PANTERA NEGRA

Black Panther

 

Ryan Coogler, 2018

A este artículo pude ponerle como subtítulo “Blek Pantha”, que es como lo pronuncian ellos en la película; pero me pareció racista, así que me abstuve.

    No estaba muy interesado en ver esta película; pero escuché comentarios de que “era la mejor película que había hecho Marvel”… Después recordé que cada que sale una película nueva de Marvel dicen que es lo mejor que ha hecho Marvel. Como sea, me lancé a verla y lo primero que agradezco es que no utilizaran su argumento genérico de toda la vida Iron-Man (Favreau, 2008)/Ant-Man (Reed, 2015)/Dr. Strange (Derrick, 2016), que son prácticamente la misma película… bueno, al menos no lo usaron por completo.

    Según la película, en el interior de África Occidental existe un país de agricultores conocido como Wakanda. Sin embargo, en lo más recóndito de dicha nación, oculto a los ojos del mundo, se encuentra el verdadero reino de Wakanda, un pueblo próspero que ha desarrollado una impresionante tecnología gracias a que se encuentra situado sobre una montaña de vibranio. Cuando el rey T’Chaka (John Kani) es asesinado, su hijo y sucesor al trono y al título de Pantera Negra, T’Challa (Chadwick Boseman), descubrirá un complot detrás del atentado y del robo de un artefacto wakandiano fabricado con vibranio.

    Nunca leí los cómics de Pantera Negra. Desde niño sabía quién era y qué hacía, pero no conocía su historia. No sé qué tan fiel sea la historia de la peli a la original de los cómics; pero lo que vi en pantalla se me hizo “inconvenientemente parecido” a los cómics de El Fantasma. Y bueno, todo el rollo del regicidio y el heredero y el complot y los feudos familiares y la manga del muerto es bastante shakespiriano, pero ambientado en África… ¡Oh! Esperen, lo hicieron hace casi 25 años, se llamó El rey león (Allers y Minkoff, 1994).

    Ya en serio, la película me agradó. Es entretenida, tiene algunos chistes bastante graciosos ‒como ése de Grace Jones‒ y hay algunas secuencias de acción muy bien logradas. El diseño de arte es fastuoso y las actuaciones son bastante decentes ‒siempre es interesante ver a Andy Serkis en carne y hueso‒. Quizá es un poco larga, pero no es algo que se vuelva cansado.

    El soundtrack también es muy bueno. La música compuesta por Ludwig Goranson mezcla música sinfónica con ritmos tribales y beats electrónicos, y se escucha bastante bien. Hay algunos leit motivs interesantes que le dan a la cinta una dimensión épica y, en algunos casos, incluso trágica. Francamente, me parece que la música logra mucho más afortunadamente crear el universo de la película que la película misma.

    Y es que Pantera Negra no está exenta de sendos fallos, mismos que comento a continuación:

    Primero: si bien el diseño de arte es maravilloso, la realización deja qué desear. El diseño de los vestuarios está muy padre y se inspira fuertemente en diferentes culturas africanas, pero en algunos de ellos las fibras sintéticas y el estampado con serigrafía como que desentonan. En general, ni el vestuario ni la utilería logran quitarse de encima ese look artificial que creo que no les va nada bien.

    Las caracterizaciones de algunos personajes también me parecieron desafortunadas. Me refiero específicamente a las escarificaciones de Killmonger (Michael B. Jordan) y a la peluquita de rastas blancas de la reina Ramonda (la siempre genial Angela Bassett).

    Segundo: a lo anterior habría que sumarle una fotografía poco hábil que, aquello que podría lucir bien, lo hace lucir chafa. Algunas escenas son demasiado oscuras y aquéllas que fueron filmadas en estudio no pueden alejarse de esa iluminación de estudio que en las películas análogas ya era notoria y ahora, en la Alta Definición, resalta como un frijol en una olla de arroz.

    Y finalmente, lo que de verdad no me gustó nada fue el CGI. ¿Cómo es posible que en pleno 2018 haya películas que se vean así? Quizá los vehículos y las bolas de plasma se vean bien; pero los escenarios virtuales son verdaderamente espantosos. No sé si trataban de recrear un paisaje tratando de que se viera real o si querían que pareciera el decorado de un diorama del Museo de Historia Natural. Del mismo modo, quizá seamos cada vez menos, pero aún habemos personas que sabemos cómo se ve un rinoceronte blanco… y no es para nada así.

