ESCUADRÓN ANTI-MONSTRUOS. Es como si alguien tomara “Chabelo y Pepito contra los monstruos” y la hiciera bien.

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ESCUADRÓN ANTI-MONSTRUOS

Monster Squad

 

Fred Dekker, 1987

 

Fue en 1943 cuando un Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) recién despertado del coma liberó a la Creatura de Frankenstein (Bela Lugosi) de un bloque de hielo y, al no tener nada mejor que hacer, ambos monstruos batallaron hasta un clímax catastrófico en Frankenstein contra el Hombre-Lobo (Neill, 1943). Desde entonces, pareció que el destino de los Monstruos clásicos era encontrarse, ya fuera como enemigos o como aliados, en cintas como La guarida de Frankenstein (Kenton, 1944) o La mansión de Drácula (Kenton, 1945), la cómica Abbott y Costello contra los fantasmas (Barton, 1948), la apócrifa Drácula vs Frankenstein (Adamson, 1971) o nuestras queridas bastardizaciones nacionales El castillo de los monstruos (Soler, 1958) ‒siendo honesto, ésa sí me gusta mucho‒, Santo el enmascarado de plata y Blue Demon contra los monstruos  (Martìnez Solares, 1970) o Capulina contra los monstruos (Morayta, 1974).

    En 1987, el director de la genial película tributo a las cintas de Serie B El terror llama a su puerta (1986), Fred Dekker, decidió realizar un ambicioso guión que había escrito años atrás; pero para el que no había conseguido financiamiento. Tras la popularidad de El terror llama a su puerta, Dekker pudo más fácilmente conseguir quien produjera su película: una cinta familiar en la que un grupo de preadolescentes se enfrenta a los Monstruos clásicos. Lo que Dekker no pudo conseguir fueron los derechos para utilizar los diseños de los Monstruos que Jack Pierce creara para Universal Pictures cinco décadas atrás.

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    En el que probablemente sea uno de los prólogos más costosos en la historia del cine ‒y si se hubiese filmado como estaba en el guión habría costado más que toda la película‒, la película cuenta cómo el Dr. Abraham Van Helsing (Jack Willim), un siglo atrás, intentó usar un amuleto mágico para enviar a su enemigo Drácula (Duncan Regehr) y su séquito de monstruos al Limbo. Por desgracia, Van Helsing fracasó y sus discípulos emigraron a los EE.UU. para esconder el amuleto. En la época actual, Drácula y sus esbirros viajan al pueblo de Baton Rouge, Louisiana, para destruir el amuleto. Pero no contaban con Sean Crenshaw (Andre Gower), quien posee el diario de Van Helsing, su hermanita Phoebe (Ashley Bank) y sus amigos amantes de las películas clásicas de Monstruos, quienes saben justo cómo detener a los invasores.

    Pues no, el argumento no es lo que podría decirse sobresaliente. El guión está bien escrito, a secas; pero está lleno de huecos y salidas fáciles. Y aun así, la película funciona maravillosamente.

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    El sencillo guión de Fred Dekker y Shane Black ‒el guionista-actor a quien seguro recuerdan por su papel de Hawkins en Depredador (McTiernan, 1987)‒ tiene montones de frases ingeniosas ‒”Wolf-Man’s got nards!” (“¡El Hombre-Lobo tiene bolas!”)‒ y jocosas referencias a películas de monstruos. Dekker era fan de las películas clásicas de monstruos de Universal y de los seriales de La pandilla , por lo que decidió mezclarlos para crear esta película[1].

   Empero, el verdadero núcleo de la película es el mensaje de que la amistad trasciende a pesar de nuestras diferencias ‒el chavo rudo se alía con los nerds, el niño gordo recupera su dignidad por mano propia y, claro está, la Creatura de Frankenstein trabando una entrañable amistad con una niña de preprimaria‒. También hay por ahí un par de comentarios sobre los monstruos del mundo real que le dan a la película otro nivel de profundidad completamente nuevo.

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    Las actuaciones son bastante decentes; digo, no son particularmente buenas, pero no dejan qué desear, y lo que sí es sobresaliente es ver a tantos niños carismáticos juntos en pantalla ‒digo en Parque Jurásico (Spielberg, 1993) no pudieron juntar a dos‒. Los adultos también hacen un trabajo bastante competente, sobre todo Noonan como la Creatura de Frankenstein y Regehr, como el Rey de los Vampiros.

