visual inolvidable, eso sí, pero por horrible. Recuerdo muy bien que cuando vi esta peli por primera vez fue en 1997 en una copia pirata en VHS y creí que se veía tan mal por la pésima calidad del video. Por desgracia, cuando conseguí una copia en DVD, descubrí la verdad.

    Al CGI utilizado creo que no puedo calificarlo con otra palabra sino “repugnante”: la capa de Spawn parece hecha con papel crepé, Violator parece coloreado con crayones, al pendentif que brilla con un destello verde se le ve el recuadro donde termina el CGI, el ejército de Hellspawns se mueve como con dos cuadros de animación, y el Infierno y Malebolgia (voz del legendario actor de voz Frank Welker)… ¡Por Cthulhu! ¡Tuve juegos en mi Nintendo 64 que se veían mejor que eso! ¿Por qué rayos deciden hacer un primer plano de Malebolgia cerca del final de la peli si no se veía bien ni de lejos? “¡Salve Señor de las Tinieblas a medio inflar!”

    Y por favor, no caigamos en el “los efectos eran buenos para la época”, porque para cuando se estrenó esta película ya habían salido El quinto elemento (Besson, 1997) y El mundo perdido: Jurassic Park (Spielberg, 1997). Digo, hay varias escenas en las que la pantalla azul se refleja en el cuerpo de Spawn y a las tomas de establecimiento de un ficcionalizado Nueva York se les ven los pixeles. Además, la legendaria Industrial Light & Magic firmó por los efectos visuales de la cinta; aunque, a final de cuentas, el apretado presupuesto y tiempo para realizar la peli obligaron a los productores a contratar a cerca de veinte pequeños estudios independientes en EE.UU., Canadá y Japón para terminar el trabajo a tiempo e ILM sólo realizó las tomas principales.

    Llegados a este punto, ¿qué más puedo decir de esta película? ¿Qué más sobre que Terry Fitzgerald (D.B. Sweeney en un papel que originalmente interpretaría Edward Norton) es blanco cuando en el cómic es negro? ¿Qué más sobre que los detectives Sam Burke y Max “Twitch” Williams son personajes clave en los cómics y en la película apenas si tienen un cameo que se pierde en el Full Screen? ¿Qué más aparte de que en la escena en la que Spawn es derribado en la cocina se le ven las botas debajo del traje? ¿Qué más después de que la cofia de anillas de Cogliostro está hecha con las patas? ¿Qué más aparte de que incluso las pocas tomas que se filmaron en locación parecen haber sido realizadas en estudio?

    Bueno, pues creo que el lado más flaco de la cinta son sus increíblemente pobres edición y montaje. La narrativa de por sí atropellada se vuelve torpe gracias a cortes duros, tomas de reacción que entran casi sin excepción un segundo antes, transiciones que dejan huecos y un montaje de las escenas de peleas que casi parece tener la encomienda de quitarles el poco dinamismo que tienen.

    A pesar de todo lo anterior, la película no está exenta de algunos aciertos y creo que el principal de ellos es el diseño de Spawn. Uno de los principales atractivos de las películas de superhéroes de aquel entonces era el diseño de sus vestuarios pues, aún hoy día, los vistosos trajes de spandex de colores brillantes que aparecen en papel rara vez funcionan en la pantalla grande. En el caso de esta peli, se optó por darle al necrotraje de Spawn ‒que es una idea muy similar a la de Venom en Spider-Man porque fueron creados por la misma persona‒ una apariencia mucho más orgánica que la de su contraparte impresa. Me gusta el montón de texturas que le pusieron y, aunque las apariciones de Spawn enmascarado en pantalla son contadas y breves, creo que la máscara se ve genial con esos ojos verdes luminosos. Me hubiera gustado que saliera más la capa… o que por lo menos se viera bien, y que los picos del traje no parecieran de cartón; pero supongo que en términos generales luce bastante decente.

    El otro acierto que creo que tiene la peli es el soundtrack. Lo cual es irónico, porque en sí mismo es bastante malo; pero en comparación con el resto de la película resulta sobresaliente. La música instrumental usada en la peli es completamente anodina, pero los temas cantados compuestos para el álbum, algunos de los cuales fueron incluidos en la cinta, llaman la atención. Desde el nivel conceptual se trata de un álbum raro, cuya propuesta fue armar duetos entre rockeros y músicos electrónicos con resultados a mi gusto fallidos. Sin embargo, si alguna vez les dio curiosidad saber cómo sonaría un dueto entre Korn y los Dust Brothers, entre Tom Morello y The Prodigy, Metallica con DJ Spooky, o el tema principal de la película, interpretado por Marilyn Manson y los Sneaker Pimps, quizá valdría la pena revisar este álbum. Otras participaciones incluyen a Moby y Orbital.

     Muchos críticos consideraron que, a final de cuentas, el soundtrack simplemente era ruidoso y que estropeaba momentos clave de la peli; pero creo que funciona distanciando un poco al público de la cochinada que está viendo en pantalla. O sea, funciona porque no funciona.

     Originalmente, se planeó que esta cinta fuera la primera parte de una trilogía que continuaría en 1998 con Spawn 2 y Spawn 3: The Final Battle en 1999. Muchos elementos de la película sugieren la línea argumental que seguirían las secuelas, como la aparición de Angela (Laura Stepp) en la escena de la fiesta ‒fíjense bien, está ahí: vestido verde con rombos blancos‒ o el hecho de que Malebolgia no es derrotado al final. Sin embargo, la pobre recepción de público ‒la cinta recaudó apenas la mitad de su presupuesto en su fin de semana de estreno‒ y crítica aunada a la insatisfacción de Todd McFarlane con el resultado final de la cinta cerraron las puertas a cualquier secuela inmediata y sumergieron a una secuela a mediano plazo en un infierno de pre-producción que continuó hasta el año pasado.

    En 2007, McFarlane anunció sus planes para una nueva película, que sería un reboot, se centraría más en los personajes de los detectives Sam y Twitch, y tendría un tono más similar al de un thriller con elementos de horror. Durante una temporada se rumoró que dicha película no sería Live-Action; sino una cinta animada que sería distibuida por Film Roman (responsables por series animadas como Los reyes de la colina [1997-2010], X-Men: Evolution [2000-2003], Garfield y sus amigos [1988-1995] o Los Simpson [1989- ]) directo al mercado casero. Sin emabrgo, el proyecto nunca vio la luz y fue hasta esta década, con el boom de las cintas de superhéroes y el éxito viral del cortometraje Spawn: The Recall (Paris, 2014) que rondó por Youtube, que McFarlane anunció oficialmente su proyecto de una nueva película de Spawn, para la cual terminó de escribir el guión el año pasado y que, en teoría, estaría estrenándose este año o el próximo.

    Quizá lo único verdaderamente bueno que engendró la película de Spawn fue la serie de figuras de acción alusivas, de la cual hablé en mi artículo sobre las mejores figuras de acción basadas en películas.

    También, según yo, ésta es la primera película de superhéroes con un actor afroamericano en el rol principal, y ‒corríjanme si me equivoco, por favor‒ la primera película basada en un comic en la que el autor de dicho comic hace un cameo.

PARA LA TRIVIA: Originalmente, se había pensado en Tim Burton para dirigir la película de Spawn, pero nunca se concretó. La segunda opción fue Alex Proyas, quien abandonó el proyecto para dirigir Ciudad en tinieblas (1998) ‒¡Y qué bueno!‒. Del mismo modo, nombres como Wesley Snipes, Cuba Gooding Jr., Will Smith, Denzel Washington y Samuel L. Jackson, entre muchos otros, fueron barajados como candidatos para interpretar a Al Simmons/Spawn.

Si pudiera bajarle puntos extra por los efectos especiales terribles y la edición horrenda, lo haría.

    Cuando le den play al trailer, por favor noten que utilizaron el maravilloso soundtrack de Patrick Doyle para «Frankenstein, de Mary Shelley» (Branagh, 1994) para musicalizarlo.

Y ahora, como parte de este artículo conmemorativo y porque ya saben que me encanta hacer cuadros, tablas y ese tipo de cosas, aquí presento un sumario con los eventos más importantes sucedidos en el cómic de Spawn hasta la fecha. Ésta será la primera de cuatro partes. Salvo que se indique otra cosa, la numeración corresponde a la edición mexicana.

No.0	Lo mismo que el número 1, pero en edición limitada conmemorativa de la visita de Todd McFarlane a México en el marco de la MECyF 97.
No.1	Al Simmons, el nuevo Spawn aparece en la Tierra. Primera aparición de Al Simmons, Jason Wynn, los detectives Sam y Twitch, y el demonio Malebolgia. Primera aparición del reloj de los poderes de Spawn. Cuando éste llegue a 0, el alma de Al Simmons se perderá para siempre.
No. 2	Primera aparición de Payaso y su forma demoniaca Violator.
No. 3	Supuesta primera aparición de Jim Downing. Spawn se entera de que su viuda, Wanda Blake, se casó con su mejor amigo, Terry Fitzgerald, y tienen una hija, Cyan.
No. 5	Primera aparición del asesino serial de niños Billy Kincaid, quien es asesinado por Spawn y su cadáver botado en la oficina de Sam y Twitch. El jefe de policía Banks estará haciéndoles la vida imposible de ahora en adelante.
No. 6	El líder mafioso Tony Twist manda traer al sicario cyborg Overtkill para eliminar a Spawn.
No. 8	Billy Kincaid llega al Infierno. Primera aparición de Vindicator y primera mención de los hermanos Phlebiac (hermanos de Violator). Escritor invitado: Alan Moore.
No. 9	Primera aparición de Spawn medieval. Primera aparición del ángel Gabrielle, la embajadora del Cielo en la Tierra. Primera aparición de Angela, el ángel cazador de Spawns, quien pierde su lanza en un enfrentamiento contra Spawn. Primera aparición de Cogliostro. Escritor invitado: Neil Gaiman.
No. 10 USA	Spawn llega al Limbo en el que hace un crossover con Cerebus the Aardvark. Escritor invitado Dave Sim. Este número no se publicó en México por cuestiones de derechos de autor, creando un desfase en la numeración.
No. 10	Dos pandillas se disputan el callejón de Spawn. Escritor invitado: Frank Miller.
No. 11	Primera aparición de la abuela Blake, quien es invidente y cree que Al Simmons regresó como un ángel guardián, y del asesino de Simmons, el mercenario Chapel.
No. 12	Crossover Spawn vs Youngblood. Spawn se enfrenta a Chapel, quien pierde la razón.
No. 13	Una historia original de Spawn Medieval. Comeinza a publicarse Spawn Bible, una serie de dossiers de los personajes del cómic bellamente ilustrada por Greg Capullo.
No. 15	Saga “Reflexiones”, escrita por Grant Morrison. Inicia la colaboración de Greg Capullo en el arte. Primera aparición del Anti-Spawn, Jason Wynn, en un hueco argumental que tardaría más de dos décadas en resolverse.
No. 18	Spawn y Harry Houdini.
Especial	Spawn vs Batman. Escrita por Frank Miller. Termina con Batman lanzándole un batibúmerang a Spawn en el rostro.
No. 20	El indigente Bobby cose la cara de Spawn con una agujeta, dándole el look conocido por los fans como “Hambuger Head”.
No. 21	Regresa Overtkill.
Especial	Miniserie Violator. Escrita por Alan Moore. Arte de Bart Sears y Greg Capullo, tintas de Mark Pennington. Los hermanos Phlebiac, Vindicator, Vandalizer, Vaporizer y Vacillator deciden castigar a su hermano menor Violator por haber deshonrado a la familia. Tony Twist envía al mercenario psicópata Admonisher a eliminar a Payaso.
No. 24	Artista invitado: Mark Silvestri. Primera aparición del mutante Tremor, un sicario convertido en monstruo por los experimentos que Tony Twist hizo con él.
No. 25	Gabrielle se entrevista con Spawn para saber el paradero de la lanza de Angela.
No. 26	Primera aparición de The Curse, un fanático religioso con partes biónicas.
Especial	Miniserie Angela. Escrita por Neil Gaiman y dibujada por Greg Capullo. En la ciudad celestial de Elysium, Angela es llevada a juicio por Gabrielle bajo cargos de traición por haber abandonado su lanza. Las amigas de Angela, Anahita y Kwan Yin, llevan a Spawn al Cielo como testigo; pero todo sale mal y Angela y Spawn deben escapar, recibiendo este último un disparo de energía celestial que casi mata su necrotraje. Hay un affair entre Spawn y Angela, quien es declarada renegada por el Cielo.
No. 28	Spawn regresa del Cielo al Medio Oeste estadounidense. Encuentra a Andy y Eddie Frank, dos niños que son maltratados por su padre abusivo.
No. 29	Spawn vs el KKK.
No. 30	El personaje conocido como Anti-Spawn es rebautizado como Redeemer. Nace un nuevo Redeemer encarnado en el buen samaritano Phil Timper. Redeemer derrota a Spawn y el necrotraje muere para después mutar. Primera aparición del ángel Raphaelle, quien sustituye a Gabrielle.
No. 32	Regresa Violator.
Especial	Miniserie BloodFeud. Escrita por Alan Moore. Lápices de Tony Daniel, tintas de Kevin Conrad. Sam y Twitch investigan violentos asesinatos. A la ciudad llega el cazador de monstruos John Sansker, quien señala a Spawn como el responsable y lo acusa de ser un vampiro.
No. 33	Payaso pierde la capacidad de transformarse en Violator. Primera aparición del demente conocido como The Freak.
No. 34	Spawn se enfrenta a Jason Wynn, quien es rescatado por Terry Fitzgerald.
No. 35	Spawn revela su identidad a Wanda Blake, pero ella no le cree.
No. 36	The Freak pide ayuda a Spawn para vengarse contra el científico que lo usó como conejillo de Indias.
No. 37	Comienza la colaboración del artista Tony Daniel. Primera aparición de Cy-Gor, un gorila con partes biónicas creado con el cerebro del pupilo de Al Simmons, Stephen Smith. Cy-Gor escapa del laboratorio en el que estaba encerrado.
No. 38	El inmundo Especial de Navidad.
No. 39	Regresa The Curse.
No. 42	Spawn aprende a controlar a las criaturas de la noche. Tras ser amenazado por Jason Wynn, el jefe Banks se suicida.
No. 43	Primera aparición del ángel cazador Tiffany.
No. 45	Regresa Tremor, quien pide ayuda a Spawn para rescatar a su hermano de Tony Twist.
No. 47	Spawn deja los callejones. Payaso se alía con Jason Wynn.
No. 48	Comienza la colaboración del Dream Team de Spawn: Lápices de Greg Capullo, tintas de Danny Miki. Spawn pelea contra su necrotraje y es rescatado por Cogliostro. Terry tiene un tumor en el cerebro y sufre un accidente. Cy-Gor llega a Manhattan.
No. 49	En EE.UU. este número fue parte del 50, que fue un número doble. Spawn salva a Terry y Cyan conserva la agujeta de Spawn como recuerdo, desarrollando un vínculo psíquico con él.
No.50	Spawn desciende al Infierno. A partir de aquí, se empata la numeración de la edición mexicana con la original.
No. 51	En el cuarto nivel del Infierno, Spawn pierde su corazón humano.
No. 52	Crossover Spawn y Savage Dragon.
No. 53	Spawn se enfrenta a Billy Kincaid, ahora convertido en Hellspawn.
No. 56	1ª aparición del mentor de Al Simmons, el mayor Forsberg, quien ha estado pudriéndose en un calabozo desde los 70. Es rescatado por Spawn.
No. 57	Primera colaboración del artista Chance Wolf en las tintas. Spawn se enfrenta a Cy-Gor (por fin).
No. 58	Los hermanos Frank llegan a Manhattan tras escaparse del reformatorio.
No. 59	Payaso secuestra a Cyan.
No. 60	Spawn mata a Payaso.

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[1] Tomado de su sitio web, http://www.rogerebert.com/reviews/spawn-1997 . La traducción es mía.

ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS

Rogue One

 

Gareth Edwards, 2016

¿Soy el único que piensa que lo mejor que pudo pasarle a la franquicia de Star Wars fue que George Lucas la vendiera? Digo, con el Universo Cinematográfico Marvel, el monopolio del entretenimiento Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm demostró que puede resucitar a los muertos… a menos que le pidan más de tres películas, porque entonces empiezan a repetir el mismo argumento ad infinitum ‒y Iron-Man/Ant-Man/Dr. Strange me dan la razón‒. También, cualquier oferta cinematográfica que produzcan correrá el riesgo de sobresaturar el mercado. De tal suerte, en vez de una película de Star Wars cada tres años, tendremos una para cada Navidad gracias al proyecto de Universo Expandido de Disney. Así pues, aquí va su primer intento de spin-off de la saga.

    Antes que nada, quiero recordar la regla que tengo para hablar del “Canon” de Star Wars. Tantos cambios se han hecho sobre qué sí entra en el canon y qué se queda fuera, que francamente ya me fastidió estarlos siguiendo. De tal suerte, personalmente sólo considero “canon” aquello que vemos en pantalla dentro de las películas estrenadas en cines. Si acaso algunas escenas extendidas cuando éstas no contradigan otras cosas dentro de la saga… o sean ridículas como el “¡No!” de Vader en El regreso del Jedi (Marquand, 1983).

    La historia de Rogue One se sitúa inmediatamente antes de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) y es protagonizada por la joven Jyn Erso (Felicity Jones), hija de Galen Erso (Mads Mikkelsen, a quien seguro recuerdan, junto con sus labios extraños por su interpretación del Dr. Hannibal Lecter en la serie de TV Hannibal [2013-2015]), el científico que diseñara la Estrella de la Muerte. El rumor de la construcción de un arma de poder destructivo inimaginable ha llegado a oídos de la Alianza Rebelde, quienes rescatarán a Jyn de una prisión imperial y la reclutarán en una misión para encontrar a Saw Gerrera (Forest Whitaker) un líder guerrillero independiente que podría tener información sobre el paradero del padre de Erso y sobre la última arma secreta del Imperio. Sin embargo, Cassian Andor (Diego Luna), quien está a cargo de la misión, tiene su propia agenda. Jyn y Andor emprenderán una misión suicida no autorizada por la Alianza para robar los planos de la temida Estrella de la Muerte.

    Creo que debo empezar diciendo que me gustó esta película. Francamente, me gustó más que The Force Awakens (Abrams, 2016). Curiosamente, se siente menos forzada y, a pesar de que temporalmente se sitúa en la época de la Trilogía Original, toma prestado menos de las cintas originales que el séptimo episodio de la saga.

     Lo primero que llama la atención sobre esta película y que me agradó bastante es el tono. Creo que es la película más oscura de la saga desde El Imperio contraataca (Kershner, 1980). Porque, vamos, Episodio III (Lucas, 2005) trataba de llegarle a ese tono, y es bastante sórdida en algunas partes, pero algo le faltaba… actuación, supongo. Los personajes de Rogue One no son héroes de manera inherente; sino que se convierten en héroes porque deben hacerlo. Hasta la vis comica, el androide imperial reprogramado K-2SO (Alan Tudyk), es el robot más cínico que recuerde en una película de la saga. A final de cuentas, la conclusión de la película es casi nihilista.

