DUNAS

Dune

 

David Lynch, 1984

Existen varias versiones de esta película, pero las más populares son el corte original para cine, con 137 minutos de duración y la Edición Extendida, que es una reedición del corte para televisión transmitido en 1988 con 177 minutos. En esta edición, el nombre de Lynch fue retirado de los créditos y sustituido con el recurso Alan Smithee[1]. Las diferencias son sustanciales. Además de los 40 minutos extra de escenas reinsertadas y recicladas, la edición extendida incluye un prólogo de imágenes fijas narrado por José Ferrer, además de muchos monólogos en voz en off que no están presentes en la edición original. Este artículo se enfoca en la Edición Extendida.

En 1965 la revista de Ciencia Ficción Analog publicó en dos partes la novela Dune del autor estadounidense Frank Herbert. Mezcla de thriller político, panfleto ecológico, Space Opera y novela de Ciencia Ficción dura, gozó de suma popularidad y fue publicada en formato de libro. Desde entonces, la novela se ha convertido en un referente obligado del Sci-Fi, ha generado varias secuelas, precuelas, una película y su línea de figuras de acción alusiva, dos miniseries para televisión, juegos de mesa, varios videojuegos (Dune II [Westwood Studios, 1992] es la base de los videojuegos de estrategia en tiempo real) y, próximamente, una nueva adaptación cinematográfica de la mano del director Denis Villeneuve.

    La película relata, en forma más que atropellada, la historia del joven Paul Atreides (Kyle MacLachlan), noble heredero del planeta Caladan, quien junto con su familia se muda al planeta desértico Arrakis –llamado Dune por los nativos–. Dune es el único planeta del Imperio del que puede extraerse la especia conocida como Melange, que es indispensable para viajar por el espacio. Sin embargo, la casa rival de los Atreides, los Harkonnen, invade Dune y derroca al gobierno del duque Leto Atreides (Jürgen Prochnov), dejando a Paul desamparado. Paul, quien podría ser el mítico Kwisatz Haderach (un súper ser logrado a través de la manipulación de los linajes familiares por la hermandad de monjas Bene Gesserit), liderará la rebelión de los fremen, habitantes nativos de Dune, contra la usurpación Harkonnen.

    El proyecto para adaptar Dune a la pantalla grande surgió en 1971, cuando el productor Arthut P. Jacobs aseguró los derechos de la novela; pero falleció antes de poder empezar a desarrollar el proyecto.

    Más tarde, en 1974 Jean-Paul Gibon consiguió los derechos para el timador profesional Alejandro Jodorowsky, quien pretendía dirigir la película desde años atrás, y el productor Michel Seydoux. La cinta contaría con el diseño de arte de Moebius, Chris Fross y un novel H.R. Giger; y se esperaba que al elenco se integraran personalidades como Orson Welles, Salvador Dalí, Mick Jagger y David Carradine, así como que parte de la música fuera compuesta por Pink Floyd.

    Tras cinco años de trabajo y un montón de puertas que se cerraban unas tras otras, la película se proyectaba como demasiado costosa y las casas productoras temían la falta de atractivo comercial de Jodorowski, por lo que el proyecto fue cancelado.

    En 1976, los derechos fueron comprados por el productor italiano Dino De Laurentiis, quien encargó a Frank Herbert que escribiera un nuevo guión en 1978, mismo que resultó demasiado largo para el gusto del productor. En 1979 De Laurentiis entonces comisionó al escritor Rudy Wurtlitzer para escribir una tercera versión del guión, que sería dirigida por Ridley Scott.

    El director británico estaba emocionado con el proyecto, pues le permitiría expandir lo que había logrado con Alien, el octavo pasajero (1979). De hecho, la primera vez que el guión de Blade Runner (Scott, 1982) llegó a manos de Scott, éste lo rechazó, pues prefería dedicarse a Dune. Sin embargo, Scott encontró sendas dificultades para adaptar el guión, mismo que reescribió dos tres veces –su idea era dividir la novela en dos películas–. Tales dificultades, aunadas a las limitaciones de presupuesto y del estudio, y a sus propios problemas personales –la depresión que le ocasionó la muerte de su hermano mayor–, derivaron en que decidiera abandonar la empresa.

