AVENGERS: ENDGAME. El final de una era.

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AVENGERS: ENDGAME

 

Anthony Russo y Joe Russo, 2019

En el video que posteé minutos después de salir de ver esta película la califiqué con el bonito epíteto de “apoteosis del cine de superhéroes”. Y lo sostengo. Incluso creo que podríamos llamarla una obra maestra del género. Si bien la primera parte, Avengers: Infinity War (Hnos. Russo, 2018), siento que me quedó a deber un poco, con esta lo compensaron y es que, más que una película y su secuela, se trata de una peli dividida en dos partes que se complementan de forma armónica.

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    Esta película comienza casi un mes después de los eventos vistos en Avengers: Infinity War. El titán Thanos (Josh Brolin) ha logrado su objetivo, causando la desaparición de la mitad de la vida terrestre, tras lo cual ha desaparecido. En la Tierra, el equipo conformado por los Vengadores restantes, Viuda Negra (Scarlett Johansson), Capitán América (Chris Evans),War Machine (Don Cheadle), Thor (Chris Hemsworth) y Bruce Banner (Mark Ruffalo) trata de encontrar una solución. Después de cinco años, todo parece perdido cuando SPOILER, en un deus ex machina digno de folletín del XIX, Ant- Man (Paul Rudd) regresa del Mundo Cuántico con una idea que podría devolver a aquéllos que fueron arrebatados de nuestro mundo por Thanos. La idea no sólo es descabellada, sino terriblemente peligrosa; por lo que los Avengers se cuestionarán si realmente quieren salvar a la humanidad o si simplemente deben resignarse a vivir en el universo mutilado por el Titán Loco. TERMINA SPOILER

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    En repetidas ocasiones he mencionado ya que no soy fan del cine de superhéroes. Me gusta; pero no soy fanático. No he visto las 21 películas de Marvel antes de Endgame… habré visto dieciséis o diecisiete, jaja. Sea como fuere, sin importar el género, cuando una película es encomiable, no tengo empacho en decirlo y Avengers: Endgame lo es.

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    Si ustedes recuerdan mi crítica de Avengers: Infinity War, entonces recordarán que no me había dejado del todo satisfecho. Me parecía que estaba bien, pero que algo le faltaba, como que algo de plano no terminaba de cuajar. Ahora ya lo entendí. Mucho de lo que estaba faltando en Infinity War lo reservaron para Endgame. Como lo dije al inicio, ambas películas se complementan y, como en el caso de la Trilogía de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003), más bien se trata de una sola obra dividida en varias partes.

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    La historia está bien. Digo, a nivel de historia no hay mucho de qué hablar, pasa más o menos lo que uno sabía que iba a pasar, aunque se agradecen un par de vueltas de tuerca inesperadas que refrescan el asunto y que mantienen el suspenso.

    Del mismo modo, el guión me pareció bueno. No es nada profundo ni mucho menos; pero creo que es un buen melodrama con resoluciones ingeniosas y moderadas dosis de humor para aliviar los momentos de tensión. La pléyade de personajes que aparecen en pantalla mantiene su esencia e incluso evolucionan, mientras el argumento rebuscado se cuenta de manera eficiente. Es interesante cómo funciona el primer acto de la peli, que es más bien denso, oscuro y contemplativo, y desarrolla de forma interesante a los personajes para aquello en o que se convertirán durante el resto de la cinta.

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    Aunque, eso sí, hay algunos parlamentos de los personajes que resultan un tanto contradictorios con el contexto, con la situación o incluso con las acciones que se están mostrando en pantalla. Del mismo modo, está plagado de huecos argumentales difíciles e incluso imposibles de salvar si uno de verdad se pone quisquilloso.

    SPOILER Y bueno, por lo general, cuando una saga empieza a utilizar como recurso los viajes en el tiempo, tradicionalmente se considera que se les están acabando las ideas. Por ejemplo, en el guión original de Pesadilla en la calle del Infierno 3: los guerreros del sueño (Russell, 1987), se contemplaba un viaje en el tiempo; pero los realizadores desecharon la idea rápidamente, casi por la pura pena. Empero, en el caso de Avengers: Endgame, la idea del viaje en el tiempo ha estado presente desde el principio de la saga, por lo que, al final logran hacer que funcione y no sólo como un recurso sacado de la manga, sino como un pivote de la historia. TERMINA SPOILER

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    Las actuaciones también me gustaron mucho. Digo, los actores ya han tenido bastante tiempo para crecer dentro de sus personajes, siendo las adiciones más recientes Tom Holland, como Peter Parker/Spider-Man, y Brie Larson como Capitana Marvel, por lo que pueden brindar interpretaciones llenas de matices y sutilezas. Quizá no todos, quizá no todo el tiempo; pero muchos de los personajes tienen momentos brillantes en pantalla.

    La dirección también está bien y, sobre todo, es sorprendente cómo logran integrar tantos elementos en un solo argumento –con sus errores de continuidad, estoy seguro, pero que francamente no detecté en este primer visionado–. A pesar de todo, la película no es pesada ni se sienten su más de tres horas de duración. Por el contrario, mantiene un muy buen ritmo y es entretenida e interesante durante todo el tiempo.

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     Y, por supuesto, lo que es verdaderamente apabullante es la batalla final. Recuerdo haber estado sentado en la butaca del cine y pensar que justo eso es lo que esperaba ver en una película de superhéroes desde que era niño. Por supuesto, es un show de pirotecnia… ¡pero qué show de pirotecnia!

    Lo que me lleva a otro punto: los efectos especiales. Los tres más grandes estudios de efectos especiales en la industria trabajaron en esta película: Industrial Light & Magic, Weta Digital y Digital Domain, y se nota en el resultado… la mayor parte del tiempo. Me refiero a que, si bien la mayoría de los efectos visuales en la cinta son asombrosos, Hulk queda a deber en varias de sus escenas. Fuera de eso, creo que en lo demás no hay fallo.

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    Y, por supuesto, la peli está llena de fan service y de referencias no sólo a otras películas de Marvel; sino a los cómics que las inspiraron y a otras pelis. SPOILER La referencia a Volver al futuro (Zemeckis, 1987) que, de hecho, deriva ultimadamente en una parodia de Volver al futuro, me pareció genial. TERMINA SPOILER

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    Debo admitir que no pude dejar de pensar durante toda la película que, si uno lo cavila un poco, se dará cuenta de que si desaparece la mitad de la población mundial, en nuestro planeta aún quedarían más de 3500 millones de personas… lo que sigue siendo un chingo de gente y ¿cuánto tiempo tardaríamos en reponernos? ¿Veinte años?

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    A final de cuentas, Avengers: Endgame se siente como una conclusión más que satisfactoria para el proyecto del Universo Cinematográfico Marvel y me atrevo a decir que, como Star Wars (Lucas et al., 1977-1983), Matrix (Hnos. Wachowski (1999-2003),  o Harry Potter (Columbus et al., 2001-2011) en su momento, se convertirá en una película o, mejor dicho, en una franquicia generacional. Endgame no es sólo la culminación de Avengers, ni la culminación de las 21 pelis de Marvel anteriores, es la prueba definitiva de un nuevo modo de hacer cine y el tour de force definitivo de la Casa del Ratón.

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    El estándar para el cine de superhéroes –en cuanto a su producción, no a su calidad dramática– ha sido elevado a un nivel tan alto que será difícil de igualar en los años por venir.

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    Y no, no lloré en el cine; pero sí me gustó mucho la película. Sí se me hizo un nudo en la boca del estómago en varias de las escenas y SPOILER no pude evitar contener la respiración cuando Capitán América gritó: “Avengers… Assemble!” TERMINA SPOILER

PARA LA TRIVIA: En los créditos finales, además del reparto, aparecen imágenes de los personajes de la saga, así como las firmas de los actores que los interpretaron. Esto es una referencia a Star Trek VI: La tierra desconocida (Meyer, 1991), pues en esta peli las firmas de los actores también aparecen en los créditos, además de que fue también el capítulo final con el elenco original de la serie. A esto se le suma que Kevin Feige, presidente de Marvel Studios y productor de Endgame, declaró que el episodio final de la serie Star Trek: la nueva generación (1987-1994), titulado All Good Things…, fue una fuerte inspiración para este film.

 

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HELLBOY. Así debe sentirse estar en el Infierno…

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HELLBOY

 

Neil Marshall, 2019

 

“Deberían rehacer las películas malas, no las buenas ¿ésas para qué?” Dijo alguna vez el director John Waters y creo que tiene toda la razón. En este caso, no estamos hablando de un remake; sino de un reboot de la saga de Hellboy. El problema aquí radica en que estamos hablando de reiniciar y reinterpretar no sólo una de las mejores películas basadas en cómics que se hayan hecho; sino también una película de autor que estaba, por todos lados, impregnada con la personalidad de su director, el tapatío Guillermo del Toro, quien, a través de sus hijas, descubrió los cómics de Hellboy y rápidamente se convirtió en fan. Así que, ¿qué tan bien librada sale la nueva iteración de Hellboy? Me atrevo a decir que bastante, bastante mal y a continuación explico por qué.

    La película cuenta la historia de Hellboy (David Harbour), un híbrido de humano y demonio bravucón y sarcástico que trabaja como agente de campo para la organización gubernamental secreta B.P.R.D. (Agencia de Investigación y Defensa Paranormal, por sus siglas en inglés). Luego de perder a uno de sus compañeros en una misión en la frontera mexicana, Hellboy cae en una depresión bárbara de la cual es rescatado por la B.P.R.D., quienes lo reclutan para una operación en colaboración con el gobierno británico: Nimue (Milla Jovovich, quien parece que sí es bruja porque no ha envejecido nada en diez años), conocida como la Reina Sangrienta, está por resucitar después de haber sido derrotada en el pasado por el rey Arturo (Mark Stanley), y planea consumar su venganza esparciendo la peste por toda la faz del planeta. Por supuesto, la tarea de Hellboy y sus compañeros, Alice Monaghan (interpretada inexplicablemente por la actriz de ascendencia afroamericana Sasha Lane, pues el personaje era irlandés en los cómics) y Ben Daimio (Daniel Dae Kim), será detenerla.

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    De entrada, mis expectativas sobre esta cinta eran muy bajas. Por supuesto, sabía que no le iba a llegar a las cintas de Del Toro, pero estaba dispuesto a darle el beneficio de la duda. Francamente, no pensé que fuera tan mala. Luego de ver la película, vi artículos rolando por redes sociales en los que la llamaban “la peor película de superhéroes” y que “le había quitado el trono a DC”. Francamente, discrepo. Creo que la infamia de ser la peor película de superhéroes de todos los tiempos se la siguen disputando entre Batman & Robin (Schumacher, 1997) y Superman IV (Furie, 1987). Pero eso no quiere decir que Hellboy no sea muy mala.

