ARACNOFOBIA

Arachnophobia

Frank Marshall, 1990

Cuando era pequeño, fui un niño citadino que se mudó de una gran ciudad a una ciudad pequeña, rodeada de comunidades rurales. Casi todas las personas en la ciudad se conocían entre sí y, como se trataba de una zona costera, el clima era cálido y húmedo. Recuerdo también la exótica fauna que conocí en aquel lugar y, sí, era más o menos frecuente saber de casos de gente que, si bien no moría, sí enfrentaba situaciones difíciles por piquetes de insectos y arácnidos. Por lo tanto, esta película me hablaba muy particularmente a mí y, aunque malita, es una de las que recuerdo con más cariño de mi infancia.

    El médico Ross Jennings (el gran Jeff Daniels) se muda con su familia al pequeño pueblo rural de Canaima, sin saber que una especie casi prehistórica de araña ha llegado al lugar desde Sudámerica y, tras aparearse con las arañas locales, ha creado una especie de súper arañas asesinas que, poco a poco, va dando cuenta de los habitantes del pueblo. Mientras las muertes se suceden una a otra, la confianza de los habitantes de la comunidad en el nuevo médico va mermando. Para Jennings sería mucho más fácil lidiar con los mortíferos arácnidos si no fuera porque sufre de un terrible caso de aracnofobia.

    Las películas de animales al ataque tuvieron su apogeo, en gran medida gracias a Tiburón (Spielberg, 1975), a mediados de la década de los 70 y el argumento de arañas letales que atacan a un pueblo pequeño no era nada nuevo para cuando salió esta película, como bien puede constatarse con la oligofrénica película El reino de las arañas (Cardos, 1977).

    El argumento, como puede verse, es más bien simplón; pero la realización de la película es lo que la hace destacar. El guión está bien hecho, a secas, y funciona bastante bien, a pesar de incurrir en sendos clichés –el científico al que nadie le cree, el trauma de la niñez del protagonista, la confrontación entre el sistema de valores rural y el urbano, etc.– y en momentos que se me antojan demasiado melodramáticos. A pesar de ello, la historia está bien contada y los diálogos están bien escritos, aunque los personajes casi no tienen profundidad. Y, bueno, por supuesto, todo el asunto peca de camp.

    Las actuaciones están bien, sobresaliendo el personaje de Daniels y el del exterminador Delbert McClintock, interpretado por el siempre genial John Goodman, que funciona como vis comica… y que también es un cliché, pero no por eso resulta menos entrañable. Los demás personajes son tipos que básicamente apoyan ese racismo y clasismo aptos para toda la familia que tan en boga estaba en aquella época. Incluso puede advetirse un constante tono de burla hacia el sector de la sociedad estadounidense denominado “redneck”.

    Entre los principales fallos de la película pueden encontrarse principalmente cuestiones técnicas. La mayor parte de la peli fue filmada en locación en el pueblo de Cambria, California; pero los sets, aunque están muy bien construidos, pierden cualquier verosimilitud con los cicloramas que se pueden ver a través de las ventanas y que son de lo más chafa.

    Del mismo modo, la araña General, creada por el estudio  de Chris Walas –éste fue uno de los primeros animatrónicos creados por Jamie Hyneman, otrora conductor y co-productor de Los cazadores de mitos (2003- )–, luce tan falsa que, con frecuencia, cuesta trabajo entender que ésta y su doble real son la misma criatura –¿por qué la araña General chilla?–… ¡Y qué decir de la toma en la que el General trepa por la pierna de Jennings y se ve en su abdomen la vara con la que los titiriteros la estaban manipulando!

    Las telarañas también se ven bastante cutres en algunas tomas y me recordaron por momentos a las de las películas de El Santo… Por cierto, las tarántulas no tejen telarañas.

    A lo anterior, súmese una edición más bien descuidada, llena de cortes duros y transiciones abruptas que de repente entorpecen la narración.

    Sin embargo, la película tiene también algunos elementos del lenguaje cinematográficos súper bien trabajados, de los cuales hablaré a continuación.