     Creo que la cinta es eficiente en mostrar la situación de represión y caos en la que estaba sumida la galaxia bajo el dominio del Imperio. En ese sentido, es perfectamente entendible el surgimiento de una Alianza Rebelde… que, según se expone en cierto momento de la película, en cuanto a sus métodos y su agenda no es mucho mejor al Imperio. Me gustó que le dieran más tiempo en pantalla a personajes como Mon Mothma (Genevieve O’Reilly) o el general Dodonna (Ian McElhinney).

     A pesar de que un poco la jugada de las nuevas cintas de la saga es distanciarse de lo planteado en la Trilogía de Precuelas, en ésta se enlazan las dos trilogías con detalles como la aparición del senador Bail Organa (Jimmy Smits), o las secuencias de Darth Vader de las que hablaré más adelante.

    Está padre que Rogue One pudiera escapar a los dos síndromes de las precuelas. Por un lado, esa compulsión por explicar absolutamente todo lo que sucede en las películas anteriores, como en La Masacre de Texas: el inicio (Liebesman, 2006); o el de dejar demasiados cabos sueltos mañosamente para después llenar los huecos con películas innecesarias… como la Trilogía de Precuelas.

     Lo que sí me despierta sentimientos encontrados es que Rogue One termine casi exactamente donde inicia La guerra de las galaxias, porque contradice lo que se plantea al inicio de ésta, de que la misión de la princesa Leia (Carrie Fisher) estaba encubierta como una misión diplomática. Yo me imaginaba una cosa más como de espionaje. Vamos, el diálogo entre Vader y Leia al inicio de la cinta resulta absurdo rayando en lo idiota según lo que se ve en Rogue One.

     También me pareció muy interesante que esta historia presenta la perspectiva del Imperio mejor que ninguna otra. Incluso el principal villano, Orson Krennic (Ben Mendels), director del proyecto de la Estrella de la Muerte, puede entenderse perfectamente como un héroe del Imperio. La lucha de poder entre Krennic y el gobernador —llamado en todo el merchandising «Grand Moff, no así en las películas— Tarkin (el icónico Peter Cushing resucitado gracias a la “magia” de la tecnología digital con la ayuda del actor Guy Henry) es uno de los puntos clave de la historia.

    Por cierto que, también gracias a la tecnología CGI, Carrie Fisher fue rejuvenecida para la que sería su última aparición en pantalla.

    Me gustó la forma en la que aparece Darth Vader (Spencer Wilding, voz de James Earl Jones, quien ya se oye cansado) en esta película. Primero, recluido en Mustafar ‒recuperando un diseño hecho por Ralph McQuarrie para la secuela de Star Wars en 1978 ‒ y después reivindicándose como villano. Esto es uno de los mejores puntos de la cinta. Darth Vader deja de ser el niño llorón que extraña a su mami que plantearon los episodios I, II y III, y retomó su lugar como el segundo mejor villano (de cien) en la historia del cine según la lista del AFI. Al ver a Vader en acción en esta película recordamos por qué la galaxia entera le teme y por qué representa la perdición de los rebeldes.

    Y justo cuando ya me estaba resignando a no ver acción de lightsabers en la película… es decir, ya había comprendido que podía no ser necesario porque la cinta iba bien aun sin ella, me regalan una escena climática con el Lord del Sith en todo su esplendor. Dicho sea de paso, ésta es la primera película de la saga desde El Imperio contraataca en la que vemos a Darth Vader en su cámara de meditación. Dicha secuencia también sirve para enlazar la Trilogía Original con la Trilogía de Precuelas.

    Los que quedan un poco a deber son los personajes secundarios. No sé, algo tienen que no me acaba de convencer. Quizá no son tan geniales. Quizá son demasiado parecidos a los personajes de los cómics de Star Wars. Quizá es que la franquicia sigue forzando la diversidad étnica en sus elencos… o quizá es que simplemente no terminan de encajar del todo en el universo de Star Wars. No son malos personajes, en general cumplen con su función, pero algo les falta.

    La actuación me parece un tanto dispareja. Los protagónicos están bien a secas. Diego Luna sigue siendo uno de los actores más odiosos que he visto en pantalla, pero logra trascender a ello. SPOILER Aunque sí recuerdo que, al menos en la función a la que yo fui, la gente se lamentó mucho más por la muerte de K-2SO que por la escena en la que muere Andor TERMINA SPOILER. Felicity Jones está muy bien en algunas escenas y en otras como que le falta emoción.

    A mi gusto, el que se lleva de calle la película es Mendels y Krennic es quizá el mejor villano de la saga desde la aparición del Emperador en El regreso del Jedi ‒estuve muy tentado a poner que es el mejor desde Boba Fett, pero la verdad es que el Emperador tiene lo suyo‒. Me gusta que es un villano muy humano. No es una figura de acción de tamaño grande como Darth Maul o el general Griveous, ni un líder político poco carismático como el conde Dooku, ni un Milennial berinchudo como Kylo Ren; Krennic es un líder visionario y calculador que no está cegado por un exceso de confianza como Tarkin, y cuyo mayor defecto sería la falta de fe.

    Me gustó la inclusión de vehículos clásicos de la saga, así como de algunos nuevos. En ese sentido, la película me recordó mucho a la saga de videojuegos Rogue Squadron (LucasArts, 1998-2003) a la que, francamente, creo que le debe todo, tanto en el tono como en el argumento.

    La peli tiene buen ritmo y la historia se cuenta bien. La música de Michael Giaccino logra el tono épico de la saga, pero lo adereza con el tono oscuro de esta película particular. La fotografía es muy buena y se agradece la nueva preceptiva de la franquicia de filmar en locaciones reales en vez de escenarios virtuales. De hecho, desde El despertar de la Fuerza, se ha tratado de mantener al mínimo el uso de CGI… Peter Cushing virtual aparte.

    El enfrentamiento final entre Erso y Krennic es bueno, aunque no pude dejar de pensar que era casi idéntico a la pelea climática entre James Bond y Alec Trevelyan al final de GoldenEye: el regreso del 007 (Campbell, 1995).

    Rogue One es una buena película, una adición refrescante a la saga de Star Wars y creo que logra llenar esa especie de vacío que me había dejado El despertar de la Fuerza. Además, logra dejar claro que, si bien es parte de la franquicia, se trata de una cosa aparte. Es también una demostración de que el universo creado por Lucas puede abordarse desde muy distintas perspectivas. Sólo hay un detalle que me inquieta y sobre el cual apenas pude reflexionar en los últimos días: Rogue One parece confirmar, al menos en la pantalla grande, que la saga sólo funciona con todo su potencial dentro de lo planteado por la Trilogía Original.

PARA LA TRIVIA: Según se sabe, a George Lucas le encantó la película.

PARA LA TRIVIA GEEK: La frase “Que la fuerza de otros te acompañe”, que tanto utiliza el personaje de Chirrut Îmwe (Donnie Yen) a lo largo de la película, era la frase que George Lucas había escrito en el guión original de The Star Wars, pero más tarde decidió sustituirla por “Que la Fuerza te acompañe”.

 

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STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA

Star Wars: The Force Awakens

 

J.J. Abrams, 2015

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy muy lejana… en la que pasaron tres generaciones y a nadie se le ocurrió inventar los barandales… Es un tiempo de incertidumbre en la galaxia y entre la fanaticada. George Lucas ha vendido Lucasfilm Ltd. A The Walt Disney Corporation y la Casa del Ratón, temerosa de que los actores de la Trilogía Original murieran de viejos[1], apresuró la producción de un nuevo episodio de la saga, mismo que continuaría con la historia a partir de donde se quedó después de El regreso del Jedi (Marquand, 1983)… o algo así.

    Treinta años han pasado desde la caída del Imperio Galáctico. Luke Skywalker (Mark Hamill) ha desaparecido sin dejar rastro tras su fracaso por entrenar una nueva generación de jedis. Sin su apoyo, un grupo militarizado conocido como la Primera Orden, surgido de los residuos del Imperio, ha cobrado fuerza y busca apoderarse de la galaxia, lo que ha ocasionado el surgimiento de una guerrilla conocida como la Resistencia. El mejor piloto de la Resistencia, Poe Dameron (Oscar Isaac), se encuentra en una misión secreta asignada por la generala Leia Organa (Carrie Fisher) para recuperar un mapa que podría indicar la localización de Skywalker.

    Sin embargo, Dameron es interceptado por las tropas comandadas por el caudillo de la Primera Orden, un wannabe de Lord del Sith llamado Kylo Ren (Adam Driver), y se ve obligado a ocultar el mapa en un droide BB-8 que queda vagando por el desierto en el planeta Jakku (que es increíblemente parecido a Tatooine). BB-8 cae en manos de una bella chatarrera llamada Rey (Daisy Ridley), quien parece ser, de manera innata, sensible a la Fuerza.

    Ahora, Rey y el stormtrooper renegado Finn (John Boyega) hacen suya la misión de llevar al droide al cuartel general de la Resistencia, encontrando en el camino a los legendarios Han Solo (Harrison Ford) y Chewbacca (Peter Mayhew). Mientras tanto, la Primera Orden pone en funcionamiento el arma máxima: La estación de batalla Starkiller, que abarca todo un planeta, y que roba la energía de las estrellas y la canaliza en un rayo destructivo de capacidad inimaginable, capaz de aniquilar sistemas planetarios enteros.

    Así como lo leen. El argumento de El despertar de la Fuerza es básicamente el mismo que el de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977). Incluso por ahí leí que, con esta película, J.J. Abrams había inventado la secuela/reboot/remake ‒no estoy de acuerdo, quien escribió eso seguro nunca vio El aullido IV: La pesadilla original (Hugh y Turner, 1988)‒.  Y eso que ya ni narré la parte en la que Rey es capturada por Ren y es llevada prisionera al interior de Starkiller, lo que desencadena un rescate por parte de Solo y Finn, y un ataque al planeta liderado por Dameron. De verdad, es la misma maldita película.

    En general, pude notar dos cosas de esta cinta: La primera es que estaban tan preocupados por mandar a la goma la Trilogía de Precuelas que cayeron en el absurdo de parecer que estaban jugando al Día Opuesto de Bob Esponja. Me refiero a que hay muchos elementos en pantalla cuya única justificación parece ser “llevarle la contraria a las precuelas”. Y aunque sí pueden considerarse como un fracaso ‒quizá con excepción de Episodio III (Lucas, 2005) que no está tan mal… siendo la palabra “tan” la clave‒, la verdad es que plantearon un par de elementos valiosos que merecían ser rescatados.

    Digo, el resultado final es bueno. La gran mayoría de las criaturas que se ven en la película son animatrónicos y el uso de escenarios digitales fue reducido al mínimo. Así pues, la película tiene un look diferente y se ve menos artificial que sus contrapartes de la década pasada. Aunque pudieron esforzarse más con los personajes. Lo digo particularmente por Maz (voz de Lupita Nyong’o, la segunda mexicana en Star Wars, cuyo personaje es más o menos la misma idea que Dexter Jetser en Episodio II), que es enteramente digital y sí contrasta con otras criaturas… y se ve medio chafón, la neta.

    Del mismo modo, mandaron a volar casi por completo los escenarios digitales y casi todas las escenas de esta película fueron grabadas en sets o en locaciones reales, muchas de ellas bastante impresionantes. La utilización de locaciones reales y una fotografía propositiva y arriesgada realmente realzan la película. Felicidades a los que hayan hecho el scouting.

    En segundo término, está lo que en verdad odié de esta película: creo que es demasiado autocomplaciente. Nadie en esta cinta quiso salirse de su zona de confort: El argumento, prácticamente pirateado de la primera película; nuestros personajes favoritos están de regreso; un villano light que no se robaría la película ni aunque su vida dependiera de ello; la música, variaciones de los temas clásicos de la saga; la historia prácticamente no ha avanzado en 30 años y por aquí y por allá hay referencias a la Trilogía Original, porque si todo lo demás falla, siempre se puede apelar a la nostalgia.

    El problema de plagar tu película de referentes y de cosas prestadas de oras películas es que te niegas la posibilidad de sorprender al público —porque sus giros de tuerca son predecibles y están medios piteros, la verdad—. Por lo menos en la Trilogía de Precuelas se atrevieron a tomar riesgos… en la mayoría de las cosas nuevas que intentaron, fracasaron miserablemente de formas hasta dolorosas, pero al menos se atrevieron a probar.

    De entrada, el panorama es bastante desalentador: Han pasado tres décadas después de la caída del Imperio… ¡y todo sigue igual! Yo esperaba ver a Leia en algún alto cargo diplomático, a Han quizá como un empresario o no sé, o a Luke como el líder espiritual de la Nueva República; pero no. Todos siguen haciendo exactamente lo mismo que cuando los dejamos y ni siquiera parecen haber crecido o evolucionado intelectual o emocionalmente. Y Luke ni siquiera anda por ahí, se fue a esconder en una línea argumental que es casi un plagio del primer arco narrativo de los cómics de Thundercats de Image[2]. Así, da la impresión de que las grandes hazañas y los sacrificios de los personajes en la Trilogía Original fueron en vano.

    La primera vez que vi esta peli no me gustó la música. Sin embargo, en visionados posteriores y tras poder escuchar el soundtrack por separado, la verdad es que me convenció bastante. Me tomó un poco de tiempo, con mi oído de artillero, encontrar los leit motivs que Williams propuso para esta ocasión. El tema de Rey, romántico y lleno de sutilezas, es de lo más sobresaliente de la banda sonora de esta cinta.

     Pero aún hoy, insisto: ¿Qué onda con Kylo Ren? ¿Será atrevido de mi parte llamarlo el peor villano de la saga? Es decir, Jango Fett es pésimo, pero al menos tiene escenas padres. Darth Maul ni siquiera habla, pero tiene uno de los mejores diseños y el arma más padre de toda la saga… ¿Pero y Kylo Ren? Aun cuando podría llegar a ser el Sith más poderoso en la saga, como personaje es débil, no está tan bien actuado que digamos y la verdad es que toda la fuerza o presencia que pudo haber tenido la pierde cuando nos es revelada su identidad… Lo que sucede como a la media hora de película. De ahí en adelante sólo es ver cómo el muchacho hace sus berrinches y cómo la intervención que quisieron hacer sus padres fracasa. Recuerdo cómo en la parodia de la revista MAD decían que era un Lord del Sith con el que los millennials podían identificarse… y es divertido, porque es verdad.

    ¡Caray! Era un personaje que daba para tanto… incluso mantener el misterio de su identidad hubiese sido una jugada válida y un pretexto para meter otra escena referencial a El Imperio contraataca (Kershner, 1980) cuando Ren habla con Han Solo ‒sí, hubiera estado medio mamón, pero habría funcionado‒. Pero no, señores. Abrams, bien plantado en su zona segura, no se atreve a mantener el enigma por demasiado tiempo; quizá porque sabe que eso fue lo que vinimos a ver y que las nuevas generaciones, hacia quienes va más enfocada esta peli, son muy desesperadas y no soportarían ir atando cabos hasta el final de la cinta para adivinar quién es.

    Finalmente, el lightsaber de Ren está padre. Es un poco más burdo que los lightsabers que hemos visto en otras películas de la saga, pero esto simplemente nos indica que las habilidades de Ren aún no están pulidas del todo y eso me pareció un buen detalle. Aunque también creo que se pudo explotar más.

    Por cierto que el líder supremo Snoke (Andy Serkis porque, coño, el tipo es un gran actor de criaturas y hay que tenerlo en una peli de Star Wars haciendo… algo) también me pareció un villano bastante decepcionante. Y en general todo el rollo de la Primera Orden. Vuelvo a lo mismo ¿Por qué pudo formarse un grupo así debajo de las narices de la República? Digo… se ve que mantenerlo sale caro. Creo que la historia del advenimiento de la Primera Orden hubiera sido un argumento muy interesante.

    Lo que sí me encantó fue la actuación de Ridley. En general, todos actúan bastante bien; pero es Ridley quien se roba el show. Además, su personaje es entrañable y la chica lo interpreta bien. Nuevamente, quizá habría sido mejor ver un poco más de desarrollo en cuanto al uso de la Fuerza; pero en general creo que está bien.

    Al respecto de las acusaciones que dicen que Rey es demasiado hábil con la Fuerza de manera inexplicable, sólo puedo decir que me hubiera gustado que no todo le saliera perfectamente bien a la primera y que necesitara adiestramiento para hacer… todas las maravillas que hace y para las que parece tener un talento innato ‒hasta Luke era medio güey al principio‒. Supongo que será tarea de los Episodio VIII y IX justificar sus habilidades y, sobre todo y espero que de verdad lo sepan hacer, poner en crisis al personaje, como le pasó a Luke en El Imperio contraataca.

    Esta película es como muchas personas: Pierde un poco su identidad al tratar de complacer a todos. Aunque, por otro lado, debo reconocer que en ese aspecto es sobresaliente: Logra entretener y hasta cautivar al público, la trama no es demasiado complicada para que sirva como película introductoria a nuevos públicos; pero aun así complace a los fans de la Trilogía Original, no sólo retomando elementos de ella; sino prácticamente borrando de la existencia la Trilogía de Precuelas. Y también hay mucho material que puede ser consumido por neófitos y villamelones. Además, hay una tarea sumamente importante con la que la cinta cumple cabalmente: Sí me dejó con ganas de más y esperando con ansias el Episdoio VIII.

    Por cierto… ¿Fui el único al que le molestó que no le quitaran el casco a la capitana Phasma (Gwendoline Christie)? ¿Al igual que yo, ustedes esperan con ansias el momento en que Finn y Phasma se den agarren a catorrazos cuerpo a cuerpo? ¿Fui el único que le mentó la madre a Maz cuando se niega a explicar cómo recuperó el lightsaber de Luke ‒digo, porque lo perdió cuando le mocharon la mano en Bespin‒? En general, aunque me gustó bastante El despertar de la Fuerza, la sentí un tanto superficial. En el sentido de que tuvieron muchos elementos que pudieron explotar mucho más.

    Sin embargo, creo que estoy perdiendo el quid de la cosa. Creo que en lo que sobresale El despertar de la Fuerza es en su narración. Finalmente, se trata sobre una bella y contemporaneizada fábula sobre el Libre Albedrío que se mueve sobre dos ejes principales. Por un lado, está Kylo Ren, quien tenía todo para convertirse en un jedi, un defensor de la paz en la galaxia y a quien incluso le fue ofrecida la redención, decide completar su descenso al Lado Oscuro por su propia voluntad. Por el otro lado está Finn, quien fue condicionado como Stormtrooper; pero, ante los horrores que le estaban ordenando cometer, se rebeló y venció su condicionamiento para unirse a la Resistencia.