    Las animaciones del traje de Pantera Negra sí se ven bastante bien, supongo que fueron ésas las que creó Industrial Light & Magic. Me parece que parte del fallo estuvo en que los efectos especiales, al ser demasiados, fueron realizados por al menos una docena de estudios más pequeños. Es una táctica común de los grandes estudios subcontratar a compañías más pequeñas para delegarles parte del trabajo de efectos especiales; el problema es cuando, como en este caso, el resultado final luce tan disparejo… ¿verdad, Spawn (Dippé, 1997)?

    Pantera Negra no sólo me entretuvo durante alrededor de dos horas, sino que también me motivó a reflexionar sobre el cine de superhéroes en su estado actual y llegué a dos conclusiones, que quizá muchos dirán que son resultado de la nostalgia, pero que es en lo que he estado cavilando.

    Por principio de cuentas, está la cuestión del abuso del CGI. Estoy consciente de que, así como yo crecí con los efectos especiales de la vieja escuela, con los animatrónicos de Stan Winston y los maquillajes de Rick Baker, la Generación Z ha crecido con el CGI y difícilmente acepta efectos especiales diferentes. Sin embargo, parte del encanto de las primeras cintas de superhéroes era cómo se lograba adaptar el universo fantástico de las páginas de los cómics al “hiperrealismo” del cine. Era un ejercicio de insertar a estos personajes en nuestra realidad y hacerlos verosímiles.

    Empero, en la actualidad, cuando es posible crear todo ese universo tal cual se ve en el material impreso, el trabajo de adaptación es básicamente nulo. Así, en opinión de su servidor, los superhéroes de esta generación de películas funcionan muy bien en sus universos de CGI, que lucen maravillosos… pero que, a la vez, los alejan de nuestra realidad. Estos superhéroes se ven ajenos y artificiales.

    En segunda instancia está el asunto de los universos cinematográficos que desde un principio fueron planeados como tales. Sin lugar a dudas, más que una herramienta narrativa, se trata de una estrategia de mercado que el monopolio Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm/Fox ha implementado con éxito; pero que ya francamente se ha extendido tanto y tan innecesariamente que el Universo Cinematográfico Marvel parece un folletín victoriano.

    Precisamente la mayor fortaleza de esta estrategia de mercado es su principal debilidad: Si no viste una de las películas, muy probablemente no le agarres la onda a las otras… y también es posible que, como en  mi caso, te importen cada vez menos.

    Como sea, Pantera Negra se supone que será el preludio para el plato principal y final de la tercera etapa del proyecto del Universo Cinematográfico Marvel: Avengers Infinity War (Hnos. Russo, 2018). Aun así, la peli puede perfectamente disfrutarse sin haber visto ninguna otra del MCU.

    Pantera Negra es una cinta divertida y entretenida. Tiene por ahí varias vueltas de tuerca que, si bien son predecibles, son bastante efectivas y, al menos en mi caso, logró conectar con el público. Nada profundo, nada complicado, sólo dos horas y cuarto de entretenimiento sin demasiadas pretensiones más allá de compartir un bonito mensaje sobre la fraternidad, la generosidad, el bien común y condenar el supremacismo racial, venga de quien venga. Además de que la situación de Wakanda y sus depósitos de vibranio fue inspirada por la del Congo y sus minas de coltán.

    Lo que es curioso es que los miembros de la Familia de Pantera Negra no se parezcan entre sí y, de hecho, tengan tipos físicos de distintas razas e incluso acentos de distintas regiones ‒notorios aún a pesar del acento que les pusieron a todos a fingir en la peli‒… ¿o sea que ya porque todos son negros pueden pasar por familia? ¿No es un poco racista?

PARA LA TRIVIA: En la década de los 90, Wesley Snipes se acercó a Marvel con un guión para adaptar los cómics de Pantera Negra a la pantalla grande; pero diferencias creativas entre él y los potenciales directores evitaron que el proyecto se concretara.

PARA LA TRIVIA GEEK: El cómic de Pantera Negra fue publicado por primera vez en 1966, dos meses antes del surgimiento del grupo activista Panteras Negras. Debido a que mucha gente asoció ambos nombres, el título del cómic fue cambiado por Black Leopard, pero el cambio no prosperó y, al cabo de un par de meses, se volvió al título original.

 

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PELÍCULAS PARA SAN VALENTÍN

 

Sé lo que deben estar pensando: ¿El Cinéfilo Incurable tiene corazón? Probablemente, no. Y si alguna vez dije que la Navidad sí me gustaba, el Día de San Valentín ‒que como actualmente lo conocemos fue instituido a mediados del siglo XIX por las compañías impresoras de tarjetas de felicitación‒ me desagrada bastante. Las cosas suben de precio y las calles están atestadas de gente; lo cual, eso sí, me parece un buen pretexto para quedarse en casa con ese alguien especial y mirar algunas películas.

