EL EJÉRCITO DE FRANKENSTEIN

Frankenstein’s Army

 

Richard Raaphorst, 2013

Me enteré de la existencia de esta película hace años –cuando salió, vaya- gracias a la revista Fangoria. Cuando leí el breve artículo que sobre ella presentaban, la idea me pareció genial. Luego, con el tiempo, la idea se empezó a fermentar en mi cabeza. Cada vez que compraba películas en línea me paseaba un par de veces por este Blu-Ray sin decidirme completamente a adquirirlo… digo, finalmente la objetividad de Fangoria ha quedado en entredicho en sendas ocasiones. Después de mucha desidia, me animé a comprar la película y la vi hace un par de días, y aquí les cuento cómo me fue.

    Grabada en el estilo de Found Footage que sobresaturó el cine de terror hace algunos años –francamente, si hubiera sabido/recordado que la película estaba en dicho formato, no la habría comprado–, la película cuenta la historia de un comando soviético durante el final de la Segunda Guerra Mundial, mismo que decide hacer una incursión tras las líneas enemigas en la Alemania Nazi para rescatar a otro comando perdido. Al llegar a la aldea en la que supuestamente se encuentra el comando perdido, los soldados se encuentran con que ésta ha sido convertida en un campo de pruebas por científicos que, tras descubrir el diario de Victor Frankenstein, han construido un ejército de cyborgs asesinos creados a partir de cadáveres reanimados.

    Creo que uno de los grandes problemas de las películas Found Footage es que todas siguen básicamente la misma secuencia. Si ustedes vieron Pesadilla jurásica (Bennett, 2012) o si llegaron hasta el final de la infumable Terror en Chernobyl (Parker, 2012)… pues para empezar se los aplaudo; pero más allá de eso, déjenme decirles que entonces ya vieron El ejército de Frankenstein.

    La película comenzó su preproducción a principios de la década pasada y su título era Worst Case Scenario (El peor de los escenarios o El peor de los casos). Se trató de uno de los primeros proyectos de crowd funding en las redes sociales, que ofrecía a sus patrocinadores la oportunidad de aparecer como extras en la película a cambio de sus generosos donativos.

    El proyecto, originalmente apadrinado por el legendario productor de Re-Animator (Gordon, 1985), Brian Yuzna, sería una comedia splatterstick y trataría sobre un escuadrón de soldados nazis modificados con partes biónicas que, luego de que su barco fuera hundido en la SGM, resucitarían en la actualidad sembrando el terror entre un grupo de turistas en una playa holandesa. La producción comenzó en 2004; pero debido a la falta de presupuesto y a los problemas al interior de la misma, el proyecto se vino abajo, hasta que fue abandonado definitivamente en 2009.

 

    En 2012, con una co-producción Holandesa-estadounidense-checa y un guión reescrito, el director Richard Raaphorst comenzó la filmación de El ejército de Frankenstein en locaciones en la República Checa, sintiéndose bastante inseguro sobre si el cambio de título era benéfico para el proyecto o si el numerito en general iba a funcionar.

    Pues bien, la película en sí misma es una especie de monstruo de Frankenstein, ensamblada con pedazos de otro proyecto –incluso algunos monstruos que fueron confeccionados para Worst Case Scenario fueron reciclados para esta cinta–… y sí funciona. No es una buena película ni mucho menos; pero es entretenida y creo que sí tiene un par de aspectos bastante rescatables.

    Por principio de cuentas, están los stunts. Aunque el CGI sí es utilizado para crear algunos efectos, la mayoría de las tomas se lograron a través de efectos prácticos que lucen bastante bien en pantalla. Casi todas las criaturas son creadas por actores disfrazados y, si bien la realización resulta deficiente en algunos de los casos, el resultado final es bastante eficiente. Hay algunas tomas en las que a los monstruos se les ven los cables y nunca entendí el concepto del niño-caldera –a veces siento que esta peli se toma a sí misma más en serio de lo que debería–; pero, en general, las criaturas son imaginativas.

