CLASE 1984. ¡Por fin! Una película en la que un profesor se venga de sus alumnos.

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CLASE 1984

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Mark Lester, 1982

 

Cada cierto tiempo me da por descubrir alguna película prácticamente desconocida o que nadie recuerda y llevarme una sorpresa muy agradable. En el caso de esta cinta, la conocí por un artículo que leí en la revista Fangoria que me pareció muy interesante. Así que en cuanto pude la conseguí y la vi. Y quedé más que complacido. Francamente, creí que me sería una de ésas películas de Serie B que son básicamente pura explotación; pero estaba muy equivocado.

     Por principio de cuentas debo decir que no estoy seguro de cómo clasificar esta peli. En general, es considerada como una película de terror; pero me da la impresión de que la ubicaron en esa categoría por no saber en qué otro pasillo del videoclub cabía. Tiene un par de elementos de película de horror; pero al mismo tiempo tiene cosas de película de acción, específicamente del subgénero que me ha gustado llamar “violencia urbana” ‒del cual cintas como Vengador anónimo (Winner, 1974) o El vigilante (Lustig, 1983) son claros ejemplos‒; el tercer acto es mucho más cercano al subgénero de Venganza por Violación[1] y en general todo es una suerte de melodrama clásico más llevado hacia el thriller.

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    La película cuenta la historia de Andrew Norris (Perry King), un nuevo profesor de música que es transferido a una escuela preparatoria del centro de la ciudad. Norris tiene la capacidad para superar la apatía de los estudiantes, tiene el entusiasmo para que las frecuentes confrontaciones con ellos no lo disuadan y tiene la vocación suficiente para saber guiar a los chicos desorientados que abundan en la escuela. Habrá que ver si tiene lo que hace falta para hacerle frente a Peter Stegman (Timothy Van Patten), un delincuente juvenil matricluado en la escuela, y su banda de punks, que han sumido al campus en un reino de terror. ¿O acaso será que estos muchachos necesitan mucho más que disciplina?

    Quizá lo más interesante y lo más triste de esta película es la forma en la que predijo el futuro. Los detectores de metales en las entradas de las escuelas públicas eran una cosa de ciencia ficción en 1982 e incluso hubo quien, en su época, tachó a la película de ridícula. Del mismo modo, un nivel de bullying que llevara a la víctima al suicidio, los estudiantes que amenazaran a sus profesores o el narcomenudeo al interior de las escuelas eran cosas difíciles de creer. De hecho, varias escenas de la peli tuvieron que ser reeditadas para evitar la temida clasificación X (para mayores de 21 años, lo que básicamente se convierte en un asesinato comercial de cualquier película en la taquilla de EE.UU.).

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    El guión de la película es bastante bueno y aun cuando muestra situaciones extremas, éstas siguen siendo creíbles. La progresión en los personajes es orgánica y uno no puede sino simpatizar con el protagonista, quien ha vivido una especie de Viaje del Héroe, cuando se decide a enfrentar a los alumnos en la escena climática de la película.

    Por cierto que, precisamente debido a esa escena, en la que un profesor somete a uno de sus estudiantes y le amputa el brazo con una sierra de banco, la película fue prohibida en algunos países y gravemente censurada en tantos otros. Y ésa es sólo una de tantas “bellezas” que se muestran en pantalla cuando un hombre bueno es llevado más allá de sus límites.

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    Y hablando de hombres buenos, el conmovedor personaje del profesor de Biología, Terry Corrigan, interpretado por el siempre genial Roddy McDowall ‒quien hizo tan buen trabajo en sus papeles de Cornelius y Caesar en la saga de El planeta de los simios (1968-1973) que seguramente no lo recuerdan por ellos‒ es uno de los personajes secundarios más interesantes que haya visto en una película. ¿Qué tuvieron que hacerle sus alumnos a este profesor para que decidiera secuestrar a un grupo y hacer un repaso a punta de pistola?

    Las actuaciones de casi todos son bastante buenas. Tanto King como McDowall y Van Patten se lucen en sus personajes y uno de verdad llega a interesarse por ellos. La escena en la que Norris visita la casa de Stegman es casi una clase de actuación de parte de los dos rivales, además de una vuelta de tuerca que, si bien es bastante predecible, no por ello deja de ser efectiva. Y por favor, no se pierdan la segunda incursión en la pantalla grande de un jovencísimo Michael J. Fox.

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    La música es interesante. Alice Cooper lanzó el sencillo I am the Future en 1982, de manera paralela al estreno de la película, y éste tuvo un recibimiento más bien pobre por parte del público. La canción fue incluida como tema principal de la cinta, lo que básicamente la salvó del olvido… aunque tampoco es una película escandalosamente popular. Como sea, tanto el tema de Cooper como el score compuesto por el legendario Lalo Schifrin son más que adecuados para la película.

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    Quizá el único departamento que sí queda a deber es la realización en general. No es que esté mal, es simplemente que a la película sí le llega a doler la falta de presupuesto. La fotografía es buena a secas; pero de repente desmerece por la iluminación. Aun así, hay una propuesta interesante en ella, como el hecho de que casi todas las secuencias de Van Patten fueron filmadas en un ángulo contrapicado para que su personaje luciera más amenazante.

