RAMPAGE: DEVASTACIÓN. Puré de monstruos a la Arcade.

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RAMPAGE: DEVASTACIÓN

Rampage

 

Brad Peyton, 2018

Rampage es una franquicia de videojuegos cuya primera entrega apareció en las arcadias en 1986, creada por Brian Colin y Jeff Nauman, y producida por Bally Midway (hoy propiedad de Warner Bros.). El jugador controlaba a uno de tres monstruos gigantes: George, un gorila; Ralph, un lobo; y Lizzie, un lagarto. Parodiando las películas de monstruos, el objetivo del juego era reducir diferentes ciudades a escombros, mientras el videojugador se las apañaba para sobrevivir a oleadas de ataques de soldados, tanques, helicópteros y aviones, por mencionar algunos. El videojuego fue un éxito comercial que ha engendrado media docena de secuelas a lo largo de tres décadas, mismas que han ido agregando nuevos elementos al gameplay, así como nuevos monstruos ‒mi juego favorito de la saga, Rampage: Total Destruction (Pipeworks Software, 2006), contaba con un total de 40 personajes‒; pero manteniendo la propuesta original de tomárselo todo a broma.

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    Quizá los videojuegos de esta serie no son tan populares ahora como lo fueron antaño; pero sus seguidores han sido fieles a la franquicia y con el ocaso del proyecto del Universo Cinematográfico Marvel ‒al menos por ahora‒ dando pie a la especulación sobre que la nueva tendencia de los blockbusters serán los kaijus, una adaptación cinematográfica de Rampage no era una idea descabellada. Después de todo, las adaptaciones de videojuegos al cine nos han dado algunas de las mejores películas de la historia… ¿verdad?

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    En la película, la compañía Wyden desarrolla un agente patógeno que causa terribles y agresivas mutaciones en animales con el fin de utilizarlo en la industria bélica. Debido a la naturaleza excesivamente peligrosa del proyecto, la investigación se lleva a cabo en un laboratorio espacial que orbita la Tierra. Sin embargo, como cabría esperar, algo sale mal en el laboratorio y cápsulas conteniendo el mutágeno caen a la superficie del planeta, entrando en contacto con varios animales que comienzan a mutar descontroladamente. El exmarine convertido en promatólogo Davis Okoye (el siempre carismático Dwayne “The Rock” Johnson) y la Dra. Kate Caldwell (Naomie Harris), científica a cargo de la creación del patógeno, se darán a la tarea de detener a los gigantescos monstruos que amenazan con destruir Chicago.

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     ¿Qué puedo decir de esta película? Me gustó. Me gustó bastante, aunque reconozco que no es particularmente buena; sino más bien tirándole a mala, un producto de entretenimiento ramplón dirigido a los púberes… y está bien pinche divertida.

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    El guión es más bien malito y no se detiene en minucias como el desarrollo de personajes… o en ponerles un poquito de profundidad siquiera (quizás un poco a George); de hecho, pareciera que los malvados hermanos Wyden, villanos de la cinta, se los tomaron prestados del Show de Rocky y Bullwinkle (1959-1964); por no mencionar personajes que desaparecen y aparecen de repente.

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    Eso sí, la película tiene mucha acción y una serie de chistoretes nivel chavo de secundaria que en realidad resultan bastante eficientes. Incluso, por momentos el personaje del agente Harvey Russell (Jeffrey Dean Morgan) se siente un poco fuera de lugar, pero conforme la peli va avanzando se integra bien con el resto. No hay demasiados vericuetos ni vueltas de tuerca apantalladoras, y la historia simple se cuenta de manera simple y sencilla, con sendos huecos, eso sí.

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    Las actuaciones son decentes, nada espectacular. Johnson está en su eterno papel del tipo rudo de gran corazón –a pesar de que el hombre ya ha demostrado que sabe actuar,  los productores han preferido desaprovecharlo y encasillarlo en dicho estereotipo–, Harris está bien y creo que el que sobresale es Morgan. Malin Akerman y Jake Lacy, en sus papeles de los atolondrados villanos, están sobreactuados y grandilocuentes durante toda la película, y si bien esto en realidad es parte de sus personajes, llega a volverse cansino por momentos.

    Pero, por supuesto, la verdadera estrella de la película son los monstruos y, en el sentido de que el clímax de la peli es una feroz batalla entre monstruos gigantes que destruyen una ciudad, resulta una adaptación bastante fiel al videojuego… aunque sólo sea por eso.  Los diseños de las criaturas están padres, aunque se alejan de lo planteado por la fuente original.

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    Por ejemplo, George nunca fue blanco, Lizzie era mucho más pequeño y, en general, los tres monstruos tenían apariencias más humanoides –de hecho, en el juego, los monstruos son humanos mutados por la compañía Scumlab– y más caricaturescas. Por cierto, la rata mutante que aparece al inicio de la película es una referencia a Larry, personaje que apareciera por primera vez como exclusivo en la versión del videojuego para el extinto Atari Lynx. Supongo que los diseñadores pensaron que darles tal aspecto no funcionaría bien en la pantalla grande, o quizá pensaron que quitándoles los rasgos humanos a Lizzie y Ralph sería mucho más fácil que el público se identificara con George.