    Durante años, el director Guillermo del Toro y el actor Ron Perlman lanzaron varias campañas en redes sociales para lograr que se produjera Hellboy III después de abandonar el proyecto original debido a diferencias creativas. A pesar de ello, el productor Lawrence Gordon –quien tiene los derechos del personaje– decidió iniciar este nuevo proyecto a partir de la franquicia. Irónicamente, el autor de los comics, Mike Mignola, tuvo mucho más control creativo esta vez que en las versiones anteriores.

David Harbour stars as 'Hellboy' in HELLBOY. Photo Credit: Mark Rogers.

    Al fallido intento de terminar la trilogía de Del Toro se suma el terrible proceso de producción que contó con sendos escándalos sobre los constantes pleitos y luchas de poder entre los productores y el director, el despido injustificado del director de fotografía original, y la terrible relación entre Marshall y Harbour en el set, asperezas que, de hecho, terminaron en la corte y cuyas consecuencias pueden verse claramente en pantalla.

    Para empezar, el argumento de la primera peli de Hellboy ya era muy fiel al primer arco argumental de los cómics (la saga de Seed of Destruction [1994]), así que esta peli no podía basarse en eso. Lo que hicieron entonces fue retomar líneas argumentales del comic de un solo tomo Hellboy en México (2010) y del comic regular B.P.R.D. , que es en realidad un spin-off de Hellboy, además de los arcos argumentales The Wild Hunt y Darkness Calls. Así pues, a esta nueva versión le hace falta una base argumental sólida sobre la cual construirse, pues se cometió el error de querer meter cuatro líneas argumentales en una sola peli de dos horas.

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    El guión es muy extraño y se siente súper disparejo. Mientras los diálogos están bien, tirándole a regulares y el humor ácido y cínico de Hellboy casi se mantiene –en papel, al menos–, la parte anecdótica es increíblemente pobre e innecesariamente rebuscada, rayando en lo incomprensible. Por momentos se siente que la historia no avanza, los personajes nunca se desarrollan realmente, las vueltas de tuerca son anodinas y, al final del día, el numerito termina siendo un pastiche con demonios, brujas, hombres-lobo, vampiros, agentes secretos, hadas, espiritismo, luchadores, nazis, folklor ruso y hasta braijus (que es como me ha gustado llamarle a los kaijus británicos) con un ritmo más apropiado para un videojuego en línea… y, digo, ése es un poco el chiste de Hellboy, excepto por lo del videojuego, claro; pero en esta ocasión no lo supieron integrar. Al final hasta me sentí un poco decepcionado de que no hubiera un número musical…

    Ahora quisiera retomar un punto que mencioné en el párrafo anterior: el personaje de Hellboy está escrito con su característico sentido del humor; pero simplemente no termina de cuajar. A este Hellboy le faltan toneladas de carisma y, en vez de lucir sarcástico y chabacano, el pobre aparece de lo más anodino y nos hace extrañar terriblemente al actor anterior. Porque, perdón, pero Ron Perlman es Hellboy.

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    Otra cosa que me impresionó fue lo mal que se ve este Hellboy. ¡La caracterización la hicieron con las patas! ¿Cómo lograron que esta versión del personaje se viera peor que la de hace diez años? No sólo se le notan los bordes a los prostéticos usados por el actor; sino que el tono de rojo que usaron para maquillarlo ni siquiera es consistente de una toma a otra… Es más, ¡el tono de rojo de una parte del cuerpo no es consistente con el de otra! Honor a quien honor merece, la caracterización de personajes secundarios como Baba Yaga está mucho mejor lograda –en algunas tomas–; pero su Hellboy simplemente no funciona. Digo, es vergonzoso ver su brazo de piedra en los primeros planos y notar sin mucho esfuerzo que está fabricado en espuma de poliuretano.

    Y luego está el caso de Gruagach (voz de Stephen Graham), una criatura mitad hombre mitad jabalí con un marcado acento escocés que fue creada a través de las botargas y el maquillaje animatrónico y que fue fotografiada de una manera tan torpe que se ve como un mal CGI… ¿Qué pedo con eso?

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     Ahora bien, según pude apreciar en los créditos de la peli, los efectos visuales fueron realizados por toda una legión de compañías pequeñas, lo que explicaría la falta de unidad entre unos y otros, logrando que unos se vean feos, otros pinches y otros más, inmundos. El hombre-leopardo también está de risa loca.

    En general, las actuaciones de todos están muy mal y, si bien cada uno de los intérpretes tiene su parte de responsabilidad, creo que es también un problema de dirección. Digo, nunca he esperado una buena actuación de parte de Milla Jovovich; pero hay escenas en esta cinta en la que, de verdad, me hizo partirme de risa… aunque estoy seguro de que ésa no era la intención.

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    Otro de los problemas principales que hieren de muerte a esta peli es que nunca logra definir su tono. ¿Es una comedia? ¿Es una cinta de acción? ¿Es una peli de horror? ¿Es para adultos? ¿Es para adolescentes? ¿Es un demo para un videojuego? ¿Qué rayos es esta madre y por qué al verla siento que los realizadores se sintieron obligados a explotar la clasificación R que les dieron, aun cuando no fuera necesario?

    Pero no todo en esta película está perdido. Algunos parlamentos son ingeniosos y creo que las escenas con Ian McShane son muy buenas. Luego luego se siente cómo el actor levanta el ritmo de la película e incluso logra levantar a Harbour, permitiéndole lucir de cuando en cuando. De hecho, aunque fue desmentido por el director, aún perduran muchos rumores de que ambos actores reescribieron sus escenas juntos durante la filmación.

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    A final de cuentas, creo que Hellboy no es la peor película basada en cómics; pero sin duda es una de las peores… la verdad es que yo la incluiría en el Top 10… quizá en el Top 5. Francamente, hubo partes en las que me estaba quedando dormido ¡En una película plagada de escenas de acción! Después de chutarme las dos escenas post-créditos y salir de la sala de cine, me quedé con la impresión de que acababa de ver una de esas secuelas o spin-offs de películas de éxito pero que las hicieron con un bajísimo presupuesto y salieron directamente a video… o, con esa acartonada música de rock y ese irrisorio maquillaje de demonio, alguna especie de versión alterna de Tenacious D (Lynch, 2006).

    La película costó 50 millones de dólares y en su fin de semana de estreno apenas recaudó poco más de 12, aunque su pronóstico era de 15, lo que ya la perfila como uno de los más grandes fracasos del año. Si quieren ver una película de Hellboy, hay dos y sólo dos, son geniales y las dirigió Del Toro.

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PARA LA TRIVIA: Mike Mignola, creador de Hellboy, colaboró con el guión e incluso reescribió parte del mismo, además de fungir como productor.

 

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CEMENTERIO MALDITO. “A veces la muerte es mejor”… me cae.

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CEMENTERIO MALDITO

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Kevin Kölsch y Dennis Widmyer, 2019

 

“A veces la muerte es mejor” dice el slogan de la película. Pues en el caso de esta franquicia, vaya si es cierto. ¿Recuerdan la versión original de Cementerio de mascotas (Lambert, 1989) y cómo era escalofriante? ¿Recuerdan esa secuela, Cementerio de mascotas II (Lambert, 1993), que era inmunda y en la que daban ganas de cachetear a Edward Furlong de lo mal que actuaba? Bueno, pues ésa debió ser la muerte de la franquicia. Pues, al igual que el personaje principal de la novela de King, Paramount desoye todas las advertencias y resucita una película que creímos que ya descansaba en paz. Y, oh, sí, al igual que en la historia, algo cambió… y está muy mal.

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    En esta reinterpretación de la novela del Rey del Terror, Louis Creed (Jason Clarke) es un médico de la gran ciudad que se muda con su familia a la comunidad rural de Ludlow. Creed descubre que dentro de su propiedad se encuentra un rudimentario cementerio de mascotas y, aledaño a éste, un suelo sagrado indio que tiene el poder de resucitar a los muertos. Cuando Church, el gato de la familia, es arrollado por un camión, Louis, desoyendo todas las advertencias, lo sepulta en el terreno, sin imaginar que la criatura que murió no es la misma que resucitará.

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Credit: Paramount Pictures

    No soy fan de Stephen King. De hecho, solía despreciar su obra hasta que leí su libro Mientras escribo (2000). Después de eso me vino una revaloración de su trabajo y, si bien no lo considero un autor genial, por lo menos me parece que es prolífico, dedicado y congruente, e incluso siento simpatía por el tipo. Tampoco he leído la novela de Cementerio de mascotas, lo que es una lástima, porque la compré hace años y ha estado ahí en mi librero esperando que tenga tiempo de leerla. Sea como fuere, vi la versión original de Cementerio de mascotas, eso sí, y me gusta bastante.

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    Esta segunda versión siento que me quedó a deber. En general, me pareció una película bastante floja; pero creo que lo que menos me gustó es que, durante toda su duración, parece esforzarse demasiado. Me dio la impresión de que estaba viendo a un adolescente virgen en su primera cita: súper nervioso, sin saber muy bien de qué hablar y, sobre todo, demasiado preocupado por tratar de impresionar a otra persona con cosas que, a la postre, resultan intrascendentes o poco interesantes.

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    Del mismo modo, la película creo que se esfuerza demasiado en espantar al público, sin lograrlo. Al final, resulta un tanto patético. La cinta recurre a escenas de sustos baratos, algunos llegan a ser efectivos, debo admitirlo; pero definitivamente no llegan más allá de hacerlo a uno dar un brinquito en el asiento y reírse después. Incluso Christopher Young, quien compuso el soundtrack de la peli, parece haber notado que a todo el numerito le falta “punch”, porque durante casi toda la cinta trata de subsanar sus carencias con una música tenebrosa, tratando de crear una atmósfera que, desde un inicio, nunca estuvo ahí.

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    Quizás he visto demasiadas películas, quizás es culpa de la tendencia actual de hacer películas plagadas de referencias; pero el caso es que esta cinta, al igual que muchas otras pelis actuales, lo deja a uno con la incómoda sensación de que lo que acaba de ver es un pastiche de escenas de otras películas. ¿Una referencia a El resplandor (Kubrick, 1980)? Está bien, sigue siendo Stephen King al fin y al cabo; hay otro montón de referencias a los Torrance y a Cujo (Teague, 1989)… y luego vienen secuencias y conceptos importados de El hombre de mimbre (Hardy, 1973), Línea mortal (Schumacher, 1990) y Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981).

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    Las actuaciones están bien, a secas, con un par de momentos brillantes; pero nada para impresionar. John Lightgow está genial, como siempre, en el papel de Jud, el vecino que le revela a Louis el secreto del cementerio indio… es una lástima que el material que le dieron para trabajar sea tan pobre. Del mismo modo, Jeté Laurence, quien interpreta a Ellie, hace un gran trabajo en algunas de sus escenas.