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    Del mismo modo, los stunts se ven un poco chafas en algunas partes. En general todas las escenas de acción están más o menos bien logradas y la escena del ataque vandálico al laboratorio de Biología lo deja a uno con un nudo en la garganta; pero la verdad es que sí se nota que podrían haber echado mano de un poco más de recursos. Por cierto, que McDowall sí condujo el auto con el que trata de atropellar a Stegman y su pandilla, y el concierto de piano que toca Stegman fue escrito por Van Patten.

    Por otro lado, la película fue filmada casi enteramente en locación. Los graffitti con los que la producción llenó las paredes de la escuela en la que se filmó la cinta fueron muy difíciles de remover y causaron constantes quejas de parte del alumnado.

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    Clase de 1984 es una película interesante que, por debajo del sensacionalismo y la violencia, puede llevarnos a la reflexión, el autoanálisis y el cuestionamiento ético. Es una lástima que esta producción americana-canadiense haya quedado prácticamente en el olvido. De hecho, a los productores les costó trabajo conseguir una compañía que quisiera distribuirla en EE.UU. debido a los temas fuertes que trata y la gran cantidad de violencia que maneja le restaban atractivo comercial. A final de cuentas es, junto con tantas otras películas más o menos de la época, un vívido retrato del terror y la incomprensión que la sociedad sentía por la Generación X… que en los 90 ya se volvió mainstream.

PARA LA TRIVIA: Muchas escenas de la película fueron escritas basándose en historias reales de violencia escolar que el director Mark L. Lester había leído en periódicos. De entre todas, llama la atención la historia de un profesor que llevó una pistola a clase para controlar a sus alumnos, misma que se convirtió en una de las escenas más icónicas de la película.

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[1] Para más información sobre el subgénero de Venganza por Violación, sírvanse leer este excelente artículo de la página Mujeres artistas.

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SPIDER-MAN: DE REGRESO A CASA. Se fue siendo uno y volvió otro…

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SPIDER-MAN: DE REGRESO A CASA

Spider-Man: Homecoming

 

John Watts, 2017

 

Sé lo que están pensando: “Ahí va de nuevo el Cinéfilo Incurable a decir que no le gustan los superhéroes”; bueno, pues déjenme decirles que hay cuatro que sí me gustan y mucho. En ese orden: Spawn, Batman, Spider-Man y Witchblade.

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    Si mal no recuerdo, mi primer acercamiento a las aventuras del Amigable Vecino fue la serie de dibujos animados de principios de los 80, en la que no sólo se enfrentaba a villanos clásicos como El Buitre, el Dr. Pulpo o el Duende Verde; sino que tomaba prestados villanos de otras series de Marvel como el Dr. Doom o Calavera Roja. Más adelante, leí algunos cómics (estoy seguro de que tenía el comic de la primera aparición de Venom en la edición mexicana… me pregunto dónde habrá quedado) y en 1994 me volví muy aficionado a la serie de dibujos animados de Fox Kids, que me sigue pareciendo la mejor que se ha hecho sobre el personaje.

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    Y bueno, de ahí pa’l real he venido leyendo comics, jugando videojuegos y viendo películas sobre Spidey. Quizá en estos días no parezca mucho, pero la primera película de Spider-Man (Raimi, 2002) fue un hito en la historia del cine basado en comics y básicamente es, junto con las películas de X-Men de Bryan Singer, el antecedente directo del boom de películas de superhéroes que vivimos hoy.

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     Ahora que Marvel Studios (o sea, Disney) ha llegado a un acuerdo con Columbia Pictures (o sea, Sony), quien tiene los derechos del Hombre Araña para las adaptaciones a la pantalla grande, para que le prestaran al personaje y así completar el Universo Cinematográfico Marvel, decidí darle una nueva oportunidad que le negué con la fallida saga de Amazing Spider-Man (2012-2014). Digo, después de todo, Disney rescató Star Wars… ¿o no?

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    El Producto Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm de superhéroes para cines #016 sucede ocho años después de los eventos de la primera Avengers (Whedon, 2012). Stark Industries obtiene una licitación del Gobierno para recoger los escombros dejados por la invasión Chitauri a Manhattan al final de la mencionada Avengers, debido a que quieren evitar que la tecnología alienígena caiga en manos equivocadas. Esto saca del negocio a Adrian Toomes (el Michael Keaton más desperdiciado que he visto desde Voces del más allá [Sax, 2005]), quien roba los artefactos Chitauri. En una línea de tiempo con peor continuidad que la de La fea más bella (2006-2007), Toomes ha construido un par de alas mecánicas con tecnología alienígena y asume la identidad de El Buitre quien, con la ayuda de sus secuaces, el Hojalatero (Michael Chernus) y Shocker (Logan Marshall-Green/Bokeem Woodbine), planea robar los artefactos extraterrestres recuperados por los Avengers para vender armas de alta tecnología en el mercado negro. Pero Toomes no la tendrá tan fácil, pues el ahijado ‒en sentido figurado‒ de Tony Stark (Robert Downey Jr.), Peter Parker (Tom Holland), quien es en realidad el superhéroe conocido como Spider-Man, intentará detenerlo… o no.