    Otro elemento que me agradó fue la fotografía. Aunque en las películas found footage es difícil hacer una fotografía sobresaliente –incluso en algunas pelis, como ésta, estorba más de lo que apoya a la narrativa–, la propuesta de El ejército de Frankenstein funciona bien. Toda la cinta está tratada con un filtro digital que la hace parecer filmada en ese tecnicolor rudimentario de tres cintas. Para quienes no conozcan la técnica, lo explico brevemente: En la década de 1930 se desarrolló una técnica que permitía producir películas a color. Ésta consistía en filmar simultáneamente en tres cintas diferentes: una verde, una magenta y una en blanco y negro. Cuando las cintas se procesaban en el laboratorio, y tras unos ajustes de saturación, podía obtenerse una gama bastante decente de colores al superponer las imágenes de las tres cintas. Películas como El museo de cera (Curtiz, 1933) fueron filmadas con esta técnica. Sin embargo, es inverosímil que la misma se utilizara para la fotografía de campos de guerra, pues era increíblemente costosa.

    Fuera de lo anterior, la película es una acumulación de clichés y lugares comunes sin salvación. El guión y sus “personajes” no tienen el más mínimo atisbo de profundidad y, en general, son poco interesantes. Del mismo modo, la anécdota y el interés que suscita en el público se van diluyendo poco a poco desde la primera aparición de las criaturas.

    Así pues, al final El ejército de Frankenstein termina funcionando mejor como videojuego que como película. Muchas secuencias parecen sacadas directamente de algún videojuego de la saga Wolfenstein, de la cual la película parece recibir su mayor influencia –bueno, también hay un par de monstruos que parecen sacados de BioShock (2K Games, 2017)–… De hecho, ahora que lo pienso, es bastante curioso. El videojuego Wolfenstein: The New Order (Bethesda, 2014), que sirvió como reboot de la serie, apareció para consolas de Séptima Generación algo así como seis meses después del estreno de El ejército de Frankenstein. Ya sé que sólo es una coincidencia, pero igual es curioso.

    El ejército de Frankenstein está muy lejos de ser una buena película. Ni siquiera creo que sea de las mejores de Found Footage; pero es entretenida y, a pesar de lo predecible, logra mantener el interés durante sus alrededor de 80 minutos de duración. Hay algunos chistes de sátira política que funcionan bien y, sobre todo, es una muestra de cómo una película puede levantarse con empeño y amor a pesar de no tener un centavo para hacerla. A final de cuentas, empero, se siente como una buena idea desperdiciada en una película mediocre.

PARA LA TRIVIA: El director Richard Raaphorst, se mostró muy reacio a cambiar el título de Worst Case Scenario debido a que el nombre ya se había popularizado en Internet y temía que el cambio creara confusión entre los fans.

 

 

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MAC: MI AMIGO DE LAS ESTRELLAS

Mac & Me

 

Stewart Raffill, 1988

 

La utilización de películas para colocar productos en un sector específico del mercado no es, en absoluto, una estrategia nueva. El mismísimo Harland David Sanders –mejor conocido como Coronel Sanders– era bastante espléndido para producir películas de baja calidad en las que pudiera hacer cameos promocionando su pollo estilo Kentucky en la década de los 60. En los 80, cuando se vino toda la ola de series de dibujos animados que eran en realidad comerciales largos de juguetes, también hubo un montón de películas que trataban de venderle cosas a los niños.

    Así pues, Mac, mi amigo de las estrellas es un lastimoso intento de bajo presupuesto por parte de la dupla McDonald’s/ Coca-Cola para promocionar sus productos. Y no sólo es terrible, sino escalofriante.

    En la peli, una expedición no tripulada de la NASA a un planeta distante captura y envía accidentalmente a una familia de extraterrestres a la Tierra. La familia se separa y el más pequeño de ellos llega a un vecindario suburbano al que Janet Cruise (Christine Ebersole), madre divorciada, y Eric (Jade Calegory) y Michael (Jonathan Ward), sus dos hijos, acaban de mudarse. Los niños, en medio de muchas peripecias y violencia sin sentido, ayudarán a Mac, el pequeño extraterrestre, a reunirse con su familia.

    ¡Oh, por Cthulhu! ¿Pero qué rayos es esta madre? Digo, una cosa es querer piratearse E.T. el extraterrestre (Spielberg, 1982); otra distinta es querer posicionar productos en el mercado infantil… ¡Y otra totalmente diferente es querer traumatizar niños!