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    ¡Y vaya si lo lograron! Creo que una de las principales virtudes de la película es que logra retomar ese aspecto fundamental del videojuego: uno logra interesarse e identificarse con los monstruos, particularmente con George. El gorila blanco gigante realmente logra despertar la simpatía del público. Así pues, los monstruos gigantes en esta película no son, como en muchas otras, mero espectáculo; sino que verdaderamente se convierten en personajes.

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    Desde luego, nada de esto sería posible sin los maravillosos efectos especiales, que son el quid de la cinta. A pesar de que el CGI de la peli fue creado por diferentes estudios pequeños, éste no sufre de la desarticulación y falta de uniformidad que suele verse en estos casos –¿Verdad, Pantera negra (Coogler, 2018)?–. La cinta nos regala varias escenas padrísimas de efectos especiales en los que los monstruos se ven realmente bien. Cada detalle, cada textura, cada pelo se ven naturales y orgánicos, tanto que por momentos me hicieron creer que habían usado animatrónicos para algunas de las tomas… quizá así fue, pero no pude encontrar el dato al ver los créditos de la película.

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    Rampage no es una buena película; pero es divertida. Creo que podría ser un buen ejemplo de película palomera. Al igual que muchas otras “películas de demolición” está plagada de propaganda yanqui; pero al menos no es tan patente como en otras –Día de la Independencia (Emmerich, 1996), por ejemplo–. Es divertida y hasta emocionante en algunas partes, y tanto The Rock como su contraparte digital, George, son simpáticos y forman un buen dúo en la pantalla.

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PARA LA TRIVIA: Ralph, el demoledor, personaje protagónico de la película homónima de Disney (Moore, 2012), recibió este nombre como homenaje al personaje del videojuego Rampage.

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SUPER MARIO BROS…. Vamos, todos sabíamos que tenía que hablar de esto algún día.

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SUPER MARIO BROS.

 

Annabel Yankel y Rocky Morton

Existen dos versiones de esta película. La versión original para cines y la versión italiana. Ambas son horribles; pero, por alguna misteriosa razón, la versión italiana es más corta y los créditos finales son diferentes, además de que la canción que se escucha mientras éstos recorren la pantalla es otra. A la fecha, se desconoce la razón para estos cambios.

 

Dennis Hopper fue un buen actor que, salvo excepciones, tenía talento para aparecer en malas películas. Bob Hoskins fue un gran actor que, con mucho esfuerzo y talento, fue labrando su carrera desde la televisión hasta las películas de alto presupuesto. Finalmente, el colombiano John Leguizamo es un actor versátil cuyo talento innato para la comedia no le impide interpretar personajes serios con una sensibilidad y profundidad impresionantes. Es increíble cómo puedes tener a tres actorazos en tu reparto ‒cuatro, si se quiere tomar en cuenta a Lance Henriksen, quien hace una pequeña aparición al final de la peli‒ y desaprovecharlos a todos en cada maldita toma.

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    Por otro lado está el videojuego. Super Mario Bros. (Nintendo, 1985) fue un videojuego de plataformas para el legendario Nintendo Entertainment System creado por Shigeru Miyamoto y desarrollado por Miyamoto y Takashi Tesuka como sucesor del exitoso Mario Bros. (Nintendo, 1983) de arcadias. El juego, junto con la consola, fue introducido en EE.UU. para la Navidad de 1985 y, básicamente, resucitó a la en aquel entonces extinta industria de los videojuegos caseros y se convirtió en uno de los más grandes éxitos de ventas de la industria, habiendo vendido cerca de 40 millones de copias tan sólo en formato físico.

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    Así que tienes un gran elenco por un lado, una franquicia millonaria por el otro y un presupuesto de casi 50 millones de dólares ‒bueno, no, la producción se salió de presupuesto muy cabrón‒ ¿Qué podría salir mal? Todo si desde la preproducción tu proceso es una mierda.

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    La película fracasa en contar la historia de dos plomeros de Brooklyn, Mario Mario (el británico Bob Hoskins, quien reconoce ésta como su peor película) y su hijo adoptivo, Luigi Mario (John Leguizamo, el pobre) quienes, a través de un portal dimensional en el subsuelo, viajan a una dimensión alterna en la que los dinosaurios no se extinguieron, sino que evolucionaron con aspecto humanoide y viven en un régimen totalitario bajo el dominio del malvado rey Koopa[1] (Dennis Hopper quien, según testimonios, no tenía ni idea de lo que hacía en el set). Al enterarse del origen de los Hnos. Mario, Koopa y sus secuaces tratarán de cruzar el portal para invadir nuestro mundo… Esperen… ¿es ésta una película sobre reptilianos?