    La verdad es que salí del cine sintiéndome muy insatisfecho con esta película… Lo cual quizá no sea tan malo, si tomo en cuenta que cuando salí de ver Spider-Man 3 (Raimi, 2007), la última peli del Héroe Arácnido que vi en el cine, me sentía timado y molesto. Me queda claro que Spider-Man: De regreso a casa no me estaba hablando a mí, me queda claro que su intención es venderle Spider-Man a la Generación Z, me queda claro que está basada en la serie de comics Ultimate Spider-Man más que en las series originales y me queda claro que al hablar de esta película quizá me esté volviendo más papista que el Papa. Pero también me queda muy claro que lo que vi en pantalla me dio una profunda sensación de desperdicio.

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     La cinta dura casi dos horas y cuarto, y la verdad es que se hace larga. Sucede algo muy curioso: a diferencia de la primera Spider-Man, no se trata de una historia de “el origen de…”; así que no pierden tiempo contándonos de dónde salió Spidey, asumen que ya lo sabemos y es cierto. Pero tampoco usan ese tiempo en desarrollar personajes. Adrian Toomes resuelve convertirse en supervillano cuando la película lleva cinco minutos; Peter Parker no evoluciona para asumirse como Spider-Man, sino que el autorreconocimiento le llega de golpe, literalmente, cuando el techo de una bodega le cae encima; y la batalla final entre Spider-Man y El Buitre dura apenas unos minutos… ¿En qué carajos invirtieron dos horas y cuarto? Perdón, pero siento que la película estuvo procrastinando.

    Bien, desperdiciar el tiempo en pantalla puede ser tolerable… ¿Pero desperdiciar a los actores? Las breves intervenciones de Michael Keaton son maravillosas y uno se queda con ganas de ver más de él en pantalla ‒hasta donde puedo recordar, Keaton es el único actor que ha interpretado a un superhéroe y a un supervillano en la pantalla grande‒. Tom Holland también está muy bien como Peter Parker e incluso es un buen Spider-Man; pero nuevamente, está desperdiciado. ¿Sabían que Holland es bailarín de formación? De niño interpretó a Billy Elliot en el musical de Broadway, además de que recibió un arduo entrenamiento gimnástico ¿Pero acaso algo de eso se ve en pantalla? Si yo tuviera un actor con esas habilidades, lo pondría a hacer stunts de verdad frente a la cámara.

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     Del mismo modo, Marissa Tomei está muy bien en el personaje que le dieron… que quién sabe cuál chingados sea, porque la tía May definitivamente no. Y creo que ése es el principal problema de toda la película. Los actores están muy bien, están haciendo su chamba de la mejor forma con el material de que disponen. El problema es que el material es malo desde un inicio. El planteamiento de los personajes es el que creo que está equivocado. La tía May simplemente no funciona y El Buitre es quizá el personaje que más respetaron con respecto a la fuente; pero lo vemos muy poco.

    Y luego está Spider-Man. ¡Qué forma de robarle la esencia a un personaje! Una parte importante del comic de Spider-Man era mostrar que para Peter Parker era difícil ser superhéroe; pero en la película es demasiado idiota. Prácticamente todas las hazañas que realiza el Amigable Vecino en pantalla son para salvar gente de estupideces que él mismo provocó. Sí, Parker era un jovencito nerdo y atolondrado, y eso en la peli se maneja muy bien… pero quizá se clavan en ello demasiado tiempo. También en los comics estaba presente el que otros superhéroes rechazaban a Spider-Man, de ahí que desarrollara una rivalidad con Johnny Storm cuando no lo dejaron entrar a los 4 Fantásticos ‒aunque para como está la franquicia cinematográfica de los 4 Fantasticos ¿quién querría entrar en ella? Jajaja‒ y creo que está bien manejado en la película.

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   Odié los gadgets de Tony Stark en el traje de Spider-Man porque pues si tiene toda esta alta tecnología, ¿qué más da si tiene superpoderes o no? Es más, ni siquiera vemos que use su Sentido Arácnido en toda la película. Aunque eso sí, artefactos que usaba en los 60 y que después fueron abandonados por ridículos, como las alitas de telaraña y la Spider-Señal, regresan en esta cinta.

Creo que lo que más me fastidió de la peli y que me parece que sí le quita parte importante de su esencia a Spider-Man es todo el rollo de Tony Stark, que se pude dividir en dos. Por principio de cuentas ¿dónde está el tío Ben? O sea, ya sé que está tres metros bajo tierra; pero me refiero a que el tío Ben era la inspiración, la motivación y la figura paterna de Peter, y en la película todo eso lo vemos transferido a Stark. A Ben Parker ni siquiera lo mencionan.