    Recuerdo que vi esta película alguna vez en el cable cuando estaba en segundo de primaria, creo, y me moría de miedo. De por sí el diseño de E.T. es difícil de soportar para algunas personas; pero el aspecto de los alienígenas en Mac… es aterrador. No sé si sea el hecho de que el bajo presupuesto de la película los hace verse algo tétricos, no sé si sea el tono en el que fueron filmadas sus escenas o no sé si sea el hecho de que, por alguna extraña razón, decidieron que sería buena idea que estas criaturas lucieran sospechosamente parecidas a las víctimas de la radiación de Hiroshima.

    Recuerdo también que, en ese entonces, esta película me dio pesadillas. A la fecha, esa escena de los alienígenas chiflándole al sol me sigue poniendo los pelos de punta… ¿Y por qué se comunican chiflándose entre ellos? ¿Son de Tepito? Tal vez sólo fui un niño muy sensible. Si no fuera suficiente con el aspecto perturbador de los alienígenas para traumatizarme, las escenas de ese niño en silla de ruedas cayendo por una colina –Jajaja, los memes de Heidi y Clarita– o la de un niño muriendo en la explosión de un supermercado deberían bastar.

    Y ahora que lo pienso, también hay un montón de violencia en contra del pobre Mac. Supongo que pretendían que fuera divertida, una especie de comedia de Slapstick como en Tom y Jerry; pero en vez de eso, termina siendo un conjunto de escenas truculentas sin justificación alguna contra un ser deforme que ni siquiera intenta defenderse, más en el tono de Nuestra Señora de París.

    Bueno; pero no todo en esta película es aterrador… muchas partes simplemente son inmundas. Como esa escena de la fiesta de cumpleaños en un McDonald’s en la que todos cantan y bailan improvisadamente y sin razón, pero con una coreografía perfecta… con Mac disfrazado de osito de peluche… está bien, esperen, eso también se ve tétrico. Por cierto, que la escena fue filmada en un McDonald’s en City of Industry, California, que fue construido específicamente para la grabación de comerciales y la capacitación de personal. Aunque se trataba de un restaurante completamente funcional, nunca estuvo abierto al público –por si se preguntaban por qué en los comerciales de McDonald’s todos los restaurantes se veían iguales–.

    También hay sendos momentos ridículos, como en esa misma escena del McDonald’s en la que alguien tira un vaso de refresco –­vacío, por cierto­– y todos los actores en la escena deciden ignorarlo. Por no mencionar el hecho de que en varias escenas a los papás de Mac se les ven roturas en las botargas o al mismo Mac, las rebabas y los cables con los que lo movían.

    Las “actuaciones” también son de pena ajena y hay escenas en las que parece que los actores están compitiendo para ver quién lo hace peor. Aunque, eso sí, hay que reconocer que esta película significó el debut en la pantalla grande de varios actores hoy famosos, como Jennifer Aniston –su debut con un personaje con parlamentos de verdad sería en Leprechaun, el duende maldito (Jones, 1993); pero la primera vez que la vemos en una película es aquí–, y la actriz y comediante Nikki Cox, quienes son bailarinas en el infame numerito musical de McDonald’s; o el actor Paul Rudd –a quien seguro recuerdan por su papel de Ant-Man en Ant-Man: el hombre hormiga (Reed, 2015), quien fue el doble de Calegory para la infame escena en la que lo tiran por un barranco en una silla de ruedas.

    En general, la cohesión del guión es prácticamente nula y es difícil encontrar la relación que guarda cada escena con la siguiente. A media película, uno comienza a preguntarse si todo eso que pasa en pantalla en realidad está llevando a algo.

    Debo reconocer que hay un aspecto, y sólo uno, rescatable en esta porquería: la música. El gran compositor Alan Silvestri, quien nos deleitara con soundtracks maravillosos como los de la Trilogía de Volver al futuro (Zemeckis, 1985-1990), las primeras dos cintas de Depredador o Beowulf (Zemeckis, 2007), compone la música original para Mac: mi amigo de las estrellas. Y la verdad es que le queda muy grande a la peli. Aunque no me atrevería a contar este soundtrack entre los mejores trabajos de Silvestri, sí es bastante decente. Sin embargo, durante toda la cinta da la impresión de que pertenece a otra película. Si uno se imaginara la peli a partir de escuchar el soundtrack, creería que se trata de una aventura emocionante y trepidante llena de acción… cosa que obviamente no es.