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    Porque el problema de la película viene desde el guión. La historia es predecible… y no me refiero a lo obvio, quiero decir que la historia ya la conocía; sino a que las vueltas de tuerca con las que la peli intenta sorprendernos se ven venir desde la semana pasada. A esto se le añaden personajes increíblemente superficiales, contradictorios, poco empáticos y torpemente dibujados. Uno sabe que les están sucediendo cosas horribles, pero realmente no llega a importarle. SPOILER También se incluye una subtrama sobre la traumática infancia de Rachel (Amy Saimetz), esposa de Louis, y su tormentosa relación con su hermana Zelda (Alyssa Levine) que poco viene al caso y cuya aportación termina siendo nula para la trama… y viene desde la novela, según sé, pero creo que no logró integrarse del todo en esta peli. TERMINA SPOILER

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    Ése es otro punto. En esta nueva versión, el papel de Rachel resulta poco relevante SPOILER y, de todos modos, en el tercer acto la sacan de la jugada sin más… como si el guionista ya no hubiera sabido qué hacer con ese personaje que no necesitaba en un principio y que resultó aún más innecesario al final. TERMINA SPOILER

 

    SPOILER Y bueno, para cuando empieza el tercer acto de la peli, ésta ya se sostiene apenas con alfileres y, aun así, logra fallar aún más, resultando en un final que es verdaderamente ridículo y que me recordó a ese Especial de Noche de Brujas de Los Simpson en el que parodian Drácula y al final resulta que todos son vampiros y se pelean por ver quién es el Vampiro Original TERMINA SPOILER. Me pregunto si a la gente en el cine le molesta cuando me carcajeo en las películas de terror… si es así, les ofrezco una disculpa. De cualquier modo, en la función a la que fui, el resto del público también se rió un par de veces.

 

    Está, además la mala interpretación del mito del Wendigo; que viene desde King, es verdad, pero que igual es extraña.

 

    La fotografía está bien; pero se ve disminuida por una narrativa torpe. En general, a toda la película le falta cohesión y hay varios cortes duros entre las secuencias. Faltan algunas tomas de establecimiento y terminar de definir algunas elipsis que, a final de cuentas, resultan en que la narración se vuelva confusa por momentos.

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    También se nota cierta preocupación por mantener las escenas sangrientas en un tono amigable para que la película no fuera demasiado impresionante. En EE.UU. fue clasificada “R” (para mayores de 18 años), mientras que en nuestro país quedó como B-15. ¡Caray! SPOILER La escena de la muerte de Ellie daba para tanto; pero, al final, no sólo se nota tibia, sino que también desafía las leyes de la física. TERMINA SPOILER

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    Así pues, Cementerio maldito tiene algunos elementos rescatables pero debo decir que a mí no me funcionó. En absoluto. De hecho, hay partes en las que sentí que la película se hacía larga. Quizá sea mejor si uno no ha visto la original. No lo sé, la verdad es que esta cinta no me gustó mucho. En general, se siente poco sincera y superficial. Asimismo, creo que al guión y al tono les faltó muchísimo para llenar el potencial que la historia tenía. Así pues, la oportunidad de crear una interpretación más profunda, más oscura y aún más escalofriante de la historia de King pasa de largo tan rápida y torpemente como los trailers de la compañía Orinco.

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    Se agradece, al menos, que no usaran un gato CGI.

PARA LA TRIVIA: Para la película se barajaron una serie de diferentes finales, uno de ellos propuesto por el propio Stephen King. Algunos de ellos fueron filmados y otros se quedaron sólo en el guión. El final definitivo que se incluyó en la película fue escogido por el público durante las proyecciones de prueba. Los finales alternativos serán incluidos como material extra cuando la peli sea lanzada en formato casero.

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ESCISIÓN. Un inquietante drama adolescente.

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ESCISIÓN

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Richard Bates Jr., 2012

De cuando en cuando, atiendo las recomendaciones de las revistas especializadas en cine de horror, particularmente en lo que se refiere a películas recientes o independientes. De esta manera conocí cintas que me han gustado mucho, como The Babadook (Kent, 2014), Cita de sangre (Byrne, 2009) o Teeth (Lichtenstein, 2007). También, de cuando en cuando, me llevo agradables sorpresas como en los casos anteriores, y como en el caso de la película sobre la que escribo ahora: Escisión.

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    Pauline (AnnaLynne McCord) vive un infierno. Un infierno llamado adolescencia. A sus dieciocho años, es bulleada por sus compañeras de escuela y vecinas. Vive con su familia en una enorme casa suburbana típica de clase media alta de película gringa en compañía de un padre completamente desinteresado por su familia y subyugado por su esposa, su hermana con serios problemas en los pulmones, y una madre castrante y obsesiva que reprime cualquier intento de Pauline por salir de la “normalidad”. Quizá el cinismo y nihilismo de Pauline, y sus fantasías eróticas de mutilación y cirugía innecesaria hagan la convivencia un poco más difícil.

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    Escisión es una película extraña. Es un híbrido, cuidadosamente mezclado, de un drama adolescente y horror corporal que llega a recordar a Cronenberg en sus mejores momentos; de hecho, algunos críticos la definen como una mezcla entre Cronenberg y Lynch. Es intensa, ácida e, incluso por momentos, hipnótica. Aunque ciertamente no es para todos los gustos, pues puede llegar a ser un poco agresiva con el espectador.

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    O también puede ser un corto animado de “Buena idea-Mala idea” con el Señor Calavera en Animaniacs (1993-1998), depende de con qué ligereza se la tome uno.

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    Al igual que Saw (Wan, 2004), Escisión es la versión con tiempo y con presupuesto de un cortometraje que el mismo Bates Jr. escribiera, dirigiera y produjera en 2008. El argumento es el mismo y las escenas son muy similares. El corto también es muy recomendable… y hubiera sido un lindo detalle que lo incluyeran como material extra en el Blu-Ray, pero no lo hicieron; gracias, Anchor Bay. Como sea, pueden verlo en YouTube.

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    El guión de la peli es algo simple en cuanto a la anécdota; pero verdaderamente sobresale en cuestión de diálogos. Oír hablar a Pauline es una delicia, con todos esos parlamentos cargados de sarcasmo y mala leche. Por momentos me pareció como si Daria se hubiera vuelto amargada… sí, más. En general, creo que los diálogos de la perturbada adolescente con su escandalizada madre son de lo mejor de la peli.

"Is that acne or did your face throw up?"

    Y aunque mencioné que la anécdota se queda un poco corta, la verdad es que está llena de vueltas de tuerca maravillosas que, si bien llegan a volverse un poco predecibles, no por eso son menos disfrutables. El final, aunque uno lo ve venir desde un kilómetro de distancia, es verdaderamente sobrecogedor.

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    Mención aparte merece la fotografía que creo que es la verdadera estrella de la película. Las escenas cotidianas cuentan con una estética y una narrativa visual meticulosamente cuidadas y creo que en general se ven bastante bien. Empero, y como cabría esperarlo, son las fantasías oníricas de Pauline las que se llevan las palmas. Cirugías extremadamente sangrientas, mutilaciones, necrofilia y demás extravagancias en una estrafalaria estética glam asaltan los sueños de esta chica atribulada en escenas verdaderamente perturbadoras.

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    La música también me pareció bastante adecuada y creo que logra crear la atmósfera y el mood correctos para esta película.

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    Y, por supuesto, ¿qué sería de las escenas gore sin unos buenos efectos de maquillaje? Creo que estos efectos son geniales. En general, las escenas de mutilaciones y gore logran esa mezcla de repulsión y fascinación que es tan difícil de conseguir… aunque, francamente, esperaba que fueran un poco más explícitas. Sin embargo, si bien estas secuencias no son tan gráficas como las de películas como Mártires (Laugier, 2008) u Hostal (Roth, 2005), sí son mucho más estilizadas. Creo que son más bellas y, en general, su propuesta estética está mucho mejor planteada. La escena de la disección del pájaro es simplemente genial.

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    No es un secreto para nadie que McCord aceptó el papel protagónico en esta película para desligarse de la imagen de chica fresa y frívola que había adquirido con su participación en el poco logrado remake de la serie de TV Beverly Hills 90210 (2008-2013). Y vaya si lo logró. Su interpretación de una adolescente perturbada y marginada social es verdaderamente sobresaliente.

A rough outline

    Una de las reglas no escritas de Hollywood dicta que, si un actor de tele o de cine de género o algo así pretende ser tomado en serio, debe hacer un sacrificio en aras del papel con el que quiera ser tomado en serio: debe bajar de peso si es robusto o subir de peso si es delgado; caracterizarse de feo si es muy guapo, o hacer el papel de alguien con discapacidad, o hacer un desnudo o deshacerse de su cabello. En este caso, McCord hace el papel de la chica feúcha con posibles trastornos psicológicos… ¡y se rapa!

Clapping Instructions - Step #2

    A pesar de lo que puedan decir los clichés y los lugares comunes, creo que la actuación en esta película es bastante buena. McCord en su papel de Pauline llega a ser verdaderamente escalofriante sin dejar de ser encantadora y Tracy Lords, en el papel de su madre es verdaderamente odiosa, pero no por eso incomprensible o inverosímil. Y, por cierto, no se pierdan el cameo del director de cine de culto e icono del movimiento gay, John Waters, como el sacerdote con el que la madre de Pauline prefiere enviarla en vez de conseguirle un terapeuta.

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    Escisión es, sin duda, una película única. Nuevamente, creo que cabe advertir que no es para todos; pero aquellos espectadores que se sientan cómodos con las tripas y la sangre o que, como yo, incluso se deleiten con ello, encontrarán en esa peliculita independiente una experiencia interesante y distinta a lo que el género suele ofrecer. Divertida, inquietante, excéntrica y con un final apabullante –aunque predecible–, se trata de una cinta que me atrevo a recomendar, especialmente para los fanáticos del gore.

PARA LA TRIVIA:   La película fue filmada en tan sólo 28 días.

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STAR WARS. LA ÚNICA COLECCIÓN TAN GRANDE COMO EL UNIVERSO. Parte II

 

Continúo con la segunda y última parte de este artículo sobre las figuras de acción de Star Wars. En ella hablaré sobre la colección producida en la segunda mitad de los 90, conocida oficialmente como Star Wars: Power of the Force. No está claro si esta serie pretendía ser una continuación o una especie de remake de la serie de 1985 también conocida como power of the Force; pero, debido a que el estilo de las figuras es sustancialmente diferente, suele indentificársele como Power of the Force 2.

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POWER OF THE FORCE 2

En 1987, Kenner fue comprada por la compañía juguetera especializada en modelos a escala funcionales de maquinaria pesada Tonka. Dicha compañía convirtió a Kenner en una subdivisión. Posteriormente, en 1991, Tonka  fue comprada por el gigante creador del término “figura de acción”, Hasbro.

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    A principios de la década de los 90 hubo una reapreciación por Star Wars; probablemente fue propiciada por el lanzamiento de la Trilogía Original en formato LaserDisc, probablemente porque Dark Horse Comics sacaba nuevos comics de Star Wars luego de haber comprado la licencia que durante años tuviera la en ese entonces arruinada Marvel; o quizá por una serie de tarjetas coleccionables publicadas por Topps para conmemorar el décimo aniversario del estreno de El regreso del Jedi (Marquand, 1983)… o el lanzamiento de los videojuegos basados en las cintas para el Super Nintendo, o quizá era el retro de los 70 que pegaba duro en aquella época… o todo fue simplemente un plan bien armado por Lucasfilm para revitalizar la saga y volver a crear un mercado antes de producir la Trilogía de Precuelas.