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    Con la popularidad de los videojuegos caseros a la alza, Nintendo vio en el proyecto de una película live-action de Super Mario Bros. la oportunidad de redimirse después de las críticas negativas y la mala imagen pública generadas por la película El campeón de los videojuegos (Holland, 1989). Luego de una verdadera rebatinga por llevar las aventuras del plomero a la pantalla grande, Nintendo vendió los derechos a una pequeña compañía independiente llamada Lightmotive, propiedad de los multigalardonados Ben Myron y Roland Joffe ‒productor y director, respectivamente‒, por sólo 2 millones de dólares… bueno y a cambio de cierto control creativo y el 100% regalías del merchandising. Myron y Joffe no tenían experiencia con el cine familiar; pero vieron en el proyecto la oportunidad de hacer algo de dinero para financiar otros proyectos. La idea con la que Joffe convenció a Hiroshi Yamaguchi, presidente de Nintendo, de hacer la película fue un argumento que servía como precuela al primer videojuego y que podía ser disfrutada por chicos y grandes.

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    Diferentes actores fueron contactados para los roles principales. La primera opción para interpretar a Super Mario fue Dustin Hoffman, quien se mostró interesado en el rol; pero Mamoru Amakawa, presidente de Nintendo de América en aquel entonces, pensó que Hoffman no tenía suficiente atractivo entre el público joven. La segunda opción fue Danny DeVito, quien rechazó el papel después de leer el guión, y la tercera, Tom Hanks, quien pasaba por un bache en su carrera luego de las malas críticas de sus películas recientes, por lo que los productores decidieron no contratarlo, además de que sintieron que su carácter rompía con el tono oscuro de la peli. Michael Keaton y Arnold Schwarzenegger fueron contactados para interpretar a Koopa, pero ambos rechazaron la oferta.

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    Uno de los primeros borradores del guión ‒que incorporaba algunas de las ideas originales de Joffe‒desarrollaba una compleja y oscura historia épica sobre la relación de los dos hermanos Mario. Este guión fue escrito por Barry Morrow, quien escribiera el guión de Cuando los hermanos se encuentran (Levinson, 1988), luego de jugar el videojuego durante un día entero; fue rechazado por guardar demasiadas similitudes con Cuando los hermnos… y por ser demasiado oscuro. Éste fue el guión que se mostró al reparto y por el cual aceptaron hacer la película.

    Una segunda versión del guión, escrita por Tom S. Parker y Jim Jennewin, quienes racababan de vender su guión para la película Permanezca en sintonía (Hyams, 1992), se planteaba como un cuento de hadas e incluía enemigos clásicos de Super Mario como Thwomps, Plantas piraña, Magikoopas y en él, Bowser trataba de casarse con la princesa Hildy, enamorada de Luigi, a quien secuestra para obtener la Corona de la Invencibilidad y así dominar al Mushroom Kingdom. Mario y Luigi eran acompañados durante su travesía por Toad ‒que sí era un hongo parlante‒ y un dinosaurio bebé llamado junior, que creía que Mario era su mamá ‒probablemente un Yoshi‒, y al final, Bowser, quien sólo se disfrazaba como humano en un par de escenas, caía en un estanque de lava. Ahora, eso suena más como una película de Super Mario Bros.

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    El primer director asociado al proyecto fue Greg Beeman, quien había alcanzado cierta notoriedad con su comedia juvenil Sin permiso para manejar (1988). Sin embargo, cuando el proyecto recibió financiamiento, la casa productora Hollywood Pictues, subsidiaria de Walt Disney Pictures, desechó a Beeman.

    Cuando el proyecto pasó de ser uno independiente a un proyecto de una gran casa productora, Parker Bennett y Terry Runte reescribieron el guión a petición de los directores. Finalmente, los directores sintieron que este guión, que había sido del agrado de Nintendo, era aburrido y cuando Bob Hoskins fue casteado como Mario, quisieron cambiar al personaje de un cínico encantador estilo Peter Venkman a alguien más maduro y bonachón. Puesto que Bennett y Runte no pudieron hacer las correcciones necesarias a tiempo, la escritura del guión fue asignada a Dick Clément e Ian LeFrenais. Este último guión retomaba la versión anterior; pero cambiaba el tono y la ambientación de cuento de hadas por una historia más orientada hacia la acción y el Sci-Fi con una ambientación inspirada en el Cyberpunk… ¡e incluso un cameo de Bruce Willis como John McClane!

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    Los productores pidieron que el tono de la película fuera suavizado, se eliminaran muchos de los elementos de acción y que el asunto se acercara más a lo planteado en el videojuego, así que contrataron nuevos guionistas ‒Ed Solomon y Ryan Rowe‒ para corregir el guión y prohibieron a los directores involucrarse en el proceso de reescritura.