    En 1981 los derechos de Dune estaban por expirar. De Laurentiis, teniendo la idea de filmar una trilogía que fuera una especie de Star Wars (Lucas, 1977) para adultos, renegoció el contrato con Herbert y, para asegurarse de que el escritor aceptara, ofreció comprar los derechos para filmar también las secuelas. Impresionada por el trabajo de David Lynch en El hombre elefante (1980), Raffaella de Laurentiis, productora hija de Dino, contrató al director para dirigir y escribir la película.

    Lynch nunca leyó la novela de Herbert ni conocía la historia o tenía interés alguno por la ciencia ficción; pero aceptó de todos modos. El director escribió siete tratamientos del guión hasta llegar a la versión definitiva de 135 páginas, que empezaría a filmarse primavera de 1983.

    La película fue filmada enteramente en México con un presupuesto de 40 millones de dólares y una producción que, entre fotografía principal y fotografía de efectos especiales, se extendió durante un año. Se construyeron 80 sets en los Estudios Churubusco de la Ciudad de México para las tomas en interiores, mientras que las escenas en la superficie de Dune fueron filmadas en locación en los Médanos de Samalayuca, Chihuahua.

    El resultado fue un corte de casi cinco horas de duración que tuvo que ser recortado drásticamente e incluso algunas escenas fueron regrabadas para agilizar la narrativa. Fue idea de Dino y Raffaella incluir los infames monólogos en off que sobreexplican a los personajes y sus acciones. Lynch no tuvo derecho a participar en el corte final de la cinta.

    La película fue estrenada el 14 de diciembre de 1984 en los EE.UU. y apenas alcanzó a acumular poco más de 6 millones de dólares en su fin de semana de estreno y 30 millones en su corrida inicial en todo el mundo, convirtiéndola en un estrepitoso fracaso de taquilla. La cinta fue además vapuleada por la crítica y, en la actualidad, el mismo Lynch evita hablar sobre la cinta en entrevistas, refiriéndose a ella como un error.

    El crítico de cine Gene Siskel la llamó “la mayor decepción del año”, “físicamente fea”, que presentaba “algunos efectos especiales baratos… sorprendentemente baratos”[2] y “una asquerosidad ininteligible”. Del mismo modo, Roger Ebert comentó: “una de las cosas más tristes es que esta película no brinda ningún tipo de entretenimiento, ni siquiera al nivel de admirar los efectos especiales o las cosas maravillosas que se supone pasan en pantalla”[3].

    Aunque argumentalmente la cinta es bastante fiel al libro, la verdad es que logra hacer de un argumento con muchísimo potencial una narración superficial y aburrida. Personalmente, me parece que el gran fallo de la película es que, debido a sus limitantes, es difícil que uno agarre la onda de qué va si no ha leído la novela, y si la leyó, entonces se da cuenta del tratamiento frívolo y poco hábil que hace del material original.

    El guión es innecesariamente confuso, rebuscado e increíblemente redundante; incluso por momentos parece que la propia película se rinde al tratar de contar una anécdota llena de personajes torpemente dibujados y que pierde el tiempo repitiendo los mismos conceptos una y otra vez cuando escenas clave de la narración están ausentes. Además, todos los diálogos y la narrativa son increíblemente poco orgánicos.

    Las actuaciones son terriblemente disparejas. Algunas están bien; por ejemplo, Kyle MacLachlan, quien empieza con un rostro suave y, conforme se convierte en un líder guerrillero, se va endureciendo sutilmente… pero que de repente le da en la torre a la progresión del personaje vomitando parlamentos tan sobreactuados que dan risa. También Kenneth McMillan, en su interpretación del barón Vladimir Harkonnen, tiene algunos momentos de genialidad; pero en general se le ve sobreactuado al punto de lo caricaturesco. Sting, con su aparente incapacidad de articular dos palabras, hace a un Feyd Rautha completamente inverosímil; y actores como Patrick Stewart o Max Von Sydow, a quienes se les nota que estaban haciendo su mayor esfuerzo a pesar de estarse peleando con el guión, y Sean Young están imperdonablemente desperdiciados.