    Según lo ha referido en entrevistas[2], Regehr interpretó a Drácula como si fuera el supervillano de algún cómic y sí lograba darle miedo a los niños. Del mismo modo, Noonan no interactuaría nunca con los chicos si no estaba completamente caracterizado, además de que disfrutaría de jugarle bromas pesadas a Stan Winston con el maquillaje puesto.

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    La fotografía es muy buena y muy propositiva. Bradford May, director de foto, tuvo desde el principio el cometido de hacer que todo se viera lo más real posible. Del mismo modo, sabía que era una cinta para niños; pero no por eso dejó de darle una atmósfera oscura y tenebrosa. Finalmente, la propuesta de May en la pantalla es la de una película oscura pero con colores sólidos y brillantes, muy en el estilo de otras películas de la época, que se ve genial.

    Por supuesto, las estrellas del show son los monstruos. Según Shane Mahan, artista del Stan Winston Studio que estuvo liderando el proyecto de Escuadrón Anti-Monstruos, “El reto era sugerir estas criaturas clásicas sin copiarlas realmente”[3]. Según parece, ni Antonio Espino “Clavillazo”, ni Xavier López “Chabelo”, ni Santo tuvieron que preocuparse por eso alguna vez. Lo que sí es que las criaturas de Monster Squad, a diferencia de las Hechas en México, prácticamente no han envejecido en tres décadas.

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    El diseño de los monstruos estuvo a cargo del mismo Stan Winston, quien tuvo que delegar la confección de los mismos a los artistas del estudio, pues se encontraban saturados de trabajo. Mientras el SWS trabajaba en Escuadrón Anti-Monstruos, Winston estaba enfocado en el diseño y pre-porducción de la película que sería su debut como director, la ahora clásica Pumpkinhead (1988), y una pequeña porción del equipo trabajaba en un bomberazo en el que nadie creía llamado Depredador.

    Aunque un poco decepcionados por no poder utilizar los diseños originales de Pierce, los artistas del Stan Winston Studio no sólo crearon personajes carismáticos en pantalla; sino que lograron implementar en ellos nuevas tecnologías del puppeteering que reducían considerablemente el número de titiriteros que eran necesarios para dar vida a cada una de las criaturas. Esta cinta, además, marcó el debut del artista Tom Woodruff Jr.[4], quien pasara por muchas dificultades y sufrimientos al encarnar a la criatura acuática conocida como Gillman, como actor de creaturas. Además, la versión de esta peli de la Momia (Michael MacCay) es mi favorita de todas.

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    Fred Dekker reconoce que Escuadrón Anti-Monstruos es su mejor película; pero también reconoce que fue la película que acabó con su carrera. La cinta costó cerca de 12 millones de dólares, pero en taquilla no recaudó ni 4 millones en su breve corrida de tres semanas. Casi un lustro después, Dekker tuvo una nueva oportunidad de recuperar su carrera de director… por desgracia el proyecto que encabezó fue RoboCop 3 (1993) y, bueno, ya todos sabemos cómo terminó eso.

    Diversos factores se conjuntaron para que la película fracasara en taquilla. Algunos involucrados en la peli culpan a una campaña de mercadeo mal dirigida, otros culpan a la falta de los diseños originales de los monstruos. Sin embargo, el fondo del asunto fue que la cinta estaba dirigida a un público muy reducido. Los niños no la vieron porque los padres creyeron que la película era inapropiada para ellos, y los adolescentes y adultos tampoco la vieron porque creyeron que era una película para niños. Según lo refiere Tom Noonan[5], a él mismo le costó mucho trabajo conseguir una copia en VHS para que sus hijos la vieran. Lo cierto es que, con el paso del tiempo, de forma inesperada para sus realizadores, Escuadrón Anti-Monstruos se ha convertido en una película de culto cuya nutrida legión de fanáticos ha surgido de la TV por cable y los videoclubes. Yo me enteré de su existencia gracias al libro de Stan Winston y ahora me cuento entre los fans.

PARA LA TRIVIA: Dustin Diamond, quien interpretara a Screech en Salvados por la campana (1989-1993), tenía una breve aparición en la cinta; pero ésta fue eliminada junto con otros 13 minutos de película porque los ejecutivos de HBO no querían que la peli durara más de 90 minutos. Del mismo modo, Liam Neeson, quien originalmente fue considerado para el papel de Drácula, fue contratado y de hecho se le pagó para aparecer en una secuencia que nunca se filmó.