    SPOILER Y ya, lo tenía que soltar. Al final, Mac y su familia son premiados con la ciudadanía estadounidense. Así es, no con volver a su planeta; sino con ser obligados a integrarse a la sociedad gringa, vivir en los suburbios, buscar empleos, comprar un auto y pagar impuestos… Cosa que nunca nos dijeron que querían. TERMINA SPOILER

    Al final de la peli, Mac y su familia amenazan con volver. Una secuela estaba planeada para esta cinta; pero tras su estrepitoso fracaso en la taquilla fue cancelada. La película costó cerca de 13 millones de dólares –sí, aunque no se le vean por ningún lado– y recaudó apenas la módica cantidad de seis millones, impidiendo así cualquier intento de continuar la franquicia… ¡Alabado sea Cthulhu!

PARA LA TRIVIA: Tanto a Anjelica Huston como a Kim Basinger les fue ofrecido el papel de Janet Cruise, la madre de Eric y Michael. Ambas lo rechazaron.

 

 

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VIERNES 13 PARTE III

Friday the 13th Part III

 

Steve Miner, 1982

 

Existen múltiples versiones de esta película: La versión original sin censura que se estrenó en cines, misma que se ofreció en formatos 2D y 3D –en un número limitado de salas debido a la escasez de proyectores 3D en la época– y la versión para formatos caseros que también se ha comercializado en 2D y 3D, tanto en VHS como en DVD y Blu-Ray. La diferencia entre ambos cortes son las escenas de asesinatos, que son mucho más explícitas en la versión original, así como un par de escenas topless. Según sé, la única vez que se comercializó la versión sin censura en formato casero fue en la edición holandesa para VHS.

    

No puedo negarlo: Me encantan las películas de Viernes 13. Y tampoco puedo negarlo: son malísimas. Siendo objetivo, creo que la única película de la franquicia que más o menos vale la pena es la primera. Muchos fans y críticos consideran que la segunda es mejor, pero la cuestión de que el planteamiento de la segunda película básicamente niega a la primera como que nunca me convenció. Sea como fuere, Viernes 13 fue una de las franquicias más longevas y populares del cine de horror; pero, sobre todo, una de las más redituables; por eso las hacían cada año. Eran cintas que costaban poco y ganaban mucho –Viernes 13 parte III costó poco más de 2 millones de dólares y recaudó casi 37­–.

    Esta tercera entrada de la saga fue, además, una de las pioneras en la moda ochentera del cine en 3D. Siempre que la afluencia a las salas de cine disminuye, los productores echan mano del cine en 3D para hacerlo parecer novedoso. Lo hicieron en los 50, cuando la gente dejó de ir a los cines por preferir quedarse en casa viendo televisión; lo hicieron en los 80, cuando el público dejó de ir al cine porque podía rentar películas en video y verlas en la comodidad de sus hogares sin censura y sin comerciales; y lo están haciendo ahora –aunque ya está bajando un poco la tendencia, en realidad–, cuando la gente dejó de ir al cine porque podía ver las películas en Alta Definición en sus casas gracias a las plataformas digitales.

    Viernes 13 parte III comienza justo donde se quedó la anterior –de hecho, como en la cinta anterior, el prólogo de la peli es metraje reciclado de Viernes 13 parte 2 (Miner, 1981) que ni siquiera se tomaron la molestia de transferir a formato 3D–, cuando Jason (el trapecista británico Richard Brooker) sobrevive milagrosa e inexplicablemente al ataque de Ginny. El asesino deforme se retira a su cabaña en el Lago Cristal para reponerse y justo a tiempo para recibir a un grupo de estudiantes universitarios que piensan pasar un fin de semana de reventón en una casa aledaña al lago. Hay también por ahí una banda de motociclistas que poco viene al caso y que también serán víctimas del niño Voorhees.

    Y como la peli inicia al final de la cinta anterior, en realidad sucede en sábado 14 y domingo 15… curioso, ¿no?