    La dirección es… la dirección es… ¿Qué carajos es eso? Digo, se nota el trabajo de Lynch con los actores, se nota el esfuerzo que el director puso en visualizar las características culturales de cada una de las civilizaciones involucradas en el relato, se nota la mano de Lynch en el tono y el ritmo de la narración… pero también se notan las limitantes del estudio, se nota la disparidad en el trabajo de algunas escenas en comparación con otras, se notan las manotas de DeLaurentiis en varias secuencias tratando de hacer un producto comercial más accesible para el mainstream. Pero, sobre todo, se nota la incomodidad de Lynch al tratar de sacar un proyecto que no le gustaba y que se dio cuenta de ello demasiado tarde –la misma Young menciona que Lynch sentía que estaba dirigiendo “un barco hundiéndose”–. Algunas escenas están trabajadas al punto del preciosismo, mientras que en otras se nota una enorme pereza. Casi pareciera que Lynch intentó autosabotearse con la dirección de esta cinta.

    Quizá el elemento más rescatable de esta peli es el diseño de arte… que también es horriblemente disparejo. Aunque finalmente los diseños originales del proyecto de Jodorowsky no fueron utilizados, se nota que muchos de los diseños finales retomaron ideas de los artistas que los produjeron. La mano de Giger puede verse claramente en los interiores del palacio de Caladan, en los uniformes de los miembros de la CHOAM –que siempre me han parecido más adecuados para los Harkonnen–, los destiltrajes –que la idea está perrona y fueron modelados a medida para los actores, aunque poco tienen que ver con lo que se describe en los libros–, los extractores de especia y un par de exteriores en Giedi Prime; mientras que las ideas de Moebius trascienden en el diseño de casi todas las naves, particularmente las de las tropas Harkonnen. Y luego, por otro lado, hay diseños verdaderamente horribles, como el de los ornitópteros –parecen cartoncitos de leche, la verdad–, el exterior del palacio de Arrakeen, los uniformes de los sardaukar, casi toda la utilería –el Gom Jabbar da pena– o la mayoría de los exteriores de Giedi Prime.

    Algunos diseños de vestuario son geniales, como el de las monjas Bene Gesserit –la reverenda madre Gaius Hellen Mohiam (Siân Phillips) se ve increíble–, los uniformes de Rabban (Paul L. Smith) y Feyd o los trajes del Barón Harkonnen. Sin embargo, otros, como el del emperador padishah Shaddam IV (José Ferrer) o prácticamente cualquiera de los uniformes de los Atreides son increíblemente anodinos.

    La fotografía podría definirla simplemente como inadecuada. Es lastimoso ver cómo para esta película se construyeron sets verdaderamente fastuosos que, gracias a una fotografía poco hábil, desmerecen por completo –y, nuevamente con la disparidad, la mayoría de los primeros planos se ven espectaculares–. Mal iluminados, estos escenarios se ven como eso: como escenarios construidos para una película y en ningún momento parecieran lugares reales en los que habita gente –el interior de las cuevas se nota que es de cartón, por favor–. De verdad, a diferencia de muchos otros elementos de la película, no es que sean feos per se, simplemente, no supieron utilizarlos. No sólo están mal fotografiados; sino que la narrativa hace muy poco para sacarles partido. Lo más triste del asunto es que el director de fotografía fue Freddie Francis, un verdadero veterano de la cinematografía.

    La fotografía de miniaturas es extraña. Me refiero a que, en general, las miniaturas que pueden verse sobre la superficie de Dune se ven bastante bien; pero todo aquello que sucede a más de un metro del suelo se ve falso y, como ya lo dijera Siskel, feo. Del mismo modo, nunca puede verse una verdadera integración entre las tomas de efectos especiales y las tomas de acción en vivo, logrando que, lo que en principio no se veía tan mal, resulte de lo más falso en pantalla. Incluso los gusanos de arena, creaciones del artista de efectos especiales Carlo Rambaldi –creador, entre otros, de las botargas del xenomorfo en Alien, el octavo pasajero y E.T en E.T., el extraterrestre (Spielberg, 1982)–, se ven padres… mientras no haya inserts o cortes a los actores… y esa escena de Paul cabalgando al Shai-hulud está de risa loca.