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    El otro fallo de la inclusión del Hada Azul, perdón, de Tony Stark/Iron Man en la trama es que despoja a Spider-Man de su derecho a ser superhéroe. Me explico: Gran parte del éxito primigenio que tuvo Spider-Man en los 60 se debió que era el primer superhéroe adolescente. A diferencia de otros chicos de los comics como Robin, quien era asistente de Batman, o Bucky Barnes, que era el compinche del Capitán América, Spider-Man era un superhéroe por derecho propio. No era el side-kick de nadie, era un chavito que tenía que resolver sus propios problemas, desde conseguir pareja para el baile de graduación hasta salvar al mundo. Y eso se pierde completamente cuando lo convierten en el protegido de Tony Stark.

    Otro elemento que es fundamental en las aventuras del arácnido y que gente como Todd McFarlane y Sam Raimi entendió muy bien es la Ciudad de Nueva York. Los rascacielos y callejones de Manhattan son un personaje más en los comics de Spider-Man y en esta película… en esta película la acción se traslada básicamente a Queens, Coney Island y Washington DC. Sí, Spider-Man en numerosas ocasiones sale de Manhattan y tan temprano como en el número 6 del comic original viaja a Florida para enfrentarse al Lagarto, y sí, hay un par de gags muy graciosos en De regreso a casa sobre cómo Spider-Man no puede colgarse de nada en Queens; pero ¿era necesario eliminar los rascacielos por completo?

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    Creo que lo que más me gustó de la película fue la anagnórisis entre Peter Parker y Adrian Toomes. Es una gran escena que funciona maravillosamente no sólo a nivel dramático; sino a nivel cinematográfico y actoral. Sólo es una lástima que el mismo recurso se haya utilizado hace quince años en la primera película de Spider-Man con Peter Parker y Norman Osborn. Y también es muy lamentable que el conflicto entre Parker y Toomes sea mucho más interesante y complejo que la pelea final entre Spider-Man y el Buitre; SPOILER en la que el arácnido demuestra ser un superhéroe tan incompetente que ni siquiera puede derrotar al villano por sí mismo TERMINA SPOILER.

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    La fotografía es rara, con un par de emplazamientos de cámara que son como de estudiante de primer semestre de cine y la música es bastante anodina, excepto por el tema de El Buitre.

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    Así pues, la última incursión del Amigable Vecino en la pantalla de plata no acaba de convencerme y, francamente, siento que me quedó a deber. El tono es más jovial y la verdad es que sí me reí mucho, pero me quedó a deber. No en la realización; sino en el planteamiento, cuya reinterpretación innecesaria afecta incluso a personajes secundarios, como Flash Thompson (Tony Revolori), quien ahora inexplicablemente es hispano e inexplicablemente siente una inexplicable envidia por Peter Parker y ¡está en el equipo de Decatlón Académico! Y de MJ (Zendaya) mejor ni hablo. Me gustaría ver cómo evoluciona el personaje en las secuelas, si es que lo hace, porque este crossover entre Spider-Man y Salvados por la campana (1989-1992) sencillamente no funciona para mí.

PARA LA TRIVIA: La primera vez que Spider-Man y el Buitre se enfrentan, éste aparece dibujando su silueta contra la luna llena. Esto es una referencia a la escena en la que la Bati-ala dibuja la batiseñal al volar frente a la luna llena en Batman (Burton, 1989), protagonizada por Michael Keaton, quien interpreta al Buitre.

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EL QUINTO ELEMENTO. La película que lanzó a la fama a Milla Jovovich cumple 20 años… No, no fue “Regreso a la Laguna Azul”.

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EL QUINTO ELEMENTO

The Fifth Element

 

Luc Besson, 1997

Según lo ha declarado en varias entrevistas, cuando Luc Besson era adolescente cargaba consigo un cuaderno en el que iba anotando ideas sobre un mundo paralelo que se le ocurrían para escapar de aburrimiento. En este universo alterno situado en un futuro distante habitaban coloridos personajes con culturas e identidades propias. El manuscrito final tenía 400 páginas, aunque Besson, quien quería seguir la profesión de sus padres ‒entrenadores de buceo‒, jamás se imaginó en convertirlo en una película. No fue sino hasta veinte años después, que el enfant terrible del cine francés plasmaría todas esas ideas en la que en ese entonces fue la cinta más costosa producida en Francia (con 90 millones de dólares, en realidad fue la película más costosa producida fuera de Hollywood), una delirante Space Opera glam que rendía tributo a La guerra de las galaxias (Lucas, 1977), Blade Runner (Scott, 1982), Flash Gordon (Hodges, 1980) y otro montón de películas llamada El quinto elemento.

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    En el siglo XXIII, cumpliendo una antigua profecía, la Tierra está a punto de ser atacada por lo que creo que es un planetoide hecho enteramente de maldad, ayudado por el inescrupuloso empresario Jean Baptiste Emanuel Zorg (el camaleónico Gary Oldman) y su grupo de mercenarios extraterrestres (mangalores). La única esperanza para salvar a la humanidad es el Quinto Elemento, un ser supremo creado por la raza extraterrestre conocida como Mondoshawan ‒que parecen la cruza entre un Corythosaurus y una dona‒, que ha venido a la Tierra cada 5000 años para detener al mal con la ayuda de las cuatro piedras de los elementos. Sin embargo, las naves mondoshawan son destruidas por los mangalores; por lo que el Quinto Elemento tiene que ser reconstruido en un laboratorio en la forma de una hermosa mujer llamada Leeloo (Milla Jovovich en el papel que la lanzó a la fama). Leeloo escapa del laboratorio en busca del sacerdote Vito Cornellius (el siempre genial Ian Holm), quien podrá ayudarla, y es rescatada por el taxista y exmilitar Korben Dallas (Bruce Willis, aunque la primera opción para interpretar al personaje era Jean Reno). Éste se enamora de Leeloo y decide ayudarla a recuperar las piedras de los elementos antes de que Zorg las encuentre.

