SUPER MARIO BROS…. Vamos, todos sabíamos que tenía que hablar de esto algún día.

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SUPER MARIO BROS.

 

Annabel Yankel y Rocky Morton

Existen dos versiones de esta película. La versión original para cines y la versión italiana. Ambas son horribles; pero, por alguna misteriosa razón, la versión italiana es más corta y los créditos finales son diferentes, además de que la canción que se escucha mientras éstos recorren la pantalla es otra. A la fecha, se desconoce la razón para estos cambios.

 

Dennis Hopper fue un buen actor que, salvo excepciones, tenía talento para aparecer en malas películas. Bob Hoskins fue un gran actor que, con mucho esfuerzo y talento, fue labrando su carrera desde la televisión hasta las películas de alto presupuesto. Finalmente, el colombiano John Leguizamo es un actor versátil cuyo talento innato para la comedia no le impide interpretar personajes serios con una sensibilidad y profundidad impresionantes. Es increíble cómo puedes tener a tres actorazos en tu reparto ‒cuatro, si se quiere tomar en cuenta a Lance Henriksen, quien hace una pequeña aparición al final de la peli‒ y desaprovecharlos a todos en cada maldita toma.

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    Por otro lado está el videojuego. Super Mario Bros. (Nintendo, 1985) fue un videojuego de plataformas para el legendario Nintendo Entertainment System creado por Shigeru Miyamoto y desarrollado por Miyamoto y Takashi Tesuka como sucesor del exitoso Mario Bros. (Nintendo, 1983) de arcadias. El juego, junto con la consola, fue introducido en EE.UU. para la Navidad de 1985 y, básicamente, resucitó a la en aquel entonces extinta industria de los videojuegos caseros y se convirtió en uno de los más grandes éxitos de ventas de la industria, habiendo vendido cerca de 40 millones de copias tan sólo en formato físico.

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    Así que tienes un gran elenco por un lado, una franquicia millonaria por el otro y un presupuesto de casi 50 millones de dólares ‒bueno, no, la producción se salió de presupuesto muy cabrón‒ ¿Qué podría salir mal? Todo si desde la preproducción tu proceso es una mierda.

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    La película fracasa en contar la historia de dos plomeros de Brooklyn, Mario Mario (el británico Bob Hoskins, quien reconoce ésta como su peor película) y su hijo adoptivo, Luigi Mario (John Leguizamo, el pobre) quienes, a través de un portal dimensional en el subsuelo, viajan a una dimensión alterna en la que los dinosaurios no se extinguieron, sino que evolucionaron con aspecto humanoide y viven en un régimen totalitario bajo el dominio del malvado rey Koopa[1] (Dennis Hopper quien, según testimonios, no tenía ni idea de lo que hacía en el set). Al enterarse del origen de los Hnos. Mario, Koopa y sus secuaces tratarán de cruzar el portal para invadir nuestro mundo… Esperen… ¿es ésta una película sobre reptilianos?

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    Con la popularidad de los videojuegos caseros a la alza, Nintendo vio en el proyecto de una película live-action de Super Mario Bros. la oportunidad de redimirse después de las críticas negativas y la mala imagen pública generadas por la película El campeón de los videojuegos (Holland, 1989). Luego de una verdadera rebatinga por llevar las aventuras del plomero a la pantalla grande, Nintendo vendió los derechos a una pequeña compañía independiente llamada Lightmotive, propiedad de los multigalardonados Ben Myron y Roland Joffe ‒productor y director, respectivamente‒, por sólo 2 millones de dólares… bueno y a cambio de cierto control creativo y el 100% regalías del merchandising. Myron y Joffe no tenían experiencia con el cine familiar; pero vieron en el proyecto la oportunidad de hacer algo de dinero para financiar otros proyectos. La idea con la que Joffe convenció a Hiroshi Yamaguchi, presidente de Nintendo, de hacer la película fue un argumento que servía como precuela al primer videojuego y que podía ser disfrutada por chicos y grandes.

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    Diferentes actores fueron contactados para los roles principales. La primera opción para interpretar a Super Mario fue Dustin Hoffman, quien se mostró interesado en el rol; pero Mamoru Amakawa, presidente de Nintendo de América en aquel entonces, pensó que Hoffman no tenía suficiente atractivo entre el público joven. La segunda opción fue Danny DeVito, quien rechazó el papel después de leer el guión, y la tercera, Tom Hanks, quien pasaba por un bache en su carrera luego de las malas críticas de sus películas recientes, por lo que los productores decidieron no contratarlo, además de que sintieron que su carácter rompía con el tono oscuro de la peli. Michael Keaton y Arnold Schwarzenegger fueron contactados para interpretar a Koopa, pero ambos rechazaron la oferta.

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    Uno de los primeros borradores del guión ‒que incorporaba algunas de las ideas originales de Joffe‒desarrollaba una compleja y oscura historia épica sobre la relación de los dos hermanos Mario. Este guión fue escrito por Barry Morrow, quien escribiera el guión de Cuando los hermanos se encuentran (Levinson, 1988), luego de jugar el videojuego durante un día entero; fue rechazado por guardar demasiadas similitudes con Cuando los hermnos… y por ser demasiado oscuro. Éste fue el guión que se mostró al reparto y por el cual aceptaron hacer la película.

    Una segunda versión del guión, escrita por Tom S. Parker y Jim Jennewin, quienes racababan de vender su guión para la película Permanezca en sintonía (Hyams, 1992), se planteaba como un cuento de hadas e incluía enemigos clásicos de Super Mario como Thwomps, Plantas piraña, Magikoopas y en él, Bowser trataba de casarse con la princesa Hildy, enamorada de Luigi, a quien secuestra para obtener la Corona de la Invencibilidad y así dominar al Mushroom Kingdom. Mario y Luigi eran acompañados durante su travesía por Toad ‒que sí era un hongo parlante‒ y un dinosaurio bebé llamado junior, que creía que Mario era su mamá ‒probablemente un Yoshi‒, y al final, Bowser, quien sólo se disfrazaba como humano en un par de escenas, caía en un estanque de lava. Ahora, eso suena más como una película de Super Mario Bros.

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    El primer director asociado al proyecto fue Greg Beeman, quien había alcanzado cierta notoriedad con su comedia juvenil Sin permiso para manejar (1988). Sin embargo, cuando el proyecto recibió financiamiento, la casa productora Hollywood Pictues, subsidiaria de Walt Disney Pictures, desechó a Beeman.

    Cuando el proyecto pasó de ser uno independiente a un proyecto de una gran casa productora, Parker Bennett y Terry Runte reescribieron el guión a petición de los directores. Finalmente, los directores sintieron que este guión, que había sido del agrado de Nintendo, era aburrido y cuando Bob Hoskins fue casteado como Mario, quisieron cambiar al personaje de un cínico encantador estilo Peter Venkman a alguien más maduro y bonachón. Puesto que Bennett y Runte no pudieron hacer las correcciones necesarias a tiempo, la escritura del guión fue asignada a Dick Clément e Ian LeFrenais. Este último guión retomaba la versión anterior; pero cambiaba el tono y la ambientación de cuento de hadas por una historia más orientada hacia la acción y el Sci-Fi con una ambientación inspirada en el Cyberpunk… ¡e incluso un cameo de Bruce Willis como John McClane!

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    Los productores pidieron que el tono de la película fuera suavizado, se eliminaran muchos de los elementos de acción y que el asunto se acercara más a lo planteado en el videojuego, así que contrataron nuevos guionistas ‒Ed Solomon y Ryan Rowe‒ para corregir el guión y prohibieron a los directores involucrarse en el proceso de reescritura.

    Así pues, la filmación comenzó de manera más que accidentada. El libreto que le fue entregado al elenco pocos días antes de iniciar la filmación tenía diferentes colores de páginas para señalar las correcciones, adiciones y recortes al texto original. Los miembros de la producción lo apodaron el “libreto arcoíris”. Anécdota curiosa: Bob Hoskins ni siquiera sabía que la película estaba basada en un videojuego cuando empezó a filmarla, fue su hijo Jack quien lo puso al tanto.

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    El matrimonio integrado por Annabel Yankel y Rocky Morton, quienes fueron elegidos para dirigir la cinta debido a su estilo alternativo y novedoso inspirado en la estética de MTV, siempre se sintió insatisfecho con el libreto y decidieron filmar la última versión pero con el tono del primero. La insubordinación de los directores finalmente derivó en que la producción estuviera encima de ellos y los reprimiera casi en cada sentido posible. Como resultado, los directores se encontraban bajo tanta presión que la pareja tenía frecuentes discusiones en el set y se desquitaban con los actores, quienes los odiaban y mandaron a imprimir camisetas con los apodos que les habían puesto a los directores para usarlas en el set.

    En general, todos los testimonios de los involucrados coinciden en que la filmación de la película fue una completa pesadilla. Las correcciones al libreto eran tantas y tan frecuentes ‒todos los días al elenco se le entregaban páginas y páginas de correcciones‒ que los actores simplemente dejaron de prestarles atención; los directores daban pocas y pobres indicaciones y, con frecuencia, se contradecían el uno al otro. Dennis Hopper admite que, durante la mayor parte de la filmación, no tenía idea de lo que estaba haciendo, ni tampoco le importaba; y, según lo han declarado en posteriores entrevistas, Hoskins y Leguizamo estuvieron alcoholizados durante gran parte del rodaje.