    Así pues, la filmación comenzó de manera más que accidentada. El libreto que le fue entregado al elenco pocos días antes de iniciar la filmación tenía diferentes colores de páginas para señalar las correcciones, adiciones y recortes al texto original. Los miembros de la producción lo apodaron el “libreto arcoíris”. Anécdota curiosa: Bob Hoskins ni siquiera sabía que la película estaba basada en un videojuego cuando empezó a filmarla, fue su hijo Jack quien lo puso al tanto.

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    El matrimonio integrado por Annabel Yankel y Rocky Morton, quienes fueron elegidos para dirigir la cinta debido a su estilo alternativo y novedoso inspirado en la estética de MTV, siempre se sintió insatisfecho con el libreto y decidieron filmar la última versión pero con el tono del primero. La insubordinación de los directores finalmente derivó en que la producción estuviera encima de ellos y los reprimiera casi en cada sentido posible. Como resultado, los directores se encontraban bajo tanta presión que la pareja tenía frecuentes discusiones en el set y se desquitaban con los actores, quienes los odiaban y mandaron a imprimir camisetas con los apodos que les habían puesto a los directores para usarlas en el set.

    En general, todos los testimonios de los involucrados coinciden en que la filmación de la película fue una completa pesadilla. Las correcciones al libreto eran tantas y tan frecuentes ‒todos los días al elenco se le entregaban páginas y páginas de correcciones‒ que los actores simplemente dejaron de prestarles atención; los directores daban pocas y pobres indicaciones y, con frecuencia, se contradecían el uno al otro. Dennis Hopper admite que, durante la mayor parte de la filmación, no tenía idea de lo que estaba haciendo, ni tampoco le importaba; y, según lo han declarado en posteriores entrevistas, Hoskins y Leguizamo estuvieron alcoholizados durante gran parte del rodaje.

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    Al primer corte de la película se le quitaron cerca de 30 minutos de una línea argumental sobre la relación de Mario y Luigi que incluía un enfrentamiento con los hermanos Scapelli, además de escenas variadas que poco contribuían a la trama ‒como si las que dejaron lo hicieran‒. Además de la escena de la boda de Mario con su novia Daniella (Dana Kaminski), que estaba en el guión, pero que nunca se filmó. Anécdota curiosa: La fricción entre la producción y los directores era tal que a éstos se les prohibió la entrada a la sala de edición. Solamente después de que el matrimonio interpuso un amparo ante el Gremio de Directores, se les autorizó a estar presentes mientras se cortaba y montaba el corte final de la cinta.

    Lo que se ve en pantalla habla por sí mismo: un verdadero desastre narrativo con una historia que no sólo no tiene absolutamente nada que ver con el material de origen, sino de la que es difícil sacar cualquier cosa en claro. El tono está completamente indefinido y, aunque la cinta trata de ser una comedia de aventuras para toda la familia, algunas escenas son demasiado ramplonas, otras demasiado oscuras y algunas tienen una clara connotación sexual que se siente completamente fuera de lugar ‒no sé, de niño siempre me perturbó la escena del huevo en carriola‒.

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    Por no decir que las actuaciones están en el rango entre lo malo y lo terrible y a muchos de los involucrados ‒principalmente a Hoskins y a Fiona Shaw, quien interpretara el estrafalario y desaprovechado papel de Lena‒ se les nota, aún con una pantalla y 25 años de por medio, que no querían estar ahí. El guión es atropellado y está lleno de chistes que nomás no acaban de caer y, en general, los eventos en la película se suceden de manera tan atropellada que es difícil seguir una relación de causalidad entre ellos.

    Recuerdo que parte de lo que me entretenía de esta película cuando era niño era tratar de adivinar qué personajes de los videojuegos eran los que aparecían en pantalla. Digo, me parecía una cosa casi simbólica… al menos con certeza sé que están Mario, Luigi, una princesa, Bowser/Koopa, parientes de Bowser ‒sus sobrinos, aunque en los juegos son sus hijos‒, Goombas, Shy Guys y Snifits, creo que un Buzzer, estoy confundido sobre si vi un Ninji por ahí y… ¿esa mujer del Boom Boom Bar se supone que sea un Spiny? Y bueno, a Yoshi se le ven los cables.

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    A final de cuentas, hay que tomar en cuenta que Super Mario Bros. fue una película casi experimental, los realizadores estaban haciendo algo que nunca antes se había hecho… aunque el resultado de su experimento es una cosa que no funciona ni como adaptación de un videojuego ni como película. Creo que están más padres las porno de Super Hornio Bros. (Adams, 1993) con Ron Jeremy… incluso creo que tienen más que ver con los videojuegos.