    Así pues, en un soberbio ejemplo de forma que se convierte en fondo, la fotografía de la peli maneja contrastes de colores, de luces y de sombras, para manifestar ese conflicto entre el bien y el mal. No es coincidencia que la gama cromática para el merchandising de la cinta fuera azul y rojo.

    A final de cuentas, me gustó bastante y salí contento del cine… Pero no puedo quitarme la molesta sensación de que me están vendiendo una versión edulcorada de algo que ya vi. El despertar de la Fuerza es una entrada bastante decente en la saga y, aunque es una buena película (buena a secas), creo que su más grande defecto es que se siente «pre-fabricada»… Digo, ya sé que todas las películas de alto presupuesto de los grandes estudios lo están, pero en ésta es como muy notorio.

    Y si Luke no quería que lo encontraran… ¿por qué dejó un mapa con su ubicación?

PARA LA TRIVIA: En cierto momento, tanto Michael Fassbender como Hugo Weaving fueron considerados para el rol de Kylo Ren.

 

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[1] Bueno, cuando escribí esto Carrie Fisher seguía con nosotros.

[2] Al final de la serie de dibujos animados, una vez que los Thundercats han vencido a Mumm-Ra, Leon-O inicia un viaje místico al interior del Libro de Thundera para entrenarse como Señor de los Thundercats. Cuando regresa años más tarde, ve que Nueva Thundera ha caído en manos de los mutantes, quienes han esclavizado a sus compañeros, incapaces de resistirse sin su guía.

STAR WARS EPISODIO III: LA VENGANZA DE LOS SITH

Star Wars Episode III: Revenge of the Sith

 

George Lucas, 2005

Y así, toda una era llega a su fin. Y no me refiero sólo al gobierno del Senado Galáctico, sino a la Trilogía de Precuelas de Star Wars. En aquel lejano 2005, los cinéfilos nos sentíamos satisfechos y en cierto modo completos, y algunos ingenuos hasta creyeron que no volverían a ver una película de Star Wars en la pantalla grande, creencia que se incrementó cuando George Lucas públicamente declaró que no filmaría los episodios VII, VIII y IX porque “ya estaría demasiado viejo para entonces y no sería divertido”. Hay que reconocer que el hombre cumplió con su palabra.

    En esta última película de la Trilogía, que según el canon original sucede tres años después de Episodio II, se narra la historia de cómo la Antigua República se encuentra devastada por la guerra promovida por el conde Dooku (de nuevo el inmortal Christopher Lee) y el general droide —bueno, en realidad es un cyborg— Grievous (voz de Matthew Wood). El canciller supremo Palpatine (Ian McDiarmid) ha retenido el poder por demasiado tiempo, lo que comienza a causar descontento entre el Consejo Jedi. El joven jedi Anakin Skywalker (Hayden “Noactuaríaniaunquemividadependieradeello” Christensen) está a punto de convertirse en padre; pero terribles visiones del futuro lo sumen en la desesperación y la incertidumbre, lo que lo lleva a acercarse al misterioso Lord del Sith Darth Sidious, cuyas enseñanzas del Lado Oscuro podrían salvar la vida de Padme (regresa la Portman en una de sus peores interpretaciones en la vida), la esposa secreta de Anakin. Sin embargo, seguir las enseñanzas de Sidious significaría traicionar a la Orden Jedi y destruir todo por lo que Anakin y los jedi han luchado.

    Siempre que veo esta película me da la misma impresión: En mi mente veo a George Lucas como un estudiante irresponsable que se pone a estudiar tratando de aprender todos los contenidos del semestre la noche anterior al examen final. Es como que de repente dice: “¡Madres! ¡Llevamos dos películas haciéndonos pendejos, tenemos un montón de cosas que explicar y sólo nos queda una película de dos horas y cuarto!” Porque así es como se siente Episodio III.

    Principalmente me llama la atención el personaje del general Grievous. Por muchas razones. Se supone que Grievous, cuyo diseño original corrió a cargo del artista Warren Fu, fue creado para el Episodio III por George Lucas; pero su primera aparición se dio en la serie de cortometrajes animados Guerras Clónicas (2003-2005), para ir calentando el ambiente antes del estreno de la cinta. Así pues, el inicio de Episodio III se entiende más como un cierre a la serie animada… y si uno no la ha visto, sí le da la sensación de que se perdió de algo antes de la película.

    Grievous funciona como una especie de antecedente de Darth Vader: al igual que el Señor del Sith, es un cyborg^[1] con problemas de asma que se embarca en una cruzada para cazar a los jedi, conservando sus lightsabers como trofeos. Ahora bien, en este último visionado que hice de Episodio III me surgió la duda: Grievous es un antecedente de Darth Vader… ¿O es su sustituto? En mi crítica del Episodio II, mencioné que las precuelas desaprovecharon por completo los dos poderosos ejes argumentales que pudieron usar: las Guerras Clónicas y la Cacería de los Jedi.; ahora me dio la impresión de que Lucas llegó a un punto en el que aún le quedaban demasiados jedi vivos, por eso utilizó el recurso de la Orden 66 y, claro, lo más lógico era que tuviera un personaje que se dedicara a cazar jedis, sólo que, por desgracia, Darth Vader aún no existía. Por eso tuvo que crear a Grievous.

    En resumen: creo que se perdió tanto tiempo narrando las comiquísimas aventuras de Jar Jar Binks (Ahmed Best) y el romance estudiantil/chafón de Anakin y Padme en los Episodios I y II, que la historia en Episodio III se comprime al punto de necesitar un personaje que, según su propio planteamiento, ni siquiera existe aún.

     Por supuesto, el plato fuerte de esta película es el origen de Darth Vader, el cual, por cierto, permaneció prácticamente igual a como lo narra el espíritu de Obi-Wan Kenobi en la novelización de El regreso del Jedi:

    … Cuando vi lo que había llegado a ser, intenté disuadirlo, atraerlo de nuevo a la luz. Luchamos… y tu padre cayó en un crisol de fundición. Cuando tu padre salió arrastrándose de ese terrible estanque, el cambio en él había sido impreso con fuego para siempre. Se convirtió en Darth Vader, sin el más leve asomo de Anakin Skywalker. Irremediablemente maligno. Surcado por cicatrices y mantenido con vida sólo por su maquinaria y su propia y negra voluntad…^[2]

       Y en ese sentido, la película cumple. La esperada pelea entre Obi-Wan (Ewan “Soyelúnicoqueactúaenestasmadres” McGregor) y Anakin es espectacular, y la subsecuente derrota y destrucción de Anakin están de antología. Lo único que no me encanta es el epílogo. Francamente, creo que la película dura más de lo que debería; por mí, pudieron haber metido los créditos finales justo cuando terminan de ponerle la máscara a Vader. Así se habrían evitado el legendariamente ridículo grito de “¡No!”, además de que ésta sería la única película de la saga en terminar con un primer plano.

    La que sí me pareció un tanto ociosa fue la pelea entre Yoda (voz de Frank Oz) y Darth Sidious en el Senado Galáctico. Tampoco creo que aporte nada a la historia y para lo único que sirve es para ver lo poco que se parece el Emperador del Episodio III al de El regreso del Jedi (Marquand, 1983), a pesar de haber sido interpretados por el mismo actor.

    Al respecto de la transformación de Palpatine en pantalla, también quisiera hacer notar que me pareció decepcionante. Quiero decir, porque fue inmediata. Uno entendía que la apariencia de Palpatine en El regreso del Jedi se debía a que sí era muy viejo, pero además había sido consumido por el Lado Oscuro a lo largo de los años. Nuevamente, como perdieron tiempo con otras cosas en los episodios anteriores, tuvieron que acelerar la degradación del personaje… Y ahora que me fijo, ¿por qué Palpatine ruge?

    A pesar de la duración de la cinta, creo que el montaje y la edición son más que eficientes. Aun cuando es la película más larga de la Trilogía de Precuelas, es la que mejor fluye. Esto sin duda se debe a la edición; pero también seguramente tiene que ver con que es la única en la que de verdad pasan cosas interesantes.

    Del mismo modo, parece que Lucas y su equipo por fin se pusieron a hacer la tarea, porque de las tres precuelas ésta es la única que más o menos se acerca al tono de las películas originales y hasta antes de Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016).

    Aunque no por eso está exenta de cada mamada… como… ¿Qué onda con Kashyyk y los wookies? Está más metido a la fuerza que Jango Fett en el Episodio II y peor lograda, porque en este caso ni siquiera contribuye a la historia. De verdad, hagan el intento: Saquen las secuencias de Kashyyk y la película sigue siendo la misma. Ni siquiera hace falta explicar por qué Yoda no fue muerto en el ataque al Templo Jedi —digo, uno entiende que Yoda es demasiado chingón como para morir a manos de los clone troopers—. Por no mencionar que la navecita del Maestro Jedi se parece muy sospechosamente a la nave de E.T. El extraterrestre (Spielberg, 1982) y, sobre todo… ¿Están tratando de decirme que Chewbacca (Peter Mayhew) conoció a Yoda mucho antes que Luke? ¿Y no le dijo nada? ¿Aun cuando lo vio esforzarse en su entrenamiento para ser jedi? ¡No mamen!

    ¿Y qué tal su explicación tardía, forzada y no solicitada sobre por qué los jedis de la Trilogía Original se desvanecían y los de la Trilogía de Precuelas sí dejan sus cadáveres ahí tirados? En el corte original de la película había una secuencia completa donde Qui-Gon lo explicaba a fondo; pero la dejaron fuera desde la primera edición.

    Y R2-D2 (Kenny Baker) sigue teniendo retrocohetes. ¿O es que debo suponer que cuando le borran la memoria a los droides se le olvida que los tiene? No, pero esperen, sólo borraron la memoria de 3PO (Anthony Daniels), la de R2 se mantuvo intacta… Además, en la Trilogía Original, R2 podía comunicarse con Luke a través de la interfaz de la computadora de la X-Wing. ¿Y no pudo decirle nada sobre Vader? ¿O sobre Obi-Wan? O sobre… ¡Cualquier cosa!

    Hablando de droides ¿se fijaron que en los trece años que pasaron entre Episodio I y III la tecnología de la Federación de Comercio apenas si se desarrolló? O sea, empezaron siendo unos buenazos que tenían naves caza autómatas y, más de una década después, siguen teniendo el mismo modelo de naves caza autómatas, sólo que pintado de otro color y con un lanzamisiles integrado…

    ¿Y qué onda con la muerte de Mace Windu (Samuel L. Jackson)? Desde antes de que saliera la película supuse que Anakin sería el encargado de darle muerte. Digo, finalmente fue Windu, más que cualquier otro, quien se oponía a que Anakin fuera entrenado como jedi… curiosamente, ni siquiera Yoda puso tantos peros hasta este episodio. Y a final de cuentas no lo mata —no directamente, quiero decir— y el pobre Windu perece en circunstancias que harían sonrojar al Equipo Rocket.

    Las actuaciones siguen siendo malas. Afortunadamente, Christensen como que se metió a clases o algo, porque la verdad es que sí mejora un poco en esta película ‒o sea, un poco‒; pero Portman está perdida. Completamente. Sin ánimo de exagerar puedo decir que la de esta cinta es la peor actuación que le he visto en la vida. Incluso en esa película en la que la abandonan en el Wal-Mart se ve mejor… ¡Hasta en la soporífera Thor (Brannagh, 2011) actúa mejor! Y si la lamentación de Anakin en el Episodio II estaba de risa loca; sin duda se echa un Tète-a-tète con el “Anakin, you’re breaking my heart!” de Padme en esta cinta. Mmhhh… quizá no es tanto que Christensen haya mejorado, es sólo que Portman se ve peor.

    Así pues, de todos, de absolutamente todos los que aparecen en esta película, al único que le creo que se convertirá en el personaje que vimos en la Trilogía Original es a Ewan McGregor como Obi-Wan Kenobi. Y eso excluye a Vader, Yoda, Chewbacca, C-3PO, R2-D2 y a Palpatine, con todo y que casi todos ellos son interpretados por los actores originales y que las transformaciones de Vader y Palpatine incluso suceden en pantalla.

    Oh, bueno y el (en este momento apenas) gobernador Tarkin (Wayne Pygram) también es bastante convincente. Quizá porque se le ve de lejos y no se escucha ninguno de sus parlamentos.

    Al respecto de esa escena: sólo logra reforzar lo que ya había mencionado sobre por qué no me encanta El regreso del Jedi. Se supone que Episodio III sucede casi veinte años antes que La guerra de las galaxias (Lucas, 1977), ¿no? Y ya aparece por lo menos la estructura de lo que será la Estrella de la Muerte; es decir, que se tardaron más de veinte años en su construcción ¿y me salen con la mamada de que en el Episodio VI construyeron otra, que además es diez veces más grande que la primera?

    Y en esta película no hay trajecitos sexys de Padme, pero lo compensan con las escenas de Aayla Secura (Amy Allen, quien de hecho no es actriz, sino asistente de producción en Industrial Light and Magic).

    En general, el guión es mejor que en las entregas anteriores. Tiene mayor cohesión y se atreve a explorar un poco de la psicología de los personajes. Digo, a pesar de sus deficientes actuaciones, podemos ver el conflicto de Anakin y la decepción de la política que siente Padme, y me hubiera encantado que la relación entre Obi-Wan y su discípulo se hubiera planteado mejor en las cintas anteriores para que en ésta de verdad le doliera a uno que se resquebrajara.

    En parte, la mejoría en el guión se debe a que el guionista Tom Stoppard, responsable por los guiones de películas como Brasil (Gilliam, 1984), El Imperio del Sol (Spielberg, 1987) y Shakespeare enamorado (Madden, 1988), le dio “una pulidita” al guión original que había escrito Lucas.

     A pesar de todo, me gusta esta película. Ésta sí. Creo que es realmente superior a los episodios anteriores y sí le anda llegando al nivel de El regreso del jedi… aunque no salen Jabba y su corte de muppets, y eso le quita puntos. Ésta es la precuela que los fans esperábamos, y que nos merecíamos, desde 1999. ¿Era tan difícil hacer esto desde el principio?

    Una vez que he concluido mi visionado de la Trilogía de Precuelas, puedo decir que hay algo que me incomoda, pero no lo había notado hasta ahora. El hecho de que todo se explique y de que resulte que todos los personajes están relacionados y todo mundo conocía a todo mundo me deja con la desagradable sensación de que la galaxia es mucho más pequeña y mucho menos vasta de lo que habían planteado las películas originales.

    No puedo terminar este artículo sin decir que hay algo que siempre me ha llamado la atención de la saga. Si era tan tremendamente importante que Darth Vader no descubriera que tenía un hijo, es decir, el futuro de la galaxia dependía de ello, ¿por qué a nadie se le ocurrió cambiarle el apellido a Luke SKYWALKER?

PARA LA TRIVIA: Para concluir este artículo, les dejo algunos datos de trivia interesantes sobre esta cinta y un par del resto de la saga.

• Episodio III es la única película de la saga en la que aparece un signo de exclamación en el intro.
• El Imperio contraataca es la primera película en la que se menciona el nombre del planeta Tatooine.
• Episodio III es la única película con un cameo de George Lucas (aparecen él y sus hijas a la entrada de la ópera).
• En cada una de las películas de la saga, por lo menos una vez, suena el efecto de sonido conocido como Wilhelm Scream.
• En Episodio III se insertaron escenas reales de la erupción del Monte Etna, que ocurrió en las mismas fechas que la filmación, para ambientar el planeta Mustafar.
• La tos del general Grievous es la tos real de George Lucas, quien se enfermó de bronquitis durante la filmación.
• Originalmente, Gary Oldman interpretaría la voz de Grievous; pero se vio forzado a abandonar el proyecto debido al veto que los sindicatos de actores le impusieron a George Lucas desde la década de los 80.
• La frase más repetida en toda la saga es “I have a bad feeling about this” (“Tengo un mal presentimiento sobre esto”), que básicamente terminó convirtiéndose en un chiste local.

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[1] Originalmente se suponía que le habían implantado prótesis biónicas para curar las heridas sufridas en batalla. En la espantosa serie de animación CGI The Clone Wars, la historia cambia y ahora se plantea que Grievous, por su propia voluntad, sacrifica su cuerpo orgánico para obtener las habilidades que le permitan combatir a los jedi.

[2] KAHN, James, El retorno del Jedi, Best Sellers 52, Origen/Planeta, México, 1985. P.66.

 

STAR WARS EPISODIO II

Star Wars Episode II: Attack of the Clones

 

George Lucas, 2002

 

Tras el éxito financiero y el fracaso con el público que fue Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma (Lucas, 1999), la secuela era esperada con ansias. ¿Volverían las soporíferas escenas de intriga política? ¿Volverían el guión pobre y las malas actuaciones? ¿Nuevamente tratarían de convencernos a punta de madrazos durante más de dos horas de que Jar Jar Binks (Ahmed Best) es gracioso? Pero, sobre todo, ¿estaría esta nueva cinta al altura de por lo menos El regreso del Jedi (Marquand, 1983)?

    El título original de la Trilogía de Precuelas iba a ser tal cual Clone Wars, pero los realizadores decidieron mantener el de Star Wars para facilitar la asociación del público con la franquicia.

    La trama de esta película sucede diez años después de Episodio I. Anakin Skywalker (Hayden Christensen… sobre quien hablaré largo y tendido más adelante) es ya un adolescente impulsivo bajo la tutela de su maestro jedi, Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor). La República atraviesa una crisis, ya que el exjedi conocido como conde Dooku (el inmortal Chrsitopher Lee haciendo un personaje que es una obvia referencia a Drácula, el papel que lo hiciera inmortal) se ha convertido en el caudillo de un movimiento separatista, liderado por la Confederación de Comercio, que busca independizar varios sistemas planetarios del yugo del Senado Galáctico.

     La República planea defenderse de dicho movimiento al crear un gigantesco ejército; pero, sumida en la burocracia, necesita el apoyo del Senado Galáctico para lograrlo. El voto decisivo será el de la senadora Padmé Amidala (regresa Natalie Portman), quien sufre un atentado en contra de su vida ni bien llega a Coruscant —que en esta cinta luce una marcada influencia de Blade Runner (Scott, 1982)— para la votación. Para protegerla, el Consejo Jedi nombra a Anakin como su escolta. Los dos jóvenes obviamente se enamoran, mientras Obi-Wan lleva a cabo la investigación para dar con el autor intelectual del atentado contra Padmé y en el camino descubre al Ejército de la República, conformado por clones del cazarrecompensas Jango Fett (Temuera Morrison) cultivados en secreto bajo presuntas órdenes de los Jedi.

    Esta película retoma, en mayor medida, un pasaje del guión original de The Star Wars que quedó fuera de la Trilogía Original^[1]. En él, el renegado guerrero jedi Luke Skywalker encomienda el cuidado de la princesa Leia a su discípulo Anikin Skywalker, quien la oculta en el desértico planeta Gordon —agradecemos a Lucas evitar una referencia tan obvia— y, de manera bastante inexplicable, surge el amor entre ambos.