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    Al primer corte de la película se le quitaron cerca de 30 minutos de una línea argumental sobre la relación de Mario y Luigi que incluía un enfrentamiento con los hermanos Scapelli, además de escenas variadas que poco contribuían a la trama ‒como si las que dejaron lo hicieran‒. Además de la escena de la boda de Mario con su novia Daniella (Dana Kaminski), que estaba en el guión, pero que nunca se filmó. Anécdota curiosa: La fricción entre la producción y los directores era tal que a éstos se les prohibió la entrada a la sala de edición. Solamente después de que el matrimonio interpuso un amparo ante el Gremio de Directores, se les autorizó a estar presentes mientras se cortaba y montaba el corte final de la cinta.

    Lo que se ve en pantalla habla por sí mismo: un verdadero desastre narrativo con una historia que no sólo no tiene absolutamente nada que ver con el material de origen, sino de la que es difícil sacar cualquier cosa en claro. El tono está completamente indefinido y, aunque la cinta trata de ser una comedia de aventuras para toda la familia, algunas escenas son demasiado ramplonas, otras demasiado oscuras y algunas tienen una clara connotación sexual que se siente completamente fuera de lugar ‒no sé, de niño siempre me perturbó la escena del huevo en carriola‒.

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    Por no decir que las actuaciones están en el rango entre lo malo y lo terrible y a muchos de los involucrados ‒principalmente a Hoskins y a Fiona Shaw, quien interpretara el estrafalario y desaprovechado papel de Lena‒ se les nota, aún con una pantalla y 25 años de por medio, que no querían estar ahí. El guión es atropellado y está lleno de chistes que nomás no acaban de caer y, en general, los eventos en la película se suceden de manera tan atropellada que es difícil seguir una relación de causalidad entre ellos.

    Recuerdo que parte de lo que me entretenía de esta película cuando era niño era tratar de adivinar qué personajes de los videojuegos eran los que aparecían en pantalla. Digo, me parecía una cosa casi simbólica… al menos con certeza sé que están Mario, Luigi, una princesa, Bowser/Koopa, parientes de Bowser ‒sus sobrinos, aunque en los juegos son sus hijos‒, Goombas, Shy Guys y Snifits, creo que un Buzzer, estoy confundido sobre si vi un Ninji por ahí y… ¿esa mujer del Boom Boom Bar se supone que sea un Spiny? Y bueno, a Yoshi se le ven los cables.

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    A final de cuentas, hay que tomar en cuenta que Super Mario Bros. fue una película casi experimental, los realizadores estaban haciendo algo que nunca antes se había hecho… aunque el resultado de su experimento es una cosa que no funciona ni como adaptación de un videojuego ni como película. Creo que están más padres las porno de Super Hornio Bros. (Adams, 1993) con Ron Jeremy… incluso creo que tienen más que ver con los videojuegos.

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    El recuento de los daños es el siguiente: La película recaudó en taquilla más o menos la mitad de su presupuesto y, aunque se ha convertido en una cinta de culto, es considerada como una de las peores de la historia; parte del trato con Nintendo era que la compañía nipona recibiría el 100% de las regalías por el merchandising de la película, sin embargo, tras el estrepitoso fracaso en la taquilla, nadie estuvo interesado en producir merchandising, salvo por una serie de tarjetas coleccionables que aún hoy día es más o menos fácil de conseguir en buenas condiciones y una serie de abominables figuras de acción producida por ERTL; Nintendo adoptó una estricta política de no dar licencias para producir largometrajes basados en sus personajes ‒lo que echó abajo el proyecto para una película de Metroid que se encontraba en preproducción‒ que se ha mantenido hasta este año; Yankel y Morton jamás volvieron a dirigir una película e incluso su agente dejó de contestarles el teléfono; y, obviamente, los planes para una secuela, que trataría sobre la reconstrucción del Mushroom Kingdom sobre las ruinas de Dinohattan y cuyos villanos principales serían Donkey Kong y/o Wart, fueron cancelados de inmediato.

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    Pero no todo en la película de Super Mario Bros es terrible… digo, los sets diseñados por David Snyder, quien fuera director de arte en Blade Runner (Scott, 1982), están padres… aunque de repente se siente que la película estorba para verlos; el soundtrack está decente, particularmente ese cover que hace George Clinton de Walk the Dinosaur… quizá porque es casi idéntica a la original; y… bueno, bueno, Samantha Mathis y John Leguizamo tuvieron una relación romántica, y Lance Herinksen conoció a la maquillista Jane Pollack, quien se convertiría en su segunda esposa, durante la filmación de la película.

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    Super Mario Bros. es un claro ejemplo de cómo una idea decente para una película puede salir muy mal cuando los realizadores tratan de complacer a todo mundo para ampliar su mercado. Creo que lo que pasó fue que tanto los productores como Nintendo se frikearon cuando el pequeño proyecto independiente se convirtió en una película de gran presupuesto y no supieron qué hacer. Si a esto se le suma que la película, que fue vapuleada por la crítica e ignorada por el público, se estrenó apenas dos semanas antes que Parque Jurásico (Spielberg, 1993) el fatídico desenlace era de esperarse.

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    Y hay que reconocerlo, Super Mario Bros. marcó la pauta de cómo debían ser las películas basadas en videojuegos: terribles.

    Durante 25 años Nintendo decidió apartarse del cine, hasta este año, en el que ya se produce una cinta de animación CGI de Super Mario co-producida por Miyamoto.

PARA LA TRIVIA: En la escena post-créditos ‒que esta madre tiene una escena post-créditos ya debería ser suficiente dato de trivia‒, la película satiriza al videojuego cuando un par de empresarios japoneses le ofrecen a Iggy (Fisher Stevens) y a Spike (Richard Edson) hacer un videojuego basado en sus aventuras.

PARA LA TRIVIA, YA EN SERIO: En varias secuencias puede verse un poster de Koopa con una motosierra. Esto podría ser una referencia a La masacre de Texas 2 (Hooper, 1986), en la que Hopper interpreta a uno de los personajes principales.

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[1] Anécdota curiosa: El nombre de este personaje siempre ha sido Bowser; sin embargo, durante mucho tiempo en América se le conoció como Koopa, ya que se referían a él como “King Koopa”. Empero, en este caso debía entenderse “King Koopa” como “Rey de los Koopas” y no como “rey Koopa”.

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VIERNES 13 PARTE 2. No estaba muerto, andaba de parranda.

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VIERNES 13 PARTE 2

Friday the 13th Part 2

 

Steve Miner, 1981

 

Dice el dicho que “Nunca segundas partes fueron buenas”… y, en este caso, es completamente cierto. Digo, siendo muy honesto, la única película de las 12 que comprende la saga ‒si se toma en cuenta Freddy vs Jason (Yu, 2003)‒ que considero que vale la pena es la primera; pero también debo admitir que la mayoría de las otras 11 tienen su encanto. La segunda parte no es la excepción y, aunque sí es bastante mala, resulta también bastante divertida; además de que trata, fallos y huecos argumentales aparte, de ampliar la mitología de la exitosa franquicia slasher.

    La primera cinta, con un presupuesto bastante modesto, fue un éxito de taquilla, por lo que una segunda parte era obligada. De hecho, el éxito de la saga fue tal, que las películas se estrenaban prácticamente cada año. Así las cosas, días antes de cumplirse un año del estreno de la primera cinta, llegó esta secuela.

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    Cinco años después de la masacre en el campamento Crystal Lake ‒lo que situaría la peli en 1984, pues la primera ocurría en 1979, según se explica en Viernes 13: el capítulo final (Zito, 1984)…  aunque esto es intrascendente tanto para esta cinta como para las demás secuelas‒, un campamento cercano está por abrir sus puertas para el verano. El incidente se ha convertido en una leyenda local; Alice (Adrienne King), la única sobreviviente, desapareció sin dejar rastro meses después de los asesinatos y las maledicencias cuentan que Jason (Warrington Gillette/Steve Dash), el hijo deforme de Pamela Voorhees (Betsy Palmer) no murió ahogado en el lago como todos suponían. Cuando los consejeros del nuevo campamento llegan al sitio para tomar un curso de capacitación, empiezan a ser víctimas de brutales asesinatos perpetrados por un atacante misterioso.

    La primera cinta de Vienes 13 (Cunningham, 1980) fue concebida como una película barata que pudiera aprovecharse de la popularidad de Halloween (Carpenter, 1978) e incluso sus realizadores desecharon casi de inmediato la idea de hacer una secuela centrada en Jason. Sin embargo, los realizadores de la segunda parte fueron menos escrupulosos y decidieron seguir adelante con una historia que, de hecho, contradice a la primera parte.

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    Sean S. Cunningham, director del primer filme; Tom Savini, artista de maquillaje y efectos especiales y Betsy Palmer, quien diera vida a Pamela Voorhees, han declarado en entrevistas posteriores lo absurdo del planteamiento de la peli, porque ¿en 35 años nadie vio a Jason, una persona de apariencia más que peculiar, vagar por el bosque? Y si Jason estaba vivo y sabía que su madre vivía ¿no hubiera sido más fácil que sólo fuera con ella a decirle que estaba vivo? Tuvo 30 años para hacerlo… y eso hubiera impedido los asesinatos de la primera película.

    De hecho, si lo que dice el ya icónico efecto de sonido “Ki-ki-ki-ki, ma-ma-ma-ma” es “Kill, mom!”, la voz de Jason al interior de la cabeza de su madre ordenándole que asesine… pues entonces no tiene mucho sentido que aparezca después de la muerte de Pamela Voorhees en la primera cinta, ¿cierto?