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    Sea como fuere, eran los 90, yo estaba en la primaria, Los Simpson aún eran maravillosos, Jurassic Park (Spielberg, 1993) lo era más y Star Wars volvía a estar de moda. Pronto, Kenner daría el paso definitivo para resucitar la franquicia al producir una serie completamente nueva de figuras de acción… y por favor, subrayen “figuras de acción”, porque los vehículos eran simples retools de los vehículos originales de los 70 y 80.

    Pero ¿cómo hacer para que los niños de los 90 se interesaran por personajes de películas que se estrenaron aún antes de que ellos nacieran? Según parece, Kenner no creyó en la trascendencia temporal de la franquicia y decidió tomarse algunas “libertades creativas”.

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    Desde inicios de la década y ya hacia mediados, el mercado de las figuras de acción estaba casi por completo dominado por los superhéroes. Series de figuras de acción con licencias de superhéroes como Batman Returns (1991-1994), Batman: The Animated Series (1992-1995), Adventures of Batman & Robin (1995-1997) o Superman: Man of Steel (1995-1996), de Kenner; X-Men (1991-1998) y Spider-Man: The New Animated Series (1994-1999), de Toy Biz; o las Teenage Mutant Ninja Turtles (1988-2013?) –ya en franca decadencia–, de Playmates, eran éxitos de ventas en la época, por lo que Kenner decidió adaptar el aspecto de los personajes de Star Wars dándoles proporciones más “superheróicas”.

    El resultado fue una serie de figuras de acción de proporciones irreales y cuerpos hipertrofiados que despertaron oleadas de críticas. De hecho, cuando le mostraron la figura de Luke Skywalker a Mark Hamill, éste exclamó: “¿Se supone que éste soy yo? ¡Ya quisiera!”. Incluso nuestro droide de protocolo preferido, C-3PO, recibió el tratamiento con esteroides y la figura de Chewbacca era tan musculosa que no cabía en la cabina del Halcón Milenario. Los rostros de las figuras se parecían mucho más a sus contrapartes de carne y hueso, eso sí, y creo que eran lo más sobresaliente de la colección… excepto la princesa Leia, cuya desafortunada escultura facial le ganó el apodo “Monkey Face” (Cara de Mono) entre los fans.

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    La primera serie constó de ocho figuras: Darth Vader, Luke Skywalker, princesa Leia, Han Solo, Chewbacca, Ben (Obi-Wan) Kenobi, R2-D2 y un Stormtrooper, cada uno de ellos con dos accesorios, excepto los droides.

    A pesar de la tan criticada musculatura y las poses espasmódicas, las figuras estaban increíblemente detalladas y el trabajo de pintura era excelente, muy superior al de figuras similares de la época. En el terreno de la jugabilidad, las figuras de esta serie presentaban una paradoja: en realidad, comparadas con otras figuras de la época, e incluso de la misma compañía, eran demasiado simples. Mientras que las figuras de Aliens (1992-1998), Jurassic Park (1993-1994) o la Liga de la Justica (1998-1999) tenían todas acciones especiales, algo que se había vuelto casi obligatorio en los 80, las de Star Wars POTF2 no tenían ninguna. Del mismo modo, las articulaciones eran las mismas que en las figuras de la colección clásica, excepto por una: la de la cintura. Si se toma en cuenta que para aquel momento ya existían figuras de acción de la misma escala con muchísimos más puntos de articulación, como G.I. Joe: The Real American Hero (1982-1998) o M.A.S.K.(1986-1988), entonces POTF2 queda debiendo…

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    Por otro lado, empero, si se comparan las figuras de Power of the Force 2 con las de la Colección Clásica, aquéllas resultan superiores en casi todos los aspectos –excepto el look musculoso, que es más bien un fallo de concepto, no de producción–: las capitas de tela o vinil fueron reemplazadas por capas y túnicas moldeadas en plástico, las aplicaciones de pintura son mucho más detalladas –en gran medida, gracias al avance tecnológico–, los lightsabers ahora sí parecían lightsabers, R2-D2 por fin tenía un cuerpo esculpido y no sólo una calcomanía, y otras tantas características hacían de esta colección un paso adelante en relación con la anterior.

    Kenner tuvo que enfrentarse a un mercado que nunca se había enfrentado antes: los coleccionistas adultos y un incipiente Internet que les servía como foro para comunicar su descontento con las nuevas figuras. Finalmente, a inicios de 1997, la compañía atendió las quejas y dejó por completo de darle el look de hipertrofia muscular a las figuras. Venía probando con ello desde 1996, pero fue hasta el año siguiente que se convirtió en el estándar. También se esculpieron nuevas figuras de Luke Skywalker y la princesa Leia que se comercializaron con la etiqueta “New Likeness!” (nuevo parecido); además de que se resolvió un asunto de la longitud de los lightsabers…

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El mío es más largo que el tuyo.

No sólo la musculatura excesiva fue corregida. Puesto que muchos coleccionistas se quejaron también sobre la longitud de los lightsabers, que eran demasiado largos –prácticamente eran tan largos como el alto de las figuras– Kenner lanzó una reedición de las figuras de la primera ola con lightsabers más cortos.

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    Nuevamente, esto dio paso a la aparición de diferentes variantes que, en la época, fueron muy buscadas por los coleccionistas. ¿Qué figura era más escasa, la del lightsaber largo o la del corto? En aquella época hubo verdaderas rebatingas y una escalada de precios ridícula por las figuras con lightsabers de diferentes tamaños… ¡e incluso por las variantes de producción en las que un lightsaber corto era empacado en la charola de uno largo! Con el paso del tiempo, los coleccionistas se dieron cuenta de que, en realidad, ambas variantes de las figuras eran más o menos igual de comunes y, en la actualidad, la verdad es que a nadie le importa.

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    Una vez que la apariencia de superhéroe fue dejada atrás, la línea se fue puliendo. Las esculturas eran cada vez más complejas y los diseños más caprichosos. Sobre todo las figuras humanas mejoraban cada vez; algunas de ellas, como Mon Mothma o Malakili –aun tratándose de personajes impopulares– fueron de las mejores figuras jamás esculpidas por Kenner. Y ni qué decir de figuras como Ishi Tib, que poseen algunas de las esculturas más complejas en todo el universo de Star Wars, aun rivalizando con figuras actuales; o el monje B’ Omarr, un droide arácnido que apenas si aparece unos segundos en el fondo de El regreso del Jedi, pero cuya compleja escultura y numerosas articulaciones lo vuelven una figura única.

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    Algo que siempre me llamó la atención, pero de lo que no cobré plena consciencia hasta ahora que soy adulto, es que muchas de las figuras de POTF2 trataban de ser una especie de remake de las figuras clásicas y su apariencia estaba, de hecho, más basada en éstas que en reproducir más fielmente lo que se veía en pantalla. Si uno las ve con detalle, las figuras de los 90 –al menos en las primeras series– son versiones “mejoradas” de sus contrapartes vintage; esto es particularmente notorio en la figura de Han Solo, que mantiene la misma posición que la figura de 1977; en el hecho de que decidieran poner dos jawas en un solo empaque o que R2-D2 contaba con dos acciones especiales: un tercer pie retráctil en la base de la figura y un “ojo” de plástico translúcido que se iluminaba cuando la luz caía sobre ella.

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    Con el éxito de la línea de figuras de acción, Kenner no tardó en cubrir la gran mayoría de los personajes de la colección clásica, así que ¿qué hicieron? Tratar de llenar los huecos que había dejado ésta, por supuesto. Los diseñadores de Kenner se pusieron a escrutar la saga, casi escena por escena, para extraer nuevas figuras de personajes que antes no habían tenido ninguna.

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    Aunque desde el punto de vista comercial claro que se trataba de una sacadera de dinero, tanto niños como coleccionistas recibimos con beneplácito la adición de nuevos personajes. Esto contribuyó a cubrir varias omisiones importantes de la colección vintage, como el hecho de que no hubiera ninguna figura del gobernador (luego rebautizado Grand Moff) Tarkin o que Leia fuera el único personaje femenino en toda la colección… ¡Y sí, tuvimos una figura de Leia en traje de prisionera de Jabba por primera vez!

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    También es interesante que la mayoría de los personajes secundarios –o incidentales, incluso– de la saga difundieron sus nombres oficiales durante esta colección. Algunos recibieron estos nombres en el Universo Expandido de novelas, comics y tarjetas coleccionables; pero fue en las figuras de acción cuando éste se popularizó. Así, Prune Face se convirtió en Orrimaarko, Yak Face pasó a ser Salt-Marae y el malévolo emperador conocido únicamente como The Emperor se convirtió en el emperador Palpatine.

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    Tan pronto como 1996, Kenner comenzó a echar mano del Universo Expandido de la saga para ampliar la batería de personajes. La primera línea de juguetes en beber de dicha fuente fue Shadows of the Empire, basada en el proyecto multimedia homónimo[1]; pero pronto las novelas gráficas Dark Empire y la Trilogía de Thrawn, publicadas por Dark Horse Comics, así como el videojuego Star Wars: Dark Forces (LucasArts, 1995) sircieron como inspiración para figuras de acción comercializadas dentro de la colección “Star Wars Expanded Universe”. Más tarde, cuando las ideas empezaban a escasear, los diseños conceptuales de artistas como Ralph McQuarrie para los vehículos de la saga sirvieron como inspiración.

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Star Wars The Power of the Force 2: una pésima inversión

Los coleccionistas habían aprendido su lección. Las figuras de acción de la colección clásica se volvieron súper coleccionables e, incluso en algunos casos, bastante costosas. Pero esto sucedió por una razón particular: se trataba de piezas de plástico barato pensadas para que los niños jugaran con ellas y les dieran en la madre, nadie pensó que valdrían mucho dinero algún día y, por lo mismo, nadie pensó en guardarlas… y como les dieron en la madre y nadie las guardó, se volvieron raras e incrementaron su valor.

    En 1995, todo mundo anticipó que las figuras incrementarían su valor, por lo que los coleccionistas empezaron a acapararlas y guardarlas celosamente dentro de sus empaques. Con procesos de producción mucho más cuidados que los de la colección original, la aparición de versiones variantes fue rara –excepto por las figuras reempacadas–, por lo que también las figuras con las más mínimas variaciones fueron objeto de disputas y revendidas a altos precios… en aquella época.

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    En 2015, cuando la colección Power of the Force 2 cumplió 20 años de haber aparecido en el mercado y, coincidentemente, se estrenó en cines un nuevo episodio de la saga después de diez años de inactividad –El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015)–, el mercado de coleccionistas se vio invadido por una avalancha de figuras POTF2 en excelentes condiciones que se habían quedado guardadas y que ahora trataban de ser vendidas a precios de coleccionista.