    La música está bien… a secas. Los temas compuestos por la banda TOTO –quienes hacen un cameo como parte de los comandos fedaykin– y por el músico Brian Eno, no logran acoplarse a la película y, desde mi muy particular punto de vista, creo que tienen apenas un par de leit motivs interesantes, mientras que el resto apenas si es más que ruido. De hecho, pareciera como si el tema principal de la cinta estuviese repitiéndose en un loop infinito desde el inicio hasta que corren los créditos finales.

    A final de cuentas, creo que Dunas puede clasificarse como uno de los más grandes fracasos en la historia del cine y esto es una verdadera desgracia. Toda la película se siente como una oportunidad desperdiciada tras otra que, en conjunto, pudieron haber sido una de las más grandes pelis del siglo XX. Toda la cinta lo deja a uno con la inquietud de lo que pudo haber sido y, por desgracia, casi de manera invariable, lo que uno se imagina, por muy modesto que sea, suele superar a lo que finalmente se vio en pantalla. Es incluso triste ver cómo una producción en la que tanta gente puso tanto empeño y en la que la relación del director con los actores fue tan fraterna, se fue a pique.

    Amo la novela y nunca me ha gustado la película. Aun así, poseo por lo menos tres versiones en DVD y Blu-ray de esta cinta en mi videoteca. No sé por qué. Quizá espero que en alguna de esas versiones algo mejore. Quizá sólo trato de rendir homenaje a una empresa tan ambiciosa que, a la postre, resultó irrealizable. Quizá, a pesar de lo cutre de todo el asunto, en el fondo no puedo dejar de sentir que la película no está exenta de cierto atractivo. A pesar de que la miniserie de TV producida por Sci-Fi Channel (2000) está más apegada a lo escrito por Herbert, prefiero la película, nada más por la cuestión del diseño de arte.

    Y sí, por supuesto, estoy ansioso de ver la película de Dune dirigida por Dnnis Villeneuve a estrenarse el próximo año.

PARA LA TRIVIA: Las escenas de las naves Atreides y Harkonnen aterrizando en Dune fueron filmadas en el estacionamiento del Estadio Azteca por el artista de miniaturas Emilio Ruiz del Río, utilizando modelos y muñecos a escala en combinación con actores en vivo con una técnica de la vieja escuela conocida como Perspectiva Forzada.

 

 

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[1] Alan Smithee y sus variantes era el seudónimo oficial que utilizaban los directores de Hollywood cuando, tras apelar al Director’s Guild of America, decidían desligarse de alguna película que creían que podría dañar su imagen o su carrera profesional.

[2] Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=dUvn1kU31cs, la traducción es mía.

[3] Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=xa-0v4o86wo, traducción mía.

 

GUASÓN

Joker

 

Todd Phillips, 2019

Con frecuencia, uno de los grandes fallos al hacer una película de origen de algún villano es que la cinta se convierte en una apología de dicho personaje y termina humanizando al monstruo. Descubrimos que sí, que quizá sea malvado; pero que hay una razón para ello porque tuvo una infancia terrible o el mundo lo trató mal. De tal suerte, al tratar de explicar el origen de la maldad de un villano, se traiciona su esencia. En Guasón, la peli que cuenta el origen del archienemigo de Batman, a pesar de que estos elementos son factores determinantes en la construcción del personaje, no se comete tal error.

    De hecho, creo que parte de la genialidad del Guasón de Nolan/Ledger estuvo precisamente en que jamás se explicó su origen; sino que simplemente aparecía como un elemento disruptivo de la sociedad, un precursor del caos… una especie de Loki posmoderno si se quiere.