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    La idea original era que Alice regresara para protagonizar la secuela y que, si se hacían más películas, su personaje se enfrentara contra Jason en cada una de ellas ‒un poco como el Dr. Loomis en la saga de Halloween‒. Por desgracia, la actriz Adrieanne King no quiso regresar en un rol protagónico y pidió que su aparición en pantalla fuera breve; esto debido a que un fan obsesionado con la primera película había empezado a acecharla e incluso había logrado entrar a su casa. De hecho, King nunca volvió a aparecer en pantalla luego del incidente, limitando su trabajo a la actuación de voz.

    Empero, la actriz sí pidió a los guionistas que dejaran el final de su personaje abierto para que pudiera regresar en futuras secuelas si éstas se realizaban; pero ellos decidieron no hacerlo y mataron al personaje al inicio de la segunda parte. De hecho, la escena de la muerte de Alice fue la última en filmarse y a King nunca le fue proporcionado un libreto de la película… lo que es más, ¡la escena ni siquiera estaba escrita! La actriz se enteró de que su personaje iba a morir cuando llegó al set y la conversación telefónica que sostiene Alice con su madre fue improvisada.

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        También dice el dicho que “Si no está roto, no lo arregles” y justo eso pasa también con esta película. Aunque a nivel argumental la peli continúa con la historia, a nivel de forma es básicamente una repetición de la primera. Ni siquiera es una de esas secuelas que tratan de superar a la cinta original. Es más, las escenas de muerte no son tan interesantes como en la primera Viernes 13 y, hasta cierto punto, en esta película se siente como que falta sangre…

    En el apartado en el que Viernes 13 parte 2 sí supera a la primera es en la explotación sexual. Toda la peli tiene un tono “kinky” mucho más marcado que la primera y, a diferencia de su predecesora, sí muestra un desnudo integral, por parte de la guapa actriz Kirsten Baker. Anécdota curiosa: La escena de sexo entre los personajes de Sandra y Jeff iba a ser mucho más larga, presentando una toma topless de la actriz Marta Kober; sin embargo, Paramount desechó la toma después de enterarse de que Kober había mentido sobre su edad para obtener el papel y que, de hecho, era menor de edad al momento de filmar la escena.

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    El guión es inconsistente y tiene un elemento que siempre me ha llamado poderosamente la atención: ¿Por qué se deshace de la mitad de los personajes a media película? Al inicio, hay un montón de consejeros del campamento, de algunos de los cuales ni siquiera se menciona el nombre; pero después se van de farra y no regresan hasta la mañana siguiente. Algunos de ellos ni siquiera tienen parlamentos… ¿Cuál es su razón de ser entonces?

    La mayoría de las actuaciones son bastante malas, llegando al punto de lo hilarante. Muchas tomas de reacción se nota que fueron filmadas completamente por separado de aquello a lo que se supone que reaccionan, y en general los personajes se sienten flojos y poco interesantes.

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    A pesar de lo anterior, la dirección de la película me parece bastante acertada. A pesar de las obvias carencias de la producción, Miner logra montar varias secuencias, particularmente las de horror, bien logradas. Muchas de las tomas son interesantes, están bien montadas, e incluso en algunos casos, hasta llegan a estar decentemente actuadas.

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    Viernes 13 parte 2 es considerada por muchos críticos y fanáticos como la mejor cinta de toda la franquicia. Si bien no estoy de acuerdo, debo admitir que disfruto de cada una de las películas de la saga de un modo u otro. La segunda parte es divertida y se deja ver bastante bien, además de que es interesante verla en comparación de la primera parte. Si algo me gusta de estas cintas es que, de algún modo, la mayoría de ellas me hacen sentir adolescente de nuevo. No tiene nada que ver con la nostalgia ‒vi la mayor parte de estas películas cuando ya era adulto‒, sino con una íntima relación que pueden llegar a crear entre película y espectador. Y eso, señores, es digno de aplauso.

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PARA LA TRIVIA: El videojuego que juegan los personajes de la cinta es una consola Microvision de Milton Bradley, que fuera producida entre 1979 y 1982. El Microvision tenía una pantalla de 16X16 pixeles y fue la primera consola portátil en el mercado en utilizar cartuchos intercambiables. A pesar de que en la película se mencionan los juegos de Football y Hockey, ninguno de los juegos que aparecieran para esta consola estaba basado en dichos deportes.

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READY PLAYER ONE. “Insert coin(s)”

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READY PLAYER ONE: COMIENZA EL JUEGO

Ready Player One

 

Steven Spielberg, 2018

 

Uno de mis directores favoritos es, sin duda, Steven Spielberg. He de reconocer, eso sí, que prefiero a Spielberg cuando se reconoce como el gran showman que es a cuando se pone profundo y políticamente correcto. No es que crea que uno es mejor que el otro, simplemente es una cuestión de gusto personal. Sea como fuere, en esta película Spielberg se lanza sin reservas al entretenimiento puro y entrega una de sus cintas menos logradas… aunque no por eso aburrida. No creo que sea buena; pero recordemos que lo más pinche de Spielberg está más o menos al nivel de lo mejor de Michael Bay o Joe Johnston… concediendo que Johnston tenga algo a lo que se le pueda llamar “mejor”.

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    Por cierto, mientras escribo esto, recordé una nota publicada alrededor de 1995 en la que decían que Steven Spielberg estaba interesado en producir videojuegos; pero ya nunca supe qué pasó con eso, ¿alguien se enteró?

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    La película, que según me enteré el otro día, está basada en un libro, trata sobre Wade Watts (Tye Sheridan), apodado Parzival, un joven huérfano que vive en una postapocalíptica ciudad de Columbus en el año 2045. En dicho futuro, la humanidad, para escapar de su deprimente realidad, pasa horas enteras inmersa en un enorme mundo virtual conocido como Oasis. Antes de morir, Halliday (Mark Rylance, excelente), el creador de Oasis, ocultó dentro del juego un premio, conocido como Easter Egg, que convertiría a quien lo encontrase en el dueño de toda su fortuna y de Oasis mismo. IOI, la compañía rival de Halliday, busca desesperadamente el premio para así convertirse en la empresa más poderosa del planeta. Ahora que Wade ha encontrado la pista que podría llevarlo al Easter Egg, IOI hará todo por encontrarlo.

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    No he leído el libro, pero si se parece a la película, entonces se trata de uno más de esas novelas juveniles en las que un adolescente en un futuro distópico logra vencer a un sistema/régimen totalitario o similar de las que las hay a peso la docena. Paso, gracias, vi Fuga en el siglo XXIII (Anderson, 1976).

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    Por otro lado, el argumento de la cinta me pareció una especie de mezcla entre Willy Wonka y la fábrica de chocolates (Stuart, 1971), TRON (Lisberger, 1982) y El campeón de los videojuegos (The Wizard, Holland, 1989), con un toquecito de Ralph, el demoledor (Moore, 2012). La verdad es que se trata de una película completamente superficial, sin básicamente nada de contenido, y que me parece ser de ésas en las que uno puede simplemente apagar el cerebro por un ratito y dejarse llevar.

    SPOILER Porque si uno se pone a pensar un poquito, se dará cuenta de que ésta es la historia de unos chavitos gamers que, teniendo la oportunidad de liberar a la humanidad de la opresión intelectual que la subyuga, prefieren perpetuarla… Es decir, es como la antítesis de Matrix (Hnos. Wachowski, 1999). En la peli de Neo, los humanos del futuro luchaban por salirse del mundo virtual al que estaban sometidos, mientras que en Ready Player One, luchan por quedarse dentro de él, sólo que con menos comerciales… es el equivalente a que al final de Fuga en el siglo XXIII Logan matara al anciano o que en Un mundo feliz Marx peleara por recuperar el soma… ¿Es ésta una película sobre el Síndrome de Estocolmo? TERMINA SPOILER

READY PLAYER ONE - Dreamer Trailer (screen grab) CR: Warner Bros. Pictures

    SPOILER También podrían encontrarse sendos huecos en el guión, como ¿por qué nadie hace trampa? ¿Nadie conocía el Konami Kode, en serio? ¿No hay hackers? ¿Por qué los adolescentes de 2045 están tan clavados con la cultura de 1980? Mis alumnos de 15 años difícilmente ven películas de más de 10 años… O bueno, quizá éstas son ideas que podrían usarse para Ready Player Two: Here Comes a New Challenger! ‒es pura mamada, yo inventé el título‒, de nada, Ernest Cline TERMINA SPOILER.

    Por supuesto, el atractivo de la cinta no está ni en la anécdota ni en el guión, que es súper predecible, flojo y está lleno de clichés; sino en los miles de referencias y guiños a la cultura pop, particularmente la de los años ochenta, que hay en la película. Básicamente, el juego que la cinta la propone al espectador es identificar los iconos de la cultura pop y gamer que aparecen en la cinta, desde el DeLorean de Volver al futuro (Zemeckis, 1985) hasta la Inmigrant de Akira (Otomo, 1988), pasando por el Atari 5200, la BFG 9000 de Doom (id Software, 1993) y el rifle de pulso M41A de Aliens: el regreso (Cameron, 1986). Y en ese sentido, la cinta cumple. Uno no puede evitar soltar un par de carcajadas con el montón de chistes locales y referenciales de la peli.