    Empero, la desilusión no sólo fue brutal; sino casi instantánea. Si las figuras de los 70 aumentaron su valor por ser escasas, las de los 90 lo perdieron exactamente por lo contrario: había demasiadas. No sólo se produjo una gran cantidad de figuras; sino que todo el mundo decidió guardarlas, por lo que incluso personajes poco comunes, como Zuckuss o el guardia gamorreano, eran relativamente fáciles de conseguir en excelentes condiciones.

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    De hecho, con el mercado de figuras coleccionables actualmente a la baja en EE.UU., la realidad es que las figuras de POTF2 se han devaluado. Actualmente, en promedio, pueden conseguirse por alrededor de USD$7 y las más raras difícilmente sobrepasan los USD$20… hace un par de meses, yo mismo compré un lote de estas figuras nuevas por el equivalente a USD$4 cada una. Estos precios son más o menos los mismos que tenían en 1997, por lo que, ajustándolo a la inflación, obtenemos que su precio ha disminuido.

Cómo Star Wars mató a Kenner…

Bueno, no. Técnicamente, Hasbro mató a Kenner; pero lo hizo a través de Star Wars. La expansión de Hasbro es un ejemplo clásico, casi de libro de texto, sobre capitalismo. En vez de competir con otra empresa que tiene mejores productos que los míos, simplemente compro esa empresa –recordemos que la calidad de Hasbro era inferior a la de Tonka, y básicamente sus ganancias venían de los grandes volúmenes de juguetes baratos que vendían–, después la liquido o la hago quebrar y me quedo sólo con los productos que me interesan. Ésta es la estrategia que han seguido compañías como Nabisco, Disney o EA.

    Así pues, siendo dueña de Tonka, Hasbro encargó una sobreproducción de figuras de acción de Star Wars Episode I: The Phantom Menace a Kenner en 1999. Había demasiados personajes vendiéndose al mismo tiempo y de cada uno se produjeron demasiadas unidades; además de que los precios se elevaron considerablemente en relación con los de POTF2 debido a la inclusión de un accesorio electrónico conocido como CommTech Chip, que permitía a las figuras reproducir diálogos de la película e interactuar entre ellas.

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    Si ustedes recuerdan, las figuras de Episode I se vendían en un inicio en el equivalente aproximado a USD$7 actuales; pero, apenas un año después, podían conseguirse por el equivalente a USD$1 actual. Debido a tan pobres resultados –que eran parte de un plan anticipado, por supuesto–, Hasbro decidió cerrar Kenner, poniendo fin así a toda una era.

    La última serie de figuras de Power of the Force 2 fue producida por Hasbro en el año 2000 y constaba de nuevas versiones de personajes de la Trilogía Original que incluían el infame chip CommTech que tanta controversia ocasionara con las figuras de Episodio I. estas son las únicas figuras de la colección que son verdaderamente escasas y que han aumentado su valor con el paso del tiempo.

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El futuro nebuloso es

En 2020, Hasbro debe renovar su licencia para producir juguetes de Star Wars. Sin embargo, la sobresaturación del mercado por parte de Disney, la desafortunada elección de personajes, la baja general en la calidad de escultura, pintura, y la disminución de articulaciones en las figuras de 3.75”, entre otras cosas, han resultado en un descenso en las ventas de las figuras y la Casa del Ratón no está contenta.

    En ese mismo año, Mattel perderá la licencia de DC Comics. Las pobres ventas de las figuras de acción de la Liga de la Justicia (Znyder, 2017) y Aquaman (Wan, 2018) llevaron a DC a tomar la decisión de no renovar la licencia de sus personajes para la Casa de Barbie por un nuevo periodo y ésta pasará a manos de Spin Master.

    Esto, aunado a los problemas económicos de Mattel en los últimos años, resulta en que la compañía juguetera se quedará sólo con una licencia fuerte: Jurassic Park/World; por lo que les sería muy conveniente buscar otra. ¿Será que Mattel busque hacerse con la licencia de Star Wars? Aunque suene poco probable, es una posibilidad que cabría considerar.

 

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[1] Shadows of the Empire fue un proyecto mercadotécnico de Lucasfilm inspirado por el éxito de las novelas gráficas Dark Empire, de Dark Horse. Básicamente, Lucasfilm quería ver cuánto merchandising de Star Wars podía producir sin que hubiera una nueva película de la saga en los cines. Esto llevó a la creación de novelas, cómics, videojuegos, tarjetas coleccionables, etc. basados en Shadows of the Empire, un spin-off que cuenta lo que pasó durante los 6 meses en los que Han Solo estuvo congelado en carbonita.

STAR WARS: La única colección tan grande como el Universo.

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STAR WARS: LA ÚNICA COLECCIÓN TAN GRANDE COMO EL UNIVERSO

 

Actualmente, es casi imposible pensar en una película de alto presupuesto, algún blockbuster de acción, aventura o fantasía, que no vaya acompañado, incluso desde meses antes de su estreno, por una avalancha de artículos promocionales. Con mucha frecuencia, ya sea dirigidos a los consumidores infantiles o al coleccionista adulto, esta legión de productos incluirá una serie de figuras de acción. Dichas colecciones se han vuelto una parte casi imprescindible de la memorabilia cinematográfica, e incluso en algunos casos, iconos de la cultura pop.

    Pero no siempre fue así.

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    En este artículo, que he dividido en dos partes, hablaré brevemente sobre la línea de figuras de acción que dio origen a la industria de las figuras de acción basadas en películas como la conocemos actualmente: Star Wars, además de la línea Power of the Force 2. Es un artículo que he pospuesto durante mucho tiempo; pero que por fin me di el tiempo de escribir. Para su realización, me baso en tres fuentes principales: los libros Star Wars: The Ultimate Action Figure Collection, de Stephen J. Sansweet, publicado por Chronicle Books en 2012; y Warman’s Action Figures Field Guide, de Mark Bellomo, publicado por Krause Publications en 2006; además del canal de YouTube Toy Galaxy.

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    Antes de comenzar, cabe aclarar que en este texto abordaré únicamente las figuras de la colección “vintage”, es decir, las producidas por Kenner entre 1977 y 1985, y la colección conocida como Power of the Force 2, producida por Hasbro/Kenner desde 1995 y hasta la quiebra de ésta última en 2000. Las razones son varias, pero pueden resumirse en dos: Primera, que son mis series favoritas, pues crecí coleccionando Power of the Force 2 y, segunda, que son de las dos colecciones sobre las cuales logré reunir mayor información.

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    Aclarado lo anterior, comencemos.

    A mediados de la década de 1970, el director californiano George Lucas buscaba financiamiento, sin demasiado éxito, para filmar su fantasía espacial a la Flash Gordon titulada The Star Wars. Ningún productor creía en una película inspirada en loa seriales de las matineés sabatinas de los años 30; algunos estaban interesados en el trabajo de Lucas, pero ciertamente no en The Star Wars. Finalmente, para terminar de convencer a los productores de financiar su Space Opera, Lucas decidió reducir drásticamente su salario, a cambio de que le permitieran quedarse con los derechos para licenciar merchandising de su película.

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    Como lo mencioné anteriormente, en aquel entonces producir juguetes basados en películas no era común en absoluto; nunca se había implementado un programa específicamente para tal fin, ni se consideraba un negocio rentable. En ese momento, las únicas figuras de acción licenciadas que habían tenido éxito eran los muñecos de 12 pulgadas de El hombre nuclear (1974-1978)–que, dicho sea de paso, eran geniales– y sus accesorios, fabricados por Kenner; las figuras de 8 pulgadas de El planeta de los simios (producidas entre 1974 y 1975, que mezclaban personajes de las películas con personajes de la serie de TV), y Star Trek (1966-1969) fabricadas por Mego. Tanto Kenner como Mego seguían los cánones de múltiples articulaciones y ropa de tela de la colección G.I. Joe de Hasbro, compañía que acuñara el término “figura de acción” en la década de 1950. De tal suerte, los productores no tuvieron mayor empacho en concederle a Lucas lo que pedía.

    Lucas ofreció la licencia de Star Wars a Mattel y a Mego. Ambos la rechazaron. Después de tocar muchas puertas, el director californiano acudió a otra compañía juguetera, más pequeña y que en aquel entonces era propiedad de la gigantesca empresa de cereales General Mills, llamada Kenner Products.

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    La compañía fundada en 1946 por los hermanos Steiner en Cincinnatti, Ohio, había tenido bastante éxito, como se mencionó arriba, con la línea de El hombre nuclear, además de haber sido pionera en la implementación de comerciales de juguetes en la televisión estadounidense. Tras ver algunos avances de Star Wars, a Bernie Loomis, en aquel entonces presidente de Kenner, le pareció que los personajes de la película eran interesantes visualmente y que podrían hacer juguetes divertidos con ellos, así que compró la licencia.

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    El trato se cerró de manera tardía apenas un mes antes de que la película se estrenara en cines y, según se rumora, Lucas tuvo que bajar mucho su precio. Algunas leyendas urbanas mencionan que, de hecho, la licencia para las primeras 12 figuras de Star Wars se vendió por apenas USD$50. Loomis no estaba particularmente emocionado por el proyecto y, dado que el proceso para fabricar una serie de figuras de acción tomaba entre 12 y 18 meses, supuso que podría comenzar a vender las primeras figuras en primavera de 1978.

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    Sin embargo, el éxito de Star Wars en el cine tomó por sorpresa al mundo entero –incluido a Lucas– y los niños pedían juguetes de sus personajes favoritos para recrear las aventuras espaciales en sus casas –tomemos en cuenta que las películas en video no existían aún–. Loomis se dio cuenta de que los juguetes no estarían listos para la importantísima temporada navideña, por lo que ideó una estrategia tan ingeniosa como controvertida para su tiempo… aunque ahora es de lo más común.

    Para la temporada, las jugueterías fueron surtidas con portafolios de cartón –no cajas, como aseguran algunas fuentes–, prácticamente vacíos, conocidos como Early Bird Certificate Package, que eran vendidos al público. El portafolios se desdoblaba y la parte interior podía ser usada como stand para exhibir las figuras. Asimismo, incluía algunas calcomanías de Star Wars, pequeñas piezas de plástico para parar a los muñecos en el stand de cartón y, lo más importante: un formato desprendible que debía ser llenado con los datos del consumidor y enviado por correo para que, entre febrero y junio de 1978, recibiera, a vuelta correo, un paquete con las primeras cuatro figuras de la colección: Luke Skywalker, la princesa Leia, Chewbacca y R2-D2.

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    Los certificados no tuvieron una buena aceptación entre el público, y muchos de ellos se quedaron en los estantes de las tiendas y fueron devueltos a Kenner. Del mismo modo, la prensa criticó duramente a la empresa por tratar de inducir a los consumidores a comprar a ciegas. Empero, con críticas y fracasos de ventas, los certificados Early Bird consiguieron algo que a Loomis le pareció por demás favorable: mantuvieron el interés del público en la tan ansiada línea de juguetes de Star Wars.