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    El recuento de los daños es el siguiente: La película recaudó en taquilla más o menos la mitad de su presupuesto y, aunque se ha convertido en una cinta de culto, es considerada como una de las peores de la historia; parte del trato con Nintendo era que la compañía nipona recibiría el 100% de las regalías por el merchandising de la película, sin embargo, tras el estrepitoso fracaso en la taquilla, nadie estuvo interesado en producir merchandising, salvo por una serie de tarjetas coleccionables que aún hoy día es más o menos fácil de conseguir en buenas condiciones y una serie de abominables figuras de acción producida por ERTL; Nintendo adoptó una estricta política de no dar licencias para producir largometrajes basados en sus personajes ‒lo que echó abajo el proyecto para una película de Metroid que se encontraba en preproducción‒ que se ha mantenido hasta este año; Yankel y Morton jamás volvieron a dirigir una película e incluso su agente dejó de contestarles el teléfono; y, obviamente, los planes para una secuela, que trataría sobre la reconstrucción del Mushroom Kingdom sobre las ruinas de Dinohattan y cuyos villanos principales serían Donkey Kong y/o Wart, fueron cancelados de inmediato.

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    Pero no todo en la película de Super Mario Bros es terrible… digo, los sets diseñados por David Snyder, quien fuera director de arte en Blade Runner (Scott, 1982), están padres… aunque de repente se siente que la película estorba para verlos; el soundtrack está decente, particularmente ese cover que hace George Clinton de Walk the Dinosaur… quizá porque es casi idéntica a la original; y… bueno, bueno, Samantha Mathis y John Leguizamo tuvieron una relación romántica, y Lance Herinksen conoció a la maquillista Jane Pollack, quien se convertiría en su segunda esposa, durante la filmación de la película.

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    Super Mario Bros. es un claro ejemplo de cómo una idea decente para una película puede salir muy mal cuando los realizadores tratan de complacer a todo mundo para ampliar su mercado. Creo que lo que pasó fue que tanto los productores como Nintendo se frikearon cuando el pequeño proyecto independiente se convirtió en una película de gran presupuesto y no supieron qué hacer. Si a esto se le suma que la película, que fue vapuleada por la crítica e ignorada por el público, se estrenó apenas dos semanas antes que Parque Jurásico (Spielberg, 1993) el fatídico desenlace era de esperarse.

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    Y hay que reconocerlo, Super Mario Bros. marcó la pauta de cómo debían ser las películas basadas en videojuegos: terribles.

    Durante 25 años Nintendo decidió apartarse del cine, hasta este año, en el que ya se produce una cinta de animación CGI de Super Mario co-producida por Miyamoto.

PARA LA TRIVIA: En la escena post-créditos ‒que esta madre tiene una escena post-créditos ya debería ser suficiente dato de trivia‒, la película satiriza al videojuego cuando un par de empresarios japoneses le ofrecen a Iggy (Fisher Stevens) y a Spike (Richard Edson) hacer un videojuego basado en sus aventuras.

PARA LA TRIVIA, YA EN SERIO: En varias secuencias puede verse un poster de Koopa con una motosierra. Esto podría ser una referencia a La masacre de Texas 2 (Hooper, 1986), en la que Hopper interpreta a uno de los personajes principales.

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[1] Anécdota curiosa: El nombre de este personaje siempre ha sido Bowser; sin embargo, durante mucho tiempo en América se le conoció como Koopa, ya que se referían a él como “King Koopa”. Empero, en este caso debía entenderse “King Koopa” como “Rey de los Koopas” y no como “rey Koopa”.

VIERNES 13 PARTE 2. No estaba muerto, andaba de parranda.

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VIERNES 13 PARTE 2

Friday the 13th Part 2

 

Steve Miner, 1981

 

Dice el dicho que “Nunca segundas partes fueron buenas”… y, en este caso, es completamente cierto. Digo, siendo muy honesto, la única película de las 12 que comprende la saga ‒si se toma en cuenta Freddy vs Jason (Yu, 2003)‒ que considero que vale la pena es la primera; pero también debo admitir que la mayoría de las otras 11 tienen su encanto. La segunda parte no es la excepción y, aunque sí es bastante mala, resulta también bastante divertida; además de que trata, fallos y huecos argumentales aparte, de ampliar la mitología de la exitosa franquicia slasher.

    La primera cinta, con un presupuesto bastante modesto, fue un éxito de taquilla, por lo que una segunda parte era obligada. De hecho, el éxito de la saga fue tal, que las películas se estrenaban prácticamente cada año. Así las cosas, días antes de cumplirse un año del estreno de la primera cinta, llegó esta secuela.

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    Cinco años después de la masacre en el campamento Crystal Lake ‒lo que situaría la peli en 1984, pues la primera ocurría en 1979, según se explica en Viernes 13: el capítulo final (Zito, 1984)…  aunque esto es intrascendente tanto para esta cinta como para las demás secuelas‒, un campamento cercano está por abrir sus puertas para el verano. El incidente se ha convertido en una leyenda local; Alice (Adrienne King), la única sobreviviente, desapareció sin dejar rastro meses después de los asesinatos y las maledicencias cuentan que Jason (Warrington Gillette/Steve Dash), el hijo deforme de Pamela Voorhees (Betsy Palmer) no murió ahogado en el lago como todos suponían. Cuando los consejeros del nuevo campamento llegan al sitio para tomar un curso de capacitación, empiezan a ser víctimas de brutales asesinatos perpetrados por un atacante misterioso.