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[1] Según lo declara en la entrevista que dio para el especial Monster Squad Forever! (Felsher, 2007), incluido dentro del material extra de la edición de 20 aniversario en DVD.

[2] FELSHER, ídem.

[3] MAHAN, Shane, citado en Duncan, Jody The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, Londres, 2006. P.98. La traducción es mía.

[4] A partir de Alien 3 (Fincher, 1992) y hasta Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007), Woodruff sería el actor dentro de los trajes de xenomorfo en la saga Alien.

[5] FELSHER, ídem.

Lee mis reseñas de los Monstruos Clásicos de Universal:

Drácula

Frankenstein

La momia

El hombre invisible

La novia de Frankenstein

El hombre lobo

El Fantasma de la Ópera

El monstruo de la Laguna Negra

 

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BRAINDEAD: TU MADRE SE COMIÓ A MI PERRO. Y le faltaba sal.

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BRAINDEAD: TU MADRE SE COMIÓ A MI PERRO

Que en EE.UU. fue conocida como Dead-Alive, pero que en su natal Nueva Zelanda se llamó Braindead. En México oficialmente se llama Muertos vivos, pero jamás he sabido de alguien que la llame así.

 

Peter Jackson, 1992

Existen numerosas versiones de esta película. La razón es que prácticamente cada compañía que la distribuyó fuera de Nueva Zelanda armó su propio corte para adecuarse, ya fuera a su mercado local, o a las clasificaciones restrictivas y la censura de su región. La versión completa de la película ‒que no he visto‒ tiene una duración de 104 minutos, mientras que la versión más censurada ‒que tampoco he podido ver‒ dura apenas 85 minutos. Esta reseña habla sobre la edición sin censura para DVD, que tiene una duración de 97 minutos.

Corría el año 1998 y yo acababa de regresar de provincia a la capital. Siendo tan aficionado como siempre lo he sido a los cómics, no podía perderme un evento que, por vivir en el interior de la República, ya había dejado pasar demasiadas veces: la MECyF. Había habido otras convenciones de cómics en México antes, sí; pero con el apoyo de importantes empresas y un leviatán de aparato publicitario, la MECyF se convirtió rápidamente en la más importante convención de cómics y cine fantástico en América Latina. Y, aunque me quedé con la espinita de presenciar el lanzamiento oficial del cómic de Spawn en México en la MECyF 97, en la edición 98 pude conocer al legendario guionista de Batman, Dennis O’Neil y al caricaturista español de MAD, Sergio Aragonés.

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    Dentro del marco de la MECyF ‘98 se celebraba también el Segundo Festival Internacional de Cine de Ciencia Ficción y Fantasía, que era una oportunidad única para ver películas de género de las más diversas latitudes, muchas de las cuales no habían tenido una corrida comercial en cines de nuestro país. En la programación de ese año figuraban películas como Acción mutante (de la Iglesia, 1993), Ciudad en tinieblas (Proyas, 1998), Nirvana (Salvatores, 1997), Tykho Moon (Bilal, 1996) o Braindead: tu madre se comió a mi perro.

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    En aquella ocasión no pude entrar a ver Braindead, pero el artículo que sobre ella publicaron en el programa del festival me dejó intrigado, sobre todo por las grotescas imágenes que incluía. El tiempo pasó y alrededor del año 2002, cuando compré mi primer reproductor de DVD, pude conseguir la película en dicho formato. Quedé estupefacto. ¿Cómo era posible que el director de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003) ‒a quien yo conocía por Muertos de miedo (1996), con Michael J. Fox‒ hubiera creado una película tan diferente a la adaptación de la obra de Tolkien? ¿Cómo una cinta tan absurda podía ser tan diabólicamente entretenida? ¿Cómo podía la cinta de verdad ser tan diferente a la que yo había imaginado? Y, sobre todo, ¿cómo podía arrastrarse un sistema respiratorio zombie por las vigas de un ático?

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    La película cuenta la historia del infeliz Lionel Cosgrove (Timothy Balme), un joven tímido que vive recluido en un aislado caserón con su dominante y posesiva madre, Vera (Elizabeth Moody). Cierto día, Lionel conoce a Paquita Sánchez (Diana Peñalver), la hija de una familia española dueña de una tienda, y se enamora de ella. Los jóvenes se citan en secreto en el zoológico, pero la castrante Vera se entera y va a espiarlos. Mientras ella trata de inmiscuirse aún más en la vida de su hijo, es mordida por un mono-rata maldito de Sumatra, que la contagia con un virus mortífero que la convertirá en un agresivo zombie. Lionel trata de mantener la enfermedad de su madre en secreto; pero esto sólo llevará a que la infección se esparza por el pueblo con hilarantes resultados.