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    La misma anécdota se inspira un poco en un evento de la vida real que casi se ha convertido en leyenda. Me refiero al legendario concurso promovido por Atari en 1982 con la serie de videojuegos Swordquest (1982-1983). La serie surgió como una posible secuela del videojuego Adventure (Atari, 1979) SPOILER ‒que, de hecho, es clave en la cinta‒ TERMINA SPOILER; pero pronto evolucionó en otra cosa. Se trataba de varios juegos de aventura que incluían un cómic y un acertijo que sólo podía resolverse al terminar el juego.

    Los primeros concursantes en resolver el acertijo debían comunicarse con Atari, dar la respuesta y viajar a sus oficinas para competir entre ellos a fin de ganar premios cuyo valor ascendía a USD$150000. Para el primer juego, el premio fue el Talismán de la Penúltima Verdad, hecho en oro macizo de 18K y adornado con diamantes; para el segundo juego, el premio fue el Cáliz de la Luz, fabricado en oro y platino con incrustaciones de diamantes, zafiros, perlas, rubíes y jade; y para el tercero, la Corona de la Vida, hecha en oro con incrustaciones de diamantes, zafiros, turquesas y rubíes. El cuarto juego de la serie, Airworld, cuyo premio sería la Espada de la Hechicería Definitiva ‒con mango de oro macizo y una hoja de plata pura‒ nunca salió a la venta debido a la Crisis de los Videojuegos en 1983.

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    En una estrategia que se ve demasiado en los últimos años, el soundtrack está compuesto mayormente por canciones populares de los 80 ‒bueno, y una de los 70‒, por si todo falla, al menos la peli puede apelar al factor nostalgia… que, siendo honestos, es en mayor medida lo que la hace funcionar.

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    Ahora bien, de manera más que adecuada, la música original fue compuesta por el genial Alan Silvestri, quien fuera responsable de los soundtracks de películas como la Trilogía de Volver al futuro, Depredador (McTiernan, 1987) o El secreto del abismo (Cameron, 1990).

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    Las actuaciones están más o menos, tirándole a menos y, en ese sentido, la película se sostiene gracias a las interpretaciones del siempre genial Simon Pegg, el gran Ben Mendelsohn ‒a quien amé en Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016)… y parece que Spielberg también, porque prácticamente lo puso a repetir ese papel en esta cinta‒ y Mark Rylance. Los actores jóvenes están bien, pero como que algo les faltó para acabar de llegar a lo que debían.

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    En general, puedo decir que Ready Player One me entretuvo a pesar de sus notorias carencias y su excesiva duración ‒Hollywood parece no querer entender que para hacer películas de más de dos horas hay que ponerles sustancia‒; debo confesar que sí me emocioné como escolapio en un par de secuencias y que sí me entretuve jugando a ¿Dónde está Wally? Con sus referencias a la cultura pop; aunque por lo demás me pareció completamente insulsa.. hay por ahí un esbozo de mensaje inclusionista, pero ¡meh! He de reconocer también que creo que sí lograron capturar parte de la esencia de la subcultura gamer y que, si no fuera por la hábil dirección de Spielberg, dudo que el numerito fuera tan ameno como resultó serlo al final y se hubiera quedado en una versión edulcorada de TRON que está más preocupada por bombardear al público con nostalgia que por realmente contar una historia. A final de cuentas, se parece más a un ride de parque temático que a una película.

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PARA LA TRIVIA: Durante la preproducción de la película, Spielberg se acercó al actor Gene Wilder ‒quien interpretara a Willy Wonka en la versión original de 1971‒ para que interpretara a Halliday; sin embargo, Wilder rechazó la oferta.

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MISIÓN ALIEN. Antes de “Sector 9” estuvo “Misión Alien”.

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MISIÓN ALIEN

Alien Nation

 

Graham Baker, 1988

 

A principios de los 90, cuando era apenas un escolapio, estaba obsesionado con las películas de la saga de Alien… bueno, ahora también; pero en ese entonces me chutaba cualquier cosa que llevara la palabra “Alien” en el título… bueno, ahora también… el punto es que, en mis pesquisas, me encontré con esta película una noche de fin de semana en el entonces incipiente Canal Fox ‒que por aquellos días tenía un repertorio como de diez películas nada más‒ y me aburrió un montón. Años más tarde, le di una nueva oportunidad a esta cinta y me encantó. Me di cuenta de por qué se había convertido en una de culto y por qué había generado una reducida, aunque leal, legión de seguidores a lo largo y ancho del mundo.

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    Según la historia de la peli, en 1988 una nave procedente de un planeta lejano llegó a la ciudad de Los Ángeles, California, tras navegar a la deriva. La nave estaba cargada con esclavos alienígenas apodados “neófitos” (Newcomers) que, tras tres años de cuarentena, se insertaron en la sociedad humana. Luego de que su compañero es muerto en un tiroteo, el detective Matthew Sykes (el siempre genial James Caan) acepta como compañero al primer detective neófito, Sam Francisco (Mandy Patinkin, a quien seguro recuerdan por su papel de Íñigo Montoya en La princesa prometida [Reiner, 1987]), para llevar a cabo la investigación sobre la muerte de su compañero. Sin embargo, durante sus averiguaciones, Sykes y Francisco revelarán un terrible secreto sobre los neófitos y su esclavitud, que no sólo podía poner en riesgo su estadía en nuestro planeta; sino también la supervivencia de ambas especies.

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    Por supuesto, como todas las buenas películas de Ciencia Ficción y las de Terror, ésta es una metáfora, y qué mejor escenario para hablar de tolerancia y discriminación que la ciudad de Los Ángeles. La cinta es, básicamente, un film noir con elementos de acción y ciencia ficción con un subtexto que habla sobre la inmigración, la marginación social y cómo las esferas de poder se aprovechan de los más necesitados y los utilizan para conseguir sus propios fines. Además de que hay algunos chistes bastante buenos en la cinta ‒como ése de la Academia Berlitz‒. Al final, todo el asunto resulta ser una divertida sátira sobre la xenofobia.

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    Obviamente, un thriller policiaco no funcionaría si la pareja de detectives no funcionara; y aquí es donde la película tiene uno de sus puntos más fuertes. La pareja de Caan y Patinkin funciona maravillosamente y su química en pantalla es muy buena. Las actuaciones de ambos son geniales y uno realmente llega a estimar a los personajes, a interesarse por ellos y por lo que les pasa, y la escena de la borrachera con leche y la del condón son de verdad hilarantes.

    Empero, mientras que las actuaciones de la pareja estelar están muy bien, el que sí se pasa de la raya es el británico Terence Stamp en su papel de (William Harcourt), quien, en toda la película, no puede quitarse su cara de hueva.

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    Según lo relata Shane Mahan, artista del Stan Winston Studio, Stamp nunca estuvo de acuerdo con el maquillaje que debía usar ‒nueve piezas prostéticas que tenían que ser aplicadas sobre su rostro diariamente‒ y se mostraba malhumorado y poco cooperativo durante el proceso de maquillaje. Para la última escena, en la que el personaje de Stamp se transforma en una especie de Mr. Hyde, el equipo del SWS tenía preparado un maquillaje prostético más elaborado, así como un traje musculado que el actor se negó a utilizar. Stamp simplemente dijo que no lo haría, se retiró del set, subió a un avión y regresó a Inglaterra.[1]

    Esto se debió, en parte, a que la producción del maquillaje fue tan accidentada como la de la película misma. El diseño del aspecto de los neófitos pasó por muy variados estadios antes de llegar a lo que se vio finalmente en pantalla. Originalmente, se había pensado en alienígenas con características más reptilianas y piel escamosa de color pardo. Los realizadores pensaron que sería difícil para el público identificarse con criaturas que se vieran tan diferentes a ellos, así que decidieron darles un aspecto más humanoide, aunque con facciones toscas y una tez de colores amarillos y grises. Finalmente, este diseño se reservó para los neófitos que aparecían como extras en el fondo ‒sólo se cambiaron los colores‒, mientras que aquellos alienígenas que aparecían en primeros planos tendrían una apariencia mucho más cercana a la humana.

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    El guión está bien, a secas, y deposita la mayor parte de su ingenio en los diálogos y no tanto en la historia. El desarrollo de los personajes es medio disparejo, aunque ya en pantalla los actores lo hacen funcionar y lo que sí está medio chafa es el montón de clichés del Cine Negro que le metieron a la película. Digo, a final de cuentas funciona; pero sí se ve que la originalidad no fue lo suyo.

    La película fue producida por Gale Anne Hurd, quien en ese entonces era esposa de James Cameron, y se sabe que el director canadiense le metió mano al guión, aunque nunca recibió crédito por ello.

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    Y, aunque la película funciona, la verdad es que el tercer acto se cae bastante. Esto no es un problema tanto del guión, sino de la edición. De hecho, la película iba a ser lanzada en verano y era la carta fuerte de 20th Century Fox para la temporada; pero problemas en la post-producción obligaron a los realizadores a re-editar la película por completo, haciéndola más corta y cambiando su fecha de estreno de verano a octubre de 1988. De hecho, ésta fue una de las razones por las que la música original compuesta por Jerry Goldsmith debió ser retirada y sustituida por la partitura compuesta por Curt Sobel .

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    Quizá Misión Alien no es una película genial; pero sí es muy divertida y, aunque mayormente ha sido olvidada, es muy entretenida y goza de varios momentos verdaderamente brillantes. Se convirtió rápidamente en una peli de culto cuyos seguidores parecen haber desaparecido hace años; pero al menos tuvo el impacto suficiente para engendrar una moderadamente exitosa serie de televisión que duró 22 episodios (1989-1990) y una serie de películas para TV que se produjeron entre 1994 y 1997.