    La primera cinta de Vienes 13 (Cunningham, 1980) fue concebida como una película barata que pudiera aprovecharse de la popularidad de Halloween (Carpenter, 1978) e incluso sus realizadores desecharon casi de inmediato la idea de hacer una secuela centrada en Jason. Sin embargo, los realizadores de la segunda parte fueron menos escrupulosos y decidieron seguir adelante con una historia que, de hecho, contradice a la primera parte.

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    Sean S. Cunningham, director del primer filme; Tom Savini, artista de maquillaje y efectos especiales y Betsy Palmer, quien diera vida a Pamela Voorhees, han declarado en entrevistas posteriores lo absurdo del planteamiento de la peli, porque ¿en 35 años nadie vio a Jason, una persona de apariencia más que peculiar, vagar por el bosque? Y si Jason estaba vivo y sabía que su madre vivía ¿no hubiera sido más fácil que sólo fuera con ella a decirle que estaba vivo? Tuvo 30 años para hacerlo… y eso hubiera impedido los asesinatos de la primera película.

    De hecho, si lo que dice el ya icónico efecto de sonido “Ki-ki-ki-ki, ma-ma-ma-ma” es “Kill, mom!”, la voz de Jason al interior de la cabeza de su madre ordenándole que asesine… pues entonces no tiene mucho sentido que aparezca después de la muerte de Pamela Voorhees en la primera cinta, ¿cierto?

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    La idea original era que Alice regresara para protagonizar la secuela y que, si se hacían más películas, su personaje se enfrentara contra Jason en cada una de ellas ‒un poco como el Dr. Loomis en la saga de Halloween‒. Por desgracia, la actriz Adrieanne King no quiso regresar en un rol protagónico y pidió que su aparición en pantalla fuera breve; esto debido a que un fan obsesionado con la primera película había empezado a acecharla e incluso había logrado entrar a su casa. De hecho, King nunca volvió a aparecer en pantalla luego del incidente, limitando su trabajo a la actuación de voz.

    Empero, la actriz sí pidió a los guionistas que dejaran el final de su personaje abierto para que pudiera regresar en futuras secuelas si éstas se realizaban; pero ellos decidieron no hacerlo y mataron al personaje al inicio de la segunda parte. De hecho, la escena de la muerte de Alice fue la última en filmarse y a King nunca le fue proporcionado un libreto de la película… lo que es más, ¡la escena ni siquiera estaba escrita! La actriz se enteró de que su personaje iba a morir cuando llegó al set y la conversación telefónica que sostiene Alice con su madre fue improvisada.

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        También dice el dicho que “Si no está roto, no lo arregles” y justo eso pasa también con esta película. Aunque a nivel argumental la peli continúa con la historia, a nivel de forma es básicamente una repetición de la primera. Ni siquiera es una de esas secuelas que tratan de superar a la cinta original. Es más, las escenas de muerte no son tan interesantes como en la primera Viernes 13 y, hasta cierto punto, en esta película se siente como que falta sangre…

    En el apartado en el que Viernes 13 parte 2 sí supera a la primera es en la explotación sexual. Toda la peli tiene un tono “kinky” mucho más marcado que la primera y, a diferencia de su predecesora, sí muestra un desnudo integral, por parte de la guapa actriz Kirsten Baker. Anécdota curiosa: La escena de sexo entre los personajes de Sandra y Jeff iba a ser mucho más larga, presentando una toma topless de la actriz Marta Kober; sin embargo, Paramount desechó la toma después de enterarse de que Kober había mentido sobre su edad para obtener el papel y que, de hecho, era menor de edad al momento de filmar la escena.

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    El guión es inconsistente y tiene un elemento que siempre me ha llamado poderosamente la atención: ¿Por qué se deshace de la mitad de los personajes a media película? Al inicio, hay un montón de consejeros del campamento, de algunos de los cuales ni siquiera se menciona el nombre; pero después se van de farra y no regresan hasta la mañana siguiente. Algunos de ellos ni siquiera tienen parlamentos… ¿Cuál es su razón de ser entonces?

    La mayoría de las actuaciones son bastante malas, llegando al punto de lo hilarante. Muchas tomas de reacción se nota que fueron filmadas completamente por separado de aquello a lo que se supone que reaccionan, y en general los personajes se sienten flojos y poco interesantes.

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    A pesar de lo anterior, la dirección de la película me parece bastante acertada. A pesar de las obvias carencias de la producción, Miner logra montar varias secuencias, particularmente las de horror, bien logradas. Muchas de las tomas son interesantes, están bien montadas, e incluso en algunos casos, hasta llegan a estar decentemente actuadas.