    Por cierto… se supone que en esta película los malos son los separatistas: un grupo de rebeldes azuzados por un viejo caballero jedi que se levantan en armas en contra de un gobierno corrupto e ineficiente… Un momento… ¿Qué no era eso lo que hacía la Alianza Rebelde en la Trilogía Original? Me huele a doble moral.

     Recuerdo que en aquella época la decisión de castear al prácticamente desconocido Hayden Christensen para interpretar al joven Anakin Skywalker generó mucha controversia —varios críticos del momento se refirieron a él como el “Backstreet Boy de Star wars”—. Las opiniones en contra argumentaban que Christensen no daba el ancho para el papel, que había sido elegido por su físico ‒posteriormente se sabría que la elección recayó en que a Lucas le gustó cómo se veían juntos Portman y Christensen‒ y no por sus capacidades histriónicas, y lo atacaban porque, según reveló en una entrevista, nunca había visto ninguna película de Star Wars.

    Y si bien creo que el no ser fanático de la franquicia no tendría por qué influir en su trabajo, estoy de acuerdo con todo lo demás. Porque es cierto. Porque si hay un solo elemento que mantuvo una férrea continuidad entre el Episodio I y el II fue precisamente el que Anakin es odioso en pantalla. Su actuación es acartonada y pueril, innecesariamente melodramática, y uno no puede evitar carcajearse hasta las lágrimas cuando el pobre lamenta la muerte de su madre y describe cómo asesinó a los tusken raiders.

    Y si de por sí el chavo es maleta, la verdad es que Lucas no le da con qué trabajar. Es decir, nadie esperaba un Shakespeare; pero aparte de lo malito del guión, me encuentro con lo que más me choca de esta película: el planteamiento del personaje de Anakin Skywalker. A final de cuentas, resulta que Darth Vader, el villano número 2 en la lista de los 100 mejores villanos en la historia del cine según el AFI —el primero es Hannibal Lecter—, la encarnación del mal en la galaxia^[2], es sólo un niño llorón que extraña a su mami y que se vuelve malo por berrinchudo y porque la niña que le gusta no lo pela.

    Así pues, Christensen roba cámara con su mala actuación; pero los demás no se quedan atrás. La Portman también es bastante malita, aunque eso sí, es superior a su compañero de escena y a como la vimos en el Episodio I. El que sorprende es Ewan McGregor, quien se ve mucho más comprometido con su labor que en la cinta anterior, quizá porque cayó en cuenta de que en esta peli la responsabilidad de que por lo menos un actor efectivamente actuara en pantalla caía enteramente sobre él.

    De todos modos, es difícil concentrarse en ello cuando la película está llena de distractores. Creo que el argumento es innecesariamente complicado, quizá porque quisieron darle vueltas a lo que en su núcleo no es más que una historia de amor chafona, y además falla en momentos clave.

    Quiero decir, algunas resoluciones son increíblemente torpes. Siendo el mayor ejemplo la votación en el Senado Galáctico, que a final de cuentas resulta ser una escena casi idéntica a la del Episodio I en la que se destituye a Valorum (Terence Stamp) como Canciller Supremo. Y siempre me he preguntado… ¿Neta? ¿Quién chingados deja a Jar Jar Binks (Ahmed Best) en un cargo diplomático? Porque entonces el estúpido no es él, sino Padmé.

    ¿Y qué me dicen de los retrocohetes de R2-D2 (Kenny Baker)? Digo… ¿Es en serio? De por sí toda la secuencia de la fábrica de droides ‒que no estaba en el guión de la película, sino que se les ocurrió de último momento… y se nota‒ parece más apropiada para un dibujo animado de Tom y Jerry que para una cinta de Star Wars, y después me salen con que prácticamente la mitad de las peripecias de R2 en las películas anteriores se pudieron evitar fácilmente. ¿Y por qué en el futuro (o sea, en la Trilogía Original) ya no los usa? ¿Se le olvidó que los tenía?

    Lo que sí es que la película está poblada por la que quizá es la más extensa variedad de personajes secundarios… todos desaprovechados. De verdad, esta cinta tiene varias líneas argumentales que no llevan a ningún lado y creo que metieron demasiados personajes de apoyo que hubieran resultado interesantes por ellos mismos, pero que al no ser bien desarrollados quedan superfluos y se siente que sobran.

    El que sí de plano lo metieron con calzador fue a Jango Fett. Digo, ahora resulta que los Stormtroopers, que cuando disparan no le atinan ni a un burro amarrado, son clones del más eficiente cazarrecompensas y asesino a sueldo de la galaxia. Y lo peor es que uno de nuestros villanos consentidos, Boba Fett (Daniel Logan), de quien uno de sus principales atractivos era el misterio alrededor de su persona, resulta tener un origen perfectamente definido que además lo plantea como un niñito mal actor con peinado chistoso.

    Y hablando de los Fett, ¿qué onda con su reparto de “Escuela de la ONU”? En general, la Trilogía Original de Star Wars era percibida como una franquicia de blancos, todos caucásicos. En la Trilogía de Precuelas se nota que los realizadores se sintieron obligados a darle diversidad étnica al asunto, aunque francamente me parece innecesario. Y sí, te estoy hablando a ti, Mace Windu (Samuel L. Jackson). Aunque eso favoreció la aparición de la primera actriz mexicana en una película de Star Wars: Verónica Segura, quien interpreta el papel de Cordé… lo que es completamente irrelevante, porque la matan ni bien pasados los primeros cinco minutos de la película.

    En el apartado tecnológico, puede mencionarse el hecho de que ésta fue la primera cinta de la saga grabada enteramente de manera digital. Así, Lucasfilm se ahorró el ya un poco sinsentido proceso de revelado de la película para después digitalizarla y agregar el CGI.

    Fue una dura decisión para Lucas sustituir al Yoda (Frank Oz) tradicional por uno digital para esta película. Y el resultado se ve en pantalla… ¡No se parece en nada! Y lo peor es que le dieron en toda la madre al planteamiento del personaje. ¿Recuerdan a ese Yoda meditativo, sabio, estoico y bonachón pero firme? Bueno, pues olvídenlo por completo, que este nuevo Yoda es irascible, hiperactivo y pelea con un diminuto lightsaber contra el gigantón Christopher Lee (recordemos que medía casi 2m) en una de las escenas más ridículas de las que tenga memoria.

    Del mismo modo, a diferencia del Episodio I en el que el CGI se usó mayormente para retocar y expandir escenarios reales filmados en vivo, trabajo que en la Trilogía Original se logró con pintura mate, en Episodio II la gran mayoría de los escenarios fueron creados con tecnología digital^[3]. Nunca existieron. Los actores simplemente se paraban en un estudio con pantallas verdes o azules y actuaban que se encontraban en tal o cual locación. Y se nota. Gracias a la poca pericia del director, con frecuencia, y esto por supuesto es más notorio en la edición en Blu-Ray, los actores tienen una notable cara de desconcierto en las escenas grabadas en escenarios digitales, como si la indicación de en dónde se encontraban hubiese sido poco clara o de plano inexistente…

    Y bien, si en Episodio I los personajes carecían completamente de objetivos, creo que en esta cinta ese mal se contagió a los realizadores. Ahora que volví a ver esta película sólo pude ver una cosa: Miedo. Puro y absoluto miedo. Y esta sensación sólo fue reforzada cuando volví a ver las escenas eliminadas incluidas en el material extra de la edición en DVD.

    Me refiero a que, temerosos de caer en las largas secuencias explicativas de la película anterior, los realizadores de ésta dejaron fuera casi toda la intriga política y las escenas demasiado dialogadas. El problema es que creo que se les pasó la mano. Así, fuera del corte final de la película quedaron las escenas en las que se desarrollaba el romance entre Padmé y Anakin; por lo que éste termina viéndose simplón, injustificado y sin fuerza en pantalla.

    Del mismo modo, la masacre de jedis en la arena de Geonosis se ve padre; pero me molesta un poco que rompe con la imagen que me había formado de los jedi gracias a la Trilogía Original e incluso a Episodio I: Que eran guerreros sabios y ecuánimes casi invencibles. Aquí son tan tontos como para meterse solitos en una ratonera y dejar que los acribille un ejército de Battle Droids.

    También pude notar una cierta desesperación por ponerle más acción a las escenas de acción. ¿O de qué otro modo se explica uno que se la pasen jugando con el zoom-in? Que, por cierto, usar zooms rápidos para darle dinamismo a una secuencia es taaan de los setenta…

    La confrontación final entre el conde Dooku y Yoda resulta ridícula. Además, aunque probablemente Lee sea el actor que mayor número de peleas con espada ha representado frente a cámara, ésta no la realizó él; sino un doble debido a la avanzada edad de Lee. Así pues, la confrontación entre los dos poderosos jedis que se ve en pantalla es una coreografía entre un muchacho de la estatura de Lee y nada.

    Mucha gente opina que, de hecho, Episodio II: El ataque de los clones es la peor película de la saga; sin embargo, discrepo. Sí creo que esta cinta es superior a la anterior —o quizá convendría decir que es “no tan pinche”— y baso mi argumentación en tres puntos. Primero: No sale Jake Lloyd. Segundo: Las apariciones en pantalla de Jar Jar Binks son reducidas drásticamente, hasta el punto de ser prácticamente irrelevantes —vamos, su voto lo pudo emitir cualquier otro—. Y tercero: En general los vestuarios que le ponen a Padmé en esta ocasión son muchos más reveladores que en la peli anterior.

    Y ya. Por lo demás, sigue siendo pura basura.

GUERRAS CLÓNICAS (Star Wars: Clone Wars, Genndy Tartakovsky, 2003-2005… curiosamente, sin relación con la película Star Wars: Clone Wars [Filoni, 2008] ni la serie de televisión Star Wars: Clone Wars (2008])

Y, finalmente, hay un punto que siempre me llamó la atención. ¿Recuerdan en La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) cuando el holograma de la princesa Leia mencionaba que Obi-Wan había servido a su padre durante las Guerras Clónicas? Y uno se preguntaba qué había sido eso que debió ser un evento tan grande e importante que a partir de él se extinguieron los jedi. Uno pensaría que la Trilogía de Precuelas iba a contar la historia de las Guerras Clónicas. Pero no.

    Había dos ejes perfectamente claros alrededor de los cuales podría haber girado el argumento de la Trilogía de Precuelas: Las Guerras Clónicas y la cacería de los jedi a manos de Darth Vader. Sin embargo, en su infinita sabiduría, Lucas y McCallum (productor de la Trilogía de Precuelas) decidieron no tomar ninguno de los dos.

    En vez de ello, optaron por narrar las Guerras Clónicas a través de una serie de cortometrajes animados para televisión. La serie fue producida por la cadena de TV por cable Cartoon Network y dirigida por el genio detrás de El laboratorio de Dexter (1997-2013 de forma interrumpida), Las Chicas Superpoderosas(1998-2005) y Samurai Jack (2001-2015 de forma interrumpida), Genndy Tartakovsky.

    La serie enlazaba el Episodio II con el III (de hecho, el inicio de Episodio III es tal cual el epílogo de Clone Wars) y en ella se veían eventos interesantes como la invasión del Ejército Separatista a Coruscant, la caza a Anakin Skywalker por parte de la aprendiz de Dooku, la misteriosa Asajj Ventress, el rito a través del cual Anakin deja de ser un padawan y se convierte en jedi o la prueba a través de la cual Barris Offee, padawan de Luminara Unduli, construye su lightsaber^[4].

       Puedo decir, sin miedo a equivocarme, que a nivel argumental esta serie, cuya duración total es de un poco más de dos horas, es mucho más interesante que los Episodios I y II juntos. Asimismo, me parece que la calidad narrativa es muy superior a dichas películas —algunos capítulos carecen en absoluto de diálogos y aun así son más emocionantes que las pelis— y el drama en general está mucho mejor construido.

    De cualquier modo, nada de eso importa ya, porque con la compra de Lucasfilm por parte de Disney en 2014 la serie de dibujos animados de Clone Wars —y la película y serie de TV de animación digital que mandaban a la goma la serie de Tartakovsky y volvían a contar la misma historia, pero mal— quedó fuera del canon oficial de Star Wars.

PARA LA TRIVIA: Bueno, no sé si sea dato de trivia; pero igual es algo que siempre me ha llamado la atención. En la escena en la que Obi-Wan está en el archivo del Templo Jedi buscando el planeta Kamino, le menciona a la bibliotecaria que “debería estar aquí, justo al sur del Laberinto Ryshi”… Y yo me pregunto: ¿Cómo chingados un planeta puede estar “al sur” de… cualquier cosa?

[1] Baso todas mis referencias y afirmaciones sobre “el guión original” en RINZLER, J.W. y Mike Mayhew, The Star Wars, Dark Horse Books, United States, 2014. La adaptación en cómic del primer borrador de guión escrito por Lucas.

[2] Sí, el que acosaba a Debbie Harry en la versión europea del videoclip de The Tide is High, el que le hacía caballito a Freddie Mercury.

[3] Aunque algunas escenas sí fueron grabadas en locaciones reales en Italia, España y Australia.

[4] Me sigue intrigando que en toda la saga cinematográfica nunca se haya visto el momento en el que un jedi crea su lightsaber, excepto por cierta secuencia eliminada de El regreso del Jedi.

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ALIEN: COVENANT

Que originalmente se llamaba Paradise; luego, para evitar el mismo problema de disociación que con Prometeo, la llamaron Alien: Paradise Lost; pero que finalmente terminó llamándose Alien: Covenant.

 

Ridley Scott, 2017

 

Cuando el empleado de la taquilla del cine me vendió los boletos para la película que él llamó “El Alien”, pensé que vería algo como lo que aparece en el video Wild Boys de Duran Duran. Siendo honesto, tenía bajas expectativas sobre esta película… y el hecho de que se estrenara una semana antes en Europa y Latinoamérica que en EE.UU. me hizo pensar que no era el único que no le tenía mucha fe al proyecto. Afortunadamente, puedo decir que me equivoqué y Alien: Covenant es una entrada bastante digna en la saga.

    La historia de esta cinta sucede 10 años después de la desaparición de la nave Prometheus, cuando la nave colonizadora Covenant sufre un accidente que despierta a su tripulación del hipersueño. La tripulación, conformada por parejas casadas, excepto por el androide Walter (regresa Michael Fassbender), descubre que cerca de ellos se encuentra otro planeta desconocido con condiciones similares a las de la Tierra. El capitán Oram (Billy Crudup), a pesar de la reticencia de la Segundo Oficial, Daniels (Katherin Waterson, quien podría tomar la estafeta de Sigourney Weaver), decide explorar el planeta. Sin embargo, la expedición es atacada por sanguinarias criaturas mutantes. La expedición parece perdida hasta que son rescatados por un inesperado aliado, gracias al cual descubrirán el destino final de los últimos sobrevivientes de la Prometheus, el secreto detrás de las criaturas y horrores más allá de sus más alocadas pesadillas.

    No es un secreto para nadie que Ridley Scott no quería hacer esta película. En 2010, cuando se rumoraba sobre un proyecto que en aquel entonces sólo se llamaba Alien 0, la principal incógnita era el resultado que tendrían las negociaciones entre Twentieth Century Fox y el director británico. Scott aceptó dirigir el proyecto a condición de ser también el productor del proyecto para tener libertad creativa. Dicho proyecto después se convertiría en Prometeo (Scott, 2012).

    La razón es sencilla y Scott nunca la ha ocultado: la franquicia de Alien y, sobre todo su criatura estelar, están demasiado gastadas. Por eso trató de hacer una película que sirviera como precuela de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979); pero que al mismo tiempo apuntara en otra dirección. Por desgracia, el resultado, aunque bastante decente en sí mismo, no gozó del favor del público, al ser una película más orientada hacia la Ciencia Ficción y que seguía un hilo conductor enfocado en la cosmogonía y la teodicea… Y bueno, hubo mucha gente que ni se enteró de que era la precuela de Alien.

     Así las cosas, esta segunda película en la trilogía de precuelas de Alien trata de incorporar más elementos de horror. Al mismo tiempo, enlaza las tramas de Prometeo con la de las películas de Alien, mandando un poco a volar la primera y dando más énfasis a la segunda. Pero creo que lo mejor es que deja dos cosas bien claras: Primera, que Prometeo es indiscutiblemente una precuela de Alien ‒según lo que se planea, vendría siendo como Alien -2 ‒ y, definitivamente, saca del canon las inmundas películas de Alien vs Depredador (Anderson, 2004) y Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    Esta película me gustó bastante. Creo que uno de sus puntos más fuertes es el guión. Está bien escrito y la historia se cuenta bien. Hay sendos huecos en él, eso sí… y huecos profundos; pero supongo que eso podrá resolverse en películas posteriores ‒sigo preguntándome por qué a un androide le crecería el cabello o cómo es posible que un camión que es lanzado desde la órbita planetaria caiga en línea recta hacia la superficie del planeta, pero me haré de la vista gorda‒. Empero, los diálogos están bastante bien y los personajes están bien trabajados. John Logan y Dante Harper, guionistas de la peli, dan en el quid del asunto: comprenden que para que la muerte de un personaje en pantalla sea interesante, primero debe importarte ese personaje.

    La peli mayormente se enfoca en el horror. Es una de las películas más sangrientas que he visto en los últimos años, lo que agradezco de verdad, porque por alguna razón los personajes de las películas actuales no tienen sangre. Casi al final hay una escena en una ducha que me pareció casi salida de alguna de las tantas entregas de Viernes 13, con un tímido topless incluido, cortesía de la hermosa Callie Hernandez… sí, así es, hay una mujer físicamente atractiva en una película de Alien… y sí, tuvieron que pasar casi 40 años para ver la primera escena casi topless en una película de la franquicia, sin contar a la Ripley mutante de Alien: la resurrección (Jeunet, 1997). Sin emabrgo, hay también muchos elementos de película de aventuras ‒es la primera cinta en la franquicia en la que vemos a los aliens en exteriores y, lo que es más, en medio de la vegetación‒, de película de acción ‒hay una escena de kung fu, lo juro‒ e incluso de thriller. SPOILER Las secuencias entre Walter y David ‒o sea, Michael Fassbender echándose un duelo de actuaciones contra Michael Fassbender‒ están imbuidas de una atmósfera de misterio que llega a ser increíblemente perturbadora TERMINA SPOILER.

    Las actuaciones son muy buenas y creo que todos los actores mantienen un nivel bastante decente. Por supuesto, es casi inevitable que la cinta termine siendo un poco el show de Michael Fassbender y sus amigos; pero siempre paga el ver a Fassbender. Danny McBride en el papel de Tennesee está de antología.