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PARA LA TRIVIA: El personaje de Sam Francisco originalmente sería llamado George Jetson (conocido en nuestro país como Súper Sónico, el atolondrado papá de la serie de dibujos animados, Los supersónicos [1962-1963]); pero Hannah-Barbera no quiso prestar el nombre de su personaje para la cinta. Matthew Sykes apoda a Sam “George” como una especie de chiste privado de los guionistas.

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[1] Cfr. DUNCAN, Jody, The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, London, 2006, P. 110.

TOMB RAIDER: LAS AVENTURAS DE LARA CROFT. ¿La resurrección de la franquicia?

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TOMB RAIDER: LAS AVENTURAS DE LARA CROFT

Tomb Raider

 

Roar Uthaug, 2018

 

A mediados de la década de 1990 la cultura pop se vio sacudida por la aparición de un videojuego: Tomb Raider (Eidos Interactive, 1996). Se trataba de un juego de aventura y acción en el que el jugador controlaba a la hipersexualizada ‒al menos, tanto como los pocos polígonos de la época lo permitían‒ y desproporcionada saqueadora de tumbas británica Lara Croft.

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    El juego, que incluía búsqueda de reliquias, complicados puzzles y, de modo inexplicable, una batalla contra un Tiranosaurio, no era excelente; pero marcó un antes y un después en la industria. Múltiples secuelas, en las que la calidad de los juegos y la cohesión de la historia decaían cada vez más, llevaron a la saga a su extinción. Posteriormente, la franquicia fue adquirida por Crystal Dynamics, quienes lanzaron el reboot Tomb Raider: Legend (2006), que tuvo una gran aceptación entre la crítica y los fans. A Tomb Raider Legnd, le siguió el excelente remake del primer juego de la saga, Tomb Raider Anniversary (2007); sólo para decaer con el horrible final de la trilogía, Tomb Raider: Underworld (2008).

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    Los mismos desarrolladores de Crystal Dynamics, ahora con la distribución del gigante nipón Square Enix, reelaboraron el concepto casi desde cero esgrimiendo la propuesta de un juego de aventura/supervivencia con un enfoque un poco más realista, que dio como origen dos muy buenos videojuegos: Tomb Raider (2013) y Rise of the Tomb Raider (2015). Y es la propia Square Enix quien produce la nueva adaptación cinematográfica de la heredera de Indiana Jones.

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    Ya en el pasado hubo dos películas basadas en el videojuego, Lara Croft: Tomb Raider (Simon West, 2001) y Tomb Raider: The Craddle of Life (Jan De Bont, 2003), que tuvieron una pobre aceptación por parte de la crítica y levantaron más de una ceja entre los fans. Las películas, protagonizadas por Angelina Jolie, caían en tantos absurdos y excesos que  incluso los videojuegos palidecían a su lado… y eso que no había tiranosaurios. Francamente, sólo vi la primera, que me pareció espantosa y la segunda la obvié.

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    Me llamó mucho la atención que Square Enix decidiera rebootear la saga en el cine, por lo que, con cierto tiento aunque muchas expectativas, me lancé a ver esta nueva entrega. Eso sí, cierto fin de semana, de manera completamente fortuita, fui testigo de la premiere de la cinta en la Ciudad de México… y siempre es una mala señal cuando el elenco de la película viene a nuestro país a promocionarla.

    La película narra la historia de una joven Lara Croft (la sueca Alicia Vikander, quien me parece que fue una buena elección para el papel), una aristócrata británica quien sobrevive a duras penas en el ambiente urbano de Londres, pues se niega a aceptar la herencia que dejara su padre, desaparecido siete años atrás. Cuando Lara está por aceptar legalmente la muerte de su progenitor, Lord Richard Croft (Dominic West), descubre un mensaje secreto que le da la clave para dar con su paradero: una isla deshabitada en las costas de Japón sobre la que se cierne la leyenda de una antigua reina que gobernara a su pueblo a través de la magia negra.

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    La primera parte de la cinta sigue de manera un tanto libre el argumento del videojuego reboot Tomb Raider y se enfoca más en la aventura y las peleas bonitamente coreografiadas. La segunda parte, que me parece que desmerece un tanto, es básicamente la misma historia que la segunda mitad de Indiana Jones y el Templo de la Perdición (Spielberg, 1984).

    El guión está más o menos, lleno de los huecos argumentales propios de las películas del género, aunque cuenta bien la historia. Lo que me llamó mucho la atención fue el tratamiento que se dio a la historia y a los personajes. En una estrategia que se me antoja poco afortunada, tanto la anécdota como los personajes que en ella intervienen no sólo son menos oscuros que en el videojuego, sino que son más superficiales. Así, resulta que los personajes del entretenimiento electrónico están mucho mejor escritos que sus contrapartes de la pantalla de plata.

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    Aunque esto no es extraño, pues las películas basadas en videojuegos tienden a simplificar, e incluso abaratar, a los personajes, como Guile en Street Fighter: la batalla final (De Souza, 1994), Albert Wesker en las cintas de Resident Evil (2002-2016), Scorpion y Sub-Zero en Mortal Kombat (Anderson, 1995)… o prácticamente todo en la infumable Super Mario Bros. (Jankel y Morton, 1993).

    SPOILER Es muy curioso cómo el villano de la cinta, Mathias Vogel (Walton Goggins), pasa de ser el enloquecido de poder líder de una secta apocalíptica en el videojuego a un simple esbirro de una codiciosa corporación multinacional en la peli. Del mismo modo, el padre de Lara Croft estorba más de lo que ayuda y, cuando lo hace, más bien traiciona la esencia del personaje de Lara. La misma Lara Croft comienza siendo esta superviviente convertida en heroína a fuerza de necesidad para convertirse, ya hacia el final de la peli, en el personaje inverosímil y unidimensional de las primeras películas/videojuegos. TERMINA SPOILER

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    No es un secreto para nadie que las películas inspiradas por juegos de video suelen ser malas. En parte creo que esto se debe, más allá de que como películas suelen estar pobremente ejecutadas, a que la relación tan íntima que puede desarrollarse entre videojuego y videojugador es prácticamente imposible de trasladar a la  pantalla grande. En última instancia, vivir una aventura en un medio virtual es mucho más divertido que ver a alguien más viviendo esa aventura en la pantalla.

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    A pesar de todo, creo que Tomb Raider sale bien librada de todo el desmadre. Es una película entretenida, con actuaciones bastante decentes y escenas de acción muy bien logradas que, en mayor medida, compensan su pobre argumento y el hecho de que parezca estar armada con pedazos de otras películas… ¿o soy el único al que las escenas en el interior de la tumba de Himiko le parecieron sospechosamente similares a las escenas de la pirámide en Alien vs Depredador (Anderson, 2004)? SPOILER Y también eso de que Richard Croft desapareció por andar investigando el Más Allá después de la muerte de su esposa… ¿no se parece al argumento de Casper (Siberling, 1995)? TERMINA SPOILER.

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    La fotografía es adecuada. Me pareció cumplidora; pero, en general, poco propositiva y sin el más mínimo asomo de brillantez. Más o menos logra recrear la atmósfera y la estética del videojuego, eso sí, y como herramienta narrativa es eficiente, pero no mucho más.

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    Tomb Raider no será la película que cambie tu vida… de hecho, por sus pobres resultados en taquilla, incluso queda en duda si será la película que resucite la franquicia; pero no es tan mala. En los estándares de películas basadas en juegos de video, no es para nada Terror en Silent Hill (Gans, 2006) ‒a mi gusto, la mejor película de este subgénero‒ pero tampoco es la abominación que fueron Mortal Kombat: Aniquilación (Leonetti, 1997), Resident Evil: la venganza (Anderson, 2012) o Street Fighter: la leyenda de Chun Li (Bartkowiak, 2009). Es una cinta que se deja ver, entretenida y palomera, de la que uno saldrá satisfecho si no le exige demasiado… o si la compara con las pelis anteriores de Tomb Raider.

PARA LA TRIVIA: Otras actrices que fueron consideradas para interpretar a Lara Croft en esta película fueron Daisy Ridley ‒quien rechazó el papel por estar ocupada con The Last Jedi (Johnson, 2017)‒, Emilia Clarke, Saoirse Ronan y Clara Delevingne. También existía el rumor de que Olivia Wilde fue considerada una opción para el rol, pero este rumor fue desmentido por la actriz.

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PANTERA NEGRA. Las aventuras del rey de Wakanda en la pantalla grande.

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PANTERA NEGRA

Black Panther

 

Ryan Coogler, 2018

A este artículo pude ponerle como subtítulo “Blek Pantha”, que es como lo pronuncian ellos en la película; pero me pareció racista, así que me abstuve.

    No estaba muy interesado en ver esta película; pero escuché comentarios de que “era la mejor película que había hecho Marvel”… Después recordé que cada que sale una película nueva de Marvel dicen que es lo mejor que ha hecho Marvel. Como sea, me lancé a verla y lo primero que agradezco es que no utilizaran su argumento genérico de toda la vida Iron-Man (Favreau, 2008)/Ant-Man (Reed, 2015)/Dr. Strange (Derrick, 2016), que son prácticamente la misma película… bueno, al menos no lo usaron por completo.