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    Viernes 13 parte 2 es considerada por muchos críticos y fanáticos como la mejor cinta de toda la franquicia. Si bien no estoy de acuerdo, debo admitir que disfruto de cada una de las películas de la saga de un modo u otro. La segunda parte es divertida y se deja ver bastante bien, además de que es interesante verla en comparación de la primera parte. Si algo me gusta de estas cintas es que, de algún modo, la mayoría de ellas me hacen sentir adolescente de nuevo. No tiene nada que ver con la nostalgia ‒vi la mayor parte de estas películas cuando ya era adulto‒, sino con una íntima relación que pueden llegar a crear entre película y espectador. Y eso, señores, es digno de aplauso.

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PARA LA TRIVIA: El videojuego que juegan los personajes de la cinta es una consola Microvision de Milton Bradley, que fuera producida entre 1979 y 1982. El Microvision tenía una pantalla de 16X16 pixeles y fue la primera consola portátil en el mercado en utilizar cartuchos intercambiables. A pesar de que en la película se mencionan los juegos de Football y Hockey, ninguno de los juegos que aparecieran para esta consola estaba basado en dichos deportes.

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READY PLAYER ONE. “Insert coin(s)”

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READY PLAYER ONE: COMIENZA EL JUEGO

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Steven Spielberg, 2018

 

Uno de mis directores favoritos es, sin duda, Steven Spielberg. He de reconocer, eso sí, que prefiero a Spielberg cuando se reconoce como el gran showman que es a cuando se pone profundo y políticamente correcto. No es que crea que uno es mejor que el otro, simplemente es una cuestión de gusto personal. Sea como fuere, en esta película Spielberg se lanza sin reservas al entretenimiento puro y entrega una de sus cintas menos logradas… aunque no por eso aburrida. No creo que sea buena; pero recordemos que lo más pinche de Spielberg está más o menos al nivel de lo mejor de Michael Bay o Joe Johnston… concediendo que Johnston tenga algo a lo que se le pueda llamar “mejor”.

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    Por cierto, mientras escribo esto, recordé una nota publicada alrededor de 1995 en la que decían que Steven Spielberg estaba interesado en producir videojuegos; pero ya nunca supe qué pasó con eso, ¿alguien se enteró?

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    La película, que según me enteré el otro día, está basada en un libro, trata sobre Wade Watts (Tye Sheridan), apodado Parzival, un joven huérfano que vive en una postapocalíptica ciudad de Columbus en el año 2045. En dicho futuro, la humanidad, para escapar de su deprimente realidad, pasa horas enteras inmersa en un enorme mundo virtual conocido como Oasis. Antes de morir, Halliday (Mark Rylance, excelente), el creador de Oasis, ocultó dentro del juego un premio, conocido como Easter Egg, que convertiría a quien lo encontrase en el dueño de toda su fortuna y de Oasis mismo. IOI, la compañía rival de Halliday, busca desesperadamente el premio para así convertirse en la empresa más poderosa del planeta. Ahora que Wade ha encontrado la pista que podría llevarlo al Easter Egg, IOI hará todo por encontrarlo.

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    No he leído el libro, pero si se parece a la película, entonces se trata de uno más de esas novelas juveniles en las que un adolescente en un futuro distópico logra vencer a un sistema/régimen totalitario o similar de las que las hay a peso la docena. Paso, gracias, vi Fuga en el siglo XXIII (Anderson, 1976).

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    Por otro lado, el argumento de la cinta me pareció una especie de mezcla entre Willy Wonka y la fábrica de chocolates (Stuart, 1971), TRON (Lisberger, 1982) y El campeón de los videojuegos (The Wizard, Holland, 1989), con un toquecito de Ralph, el demoledor (Moore, 2012). La verdad es que se trata de una película completamente superficial, sin básicamente nada de contenido, y que me parece ser de ésas en las que uno puede simplemente apagar el cerebro por un ratito y dejarse llevar.

    SPOILER Porque si uno se pone a pensar un poquito, se dará cuenta de que ésta es la historia de unos chavitos gamers que, teniendo la oportunidad de liberar a la humanidad de la opresión intelectual que la subyuga, prefieren perpetuarla… Es decir, es como la antítesis de Matrix (Hnos. Wachowski, 1999). En la peli de Neo, los humanos del futuro luchaban por salirse del mundo virtual al que estaban sometidos, mientras que en Ready Player One, luchan por quedarse dentro de él, sólo que con menos comerciales… es el equivalente a que al final de Fuga en el siglo XXIII Logan matara al anciano o que en Un mundo feliz Marx peleara por recuperar el soma… ¿Es ésta una película sobre el Síndrome de Estocolmo? TERMINA SPOILER

READY PLAYER ONE - Dreamer Trailer (screen grab) CR: Warner Bros. Pictures

    SPOILER También podrían encontrarse sendos huecos en el guión, como ¿por qué nadie hace trampa? ¿Nadie conocía el Konami Kode, en serio? ¿No hay hackers? ¿Por qué los adolescentes de 2045 están tan clavados con la cultura de 1980? Mis alumnos de 15 años difícilmente ven películas de más de 10 años… O bueno, quizá éstas son ideas que podrían usarse para Ready Player Two: Here Comes a New Challenger! ‒es pura mamada, yo inventé el título‒, de nada, Ernest Cline TERMINA SPOILER.