    Por principio de cuentas está el ritmo. La cinta maneja de manera magistral el ritmo. Logra crear suspenso y tensión en el espectador y lo va manejando en muy bien logrados momentos de tensión-distensión que pueden o no culminar con momentos de horror. Esto resulta en un impecable ritmo que lo mantiene a uno atento durante las casi dos horas de duración del filme.

    Por otro lado, está la narrativa, apoyada por una eficiente propuesta de fotografía. En muchos momentos de la película, las escenas están contadas desde el punto de vista de las arañas, que se convierten en personajes secundarios y motores de la acción al mismo tiempo. Los planos detalle de la araña General sí se ven medio ridículos; pero igual funcionan.

    La música de Trevor Jones está bien, auqnue siempre me ha parecido que Danny Elfman pudo ser una mejor opción para componer el soundtrack de esta peli.

    A final de cuentas, Aracnofobia es una de esas películas aptas para toda la familia pero con elementos de horror que tan bien le salían a Steven Spielberg… básicamente, fue por este tipo de cintas que se creó la clasificación PG-13. Es tan profunda como el fondo de la palangana; pero muy entretenida, divertida y logra manejar muy bien el suspenso, por lo que lo mantiene a uno interesado en lo que va a pasar y puedo decir que me gusta mucho como entretenimiento para un fin de semana de flojera.

PARA LA TRIVIA: Dos tipos de arañas reales fueron utilizados para la película. Las arañas pequeñas eran arañas de Avondale (Delena cancerides), traídas de Nueva Zelanda; mientras que la araña General era una tarántula Goliat –o tarántula pajarera– del Amazonas (Theraphosa blondi) maquillada específicamente para la producción. Ninguna araña fue lastimada durante la producción y medidas especiales fueron tomadas para garantizar la seguridad de los artrópodos.

 

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LOS CAZAFANTASMAS 2

Ghostbusters 2

 

Ivan Reitman, 1989

 

La primera película de Cazafantasmas (Reitman, 1984) se estrenó antes de que yo naciera, por lo que mi primer acercamiento a los personajes fue con la serie de dibujos animados Los verdaderos Cazafantasmas (1986-1991). Justo cuando dicho comercial de juguetes disfrazado de serie de televisión –que era lo que se estilaba entonces– estaba en la cima de su popularidad, los productores decidieron que sería buena idea hacer una nueva película de Los Cazafantasmas. Por azares del destino, vi primero esta secuela y después la película original.

    Cinco años han pasado desde que los Cazafantasmas salvaran a la Ciudad de Nueva York de la venida de Gozer, el equipo se ha desintegrado y ninguno de sus antiguos miembros parece pasar por su mejor momento. Cuando el museo en el que trabaja Dana Barrett como restauradora –por alguna exótica razón, porque hasta donde recuerdo tocaba con la Sinfóica– recibe el extraño retrato de Vigo, el carpaciano (Wilhelm von Homburg, voz del legendario Max Von Sydow) –técnicamente sería Vigo, el valaco; pero lo tradujeron así–, un tirano y hechicero del medioevo, extraños acontecimientos comienzan a ocurrir en torno al bebé de Dana Barrett (la siempre genial Sigourney Weaver). Al mismo tiempo, la Ciudad de Nueva York parece infectada por una ola de energía negativa e irritabilidad cuya fuente podría ser una sustancia psicomagnotérica –que los niños de entonces sabemos que se llama “Ectoplazma”, con “z” para que Kenner pudiera registrar la marca– que comienza a acumularse por montones en el subsuelo de Manhattan. Los Cazafantasmas tendrán que reunirse una vez más para salvar a la ciudad.

    Recuerdo que cuando era niño y vi esta película me pareció un poco decepcionante e, incluso, aburrida por momentos. Sin embargo, ahora que la he vuelto a ver siendo adulto, me ha parecido bastante decepcionante y todavía un tanto aburrida.