    La primera línea de 12 figuras de acción incluía a Luke, Leia, Han Solo, Chewbacca, C-3PO, R2-D2 –Arturito, pa’ los cuates–, Obi-Wan Kenobi, Darth Vader, un Stormtrooper, un Comndante Imperial, un Jawa y un Morador de las Arenas, y fue producida a marchas forzadas. En 1978, cada figura se vendía por alrededor de USD$2.

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    Los escultores debían trabajar con tiempos de entrega imposibles y muy poco material de referencia y, para satisfacer la demanda, las figuras fueron maquiladas en diferentes fábricas de varios países asiáticos. Esto dio como resultado que muchas de las figuras tuvieran errores y defectos de producción, así como que existieran muchas versiones variantes de la misma figura –que han hecho las delicias de los coleccionistas–: Han Solo con cabeza pequeña, Han Solo con cabeza grande, Luke con cabello y cejas amarillos, Luke con cabello café y cejas negras, Luke con cabello amarillo o beige; Obi-Wan con cabello blanco, Obi-Wan con cabello gris; Chewbacca con ballesta verde, azul o negra; Vader, Luke y Obi-Wan son lightsabers de dos y tres secciones, y una nutrida lista de etcéteras. También derivó en que muchas figuras de personajes secundarios –particularmente la Serie 2, lanzada para la Navidad de 1978–, como el cazarrecompensas Greedo o el fugitivo “Walrus Man” (luego rebautizado como Ponda Baba) no se parecieran en absoluto a sus contrapartes de la pantalla.

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    Gran parte del éxito de las figuras se debió a una idea arriesgada por parte de Loomis y su equipo. Rápidamente, entendieron que el universo de Star Wars era vasto y rico y que las naves espaciales, así como las criaturas y otros vehículos, eran también estrellas de este cuento de hadas contemporáneo. Por tal motivo, Loomis decidió utilizar la poco popular escala de 3.75 pulgadas para sus figuras –por cierto, la escala de todas las figuras de la colección vintage [1977-1985] toma como referencia el tamaño del primer Luke Skywalker–. Esto permitiría producir naves y vehículos que podrían ser utilizados con las figuras sin que fueran demasiado voluminosos o costosos. De hecho, originalmente se publicitaron como “Mini-Action Figures”.

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    Eventualmente, en 1979, Kenner produjo figuras de 12 pulgadas de Star Wars y, aunque gozaron de gran éxito, no fueron tan populares como las figuras de 3.75”. Aunque el nivel de detalle en las figuras básicas era bueno para la época, la paleta de colores era limitada –en parte debido a la tecnología disponible en la época–; del mismo modo que la escala pequeña y los esfuerzos por abaratar los costos de producción obligaron a los fabricantes a reducir las articulaciones. Todas las figuras de la primera colección de Star Wars tienen sólo 5 puntos de articulación: caderas, hombros y cuello; excepto por el Stormtrooper y Chewbacca, cuyos torsos y cabezas son una sola pieza.

Boba Fett: el Santo Grial de los coleccionistas

Para 1979, la colección contaba con 21 figuras básicas, media docena de vehículos, una criatura y varios playsets. La figura número 21 era un personaje completamente nuevo cuya primera aparición en pantalla se diera en la Navidad de 1978 durante el segmento animado del infame Especial de Navidad de Star Wars (1978): el cazarrecompensas Boba Fett.

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    En el material promocional previo al lanzamiento de la figura se anunciaba que ésta disparaba un pequeño proyectil rojo del jetpack en su espalda. Sin embargo, más o menos en esa época, hubo reportes de niños que se asfixiaron al tragarse misiles de juguetes de la colección de juguetes de Batlestar Galactica, por lo que Kenner decidió fijar el proyectil de Boba Fett a la figura y retirar el mecanismo que lo disparaba. De hecho, la figura que finalmente se produjo de forma masiva y se vendió al público incluía una nota en la que se leía:

“Originally our STAR WARS Boba Fett action figure was designed to have a spring-launched rocket. The launcher has been removed from the product for safety reasons. If you are dissatisfied with the product, please return it to us and we will replace it with any STAR WARS mini-action figure of your choice.

Thank you for your support.” [1]

    Aun con dicho cambio, una figura empacada de Boba Fett en el blíster de 1979 en buen estado puede sobrepasar los USD$650. A lo largo de la historia, las leyendas urbanas de “mi primo consiguió uno de los Boba Fett que disparaban el misil” han sido comunes; pero todos falsos. Las figuras que disparaban el proyectil nunca fueron puestas a la venta. Apenas una docena de estas figuras sin empacar salió de las fábricas y fueron utilizadas por Kenner con fines promocionales y de exhibición únicamente. Según se sabe, en todo el mundo sólo existe una figura empacada de Boba Fett con lanzamisiles funcional, fue utilizada para la exhibición de Kenner en la Feria del Juguete de Nueva York en 1979 y su precio actualmente se calcula entre los USD$120,000 y los USD$150,000.

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Con las enormes ganancias producidas por las figuras de Star Wars, no podemos culpar a Kenner por tratar de explotar la franquicia el mayor tiempo posible. La colección de la primera película se extendió desde 1977 hasta 1979; mientras que la de El Imperio contraataca (Kershner, 1980) se produjo desde 1980 hasta 1982 y la de El regreso del Jedi (Marquand, 1983), entre 1983 y 1984. Para 1985, Kenner produjo simultáneamente tres líneas de figuras basadas en Star Wars: Star Wars: The Power of the Force, en la que había personajes de las tres películas que no habían aparecido en las series anteriores; Star Wars Droids y Ewoks, estas dos últimas basadas en las series de dibujos animados. Cabe mencionar, además de que, para el estreno de cada nueva película, Kenner reempacaba las figuras de la peli anterior en cartones con el título de la nueva cinta, lo cual maximizaba sus ganancias, daba oportunidad a los fans de conseguir figuras anteriores y creó también un buen número de versiones variantes de cada figura. Una estrategia similar se utilizó con las figuras de las Trilogía de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003) a inicios de este siglo.

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    Para 1985, cuando la producción de los juguetes de Star Wars fue cancelada definitivamente, tan sólo la colección de figuras basadas en las películas contaba oficialmente con 92 figuras de acción diferentes. Sin embargo, esta cifra es inexacta, pues no se están tomando en cuenta los muñecos que no se distribuyeron en los EE.UU. –como el codiciado Yak Face–, ni las figuras empacadas como sets – como Jabba the Hutt o la banda de Max Reebo, por ejemplo–.

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    El final de la Trilogía Original derivó en un descenso del interés por Star Wars y éste, a su vez, se vio reflejado en las bajas ventas de las figuras, por lo que la producción de éstas fue terminada en 1985[2] –. El legado de la colección vintage de Star Wars es innegable: con ella nacieron las figuras de acción de escala pequeña, el merchandising moderno de licencias de películas y el coleccionismo de juguetes como se conoce actualmente. Antes de Star Wars, el coleccionismo de juguetes se limitaba a piezas antiguas vendidas a altos precios por casas especializadas. Con Star Wars cualquiera podía coleccionar, intercambiar y cazar a su personaje favorito de una galaxia muy muy lejana… ¡Y gracias a la Fuerza por eso!

Bib Fortuna: la figura que el coleccionismo arruinó.

Una de las figuras más populares de la serie de El regreso del Jedi fue la del mayordomo de Jabba el Hutt, Bib Fortuna. En algunas fotos de prototipos, el abrigo del sirviente twi’lek era de color rojo oscuro; sin embargo, éste fue cambiado por uno color beige o gris en la versión final. En México, la maquiladora Lili Ledy, que tenía la licencia para producir las figuras de Star Wars, produjo una cantidad desconocida de figuras de Bib Fortuna con un abrigo color borgoña.

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    Rápidamente, esta rarísima figura sólo fabricada en nuestro país se convirtió en un artículo súper coleccionable, por lo que las falsificaciones no se hicieron esperar. Con el paso del tiempo –las primeras falsificaciones salieron a la luz en 2004; pero la verdadera epidemia se dio entre 2008 y 2010–, hubo tantas falsificaciones de este muñeco y éstas se parecían cada vez más al original que, de ser una pieza difícil de conseguir y muy costosa, ahora es muy común y no vale prácticamente nada pues, a menos que esté sellada dentro de su empaque, es casi seguro que sea una figura apócrifa. Un servidor tiene una en su colección y, aunque lo compré algunos años antes de que los piratas se volvieran populares, estoy casi seguro de que se trata de una falsificación.

Star Wars: The Epic Continues: la serie de figuras que nunca se produjo

Para 1985, como mencioné arriba, el interés en las figuras de Star Wars había decaído. Kenner ideó una estrategia para repuntar las ventas de la única colección tan grande como el Universo: producir una colección de figuras spin-off basadas en una hipotética cuarta película cuya trama consistía en que Tarkin –quien misteriosamente habría sobrevivido a la destrucción de la primera Estrella de la Muerte– y los últimos restos del desmantelado Imperio Galáctico se aliarían para reconstruir la tiranía. Pieza clave de dicho plan sería Ata Prime, el líder de la Guardia Imperial, quien sería clonado para producir un ejército que lograra aplastar a la incipiente Nueva República, ocasionando una Segunda Guerra de los Clones.

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    La serie, cuyo nombre tentativo sería Star Wars: The Epic Continues constaría de personajes y vehículos nuevos aunque, en su mayoría, se trataría de retools de juguetes ya existentes, como el All Terrain Ion Cannon –retool del AT-AT– o el Sandspeeder –retool del Snowspeeder–. Se produjeron un par de prototipos y fotografías promocionales; pero la mayoría de las figuras –incluyendo la que hubiera sido la primera figura de Tarkin– ni siquiera llegaron a la etapa de diseño.

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    En vez de The Epic Continues, Kenner decidió dirigir sus esfuerzos hacia un plan que tan bien les estaba funcionando en esa época: producir una serie de dibujos animados en conjunto con una línea de figuras de acción alusivas, convirtiendo cada episodio de la serie, básicamente, en un comercial de juguetes de veinte minutos. Lucasfilm produjo dos series en ese año: Droids y Ewoks, por supuesto, cada una con su montón de juguetes.

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[1] “Originalmente, nuestra figura Boba Fett de STAR WARS estaba diseñada para tener un cohete disparado por resorte. El lanzador ha sido removido del producto por razones de seguridad. Si usted está insatisfecho con el producto, regrésenoslo y lo reemplazaremos con cualquier mini-figura de acción de STAR WARS de su elección.
Gracias por su apoyo”. Traducción mía.

[2] El desinterés por los muñecos de Star Wars hacia 1984 dio paso al desarrollo de una de las colecciones de figuras de acción más importantes en la historia: Super Powers, conocida en Latinoamérica como Los Súper Amigos pero, citando a Ende, ésa es otra historia y deberá ser contada en otra ocasión.