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    Antes que nada, hay que aclarar: Braindead no es una película para todos. Y por esa misma razón es un clásico del gore y una de las obras cumbres del splatterstick. Pero uno sí debe estar de un humor especial para aguantarla. Y valdrá la pena el esfuerzo.

    Peter Jackson es un cinéfilo de toda la vida y en éste, su tercer largometraje, nos entrega una obra súper influida por montones de películas y que rinde un cariñoso tributo a todas ellas. Referencias a King Kong (Cooper y Schoedsack, 1933), Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981), Psicosis (Hitchcock, 1960), ¡Escalofrío! (Mann, 1971), El despertar del diablo (Raimi, 1981), Carrie: extraño presentimiento (DePalma, 1976), Re-Sonator (Gordon, 1986), Herbert West, Re-animador (Gordon, 1985), La masacre de Texas (Hooper, 1974) y hasta Payasos asesinos del espacio exterior (Chiodo, 1988) desfilan por la pantalla en una especie de juego de complicidad que el cinéfilo Peter Jackson propone a un público de cinéfilos.

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    Las actuaciones son caricaturescas y los actores logran crear personajes antipáticos en pantalla. Ésta es una de esas películas en las que uno termina odiando a prácticamente todos los personajes; lo que está padre, porque hace mucho más memorables y satisfactorias sus escenas de muerte. Sobre todo, presten atención al personaje del tío Les (Ian Watkin)… y ya que se convirtió en zombie, por favor presten atención al cable del que se ve que cuelga su columna vertebral.

    A pesar de cositas por el estilo, los efectos especiales y el maquillaje se sostienen bastante bien aun con del tiempo. Esta cinta es una de las más asquerosas que he visto y, sin duda, el beso final entre Lionel y Paquita, uno de los más repulsivos. Es muy interesante, y hasta un tanto morboso, ver la transformación de Vera y su transición por los diversos estadios de la zombificación. Por cierto, las secuencias en stop-motion las realizó Peter Jackson mismo.

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    Y si aún no están convencidos de que los efectos especiales son realmente buenos… ¿qué tal si les digo que muchas de las escenas de la calle principal del pueblo fueron logradas filmando maquetas?

    Pero no todo es gore sin sentido. La película también tiene varios logros técnicos que son más que dignos de mención. La fotografía es muy interesante, con tomas propositivas y heterodoxas y una propuesta estética bien definida que se volvería muy característica de las películas de los 90, colores estridentes y encuadres que resultan extravagantes. La edición y montaje de la película también están de lujo, logrando crear pequeños remates cómicos en una obra cuyo tono ya raya en lo absurdo.

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    ¿Y qué me dicen del cura que sabe kung fu? ¿O del sexo entre zombies? ¿O el bebé zombie producto del sexo entre zombies? ¿O las partes del cuerpo zombies que se vuelven autónomas y atacan a la gente? Si con David Cronenberg conocimos el Horror Corporal, con Jackson nos presentaron la Comedia Horrorífica Corporal.

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    Me confieso del todo ignorante de la historia neozelandesa; pero siempre me he preguntado si el hecho de que la película esté ambientada en la década de los 50 es de alguna relevancia para la historia. Del mismo modo que la vuelta de tuerca sobre las infidelidades del papá de Lionel parece no aportar nada a la trama.

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    A final de cuentas, Braindead es un referente del cine gore y un clásico del subgénero conocido como Happy Gore. La secuencia de Lionel destazando zombies con una podadora de césped ‒así es, Dead Rising (Capcom, 2006) no inventó nada de nada‒ es sencillamente hilarante, de verdadera antología… bueno, de hecho, toda la película es muy memorable y es fácil ver por qué se convirtió en un clásico. Resulta una especie de mezcla entre The Evil Dead y el Show de los Muppets (1976-1981).

PARA LA TRIVIA: Para la mencionada escena de la podadora se utilizaron cerca de 300 litros de sangre falsa que eran bombeados a una velocidad de 5 galones por segundo.

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EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA. Si la anterior fue “Ricardo III”, ésta es “Mucho ruido y pocas nueces”.