    Por tal motivo, he preparado esta breve lista de películas que recomiendo para ver en San Valentín. No son necesariamente cursis o comedias románticas a lo Meg Ryan; sino cintas que hablan sobre el amor en diferentes facetas… bueno, y una de horror que es alusiva a la celebración de San Valentín.

    Así pues, aquí les dejo el Top 5 del Cinéfilo Incurable para ver en San Valentín.

5.- Romeo y Julieta

Romeo + Juliet, Baz Luhrman, 1996

La generación de mis padres creció con el arquetipo del Romeo y Julieta de Franco Zefirelli (1968), con la hermosa Olivia Hussey, que es genial a su modo. Pero si debiera hacer una lista una de mis películas generacionales, seguramente esta versión Glam de la clásica tragedia de William Shakespeare estaría en ella.

    Filmada en locaciones en la Ciudad de México y Acapulco, el romance prohibido entre los jóvenes de dos familias rivales es trasladado de la Italia renacentista al California posmoderno, pero respetando el texto del Bardo Inmortal… ¡Y funciona! Las actuaciones de Leonardo DiCaprio y Claire Danes como la pareja titular son bastante adecuadas, y la participación de Harold Perrinau como Mercutio drag queen y John Leguizamo como Teobaldo pandillero son sobresalientes.

    Además, claro, del sensacional soundtrack completamente producto de su época que, seguramente, ocupa aún un lugar especial en la fonoteca de quienes fueron adolescentes en esa década.

4.- ABC de amor

Little Manhattan, Mark Levin, 2005

Esta película es uno de esos casos en los que una cinta independiente se vuelve súper famosa… por un trimestre y después se olvida por completo. Muy aparte de las modas cinematográficas, la película es bastante disfrutable, tierna por donde se le vea y con una bonita vuelta de tuerca al final que se agradece.

    Gabe (Josh Hutcherson), un preadolescente clasemediero de Nueva York se reencuentra con una antigua compañera del kínder, Rosemary Telesco (Charlotte Ray Rosenberg), de quien se enamora irremediablemente. El pobre Gabe conocerá lo que es enamorarse por primera vez mientras se enfrenta a la vida en la Gran Manzana y al divorcio de sus padres.

3.- El descanso

The Holiday, Nancy Meyers, 2006

Por lo general, las comedias románticas suelen ser una colección de clichés y lugares comunes, siendo su única variación las estrellas de moda que se enamoran en la pantalla… a menos que la protagonista sea Katherine Heigl, en cuyo caso no hay diferencia.

    De tal suerte, encontrar una película de dicho subgénero que tenga algo parecido a una personalidad propia y que, incluso, llegue a superar la receta con la que fue hecha, es verdaderamente notable. Éste es el caso con El descanso.

    La gringa Amanda (Cameron Diaz) y la británica Iris (Kate Winslet) han sufrido, cada quien en su terruño, terribles decepciones amorosas que las obligan a tomarse un descanso y dejar atrás todo lo que las rodea. Así pues, Amanda e Iris deciden intercambiar casas por las vacaciones y pasar unos días tomando el color local. Como era de esperarse, cada una de las chicas conoce a un galán local del cual se enamorarán.

    Así pues, lo que no sólo salva a esta peli de ser una más del montón, sino que la eleva a un nivel superior, son las actuaciones y la química de su cuadro de protagonistas, que se completa con Jude Law y Jack Black.

2.- Sangriento San Valentín

My Bloody Valentine, George Mihalka, 1981

Vamos, sabían que, siendo tan aficionado como lo soy al cine de terror y horror, no podía dejarlo fuera de esta lista.

    A principios de la década de 1980, el subgénero slasher estaba en la cúspide de la popularidad y Canadá hizo no pocas aportaciones a él. Quizá una de las más memorables es Sangriento San Valentín.

     Años atrás, el apacible pueblo minero de Valentine Bluffs fue sacudido por la tragedia durante el baile anual de San Valentín, por lo que dicho festejo fue cancelado. Hoy día, los habitantes del pueblo desoyen la prohibición y comienzan a ser asesinados brutalmente conforme se acerca la fatídica fecha.

    Sangriento San Valentín es uno de mis slashers favoritos. Aun cuando la premisa es poco original y su falta de presupuesto rezuma en cada fotograma, la ambientación es genial y tiene algunas de las escenas de muertes más originales que he visto ‒sobre todo la edición extendida‒.

    Existe un remake de 2009 que es increíblemente más fresa que la película original.