SUMARIO 2019

SUMARIO 2019

Alien vs Depredador 2 (redux)

Alien vs Depredador (redux)

Watchmen: los vigilantes

Alien: la resurrección (redux)

X-Men: Dark Phoenix

Alien 3 (redux)

Godzilla II: el Rey de los Monstruos

Aliens: el regreso (redux)

Alien: el octavo pasajero (redux)

El Cuervo

El abismo negro

Avengers: Endgame

Hellboy (2019)

Cementerio maldito (remake 2019)

Escisión

Star Wars figuras de acción 2 (1995-2000)

Star Wars figuras de acción 1 (1977-1985)

Alita: Battle Angel

Cómo entrenar a tu dragón 3

El terror llama a su puerta

 

ALITA BATTLE ANGEL: LA ÚLTIMA GUERRERA. De los creadores de “Terminator” y “Sin City”.

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LA ÚLTIMA GUERRERA

Alita: Battle Angel

 

Robert Rodriguez, 2019

Las adaptaciones live-action de mangas o animes suelen ser muy poco afortunadas… por decirlo muy, muy amablemente. Los títulos de bodrios como Dragon Ball: Evolución (Wong, 2009) o El puño de la Estrella del Norte (Randel, 1995) vienen a mi mente… pero no mamen, es que esas madres deberían ser ilegales. Sea como fuere, con tan terribles antecedentes, mi única expectativa para la adaptación live-action occidentalizada del manga titulado Hyper Future Vision GUNNM –¿Por qué los títulos originales de mangas y animes siempre suenan como a nombres de secadoras de cabello de los 80?–, de Yukito Kishiro, era que al menos fuera apta para consumo humano. Y lo es.

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    Retomando de manera más o menos fiel los primeros cuatro libros del manga –que son dos arcos argumentales distintos–, la película cuenta la historia de Alita (Rosa Salazar), un cyborg que es encontrado apenas con vida en un tiradero de chatarra por el Dr. Ido Dayson (el siempre genial Christoph Waltz en la interpretación menos brillante que le he visto, la neta). Alita no puede recordar nada sobre su pasado y, sin embargo, luego de que su cuerpo es reconstruido por Ido, debe enfrentarse a un mundo extremadamente hostil lleno de criminales y cazarrecompensas en el que el entretenimiento de moda es el sangriento deporte conocido como MotorBall. En la lucha por recuperar su identidad, Alita descubrirá que posee letales habilidades más allá de su propia comprensión.

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    La película, al igual que el manga, retoma grandes influencias de películas como Blade Runner (Scott, 1982) y Rollerball: Gladiador del futuro (Jewison, 1975); pero también retoma influencias de otras pelis por cuenta propia, como podrían ser Batman (Burton, 1989), RoboCop (Verhoeven, 1987) o Acción mutante (De la Iglesia, 1993).

    La última adaptación de un manga a live-action que vi fue Ghost in the Shell: la vigilante del futuro (Sanders, 2017) y si bien me pareció que, a diferencia de las citadas Fist of the North Star y Dragon Ball: Evolution, al menos era visible, sí recuerdo que me pareció hilarante la forma en la que se desviaron del material original. No sucede lo mismo con La última guerrera… ¿Saben qué? Me parece ridícula la traducción del título, la llamaré simplemente Alita. La película llega a ser demasiado camp por momentos, eso que ni qué, pero no puedo decir que me haya desagradado… por el contrario, creo que, de hecho, eso entra dentro del tono del manga.

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    Y ya que hablamos de tono, me parece que eso es lo único que de verdad no me convenció de la película. Si bien la violencia y las artes marciales con coreografías espectaculares –aunque breves– se mantienen ahí, le faltó mucha sangre a su película… ¡en especial tratándose de una peli de Rodriguez! Aparte de que es poca y se muestra de manera tímida, aplicando la de John Carter entre dos mundos (Stanton, 2012), decidieron que la sangre de los cyborgs fuera azul para que luciera menos impactante… ¡en el manga se arrancan columnas vertebrales como si fuera cualquier cosa!

    Otra cosa que no me latió mucho fue la estética de su ciudad postapocalíptica. Mientras que en el manga la Ciudad de la Chatarra pues es… eso, un deshuesadero gigantesco al interior del cual se ha erigido un centro urbano, la versión cinematográfica luce mucho más próspera; por momentos sólo parece un pabellón de Epcot Center sin mantenimiento. Vamos, con esas construcciones eclécticas y sus añadidos industriales y hechizos parece más bien el centro de la Ciudad de México en un día soleado.

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    Por otro lado, la cinta tiene un buen número de aciertos. Sobre todo, me gustó el ritmo. Creo que la narrativa es buena y fluye de manera orgánica y suave a lo largo de toda la película. Con algunos huecos argumentales, la historia se cuenta bien y de forma dinámica, y las secuencias se suceden armoniosamente.

    La fotografía es propositiva y los encuadres y movimientos de cámara apoyan a la narrativa sustancialmente.

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    A esto contribuye la maravillosa música de Junkie XL, cuyos créditos incluyen también los soundtracks de Mad Max: furia en el camino (Miller, 2015) y Tortugas Ninja: Fuera de las sombras (Green, 2016). Ése fue otro de los aspectos de la peli que más me gustaron. Siguiendo el modelo de Star Wars (Lucas, 1977), la cinta se va más por una onda sinfónica wagneriana –eso sí, con un montón de sonidos electrónicos, particularmente en las secuencias del MotorBall– que crea un interesante contrapunto con el argumento futurista y lo crea una atmósfera tan épica como un relato así debería tener.

    Y, por supuesto, la estrella de la película y lo que hace que valga la pena pagar un boleto para verla en el cine son los efectos especiales. La película incluye alrededor de 1500 tomas de efectos especiales y éstos son verdaderamente verdaderamente impresionantes. Particularmente me dejó boquiabierto el performance capture, o maquillaje digital o como sea que se le llame, usado para crear a Alita sobre el físico de la actriz Rosa Salazar… Supongo que una forma segura de evitar cualquier acusación de white washing estilo Ghost in the Shell, es crear un personaje digital que, por cierto, resulta bastante parecido a su contraparte impresa a la vez que se ve realista.

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    Otro elemento que me pareció interesante y que, francamente, no estoy muy seguro de saber explicar fue la narrativa. Quizá parte del fracaso de otras adaptaciones cinematográficas de mangas/animes se debe a que la narrativa de dicho tipo de comic es prácticamente imposible de trasladar a la acción en vivo. En esta cinta creo que salvaron tal obstáculo al adaptar la fuente a una narrativa de película de comics americana… es extraño, pero funciona.

    La historia de Hyper Future Vision GUNNM ya había sido adaptada con anterioridad a la pantalla en forma de un OVA (película anime directa para video) a principios de los 90… Sobre ella me encantaría hablar y poder hacer comparaciones, pero no la he visto.

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    James Cameron quería adaptar el manga a la pantalla grande desde 1995; pero tuvo que demorar el proyecto por su participación en Titanic (Cameron, 1997). Además, sentía que la tecnología disponible en el momento aún no era suficiente para lograr la visión que tenía, pues el director canadiense siempre quiso que Alita fuera una versión fotorrealista del personaje del manga. Posteriormente, en 2003, la confirmación del proyecto fue anunciada, pero fue pospuesta en muchas ocasiones debido a la carga de trabajo de Cameron en Avatar (Cameron, 2009) y sus secuelas. Finalmente, Cameron se dio cuenta de que probablemente pasaría el resto de su vida trabajando en las secuelas de la saga de Pandora, por lo que decidió delegar la dirección de Alita a Robert Rodriguez, quien también es fan del manga de Kishiro y continuamente preguntaba a Cameron sobre sus avances en la adaptación.

    Originalmente, Cameron ideó la historia de Alita como una trilogía; sin embargo, el estrepitoso fracaso de la cinta en la taquilla podría poner en riesgo la realización de las secuelas. De su presupuesto de 200 millones de dólares, la cinta apenas recaudó alrededor de 8 millones y medio en su fin de semana de estreno. Despertando opiniones encontradas entre el público y la crítica, que van desde una obra maestra de la Ciencia Ficción hasta simplemente una cinta de género con muchos fuegos artificiales, bien podríamos estar presenciando el nacimiento de una película de culto.

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    Es cierto: a la película le falta profundidad –en especial si se le compara con el manga–, el tono oscuro y nihilista de la fuente original fue sustituido por uno mucho más optimista, el desarrollo de los personajes es algo disparejo y la mayoría de las actuaciones están cumplidoras nomás. Pero también creo que es cierto que Alita resulta ser más que la suma de sus partes y, aunque larga –con todo y que Rodriguez se empeñó en cortar partes del guión de Cameron–, toda ella funciona muy bien en su conjunto y la disfruté mucho. También estoy convencido de que es la mejor adaptación live-action que se haya hecho de un manga/anime hasta el momento, y eso incluye también a algunas las versiones niponas… aunque, claro, si los demás competidores son El puño de la Estrella del Norte y Gatchaman (Satô, 2013)…

    A final de cuentas, creo que Alita sale bastante bien librada y puedo decir que me gustó bastante.

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PARA LA TRIVIA: Las cuatro actrices finalistas para encarnar a Alita fueron Zendaya, Rosa Salazar, Maika Monroe y Bella Thorne. Salazar fue elegida finalmente a pocas semanas de iniciar el rodaje.

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CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 3. El final de la trilogía.

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CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 3

How to Train Your dragon: The Hidden World

 

Dean DeBlois, 2019

 

Siempre es difícil cerrar una trilogía. Hay tantos riesgos y tentaciones. Desde dejar cabos sueltos para continuar después con lo que se sabe que ya no puede extenderse más –¿Verdad, X-Men: la batalla final (Ratner, 2006)?–, hasta diluir la fuerza de toda la trilogía abusando de una fórmula que ya se siente gastada –¿O tú qué opinas, Scream 3: la máscara de la muerte (Craven, 2000)?–; pasando por darle tantas vueltas de tuerca y tantos juegos al argumento, que la última parte termina siendo una cosa completamente diferente de lo que fue la primera y cuesta trabajo pensar en ambas como en dos partes de un todo –¿No lo crees, Matrix: Revoluciones (Hnos. Wachowski, 2003)?–. ¿Hay alguna forma de jugar a la segura? Sí. Y hay toda una serie de clichés y fórmulas que aseguran una tercera parte exitosa. Cómo entrenar a tu dragón 3 las sigue casi todas.

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    La villa vikinga de Berk, en la que los humanos y los dragones han aprendido a vivir en armonía, pasa por una era dorada. El liderazgo de Hipo (voz de Jay Baruchel) ha llevado a la villa a estancarse y, si bien han logrado cierta prosperidad y liberar a cientos de dragones de los cazadores furtivos, los vikingos dependen cada vez más de las bestias. Sin embargo, los cazadores, hartos de perder a sus presas a manos de Hipo y su banda, planean un contraataque aliándose con el asesino de Furias Nocturnas, Grimmel (voz del siempre maravilloso F. Murray Abraham). La situación sólo se complica con la aparición de una hembra Furia Nocturna… llamada Furia Brillante.