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EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA

War for the Planet of the Apes

 

 

Matt Reeves, 2017

Twentieth Century Fox no tenía demasiada fe en la primera película de El planeta de los simios (Schaffner, 1968). De hecho, decidieron retrasar la filmación cerca de seis meses para enfocarse en otros proyectos que creían que tendrían más éxito. Sorprendentemente para Fox, la película basada en la novela de Ciencia Ficción de Pierre Boulle fue un trancazo en la taquilla que marcó a una generación, se convirtió en un clásico del cine de género y engendró cuatro secuelas, una serie de TV Live-Action, una serie de TV de dibujos animados, toneladas de merchandising, un remake y un reboot que, a su vez, generó una trilogía, la cual llega a su fin con La guerra.

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    Tras los eventos de la película anterior, los simios inteligentes ya no son la especie dominante en el planeta. El líder chimpancé, Caesar (Andy Serkis, uno de los más sobresalientes actores de criaturas de la historia) lidera a su reducido grupo de simios, quienes se han escondido en una pequeña comunidad en el bosque californiano. Caesar y su familia no sólo deben enfrentarse a los ejércitos humanos que buscan destruirlos, sino también a simios disidentes que los han traicionado y la sombra de Koba, que sigue presente en la comunidad simia. En esta hora desesperada, un nuevo enemigo, el militar extremista conocido únicamente como el Coronel (Woody Harrelson, de antología), pretende asestar el golpe decisivo que acabará de una vez por todas con los simios. Caesar no sólo deberá enfrentarse al Coronel y sus hombres, sino a su propio lado oscuro para salvar a su especie de la extinción.

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    Creo que una de las principales diferencias entre esta nueva franquicia de El planeta de los simios y la saga original de los 70 es que en ésta todas las entregas han mantenido más o menos un mismo nivel de calidad. Mi favorita sigue siendo la segunda, que me pareció una especie de reinterpretación de Ricardo III; pero Guerra no está nada mal y, de hecho, me sorprendió bastante en algunos aspectos.

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    Por principio de cuentas, están los efectos especiales creados por Weta Digital ‒la misma gente detrás de la Trilogía de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003)‒ que me mantuvieron con la boca abierta durante las dos horas y cuarto que dura la película. Es la primera vez en mucho tiempo en la que me siento desconcertado y francamente no puedo decir cómo hicieron los efectos que aparecen en pantalla. Digo, sé que se trata de CGI; pero hay momentos en los que casi podría jurar que usaron animatrónicos. Por cierto, los simios digitales actúan mejor que muchos actores de carne y hueso que he visto.

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    En segundo lugar, están las actuaciones. Es raro, las intervenciones de los humanos a lo largo de la película son más bien breves. Casi durante toda la cinta nos encontramos siguiendo a Caesar y sus compañeros en su travesía y no resulta aburrido. Por el contrario, Caesar y Maurice (Karin Konoval), que son quienes llevan el peso dramático de la narración, resultan interesantes y empáticos, y Bad Ape (Steve Zahn) resulta una vis comica efectiva, aunque se nota un poco forzada, como que los realizadores lo metieron para evitar que la película fuera demasiado oscura para el mainstream.  Harrelson está excelente en su papel, aunque he de decirlo,se parece bastante a otros personajes que ha interpretado antes. Aun así, la película se siente bien actuada, tanto por humanos como por antropoides.

    La música también está padre y le da a la película un toque épico en el que la confrontación entre los dos bandos es muy clara. El score compuesto por Michael Giacchino utiliza sonidos militares para las escenas de los humanos y ritmos más tribales para las de los simios.

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    Finalmente, me encantó la fotografía. La forma en que ésta logra integrar el paisaje como un elemento más de la narración es impactante. Lo que pude ver como espectador fue un mundo salvaje y prístino convirtiéndose en el botín disputado por las dos especies ‒ya sé que entre los simios hay cuatro especies diferentes, lo digo en sentido figurado‒; vamos, uno entiende que quieran quedarse con este nuevo mundo. Lo que también me pareció interesante es que, a pesar de que la peli se ofrece en formatos 3D y 4DX, se filmó en 2D y la conversión se hizo en laboratorio. Y no sé por qué; pero como que las tomas en gran angular se ven mucho mejor filmadas en 2D de origen.

    Ahora, los puntos malos.

