EL HORROR DE AMITYVILLE

The Amityville Horror

Stuart Rosenberg, 1979

Siempre reconoceré a La mansión de los espectros (Wise, 1963), que es además una de mis cintas favoritas, como la madre de las películas de casas embrujadas. Sin embargo, también reconozco que El horror de Amityville es la película que definiría las cintas de casas embrujadas (uso el término de forma general, lo más correcto sería decir que la mansión de Amityville es una casa maldita) en las décadas por venir.

    Esta peli está basada en la novela homónima de Jay Anson, publicada en 1977. A su vez, la novela está basada en el supuesto caso real de la familia Lutz, quienes tuvieron que huir de su casa a medianoche apenas un mes después de comprarla. Anson se basó en entrevistas audiograbadas con los Lutz. Este caso, que ha sido constantemente desestimado como un engaño, fue ampliamente documentado por los investigadores de lo paranormal Lorraine y Ed Warren, de quienes se presentó otro caso en las películas de El conjuro (Wan, 2013 y 2016).

    Se cuenta la historia de la familia integrada por Kathy (la otrora Lois Lane, Margot Kidder) y George Lutz (James Brolin) y sus tres hijos, quienes compraron una mansión en Long Island donde un horrible asesinato había ocurrido un año atrás: El hijo mayor de una próspera familia asesinó a sangre fría a sus padres y hermanos, alegando que un demonio le obligó a hacerlo —este hecho sí sucedió y está perfectamente documentado—. Los Lutz no pueden resistirse a la ganga y compran la casa en la que, según va progresando la película, nos damos cuenta de que serán sólo inquilinos.

    Esta cinta sigue la premisa planteada anteriormente por El exorcista  (Friedkin, 1973) y retomada por Pesadilla diabólica (otra gran peli de casas embrujadas, Curtis, 1976) y La profecía (Donner, 1976): Que aun en la segunda mitad del siglo XX, con toda su ciencia y su tecnología, hay cosas que el hombre no puede explicar y que el Mal, como tal, como una fuerza primigenia que es parte de todos y que, a su vez, se alimenta de nosotros y que nos puede consumir por completo, existe.

    Gran parte del éxito de esta película recae en que nunca se muestra a la entidad demoniaca que posee la casa, sino que varias tomas sugerentes y la vista lateral de la casa, que parece un rostro, la dotan de una personalidad y una presencia, volviéndola un personaje más.

    Creo que Amityville funciona de un modo muy similar a como lo hacen El exorcista y la edición original de El bebé de Rosemary (Polanski, 1968): Nunca se muestra al demonio en sí, sino las consecuencias de su influencia en las personas. A pesar de lo cual, aclaro, la película no tiene empacho en mostrar escenas de terror sobrenatural –que en algunos casos están maravillosamente bien logradas–, como aquélla en la que un enjambre de moscas ataca al padre Delaney (Rod Steiger); que se no sólo es inquietante de por sí, sino que se vuelve verdaderamente aterradora por tratarse de moscas reales (en el remake usaron CGI).

    Y hablando del personaje del cura, ése es otro punto interesante. Parte del subtexto de la película parece ser que George Lutz sufre las consecuencias de haberse cambiado de religión; pues se entiende que antes de casarse era judío. O sea, que aceptar un nuevo credo le implicó aceptar también sus demonios. A final de cuentas, hay también una línea argumental en la película que habla sobre la lucha de la Iglesia Católica Romana contra el Diablo.

    Algo que es más curioso aún es que este discurso no está presente en el libro y fue retirado casi por completo del remake de 2005, por lo que podría pensarse que esta puesta al día sería una versión mucho más cínica. Pero la verdad es que éste es uno de esos casos en los que la versión contemporánea resulta ser mucho más fresa que la original de treinta años atrás.

    El guión deja algunos huecos y francamente no es muy bueno… pero el material de origen en el que está basado tampoco lo es. No sólo se ha comprobado casi indiscutiblemente que la historia de los Lutz fue un fraude, sino que la anécdota se vuelve poco interesante al poco tiempo y no sabe si seguir la línea del drama familiar o de la peli de terror con sustos baratos.

     Las actuaciones de Kidder y Brolin están bastante disparejas, aunque de hecho, hasta logran ponerle algo de carnita a personajes unidimensionales y sosos –lo que es fiel al texto original, pues así me parecieron en la novela–. Pero el que sí no tiene madre es Steiner, quien está sobreactuando absolutamente todas sus escenas.

     Lo que sí es muy interesante es la fotografía, que utiliza una narrativa poco convencional y tomas propositivas… el problema es que, faltándole profundidad a todo el guión, a la larga estas tomas terminan sólo viéndose pretenciosas.

    El horror de Amityville tuvo un enorme éxito en la taquilla y rápidamente se convirtió en una franquicia que ha perdurado hasta nuestros días. Sin embargo, aunque tiene algunas secuencias bastante bien logradas, la verdad es que creo que es uno de los casos en los que la fama y el éxito de la cinta se deben más a la publicidad que a la calidad inherente de ésta.

PARA LA TRIVIA: En la vida real, James Brolin se hizo un gran amigo del verdadero George Lutz y su familia. A pesar de todo, Brolin sigue dudando que la historia sobre la mansión de Amityville sea cierta.

 

 

 

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LA MÁSCARA

The Mask

 

Chuck Russell, 1994

En 1991 la editorial independiente Dark Horse Comics publicó la miniserie titulada The Mask, que seguía las aventuras de un antihéroe llamado Big Head, que anteriormente había aparecido en el número 10 del comic Dark Horse Presents (1987) con el nombre de Masque.  El cómic, en un tono entre la comedia negra y el splatter, narra la historia de varios individuos –en el primer arco argumental se trata de Stanley Ipkiss y, tras el asesinato de éste a manos de su novia, el Tte. Kellaway– que entran en contacto con una misteriosa máscara de origen desconocido adquirida en una tienda de antigüedades –en el comic, la apariencia de ciha más cara está inspirada en la Máscara de Jade de Pakal–. La máscara otorga a su portador habilidades sobrehumanas que parecerían tomadas de los más alocados dibujos animados; pero también lo convierte en un asesino psicópata sediento de sangre y ambos personajes se convierten en vigilantes dispuestos a causar caos, destrucción y sangrientas matanzas para detener los actos que ellos, fundada o infundadamente, consideran injusticias.