Lee el artículo competo aquí.

 

1.- Sueño de una noche de verano

A Midsummer’s Night Dream, Michael Hoffman, 1999

¿Quién podría dar una opinión más acertada sobre el amor y sus diferentes facetas que el Bardo de Avon? Esta adaptación de fin de milenio de la comedia romántica por excelencia escrita por William Shakespeare posee un reparto multiestelar que incluye a Kevin Kline como el egocéntrico director teatral Nick Bottom, el siempre genial Stanley Tucci como un sarcástico Puck, Rupert Everett y Michelle Pfeiffer como los reyes de las hadas, y Callista Flockhart (¿se acuerdan de ella?), Christian Bale y Sophie Marceau como los enamorados atenienses… y no, no sale Kenneth Branagh.

    Los enredos de varias parejas de enamorados y una compañía de teatro amateur ocasionados por los celos, la incomunicación y un poco de magia entretejen la trama de una comedia de situación que no sólo es divertida y picaresca, sino también conmovedora.

    Aunque hay una legión de adaptaciones de esta obra de Shakespeare, ésta es mi favorita. No sé, supongo que será porque fue la que vi cuando estaba en la secundaria.

 

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ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS

Que internacionalmente se comercializó con una variedad de títulos como Sisters of Satan, Innocents from Hell, Mark of the Devil 3 y Mark of the Devil III: Innocent from Hell; pero cuyo título original es Alucarda.

 

Juan López Moctezuma, 1977

 

Existe un subgénero del cine de explotación conocido como nunsploitation, cuya propuesta es presentar historias de monjas que sufren por la represión sexual al interior de los conventos. Con frecuencia estas películas toman prestados elementos del cine de terror. El nunsploitation es, probablemente, uno de los subgéneros más arcanos del cine, pues sólo vio un breve periodo de auge en la década de los 70 y su repertorio difícilmente llegará a una docena de cintas. Dos de ellas son mexicanas.

    Alucarda, cuyo argumento es atribuido en los títulos iniciales a López Moctezuma y otras cuantas personas, aunque retoma no pocos elementos de la novela gótica Carmilla de Joseph Sheridan LeFanu, cuenta la historia de Justine (Susana Kamini), una joven huérfana que es llevada a un convento que funciona como hospicio. Ahí conocerá a otra chica, Alucarda (Tina Romero), con quien trabará una amistad inconvenientemente profunda. Poco a poco, el Diablo poseerá a las muchachas, quienes sembrarán el terror al interior del convento. La única esperanza para la orden y las chicas a su cuidado es el Dr. Oszek (Claudio Brook, a quien Guillermo del toro llegara a comparar con Vicent Price), pero ¿podrá superar su escepticismo antes de que sea demasiado tarde?

    Juan López Moctezuma, quien fuera actor y director de teatro, asistente de Seki Sano y posteriormente socio de Jodorowsky en el Grupo Pánico, producía sus películas de manera independiente fuera del sistema de la industria cinematográfica mexicana. Esto lo llevaba a filmar las películas en inglés, con vistas a comercializarlas internacionalmente y no sin razón, pues su exhibición en nuestro país era prácticamente nula y, al menos en el caso de Alucarda, eran odiadas por la crítica.

    Es poco sabido que, en las décadas de 1960 y 1970, muchas películas “de arte” o “de autor” eran comercializadas en Estados Unidos a través de los autocinemas… ya que no importaba realmente lo que pasaran porque nadie iba al autocinema a ver las películas, dichos locales proyectaban cintas de mera explotación al mismo tiempo que la última moda del Avant-Garde. Las cintas de López Moctezuma, con un alto contenido erótico al mismo tiempo que con una sólida propuesta estética, podían comercializarse bajo ambas etiquetas.

     Y es precisamente el sello autoral lo que rescata la película. El guión no es particularmente bueno y está lleno de huecos; las actuaciones son decentes, aunque nada sobresalientes ‒particularmente si uno ve la cinta en su versión doblada al castellano‒, lo mismo que la música. Sin embargo, todos sus elementos se conjugan para crear una película completamente atmosférica y única que es más bien una atípica en el cine de vampiros y una verdadera anomalía en el cine nacional.

    El director mexicano no sólo logra crear su propio universo dentro de la película; sino que crea un tipo de vampiro propio y la peli se vuelve una mezcla de cine de vampiros con cine de posesiones satánicas. Alucarda nunca bebe sangre en pantalla; pero se alimenta de la juventud de chicas inocentes, es inmortal, tiene poder sobre los elementos y las mentes de sus adversarios, y sus víctimas se convierten en muertos vivientes. El director explicó alguna vez que quiso dotar a Alucarda con aquellos poderes que Bram Stoker nunca dijo que Drácula tenía, pero que uno intuía que debía tener. Del mismo modo, en una obvia referencia a la leyenda de Erzsébet Bathory, una vez que Justine resucita, duerme en una cripta dentro de un ataúd lleno de sangre.