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    Como puede verse, Besson no inventó el hilo negro. Simplemente encontró una forma complicadísima de contar una historia que ya se ha contado muchas veces antes. La idea de Besson cuando escribió la película fue la de integrar muchos de los elementos del universo que había creado alrededor de una historia única. Por eso la película se encuentra atestada de personajes y subtramas que no llevan a ningún lado y que sólo vuelven la trama más difícil de seguir y dan la impresión de que la película es más compleja de lo que en realidad es. De hecho, originalmente se pensó como una trilogía, pero las limitantes de presupuesto obligaron al director a condensar los guiones de tres películas en uno solo.

Fifth Element (1997) Milla Jovovich and Bruce Willis CR: Columbia Pictures

     ¿O acaso nunca se han preguntado qué son esos bichos que el personaje rastafario y racialmente ofensivo saca del tren de aterrizaje del avión? ¿O qué es esa mascota en el escritorio de Zorg? ¿O a qué raza pertenece la diva Plavalaguna (interpretada por la actriz Maïwenn, a quien seguro recuerdan como la damisela en desgracia Alex en El despertar del miedo [Aja, 2003], voz de Inva Mula Tchako)? ¿O se han dado cuenta de que el Mal es uno de los villanos más chafas en la historia del cine y que cuando asume la identidad de Mr. Shadow es aún peor? ¿O han notado que en realidad Zorg no es tan relevante para la trama? ¿O de que Ruby Rhod (Chris Tucker en un papel que originalmente fue pensado para el artista antes conocido como Prince) realmente parece no encajar con el resto?

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    Y sin embargo…  la película es genial. De alguna forma, Besson logra que este atiborramiento de elementos funcione en lo que él mismo denominaba “La guerra de las galaxias, pero en LSD”. O sea, podríamos llamarle Viaje Ácido del Héroe. Creo que gran parte de por qué funciona está en el tono. La cinta está a un paso de volverse autoconsciente y en general tiene un tono cómico que funciona muy bien. Digo, después de todo, Bruce Willis empezó como comediante antes de volverse héroe de acción. Incluso una de las escenas más memorables de la película es aquélla en la que Plavalaguna canta el “remix” de Il dolce suono de la ópera Lucia di Lamermmor… es decir, El quinto elemento se burla de que es una Space Opera, haciendo una escena de ópera en el espacio literalmente.

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    Las actuaciones son buenas. Bruce Willis es divertido en una versión light de John McClane; Jovovich actúa bastante bien cuando no tiene que hablar o cuando usa un idioma inventado por Besson ‒de hecho, en ese legendario manuscrito de 400 páginas el director galo incluyó un diccionario con el cual entender los idiomas alienígenas‒ y, sabiamente, Besson dejó las escenas explicativas y los textos densos en manos de los británicos ‒por cierto que fue un escándalo y una indignación para la crítica francesa que la película se filmara en inglés, porque a un francés hablarle en inglés es peor que mentarle la madre‒. Y Ruby Rhod es una caricatura viviente, pero muy divertida.

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    Por supuesto, el más grande acierto de la película, y por lo que creo que trasciende a la legión de cintas parecidas que existen, es el diseño de arte. La peli es simplemente espectacular, se trata de un abigarrado festín visual de principio a fin con una gran influencia del Art Decó que en todo momento nos da algo para ver en la pantalla. Los vestuarios fueron diseñados por Jean Paul Gaultier ‒es interesante que en su versión de la ropa del futuro casi todo es de plástico‒ y algunos otros elementos, como las armaduras de los policías, por Moebius. En general, muchos de los objetos de la vida cotidiana que se muestran en la película, como automóviles, cigarrillos, teléfonos, etc. Son una especie de “parodia evolutiva” de los objetos que tenemos en la actualidad.

    Del mismo modo, la fotografía es apabullante ‒por cierto que en conmemoración del 20° aniversario, la película fue lanzada en formato 4KUltra HD y se ve increíble‒ y verdaderamente contribuye con la narrativa. Ésta es fresca y orgánica, y hay algunas secuencias geniales en las que Besson logra armar una especie de diálogo entre dos situaciones contrastantes. La fotografía está llena de tomas propositivas, como el hecho de que casi siempre que Zorg está en pantalla, su silueta está enmarcada en un círculo, mientras que la de Korben está enmarcada en figuras cuadradas o rectangulares, esto para crear contraste. Es extraño, pero funciona muy bien. La edición también está bastante bien lograda.