    La fotografía es increíble. Se agradece sobremanera que los realizadores prefirieran filmar en escenarios reales y redujeran al mínimo la utilización de sets virtuales. Las locaciones en Australia y Nueva Zelanda están muy bien aprovechadas y, aunque podrían parecer demasiado familiares, aún conservan ese halo de primitivismo que les da una calidad extraterrestre. La iluminación también está padre y, al igual que en la película original, trata de mostrar poco de las criaturas… excepto claro, por esa escena del xenomorfo tratando de subir a la nave de carga; pero al xenomorfo ya lo conocemos bastante bien como para que todavía quieran envolverlo en misterio.

    El diseño de la criatura es interesante. Toma la base del diseño original de H.R. Giger, quien diseñara a la criatura original, pero retoma al mismo tiempo muchos elementos de los aliens de Alien: la resurrección  de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr. Sin embargo, mientras que el alien de Giger era elegante y de aspecto biomecánico, el de esta cinta se ve salvaje y primitivo, lleno de texturas fibrosas y nervudas y, por primera vez, se ve dentro de la cabeza de la criatura el cráneo que Giger puso originalmente ahí y que se perdió en la oscuridad de la primera cinta.

    SPOILER Por supuesto, lo que yo me pregunté desde que vi el primer tráiler de Alien: Covenant fue: Si en el tráiler nos están dejando ver al xenomorfo a plena luz del día, ¿qué será lo que no nos están mostrando? La respuesta es una nueva criatura en la franquicia, conocida como Neomorfo, que es una especie de versión primigenia del alien que todos conocemos y amamos; pero que se ve más orgánica y más cercana a los seres humanos. Originalmente, Giger quería que el xenomorfo de la primera película fuera de un color carne o hueso translúcido ‒como lagartija besucona‒, sin embargo, por las limitantes de los materiales de la época, esto no fue posible; pero ahora, casi cuarenta años después, el concepto fue llevado a la pantalla. TERMINA SPOILER

    Los efectos especiales están bastante bien y me agrada mucho que, al menos en los primeros planos, las criaturas sean animatrónicas en vez de CGI. Llámenme anticuado, pero ya saben que siempre preferiré los animatrónicos y puppets por sobre el CGI.

    Ahora, en el lado de los fallos creo que la película tiene varios que convendría revisar. Por principio de cuentas, tiene muchas de las debilidades que generalmente padecen las secuelas. Por ejemplo, falla la continuidad con las películas originales o se explican cosas que no deberían explicarse ¿De verdad era necesario explicar el origen de la criatura? ¿No era mejor sólo dejarlo en que hay especies en el Universo más letales que la humana? Digo, eso le daba un ligero tinte de Horror Cósmico a la original. O el que me gusta llamar el Efecto Episodio I: ¿Por qué si se supone que esta película sucede décadas antes que la original, todo se ve más moderno? Digo, podría salirme por la tangente diciendo que en Prometeo y Alien: Covenant parece que los viajes por el espacio son exclusivos para los ricos y poderosos, mientras que en Alien, el octavo pasajero ya están al alcance del hombre común; pero la verdad es que esa explicación no me convence ni a mí.

    En segundo término, la película también sufre de muchos de los defectos de las cintas de esta década: el inclusionismo injustificado, el hecho de que parece que ya a nadie le gusta usar tripiés para que sus tomas se vean más “dinámicas”, el que, a pesar de que no se hace pesada, se siente que la película podría durar menos ‒tengo la impresión de que últimamente las películas se hacen más largas y creo que quizá se deba a que las distribuidoras quieren que el gringo promedio sienta que desquita los alrededor de USD$20 que paga por un boleto para el cine‒, los finales con vuelta de tuerca increíblemente predecibles y otros tantos.

    A final de cuentas, creo que Alien: Covenant es una película bastante decente que cumple con sus objetivos: enlaza Prometeo con Alien ‒lo que ya se había intentado en la saga de cómics Fire and Stone (2014) publicada por Dark Horse, que entretejía las líneas argumentales de Prometeo, Aliens, Depredador y Aliens vs Depredador‒y, sobre todo, logra poner al día una franquicia que se consideraba extinta. No es la mejor película de la saga y es también un crudo reflejo de la crisis del cine de Hollywood ‒bueno, siendo justos, la producción es principalmente británica‒; pero aun así se disfruta y, al menos a mí, me deja esperando por la siguiente entrada en una de mis sagas favoritas del cine.

    Por cierto, existen rumores de la aparición de una Sigourney Weaver rejuvenecida a través del CGI en la siguiente entrega de la saga…

    SPOILER Me quedó una duda enorme eso sí: ¿David exterminó a los Ingenieros? Digo, porque los que salen en esta peli no se parecen tanto a los de la primera y, de hecho, parecen adorarlos como dioses. Yo entendí que se trataba de otra especie descendiente de los Ingenieros, como la nuestra; pero quizá me equivoco.TERMINA SPOILER

 

PARA LA TRIVIA: Ridley Scott se negó a ver Alien 3 (Fincher, 1992) cuando se estrenó originalmente. Cuando finalmente la vio, décadas después, le desagradó tanto que tuvo la idea de escribir una “secuela alternativa”. El argumento de dicha secuela fue la base sobre la cual se escribió el guión de Alien: Covenant.

 

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STAR WARS EPISODIO I

Que originalmente se llama Star Wars Episode I: The Phantom Menace, aunque su infame legado ha quedado grabado en la memoria de la fanaticada simplemente como Episodio I.

George Lucas, 1999

Básicamente sólo hay 3 versiones de esta película y las diferencias entre ellas son mínimas, por lo que no me preció necesario hacer uno de mis característicos cuadros comparativos. Las versiones son: el estreno en cine de 1999, la edición en Blu-Ray de 2011 y la edición en 3D de 2012.

    La única diferencia entre las versiones de 1999 y 2011 es la sustitución del Yoda (Frank Oz) puppet por el Yoda digital para que tuviera más “continuidad” con los Episodios II y III… Por cierto, en ambos casos, ¿es mi imaginación o Yoda sí se ve más joven que en El Imperio contraataca (Kershner, 1980)? O sea, sí es más joven en el Episodio I; pero si Yoda tiene 900 años de edad, ¿de veras se le notarían 30?

¿Recuerdan los 90? Antes de que la humanidad fuera esclavizada por los Smartphones, cuando Los Simpson eran graciosos, había sangre en las películas y nadie creía que Leo DiCaprio merecía un Oscar, cuando The Big Bang Theory aún se llamaba Friends, y películas como Sé lo que hicieron el verano pasado (Gillespie y Williamson, 1997) y Juegos sexuales (Kumble, 1999) eran lo más guay. Con el lanzamiento de la segunda serie de figuras de acción de Star Wars: The Power of the Force en 1995, George Lucas comenzaba la primera fase del proyecto para regresar la franquicia a la pantalla grande. Etapas subsecuentes incluyeron la creación de la saga multimedia Sombras del Imperio (1996) y el lanzamiento de la Trilogía de la Guerra de las galaxias Edición Especial (1997).

     Así pues, para la primavera de 1999 las expectativas creadas por la nueva entrega de la saga eran altísimas. Gente acampando por semanas frente a las taquillas de los cines, otros que pagaban el boleto completo de una función sólo para entrar a ver el tráiler de la nueva la nueva peli de Star Wars y después salirse de la sala, otros tantos robándose los escasos posters que llegaron a colocarse en los parabuses y beldades por el estilo, pobres ilusos acaparando las figuras de acción que, como ahora incluían el infame CommTech Chip, costaban el doble que las de la colección Power of The Force y cuya sobreproducción causó la quiebra de Kenner, y una larga lista de etcéteras que demostraban que muchas personas pedían a gritos que la nueva cinta de Star Wars fuera su película generacional.

    El nuevo episodio toma lugar alrededor de 30 años antes de los eventos vistos en La Guerra de las galaxias (Lucas, 1977). Se narra cómo la avariciosa Federación de Comercio, manipulada por un Oscuro Señor del Sith (orden que se creía extinta), bloquea e invade al pacífico planeta Naboo. Amidala (SPOILER Natalie Portman/Keira Knightley TERMINA SPOILER), pide la ayuda del Senado Galáctico, quienes envían al caballero jedi Qui Gon Jin (Liam Neeson, interpretando a uno de los personajes más olvidables en la saga) y su padawan (aprendiz), el joven Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor, en algunas escenas con cara de infinita güeva) para que sirvan como mediadores entre Amidala y el Virrey de la Federación de Comercio Nute Gunray (Silas Carson). Sin embargo, en una traicionera artimaña, la Federación de Comercio intenta asesinar a los jedi y comienza la invasión de Naboo. La Reina se ve obligada a escapar de su planeta, llevando consigo a los jedis y al gungan Jar Jar Binks (Ahmed Best, haciendo un personaje tan gracioso como pegarse en el dedo chiquito del pie con la esquina de un mueble), y dirigirse a Coruscant, el planeta capital de la República; pero con los daños que sufre su nave al atravesar el bloqueo de la Federación, debe resguardarse en el lejano planeta Tatooine. ¿Ya se aburrieron? Bueno, pues espérense que apenas va la tercera parte de la película.

    Ya en Tatooine, los jedis encuentran a Anakin Skywalker (Jake Lloyd), un niño insufrible con poderes especiales —por lo menos hace que actuar mal parezca un súper poder, el infeliz— que podría ser el Elegido que señala la profecía que traerá el balance a la Fuerza. Qui Gon logra liberar a Anakin de su vida de esclavo, no sin antes descubrir que están siendo rastreados por un aprendiz del Sith llamado Darth Maul (Ray Park, a quien quizá no recuerden como Toad en X-Men [Singer, 2000]) y lo lleva con ellos a Coruscant para que, a pesar de que todo el Consejo Jedi lo desaprueba, sea entrenado como Jedi.

    Una vez en Coruscant el público es sometido a interminables y soporíferas escenas sobre el debate político en el Senado Galáctico que finalmente redundan en que el senador Palpatine (Ian McDarmind) sea nombrado Canciller Supremo —lo cual en realidad es completamente intrascendente hasta el Episodio III— y la reina Amidala tenga que regresar a Naboo para detener la invasión por sus propios medios.

    Y… creo que básicamente eso es todo… Digo, hay dos secuencias muy emocionantes en la película: la carrera de pod racers y la pelea de lightsabers; pero seamos honestos, a nivel argumental no aportan absolutamente nada. De hecho, uno puede sin problema alguno verlas por separado y no pasa nada. Mi hermano y yo desde que vimos esta película en el cine coincidimos en que se trata de una emocionante pelea de lightsabers que trae pegada una dizque película aburrídisima de dos horas.

    Por cierto, ¿se dan cuenta de que la trama es muy parecida a El regreso del Jedi (Marquand, 1983) sólo que innecesariamente complicada?

    Eso sí, sobre la carrera de pod racers debo repasar algunos puntos. El primero: Que en general toda la secuencia, ya como quedó en la película con cerca de cinco minutos menos con respecto al primer corte, es básicamente un plagio de la carrera de cuadrigas de Ben-Hur (Wyler, 1959). Segundo: que sí es emocionante y es probablemente la secuencia de carreras/persecución mejor lograda en toda la saga ¿Recuerdan cuando comenté en mi crítica de La guerra de las galaxias que Lucas filmaba carreras clandestinas de autos? Bien, pues ésa es la razón de que en todas las películas de Star Wars haya una secuencia de carreras o persecuciones en vehículos. Y tercero: Que de hecho la secuencia es tan entretenida que generó un excelente videojuego por sí sola titulado Star Wars Episode I Racer, que apareciera primero para arcadias y después fuera adaptado al Nintendo 64.

    No sólo Episodio I decepcionó a la fanaticada, sino que es un desastre cinematográfico aun cuando no estuviera asociada con la franquicia. La dirección es mala, el guión es malo, las actuaciones son malas, el argumento es malo… ¡Vaya! Creo que será mejor que vaya hablando sobre cada uno de estos elementos por separado para poder prestarles más atención.

    La principal diferencia que hay entre esta cinta y las anteriores es que Lucas regresó a la silla de director después de prácticamente dos décadas de no dirigir. Y perdón, pero creo que el talento de Lucas está más en los negocios que en la dirección de cine.

    En segundo lugar, los guiones de las tres películas anteriores fueron escritos por gente bastante capaz. El de ésta, no. En algún afán megalómano, George Lucas decidió escribir el guión para esta cinta él mismo. Y se ve. Por todos lados. La película retoma muchos elementos del guión original de The Star Wars^[1], como la burocracia gubernamental, los jedi peleando con sus lightsabers a cada momento, la invasión del pequeño e inofensivo planeta gobernado por una monarquía sabia y justa, etc., etc.

    Por desgracia, el guión es pura basura. Personajes verborreicos, Jar Jar Binks tratando de ser gracioso cada dos minutos y fracasando miserablemente, diálogos cursis y acartonados, y… ¿Alguien puede decirme la motivación de alguno de los personajes? De verdad, los reto. El único personaje que tiene un objetivo de verdad en toda la película de dos horas y cuarto es Darth Sidious, y su objetivo va a quedar claro hasta Episodio III. El resto de los monitos que salen en pantalla simplemente reaccionan ante el montón de situaciones absurdas que se les presentan… y eso que la innecesaria secuencia del submarino bongo cayendo por una catarata en Theed, la capital de Naboo, fue removida del corte final.

    Quizá uno de los elementos que más le pegaron a esta cinta a nivel argumental fue la inclusión de los midiclorianos. ¿Se acuerdan de toda esa explicación que dio Ben Kenobi (Alec Guinness) en la primera película sobre qué era la Fuerza? Bueno, pues al demonio, el viejo chocho se equivocaba o estaba senil. No se trata de una energía emanada por todos los seres vivos y que pude dominarse a través de estudio, entrenamiento y disciplina, no; en realidad es perfectamente medible y depende del número de midiclorianos contenidos en nuestras células. O sea que se nace con ello, no es algo que pueda conseguirse a través de un entrenamiento y mucho sacrificio. Así es. Tres películas y lo que va de ésta tiradas por la borda en una secuencia de menos de cinco minutos.

    Y las actuaciones… El único que parece estar tomándose en serio todo el desmadrito es Liam Neeson, quien de verdad hace lo que puede con el espantoso guión de Lucas. Ewan McGregor de repente se luce, pero en otras escenas se le nota distraído y poco motivado. Con Natalie Portman, quien de ordinario es una buena actriz, pasa algo harto interesante: SPOILER La reina Amidala (Portman) usa a su dama de compañía, Sabé (Knightley) como doble para protegerse contra posibles ataques (como hacía Fidel Castro); sin embargo, el marcado acento británico de Sabé podría delatarla de inmediato, por lo que Portman se esfuerza en imitarlo ¡pero aún en las escenas en las que está caracterizada como Padme conserva su acento falso! TERMINA SPOLIER

    Por si la peli no estuviera mal actuada de por sí, gracias a una innovadora técnica de edición digital, quienes montaron la cinta podían escoger las mejores tomas de cada uno de los actores que aparecían en pantalla y “copipeistearla” en otra toma. De esta forma, si McGregor se veía formidable en la toma 4 y Neeson lo hacía en la 10, por poner un ejemplo, los editores recortaban las imágenes para que los dos tuvieran sus mejores tomas cuando aparecían simultáneamente en pantalla. A la larga, esto se nota a leguas; hay escenas donde uno puede darse cuenta perfectamente de que los actores no están interactuando entre ellos.

    Pero saben que debo hablar de Jake Lloyd… oh, por Cthulhu, Jake Lloyd. Cada parlamento que sale de su boca se siente como un puntapié en el coxis. En serio, hagan el intento de escucharlo con atención en el inglés original y reprirmir las ganas de darle un puñetazo en la cara.

    Creo que gran parte del fallo de esta película es que nunca pudo definir a su público. Ni es una película completamente para niños, a pesar de la presencia de Binks —suponiendo que esa cosa sea apta para niños— y de un infantil Anakin Skywalker, ni es una evolución lógica de la Trilogía Original. Creo que aquí Lucas falló al tratar de captar a un público nuevo sin realmente saber cómo, en vez de intentar crecer con su audiencia original… Digo, las Tortugas Ninja (la serie de 2004) y los Thundercats (2011) supieron hacerlo ¡Carajo, Toy Story lo hizo como Dios Padre!

    ¿Y cuál fue el objetivo de meter con calzador a R2-D2 (Kenny Baker) y C-3PO (voz de Anthony Daniels)? ¿Por qué tuvieron que llevárselos entre las patas en este desmadre?

    La película tiene buenos efectos especiales, aunque mucho del CGI ya dio el viejazo… y gacho. Y es curioso, porque originalmente para crear a Jar Jar Binks se iba a usar una botarga y sólo la cabeza sería CGI; pero de último momento se decidió que se reemplazaría la filmación del actor en botarga con el personaje digital porque, de hecho, era más barato hacerlo así que sólo animar una parte.

    Otro acierto de la cinta se encuentra en el rubro del diseño. En general todo se ve muy bien, y el diseño de las criaturas es interesante y mucho más atrevido que en la trilogía anterior, en parte debido a la posibilidad de crear personajes enteramente computarizados.

    Además, los vestuarios de la reina Amidala son increíbles. Muchos de ellos son diseños adaptados de los bocetos originales que se habían hecho para la primera película, allá por 1975, en la que se planteaba que Obi-Wan Kenobi y la princessa Leia tenían rasgos orientales.

    Pero… algo se ve raro en las naves espaciales que aparecen en la película, ¿no? Es decir… si esto sucedió tres décadas antes de La guerra de las galaxias ¿Por qué todo se ve más moderno? Es decir, los cazas de Naboo tienen un fuselaje liso y bello de brillantes colores, y la Federación de Comercio ¡ni siquiera tiene naves! Tiene un ejército de droides de batalla casi autónomos[2] que incluye droides-caza… ¿Y qué decir de los droides destructores, también conocidos como droidekas?

    Por supuesto, las críticas de los fans no se hicieron esperar. La respuesta oficial por parte de Luscasfilm para ese pequeño detalle es:

Los vehículos de La Guerra de las galaxias: Episodio I pertenecen a un momento muy anterior a esa época en la que las naves espaciales tanto del Imperio como de la Alianza Rebelde exhibirán las líneas severas y el aspecto mecánico de las construcciones de fábrica. En esta […] los artesanos dominan el diseño […]. Las fuerzas del mercado apenas han empezado a socavar las tradiciones de la artesanía (en muchos de los vehículos del Episodio I observamos individualidad, curvas elegantes y un sentido artístico) […]. De momento la galaxia sigue repleta de naves extraordinarias, testimonio (…) de la identidad singular de su época.^[3]

    Bien jugado, Lucasfilm… supongo…

    ¡Ah, bueno! La otra cosa genial que tiene esta película es el tema musical Duel of the Fates, nuevamente compuesto por el Tchaikovsky de nuestro tiempo, John Williams, y que se ha convertido rápidamente en uno de los temas más populares de Star Wars.