    Como puede advertirse, el tono del comic es muy diferente al de la película, además de que incluía cantidad de violencia gráfica. Su propuesta era un poco mostrar consecuencias reales de la violencia de los dibujos animados. En la peli, el personaje de Stanley Ipkiss es un perdedor torpe, adorable y soñador; mientras que, en el comic, Ipkiss es un perdedor resentido social que tiene una relación tóxica con su novia, es bastante vengativo –en un número asesina brutalmente a su maestra de primaria– y desarrolla ideas fascistoides después de obtener los poderes de la Máscara.

    La idea original para la película era hacer una adaptación mucho más fiel al comic; pero la propuesta cambió cuando Jim Carrey confirmó su participación en el proyecto, pues los productores decidieron hacer de la película una plataforma para impulsar la carrera del actor en las comedias adolescentes.

    De tal suerte, la película cuenta la historia del tímido Stanley Ipkiss (Jim Carrey), un atolondrado empleado bancario poco asertivo y bonachón, a quien todos usan como tapete. Cierta noche, Ipkiss encuentra una misteriosa máscara que, al ponérsela, le brinda poderes fantásticos parecidos a los de los personajes de los dibujos animados que tanto admira. Stanley usará dichos poderes para conquistar a la chica de sus sueños, la hermosa Tina Carlyle (Cameron Diaz en su debut cinematográfico luego de dejar el modelaje), y de paso lo pondrán en la mira de la policía y de la mafia local.

    Por supuesto, gran parte del éxito de la película se debe a la interpretación de Jim Carrey, quien aceptó el papel porque le gustó el hecho de que, al igual que él, Stanley Ipkiss era un fan de los dibujos animados clásicos. El trabajo del comediante trasciende y puede verse su entrenamiento actoral, así como musical y dancístico.

    Si uno ha leído el comic, pronto advertirá que sólo Carrey habría sido capaz de sacar ese personaje: el actor copia muchos de los gestos de su contraparte bidimensional, y utiliza el maquillaje prostético –que tomaba cuatro horas aplicar– completamente a su favor. De hecho, la dentadura prostética de la Máscara fue ideada para usarse sólo en las escenas en las que el personaje no tenía parlamentos, sin embargo, Carrey aprendió a hablar con ella para usarla el mayor tiempo posible en pantalla.

    También fue un alivio inesperado para la producción el que muchas de las tomas que se había planeado resolver con efectos digitales pudieron ser interpretadas en vivo gracias a las pantomimas del canadiense. Tanto Carrey como Diaz hicieron sus propios bailes en la famosa secuencia del club Coco Bongo. Asimismo, fue el Carrey quien cantó y bailó en la escena en la que la policía está a punto de arrestar a la Máscara y éste se zafa con el número musical de Cuban Pete. Los productores odiaban dicha escena, pues decían que era innecesariamente larga y no aportaba nada a la trama; pero en las proyecciones de prueba al público le gustó tanto que decidieron dejarla en la peli.

    Y qué bueno que redujeron el número de los efectos visuales en CGI, porque la verdad es que éstos han envejecido mal. En su época, estos efectos, producidos en su mayoría por Industrial Light & Magic, eran la punta de la tecnología, pero la verdad es que en nuestros días ya no se ven tan bien. Empero, esto para nada impide disfrutar de la película.

     La cinta tiene dos secuencias que fueron eliminadas del corte final. La primera era un prólogo de lo más chafa en el que se veía a un grupo de vikingos deshacerse de la máscara maldita de Loki en una playa del Nuevo Mundo en un estilo que parece una mala copia de Monty Python. La segunda era la muerte de la reportera Peggy Brandt (la siempre genial Amy Yasbeck, a quien seguro recuerdan por películas como Mi pobre diablillo [Dugan, 1990], Las locas, locas aventuras de Robin Hood  [Brooks, 1993] o Drácula: muerto pero feliz [Brooks, 1995]), quien es lanzada por Donovan Tyrell (Peter Green) a la imprenta de un periódico, misma que imprime la noticia de la muerte con su propia sangre. La oscura secuencia fue eliminada de la cinta para poder utilizar al personaje de Peggy en una posible secuela. Hasta principios de la década pasada, se sabía de la existencia de ambas escenas únicamente a través de la adaptación en comic publicada por Dark Horse; posteriormente,  fueron incluidas como material extra en el DVD de la película.

    Toda la estética de la película fue orientada hacia el Art Decó de los años 30 y 40, y el sounctrack está compuesto por música pop y house con una fuerte influencia del swing y el mambo. A mediados de la década de los 90 en EE.UU. la música swing y los clubes que la tocaban volvieron a ponerse de moda, creando toda una subcultura –que permanece hasta nuestros días– y esta cinta logró sacar partido de ella. El sounctrack incluye temas de Xscape, Tony! Toni! Toné!, Vanessa Williams y Royal Crown Revue.

    A pesar de que la edición se nota un tanto atropellada en varios cortes duros, la narrativa de la película es interesante y conforma un relato dinámico que nunca deja caer el ritmo. La historia se cuenta bien y en ningún momento se vuelve aburrida.

    La fotografía también es interesante y está llena de esas tomas doraditas que son tan características de las películas de los 90, así como llamativos claroscuros en las secuencias de Dorian Tyrell. Hay además muchas escenas, particularmente nocturnas, en las que la iluminación se vuelve casi expresionista con el uso de colores y sombras caprichosas.