    Originalmente, Ginny (Amy Steel), de la película anterior, regresaría en esta cinta. El  personaje estaría traumatizado por los eventos de la peli anterior y Jason la rastrearía hasta el hospital psiquiátrico en el que se encontraría recluida, dando cuenta del staff y de otros pacientes… vamos, básicamente se iban a piratear el argumento de Halloween II (Rosenthal, 1981). Pero cuando Steel rechazó repetir el papel para dedicarse a otros proyectos, la idea se desechó.

    Quizá el elemento más importante de esta película es que en ella termina de definirse al personaje de Jason Voorhees –al menos hasta que lo replantean en Viernes 13 parte VI: Jason vive (McLoughlin, 1986)–. En esta cinta la vemos por primera vez con su careta de hockey, misma que no sólo se volvería un icono de la franquicia, sino del subgénero slasher mismo. El director no quería volver a usar el costal con el que Jason se cubría el rostro en la cinta anterior porque sentía que se parecía demasiado a El hombre elefante (Lynch, 1981), estrenada el año anterior. Así pues, la idea de la careta de hockey fue de Martin Jay Sadoff, supervisor de efectos 3D de la película, quien era un asiduo fan del deporte.

    También es curioso que sea la primera –y quizá la única, no lo recuerdo bien– película de la saga en la que no aparece una chica rubia.

    La película es, curiosamente, una de las menos sangrientas de la saga. Según se sabe, espectaculares escenas de asesinatos fueron filmadas para la cinta; pero tuvieron que ser retiradas del corte estrenado en cines para evitar la temida clasificación X (para mayores de 21 años). Algunas eran demasiado sangrientas, otras demasiado reales y otras simplemente grotescas. Todavía después de que se retiraran dichas secuencias, las escenas de asesinatos fueron aún más recortadas, junto con las escenas de reacción de las víctimas, mayormente debido a la presión que varias asociaciones de padres de familia ejercieron sobre la película, cuya franquicia ya tenía muy mala fama para entonces.

    El resto de la cinta es, objetivamente hablando, bastante olvidable. La narrativa es floja y por momentos hasta aburrida. Es decir, tratan de meterle suspenso al asunto; pero la verdad es que el suspenso sólo funciona si lo que se está contando es interesante. Y como a las escenas de muertes les bajaron mucho el tono, los momentos de horror en los que debería culminar el suspenso simplemente no se dan.

    Tampoco hay desnudos como en las pelis anteriores… ¡Vaya desperdicio del 3D!

    ¿Y qué creen que tampoco hay? ¡Personajes! Muchos de los personajes que aparecen en pantalla son demasiado simples o son clichés… o son personajes simples que la franquicia volvería clichés en las siguientes entradas, como los pachecos o el chistocito que sólo trata de encajar en el grupo. Incluso Chris (Dana Kimmell), nuestra Final Girl para esta entrega, es poco interesante y cuesta trabajo conectar con ella; además de que es curioso que se trate de una chica traumatizada por un encuentro anterior con Jason.

    Si a los personajes pobremente escritos se le añaden actores poco competentes, entonces no hay mucho qué esperar. Es muy chistoso cómo uno puede ver escenas pasar y pasar sin que ninguno de los actores actúe. Empero, no es completamente su culpa. Según testimonios, el director estaba mucho más preocupado por pedirles a los actores que improvisaran acciones absurdas tratando de descubrir qué se vería bien en 3D que en realmente dirigirlos.

    La falta de una idea sólida que sostuviera la película se nota en el montón de homenajes y referencias que esta tercera parte le hace a la primera. Además de que agrega elementos de comedia y, si no veo mal, también hace varias referencias –o de plano se fusila olímpicamente– a varias secuencias de La masacre de Texas (Hooper, 1974).

    Sin embargo, creo que lo que más me gusta de esta película es el tema musical. No sé por qué a Harry Manfredini se le ocurrió que sería buena idea hacer una versión disco del tema que compusiera para la primera película, pero gracias a los dioses que lo hizo… No importando que la música disco estuviera muerta y enterrada en Estados Unidos para el momento. El resultado es tan kitsch que creo que vale la pena ver la peli nada más por escuchar esa versión del tema de Viernes 13.