    Ante las evidencias, ¿podemos señalar a Episodio I como la peor película de la saga? Sí. Sí podemos. Aun cuando el resultado final es… soportable, al terminar la cinta uno se queda con la sensación de que en realidad no pasó nada y una vez que uno vuelve a ver la saga completa, como lo he hecho yo para escribir esta serie de artículos, se da cuenta de que, de hecho, esta película no aporta nada a la historia. Quizá sea la falta de práctica o el no tener un objetivo claro además de vender muñequitos; pero Episodio I ciertamente no fue la película generacional que tanto sus realizadores como los fans esperaban —me atrevo a ubicar The Matrix (Hnos. Wachowski, 1999) como película generacional antes que a Episodio I—.

    Seguramente la gente de Lucasfilm recobrará la cordura y se dará cuenta de lo que hizo. Digo, ésta tiene que ser la peor película de Star Wars, seguramente las siguientes mejorarán, ¿verdad? ¿Verdad?

PARA LA TRIVIA: Quizá ésta sea la entrega de Star Wars con mayor cantidad de “easter eggs”. Los realizadores de veras se dieron vuelo metiendo guiños para los fans en la cinta. Aquí algunos de mis favoritos:

• El apellido del Virrey de la Federación de Comercio es Gunray, que si se separa en dos palabras y se invierte dice “ray gun” (pistola de rayos, en español), el nombre de las armas usadas en el universo de Flash Gordon.
• Warwick Davis, el actor que interpretara al ewok Wicket en El regreso del Jedi, hace un cameo como uno de los espectadores de la carrera de pod racers.
• En una secuencia eliminada del corte final de la cinta, Anakin se agarra a golpes con un joven bravucón rodiano cuyo nombre, según nos enteramos, es Greedo.
• En la escena de la votación en el Senado Galáctico, Lucas rindió un homenaje a su amigo Steven Spielberg, y en una de las plataformas acomodadas en los muros de la sala puede verse un grupo de alienígenas de la raza que aparece en la película E.T. El extra-terrestre (Spielberg, 1982).
• En una de las escenas en las que aparece la reina Amidala en sus habitaciones de Coruscant, puede verse por la ventana detrás de ella una nave espacial con una silueta muy particular que… ¿es el Enterprise de Star Trek?
• Anécdota curiosa: Originalmente, Benicio del Toro fue casteado como Darth Maul; pero abandonó el proyecto cuando se enteró de que el personaje tenía apenas tres líneas en la película.

[1] Baso todas mis referencias y afirmaciones sobre “el guión original” en RINZLER, J.W. y Mike Mayhew, The Star Wars, Dark Horse Books, United States, 2014. La adaptación en cómic del primer borrador de guión escrito por Lucas.

[2] Siempre creí que la inclusión de los droides de batalla era para no usar soldados humanos y que los jedi no descuartizaran gente en pantalla, que era la idea original de Lucas para The Star Wars.

[3] REYNOLDS, David West et al, Star Wars Episodio I: Impresionantes vistas transversales, LucasBooks/Planeta, México, 1999.

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EL REGRESO DEL JEDI

Actualmente conocida como Star Wars Episode VI: The Return of the Jedi, pero que originalmente se llamó Star Wars: Return of the Jedi

 

Richard Marquand, 1983

Nuevamente, existen múltiples ediciones de esta película. En general, en cada lanzamiento subsecuente se han mejorado la calidad de imagen y la de sonido, se han hecho correcciones de color^[1] y se han suavizado los efectos visuales. Esto es particularmente notorio en las escenas en el bosque de Endor, ya que los efectos originales tenían un color verdoso debido a la impresión óptica que se usó para insertarlos en la película; pero a partir de 2004 este tono desapareció casi por completo y los efectos se notan mucho mejor integrados. También se han incluido cambios menores como algunos elementos digitales en pantalla y se han añadido o removido parlamentos y efectos de sonido. Después del Episodio IV, es la película de la saga a la que más cambios se le han hecho. Las diferencias entre las distintas versiones se detallan en el cuadro anexo.

Con esta película concluye la Trilogía Original de Star Wars y se nota: tanto en el público como en los involucrados en su realización provoca un sentimiento de nostalgia al mismo tiempo que uno de satisfacción. Al igual que sus antecesoras, la cinta rompió récords de taquilla en su fin de semana de estreno; sin embargo, no fue tan bien recibida por la crítica, que la consideró la más inferior de las tres cintas. Y aunque coincido, no es una mala película… Digo, sí es inferior a las anteriores, y es un poco peor cuando uno piensa en lo que pudo ser y no fue ‒me explicaré más adelante‒; pero aun así es una buena película. Y es excelente si se le compara con cualquiera de las cintas de la Trilogía de Precuelas.

    Muchos asuntos habían quedado pendientes al final de El Imperio contraataca (Kershner, 1980). ¿Se convertiría Luke finalmente en un Jedi? ¿Lograrían los rebeldes rescatar a Han Solo?   ¿Lograría Darth Vader convertir a Luke al Lado Oscuro? ¿Es verdad lo que reveló al final de la película anterior? ¿Logrará la Alianza Rebelde derrotar al malvado Imperio Galáctico? Pero, lo más importante de todo: ¿Por qué en la primera película Chewbacca se peinaba con el pelo relamido hacia atrás y después se peinó de raya en medio?

    En esta cinta nos enteramos de que el Imperio ha construido una segunda Estrella de la Muerte, aún más poderosa que la primera y que el mismísimo Emperador^[2] (Ian McDiarmid) supervisará su construcción. El Lord del Sith, Darth Vader (Dave Prowse, voz de James Earl Jones) sigue obsesionado con encontrar a Luke Skywalker (Mark Hamill), el último aprendiz de Jedi, para volverlo al Lado Oscuro de la Fuerza. Luke, por su parte, viaja de regreso a su planeta natal, Tatooine —esta vez filmado en Arizona y no en Túnez— para rescatar a sus amigos, Han Solo (siempre sí volvió Harrison Ford), y Leia (Carrie Fisher) y Chewbacca (Peter Mayhew), quienes a su vez cayeron prisioneros del gángster Jabba el Hutt en su intento por rescatar a Solo.

    La Alianza Rebelde, gracias a un peligroso trabajo de inteligencia, se ha apoderado de los planos de esta nueva arma de destrucción total del Imperio y planea una arriesgada ofensiva desde la luna santuario del planeta Endor, en cuya órbita se encuentra apostada la estación de batalla. Sin embargo, una trampa del Imperio podría convertir la última oportunidad para triunfar de la Rebelión en el golpe decisivo para destruirla.

    La película originalmente se titulaba Revenge of the Jedi, pero Lucas decidió cambiar el título semanas antes del estreno pues le pareció que el que un Jedi buscara venganza contradecía básicamente todo lo que había ocurrido en las cintas anteriores —ojalá hubiera pensado esto mismo cuando escribió la Trilogía de Precuelas—.

    La producción comenzó con ciertos inconvenientes. Por ejemplo, el primer director en el que Lucas pensó para que se hiciera cargo de la película fue su amigo Steven Spielberg, cuya colaboración resultó altamente exitosa en Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981). Sin embargo, debido a que Lucas abandonó el Gremio de Directores luego de El Imperio contraataca, la contratación de Spielberg para su proyecto acarrearía toda una serie de problemas legales y sindicales.^[3]

    En segunda instancia estaba el asunto de los proveedores e intermediarios bribones. En cuanto la gente se enteraba de que era la producción de una película de Star Wars la que estaba haciendo cotizaciones, incrementaban sus precios hasta en un 100%. Para evitar este abuso, la producción decidió usar un nombre clave, uno que fuera lo suficientemente poco atractivo como para que nadie se interesara en husmear su proyecto. Así, durante las etapas de pre-producción y producción, el proyecto fue conocido como Blue Harvest: A Horror Beyond Imagination.^[4]

    Esta fue la primera película que George Lucas produjo enteramente de su bolsillo. Esto le dio una libertad creativa absoluta; pero a un precio muy alto: el director californiano debió reducir drásticamente el presupuesto de la cinta y esto ultimadamente derivó en que se filmara algo muy diferente de lo que había escrito originalmente.

    Para esta secuela, Lucas había adaptado el tercer acto de su guión original titulado The Star Wars (véase el respectivo comentario en mi reseña de La guerra de las galaxias [Lucas, 1977]) conforme la forma en que la historia y los personajes evolucionaron. La idea original era que la Rebelión montara un ataque sorpresa contra Coruscant, el planeta capital del Imperio, desde el cercano planeta Kashyyk con ayuda de los wookiees liderados por Chewbacca.

    Sin embargo, en ánimo de que el dinero rindiera, la producción decidió destinar la mayor parte del presupuesto a la primera mitad de la película, centrada en el rescate de Han Solo. Por esta razón, Kashyyk fue sustituido por Endor —filmado en locación en el Parque Nacional Sequoia en California, donde años más tarde se filmaría El mundo perdido: Parque Jurásico (Spielberg, 1997)— y los wookiees con ewoks (por eso sus nombres tienen las sílabas invertidas) ya que cada traje de ewok necesitaba más o menos la mitad de material que el de uno de wookiee. Del mismo modo, la ciudad imperial de Coruscant, que lucía colosales pirámides en estilo Art Decó, fue cambiada por una segunda Estrella de la Muerte a medio construir, lo que permitió reciclar decorados de la primera cinta.

    Y aunque supieron hacer una buena película con los recursos de que disponían, recuerdo que desde que era niño y vi estas cintas por primera vez siempre me botó lo de la segunda Estrella de la Muerte. Quiero decir que siempre lo sentí como fuera de lugar o sacado de la manga, como que no me acababa de convencer. Digo, ¿cuánto tiempo y recursos se invirtieron en la construcción de la primera? —Bueno, después del Episodio III (Lucas, 2005) sabemos que se tardaron cerca de veinte años— Como para que me salgan con que en un par de años construyeron otra…

    A pesar de todo, la película se sostiene bastante bien. La primera mitad es extraordinaria; con la corte de criaturas alienígenas alojándose en el palacio del rey del submundo, el temible Jabba el Hutt, quien por fin nos es presentado. Los artistas del Stuart Freeborn Studio trabajaron intensamente durante seis meses para fabricar a las casi sesenta criaturas que aparecen en la cinta y que hicieron las delicias de Kenner, la compañía fabricante de juguetes que tenía tuvo la licencia de Star Wars desde 1977 hasta 1999.

    En su época, Jabba fue un verdadero logro del puppetteering y de la construcción de criaturas. Ahora que Lucas contaba con los medios para materializar su visión original del gángster interplanetario, se dio vuelo con ello. El físico del despreciable ser fue uno de los mayores retos de la cinta. El productor californiano quería que Jabba tuviera el aspecto de un sultán opulento y hedonista combinado con la forma de una babosa gigantesca. El personaje pasó por casi ochenta diseños preliminares hasta que se decidió su aspecto definitivo, el cual está basado principalmente en el del actor Sydney Greenstreet en la película El halcón maltés (Huston, 1941).^[5]

    Una vez que su apariencia estuvo decidida, Stuart Freeborn y sus colaboradores se abocaron a la tarea de construirlo y darle vida. Para tal empresa se utilizaron cerca de dos toneladas de arcilla y 300kg de látex, y un cuarto entero del Stuart Freeborn Studio tuvo que ser convertido en horno para poder albergar los gigantescos moldes de la criatura.^[6]

    Ya moldeado y pintado, Jabba el Hutt no era un efecto especial; era un actor construido sobre diseño que tenía que interactuar con sus contrapartes humanas representando escenas en vivo. Para lograrlo, se requería la participación de seis titiriteros: Dentro de él, uno manipulaba la bocaza y el brazo derecho, otro manejaba el brazo izquierdo, un enano manipulaba la cola, dos titiriteros controlaban los ojos robóticos de forma remota y uno más, situado debajo de la criatura, movía el cuerpo. El resultado en pantalla es increíble, Jabba el Hutt, siendo una marioneta, tiene más carisma que muchos actores de carne y hueso —Lloyd y Christensen, los estoy viendo a ustedes—…

    Y de entre todo este carnaval de criaturas exóticas no puedo dejar de mencionar a la banda de Max Reebo, simplemente porque son geniales. Aunque sólo eran mencionados en una línea del guión, Lucas se encaprichó con ellos y se empeñó en que recibieran mucho tiempo en pantalla. Digo, ¿cómo no encariñarse con un elefante azul de goma que toca un teclado?

     La primera parte de la cinta tiene que ver con la depredación y lo duro de la vida en el desértico mundo de Tatooine. Ya sea la depredación de los capos del crimen hacia sus súbditos o, tal cual, la depredación de monstruos gigantescos y voraces como Rancor y Sarlacc. El tema de la consumición física reaparece […] Toda esta parte está repleta de imágenes relacionadas con la consumición^[7] y, en otro nivel, es un nuevo descenso del héroe a la panza de la ballena; sin embargo, esta vez el héroe no se enfrenta a su propia oscuridad interior, sino a un ser, el Rancor, que representa la fuerza y la crudeza del mundo natural —como Heracles contra el León de Nemea o Gilgamesh contra Humbaba—. Se trata, pues, de un caballero enfrentándose a un dragón en su cueva.

     Originalmente se planeó que Rancor fuera interpretado por un actor dentro de una botarga; pero los resultados no fueron para nada satisfactorios, por lo que se tomó la decisión de que el monstruo fuera una marioneta. Pero no se trataba de una marioneta cualquiera. Rancor, quien según su creador Phil Tippett parecía la cruza entre un gorila y una patata, era un muppet controlado por cuatro titiriteros: Uno que manipulaba la cabeza y las fauces metiendo su mano en el muñeco, otro que controlaba los brazos a través de varillas, otro usaba el mismo mecanismo para las patas, y uno más controlaba las manos y la nariz de forma remota.

    Una vez que los héroes han regresado del Inframundo —Luke del foso, Han de su encierro en carbonita y Leia de infiltrarse en una corte de truhanes y bestias—, han renacido para enfrentarse a sus enemigos… ¿De verdad? Me refiero a que algo que me gusta mucho de esta cinta es la ambigüedad que se maneja con el personaje de Luke Skywalker.

    En este punto de la historia, el destino de Luke es incierto. Se ha entrenado como Jedi, pero aún le falta completar su prueba más dura: Vencer a Darth Vader. Y en realidad, no hay garantía de que lo haga. Quiero decir, la última vez que se enfrentaron, Vader lo derrotó y lo destruyó psíquicamente. Además, después de la estrecha relación que sabemos que hay entre ambos personajes, ¿realmente será capaz Luke de derrotar a Vader? Porque al usar un traje negro aun siendo un aprendiz de Jedi pareciera que tiene más afinidad con el Lado Oscuro de la Fuerza e incluso tiene un momento de anagnórisis: Cuando se arma la trifulca en la barcaza de Jabba, Luke recibe un disparo que deja al descubierto el mecanismo de su mano biónica, como un presagio de aquello en lo que podría convertirse. Y finalmente, recuerden que el recurso de la hermana gemela de Luke fue utilizado para mostrarnos que el héroe podía sucumbir.

    Y es que, además, Luke tiene todo en su contra. ¿Se dan cuenta de que en realidad sólo hay una forma en la que Luke puede ganar? Si Luke mata a Vader, el Lado Oscuro gana. Si Luke mata al Emperador, el Lado Oscuro gana. Si Vader mata a Luke, el Lado Oscuro gana. La única forma en la que Luke puede derrotar al Lado Oscuro no es ni siquiera dejando de pelear, sino convenciendo a Darth Vader de que no lo haga.

    Mientras tanto, Han Solo, acompañado de Leia, Chewie y los droides, comanda el ataque al generador del escudo de la Estrella de la Muerte en la luna santuario de Endor. Pero son víctimas de una emboscada y deben recurrir a la ayuda de los ewoks para salir avantes.

    Al igual que la mayoría de los fans de la saga, tengo sentimientos encontrados sobre los ewoks. Algunos los consideraron lo peor que le había pasado a Star Wars —por supuesto, en ese entonces ni idea teníamos de Jar Jar Binks—, mientras que a otros les encantaron. La verdad es que fueron una idea popular que, si bien da un poco al traste con el tono épico de la película, no se siente particularmente fuera de lugar, y representaron otra minita de oro para Lucasfilm. Los ewoks generaron a su vez, dos películas para televisión (La aventura de los Ewoks [Korty, 1984] y Ewoks: La batalla de Endor [Wheat y Wheat, 1985], que en nuestro país salieron directamente a video-renta), su propia serie de dibujos animados (1985) y su propia línea de figuras de acción producida por Kenner aparte de la de Return of the Jedi.

    A pesar de todo, los ewoks sí tienen una razón de ser en la película, pues el discurso de las criaturas primitivas del bosque que vencen a la tecnología era uno que Lucas se empeñó en incluir en la cinta. Además, representan a esos seres místicos-elementales siempre presentes en las antiguas epopeyas que en cierto modo son una encarnación del espíritu del bosque.

Al igual que los elfos, hadas y otros habitantes de los bosques de los cuentos, pueden ser peligrosos o de mucha ayuda. El frondoso y exuberante entorno en el que viven los Ewoks y la armonía en que habitan con la naturaleza marcan un cálido contraste con la austera y fría tecnología del Imperio.^[8]

    Originalmente los ewoks fueron pensados como personajes pequeños con una apariencia más humanoide, hasta que los artistas de efectos especiales Phil Tippett y Joe Johnston les diseñaron un aspecto más como de ositos de peluche. Sin embargo, los trajes que se construyeron originalmente limitaban mucho el movimiento de los actores y eran demasiado calurosos, por lo que Stuart Freeborn tuvo que rediseñarlos y ponerles ventilas en lugares estratégicos.

    El ewok estelar, Wicket, iba a ser interpretado por Kenny Baker, el actor que interpretaba a R2-D2; pero Baker se encontraba muy enfermo el día de la filmación, intoxicado por algo que comió, por lo que tuvo que ser sustituido por el actor Warwick Davis —quien después estelarizaría Willow (Howard, 1988), también producida por Lucas—. Davis le imprimió un sello muy particular al personaje con una actuación que, según él, estuvo principalmente basada en su perro.

    En términos generales la película es muy disfrutable. La primera mitad es asombrosa y en la segunda mitad, si a uno no le agradan los ewoks, de todos modos hay una carrera de speeder bikes, la batalla en la órbita de Endor es espectacular y creo que los AT-ST son uno de los vehículos más cool de la saga. En su época fue considerada mala y se la ha tachado de ser “demasiado comercial” —sí, de verdad— y demasiado floja para un cierre de trilogía —la edición original, por lo menos—. Si bien es cierto que es la más débil de la Trilogía Original, creo que no sólo es buena; sino que se ha puesto mejor con los años… excepto con las ediciones de 2004 y 2011. Supongo que a veces se gana y a veces se pierde.

Las escenas eliminadas

Al igual que sus antecesoras, esta película perdió algunas secuencias durante su edición. A continuación describo en términos generales todas ellas. La mayoría están disponibles en Youtube y fueron incluidas en la edición en Blu-Ray Star Wars: The Complete Saga (2011).