    A pesar de que la película se aleja mucho de la fuente original que adapta, se trata de una gran cinta que se convirtió en un referente obligado en la cultura pop de la década de 1990, lanzó a Jim Carrey al estrellato y presentó a Cameron Diaz al mundo. Casi inmediatamente, los productores comenzaron a planear una secuela; pero ésta se pospuso debido a la rotunda negativa de Carrey de volver a interpretar al personaje. La infame secuela, La Máscara 2: el hijo de la Máscara (Guterman, 2005), llegaría más de diez años después, ya sin Carrey, y no sólo fue un estrepitoso fracaso de taquilla (en su fin de semana de estreno tan sólo recaudó 7.7 millones de dólares de los 84 que costó), sino que es considerada una de las peores comedias de la historia.

      El legado de la cinta incluye además una serie de dibujos animados y un videojuego alusivo a ésta para Super Nintendo, bastante decentes los dos, en los que se combinan elementos de la película con algunos del comic. Está además el cortometraje Revenge of the Mask (Kawas, 2018), que es una adaptación muchísimo más apegada al comic.

    Personalmente, amo esta cinta.

  Por cierto, me ataqué de risa ante la indignación popular en contra de Mike Richardson, co-creador del personaje, cuando declaró que le gustaría hacer un reboot cinematográfico del personaje en el que la Máscara fuera mujer. Y me ataqué de risa porque esa posibilidad se planteó en el comic desde un inicio. Por breves momentos, Kathy, la novia de Stanley Ipkiss, usa la Máscara y lo asesina de un disparo en la espalda para quitarle el objeto mágico.

PARA LA TRIVIA: El traje amarillo de pachuco usado por la Máscara está inspirado en un traje que le confeccionó la mamá de Jim Carrey a éste cuando se iniciaba en el Stand-Up a principios de los 80.

 

 

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STREET FIGHTER: LA BATALLA FINAL

Street Fighter

Steven E. De Souza, 1994

¿Por qué será que todas, pero absolutamente todas las películas basadas en videojuegos son malas? Bueno, bueno, Resident Evil 2: Apocalipsis (Witt, 2004) tiene sus momentos, está bien, y la verdad es que Silent Hill (Gans, 2006) se defiende; pero por regla general las películas de Live-Action (o como les llamo yo: Cosplay con presupuesto) basadas en videojuegos son malas como películas y como adaptaciones. De hecho, precisamente la saga de Resident Evil ha sido la única en romper la maldición: Nunca antes de ella se había completado una trilogía de películas basadas en un juego de video.

    Y aunque hoy día es algo más o menos común, a mediados de los noventa el adaptar historias del entretenimiento electrónico a la pantalla grande era un terreno apenas experimental. Para esos momentos sólo teníamos la infumable película de Double Dragon (Yukich, 1994) y la vomitiva cinta de Super Mario Bros. (Jankel y Morton, 1993). Bueno, y si quieren tomarla en cuenta, el especial de dibujos animados de Pac-Man (1982).

    Así pues, cuando la chaviza de aquellos años nos enteramos de que iban a sacar la película de Street Fighter, se nos cayeron los calzones de la emoción. Para aquellos años, no había nada más genial que Street Fighter II: The World Warrior (Capcom, 1991)… Bueno, sí, Mortal Kombat (Midway Games, 1992); pero por eso Capcom lanzó la actualización Super Street Fighter II: The New Challengers (Capcom, 1993) que fue en la que —dizque— se basaron para hacer la película.

    Entonces, la historia de la peli, que a veces de manera fortuita coincide con la del videojuego, va así: El dictador en ascenso general M. Bison (lo que quedaba del genial Raul Julia, que es el único que medio hace el intento de actuar aquí) ha tomado el poder del ficticio país de Shadaloo (traducción fonética del japonés Shadowlaw), una península en el sudeste asiático —en el videojuego es una isla, ya empezamos mal— y ha secuestrado a un grupo de visitadores de las Naciones Aliadas (ficcionalización que mezcla la ONU con la OTAN). Para detenerlo antes de que mate a los rehenes, las NA envían al Cnel. William Guile (interpretado por el exartista marcial y exdrogadicto Jean Claude Van Damme) y a un grupo de soldados a su cargo. Guile tiene cuentas pendientes que saldar con Bison y en el camino se hará de poderosos aliados como la reportera (WTF?) Chun-Li Zang (Ming-Na Wen) o los peleadores callejeros y pseudotraficantes de armas Ryu Hoshi (cuyo nombre se empeñan en pronunciar “Raiu”, no sé por qué, interpretado por Byron Mann) y Ken Masters (Damian Chapa), y enemigos temibles como Victor Sagat (Wes Studi) o el lerdo Zangief (quizá el único personaje más o menos bien caracterizado de la peli, interpretado por el genial Andrew Bryniarski, a quien la fama le llegó ya tarde gracias a su actuación como Leatherface en el remake de La masacre de Texas [Nispel, 2004]).

    Incluso cuando vi la película por primera vez, a mis tiernos nueve añitos, me di cuenta de que algo estaba mal. Por desgracia, conforme la he vuelto a ver a medida que he ido creciendo, me he dado cuenta de que todo en esta película está mal. Pero iré por partes.

    Por principio de cuentas, se tomaron tantas libertades con la historia que ésta dejó de parecerse a la original del videojuego. ¿Por qué Guile es el personaje principal? ¿Si Guile es gringo por qué tiene ese marcadísimo acento francés? ¿Por qué Vega (Jay Tavare) es feo? ¿Por qué E. Honda (Peter Navy Tuiasosopo) es hawaiano? ¿Por qué Chun-Li es reportera? ¿Por qué Balrog (Grand L. Bush), que en el videojuego era uno de los Señores de Shadaloo, está en el equipo de los buenos? ¿Por qué dicen que esa madre que sale en la película es Blanka (Robert Mammone)? ¿Por qué Sagat está fláccido? ¿Por qué hay tantos balazos? ¿Por qué alguien hizo esta maldita película? ¿Por qué?