    La historia, ambientada en una Ciudad Gótica convulsionada por la desigualdad social –que en esta iteración se sobreentiende que es una analogía de Nueva York–  a finales de la década de 1970, narra la historia de Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un enfermo mental que vive en la miseria y sueña con ser comediante. La vida de Fleck, quien cohabita un diminuto apartamento con su madre enferma, no es fácil: marginado por la sociedad y maltratado por sus miembros, sufre además de una condición psiquiátrica que le provoca carcajadas incontrolables. Gracias a un infortunado evento, Fleck encontrará la válvula de escape perfecta para desahogar la frustración y el odio de su atribulada psique, influyendo de una manera impensada en la sociedad de Gótica.

   La verdad es que hace como un año, cuando se anunció esta película, me sentí francamente escéptico. Pensé que, en nuestro mercado actual, sobresaturado de películas de superhéroes, ésta sería sólo una más del montón; una visión frívola y superficial de un personaje popular que simplemente quería subirse al tren del mame… digo, mi referente de películas de supervillanos era Escuadrón Suicida (Ayer, 2016).

    Sin embargo, conforme fui viendo avances de la cinta, comencé a interesarme por ella y, ahora que finalmente pude verla, me siento gratamente sorprendido, por no decir sobrecogido.

    Quizá el primer elemento que salta a la vista en esta película es la actuación. Joaquin Phoenix en su papel del Príncipe Payaso del Crimen está simplemente fenomenal. La interpretación de Phoenix, quien desde siempre me ha asombrado con su trabajo, es algo que debe verse. Me parece muy interesante el que el actor agarra por los cuernos a un personaje cuyo background tiene tanto en común con él y nos entrega la que, a la fecha, es la interpretación más realista del personaje. El Guasón de Phoenix bebe de muchas fuentes, tanto reales como ficticias; pero, sobre todo, me gustó que la base sobre la cual parece haber construido la risa del personaje es la interpretación de Mark Hamill –quien sigue siendo mi Guasón favorito–. Además, Phoenix observó a la risa de pacientes psiquiátricos para darle verosimilitud a dicho elemento. Sutilmente, Phoenix nos lleva por el descenso del personaje en un estudio de carácter que compone un retrato sórdido y oscuro, un viaje del que sabemos que no hay retorno en el que la máscara del monstruo que intentó vivir entre los humanos se resquebraja cada vez más hasta desvelar su verdadera naturaleza.

    Cuando en este blog hablé sobre Escuadrón Suicida, recuerdo haber mencionado que el planteamiento del personaje del Guasón estaba mal, pues necesitaba forzosamente de la deformidad física para darle un anclaje. Phoenix me ha demostrado que estaba equivocado. No es que Jared Leto sea mal actor en absoluto –su calidad histriónica es inconstante, en todo caso–, es que todo en aquella película estaba mal. Empero, el obstáculo que el Joker de Leto no pudo librar, Phoenix lo convierte en el escalón para elevar el personaje y termina echándose un tète a tète con Robert DeNiro.

    En realidad, las actuaciones de todos están muy bien pero, por supuesto, sobresale la de Phoenix.

    El guión también es muy bueno y para el tratamiento de la historia retoma la narrativa y temas tanto de la novela naturalista como elementos del Teatro de la Crueldad. La descomposición social de la Ciudad Gótica mostrada en la película no sólo es un reflejo del estado de ánimo del personaje principal; sino que está basada en el colapso de la Ciudad de Nueva York a mediados del siglo XX, que sufrió una huelga de recolectores de basura en 1968, una huelga del Departamento de Policía en 1971 y gran cantidad de manifestaciones violentas, motines y disturbios, particularmente en las zonas de Harlem y El Barrio a finales de los 60.

    Por momentos, la película parece una mezcla de Taxi Driver (Scorsese, 1976), su principal influencia y a la que se la pasa haciendo referencias y Watchmen: los vigilantes (Snyder, 2009), porque las escenas de trifulcas con música popular de época son una apuesta segura.