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    Según la película, en el interior de África Occidental existe un país de agricultores conocido como Wakanda. Sin embargo, en lo más recóndito de dicha nación, oculto a los ojos del mundo, se encuentra el verdadero reino de Wakanda, un pueblo próspero que ha desarrollado una impresionante tecnología gracias a que se encuentra situado sobre una montaña de vibranio. Cuando el rey T’Chaka (John Kani) es asesinado, su hijo y sucesor al trono y al título de Pantera Negra, T’Challa (Chadwick Boseman), descubrirá un complot detrás del atentado y del robo de un artefacto wakandiano fabricado con vibranio.

    Nunca leí los cómics de Pantera Negra. Desde niño sabía quién era y qué hacía, pero no conocía su historia. No sé qué tan fiel sea la historia de la peli a la original de los cómics; pero lo que vi en pantalla se me hizo “inconvenientemente parecido” a los cómics de El Fantasma. Y bueno, todo el rollo del regicidio y el heredero y el complot y los feudos familiares y la manga del muerto es bastante shakespiriano, pero ambientado en África… ¡Oh! Esperen, lo hicieron hace casi 25 años, se llamó El rey león (Allers y Minkoff, 1994).

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    Ya en serio, la película me agradó. Es entretenida, tiene algunos chistes bastante graciosos ‒como ése de Grace Jones‒ y hay algunas secuencias de acción muy bien logradas. El diseño de arte es fastuoso y las actuaciones son bastante decentes ‒siempre es interesante ver a Andy Serkis en carne y hueso‒. Quizá es un poco larga, pero no es algo que se vuelva cansado.

    El soundtrack también es muy bueno. La música compuesta por Ludwig Goranson mezcla música sinfónica con ritmos tribales y beats electrónicos, y se escucha bastante bien. Hay algunos leit motivs interesantes que le dan a la cinta una dimensión épica y, en algunos casos, incluso trágica. Francamente, me parece que la música logra mucho más afortunadamente crear el universo de la película que la película misma.

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    Y es que Pantera Negra no está exenta de sendos fallos, mismos que comento a continuación:

    Primero: si bien el diseño de arte es maravilloso, la realización deja qué desear. El diseño de los vestuarios está muy padre y se inspira fuertemente en diferentes culturas africanas, pero en algunos de ellos las fibras sintéticas y el estampado con serigrafía como que desentonan. En general, ni el vestuario ni la utilería logran quitarse de encima ese look artificial que creo que no les va nada bien.

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    Las caracterizaciones de algunos personajes también me parecieron desafortunadas. Me refiero específicamente a las escarificaciones de Killmonger (Michael B. Jordan) y a la peluquita de rastas blancas de la reina Ramonda (la siempre genial Angela Bassett).

    Segundo: a lo anterior habría que sumarle una fotografía poco hábil que, aquello que podría lucir bien, lo hace lucir chafa. Algunas escenas son demasiado oscuras y aquéllas que fueron filmadas en estudio no pueden alejarse de esa iluminación de estudio que en las películas análogas ya era notoria y ahora, en la Alta Definición, resalta como un frijol en una olla de arroz.

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    Y finalmente, lo que de verdad no me gustó nada fue el CGI. ¿Cómo es posible que en pleno 2018 haya películas que se vean así? Quizá los vehículos y las bolas de plasma se vean bien; pero los escenarios virtuales son verdaderamente espantosos. No sé si trataban de recrear un paisaje tratando de que se viera real o si querían que pareciera el decorado de un diorama del Museo de Historia Natural. Del mismo modo, quizá seamos cada vez menos, pero aún habemos personas que sabemos cómo se ve un rinoceronte blanco… y no es para nada así.

    Las animaciones del traje de Pantera Negra sí se ven bastante bien, supongo que fueron ésas las que creó Industrial Light & Magic. Me parece que parte del fallo estuvo en que los efectos especiales, al ser demasiados, fueron realizados por al menos una docena de estudios más pequeños. Es una táctica común de los grandes estudios subcontratar a compañías más pequeñas para delegarles parte del trabajo de efectos especiales; el problema es cuando, como en este caso, el resultado final luce tan disparejo… ¿verdad, Spawn (Dippé, 1997)?

    Pantera Negra no sólo me entretuvo durante alrededor de dos horas, sino que también me motivó a reflexionar sobre el cine de superhéroes en su estado actual y llegué a dos conclusiones, que quizá muchos dirán que son resultado de la nostalgia, pero que es en lo que he estado cavilando.

    Por principio de cuentas, está la cuestión del abuso del CGI. Estoy consciente de que, así como yo crecí con los efectos especiales de la vieja escuela, con los animatrónicos de Stan Winston y los maquillajes de Rick Baker, la Generación Z ha crecido con el CGI y difícilmente acepta efectos especiales diferentes. Sin embargo, parte del encanto de las primeras cintas de superhéroes era cómo se lograba adaptar el universo fantástico de las páginas de los cómics al “hiperrealismo” del cine. Era un ejercicio de insertar a estos personajes en nuestra realidad y hacerlos verosímiles.

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    Empero, en la actualidad, cuando es posible crear todo ese universo tal cual se ve en el material impreso, el trabajo de adaptación es básicamente nulo. Así, en opinión de su servidor, los superhéroes de esta generación de películas funcionan muy bien en sus universos de CGI, que lucen maravillosos… pero que, a la vez, los alejan de nuestra realidad. Estos superhéroes se ven ajenos y artificiales.

    En segunda instancia está el asunto de los universos cinematográficos que desde un principio fueron planeados como tales. Sin lugar a dudas, más que una herramienta narrativa, se trata de una estrategia de mercado que el monopolio Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm/Fox ha implementado con éxito; pero que ya francamente se ha extendido tanto y tan innecesariamente que el Universo Cinematográfico Marvel parece un folletín victoriano.

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    Precisamente la mayor fortaleza de esta estrategia de mercado es su principal debilidad: Si no viste una de las películas, muy probablemente no le agarres la onda a las otras… y también es posible que, como en  mi caso, te importen cada vez menos.

    Como sea, Pantera Negra se supone que será el preludio para el plato principal y final de la tercera etapa del proyecto del Universo Cinematográfico Marvel: Avengers Infinity War (Hnos. Russo, 2018). Aun así, la peli puede perfectamente disfrutarse sin haber visto ninguna otra del MCU.

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    Pantera Negra es una cinta divertida y entretenida. Tiene por ahí varias vueltas de tuerca que, si bien son predecibles, son bastante efectivas y, al menos en mi caso, logró conectar con el público. Nada profundo, nada complicado, sólo dos horas y cuarto de entretenimiento sin demasiadas pretensiones más allá de compartir un bonito mensaje sobre la fraternidad, la generosidad, el bien común y condenar el supremacismo racial, venga de quien venga. Además de que la situación de Wakanda y sus depósitos de vibranio fue inspirada por la del Congo y sus minas de coltán.

    Lo que es curioso es que los miembros de la Familia de Pantera Negra no se parezcan entre sí y, de hecho, tengan tipos físicos de distintas razas e incluso acentos de distintas regiones ‒notorios aún a pesar del acento que les pusieron a todos a fingir en la peli‒… ¿o sea que ya porque todos son negros pueden pasar por familia? ¿No es un poco racista?

PARA LA TRIVIA: En la década de los 90, Wesley Snipes se acercó a Marvel con un guión para adaptar los cómics de Pantera Negra a la pantalla grande; pero diferencias creativas entre él y los potenciales directores evitaron que el proyecto se concretara.

PARA LA TRIVIA GEEK: El cómic de Pantera Negra fue publicado por primera vez en 1966, dos meses antes del surgimiento del grupo activista Panteras Negras. Debido a que mucha gente asoció ambos nombres, el título del cómic fue cambiado por Black Leopard, pero el cambio no prosperó y, al cabo de un par de meses, se volvió al título original.

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5 RECOMENDACIONES PARA SAN VALENTÍN

PELÍCULAS PARA SAN VALENTÍN

 

Sé lo que deben estar pensando: ¿El Cinéfilo Incurable tiene corazón? Probablemente, no. Y si alguna vez dije que la Navidad sí me gustaba, el Día de San Valentín ‒que como actualmente lo conocemos fue instituido a mediados del siglo XIX por las compañías impresoras de tarjetas de felicitación‒ me desagrada bastante. Las cosas suben de precio y las calles están atestadas de gente; lo cual, eso sí, me parece un buen pretexto para quedarse en casa con ese alguien especial y mirar algunas películas.

    Por tal motivo, he preparado esta breve lista de películas que recomiendo para ver en San Valentín. No son necesariamente cursis o comedias románticas a lo Meg Ryan; sino cintas que hablan sobre el amor en diferentes facetas… bueno, y una de horror que es alusiva a la celebración de San Valentín.

    Así pues, aquí les dejo el Top 5 del Cinéfilo Incurable para ver en San Valentín.

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5.- Romeo y Julieta

Romeo + Juliet, Baz Luhrman, 1996

La generación de mis padres creció con el arquetipo del Romeo y Julieta de Franco Zefirelli (1968), con la hermosa Olivia Hussey, que es genial a su modo. Pero si debiera hacer una lista una de mis películas generacionales, seguramente esta versión Glam de la clásica tragedia de William Shakespeare estaría en ella.

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    Filmada en locaciones en la Ciudad de México y Acapulco, el romance prohibido entre los jóvenes de dos familias rivales es trasladado de la Italia renacentista al California posmoderno, pero respetando el texto del Bardo Inmortal… ¡Y funciona! Las actuaciones de Leonardo DiCaprio y Claire Danes como la pareja titular son bastante adecuadas, y la participación de Harold Perrinau como Mercutio drag queen y John Leguizamo como Teobaldo pandillero son sobresalientes.