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    Para empezar, me quedé esperando la prometida “Guerra” por el planeta de los simios. Ésta no es una película de acción. Es más un melodrama de aventuras y, aunque sí hay algunas secuencias de acción, son más bien breves y en realidad son apenas unos cuantos momentos durante toda la película. La confrontación final está bien, a secas, pero me dejó sintiendo que le faltó punch; ni siquiera las coreografías son muy buenas ‒si ponen atención en el fondo, notarán cómo hay extras que no están haciendo nada‒ y creo que la pelea decisiva entre Caesar y Koba en la peli anterior fue mucho más impactante. Incluso otras confrontaciones en películas de la saga como los enfrentamientos finales en La conquista del planeta de los simios (Thompson, 1972), Batalla por el planeta de los simios (Thompson, 1973)‒que la verdad está algo chafona‒ o incluso el final del infumable remake de Tim Burton se sienten más épicas que éste. No sé, la verdad me quedó a deber.

    Del mismo modo, el ritmo de la película es demasiado parsimonioso; creo que hay secuencias que pudieron ser más cortas. La narrativa está muy padre, pero quizá el ritmo pudo ser más ágil. En general, toda la cinta se siente pesada y algo densa. Muchas de las secuencias del Coronel recaen más en el diálogo que en la acción. Es uno de esos villanos que habla demasiado. En sí, parece que el verdadero combate entre Caesar y su adversario se da a través de las palabras y no en una batalla campal como la que la película prometía. Y está bien, pero no se siente como una guerra… supongo que era poco comercial llamarla Conversación por el planeta de los simios.

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    El guión está bien, a secas; con montones de huecos, pero nada grave. Empero,  la trama se siente poco original. El subtexto que se manejara de manera tan sutil e inteligente en la primera entrega de la saga o en La conquista… aquí se siente forzado y burdo. Los comentarios sobre temas políticos, la naturaleza humana y justicia social se sienten forzados y más bien parece que quien escribió el guión los metió en la película porque el público esperaba que estuvieran ahí y no porque de verdad aportaran algo a la cinta.

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    Del mismo modo, la inclusión de elementos de la saga original, SPOILER como la aparición de Nova (Amiah Miller), la Bomba Omega, el hecho de que el Coronel sea sospechosamente parecido al gobernador Kolp o la reinterpretación de los mutantes TERMINA SPOILER, se siente poco trabajada y, al final, no termina de integrarse del todo con el resto de la película. Asimismo, al final la peli parece un pastiche que retoma elementos de La batalla por el planeta de los simios, con La conquista del planeta de los simios y un poquitito de Bajo el planeta de los simios con mucho de Apocalipsis (Coppola, 1979) y El gran escape (Sturges, 1963).

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    El planeta de los simios: la guerra no es una mala película, por el contrario, creo que supera incluso a varias entradas de la franquicia original; pero ciertamente no llega al clímax de la saga que debería ser. Para tratarse de un final de trilogía es bastante blando y, en general se siente poco sincero. No voy a negar que me gustó bastante; pero creo que se debe más a que hay algunos elementos individuales que están muy bien trabajados que al producto final. SPOILER Y, francamente, me cayó muy gordo el paralelismo entre Caesar y Moisés TERMINA SPOLIER.

warfortheplanetoftheapes05     Así pues, el Changómetro del Cinéfilo Incurable, que ubica las películas de la saga de El planeta de los simios de la peor a la mejor basándose únicamente en mi apreciación personal, queda como sigue:

9.- El planeta de los simios (Burton, 2001).

8.- Escape del planeta de los simios (Taylor, 1971).

7.- La batalla por el planeta de los simios (Thompson, 1973).

6.- El planeta de los simios: La guerra (Reeves, 2017).

5.- El planeta de los simios: (R)Evolución (Wyatt, 2011).

4.- Bajo el planeta de los simios (Post, 1970).

3.- El planeta de los simios: Confrontación (Reeves, 2014).

2.- La conquista del planeta de los simios ‒particularmente la edición extendida‒ (Thompson, 1972).

1.- El planeta de los simios (Schaffner, 1968).

 

PARA LA TRIVIA: Winter (Aleks Paunovic) es un gorila blanco. Esta idea fue rescatada del diseño original del general Thade para el remake de El planeta de los simios. Tim Burton decidió convertir a Thade en un chimpancé porque le teme a los simios y la idea de dirigir a un gigantesco gorila blanco le aterraba.

PARA LA TRIVIA GEEK: Los simios son llamados por los militares “Kongs” y los simios disidentes, “Donkeys”. Así pues, un simio que sirve a los humanos es un “Donkey Kong”.

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