    La primera de ellas ocurre a los pocos minutos de iniciada la película. Después de su reunión con el comandante imperial al inicio de la película, Darth Vader recorre un pasillo, pasa al lado de un droide astromecánico de color negro, entra en un ascensor y llega a su cámara. Una vez sentado en ella, intenta contactar a Luke telepáticamente.

    La secuencia anterior corta a una escena en la que vemos que Luke, escondido en una cueva y con la cabeza cubierta, siente que Vader lo llama. Luke lo ignora y termina de armar su lightsaber. Creo que esta secuencia, que fue retirada del corte final de la película de último momento, sí aportaría cosas a la cinta. Por principio de cuentas, es la única vez en toda la saga fílmica en la que vemos a un Jedi trabajando en la construcción de su lightsaber ‒por lo menos hasta el momento, creo que es algo que me gustaría mucho que se mostrara en The Last Jedi‒.

    En segunda instancia, la secuencia ayuda a acentuar la ambigüedad sobre Luke y su relación con la Fuerza. Y no es solo por la iluminación, realmente creo que la secuencia, si bien es breve, tiene un tono más oscuro que el resto —quizá por eso la quitaron—.

    Una vez que Luke termina los ajustes de su arma, la escena corta al exterior de la cueva, donde vemos a R2 y a 3PO salir de ella y asomarse a un acantilado en cuyo fondo se encuentran escondidos el X-Wing de Luke y el Halcón Milenario. Acto seguido se encaminan hacia el palacio de Jabba. Aunque la secuencia fue removida, el diálogo entre los droides fue integrado a la secuencia de éstos caminando hacia el palacio de Jabba que quedó en el corte final.

    Más adelante en la película, después de la destrucción de la barcaza de Jabba, Luke, Han, Leia, Lando, Chewie y los droides tienen que abrirse camino en medio de una terrible tormenta de arena para llegar al Halcón Milenario. Allí, Luke se despide de Leia y Han. La escena no aportaba mucho, pero creo que tampoco sobraba. Supongo que la eliminaron para no alargar la película.

    La última escena eliminada de esta película fue una secuencia del asalto del comando liderado por Han Solo al bunker en el que se encuentra generador del escudo de la Estrella de la Muerte. La secuencia era bastante más larga, con escenas de tiroteos entre el comando rebelde y los stormtroopers. Supongo que igualmente fue retirada para no alargar demasiado la cinta que, aun así, es la más extensa de la Trilogía Original con dos horas y once minutos de duración.

    También me ha parecido siempre que esta entrada se siente peor actuada que las dos anteriores. Quizá tenga que ver con el pobre trabajo que se sabe que hizo Marquand en la dirección, que obligó a George Lucas a estar en el set prácticamente diario para ayudarlo.

    En su estreno El regreso del Jedi quizá se fue un cierre de trilogía algo débil desde el punto de vista de la realización; pero creo que desde el punto de vista dramático funciona perfectamente. Se trata de la redención del héroe trágico que es Darth Vader, de la ascensión del joven granjero al estatus de héroe mítico, del retorno del mundo mecánico e hipertecnologizado al mundo natural y, ultimadamente, del triunfo de la luz sobre la oscuridad. Con las ediciones subsecuentes el final se siente más redondo gracias a las secuencias adicionales; sin embargo, con el horrible grito añadido a Darth Vader y la sustitución de Sebastian Shaw por Hayden Christensen mucho del subtexto y la profundidad en el conflicto de Vader se perdió.

 

 

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[1] Quizá la corrección de color más notoria es la de la toma en la que explota el generador del escudo de la Estrella de la Muerte, pues en la edición original de 1983 el cielo tenía un color más anaranjado, mientras que a partir de la Edición Especial de 1997 el color del cielo fue cambiado por el de un azul prístino.

[2] Como lo comenté anteriormente, la gran mayoría de los personajes secundarios de la saga recibieron sus nombres hasta los 90. El Emperador incluso en las figuras de acción de 1983 se llamó solamente The Emperor.

[3] Cfr. Empire of Dreams: The Story of Star Wars, Becker y Burns, Prometheus Entertainment, 2004.

[4] ¿Recuerdan el primer episodio especial de Padre de Familia que parodiaba Star Wars? Su título era precisamente Blue Harvest, haciendo referencia a esta anécdota.

[5] Cfr. Classic Creatures: Return of the Jedi, Robert Guenette, Twentieth Century Fox Television, 1983.

[6] Idem.

[7] HENDERSON, Mary, Star Wars: La magia del mito. Círculo latino, Barcelona, 2005. P.97

[8] Ibid. P.102

EL IMPERIO CONTRAATACA

Ahora conocida coloquialmente como Star Wars Episodio V: El Imperio contraataca; pero que en su estreno se llamó Star Wars: The Empire Strikes Back.

 

Irvin Kershner, 1980

Al igual que con la cinta anterior, existen múltiples versiones de El Imperio contraataca. Detallo las diferencias entre unas y otras en el cuadro anexo. Empero, es curioso notar que, durante el estreno en cines, ya había dos versiones diferentes de la película: La versión estándar en 35mm y una especie de edición de lujo en 70mm. Las diferencias entre ambas versiones estriban mayormente en la edición, el montaje y las transiciones entre escenas, así como en algunos diálogos, la mayoría de los cuales fueron incorporados a las ediciones de la película para formatos caseros.

    Del mismo modo, la mayoría de las diferencias entre ediciones subsecuentes tienen que ver con la adición, remoción y sustitución de parlamentos o efectos de sonido.

Para el verano de 1977, cuando la euforia por La Guerra de las Galaxias (Lucas, 1977) repuntaba, era ya prácticamente un hecho que una segunda parte venía en camino. Muchas incógnitas habían quedado pendientes en la primera parte: ¿Qué había pasado con Darth Vader? ¿Han Solo regresaría a pagar su deuda con Jabba? Pero, sobre todo y más importante ¿Con quién se iba a quedar la princesa Leia, con Han o con Luke? Y ya que esta última cuestión se respondía en el póster, ¿qué otras sorpresas nos depararía Star Wars 2?

    Esta cinta es mi favorita de la saga original, creo que en verdad es una excepción a la regla de que “Segundas partes nunca fueron buenas”. El guión retoma pocos elementos del borrador original escrito por Lucas años atrás y, viéndolo bien, en la parte anecdótica se desplaza poco. El verdadero fuerte de esta película es el desarrollo de los personajes. Incluso su director, Irvin Kershner, declara que prefirió que la narración fuera un tanto anticlimática desde el punto de vista dramático para que pudiera ser más poderosa emotivamente.

    Después de la destrucción de la Estrella de la Muerte, la Alianza Rebelde es perseguida por el Imperio Galáctico y debe trasladar su base secreta al lejano e inhóspito planeta helado Hoth. Sin embargo, la Flota Imperial logra encontrar a los rebeldes y, tras una de las batallas más memorables en la historia del cine, éstos deben huir nuevamente.

    Darth Vader (Dave Prowse, voz de James Earl Jones), Señor del Sith y Comandante de la Flota Imperial, está obsesionado con encontrar al joven Luke Skywalker (Mark Hamill, repitiendo papel muy a su pesar) para convertirlo a su causa y se valdrá de todos los medios imaginables para capturarlo. Skywalker, tras una visión de su desaparecido mentor, Obi-Wan Kenobi (Sir Alec Guinness), viaja al planeta Dagobah para ser entrenado por Yoda (voz de Frank Oz) y convertirse en un Jedi.

    Mientras tanto, tras su salida de Hoth a bordo del Halcón Milenario, Han Solo (Harrison Ford), Chewbacca (Peter Mayhew, aunque es fácil olvidar que lleva un actor dentro), la princesa Leia (Carrie Fisher), y el droide C-3PO (Anthony Daniels) escapan a duras penas de la Flota Imperial gracias a mucha maña y logran refugiarse en el planeta Bespin, gobernado por el amigo de Solo, Lando Calrissian (Billy Dee Williams).

    Pero, ¿será más fuerte la amistad entre Solo y Calrissian que la amenaza del Imperio que se cierne sobre ellos? Y ¿Cumplirá Darth Vader su objetivo de convertir a Luke al Lado Oscuro de la Fuerza?

    Como lo había comentado antes, en la época en la que comenzó la preproducción de esta cinta las secuelas eran consideradas meros residuos del éxito de la película original. Incluso sagas exitosas como El planeta de los simios habían destinado cada vez menos presupuesto a sus entregas subsecuentes o, en otros casos, como el de El bueno, el malo y el feo (1966), el público apenas si se enteraba de que la película formaba parte de una saga —esta película es la última parte en la llamada Trilogía del Dólar, de Segio Leone— o, en muchos casos más, el público ni siquiera se enteró de que la película tuvo secuelas como pasó con La maldición de la mosca (Sharp, 1965)—que la verdad es bastante  mejor que la segunda parte, El regreso de la mosca (Bernds, 1959)—. Quizá una de las pocas excepciones a esta regla sea la saga de Sinbad, aunque tiene la particularidad de que las películas no son secuelas directas una de la otra y pueden disfrutarse como entradas independientes sin problema alguno.

    Si ya en la primera parte Lucas tentó su suerte con un proyecto en el que nadie creía, con esta segunda pretendía repetir la locura al producir una secuela que sería más grande que la original. Tan sólo el presupuesto de efectos especiales para esta cinta fue más que el presupuesto de toda la película anterior.

    La película se filmó en 64 platós de los estudios Elstree en Inglaterra, además de en exteriores en un glaciar Noruego —durante la peor tormenta de nieve registrada en más de cincuenta años, con temperaturas de -30°C y 5m de nieve, por cierto—, y contó con un equipo de 90 artistas de efectos especiales trabajando por 14 meses y 8 editores de sonido trabajando durante 6 meses para completar más de 600 tomas de efectos especiales.^[1]

    Para esta película, el animador de Stop-Motion^[2] Phil Tippett ideó una nueva técnica de animación a la que llamó Go-Motion. Esta técnica consistía en no sólo mover las articulaciones de las figuras de Stop-Motion un cuadro a la vez, sino también desplazarlas milimétricamente mientras eran fotografiadas. Esto creaba los borrones que se verían si se fotografiara un animal en movimiento, dándole mucha mayor fluidez al movimiento del Tauntaun.^[3]

    Las enormes dimensiones de este proyecto por poco impiden que se complete. La producción se retrasó notablemente y se salió de presupuesto, por lo que el costo final, incluyendo los intereses que Lucas tuvo que pagarle al banco, ascendió a alrededor de 33 millones de dólares. Esto sin contar los más de 100mil dólares en multas que el director californiano debió pagar a los sindicatos por usar trabajadores no sindicalizados y que, ultimadamente, causaron que renunciara a ser miembro del Director’s Guild of America.^[4] Y ^[5]

    Y, a pesar de todo, Lucas no sólo recuperó su inversión, sino que la multiplicó. Las ganancias estratosféricas de la película le permitieron comprar los terrenos del llamado Skywalker Ranch, cerca de San Francisco, California. En ellos, Lucas asentaría viñedos, empresa que comparte con Francis Ford Coppola, y las instalaciones de Lucasfilm Ltd., su compañía productora; THX Ltd., su empresa de sistemas y certificación audiovisuales; Skywalker Sound, su empresa de mezcla, edición y efectos de sonido; LucasArts, su compañía dedicada al software de entretenimiento y, quizá la más famosa de todas, Industrial Light & Magic, su compañía de efectos especiales de vanguardia. Por no mencionar que además hubo reparto de utilidades para todos los que trabajaron en esta película.

    Asimismo, el director californiano continuó basándose en las teorías de Joseph Campbell sobre el Viaje del Héroe. Según el antropólogo, todos los héroes llegan a un momento en su viaje al que denomina el Descenso a la Panza de la Ballena. En esta etapa del Viaje, el héroe se enfrenta a la Oscuridad, particularmente aquélla que lleva dentro de sí mismo, ya sea en la forma de un monstruo colosal (Perseo contra Medusa, Beowulf contra el dragón, Rama contra Ravana) o en la forma de un alter ego que sea su opuesto en todo, pero lo mismo en esencia, una especie de versión oscura del héroe mismo (Arturo contra Mordred, Atreyu contra Bastian ¡y hasta Link contra Shadow Link!).

    Este enfrentamiento, que suele ir acompañado de un descenso a algún tipo de inframundo —Luke se enfrenta a Vader en los niveles inferiores de la Ciudad en las nubes—, destruye al héroe de una u otra forma; pero mediante esta destrucción lo lleva a madurar y a fortalecerse para enfrentar a su enemigo con renovada sabiduría. Desde un inicio, Lucas decidió separar la película en dos líneas argumentales: la de Han y la de Luke por lo que, de hecho, cada uno vive su propio Viaje del Héroe; aunque ambos son derrotados al final de esta cinta.

La idea de que el pasaje del umbral mágico es un tránsito hacia una esfera de renacimiento está simbolizada mundialmente en la imagen de la panza de la ballena. El héroe, en vez de conquistar o conciliar el poder del umbral, es tragado por lo desconocido y aparecerá como muerto. […]

    Este motivo popular pone énfasis en la lección de que el pasaje del umbral es una forma de auto-aniquilación.^[6]

    Pero no sólo eran los personajes de ficción quienes atravesaron tiempos oscuros. Parecía que los actores que los interpretaban también estaban siendo puestos a prueba: Harrison Ford estaba decidido a abandonar la saga, Carrie Fisher tenía problemas con su trastorno bipolar y para el momento de filmar esta cinta ya consumía cocaína, y Mark Hamill sufrió un accidente automovilístico que le desfiguró el rostro^[7]. Según dice una oscura leyenda de Hollywood, Hamill habría provocado el accidente deliberadamente para librarse del estigma de ser Luke Skywalker, papel en el que había sido encasillado y que le impedía conseguir trabajo^[8].

    Para poder tener un control creativo absoluto sobre su película, George Lucas decidió producir esta cinta él mismo. El director californiano tomó todas las ganancias que había obtenido con la primera película y pidió un préstamo al Bank of America Entertainment para cubrir el presupuesto de 25 millones de dólares estimado para la película. Para poder enfocarse en la producción, Lucas decidió no dirigir El Imperio contraataca y contratar a alguien más para cumplir con la función de director.

    Le ofreció dicho puesto a Irvin Kershner, quien había sido su profesor en la USC y quien había dirigido muchos dramas para TV y cine; pero jamás una película de fantasía y alto presupuesto como la que pretendía hacer Lucas. De hecho, cuando Lucas invitó a Kershner a almorzar en el comedor de Universal Studios (Sí, ése mismo donde James Whale conoció a Boris Karloff mientras buscaba un actor que interpretara a la Creatura de Frankenstein) para ofrecerle el puesto, la reacción instintiva de Kershner fue rechazarlo, pues sabía que no podría hacer algo tan espectacular como la primera parte y que toda la gente lo compararía. Después de ser persuadido enérgicamente por su agente, telefoneó a Lucas para decirle que aceptaba el trabajo.

    Y francamente, creo que el cambio de director le vino bien a la saga. La formación de Kershner en artes como la Música y la Fotografía, y su carrera como cineasta independiente lo dotaron de la sensibilidad necesaria para dirigir una obra tan sutil y poderosa como ésta. El mismo director narra que la mayor dificultad que encontró al dirigir esta cinta fue la sutileza: Quería que hubiera comedia, pero no chistes y quería que hubiera romance, pero sin llegar a lo cursi[9] —¿Han notado que los besos entre Han y Leia son más bien parcos, aunque no por ello menos intensos?—.

    Y hablando de eso, ¿sabían que uno de los diálogos más icónicos de la Trilogía fue improvisado? En el libreto estaba escrito que cuando Han Solo es congelado en carbonita y la princesa Leia le dice “¡Te amo!”, él respondería “Te amo”; pero Harrison Ford nunca se sintió cómodo con la línea, pues sentía que rompía con la lógica del personaje. La escena se filmó infinidad de veces sin que el diálogo sonara convincente, hasta que Kershner le dijo a Ford que simplemente improvisara y ahí fue cuando al actor se le ocurrió contestar “Lo sé” a la línea de la princesa Leia.

    Por cierto, a quien no se le haya puesto la piel chinita mientras veía por primera vez la escena en la que Han Solo es congelado en carbonita mientras la música de fondo, que empieza siendo el Tema de amor se convierte in crescendo en la Marcha Imperial, no tiene corazón.

    El Imperio contraataca fue la primera película de la saga en la que sonaría el que, a mi gusto, es el mejor tema musical compuesto por John Williams después del de Tiburón (Spielberg, 1975): La Marcha Imperial. Lucas pidió a Williams que creara un tema para Darth Vader y el músico de inmediato supo que debía ser algo grandilocuente, repetitivo, con un tono marcadamente marcial en el que predominaran los metales^[10]. Después de ésta, no habría película de Star Wars en la que no se escuchara dicho tema.

    Por otro lado, ésta sería también la primera aparición de otro elemento que no volvería a desaparecer de la saga: el maestro jedi Yoda. Originalmente, Lucas no tenía planes de que Obi-Wan Kenobi muriera en la primera cinta; pero, ya sea por decisión del director o por petición del actor que no confiaba en el proyecto, nunca se ha sabido con certeza, tuvo que eliminar al personaje. De tal suerte, Lucas tuvo que idear un nuevo sabio para que entrenara a Luke Skywalker.

    La primera consigna que tuvo el director californiano al respecto fue que no quería que el personaje pareciera una calca de Obi-Wan[11] (como Brent, que es una copia al carbón de Taylor, en Bajo el planeta de los simios [Post, 1970]), por lo que ideó algo completamente diferente.  Nuevamente, se basó en las epopeyas antiguas para plantear un personaje cuya enorme sabiduría contrastaría con su aspecto diminuto e insignificante.

    Y precisamente, una de las principales dificultades en la creación de Yoda fue la de su apariencia física. Kershner y Lucas sabían perfectamente que, si este personaje fundamental que parloteaba durante veinte minutos en pantalla no funcionaba, la película se vendría abajo. Una de las primeras decisiones que se tomaron sobre el personaje fue que Yoda hablaría con una sintaxis invertida. De este modo, los espectadores tendrían que poner atención en todo lo que estaba diciendo.

    Por desgracia, eso era lo único que funcionaba con Yoda. Tanto el artista de efectos especiales —quien posteriormente se convertiría en un director inepto— Joe Johnston como el ilustrador Ralph McQuarrie habían diseñado diferentes aspectos para el personaje y un puppet basado en ellos fue construido por el artista de efectos especiales Stuart Freeborn; pero Kershner no estaba satisfecho con el resultado, pues sentía que le faltaba vida al personaje.

    Freeborn le pidió al director que le diera una semana para reesculpir la cara de Yoda y Kershner así lo hizo. Cuando el artista presentó su trabajo admitió que se inspiró en el rostro de Albert Einstein para plasmar las arrugas en la cara del Maestro Jedi, pero el director y los demás presentes notaron que el rostro del puppet en realidad era un autorretrato de Freeborn.