    Viernes 13 parte III fue una de las primeras cintas en rodarse con nueva tecnología 3D en los 80. Fue también la primera película en 3D de Paramount Pictures desde 1954, cuando estrenaran Ulises (Camerini) con Kirk Douglas y Silvana Mangano. Por esto mismo, quizá el 3D no termina de funcionar tan bien –hablo de la versión casera, no tengo idea de cómo se haya visto en el cine–. Además de que algunas tomas se notan inseguras y la película se la pasa recordándonos que está en 3D al lanzar cosas completamente random hacia la cámara (palos, arpones, trinches, un ratón, una serpiente, etc.). Por si fuera poco, se sabe que, aunque la película fue barata de producir, Paramount gastó alrededor de 10 millones de dólares más en acondicionar las salas de cine para proyectarla en su formato de 3D.

    Creo que esta película me despierta sentimientos encontrados. Como fan de la saga puedo decir que es de mis favoritas porque en ella Jason obtiene su máscara y es en la que se definen la dinámica de la serie, así como los tipos de personajes, por no mencionar el soundtrack. Como crítico puedo decir que es una de las entradas más débiles en una franquicia que ya de por sí es débil. Creo que, a final de cuentas, uno debe ver esta cinta con el pleno afán de divertirse y sin esperar demasiado de ella o tomársela muy en serio. Tengan a la mano pizza y cervezas.

    Por cierto, la peli está filmada mayormente en colores pardos para evitar que los vestuarios o los decorados interfirieran con el efecto 3D.

PARA LA TRIVIA: Para evitar que se filtrara información sobre la película –y, según dicen las malas lenguas, por conflictos con sindicatos–, el proyecto se manejó con el nombre clave de Crystal Japan durante la producción, retomando el título de una canción de David Bowie. Esto inauguró una tradición/chiste local en el que cada película de la franquicia recibía por nombre clave el título de una canción de Bowie.

 

 

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Viernes 13

Viernes 13 parte 2

 

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ANT-MAN Y WASP

Ant-Man and The Wasp

 

Peyton Reed, 2018

Me gustó mucho la primera película de Ant-Man (Reed, 2015). Recuerdo que no tenía mucha intención de ir a verla, pues comenzaba a saciarme de películas de superhéroes; pero que luego escuché varios comentarios muy positivos sobre ella y decidí darle una oportunidad. Y no me decepcionó. A pesar de que básicamente es la misma película de Iron Man (Favreau, 2008), la dinámica entre los personajes y el tono relajado y campechano de la cinta funcionaban muy bien. De la segunda película no sabía muy bien qué esperar, Marvel suele ser pobre a la hora de entregar secuelas interesantes… y creo que éste es el caso.

    La historia sucede 3 después de los hechos ocurridos en la primera peli y, según me parece, simultáneamente con los hechos vistos en Avengers: Infinity War (Hnos. Russo, 2018). Scott Lang (regresa Paul Rudd), exconvicto portador del traje de Ant-Man está por terminar de cumplir su arresto domiciliario. Mientras tanto, Hank Pym (regresa Michael Douglas), el inventor del traje, y su hija, Hope Van Dyne (¿Qué creen? ¡También Evangeline Lilly regresa!), descubren que la madre de ésta, quien se perdiera más de 30 años atrás en el reino cuántico al reducirse a un tamaño subatómico, podría estar viva. Pym y Hope, con la renuente ayuda de Lang, tratarán de rescatarla, al mismo tiempo que eluden a mafiosos que buscan apoderase del traje, agentes federales que cuidarán celosamente que Lang purgue su condena y un misterioso enemigo conocido como Ghost (Hannah John-Kamen), quien puede atravesar objetos sólidos –y sí, sí hay una escena sospechosamente parecida a la persecución con esos gemelos albinos en Matrix: Recargado (Hnos. Wachowski, 2003)– y busca una cura para su mal… en la que podría estar involucrada la madre de Hope.

     Al final del día, creo que Ant-Man y Wasp es, más que otra cosa, una oportunidad desperdiciada. Aunque el tono relajado de la peli se mantiene, ya no se siente tan fresco como en la primera parte; del mismo modo que el humor, a pesar de ser bueno, ya no funciona tan bien y no le llega al de su predecesora. Lo que sí sigue funcionando muy bien es la química entre los personajes que, francamente, me parece que es lo único que salva a esta cinta de ser completamente olvidable.