    Las actuaciones de todos, de absolutamente todos, son pésimas. Es… no sé qué epíteto usar, “sobrecogedor” supongo, ver la interpretación de Raul Julia en ésta, su última película. El pobre se ve muy enfermo, cansado y por momentos no puede evitar soltar una mirada de “¿Qué carajos estoy haciendo aquí?”; pero sobre todo, se ve mucho muy lejos de aquel Julia que se hiciera legendario gracias a su interpretación de Homero (Gomez) Addams, apenas cuatro años atrás. Y, aun con todo eso es la mejor (o quizá la única) actuación de toda la cinta. Julia parodia con su interpretación los manierismos y ademanes de personajes como Hitler y Musolini.

    Y hablando de las actuaciones, quizá el único punto bueno de esta película fue que dio a conocer a la hermosa y talentosa (como cantante) Kylie Minogue fuera de su natal Australia. Interpretando a la británica Cammy (y eso me hizo recordar el chiste que hace Dr. House sobre los australianos y los británicos), y aunque en Australia ya había aparecido en varias telenovelas, me alegra que la Minogue sea toda una diva del pop, porque como actriz apesta. ¿Por qué tiene que jadear para decir todos sus parlamentos? ¿Está en una película porno? ¿Acaso es Stevie, el amigo de Malcolm?

    Al final de cuentas, el guión de la cinta termina siendo un desmadre que mordió más de lo que podía masticar. Hay demasiadas líneas argumentales, demasiados personajes y demasiados elementos, y nada logra cuajar al final. Personajes como T.Hawk (Gregg Rainwater) —que por cierto, aunque peleaba en nombre de México en el videojuego, no era mexicano; sino un nativo americano despojado de sus tierras y obligado a huir a nuestro país— o Dhalsim (Roshan Seth) están completamente de más… ¡Y todavía se ponen a introducir personajes inventados como el Cp. Sawada (Kenya Sawada). Por cierto, Fei Long, el peleador de Hong Kong, no aparece en esta película por cuestiones de derechos de autor, pues era un tributo a/ fusil de Bruce Lee. De hecho, según dice una leyenda urbana, el personaje de Sawada originalmente iba a ser Fei Long, pero los realizadores tuvieron que cambiarlo de última hora por temor a demandas por parte de la viuda de Lee.

    Entre los aciertos de la peli, que sí tiene unos cuantos, debo mencionar que en las coreografías sí se preocuparon porque más o menos los actores imitaran los estilos de pelea y algunos agarres y movimientos especiales del videojuego (vamos, Cammy hace ese agarre con las piernas tan suyo y Honda sí hace el hand slap). Por desgracia, no sé qué pasó que los realizadores también terminan viéndose tímidos con esto y algunos poderes como el Hadoken de Ryu o el Shoryuken de Ken se ven de lo más chafa. Y lo peor: ¡Le dan una explicación científica a los poderes de Bison! ¿Para qué? ¡En el juego el tipo tiene poderes psíquicos, no un traje que manipula los campos electromagnéticos!

    El otro acierto de la película, hay que reconocérselos, tiene dos, es que sí hay muchos guiños al videojuego en los escenarios que se ven en pantalla. Claro, lo ideal hubiera sido que intentaran recrear los escenarios del videojuego; pero bueno, por lo menos sí podemos ver el enrejado del escenario Vega, la estatua de Buda en el escenario de Sagat, la campana en el escenario de Bison, el mural del tsunami en el escenario de E. Honda y… y… y, bueno, creo que eso sería todo. ¡Ah, sí! Y el tablero de la arcadia de Super Street Fighter II: The New Challengers en la consola de mando de Bison.

    Claro que también pudieron esforzarse un poco porque no se notara que las paredes de roca de la guarida de Bison estaban hechas de cartón. Por cierto, en los aposentos privados de Bison se pueden ver muchos muebles hechos con huesos humanos, que aunque están padres, botan un poco; esto es porque la mayoría de ese mobiliario (incluido ese impresionante candelabro de huesos humanos) se construyó para La masacre de Texas 2 (Hooper, 1986).

    Así pues, quizá ésta sea la peor película basada en videojuegos… Bueno, no, se echa un tête-a-tête con Super Mario Bros. (Yankel y Morton, 1993)… o con Mortal Kombat: La aniquilación (Leonetti, 1997) … Y la verdad es que las de Resident Evil son horrendas después de la tercera… Y las de Tomb Raider… ¿A quién engaño? ¡Las películas de live action basadas en videojuegos son todas espantosas! Street Fighter: La batalla final sobresale de entre las demás porque es aún peor que el promedio y porque en su época no eran tan comunes; pero la situación no parece haber mejorado en veinte años.

    Por si todo lo anterior fuera poco, ésta no sólo es una de las peores películas basadas en videojuegos; ¡sino uno de los peores videojuegos basados en películas! Y es que para promocionar la cinta, Capcom decidió lanzar el videojuego para arcadia Street Fighter: The Movie (1995). Este juego utilizaba fotogramas digitalizados de los actores de la película (como Mortal Kombat) en vestuarios ridículos y tenía uno de los peores gameplay que se recuerde en la historia de los videojuegos. A la plantilla de peleadores del videojuego original se restaron Blanka, Fei Long y Dhalsim, y se agregó al Cp. Sawada y a  Blade (un soldado de las tropas de Bison) de la peli, y una cosa chistosísima que decía ahí que era Akuma… Todo de pena ajena.

PARA LA TRIVIA: Como reacción ante el bodrio que fue esta cinta, Capcom de Japón decidió producir un largometraje de animación (anime, para los entendidos) basado en Super Street Fighter II. Esta película es infinitamente superior a su contraparte norteamericana —y no sólo porque muestra un desnudo de Chun-Li—, pero ninguna distribuidora quiso exhibirla en cines en América. Durante las negociaciones por traer la cinta a nuestro continente, mucho se rumoró que el anime de Street Fighter sí aparecería en cines en México; pero a la hora de la hora, Videovisa se echó para atrás. ¿El resultado? En los tiempos del VHS, Street Fighter: The Animated Movie fue la película más pirateada en la historia de nuestro país.