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    Además, claro, del sensacional soundtrack completamente producto de su época que, seguramente, ocupa aún un lugar especial en la fonoteca de quienes fueron adolescentes en esa década.

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4.- ABC de amor

Little Manhattan, Mark Levin, 2005

Esta película es uno de esos casos en los que una cinta independiente se vuelve súper famosa… por un trimestre y después se olvida por completo. Muy aparte de las modas cinematográficas, la película es bastante disfrutable, tierna por donde se le vea y con una bonita vuelta de tuerca al final que se agradece.

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    Gabe (Josh Hutcherson), un preadolescente clasemediero de Nueva York se reencuentra con una antigua compañera del kínder, Rosemary Telesco (Charlotte Ray Rosenberg), de quien se enamora irremediablemente. El pobre Gabe conocerá lo que es enamorarse por primera vez mientras se enfrenta a la vida en la Gran Manzana y al divorcio de sus padres.

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3.- El descanso

The Holiday, Nancy Meyers, 2006

Por lo general, las comedias románticas suelen ser una colección de clichés y lugares comunes, siendo su única variación las estrellas de moda que se enamoran en la pantalla… a menos que la protagonista sea Katherine Heigl, en cuyo caso no hay diferencia.

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    De tal suerte, encontrar una película de dicho subgénero que tenga algo parecido a una personalidad propia y que, incluso, llegue a superar la receta con la que fue hecha, es verdaderamente notable. Éste es el caso con El descanso.

    La gringa Amanda (Cameron Diaz) y la británica Iris (Kate Winslet) han sufrido, cada quien en su terruño, terribles decepciones amorosas que las obligan a tomarse un descanso y dejar atrás todo lo que las rodea. Así pues, Amanda e Iris deciden intercambiar casas por las vacaciones y pasar unos días tomando el color local. Como era de esperarse, cada una de las chicas conoce a un galán local del cual se enamorarán.

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    Así pues, lo que no sólo salva a esta peli de ser una más del montón, sino que la eleva a un nivel superior, son las actuaciones y la química de su cuadro de protagonistas, que se completa con Jude Law y Jack Black.

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2.- Sangriento San Valentín

My Bloody Valentine, George Mihalka, 1981

Vamos, sabían que, siendo tan aficionado como lo soy al cine de terror y horror, no podía dejarlo fuera de esta lista.

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    A principios de la década de 1980, el subgénero slasher estaba en la cúspide de la popularidad y Canadá hizo no pocas aportaciones a él. Quizá una de las más memorables es Sangriento San Valentín.

     Años atrás, el apacible pueblo minero de Valentine Bluffs fue sacudido por la tragedia durante el baile anual de San Valentín, por lo que dicho festejo fue cancelado. Hoy día, los habitantes del pueblo desoyen la prohibición y comienzan a ser asesinados brutalmente conforme se acerca la fatídica fecha.

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    Sangriento San Valentín es uno de mis slashers favoritos. Aun cuando la premisa es poco original y su falta de presupuesto rezuma en cada fotograma, la ambientación es genial y tiene algunas de las escenas de muertes más originales que he visto ‒sobre todo la edición extendida‒.

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    Existe un remake de 2009 que es increíblemente más fresa que la película original.

Lee el artículo competo aquí.

 

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1.- Sueño de una noche de verano

A Midsummer’s Night Dream, Michael Hoffman, 1999

¿Quién podría dar una opinión más acertada sobre el amor y sus diferentes facetas que el Bardo de Avon? Esta adaptación de fin de milenio de la comedia romántica por excelencia escrita por William Shakespeare posee un reparto multiestelar que incluye a Kevin Kline como el egocéntrico director teatral Nick Bottom, el siempre genial Stanley Tucci como un sarcástico Puck, Rupert Everett y Michelle Pfeiffer como los reyes de las hadas, y Callista Flockhart (¿se acuerdan de ella?), Christian Bale y Sophie Marceau como los enamorados atenienses… y no, no sale Kenneth Branagh.

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    Los enredos de varias parejas de enamorados y una compañía de teatro amateur ocasionados por los celos, la incomunicación y un poco de magia entretejen la trama de una comedia de situación que no sólo es divertida y picaresca, sino también conmovedora.

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    Aunque hay una legión de adaptaciones de esta obra de Shakespeare, ésta es mi favorita. No sé, supongo que será porque fue la que vi cuando estaba en la secundaria.

 

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ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS. De cuando “Carmila” pasó por México…

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ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS

Que internacionalmente se comercializó con una variedad de títulos como Sisters of Satan, Innocents from Hell, Mark of the Devil 3 y Mark of the Devil III: Innocent from Hell; pero cuyo título original es Alucarda.

 

Juan López Moctezuma, 1977

 

Existe un subgénero del cine de explotación conocido como nunsploitation, cuya propuesta es presentar historias de monjas que sufren por la represión sexual al interior de los conventos. Con frecuencia estas películas toman prestados elementos del cine de terror. El nunsploitation es, probablemente, uno de los subgéneros más arcanos del cine, pues sólo vio un breve periodo de auge en la década de los 70 y su repertorio difícilmente llegará a una docena de cintas. Dos de ellas son mexicanas.

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    Alucarda, cuyo argumento es atribuido en los títulos iniciales a López Moctezuma y otras cuantas personas, aunque retoma no pocos elementos de la novela gótica Carmilla de Joseph Sheridan LeFanu, cuenta la historia de Justine (Susana Kamini), una joven huérfana que es llevada a un convento que funciona como hospicio. Ahí conocerá a otra chica, Alucarda (Tina Romero), con quien trabará una amistad inconvenientemente profunda. Poco a poco, el Diablo poseerá a las muchachas, quienes sembrarán el terror al interior del convento. La única esperanza para la orden y las chicas a su cuidado es el Dr. Oszek (Claudio Brook, a quien Guillermo del toro llegara a comparar con Vicent Price), pero ¿podrá superar su escepticismo antes de que sea demasiado tarde?

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    Juan López Moctezuma, quien fuera actor y director de teatro, asistente de Seki Sano y posteriormente socio de Jodorowsky en el Grupo Pánico, producía sus películas de manera independiente fuera del sistema de la industria cinematográfica mexicana. Esto lo llevaba a filmar las películas en inglés, con vistas a comercializarlas internacionalmente y no sin razón, pues su exhibición en nuestro país era prácticamente nula y, al menos en el caso de Alucarda, eran odiadas por la crítica.

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    Es poco sabido que, en las décadas de 1960 y 1970, muchas películas “de arte” o “de autor” eran comercializadas en Estados Unidos a través de los autocinemas… ya que no importaba realmente lo que pasaran porque nadie iba al autocinema a ver las películas, dichos locales proyectaban cintas de mera explotación al mismo tiempo que la última moda del Avant-Garde. Las cintas de López Moctezuma, con un alto contenido erótico al mismo tiempo que con una sólida propuesta estética, podían comercializarse bajo ambas etiquetas.

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     Y es precisamente el sello autoral lo que rescata la película. El guión no es particularmente bueno y está lleno de huecos; las actuaciones son decentes, aunque nada sobresalientes ‒particularmente si uno ve la cinta en su versión doblada al castellano‒, lo mismo que la música. Sin embargo, todos sus elementos se conjugan para crear una película completamente atmosférica y única que es más bien una atípica en el cine de vampiros y una verdadera anomalía en el cine nacional.

    El director mexicano no sólo logra crear su propio universo dentro de la película; sino que crea un tipo de vampiro propio y la peli se vuelve una mezcla de cine de vampiros con cine de posesiones satánicas. Alucarda nunca bebe sangre en pantalla; pero se alimenta de la juventud de chicas inocentes, es inmortal, tiene poder sobre los elementos y las mentes de sus adversarios, y sus víctimas se convierten en muertos vivientes. El director explicó alguna vez que quiso dotar a Alucarda con aquellos poderes que Bram Stoker nunca dijo que Drácula tenía, pero que uno intuía que debía tener. Del mismo modo, en una obvia referencia a la leyenda de Erzsébet Bathory, una vez que Justine resucita, duerme en una cripta dentro de un ataúd lleno de sangre.

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    Por supuesto, no puede dejarse de lado el aspecto erótico de la película. López Moctezuma dijo alguna vez que era “en lo erótico donde la fantasía y la realidad podían unirse”[1], por lo que sus películas estaban llenas de erotismo y Alucarda no fue la excepción. Para ese momento, e incluso en décadas por venir, fue una de las películas de terror/horror con mayor cantidad de desnudos, tanto masculinos como femeninos, en pantalla ‒lo que me recuerda La marca de la pantera (Schrader, 1982), recuérdenme que hable de ésa después…‒.

    Creo que el elemento que más destaca en Alucarda, y que termina de consolidarla como una película de autor, es el diseño de arte, que no puede parecerme menos que maravilloso. El interior del convento parece una cueva y los muros de la capilla, de piedra cruda, están adornados con velas chorreantes y figuras humanas en relieve que se ven geniales; por no mencionar que tanto las paredes de la cripta como las del convento están tapizadas con sugerentes piezas de cuerpos humanos. Los hábitos de las monjas son extrañísimos y parecen más apropiados para vestir momias, y en general toda la paleta de colores responde a una propuesta estética definida.