    Por supuesto, no puede dejarse de lado el aspecto erótico de la película. López Moctezuma dijo alguna vez que era “en lo erótico donde la fantasía y la realidad podían unirse”[1], por lo que sus películas estaban llenas de erotismo y Alucarda no fue la excepción. Para ese momento, e incluso en décadas por venir, fue una de las películas de terror/horror con mayor cantidad de desnudos, tanto masculinos como femeninos, en pantalla ‒lo que me recuerda La marca de la pantera (Schrader, 1982), recuérdenme que hable de ésa después…‒.

    Creo que el elemento que más destaca en Alucarda, y que termina de consolidarla como una película de autor, es el diseño de arte, que no puede parecerme menos que maravilloso. El interior del convento parece una cueva y los muros de la capilla, de piedra cruda, están adornados con velas chorreantes y figuras humanas en relieve que se ven geniales; por no mencionar que tanto las paredes de la cripta como las del convento están tapizadas con sugerentes piezas de cuerpos humanos. Los hábitos de las monjas son extrañísimos y parecen más apropiados para vestir momias, y en general toda la paleta de colores responde a una propuesta estética definida.

    La fotografía, por otro lado, es bastante dispareja. A cargo de Xavier Cruz, la cinematografía es muy interesante a nivel de composición e incluso los movimientos de cámara y los encuadres son llamativos y dinámicos. Sin embargo, la iluminación deja que desear en escenas específicas; no es mala per se ‒hay muchas secuencias que están hermosamente fotografiadas‒, sino simplemente hay secuencias muy particulares en las que no funciona del todo.

    Con todo y su sello autoral, la película sufre por su poco presupuesto. No se trata para nada de una cinta de Serie B que alguien hizo simplemente por sacar algo de dinero; muy al contrario, se nota que alguien juntó todo el dinero que pudo para hacerla, pero hubiera estado bien tener un poco más. La cinta se ve rallada, de lo cual deduzco que usaron una película ya vieja para filmar, el sonido es malo ‒aunque bastante decente para los estándares del cine mexicano‒ y nunca he sabido por qué, de repente en algunos parlamentos, le cambian los nombres a los personajes y Justine en un par de escenas se llama Christine, mientras que Daniela (Lili Garza) se convierte en Camila.

    Finalmente, creo que el apartado en el que más sufre la película es en la edición. La postproducción ‒que engloba otros procesos como la edición, montaje, mezcla de audio, etc.‒ es un proceso largo y costoso, de hecho, es tan costosa o incluso más que filmar la película misma. Es por esa razón que muchas producciones con un presupuesto ajustado son editadas de manera descuidada o incluso torpe. En el caso de esta película, hay escenas con cortes muy duros y transiciones poco afortunadas, así como tomas de reacción fuera de tiempo.

    La película estuvo perdida durante muchos años hasta que fue rescatada por Manuel Santillán. La cinta se restauró e incluso algunas escenas perdidas fueron reinsertadas en el corte y fue reestrenada en la Cineteca Nacional en el año 2000.

    Alucarda es, sin duda alguna, un producto de su tiempo; pero es también una película subversiva que rompe con la tradición del cine mexicano de terror ‒que López Moctezuma siempre dijo que no le gustaba para nada‒. Con una marcada influencia del surrealismo, el estridentismo, la iconografía religiosa del Renacimiento y el Theatre du Grand Guignol, así como de las películas de terror de la Hammer, Alucarda termina siendo un capricho y una extravagancia que puede ser muy disfrutable si uno está en el mood para ello.

    Durante años, López Moctezuma planeó una secuela cuyo título sería Alucarda Rises from the Grave (Alucarda se levanta de la tumba); pero el proyecto nunca se concretó.

    Por cierto, ¿es mi imaginación o el tema principal del videojuego Demon’s Crest (Capcom, 1994) se parece sospechosamente al de Alucarda?

PARA LA TRIVIA: La cinta fue filmada en los Estudios América (hoy Estudios Azteca-América). La fachada del convento era parte de los decorados fijos del estudio y puede apreciarse en otras películas como Vacaciones de terror II: el cumpleaños infernal (Galindo, 1989).

 

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[1] Entrevista publicada en Cine Girl en 1977.