    La primera película de Cómo entrenar a tu dragón la vi en un avión y me encantó. La segunda ya la vi en el cine y me gustó bastante también. Esta tercera no me ha decepcionado, aunque sí puedo notar que es la más débil de las tres.

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    Creo que su principal fallo es que es increíblemente parecida a la segunda. A pesar de que se supone que el tiempo ha pasado y los personajes han ido evolucionando, la verdad es que la anécdota resulta casi idéntica a la de la segunda parte. Del mismo modo, mientras las cintas anteriores estaban en un tono más de aventura, ésta se va más por el lado de la acción, así que termina siendo una especie de “lo que ya vimos… pero con más peleas”.

How To Train Your Dragon: The Hidden World

    No me pareció mala, sólo me pareció más de lo mismo. Incluso creo que los fallos de la parte anterior siguen en ésta, como el tratamiento más superficial de la historia y el poco desarrollo de los personajes… lo que es irónico, porque justo lo opuesto fue lo que me encantó de la primera parte. Eso sí, muchos de los aciertos de sus predecesoras, como los personajes entrañables y los momentos emotivos maravillosamente logrados, continúan en esta cinta.

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    Del mismo modo y siguiendo con la línea de las pelis anteriores, la animación es apabullante. En cada entrega, esta saga ha logrado superarse a sí misma en este rubro. Me gusta mucho cómo se ve la película, con todos esos colores y texturas, y el montón de elementos apareciendo simultáneamente en pantalla.

    También están el bonito subtexto y moraleja que es inherente a estas cintas. En este caso, la moraleja de la historia es saber dejar ir las cosas y vivir por nosotros mismos… creo.

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    Y también creo que no podría ser más acertado, pues esta peli de verdad se siente como una despedida para los fans que durante años la hemos seguido. Es emotiva y conmovedora, y realmente uno siente que va a extrañar a estos muchachos… pero también siente que les va a ir bien. Digo… el chiste de todo esto es aprender a dejar ir, ¿no?

    Aun con sus debilidades, y con que uno se queda con la incómoda sensación de que la película que acaba de ver ya la había visto, Cómo entrenar a tu dragón 3 funciona bastante bien. Como lo mencionaba al principio, cumple básicamente con todas las reglas de los cierres de trilogía: un secreto del pasado que cambia todo es revelado, el universo que se expandió en la anterior se expande aún más, la dinámica ya conocida se ve trastocada por un elemento externo, etc.

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    Sobre las actuaciones no puedo opinar porque vi la película doblada y no las actuaciones originales; pero me pareció que el doblaje está muy bien.

    Con todo y sus fallos, puedo decir que me gustó mucho esta película y la disfruté bastante. Sobre todo, me gustó cómo cierra la historia sin dejar cabos sueltos. Es el final de un ciclo que inició hace casi diez años. Por favor, no vayan a salir con Cómo entrenar a tu dragón 4: la resurrección o el reboot o el remake o no manchen, la trilogía termina bien.

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PARA LA TRIVIA: Originalmente se había planeado que el villano de la segunda parte, Drago Blodvist, regresara en esta película como el villano y fuera redimido al final; sin embargo, esta idea se descartó en posteriores tratamientos del guión.

 

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EL TERROR LLAMA A SU PUERTA.Aliens, nerds, zombies y chicas.

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EL TERROR LLAMA A SU PUERTA

Night of the Creeps

 

Fred Dekker, 1986

 

Algunos directores parecen estar destinados a hacer únicamente películas de culto. En el caso de Fred Dekker, se trata de películas que rinden homenaje a películas de culto y que, a su vez, se convirtieron en películas de culto. Es una lástima que la poca rentabilidad de las producciones de Dekker condenaran una carrera tan promisoria al fracaso. Con tres largometrajes en su haber –los otros dos son la divertida Escuadrón Anti-monstruos (1987) y la inmunda RoboCop 3 (1993)–, Dekker nunca más pudo sentarse en la silla de director… aunque siguió trabajando como guionista; escribió muchos episodios de Cuentos de la cripta (1989-1996) y los guiones de RoboCop 3 y El Depredador (Black, 2018) son suyos… Bueno, ya no sé si estoy escribiendo esto para defender al pobre hombre o para acusarlo. El chiste es que tiene dos buenas películas y creo que ésta es la mejor.

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    El terror llama a su puerta cuenta la historia de un experimento alienígena que llega a la Tierra en 1959 –año en que nació Dekker y en el que se estrenó Plan 9 del espacio exterior (Wood)[1], cinta que será multicitada y referenciada a lo largo de El terror llama…– y habita el cuerpo de un estudiante universitario. Tras casi treinta años congelado en un laboratorio de la Universidad Corman –referencia obvia a Roger Corman, el “Rey de la Serie B”–, el cuerpo del estudiante es reanimado por Chris Romero (Jason Lively)  y J.C. Hooper (Steve Marshall), un par de nerds que buscan conseguir chicas al unirse a una fraternidad. Lo que sigue es una disparatada aventura con universitarios cachondos, zombies, babosas cerebrales, extraterrestres, asesinos psicópatas, un policía con un pasado tormentoso, y cientos y cientos de referencias a películas de Terror y Sci-Fi.

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    Actualmente es casi obligado que las películas de altos presupuestos rindan cierto tributo o hagan referencias a películas viejas; de hecho, cintas como Ready Player One (Spielberg, 2018) o Deadpool (Miller, 2016) parecen basarse completamente en dicha propuesta. Sin embargo, en aquel entonces esta dinámica era poco común y se sentía más fresca. En esta cinta funciona bastante bien y resulta muy graciosa, como el hecho de que los apellidos de todos los personajes cuyos nombres se mencionan en pantalla son apellidos de directores de cine de horror, como el caso del interés romántico de nuestro protagonista, Cynthia Cronenberg (Jill Whitlow), los oficiales Raimi (Bruce Solomon), Dantey DePalma, los detectives Ray Cameron (el gran Tom Atkins) y Landis (Wally Taylor), así como el conserje, el Sr. Miner (Robert Kino)… ¡Y Gordon el gato!

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    Algo que siempre apreciaré es que los actores que salen haciendo papeles de chavitos por lo menos se vean chavitos y en este caso creo que se logra en su mayoría… No así, evidentemente, en el caso de Brad (Allan Kayser), quien no sólo se ve bastante más grandecito, sino que su cabello teñido casi parece que se quiere salir de la pantalla.

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    Sea como fuere, las actuaciones de todos son bastante decentes y uno les cree sus personajes. Me gusta sobre todo la interpretación de Tom Atkins, que en esta película tuvo oportunidad de burlarse un poco de sí mismo en su eterno papel de detective. De hecho, según lo declaró alguna vez el propio Atkins, ésta es su película favorita de todas en las que participó y Dekker es uno de los directores con los que le gustaría volver a trabajar.

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    Y creo que no es difícil entender el porqué de la predilección de Atkins. El terror llama a su puerta es una de las cintas más divertidas que he visto. La primera vez que la vi fue cuando estaba en la secundaria; la agarré un fin de semana a medianoche en el cable. Por desgracia, no pude verla completa en aquel entonces; pero recuerdo que igual me reí mucho. Me frustró además que no supe, sino hasta años después, el título.

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    Creo que uno de los grandes aciertos de la peli es que en ningún momento se toma a sí misma demasiado en serio… ¿Cómo podría?

    El mismo Dekker ha dicho que la película la concibió durante una noche de insomnio. De repente, imaginó la escena de un hombre corpulento, bebedor y atormentado levantando intempestivamente la bocina de un teléfono diciendo: “Thrill me!”. Esta línea se convirtió en prácticamente un estribillo del detective Cameron, quien la dice cinco veces a lo largo de toda la peli. A partir de ahí, Dekker armó un pastiche con todos los elementos que le gustaban de las películas de Serie B que veía cuando era niño: zombies, extraterrestres, policías rudos, chicas lindas…

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    Precisamente, el gran fuerte de la película y lo que, de hecho, hizo que tanto los productores como los actores se enamoraran de ella, es su guión. Si bien se trata de una historia demasiado sencilla llena de huecos, clichés y malos diálogos, ése es precisamente su encanto. Digo, ese tipo de cosas se vuelven divertidas cuando se tiene la sensibilidad para hacerlas de manera deliberada y a la vez sutil. Francamente, creo que uno de los mejores diálogos en la historia de cine es: “Chicas, la buena noticia es que sus citas llegaron” “¿Y la mala?” “Que están muertos”.

    La música, muy producto de su época, también está bastante bien y creo que logra ambientar correctamente la película mezclando música instrumental con temas cantados.

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    Otra cosa que me gusta mucho de esta peli son las criaturas y los efectos especiales, así como los de maquillaje. Siendo honesto, creo que son bastante disparejos, pues algunos se ven geniales, como los enanos extraterrestres del prólogo o las mutilaciones de los zombies; mientras que otros, como los planos generales del perrito zombie, se ven bastante chafas –digo… se ve que el animal no se mueve porque es de peluche–. A final de cuentas, todo el conjunto funciona y, bueno, ya que la película no se toma demasiado en serio a sí misma, supongo que el maltés zombie funciona… ¡Bah! Dejaré de hacerme del rogar: ¡Me mata de risa ese pinche perro!

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    La fotografía es buena, a secas, y me gusta cómo usa la sobresaturación de colores, muy en el estilo de las películas de su época. Por ejemplo, uno encontrará tomas casi por completo iluminadas en rosa y azul que creo que se ven geniales. Me recuerda mucho a esa otra horror comedy de los ochenta, pero de vampiros, Vamp (Wenk, 1986).

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    Puedo concluir que El terror llama a su puerta es una película divertida. Es graciosa, los diálogos son hilarantes, las actuaciones son buenas, los efectos decentes, los personajes encantadores y la música pegajosa. No me cansaré de insistir: no es una película que deba tomarse en serio… digo, finalmente, quienes la hicieron no se la tomaron en serio. Por el contrario, conviene tomarla como lo hicieron ellos: dejarse llevar simplemente porque el cine es divertido. La película, por supuesto, se disfruta mucho más si uno es aficionado al cine de horror; así que llamen a sus amigos frikis que siempre resuelven las trivias, compren al menos un six de cervezas y pongan una bolsa de palomitas en el microondas porque, chicas, sus citas llegaron.

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PARA LA TRIVIA: Cuando la película se estrenó en cines el final fue cambiado por otro más corto. Cuando la transmitieron en TV, se reinsertó el final original, más largo, en el que aparecen de nuevo los extraterrestres. Este final se ha quedado como el definitivo y es el que le pusieron a la peli para su edición en DVD.  

 

PARA LA TRIVIA GEEK: En la pared del baño en el que J.C. se refugia de las babosas espaciales puede apreciarse un grafitti en el que se lee: “Go Monster Squad!”. Monster Squad (Escuadrón Anti-Monstruos en Latinoamérica, Una pandilla alucinante en España) fue la segunda película de Dekker… y un fracaso de taquilla que prácticamente le costó su carrera.

 

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[1] No olvides revisar mi video sobre Plan 9 del espacio exterior.