    Creo que lo que más resentí en la película de Ant-Man y Wasp fue la ausencia… ¡de Ant-Man y Wasp! Las escenas de acción de este dúo de superhéroes son más bien escasas a lo largo de la peli, cuya narrativa se va entre persecuciones y corretizas. Me hubiera gustado que le pusieran más atención al personaje de The Wasp –no a Hope, ése tiene suficiente–; sino a ella en su papel de superheroína, pues al final del día habrá apenas un par de secuencias en las que la vemos volar.

    Siempre he dicho que un elemento fundamental para que una peli de superhéroes funcione son sus villanos. Particularmente en una secuela. Quiero decir, al héroe ya lo conocemos, toda esa información se nos dio en la primera parte, por lo que una dirección conveniente a tomar para la continuación es el desarrollo del villano. Si el villano no funciona, la idea de que es un peligro terrible del cual el héroe nos debe salvar se desvanece y, por lo tanto, el héroe se vuelve innecesario. Ejemplos de secuelas de películas de superhéroes que funcionan bien gracias a sus villanos los encontramos en Batman: el Caballero de la Noche (Nolan, 2008), Spider-Man 2 (Raimi, 2004) o X-Men 2 (Singer, 2003).

    Sin embargo, en Ant-Man y Wasp hay cuatro antagonistas, dos de ellos son villanos per se, otro es un agente de la ley atolondrado y el otro simplemente se ve arrastrado por sus circunstancias… ¡Y ninguno de ellos funciona! Tanto Ghost como Sonny Burch (Walton Goggins… anécdota curiosa, John-Kamen y Goggins ya habían trabajado juntos en el anodino reboot Tomb Raider: las aventuras de Lara Croft [Uthaug, 2018]) son básicamente clichés de vilanos que ya se han visto ad nauseam y, particularmente en el caso de Ghost, que debería resultar trágico y patético se vuelve increíblemente aburrido.

    Las actuaciones están bastante decentes, eso que ni qué. Todos los actores están bien en sus personajes. Me parece que Rudd y Lawrence Fishburne sobresalen con interpretaciones que sobrepasan la media… aunque tampoco por mucho. El resultado final es un conjunto de actores que funcionan bien, se siente la química entre ellos y, lo más importante, se siente cohesión en el elenco y las relaciones entre los personajes funcionan, a pesar de que no hay una interpretación que me haya asombrado en modo alguno.

    Hay otra cosa que no me gustó para nada de esta película: el diseño de los personajes. Sin embargo, esto no es un mal específico de esta cinta, sino una tendencia que Marvel ya viene arrastrando desde varios años atrás. ¿Por qué todos los trajes de sus superhéroes se ven iguales? ¿Por qué, salvo raras excepciones, todos sus personajes parece que están a punto de participar en una competencia de motocross? ¡Caray! Pudieron haber hecho cosas bellísimas con los trajes de Wasp y Ghost; pero, en vez de ello, decidieron diseñarlos bajo el mismo troquel de todos los demás. Digo, creo que todos estaremos de acuerdo con que el spandex de colores brillantes no funciona en la pantalla grande… pero piénsenle un poquito, señores diseñadores.

    Y ése es el punto con Ant-Man y Wasp. No es una mala película, para nada. Es una divertida cinta de acción con elementos de ciencia ficción de Marvel… pero todo lo que sucede en pantalla lo hemos visto ya. Al final del día se vuelve redundante y repetitiva, y se ve muy inferior a otras películas del Universo Cinematográfico Marvel estrenadas recientemente. Creo que el término que podría utilizar para referirme a ella es “poco inspirada”.

    Ant-Man y wasp es entretenida, tiene algunos chistes buenos y, en su mayor parte, se deja ver; pero la verdad es que uno puede saltársela sin culpa alguna… por supuesto, el Universo Cinematográfico Marvel está construido de tal forma que uno no pueda hacerlo. Creo que sólo es indispensable si uno es completista, Para el resto, será mejor no tener muy altas expectativas antes de verla y no esperar ser sorprendido… quizá, si acaso, por los encantadores trucos de magia con cartas de Lang.

PARA LA TRIVIA:  Anécdota curiosa: en los cómics, Ghost es hombre y nunca ha peleado contra Ant-Man; originalmente se trataba de un enemigo de Iron Man.

 

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