    Finalmente, Yoda fue todo un logro del puppeteering que era manipulado por cuatro titiriteros liderados por el veterano del Show de los Muppets (1976-1981), Frank Oz, quien también le prestaba su voz al sabio jedi. El resultado era tan convincente que frecuentemente Kershner le daba indicaciones a Yoda, en vez de a los titiriteros que lo manipulaban, quienes se encontraban a metro y medio debajo del piso del set que recreaba Dagobah, el planeta hogar del maestro jedi y no podían oír nada.

    Y, por supuesto, está la revelación de Darth Vader; el secreto mejor guardado por la producción y que terminaría convirtiéndose en una de las escenas más icónicas —y parodiadas— en la historia del cine. Originalmente, sólo Lucas, Kershner y el productor Gary Kurtz sabían lo que Vader le decía a Luke realmente durante su enfrentamiento e incluso una página falsa fue insertada en el libreto, pues Lucas quiso mantener el más riguroso hermetismo al respecto de la escena climática de la película.

   Ni siquiera el elenco sabía de qué se trataba. A Mark Hamill, el director le reveló la verdadera línea de Darth Vader minutos antes de comenzar a filmar la escena. Dave Prowse, quien interpretaba a Darth Vader y se empeñaba en decir sus diálogos a pesar de que poco se le escuchaba a través del casco, leyó la línea falsa en la que Vader le decía a Luke “Obi-Wan mató a tu padre”; y James Earl Jones, quien hacía la voz de Vader, cuando leyó el parlamento por primera vez creyó que el Señor del Sith mentía… Después de todo, es lo que uno esperaría de un señor del Sith, ¿no?

    Hace tiempo tuve una novia que nunca había visto estas películas ‒y, según parece, vivía en un agujero en el suelo‒ y fue en extremo interesante ver su reacción cuando Luke descubre el destino de su padre por boca (¿o bocina?) de Vader. En verdad, no tenía ni idea y verla enterarse no tuvo precio. Por cierto que ella también creyó que Vader mentía y se empeñó en que inmediatamente después viéramos El regreso del Jedi (Marquand, 1983) para salir de dudas.

    En términos narrativos, la cinta funciona a la inversa de la primera película, lo cual es simplemente brillante. Mientras La Guerra de las Galaxias iniciaba con una historia más bien íntima sobre una pareja de robots y terminaba con una batalla a gran escala, El Imperio contraataca inicia con una batalla de grandes dimensiones —incluso el tamaño de los caminadores imperiales AT-AT es colosal— y termina con un enfrentamiento cara a cara entre dos personas.

    Del mismo modo, la película encuentra las ventajas que tienen los héroes y se las arrebata, dejándolos indefensos a merced de su destino: Luke ha perdido a Obi-Wan, el cinismo de Han Solo es domado por Leia, R2-D2 y C-3PO se separan y hasta el hiperpropulsor que le permite al Halcón Milenario viajar a la velocidad de la luz permanece descompuesto durante toda la cinta.

    Y, para hacer la cosa más interesante, Lucas decidió que se agregara el diálogo entre el espíritu de Obi-Wan y Yoda en el que el difunto Jedi le dice a su maestro que Luke es su última esperanza y éste le contesta que no, que hay otra. En ese momento el productor no sabía a quién se refería exactamente, pero lo hizo para que el público sintiera que Luke no era indispensable y que podría morir al enfrentarse a Darth Vader.

    Para este momento, Harrison Ford no estaba seguro de querer continuar apareciendo en la saga, por lo que le pidió a Lucas que matara a su personaje al final de El Imperio…, a lo que el productor se negó. Después de negociarlo por un tiempo, Lucas accedió a que el personaje de Ford desapareciera al final de la cinta —congelado en carbonita y entregado al cazarrecompensas favorito de la fanaticada, Boba Fett (Jeremy Bulloch, voz de Jason Wingreen)^[12]— para poder “revivirlo” después en caso de que el actor reconsiderara su salida de la serie.

    Al final de esta cinta, Luke ha perdido una mano y está psíquicamente devastado, la princesa Leia está emocionalmente deshecha por haber perdido al hombre que ama, y Han Solo está atrapado en un sueño eterno y su destino se encuentra en manos del hombre que lo traicionó. ¿Se dan cuenta de que esta vez los buenos pierden?

Sombras del Imperio

Aunque a partir de la compra de Lucasfilm por parte de Disney este “episodio intermedio” ya no forma parte del “canon”, me pareció adecuado incluir un breve comentario sobre él debido a su importancia en el resurgimiento de la saga.

    A mediados de los 90 el proyecto de la trilogía de precuelas había estado rondando por la cabeza de George Lucas por demasiado tiempo. La venta de la trilogía original en LaserDisc dio muy buenos resultados (aun cuando el formato fue un fracaso) y dio paso a la producción de una serie de tarjetas coleccionables por parte de Topps y a la continuación de la serie de figuras de acción The Power of the Force en 1995^[13].

    Viendo el éxito que tenían estos productos aun sin que hubiera una nueva película de Star Wars, Lucasfilm ideó un proyecto multimedia cuya consigna era ver en cuántas formas diferentes podía explotarse un producto sin que estuviera basado en una película o serie de TV. Desde esta óptica, Sombras del Imperio es algo “abstracto”, pues ninguno de los productos relacionados con la marca está basado en algún otro: todos parten de manera simultánea de la misma premisa y fueron lanzados al mercado a finales de 1996.

    El argumento básico planteado para este concepto abarca un periodo de alrededor de seis meses, se sitúa entre El Imperio contraataca y El regreso del Jedi, y va más o menos así: Debido a su incapacidad para dar el golpe decisivo que termine con la Rebelión y capturar a Luke Skywalker, Darth Vader pierde el favor del Emperador. Esto es visto como una oportunidad por el capo de la mafia de Coruscant^[14], el ruin príncipe Xizor, para acercarse al Emperador y usurpar el lugar de Vader como su mano derecha.

    Por su parte, la princesa Leia contrata a un carismático cazarrecompensas amigo de Han Solo, Dash Rendar, para que se infiltre en los bajos mundos del Imperio y rastree a Boba Fett para recuperar el bloque de carbonita en el que se encuentra preso Han.

    La infiltración no sólo revela el paradero de Solo; sino que lleva a los rebeldes a descubrir los planos de una segunda Estrella de la Muerte y a formar una peligrosa alianza con el príncipe Xizor, de quien no se sabe si actúa como amigo de la Alianza, como agente doble del Imperio o si planea traicionar a ambos bandos para satisfacer su propia sed de poder.

    Así pues, el merchandising resultante incluye una novela por Steve Perry; una miniserie de cómics escritos por John Wagner, ilustrados por Kilian Plunkett y publicados por Dark Horse; el que es probablemente el artículo por el que la mayoría de la gente conoció Sombras del Imperio, el genial videojuego para Nintendo 64 posteriormente adaptado a PC; una serie de tarjetas coleccionables de Topps basadas en la novela, los cómics y el videojuego; una serie de figuras de acción de Kenner y una línea de juguetes de Galoob (Micro-Machines); un tráiler cinematográfico ficticio que fue transmitido por televisión apenas un par de veces antes de ser retirado por Lucasfilm y un soundtrack que incluía la música compuesta por Joel McNeely para el videojuego.

    El éxito de Sombras del Imperio no sólo sirvió para desbrozar el camino antes del lanzamiento de la Trilogía de la Guerra de las Galaxias-Edición Especial (1997); sino que produjo la miniserie de comics Sombras del Imperio: Evolución, una secuela de la historia original cuyo argumento sucede más o menos de manera simultánea con los eventos de El regreso del Jedi y que narra la historia de Guri, la bella androide replicante asistente personal de Xizor y su lucha por sobrevivir y recuperar su identidad una vez que éste ha desaparecido.

    Había planes para una precuela que aparecería en forma de novela; pero fue cancelada debido a que la licencia para las novelas de Star Wars pasó de manos de editorial Del Rey a Bantham Books.

Y ahora, ha llegado el momento que todos esperaban. Aquél por el que han estado leyendo este artículo hasta el final: He aquí la tabla comparativa entre las distintas ediciones de El Imperio contraataca:

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[1] SPFX: The Empire Strikes Back. Guennet, Lucasfilm, 1980.

[2] El Stop-Motion es una técnica de animación que consiste en fotografiar objetos inanimados un cuadro a la vez y moverlos ligeramente entre cuadro y cuadro. Al proyectar la secuencia de fotografías, el objeto parece estar moviéndose.

[3] Movie Magic, “Stop Motion: One Step at a Time” (Temporada 1, episodio 12), Benz et al, GRB Entertainment, 1994.

[4] Cfr. Imperio de sueños: La historia de Star Wars. Becker y Burns, Prometheus Entertainment, 2004.

[5] Este desaguisado provocó la salida de Alan Ladd Jr., el principal defensor de George Lucas de la mesa ejecutiva de Twentieth Century Fox, y permitió que los derechos de distribución del siguiente proyecto producido por Lucas, Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981) fueran vendidos a Paramount y no a Fox, como se planeó originalmente.

[6] CAMPBELL, Joseph, The Hero with A Thousand Faces, Third Edition, New World Library, USA, 2008. Pp.74-75. La traducción es mía.

[7] El ataque del wampa al principio de la película fue incluido en el guión para justificar que Luke se viera diferente a como se veía en la primera cinta.

[8] Para distanciarse de su rol en la saga de Lucas, Hamill apareció en diversas producciones de Broadway como El hombre elefante y Amadeus. Al hacer el casting para interpretar a Mozart en la adaptación fílmica de la obra, el actor fue rechazado porque uno de los productores dijo que “no quería a Luke Skywalker en su película”.

[9] Cfr. Becker y Burns, Op. cit.

[10] Cfr. A Conversation with the Masters: The Empire Strikes Back 30 Years Later, 2011.

[11] Idem.

[12] La primera aparición en pantalla del personaje fue en el segmento de dibujos animados dentro del infame Especial de Navidad de Star Wars (Binder, 1978), momentos antes del número musical de la canción de la princesa Leia… Sí, lo sé.

[13] Esta serie de figuras fue la última en aparecer con las películas originales y se extendió hasta invierno de 1985. Fue con las tarjetas de Topps y las figuras de Kenner, en los 90, que gran cantidad de personajes del Universo de Star Wars recibieron su nombre por primera vez. Walrus Man se convirtió en Ponda Baba, Hammerhead en Momaw Nadon, la Ciudad de las Nubes fue rebautizada como Bespin (bueno, siendo más precisos, Bespin es el planeta) y el mismísimo Emperador, que hasta en las figuras de acción era simplemente llamado The Emperor, se convirtió en Palpatine.

[14] Coruscant, el planeta capital del Imperio, fue conceptualizado para la trilogía original; pero nunca se utilizó. Este spin-off fue la ocasión perfecta para darlo a conocer al público antes de introducirlo como una pieza clave de la trilogía de precuelas.

[15] Originalmente había toda una subtrama sobre los wampas y sus ataques a los rebeldes en la Base Ecco. Estas escenas de hecho fueron filmadas, pero fueron retiradas del corte final de la película debido a la insatisfactoria calidad de las botargas de wampa. Dichas secuencias, junto con algunas otras escenas eliminadas, fueron presentadas en la adaptación oficial en cómic publicada originalmente por Marvel en 1980, reeditada en 1997 en formato TPB por Dark Horse y en 2015 en una edición “remasterizada” de pasta dura por Disney/Marvel.

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL.2

Guardians of the Galaxy Vol.2

 

James Gunn, 2017

El volumen 2 del Awesome Mix no es tan Awesome. Lo digo literal y metafóricamente. La primera cinta de Guardianes de la galaxia (Gunn, 2014), con su humor chabacano e irreverente de niño de secundaria se robó nuestro corazón. Por si esto fuera poco, el soundtrack de la peli estaba compuesto por canciones clásicas de la música pop de los 70 y 80 que estaban bien llegadoras. Finalmente, una de las razones por las que creo que la película original funcionaba tan bien era por la forma en la que lograron que el equipo de los Guardianes de la Galaxia se integrara. Veías a este montón de seres alienígenas con personalidades completamente dispares convivir e integrarse verdaderamente en un equipo con resultados hilarantes.

    Bien, pues para la secuela todo eso se fue al caño. No me malinterpreten, creo que es loable cuando los realizadores intentan hacer cosas nuevas y tratan de salir de su zona de confort, cuando quieren experimentar con la dirección en la que están llevando a los personajes y el argumento. Pero que traten de innovar no quiere decir que necesariamente funcione.

    Guardianes de la Galaxia volumen 2 comienza tres meses después de la cinta anterior, cuando nuestros mercenarios favoritos son contratados por una raza alienígena conocida como los Soberanos ‒que tienen piel dorada, lo que me hizo recordar inmediatamente a los habitantes de Mongo en el universo de Flash Gordon‒, para que detengan al monstruo interdimensional conocido como Abilisk. Como parte del pago, los Soberanos entregan a Gamora (Zoe Saldana) a su hermana malvada, Nebula (Karen Gillan), quien es mantenida como prisionera. Por desgracia, Rocket Raccoon (voz de Bradley Cooper) cree que es una buena idea robar las valiosas baterías Anulex a los Soberanos, causando la furia de la sacerdotisa Ayesha (Elizabeth Debicki, excelente), su líder. Durante la huida, los Guardianes llegan al planeta Berhert, donde son interceptados por Ego (Kurt Russell), una divinidad que se revela como el verdadero padre de Peter Quill/ StarLord (Chris Pratt, ahora ídolo de las juventudes) y quien lo invita a ir con él al planeta Ego ‒se supone que, siendo una especie de dios, es al mismo tiempo un planeta y su encarnación humana‒, para enseñarlo a usar sus poderes y revelarle su propósito en la vida. Mientras esto sucede, los Devastadores, el grupo de mercenarios liderado por Yondu (Michael Rooker, a quien seguro recuerdan por su papel de Merle Dixon en The Walking Dead), quien fuera el padre adoptivo de Quill, se amotinan y lo hacen prisionero. ¿Quién salvará a Yondu y qué oscura verdad descubrirá Quill en el mundo de Ego?

    Ahora que leo la sinopsis… creo que suena mucho más complicada de lo que la película en realidad es. Algo que creo que sí le duele un poco a la cinta es que le falta sustancia. Creo que eso queda claro casi de inmediato: ésta no es una película de argumento. La historia es increíblemente simple.

    En muchos sentidos, esta película funciona como El Imperio contraataca (Kershner, 1980). Por principio de cuentas, la historia no avanza “horizontalmente”, sino “verticalmente”. Quiero decir que la cinta se preocupa más por profundizar en el carácter de los personajes y las relaciones entre ellos que en que realmente pase algo que haga avanzar la historia. Esto no es malo; la cosa es que, para lograr un desarrollo más rico de los personajes, tiene que dividirlos. Así, la genial dinámica de equipo que se había logrado en la primera parte se pierde en ésta y, en vez de un equipo de héroes, tenemos a dos pequeños equipos que siguen cada quien una línea argumental diferente… como sucedía en la segunda parte de la saga de Star Wars, pero no tan genial.

    Del mismo modo, el Bribón con el Corazón de Oro se sacrifica por sus compañeros; se descubre la oscura verdad sobre el origen del héroe; la tensión romántica entre Gamora y Quill aumenta; la relación entre Gamora y Nebula toma giros inesperados; un personaje en el que el héroe había depositado su confianza lo traiciona; el mundo idílico no es para nada lo que parece y una nutrida lista de etcéteras. Creo que sólo faltó el sabio elemental que habla con una sintaxis invertida.

    También, casi desde el inicio de esta película, el tono que se venía manejando en la anterior cambia. Trata de ser algo más oscura; pero por alguna razón no termina de cuajar. Y creo que ése es el gran fallo de esta película. Como que al final uno esperaba algo más grande, más oscuro, que dejara más secuelas en los personajes… y más o menos pasa; pero creo que no repercute con la fuerza que debería. En el Viaje del Héroe, éste es el Descenso a la panza de la ballena; pero es un descenso entre colores psicodélicos y que se queda a medias, como atorado en el cardias.

    Asimismo, el sentido del humor sigue presente; pero ya no es tan gracioso. Algo pasó… es como esos episodios nuevos de Los Simpson que se vuelven deprimentes porque intentan imitar a los episodios clásicos y terminan siendo copias malas. Creo que algo parecido pasa con esta película. Creo que la cuestión es que trató de llevar la franquicia por otro rumbo; pero no supo muy bien por cuál y trató de retomar los elementos que funcionaron de la primera parte, pero de forma poco honesta… como que los pusieron ahí sólo porque es lo que el público esperaba de una película de Guardianes de la Galaxia y no porque realmente aportaran algo a la peli. El personaje de Mantis (Pom Klementieff) sí es muy gracioso.

    La música que tan bien les funcionó en la cinta original, tanto que me atrevo a decir que impuso moda, en ésta se siente desangelada y anodina. Como si se hubieran acabado todas las canciones chidas en la primera película y a ésta le hubieran tocado las sobras… como cuando sacaban esos discos de compilaciones de música de tal o cual década y como pegaban luego sacaban un segundo volumen… que era notablemente inferior al primero ‒me refiero a la colección de Simply the Best…‒.

    El diseño de arte es espectacular y prácticamente todo lo que aparece en pantalla se ve bastante bien, además de que hay muchas referencias visuales ‒¿Homenaje? ¿Fusil? ¿Simple coincidencia?‒ como el interior de la nave ovoide en la que viaja Ego, que me recordó muchísimo al interior de la Fortaleza negra de Krull (Yates, 1983) o la superficie del planeta Ego, que bien podría haber salido de alguna de las películas de La historia sin fin.

    También la caracterización de los personajes y los vestuarios están de antología… excepto el maquillaje de Drax (Dave Bautista), que se veía raro… digo, para empezar, se notaba que era maquillaje. Algo cambiaron, porque en la primera película se tardaban cuatro horas para maquillarlo y en ésta, sólo una y media.

    En general, creo que Guardianes de la Galaxia Volumen 2 es buena a secas. Es entretenida, aunque de repente se siente como que pudo fácilmente durar menos y me hizo carcajearme en algunas partes ‒el cameo de David Hasselhoff es genial‒; pero no logra llegar a la genialidad de la primera. Además, por alguna razón, al final todos los personajes terminan revelando un lado tan increíblemente cursi de ellos mismos que acabé empalagado. Menos mal, en una especie de autoparodia de las películas del Universo Cinematográfico Marvel, hay cinco escenas post-créditos… ni siquiera estoy seguro de haberlas entendido todas.

    Y sí: hay otro cameo de Howard the Duck, con la voz de Seth Green.

PARA LA TRIVIA: Gary Oldman, Viggo Mortensen, Christopher Plummer, Max von Sydow, Christoph Waltz y Liam Neeson fueron considerados para el papel de Ego.

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