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    Los efectos especiales eran la punta de lanza en su época; pero la verdad es que han envejecido. Al menos el CGI sí se ve un poco anticuado ya y un tanto disparejo, porque algunas cosas, como los escenarios virtuales o las tomas panorámicas de la Nueva York futurista lucen bastante bien aún; pero otras, como el planeta oscuro, las tomas en el espacio exterior o los autos voladores, ya se ven bastante obsoletas. Los mangalores, que son animatrónicos, se siguen viendo muy muy bien y la secuencia que me impresionó desde la primera vez que vi la peli, en la que Zorg hace la demostración del arma ZF-1 que durante el demo mode es CGI y cuando Oldman la toma en su mano ya es un prop, me sigue dejando con la boca abierta.

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    Otra cosa que me encanta de esta peli es el soundtrack. La ecléctica música compuesta por Eric Serra, colaborador frecuente de Besson, guía al espectador a través de distintas épocas y ayuda a construir atmósferas y definir el carácter de las distintas especies que actúan en esta ópera. El CD con la música de la peli sigue siendo uno de los consentidos de mi fonoteca.

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    En su tono más bien chabacano, la película está plagada de referencias a las fuentes de las que bebe. El puesto volador de ramen es un obvio guiño a Blade Runner; la kipá que usa David es una extraña referencia a Devo; la mayor Iceborg (Julie T. Wallace) por supuesto que es una parodia de la princesa Leia; Baby Ray (Ian Beckett) parece sacado de alguna escena de El Fantasma del Paraíso (DePalma, 1975); y el épico grito “Yeah!” de David que es sofocado por Ruby es una ingeniosa burla al grito final de Flash Gordon, del cual se burlaron también en Ted (McFarlane, 2012).

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    El quinto elemento no es una cinta de ciencia ficción; sino como su tía ricachona, La guerra de las galaxias, una película de fantasía que reinterpreta muchas fuentes diferentes, la mayoría de las cuales se encuentran en la literatura antigua y en los seriales cinematográficos de mediados del siglo XX. Eso sí, a diferencia de la obra de Lucas, la de Besson abandona un poco el tono romántico para entregarse casi de lleno al melodrama de acción con elementos cómicos.

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    Y también, es chistoso como la película predijo algunas cosas que son cotidianas en nuestros días, como las fotomultas vehiculares, los puntos en las licencias de conducir, los espacios extremadamente reducidos para vivir en las grandes ciudades o los drones limpiadores.

PARA LA TRIVIA: Cuando el compositor Eric Serra le mostró a la soprano Inva Mula, quien hace la voz de Plavalaguna, la partitura para el aria que debía cantar, ella la miró, sonrió y le rebatió que algunas de las notas que estaban ahí no eran humanamente posibles de alcanzar porque la colocación de la voz para cambiar de un registro a otro no es tan rápida. La solución fue grabar a Mula cantando las notas por separado y mezclarlas digitalmente en la postproducción.

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DEPREDADOR. El cazador intergaláctico cumple 30 años.

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DEPREDADOR

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John McTiernan, 1987

 

Existen curiosos casos en la historia del cine de Hollywood de películas que tienen absolutamente todos los elementos necesarios para fracasar y aun así se convierten en grandes éxitos. Películas por las que nadie apostaría ni un chicle y que terminan convirtiéndose en clásicos. Incluso, películas cuya producción se vio sumergida en una mar de problemas e incluso se creyó que nunca serían terminadas y, a pesar de todo, lograron salir victoriosas y hasta ingresar en el Olimpo de Hollywood. Ése fue el caso de Depredador.

    La trama, que quizá peca de simple y que toma cierta influencia de la película de bajo presupuesto Llegan sin avisar (Clark, 1980) y del gran clásico de 1932 El malvado Zaroff (Pichel y Shoedsack), narra la historia de un escuadrón del Ejército de EE.UU. enviado en una misión secreta a rescatar a un diplomático secuestrado por un grupo guerrillero en la jungla centroamericana. Sin embargo, al llegar al lugar, el equipo cae presa de un cazador extraterrestre, quien tiene la habilidad de camuflarse perfectamente con el entorno y va matando a los soldados uno a uno para convertirlos en trofeos.

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    Creo que el mayor acierto de esta película es precisamente que se trata de una cinta que bien pudo haberse convertido en una más del montón, que nadie esperaba que hicieran en grande; y sin embargo, mucha gente puso muchísimo empeño en ella y convirtió lo que bien se pudo haber quedado como una producción de Serie B en un clásico de la década de 1980 que marcaría el camino para tanta otras películas por venir.

    El guión no es particularmente brillante; pero toma la base de una película de acción cualquiera e introduce elementos de Ciencia Ficción, de comedia e incluso de horror. Todo integrado magistralmente en una cinta que lo mantiene a uno al borde del asiento. Es una montaña rusa.

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    Además, algo que me encanta de esta peli es el desarrollo de los personajes. La cinta se toma bastante tiempo ‒el planteamiento dura prácticamente 40 minutos‒ en presentar a este pintoresco grupo de personajes encantadores y desarrollar relaciones significativas entre ellos. De tal suerte, cuando son asesinados a uno le pesa, porque no querías que se murieran.