    Por supuesto, la crítica y el discurso social de la película son súper importantes; pero hay un elemento clave que no se debe pasar de largo: SPOILER Arthur Fleck ya estaba desequilibrado antes de que la sociedad lo volviera un paria. En la cinta no es la sociedad quien crea al Guasón; sino que se trata del caldo de cultivo en el cual un criminal como él puede prosperar y gozar de la indulgencia e incluso de la idolatría de la ciudadanía. TERMINA SPOILER

    La fotografía es excelente y se vuelve también una exteriorización del conflicto interno del personaje central –otro, un monstruo que trata de aferrarse a su ilusión de humanidad–, creando una atmósfera de sordidez y soledad que resalta los claroscuros, texturas y relieves de una ciudad desconchada y una sociedad que se cae a pedazos. La narrativa visual utiliza muchos primeros planos intentando exponer la psicología del personaje y toma prestados muchos elementos del cine europeo “de arte”.

    Muchos críticos acusan a la cinta de apropiarse de elementos del “Cine de Autor”; pero creo que esto es un oxímoron… quiero decir, si hay un canon predefinido de la estética del Cine de Autor, entonces ya no sería De Autor, ¿cierto?

    Del mismo modo, la música ambiental crea una atmósfera rica y desoladora que apoya a la narración. Por momentos, toma como leit motiv la canción Send in the Clowns, que se vuelve una especie de irónico tema de la película. Otro tema de Sinatra también incluido es That’s Life, que no sólo sirve como contrapunto, sino que incluso da título al ficticio programa de TV de Murray Franklin (DeNiro). Se agradece que la peli no cayera en la obviedad de usar Vesti la Giubba… aunque yo sí me quedé con la espinita de que sonara Everybody Loves a Clown.

   La cinta tiene algunos fallos y huecos argumentales, claro. SPOILERS Por principio de cuentas, está el planteamiento cronológico que, independientemente de la calidad de la serie, fue lo que me alejó de ver Gotham (2014-2019): si el Guasón tiene más de 30 años cuando Bruce Wayne (Dante Pereira-Olson) es un niño… ¿eso no significaría que en realidad Batman se dedica a partirle la madre a un hombre mayor? Y cuando Fleck mata a tiros a los yuppies que lo molestan en el Metro ¿cuántas balas tenía el revólver? Y me pareció francamente barato el montaje en el que se explica que la relación de Fleck con su vecina era una simple alucinación TERMINAN SPOILERS. Sin embargo, me parece que estos elementos son una peccata minuta en el conjunto de una película que, por lo demás, está muy bien lograda.

    En los últimos días, mientras escribía este texto, me he paseado por otros blogs y críticas que se han dedicado a denostar la película. Los autores de estos textos parece que quieren jugar a El traje nuevo del emperador y, en la mesiánica superioridad intelectual que demuestra automáticamente quien nada contra corriente, tratan de forzarnos a descubrir la estafa que es esta cinta. “Película de superhéroes disfrazada de cine de autor” o “[película] pretenciosa que no logra trascender el cine basado en cómics” son algunos de los epítetos que me he encontrado. Que Joaquin Phoenix “está sobreactuado y no puede interpretar más que a Joaquin Phoenix”, que “no pude sentir empatía por nadie en esta película”, que “el personaje es unidimensional” son algunos de los argumentos –a mi parecer, falaces– con los que, buscando hasta debajo de las piedras, los críticos de la red que han superado el estado ovino del resto de los cinéfilos mortales han intentado descalificar a la película.

    Perdón, colegas, pero si el Guasón no está sobreactuado, entonces francamente no sé qué personaje sea; el personaje es un personaje tipo, sí, pero no por eso debe carecer de profundidad; y usted está viendo un drama, no un melodrama, por lo que no es necesario que sienta empatía por nadie, y si me equivoco, que venga O’Neill y me desmienta. Finalmente, si usted esperaba sentirse identificado con el Guasón más allá del individuo de clase baja oprimido por la oligarquía o si, de hecho, lo logró, por favor, busque ayuda psicológica.

    Por cierto, la propuesta de Phoenix desde un principio fue crear un personaje con el que el público no pudiera identificarse o sentir empatía.