    Cuando una secuela ya no tiene nada que contar y el único interés que hay para producirla es vender merchandising –ni siquiera la taquilla– se nota. El planteamiento de la película es poco interesante y parte de una serie de clichés: los Cazafantasmas separados, Dana y Peter Venkman (Bill Murray) peleados tras una relación fallida, etc. Francamente, me sorprende que basaran gran parte del argumento en la Ectoplazma® que, de todos los personajes y elementos de la primera película, las siete temporadas de la serie de dibujos animados y las 10 olas de figuras de acción producidas a lo largo de cinco años, ha de haber sido lo más pinche interesante.

    Empero, estoy siendo injusto. La verdad es que muchos elementos del universo de Los Cazafantasmas fueron retomados para esta cinta. De hecho, el argumento de un flujo de Ectoplazma® bajo el suelo de Manhattan fue tomado de un episodio de la serie de dibujos animados; varios de los artefactos que usan los personajes están basados también en los dibujos animados. Al igual que en un episodio de la serie, el atolondrado contador Louis Tully (Rick Moranis) se pone el traje de Cazafantasmas y siempre me ha parecido que la escena en la que Winston traspasa el tren fantasma es una referencia a las figuras de acción de Kenner –particularmente la serie Fright Features–. Del mismo modo, en cierto parlamento se hace una referencia al episodio de los dibujos animados, Rosebud, que es, de hecho, una especie de secuela/homenaje a Ciudadano Kane (Welles, 1941).

     Y, si uno se pone a analizarlo… ¿no reciclaron, de hecho, la estructura de la primera película? La primera peli empieza en que a los Cazafantasmas les va mal: los corren de la Universidad; en ésta, el equipo está separado y ha perdido toda credibilidad. En la primera cinta, Venkman está cortejando a Dana; en ésta, tiene que recuperar su confianza. En la primera película hay sólo un enfrentamiento largo con un fantasma: Slimer –Pegajoso, pa’ los cuates quien, de hecho, recibió oficialmente ese nombre en la serie de dibujos animados– en el salón de banquetes de un hotel; en ésta, son los hermanos Scoleri que se aparecen en mitad del juicio a los Cazafantasmas y les devuelven su credibilidad seguido, en ambos casos, de un bonito montaje. En la película anterior había un burócrata, Walter Peck, que buscaba por todos los medios clausurar a los Cazafantasmas; en ésta, otro burócrata, Hardemeyer (Kurt Fuller), persigue el mismo fin. En la primera cinta había un hombre de malvavisco gigante al final; en ésta, tenemos a la Estatua de la Libertad convertida en mecha. En la primera película Ray Stanz (Dan Aykroyd) la caga cuando elige la forma que tomará Gozer, el Destructor; en ésta, Ray es poseído por el espíritu de Vigo, el carpaciano, etc…

     El soundtrack está bien y, aunque trata de seguir el tono y concepto de la primera parte, no termina de funcionar del todo. Aun con el tema musical interpretado por Run D.M.C. Otras colaboraciones musicales en esta cinta incluyen a Elton John, Doug E. Fresh y Oingo Boingo.

    Y, bueno, hasta ahora creo que sólo me he quejado de esta cinta y quizá he sido demasiado duro con ella. A pesar de sus grandes fallas, la película también tiene grandes aciertos.

    Por principio de cuentas, creo que el guión es bueno. Quizá la parte de la anécdota queda un poco a deber; pero la historia se cuenta bien y los diálogos son geniales… aunque no sé qué tanto esto sea un mérito del guión, pues en la primera parte prácticamente ninguna escena se filmó como estaba escrita, ya que los actores improvisaron casi todos sus diálogos. Del mismo modo, las relaciones dramáticas entre los personajes y el drama como tal se van construyendo bien.

    Y ése es otro de los grandes aciertos de la cinta: a pesar del tiempo que transcurrió entre una película y otra, la química entre los personajes se mantiene. Uno realmente se la cree que se trata de un grupo de compañeros convertidos en amigos tratando de subsanar sus relaciones disfuncionales. En pantalla, esto se puede ver en el impecable timing cómico. Las actuaciones de todos los intérpretes están muy bien y sus personajes se vuelven seres de carne y hueso.