PARA EL CHISME: Según lo reveló años más tarde en una entrevista, Van Damme se encontraba completamente drogado durante la mayor parte del tiempo de la filmación en Tailandia, además de que sostuvo una relación extramarital con la Minogue.

 

 

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VIERNES 13: EL CAPÍTULO FINAL

Friday the 13th: The Final Chapter

 

Joseph Zito, 1984

Tan inmortal como el maniático Jason Voorhees, quien regresa en cada entrega de la saga de maneras cada vez más absurdas, parece ser la propia franquicia cinematográfica de Viernes 13, cuyas películas solían estrenarse a razón de una por año durante la década de los 80. Y no es difícil entender por qué: con apenas poco más de 2 millones y medio de dólares de presupuesto, esta película, que involuntariamente utilizó como truco publicitario el anunciar que sería la última de la serie, recaudó más de 11 millones de dólares en su fin de semana de estreno y más de 32 millones alrededor del mundo en su corrida original en cines.

    La película inicia justo donde se quedó la anterior –es decir, en realidad la película iniciaría en domingo 15 y termina en martes 17 y, si uno saca cuentas, Viernes 13 partes II, III y el capítulo final, suceden en el transcurso de 5 días…–, cuando el asesino psicópata y deforme Jason Voorhees (Ted White) es encontrado ahorcado en un granero cercano al Campamento Crystal Lake. El cuerpo de Jason es llevado a la morgue, donde despierta, pues no se encontraba muerto en realidad. Jason regresa a Crystal Lake, donde cazará uno por uno a un grupo de universitarios vacacionistas y a la familia del pequeño Tommy (Corey Feldman, a quien seguro recuerdan por su papel de Mouth en Los Goonies [Donner, 1985]), un niño aficionado a los monstruos con habilidades para hacer máscaras y utilería.

    Hacia mediados de la década de 1980 la popularidad de las películas slasher iba a la baja… o al menos, eso se creía antes de que Pesadilla en la calle del Infierno (Craven, 1984) viniera a renovar el subgénero. A pesar de ser un rotundo éxito con el público adolescente, la franquicia de Viernes 13 no era motivo de orgullo para Paramount Pictures, quienes distribuían las películas que eran constante blanco de ataques por parte de la crítica, la prensa especializada, y las asociaciones religiosas y de padres de familia. Del mismo modo, el productor Frank Mancuso Jr., quien se integrara a la producción de la saga a partir de la segunda parte, sentía que nadie lo respetaba al interior de Paramount, empresa de la cual su padre, Frank Mancuso Sr., era el CEO. Así pues, Mancuso Jr. buscando desligarse de la franquicia para emprender nuevos proyectos, planteó a Paramount la idea de hacer una película de Viernes 13 que concluyera oficialmente con la saga. Paramount estuvo completamente de acuerdo.

    La producción fue problemática desde un inicio, debido por una parte a las restricciones del ínfimo presupuesto y, por otra, a los malos tratos del director Joseph Zito en el set.

    Para ahorrar presupuesto, Zito fue contratado como director y escritor, a pesar de que él mismo se negó inicialmente argumentando que no era guionista. Cuando los productores comentaron que le pagarían el doble por realizar ambas funciones, Zito aceptó de inmediato, usando parte de su doble sueldo para contratar al guionista Barney Cohen en secreto, quien sería su escritor fantasma.

    El ambiente en el set era por demás tenso, pues muchos de los actores, debido a las limitantes de presupuesto, fueron obligados a realizar sus propios stunts. Según testimonios, el joven actor Corey Feldman sufría de serios problemas de actitud en el set que llegaban a hacer la filmación de sus escenas francamente insoportable. También según testimonios, esta rebeldía por parte de Feldman era su respuesta en contra de la falta de tacto con la que Zito lo dirigía. SPOILER Años más tarde, en una entrevista, Feldman revelaría que en la escena en la que ataca brutalmente a Jason con un machete, el niño imaginó que estaba atacando a Zito para llegar a la emoción. TERMINA SPOILER

    El veterano doble de acción Ted White –quien fuera el actor de mayor edad en interpretar a Jason con sus 58 años– desarrolló una mutua antipatía por Feldman y una abierta enemistad con Zito, con quien se enfrentaría continuamente cuando éste exigía a los actores que realizaran peligrosas escenas de riesgo en condiciones terribles. Al terminar la producción, White quedó tan molesto con el resultado que pidió a los productores que retiraran su nombre de los créditos.

    El guión es francamente idiota y, como muchas de las películas slasher, le hace a uno preguntarse sobre la inteligencia de los personajes en pantalla… y en este caso creo que les hago un favor al llamarlos “personajes”, pues están apenas dibujados y su desarrollo es bastante inconsecuente. La idea original de introducir a la familia Jarvis era poder profundizar un poco más en el drama; pero eso se pierde casi por completo conforme la cinta avanza. Al final, se trata de una sucesión de situaciones estúpidas que dejan de tener sentido por momentos y en las que los elementos que se plantearon en un inicio se vuelven intrascendentes.

    ¿Y por qué parece que todos sienten la compulsión de arrojarse a través de las ventanas? Hasta el perro lo hace…

    Originalmente, Tommy sería un niño superdotado con habilidad para construir  intrincadas máquinas; pero decidieron cambiarlo por el niño que hace máscaras de monstruos como un homenaje al artista de efectos especiales Tom Savini, quien diseñó al primer Jason en Viernes 13 parte II (Miner, 1981) y quiso regresar en la última película de la franquicia para darle un cierre al aspecto del personaje. A final de cuentas, ninguna de las dos propuestas realmente contribuye a la trama.