     Es muy interesante, porque todos los personajes son más o menos importantes y, sin duda, todos son interesantes y simpáticos a su modo, así que la duda sobre quién sobrevivirá hasta el final se mantiene durante toda la cinta. Quiero decir, uno sabe que Schwarzenegger se va a salvar; pero la selección del resto de los personajes no es tan obvia.

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    Las actuaciones están más o menos… Es decir, nadie esperaba que Arnold Scwarzenegger o su amigo, el exluchador y exgobernador del Estado de Minnesota, Jesse Ventura, actuaran; pero se defienden bastante bien apareciendo como ellos mismos en pantalla. Los que sí actúan, y de paso lo hacen bastante bien, son el guionista Shane Black en el papel del nerdo Hawkins, quien cuenta malos chistes improvisados por el propio actor; Bill Duke, quien hubiera actuado antes al lado de Arnold en la seminal Comando (Lester, 1985); y Carl Weathers, a quien seguro recuerdan por su papel de Apollo Creed en Rocky (Avildsen, 1976).

    Originalmente, la película sería dirigida por Geoff Murphy y contaba con un presupuesto mucho menor. El Depredador original era una especie de lagartija bípeda con ciertos rasgos como de crustáceo interpretado por un desconocido artista marcial de origen belga llamado Jean Claude Van Damme, quien después fue despedido por la producción porque era demasiado bajito. El alienígena original se veía bastante bien en el diseño en papel y en forma de maqueta; pero que en la práctica resultó irrealizable. A pesar de que Boss Film Studio, la compañía de efectos especiales que fabricaría al depredador y que fue elegida por el estudio por el bajo costo de su trabajo, les advirtió a los realizadores que éste sería problemático, decidieron mandarlo construir de todos modos.[1]

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    El principal problema de la botarga construida por Boss Film fue que no permitía que el actor dentro de ella se parara sobre sus propios pies. Tenía que valerse de zancos y un sistema de cables y arneses para colgarlo de un riel por encima de su cabeza. Y si la película se hubiera filmado en la comodidad de un estudio, no hubiera habido problema… ¡Pero se filmó prácticamente en su totalidad en locación en Chiapas, México! Lo que hizo que los realizadores tuvieran que prescindir de cables, arneses y rieles. El resultado en pantalla fue tan poco satisfactorio que McTiernan envió el metraje que había filmado con el Depredador a los productores, comentándoles lo poco satisfecho que estaba con el resultado y éstos le dieron la razón. La producción tuvo que parar.

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    Por suerte, el productor Joel Silver vio el potencial de la película y autorizó la liberación de más presupuesto para terminarla, pero ¿qué harían con el Depredador defectuoso? La producción decidió volver a la mesa de dibujo e iniciar desde cero con un nuevo diseño. Scwarzenegger recomendó a su amigo Stan Winston, con quien trabajara en El exterminador (Cameron, 1984), para realizar al nuevo monstruo. Así pues, Winston recibió una llamada prácticamente de emergencia para pedirle, casi como un favor, que saliera al quite… en poco tiempo y con poco dinero.

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    Hasta este momento, la película se llamaba Hunter. Fue con el nuevo diseño de la criatura que su título cambió por Predator.

    Para ese momento, el Stan Winston Studio estaba trabajando en El escuadrón anti-monstruos (Dekker, 1987), una película de alto presupuesto sobre la que se tenían muchas más expectativas que sobre Depredador. Winston dividió a su equipo en dos. La parte más grande trabajaría en El escuadrón…, mientras que la menor, con cierto recelo, fue comisionada para diseñar, esculpir, moldear, fabricar, armar y probar la botarga para Depredador… en 6 semanas.

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    Me parece que el principal elemento que salva a esta película de ser una más del montón es precisamente el diseño del Depredador. Winston tomó como principal inspiración el cuadro de un guerrero rastafario que colgaba de la pared en la oficina de Joel Silver. Según cuenta la anécdota, Winston se dirigía a Japón para dar una conferencia sobre Aliens: el regreso (Cameron, 1986) e iba sentado junto a James Cameron. El director canadiense vio lo que Winston boceteaba durante el vuelo y le comentó que nunca había visto en una película una criatura con mandíbulas [de cangrejo].[2]

    El alienígena que finalmente aparece en pantalla y que fue interpretado por “el actor menos famoso más famoso de Hollywood”, Kevin Peter Hall ‒quien, con sus 2.20m de estatura interpretó a Pie Grande en la ramplona comedia familiar Harry y los Henderson (Dear, 1987) e, irónicamente, también interpretó al cazador extraterrestre en Llegan sin avisar‒, es un cazador que posee una ventaja tecnológica sobre su presa; pero aun así no pierde su aspecto tribal y primitivo y, mucho menos, su honor.

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    Hall, quien interpretara al Depredador y por sus características físicas pasó casi toda su carrera haciendo papeles de monstruo o extraterrestre, hace un breve cameo sin máscara como piloto de un helicóptero hacia el final de la película. Durante la filmación en Palenque, el actor sufrió numerosas picaduras de alacrán y mordeduras de serpiente que no pasaron a más gracias a que el grueso traje del Depredador lo protegió. El actor juró no volver a interpretar al personaje. Sin embargo, en 1990 regresó para la secuela, Depredador 2 (Hopkins), ambientada y filmada en Los Angeles.