    Los efectos especiales, creados en su mayoría por Denis Muren e Industrial Light & Magic son un tanto disparejos. La gran mayoría se ve muy bien y, para aquella época, eran de lo mejor que se podía ver en pantalla. Sin embargo, los efectos que se ven mal se ven muy mal. Con todo, hay algunas secuencias de efectos visuales que no le piden nada a las sofisticadas tomas de CGI que estamos acostumbrados a ver hoy en día.

     A final de cuentas, Los Cazafantasmas 2 es una película decente, no particularmente buena, en la que el elenco y los efectos especiales hacen funcionar un argumento un tanto anodino y en el que, según me ha parecido siempre, hacen falta fantasmas. La cinta sale bien librada, aunque creo que su elemento más débil es precisamente el que más atención debía recibir: el villano. Por desgracia, las comparaciones son inevitables y esta cinta palidece terriblemente al compararla con la primera.

    En la serie de TV hubo villanos recurrentes como el Coco, Sandman o Sam Hein, todos ellos bastante terroríficos para un programa de TV infantil… ¿por qué no usar a alguno de ellos?

PARA LA TRIVIA: Aunque en la película se menciona que el retrato de Vigo será exhibido en el Museo Metropolitano de Arte, e incluso en las tomas de establecimiento aparece un letrero indicando tal cosa, tanto los interiores como los exteriores del edificio que aparece en la película son los del Museo de los Nativos Americanos, al sur de Manhattan.

PARA LA TRIVIA GEEK: La serie de dibujos animados y las dos películas están insertas dentro del mismo canon y línea temporal. El episodio Citizen Ghost de Los verdaderos Cazafantasmas es una continuación directa de la primera película y en él se explica cómo fue que los restos del Hombre de Malvavisco poseyeron los trajes originales de los Cazafantasmas y éstos tuvieron que cambiarlos por los monos de vistosos colores de los dibujos animados; además de que se cuenta la historia de cómo Pegajoso se volvió bueno y se integró al equipo. Del mismo modo, en varios capítulos el Hombre de Malvavisco, el alcalde, Walter Peck, Zuul y el mismo Vigo hacen cameos o apariciones especiales, mientras que en las últimas temporadas Jeanine Melnitz (voces de Laura Summer y Kath Soucie) aparece con el look que tiene en la segunda cinta.

 

 

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JOJO RABBIT

 

Taika Waititi, 2019

 

Antes de Jojo Rabbit, la única película que había visto del director neozelandés Taika Waititi era Entrevista con unos vampiros (Clement y Waititi, 2014) –que es el infortunado título con el que tradujeron What We Do in the Shadows en nuestro país–; pero debo decir que pocas veces recuerdo haberme divertido tanto con una película. En cuanto vi el trailer de ésta, me llamó la atención y la verdad es que no me ha decepcionado.

    Las películas de niños en la Segunda Guerra Mundial son un lugar común en el cine; pero creo que Jojo Rabbit logra darle un giro interesante a un tema tratado tantas veces antes.

    La cinta cuenta la historia de Jojo (Roman Griffin Davis), un niño de diez años que vive en la Alemania del Tercer Reich y es un asiduo fan del Partido Nacional-Socialista; tanto así que su amigo imaginario es el mismo Adolf Hitler (Taika Waititi). Tras fracasar en el entrenamiento con las Juventudes Hitlerianas, Jojo queda recluido en su casa, lo que le permitirá descubrir un impactante secreto sobre su madre y su fallecida hermana que cambiará su forma de ver el mundo para siempre.

    Creo que lo que más me llamó la atención sobre esta película fue la forma magistral en la que se juega con el tono. Pasa de una comedia referencial y satírica a la comedia de slapstick y luego te lleva a un denso melodrama. Y lo hace de forma tan orgánica y tan natural, que uno ni cuenta se da y cuando menos te lo esperas ¡zaz! Ya estás derramando la lagrimita y te quedas con cara de: “¿Qué pasó? ¿Qué no nos estábamos divirtiendo?”