    Empero, la que creo que se llevó las palmas fue una crítica de un portal de internet, cuyo nombre recuerda a famosa novela de Gustav Meyrink, que contenía esta joya:

Es difícil que alguien que sólo consume historias de superhéroes identifique los errores de Joker. Existe esta obsesión de la cultura geek por validar todos sus productos como algo elevado y maduro. En el caso de los cómics es todavía más doloroso el intento …

    Y luego preguntan que por qué nadie nos quiere. ¿Por qué la saña? ¿A qué tanta tirria? ¿Por qué las injurias a mansalva? ¿Por qué les causa tanto ardor a los consumidores de cine erudito esta película? ¿Es acaso que lastima su orgullo que una cinta basada en un cómic –lo cual, según parece, la vuelve inherentemente inferior– tenga la osadía de escalar la torre de marfil? ¿O es que quizá se sintieron decepcionados de que ésta no fuera una peli de superhéroes de ésas que Disney/Pixar/Marvel/LucasFilm/Fox hace con troquel para poder tirarle mierda a gusto?

    A final de cuentas, la película creo que sí logra trascender la manufactura tradicional del cine de superhéroes, tan sobreexplotado en estos días. Es un producto comercial destinado a ser consumido por las masas, por supuesto, pero nunca he creído que el cine “comercial” esté exento de tratar temas profundos y trascendentes de la condición humana y creo que esta cinta me da la razón. A mí me pareció que se trata de una buena película, no sólo una de las mejores películas basadas en comics, sino probablemente una de las mejores cintas de la década. Pero lo más importante: cuando comienzan a aparecer los créditos finales, uno se queda con ganas de ver más.

    Y, por cierto, gracias por evitar el uso del CGI.

PARA LA TRIVIA: El maquillaje del Guasón está inspirado en el de John Wayne Gacy, prolífico asesino serial estadounidense durante la década de los 60, que iba a los hospitales vestido como payaso a divertir a los niños con el nombre artístico de Pogo. El club en el que Arthur Fleck va a hacer su rutina de stand-up se llama Pogo’s.

 

 

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MIDSOMMAR: EL TERROR NO ESPERA LA NOCHE

Midsommar

 

Ari Aster, 2019

El Folk Terror es un subgénero del cine de terror en el que las historias se ambientan específicamente en zonas rurales con comunidades cerradas, y están rodeadas de leyendas y tradiciones paganas. El ritmo suele ser lento y el conflicto surge de la oposición de valores de gente citadina, con su ciencia y tecnología, contra los valores, creencias y supersticiones de la gente del campo. Su efecto se basa más en el terror que en el horror. Una de las principales exponentes del género –y a mi gusto, una de las mejores películas de terror del siglo XX– es El hombre de mimbre (Hardy, 1973).

    A este subgénero se adscribe Midsommar, la nueva película del director de Hereditary, Ari Aster.

    La película cuenta la historia de Dani (Florence Pugh) quien, tras perder a su familia de forma trágica, se suma a la invitación de uno de los amigos de su novio Christian (Jack Reynor), un estudiante de antropología, para pasar el verano en una comuna sueca y presenciar el festival del Midsommar. La impresión que causan en los visitantes las inusuales costumbres de la esotérica comunidad será nada comparada con el terror y la angustia que vendrá cuando, uno a uno, éstos vayan desapareciendo bajo la luz de un mediodía que parece no tener fin.

    La cinta, que ha causado revuelo entre el público y la crítica, es muy diferente a las historias de miedo que se han mostrado en la pantalla grande en los últimos años y es, sin duda, una bocanada de aire fresco para el género tras la sobresaturación de pelis de terror sobrenatural que se ha dado durante esta década.