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    La fotografía, por otro lado, es bastante dispareja. A cargo de Xavier Cruz, la cinematografía es muy interesante a nivel de composición e incluso los movimientos de cámara y los encuadres son llamativos y dinámicos. Sin embargo, la iluminación deja que desear en escenas específicas; no es mala per se ‒hay muchas secuencias que están hermosamente fotografiadas‒, sino simplemente hay secuencias muy particulares en las que no funciona del todo.

    Con todo y su sello autoral, la película sufre por su poco presupuesto. No se trata para nada de una cinta de Serie B que alguien hizo simplemente por sacar algo de dinero; muy al contrario, se nota que alguien juntó todo el dinero que pudo para hacerla, pero hubiera estado bien tener un poco más. La cinta se ve rallada, de lo cual deduzco que usaron una película ya vieja para filmar, el sonido es malo ‒aunque bastante decente para los estándares del cine mexicano‒ y nunca he sabido por qué, de repente en algunos parlamentos, le cambian los nombres a los personajes y Justine en un par de escenas se llama Christine, mientras que Daniela (Lili Garza) se convierte en Camila.

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    Finalmente, creo que el apartado en el que más sufre la película es en la edición. La postproducción ‒que engloba otros procesos como la edición, montaje, mezcla de audio, etc.‒ es un proceso largo y costoso, de hecho, es tan costosa o incluso más que filmar la película misma. Es por esa razón que muchas producciones con un presupuesto ajustado son editadas de manera descuidada o incluso torpe. En el caso de esta película, hay escenas con cortes muy duros y transiciones poco afortunadas, así como tomas de reacción fuera de tiempo.

    La película estuvo perdida durante muchos años hasta que fue rescatada por Manuel Santillán. La cinta se restauró e incluso algunas escenas perdidas fueron reinsertadas en el corte y fue reestrenada en la Cineteca Nacional en el año 2000.

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    Alucarda es, sin duda alguna, un producto de su tiempo; pero es también una película subversiva que rompe con la tradición del cine mexicano de terror ‒que López Moctezuma siempre dijo que no le gustaba para nada‒. Con una marcada influencia del surrealismo, el estridentismo, la iconografía religiosa del Renacimiento y el Theatre du Grand Guignol, así como de las películas de terror de la Hammer, Alucarda termina siendo un capricho y una extravagancia que puede ser muy disfrutable si uno está en el mood para ello.

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    Durante años, López Moctezuma planeó una secuela cuyo título sería Alucarda Rises from the Grave (Alucarda se levanta de la tumba); pero el proyecto nunca se concretó.

    Por cierto, ¿es mi imaginación o el tema principal del videojuego Demon’s Crest (Capcom, 1994) se parece sospechosamente al de Alucarda?

PARA LA TRIVIA: La cinta fue filmada en los Estudios América (hoy Estudios Azteca-América). La fachada del convento era parte de los decorados fijos del estudio y puede apreciarse en otras películas como Vacaciones de terror II: el cumpleaños infernal (Galindo, 1989).

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[1] Entrevista publicada en Cine Girl en 1977.

DIOSES Y MONSTRUOS. Los últimos días en la vida del director de “Frankenstein”.

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DIOSES Y MONSTRUOS

Gods and Monsters

 

Bill Condon, 1998

 

Es innegable que Frankenstein (1931), de James Whale, fue una de las películas más influyentes del siglo XX e, incluso, de la historia del cine. La imagen del monstruo cadavérico con pernos en el cuello y la cabeza plana se ha grabado con fuego en el inconsciente colectivo y se ha convertido en un icono de la cultura pop. Incluso, esta imagen de la Creatura de Frankenstein ha trascendido a la de la fuente original de la novela escrita entre 1816 y 1818 por la autora británica Mary Shelley.

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    Gran parte del éxito de la película, y dicho sea de paso de su secuela, se debió a la genialidad de su director, el británico James Whale. Dioses y monstruos está basada en la novela Father of Frankenstein, de Christopher Bram, que es un relato ficticio sobre los últimos días en la vista del director británico, vistos a través de los ojos de su jardinero.

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    En la película, Whale (Ian McKellen, insuperable) acaba de regresar a su casa luego de estar internado en el hospital debido a una embolia. Clayton Boone (Brendan Fraser cuando ya era conocido, pero antes de La momia [Summers, 1999]), el nuevo jardinero, despierta inmediatamente el interés de Whale, quien le pide que pose para pintar su retrato. Conforme el tiempo pasa, Whale y Boone se irán conociendo e irán trabando una compleja relación llena de satisfacciones y asperezas que pondrá a prueba su tolerancia y sus sensibilidades.

    Esta película la vi en el cable cuando estaba en el último año de la secundaria y me pareció maravillosa. Desde mi temprana adolescencia, Frankenstein ha sido mi libro favorito. Luego vi la película y me gustó, aunque recuerdo que me molestaba un poco que se hubieran tomado tantas libertades con respecto a la novela. Luego vi anunciado que iban a transmitir esta película y me causó mucha curiosidad. Cuando la vi, quedé abrumado.

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    El guión de la cinta, escrito por el mismo Condon, es maravilloso. No sólo retrata a James Whale como lo que era: un artista sensible y temperamental, profundamente humano nacido en el entorno equivocado ‒bueno, seamos honestos: también era una superbitch‒; sino que crea un paralelismo entre él y la Creatura de Frankenstein. Se trata de monstruos ‒en la peli, Whale es marginado de la sociedad por su homosexualidad‒ que no tienen lugar en el mundo y que están condenados a vivir en la desesperación de la más absoluta soledad. Al igual que la Creatura, lo único que Whale busca es un amigo.

    Y así como hay un paralelismo entre Whale y la Creatura de Frankenstein, hay otro entre la Novia de Frankenstein y Boone, quien se horroriza y rechaza a Whale en un primer nivel; pero que comprende que ambos están constituidos de maneras muy similares. Incluso el personaje de Hannah (Lynn Redgrave), la sirvienta, es una clara parodia de la actriz de carácter Una O’Connor, quien se convirtiera en la actriz fetiche de James Whale.

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    También me parecieron maravillosas las interpretaciones de Marlon Braccia como Elizabeth Taylor y Jack Betts como Boris Karlof… ¡Está igualito!

    Por otro lado, el guión está lleno de juegos de palabras y sutilezas que, interpretados por hábiles actores resultan por demás efectivos. La secuencia en la que Whale, en la recepción de la princesa Margarita (Cornelia Hayes O’Herlihy), presenta a Clayton como su nueva conquista sin que éste se dé por enterado es simplemente deliciosa. Muchos de los parlamentos son polisémicos e invitan al espectador a realizar varios visionados de la cinta para captar sus diferentes niveles de lectura.

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    Y algo que me parece verdaderamente encomiable es que la película es de lo más accesible. Parece mucho menos compleja de lo que en realidad es. A diferencia de otras cintas que se las dan de muy intelectuales y cuyo cometido parece ser hacer sentir estúpido al público que no le entendió porque es demasiado profunda ‒sí, ¡Madre! (Aronofsky, 2017), te estoy viendo a ti‒, esta cinta lleva al espectador de la mano por un relato que, si bien no es históricamente preciso, sí retrata el genio artístico de Whale y su relación con su obra; además de ser una conmovedora historia sobre la compasión y la dignidad. Se trata de la lucha de un hombre incomprendido que trata de vivir su decrepitud con dignidad.

    Aun cuando en esencia se trata de un relato trágico, la película no está exenta de cierta comedia. De hecho, hay muchos momentos muy graciosos que se dan a partir de los parlamentos bien ejecutados y de la compleja relación entre los dos personajes centrales. En este sentido, creo que se trata de una película muy teatral ‒de hecho, sí existe una adaptación para teatro‒. La mayoría de las secuencias son simplemente dos personas hablando en un estudio ¡pero qué bien se ven!

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    Por supuesto, nada de esto habría sido posible sin la hábil dirección del desigual Bill Condon, a quien quizá recuerden por películas como Kinsey: el científico del sexo (2004), Chicago (2002)… o La saga Crepúsculo: Amanecer Partes I (2011) y II (2012) ‒porque hasta él tiene que pagar la renta‒, y la versión Live Action de La Bella y la Bestia (2017). Empero, en esta película, los actores están muy bien dirigidos y todos están en un tono de drama bien logrado.

    La fotografía, a cargo de Stephen M. Katz (colaborador recurrente de Condon en sus primeros trabajos), al igual que el guión y las actuaciones está llena de matices y sutilezas. De hecho, la fotografía es propositiva y expresiva, y es utilizada como una herramienta narrativa de gran eficiencia. Por ejemplo, las escenas de flashbacks, sueños o de alucinaciones de James Whale están filmadas con un ligero desenfoque para darles un toque de irrealidad.

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    Otro de los elementos que siempre me han encantado de esta película es el diseño de los sets, así como el set dressing. Desde la recreación del estudio donde se filmó La novia de Frankenstein (Whale, 1935), hasta el maravillosamente decorado set del estudio de Whale, pasando por sus recuerdos de las trincheras en la Primera Guerra Mundial, con su claro tributo a los sets de la primera Frankenstein.

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    En algún momento de la película, Whale menciona que La novia de Frankenstein era una comedia sobre la muerte. Del mismo modo, Dioses y monstruos, aunque no es una comedia como tal, tiene un tono bastante ligero para hablar de esa barrera insondable que significa el fin de la vida. Es una película muy bien hecha, que resulta en una experiencia enternecedora y, sin duda, una de mis películas favoritas.

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PARA LA TRIVIA: Cinco dibujos originales de James Whale fueron utilizados como parte de la utilería de la película.

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