    Y la película puede hacer esto no sólo por una dirección hábil, sino por las excelentes actuaciones de todos los involucrados. Davis está increíble en su papel de Jojo y logra crear una empatía muy particular con el público. Del mismo modo, Waititi es una caricatura verdaderamente hilarante de Adolf Hitler y el periplo de su personaje, aunque imaginario, se convierte, en un segundo nivel de lectura, en una sátira hecha y derecha del nazismo y de la relación del pueblo alemán con él.

    Por su parte, Scarlett Johansson parece muy empeñada en que se le tome en serio como actriz… de nueva cuenta, al menos, y alejarse un tanto de la imagen de superheroína de blockbusters que el Universo Cinematográfico Marvel le ha dejado; y se luce en pantalla en el papel de Rosie, la madre de Jojo, brindándonos algunos de los momentos más emotivos de la cinta.

    El guión está bien escrito, aunque el argumento se vuelve predecible. Quizá uno de los puntos más interesantes del guión de Waititi es la forma en la que se aleja diametralmente del material original. Basada muy libremente en la novela de Christine Launens El cielo enjaulado (2004), la adaptación fílmica de la novela retoma apenas la mitad del argumento de ésta y le cambia por completo el tono. El libro es mucho más oscuro y profundamente pesimista, y toca temas como el amor posesivo y la masculinidad tóxica.

    Según podría inferirse por los propios comentarios del guionista/director, Waititi no leyó el libro con demasiada atención y, probablemente, ni siquiera lo terminó. Lo que hizo fue tomar las bases planteadas por éste y sobre ellas construir su propio discurso, permitiendo que su propia personalidad tomara las riendas del relato y convirtiendo la historia en una cosa completamente diferente, pero lo suficientemente similar como para que pudiera reconocerse el referente a partir del cual se construyó la película.

    Sea como fuere, la obra del neozelandés termina siendo una conmovedora historia de transición de la niñez a la adolescencia y del crecimiento personal que ello implica – lo que es un poco contrario al mensaje del libro–, así como un fuerte estudio sobre la soledad. No por ello se trata de una mala película, por el contrario, creo que es de lo mejor que he visto últimamente; pero quería resaltar el punto de que, como adaptación de la obra literaria es más bien extraña. Podría sumarse a la lista de películas basadas en novelas que, aunque buenas o incluso excelentes, transmiten un mensaje opuesto al de sus fuentes literarias, como podrían ser Desayuno en Tiffany’s (Edwards, 1961) o El Diablo viste a la moda (Frankel, 2006).

    La música es muy buena y las canciones que aparecen en la cinta ayudan a complementar el efecto de la sátira y la comicidad, mientras que las composiciones corales de Michael Giacchino recuerdan muy profundamente a la música proselitista del Tercer Reich.

    Puedo concluir diciendo que me gustó mucho esta película y es de las pocas con las que se me han salido las lagrimitas en una sala de cine. De hecho, en algún momento, me hizo enojar. Me molesté con la película cuando el tono cambia radicalmente y, después de una comedia de espíritu ligero, la crudeza de la realidad me golpeó con una bofetada a media película. Pero, por supuesto, esto sólo evidencia la relación que la cinta había logrado crear conmigo y eso es muy poderoso.

    Mel Brooks, creador de Los productores (1967), otra de las grandes sátiras cinematográficas sobre el nazismo, ha elogiado la película.

PARA LA TRIVIA: Cuando se le preguntó a Taika Waititi, judío de ascendencia maorí, por qué había decidido interpretar a Adolf Hitler, éste contestó que era la mejor forma de dedicarle un “jódete” al Führer.

PARA LA TRIVIA GEEK: Adolf Htiler comenzó a afeitarse el bigote en su forma característica durante la Primera Guerra Mundial, pues su mostacho normal no cabía dentro de la máscara antigases.

 

 

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