    El guión es bueno y está lleno de sutilezas, ambigüedades y esos pequeños detalles que quizá uno deja pasar; pero que, si los analiza al final, se dará cuenta de que tejían una línea argumental macabra desde un inicio y que todo está conectado. De hecho, el destino de casi todos los personajes les es anunciado desde escenas anteriores. SPOILER Por ejemplo, me encantó la secuencia en la que, al día siguiente de que desaparezca Simon (Archie Madekwe), la comuna prepara pies de carne… y la película no explica absolutamente nada al respecto, dando oportunidad al público para inferir y sacar sus propias conclusiones. Del mismo modo, cuando Josh (William Jackson Harper) es atacado por tomar fotografías del Rubi Radr, en una primera impresión parece que es Mark (Will Poulter), drogado de algún modo, quien lo golpea, sin embargo, después se puede inferir que se trata de Ulf (Henrik Norlén) usando la piel del rostro de Mark como máscara, lo que además se conecta con la escena a la llegada a la comuna en la que los niños juegan a un juego llamado “Desuella al tonto”. TERMINA SPOILER.

    Muchos de los rituales y de los asesinatos perpetrados en la película están inspirados por ritos vikingos o pasajes de la mitología nórdica.

    Tanto la dirección como las actuaciones son geniales. La columna vertebral del relato son las relaciones humanas y sus dificultades, y las actuaciones están dirigidas a hacer énfasis en este punto –en el corte del director hay toda una subtrama en la que se puede advertir que la relación entre Dani y Christian es aún más tóxica de lo que parece–. Cada personaje está tratado con una profundidad psicológica digna de un drama chejoviano y las interpretaciones de todos los actores son verosímiles y llenas de matices, aun cuando algunos personajes tienen menor complejidad que otros.

    No sólo la película está ambientada en Suecia, sino que la narrativa, que está muy bien lograda, retoma influencias del cine sueco. El ritmo es completamente parsimonioso y se toma el tiempo necesario para crear una atmósfera inquietante y perturbadora a plena luz del día. El suspenso y el terror que se van construyendo lentamente contribuyen a que los pocos momentos de horror que efectivamente se muestran en la cinta sean mucho más contundentes.

    La fotografía también es muy buena y sorprende cómo logra crear un relato de terror con una ausencia casi completa de escenas nocturnas. Casi puede sentirse la angustiosa y recalcitrante resolana quemando la piel, lo cual refleja la sensación interna de desasosiego de los personajes en pantalla.

    Puedo decir que realmente disfruté de esta película. Irónicamente, me pareció que su principal fortaleza es, al mismo tiempo, su más grande debilidad: es demasiado parecida a El hombre de mimbre. De tal suerte, si uno ya vio la obra de Hardy –que es considerada el prototipo de las películas de Folk Terror– ésta le parecerá en extremo predecible… incluso sentí que si la película no terminaba como ya estaba yo anticipando que terminaría me sentiría muy decepcionado. De hecho, creo que esta cinta es un remake de El hombre de mimbre mucho mejor logrado que el verdadero remake de El hombre de mimbre, aquella inmunda película con Nicholas Cage que en nuestro país se tituló Culto siniestro (LaBute, 2006)–sí, la de las abejas, jajaja–.

    Esta cinta es, sin duda aluna, una película de autor en la que su director hace gala de una obsesiva atención a los detalles y merecerá más de un visionado. Alrededor de media hora de la peli fue eliminada para su corte final, pero ya se prepara una edición del director para formatos caseros y plataformas de streaming.

    Midsommar es una buena película y es una gran cinta de terror, probablemente de lo mejor que se haya hecho en el género en lo que va del siglo; aunque me queda perfectamente claro que podría no ser para todos los gustos. Aquí no hay sustos baratos ni los consabidos clichés del género aplicados casi con receta. La recomiendo si lo que buscan es algo diferente y fresco, y verdaderamente me lamento de que su corrida por la cartelera haya sido tan breve.

    Sólo como nota: esta película posee un tono grotesco tan ácido que el público se siente indeciso entre reír o llorar… que es más o menos la emoción que durante casi toda la película posee la pareja protagónica.

PARA LA TRIVIA: A pesar de que la película está ambientada en Suecia, la mayor parte se filmó en Hungría. Del mismo modo, de los personajes estadounidenses sólo un actor proviene de los EE.UU., el resto son británicos.

 

 

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