    Los sonidos y la voz del cazador alienígena fueron hechos por el actor Peter Cullen, quien se inspirara en el sonido que hacen los cangrejos bayoneta (cazuelitas de mar en México) cuando los voltean patas arriba. Cullen originalmente había rechazado el rol, pues se lastimó la garganta años atrás haciendo el rugido de King Kong para la versión de 1976; pero aceptó después de ver un dibujo del personaje.

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    Y por cierto, la sangre del Depredador iba a ser originalmente naranja; pero en las pruebas de cámara resultó poco convincente. Así, se cambió a la sangre verde que fue creada mezclando el contenido de varitas luminiscentes con el lubricante sexual KY-Jelly (que también se usó para volver baboso al Xenomorfo de Alien, el octavo pasajero [Scott, 1979]).

    Así como el diseño de la criatura está de diez, los efectos visuales también fueron sorprendentes y se merecieron una nominación al Oscar. En una época en la que los efectos por computadora eran prácticamente un sueño, el camuflaje óptico del Depredador se consiguió gracias a la combinación de una serie de ingeniosos trucos fotográficos. Del mismo modo y con la ayuda de una cámara térmica, se logró crear la visión térmica que el Depredador utiliza para cazar ‒la cual, de hecho, es sospechosamente parecida a la visión de los licántropos en Wolfen (Waldleigh, 1981)‒.

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    El soundtrack compuesto por Alan Silvestri ‒quien también compusiera el memorable tema de Volver al futuro (Zameckis, 1985)‒ es simple y salvaje, y mezcla ritmos tribales con una instrumentación sinfónica que crean un ambiente épico y selvático que nos mete de lleno en la acción. El tema principal de Depredador es uno de los más icónicos del cine de Ciencia Ficción.

    Del mismo modo, la fotografía es muy buena. No sólo logra crear un ambiente claustrofóbico y oscuro; sino que convierte a la jungla en un personaje más que hace al público sentirse acechado y apoya a la narración convirtiendo a los personajes de cazadores en presas de manera gradual. La narrativa visual es genial, y los diferentes emplazamientos y movimientos de cámara van contando la historia de forma ágil y orgánica.

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    Sí, Depredador no es una joya del Séptimo Arte y quien busque en ella algo más que entretenimiento merecerá la decepción. El crítico Gene Siskel la desechó como una una mezcla de Rambo (Kotcheff, 1982) y Aliens, aunque le gustó el planteamiento de la criatura; mientras que su compañero, Roger Ebert, la alabó como una “pura película de acción del verano”. Y eso es justo lo que es: una película entretenida y no puede negarse lo que dice la crítica Emma Westwood sobre ella, calificándola como “Adrenaline-pumping fun”[3] (divertida y bombea adrenalina); además de que con la cantidad de violencia y sangre que aparece en pantalla, se puede decir que es una reliquia de un tipo de cine que ya no existe.

    Creo que 30 años como referente en la cultura popular, dos secuelas, un crossover con sus respectivas secuelas, varios videojuegos, incontables series de cómics y otras tantas líneas de figuras de acción han demostrado que Depredador trascendió el ser un éxito de verano del que nadie se acuerda al año siguiente. Tanto que uno hasta se hace de la vista gorda con que el jabalí que aparece en la película se ve más falso que un billete de dos pesos o que todo el numerito de un comando de siete muy machos masacra a un ejército completo sin recibir un rasguño es de una inverosimilitud que haría sonrojar al peor episodio de ¡Combate! (1962-1967).

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    Para el próximo año está planeado el estreno de un reboot de la franquicia Depredador conocido como The Predator, que ha sido escrito y dirigido por Shane Black. Así es, el nerdo Hawkins regresa a la saga; pero ahora detrás de las cámaras y, aunque no soy muy afecto a los reboots, creo que éste merece una oportunidad. También se ha confirmado el regreso de Gary Busey, quien interpretara a Peter Keyes en Depredador 2. Sólo que no la vayan a hacer clasificación PG-13 porque ya valió madres, pregúntenle a RoboCop (Padilha, 2014). Si me preguntan, a mí me gustaría ver una película de Depredador ambientada en el Viejo Oeste.

    Por cierto, ¿alguien ha oído hablar de Escuadrón anti-monstruos últimamente?

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PARA LA TRIVIA: En su conocido afán de intentar vender juguetes para niños basados en películas para adultos, Twentieth Century Fox comisionó a la legendaria compañía juguetera Kenner para que creara una línea de figuras de acción basada en Depredador. Luego de descartar muchas ideas y producir varios prototipos, la colección fue cancelada. Sin embargo, fue rescatada y expandida en 1993 como contraparte de la serie de figuras de Aliens (1992-1998).

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[1] DUNCAN, Jody. The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio. Titan Books. Londres, 2006. P.100

[2] Idem.

[3] WESTWOOD, Emma, Monster Movies, Pocket Essentials, Londres, 2008. P.156