    Por supuesto, el atractivo de la cinta no está ni en la anécdota ni en el guión, que es súper predecible, flojo y está lleno de clichés; sino en los miles de referencias y guiños a la cultura pop, particularmente la de los años ochenta, que hay en la película. Básicamente, el juego que la cinta la propone al espectador es identificar los iconos de la cultura pop y gamer que aparecen en la cinta, desde el DeLorean de Volver al futuro (Zemeckis, 1985) hasta la Inmigrant de Akira (Otomo, 1988), pasando por el Atari 5200, la BFG 9000 de Doom (id Software, 1993) y el rifle de pulso M41A de Aliens: el regreso (Cameron, 1986). Y en ese sentido, la cinta cumple. Uno no puede evitar soltar un par de carcajadas con el montón de chistes locales y referenciales de la peli.

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    La misma anécdota se inspira un poco en un evento de la vida real que casi se ha convertido en leyenda. Me refiero al legendario concurso promovido por Atari en 1982 con la serie de videojuegos Swordquest (1982-1983). La serie surgió como una posible secuela del videojuego Adventure (Atari, 1979) SPOILER ‒que, de hecho, es clave en la cinta‒ TERMINA SPOILER; pero pronto evolucionó en otra cosa. Se trataba de varios juegos de aventura que incluían un cómic y un acertijo que sólo podía resolverse al terminar el juego.

    Los primeros concursantes en resolver el acertijo debían comunicarse con Atari, dar la respuesta y viajar a sus oficinas para competir entre ellos a fin de ganar premios cuyo valor ascendía a USD$150000. Para el primer juego, el premio fue el Talismán de la Penúltima Verdad, hecho en oro macizo de 18K y adornado con diamantes; para el segundo juego, el premio fue el Cáliz de la Luz, fabricado en oro y platino con incrustaciones de diamantes, zafiros, perlas, rubíes y jade; y para el tercero, la Corona de la Vida, hecha en oro con incrustaciones de diamantes, zafiros, turquesas y rubíes. El cuarto juego de la serie, Airworld, cuyo premio sería la Espada de la Hechicería Definitiva ‒con mango de oro macizo y una hoja de plata pura‒ nunca salió a la venta debido a la Crisis de los Videojuegos en 1983.

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    En una estrategia que se ve demasiado en los últimos años, el soundtrack está compuesto mayormente por canciones populares de los 80 ‒bueno, y una de los 70‒, por si todo falla, al menos la peli puede apelar al factor nostalgia… que, siendo honestos, es en mayor medida lo que la hace funcionar.

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    Ahora bien, de manera más que adecuada, la música original fue compuesta por el genial Alan Silvestri, quien fuera responsable de los soundtracks de películas como la Trilogía de Volver al futuro, Depredador (McTiernan, 1987) o El secreto del abismo (Cameron, 1990).

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    Las actuaciones están más o menos, tirándole a menos y, en ese sentido, la película se sostiene gracias a las interpretaciones del siempre genial Simon Pegg, el gran Ben Mendelsohn ‒a quien amé en Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016)… y parece que Spielberg también, porque prácticamente lo puso a repetir ese papel en esta cinta‒ y Mark Rylance. Los actores jóvenes están bien, pero como que algo les faltó para acabar de llegar a lo que debían.

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    En general, puedo decir que Ready Player One me entretuvo a pesar de sus notorias carencias y su excesiva duración ‒Hollywood parece no querer entender que para hacer películas de más de dos horas hay que ponerles sustancia‒; debo confesar que sí me emocioné como escolapio en un par de secuencias y que sí me entretuve jugando a ¿Dónde está Wally? Con sus referencias a la cultura pop; aunque por lo demás me pareció completamente insulsa.. hay por ahí un esbozo de mensaje inclusionista, pero ¡meh! He de reconocer también que creo que sí lograron capturar parte de la esencia de la subcultura gamer y que, si no fuera por la hábil dirección de Spielberg, dudo que el numerito fuera tan ameno como resultó serlo al final y se hubiera quedado en una versión edulcorada de TRON que está más preocupada por bombardear al público con nostalgia que por realmente contar una historia. A final de cuentas, se parece más a un ride de parque temático que a una película.

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PARA LA TRIVIA: Durante la preproducción de la película, Spielberg se acercó al actor Gene Wilder ‒quien interpretara a Willy Wonka en la versión original de 1971‒ para que interpretara a Halliday; sin embargo, Wilder rechazó la oferta.

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