    Incluso el personaje de la Sra. Jarvis (Joan Freeman), mamá de Tommy y Trish (Kimberly Beck), desaparece a media película sin explicación alguna. Se infiere que fue asesinada por Jason; pero esto no se confirma sino hasta Viernes 13 Parte VI: Jason vive (McLoughlin, 1986). Empero, la escena sí se filmó, mas fue dejada fuera del corte final de la película. Lo mismo sucedió con el epílogo original; una secuencia de sueño –porque todas las películas de Viernes 13 anteriores habían terminado con una secuencia de sueño– en la que Trish encuentra el cadáver de su madre en la tina del baño.

    Viernes 13: el capítulo final fue, en su momento, la película más sangrienta de la saga, llena de mutilaciones que difícilmente serían superadas por entradas posteriores de la franquicia. Es también la cinta de la franquicia que incluye una mayor cantidad de escenas de desnudos, aunque pasa casi media hora antes de que veamos el primero. Me pregunto si las escenas de porno vintage son un chiste local o una autoparodia.

    A pesar de que las escenas de asesinatos están bien logradas, el maquillaje “cotidiano” es terrible. Parece que quien maquilló a los actores se limitó a aplicarles plastas de corrector alrededor de los ojos y en los primeros planos se ven como si se hubieran dejado los lentes de sol en la playa.

    De hecho, en toda la película trasciende la pobre calidad de su manufactura. No sólo las actuaciones son malas, sino que los stunts están poco logrados –incluso en varias escenas se ven los cables con los que elevaron a los actores cuando Jason los agarra–, se cometen errores de clase de primer semestre de cine, como romper los ejes, y hasta las escenas de besos son poco convincentes.

    La edición es bastante torpe; pero esto tiene una explicación. Paramount planeaba estrenar la cinta en octubre; sin embargo, Mancuso mostró secuencias de la fotografía principal de la peli a Paramount en enero, quienes as recibieron con gran entusiasmo. La casa productora decidió adelantar el estreno de la cinta al mes de abril, obligando a Zito a concluir la filmación mucho antes de lo planeado y dejando a los realizadores tan solo unas semanas para completar la postproducción. Paramount rentó una casa en Malibú, California, donde prácticamente encerró a Mancuso, Zito y Cohen para que cortaran, montaran y editaran la película en jornadas de prácticamente todo el día. La productora incluso les enviaba comida a la casa, para que ellos no tuvieran que salir y pudieran seguir trabajando.

    En conclusión, Viernes 13: el capítulo final es una mala película; pero es entretenida en su mayor parte. Es también una película arriesgada para los cánones de la franquicia, pues quiso agregar elementos novedosos a la fórmula ya establecida; por ejemplo, ésta es la única cinta de la saga original –antes de que New Line Cinema comprara los derechos– en la que se ve efectivamente morir a Jason en cámara, la inclusión de un niño entre los personajes principales, el hecho de que haya dos sobrevivientes en lugar de uno o que el personaje que estaba más preparado para matar a Jason sea uno de los primeros en morir.

    A pesar del deseo de terminar con la franquicia, las enormes ganancias de esta cinta animaron a Paramount a sacar una secuela al año siguiente: Viernes 13: un nuevo comienzo (Steinmann, 1985). Por eso, cuando vi que la sexta entrega de la franquicia de Resident Evil se titulaba Resident Evil: el capítulo final (Anderson, 2016), desconfié.

    Acogida por el público y vapuleada por la crítica, Viernes 13: el capítulo final confirma lo que he pensado siempre: que la única película de la saga que más o menos vale la pena es la primera… aunque no por eso dejan de gustarme estas pinches películas, que me divierten un montón.

 

PARA LA TRIVIA: White odiaba trabajar con Feldman, a quien se refería como el niño más malcriado y odioso con el que había trabajado, por lo que buscó la forma de desquitarse. En la escena en la que Jason sujeta a Tommy a través de una ventana, White dejó pasar su cue para que el niño bajara la guardia y tomarlo desprevenido. Según Feldman, sus gritos en esa toma son reales, pues estaba auténticamente aterrado.

 

 

 

 

Viernes 13

Viernes 13 parte 2

Viernes 13 parte III

 

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ESO: CAPÍTULO 2

It Chapter Two

 

Andy Muschietti, 2019

La primera película de esta nueva adaptación de la afamada novela de Stephen King fue una sorpresa muy agradable. Con un elenco de chicos que se lucieron con sus actuaciones y su carisma en pantalla, una buena manufactura, y una interpretación soberbia del actor Bill Skarsgård como el diabólico payaso Pennywise, era una entretenida fábula sobre el miedo a la adolescencia con momentos genuinamente aterradores que, en opinión de un servidor, superaba con creces a la miniserie original para TV de 1990. Esta segunda parte francamente me ha dejado insatisfecho.

     La historia se sitúa –mayormente, porque está llena de flashbacks y elipsis– 27 años después de la primera película. Los chicos del Club de los Perdedores, ahora adultos inexplicablemente exitosos, son convocaos por su amigo Mike Hanlon (Isaiah Mustafa) para regresar al pueblo de Darry, pues el ente sobrenatural conocido únicamente como Eso –y que gusta de encarnarse en la forma del payaso Pennywise (Bill Skarsgård, de nuevo, genial– está de regreso asesinando salvajemente a los jóvenes de la localidad.

    Nunca he leído la novela de King pero, según me han contado quienes sí lo han hecho, la primera parte le era bastante fiel, mientras que esta segunda no tiene nada que ver.

    La película está bien, a secas. Es entretenida en su mayor parte pero, a diferencia de su predecesora, sí se siente excesivamente larga y hay partes en las que uno ya está esperando a que todo el desmadre termine. Supongo que tendrá que ver con la falta de una sensación real de peligro; SPOILER quiero decir, por alguna razón sientes que ninguno de los personajes principales va a morir y cuando por fin uno de ellos perece, la verdad es que uno ya está medio aburrido y le vale madres. TERMINA SPOILER

    El guión está bien; pero los elementos de comedia que en la peli original eran geniales en esta segunda se sienten fuera de lugar y, a la postre, excesivas. Las alucinaciones creadas por Pennywise, que deberían ser aterradoras, terminan recordando escenas de películas como Los Cazafantasmas (Reitman, 1984), El despertar del diablo II (Raimi, 1987) o, incluso, episodios del Especial de Noche de Brujas de Los Simpson (1989-) –sí, leñador gigante, te estoy viendo a ti… y a ti también, casa que implota–.

    Y eso tiene que ver también con los efectos especiales que son malísimos. Toda la película sufre de un exceso de CGI, que pudo haber funcionado en manos más capaces, pero que en muchas ocasiones se ve peor que gráficos de PlayStation 2. Quizá la última transformación de Pennywise es un poco más afortunada; pero, en general, los efectos dan más risa que miedo. Los efectos prácticos, que corrieron a cargo de los legendarios Alec Gillis y Tom Woodruff Jr., están muy bien; pero desmerecen al lado de sus contrapartes digitales mucho menos logradas.

    También me parece un poco chafa la forma en la que la película maneja los momentos de horror. Mientras que la primera parte creaba atmósfera, tensión y suspenso y los remataba con momentos de horror muy bien construidos, esta segunda parte recurre a los sustos baratos que lo hacen a uno saltar del asiento, luego reírse como idiota y no trascienden más allá.

    Lo que rescato de la película son las actuaciones que son, en su mayor parte, geniales. Durante los primeros dos actos, los actores logran darle a sus personajes una profundidad psicológica y un trasfondo súper interesantes, que es justo lo que esta película necesitaba para funcionar. Sin embargo, hacia el final del segundo acto, la cosa empieza a decaer y para el tercero, está completamente perdida. Después de la primera vez que oí gritar a Jessica Chastain la película perdió algo que nunca pudo recuperar. Los personajes cambian a un tono casi fársico en el que les es difícil encajar y que termina por hacerlos inverosímiles.

    Lo que debía ser la segunda parte de un díptico que funcionara como metáfora y fábula de la crisis de la edad madura termina siendo una película de aventuras con elementos de comedia y un tono que va y viene, y a la que no se le nota un rumbo claro.

    A pesar de que el mismo Stephen King refiere que la película no es una secuela, sino la segunda parte de It, la verdad es que sí se ve como una secuela y no como una película dividida en dos partes.

    SPOILER ¿Y cuál era el sentido de incluir la subtrama de Henry Bowers (Teach Grant) y su escape del hospital psiquiátrico? Realmente no aporta nada al argumento. TERMINA SPOILER

    No estoy seguro de qué fue lo que intentaron lograr con esta película. No sé si intencionalmente querían hacer una comedia, no sé si se trataba de una de tantas veces en las que la secuela de una película de terror/horror es en realidad una parodia, no sé si trataban de hacer una película de aventura con cuarentones… Lo que sí me queda claro es que ni como película de miedo o de Fantasía Oscura funciona, y como película de aventuras es apenas competente.

    No sé… supongo que el objetivo de un payaso es dar risa.

    Eso: capítulo 2 no es una mala película. Por momentos puede llegar a ser disfrutable; pero sí es bastante decepcionante si lo que uno busca es una continuación de la primera parte o una cinta de terror. Muy lejos está de aquella versión de 1990 que causó coulrofobia en toda una generación. A esto, súmesele su excesiva duración. Quiero decir, cuando una película es larga, pero está buena, uno ni lo siente; pero en este caso la verdad es que sí deja la sensación de que pudo durar muchísimo menos.

    En conclusión, la peli no es tan mala como la han hecho parecer; pero para nada es lo que me esperaba y no creo volver a verla. Las actuaciones y el casting están muy bien, y algunos personajes como Richie (Bill Hader) y Eddie (James Ransone) son geniales –de hecho, se roban la peli–, además de que me gustó la fotografía. Pero no sé si estos elementos valgan la pena invertir 2 horas y 40 minutos.

    Si quisiera ver una comedia de aventuras con sustos y CGI chafón, mejor vería Escalofríos (Letterman, 2015)… que también es bastante mala.

PARA LA TRIVIA: El actor Bill Skarsgård tiene la habilidad de mover sus ojos en direcciones diferentes de manera simultánea, por lo que realizó este truco en vivo frente a cámara para algunas de las secuencias. También lo usó para gastarle una broma a Bill Hader.

PARA LA TRIVIA GEEK: En la tienda de antigüedades que aparece en la película –en la escena del cameo de Stephen King– puede verse una placa de automóvil con el número “CBQ 241”. Éste era el número de placa del Plymouth Fury ’58 en la película Christine (Carpenter, 1983), adaptada también de una novela de King.

PARA LA TRIVIA SÚPER GEEK: En uno de los flashbacks puede verse una arcadia de Mortal Kombat (Midway Games). La película sucede 27 años después de la primera parte y, según lo dice el personaje de Richie, está situada en el año 2016. Es decir, que el flashback sucedería en 1989; sin embargo, el primer Mortal Kombat apareció en 1992.

 

 

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ÉRASE UNA VEZ EN… HOLLYWOOD

Once Upon a Time in… Hollywood

 

Quentin Tarantino, 2019

Me gusta mucho el cine de Quentin Tarantino. No sé si podría llamarme fan; francamente, hay películas como Jackie Brown: la estafa (1997) o A prueba de muerte (2007), que nomás no terminan de convencerme. Pero de que me gusta, me gusta y esta última obra del autor de Perros de reserva (1992) me ha gustado mucho. Si bien considero todo el cine de Tarantino como cine de autor, esta cinta me ha parecido un poco más personal y más introspectiva que otras.

    Ambientada en Hollywood en 1969, la película narra la historia de Rick Dalton (Leonardo DiCaprio, soberbio), una estrella de westerns venida a menos y su doble de riesgo, chofer y mejor amigo, Cliff Booth (Brad Pitt en una de las mejores interpretaciones de su carrera). En la época de decadencia que precedió a la Era de Plata de Hollywood, Dalton debe enfrentarse a su alcoholismo, al declive de su carrera profesional y a la devastadora toma de consciencia de que, simplemente, está pasando de moda. Por si fuera poco, la pareja conformada por Sharon Tate (Margot Robbie, sensacional) y Roman Polanski (Rafi Zawierucha) se acaba de mudar a la casa de al lado.

    Algo que es importante señalar de esta cinta es que no se trata de una recreación histórica, ficción histórica o una biopic; sino más bien un sentido homenaje a la industria del cine de Hollywood en el que Tarantino rinde tributo de la forma más honesta posible: a través de la parodia. Es, pues, una especie de ensayo que utiliza un complejo y maravillosamente logrado ejercicio de metacine como discurso.

    El guión tiene todos los ellos autorales del director de Knoxville: el argumento peca de simple, la narrativa es rebuscada y está lleno de situaciones inverosímiles y estrambóticas, ultraviolencia y diálogos triviales que suenan profundos y que son, en realidad, un elaborado tributo a la cultura pop.

     Algo que me pareció súper interesante es la forma en la que Tarantino aborda los géneros en esta película. Como muchas otras cintas del autor, es difícil encasillar esta obra en un solo género. Por momentos es drama, por momentos es comedia, en algún momento es terror y, a final de cuentas SPOILER manda a la goma cualquier asomo de verosimilitud o de apego por el hecho histórico que está narrando para convertirse en un melodrama en toda forma TERMINA SPOILER.

    Del mismo modo, el caprichoso periplo del western en esta cinta es un reflejo de la psique de su protagonista. En un principio, la cinta sigue la fórmula anquilosada del western de los 50; después la parodia sin remordimiento alguno para después deconstruir el género y renovarlo. En ese sentido, me pareció similar a lo que hizo Guillermo del Toro con La cumbre escarlata (2015): la cinta es una autoparodia que cojea y falla cometiendo justamente los errores de los que los personajes se burlan dentro de la ficción.

    Aunque dije arriba que la cinta no es una película histórica como tal, sí es impresionante la recreación del Hollywood de finales de los 60 que la producción logró crear evitando hasta donde fue posible el uso de CGI. Empero, siempre fiel a su propuesta, Tarantino sigue la narrativa brechtiana y nos saca de la ficción con recursos como las deliberadas y notorias inconsistencias históricas, la aparición en pantalla de las personas reales que los actores están interpretando o elementos completamente artificiales, como la caracterización de Steve McQueen (Damian Lewis) o la margarita dentro de un vaso de licuadora que nunca se mueve.

    Las actuaciones son verdaderamente impresionantes. Hace mucho tiempo que no veía a Brad Pitt actuar en alguna de sus películas; pero en ésta se luce como el cínico stunt que no sólo acompaña a Dalton en las buenas y en las malas, sino que se madrea a Bruce Lee (Mike Moh) –por cierto que la viuda de Lee no entendió lo de la parodia y demandó a Tarantino por la forma en la que representó a su esposo en pantalla–. Margot Robbie hace un muy buen trabajo con su versión de Sharon Tate, tanto que a uno casi se le olvida que la belleza y la gracia de Tate rayaban en lo sobrenatural y difícilmente podrían ser igualadas. Dato curioso: algunas de las joyas que usa Robbie en la película en verdad pertenecieron a Tate.

    Y, a pesar de que todos están muy bien, quien se roba la película es Leonardo DiCaprio. Me dejó boquiabierto; de verdad, de verdad, es algo que tiene que verse. Su interpretación llena de complejidad, matices y sutilezas alcanza su punto álgido con la meta-actuación. Las escenas en las que Dalton está en el set son increíbles. DiCaprio logra darle a su interpretación diferentes niveles, de tal forma que actúa que está actuando y, de repente, su personaje de Rick Dalton se sale del personaje de vaquero y es verdaderamente maravilloso.

    La fotografía también está muy bien y me gusta mucho cómo logra que todo se vea… no sé cómo explicarlo, supongo que diré “californiano” a falta de un mejor término.

    La música está bien y, como todos los soundtracks de Tarantino, está conformada por canciones populares de la época.

    La película no está exenta de ciertos fallos, como que la narrativa puede ser poco amigable en algunos momentos; pero, sobre todo, creo que la cinta es demasiado larga. Hay muchas secuencias de establecimiento y transiciones que se nota que están ahí con el único propósito de lucir la música y que se vuelven innecesariamente largas. A pesar de lo cual, la cinta no me pareció lenta ni aburrida.

    Y bueno, también está la cuestión de que si uno no tiene los referentes del contexto histórico de la cinta, ésta sí podría volverse aburrida… pero ése no es problema de la película.

    Érase una vez en… Hollywood resulta en una experiencia muy disfrutable. He sabido de gente que comenta que no entendió la película… y yo no entiendo qué fue lo que no entendieron. Se trata de un homenaje que rinde Tarantino, siendo el cinéfilo asiduo que siempre ha demostrado ser a través de sus películas, a una era de convulsión para el cine de Hollywood, así como para la sociedad estadounidense. Es también el retrato de dos estrellas de la industria del entretenimiento que hacen de tripas corazón para sobrellevar su propia decadencia y debacle profesional, encontrando en el cinismo y la irreverencia la tabla de náufrago que les permite convertir sus vidas en un cuento de hadas propio del spaghetti western más cursi.

    Se rumora que Tarantino actualmente trabaja en un proyecto para hacer la serie de TV Bounty Law.

PARA LA TRIVIA: En el apartamento de Rick Dalton puede verse la portada de una revista MAD con una caricatura del propio Jake Cahill. Como promoción para la película, la ahora extinta revista MAD publicó un número especial llamado Special Tarantino Time-Warp Issue, en el que se incluía una parodia de la ficticia serie de TV Bounty Law, escrita con chistes que hacían referencia a la cultura popular de los 60.

 

 

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