MAD MAX. Los salvajes de autopista cumplen 40 años.

 

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MAD MAX

 

George Miller, 1979

Hacia mediados de la década de 1970, el desabasto de combustibles derivados del petróleo a nivel mundial dio origen a toda una serie de películas con elementos de ciencia ficción en las que se glorificaba a los vehículos automotores. De todas ellas, quizá la más famosa es una peliculita independiente de producción australiana que combinaba elementos de road movie con elementos de western en un futuro postapocalíptico llamada Mad Max.

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    En un futuro cercano, cuando la civilización está al borde del colapso, Max Rockatansky (Mel Gibson en el papel que lo lanzaría a la fama) es miembro de un equipo especial de patrulleros dedicados a mantener el orden en las desérticas carreteras australianas, mismas que se han convertido en el coto de caza de ladrones de combustible (¿huachicoleros?), asesinos y toda clase de escoria criminal. Después de que el compañero de Max, Goose (Steve Bisley), es quemado vivo por la banda de motociclistas lidereada por Toecutter (Hugh Keays-Byrne, quien regresaría a la franquicia como Inmortan en Mad Max: Furia en el camino [Miller, 2015]), Max decide abandonar la corporación de patrulleros. Sin embargo, cuando Rockatansky intenta escapar, su familia será víctima del sanguinario Toecutter, desencadenando una racha de venganza que pondrá el “Mad” en Mad Max.

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    Dos influencias resultan más que evidentes en el argumento anterior: Por principio de cuentas está, por supuesto, la clásica El vengador anónimo (Winner, 1974), en la que Paul Kersey (el gran Charles Bronson), un arquitecto de la ciudad de Nueva York, se convierte en vigilante luego de perder a su esposa e hija –siendo justos, la hija sólo queda en estado catatónico– a manos de unos delincuentes. La otra es un poco menos conocida y se trata de una cinta producida por el Rey de la Serie B, Roger Corman, titulada Carrera Mortal en el año 2000 (Bartel, 1975). En esta peli se muestra un futuro distópico en el que se organiza una carrera a través de diferentes ciudades de EE.UU. en la que los competidores tienen permitido asesinar a quien se les cruce en frente.

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    De hecho, durante toda la película no puede dejar de sentirse una marcada influencia del cine de Corman: autos a toda velocidad, chicas, pandillas de motociclistas, violencia sin sentido y un manejo incipiente del lenguaje cinematográfico que se advierte en varios cortes raros a lo largo de la película –la cual, de hecho, fue editada en una mesa de edición hechiza armada por el padre del productor Byron Kennedy en su recámara– , así como que, por momentos, la narrativa es casi amateur –y no lo digo sólo por el lente Gran Angular mugroso durante gran parte de la cinta o por el audio mal sincronizado…– . También se siente una cierta influencia de Star Wars (Lucas, 1977), particularmente en la escena del Sugartown Cabaret, que no sólo es la típica escena de western en una cantina/bar/similar; sino que muestra una interesante arquitectura futurista de los 70. Y… ¿será posible también que haya una cierta influencia de los comics de 2000 A.D.? Miller refiere que la principal influencia para esta peli fue la postapocalíptica Un muchacho y su perro (Jone, 1975).

Mel Gibson In 'Mad Max'

    Anécdota curiosa: la película fue distribuida en EE.UU. por American International Pictures, una de las compañías fundadas, de hecho, por Roger Corman. Para su distribución en dicho país, las voces de los actores fueron dobladas, pues se pensó que sus marcados acentos australianos podrían disuadir al público de ver la cinta.

    Algo que siempre me ha encantado de esta película es cómo puede lograr tanto con tan poco. Con un presupuesto reducido y, en general, con pocos elementos y la mayoría de ellos, austeros, logra crear un universo propio que es creíble y que se sabe mucho más vasto de lo que vemos en pantalla.

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    Y hablando de lo que vemos, la fotografía es genial. Con una marcada influencia del Cinéma Vérité, la cámara es utilizada simultáneamente como testigo y narrador de lo que sucede en la pantalla. A pesar de los cortes duros que mencioné líneas arriba, la narrativa es muy interesante y está llena de tomas propositivas, como aquéllas en las que la cámara se sitúa al nivel del asfalto para que la carretera parezca omnipresente pues, a final de cuentas, ésta termina siendo un personaje más de esta visión pesimista de nuestro futuro. Mad Max fue una de las primeras películas filmadas en Australia en película de 35mm, de ahí que la calidad de la imagen sea tan buena.

    También retomando influencia del cine europeo de mediados del siglo XX, la película maneja un estilo de actuación súper intenso. Con una fuerte inclinación hacia el pathos, las actuaciones en Mad Max están increíblemente bien matizadas, llenas de momentos sutiles y microgestos que vuelven esta película un melodrama de venganza sofisticado. A final de cuentas, Mad Max es también una película de vigilantes, una de ésas que tan de moda estuvieron durante la segunda mitad de la década de los 70.

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     Otra de las características sobresalientes de esta cinta es la violencia explícita… creo que ya no dejan hacer películas como ésta. ¿Por qué en las películas el futuro siempre es un lugar en el que no nos gustaría vivir?… y, según parece por esta película, un momento en el que no existen las escobas… Como sea, la violencia gráfica y cruda y los temas sórdidos se convierten en parte integral del argumento. Miller es médico de formación y trabajó en la sala de emergencias de un hospital. De hecho, la idea para la película se le ocurrió a raíz de la enorme cantidad de pacientes que atendían por accidentes automovilísticos y de motocicletas. Las heridas que aparecen en la película están todas basadas en heridas reales presenciadas por Miller. Esto es llevado a cabo de forma sorprendente y complementado con stunts verdaderamente asombrosos; tanto como cabría esperar de un futuro en el que los autos no son sólo un vehículo, sino un arma, una herramienta de supervivencia y una forma de vida.

    A nivel creativo, una de las ventajas de las películas de bajo presupuesto es que no están sujetas a las limitantes de las grandes producciones. Las desventajas son… pues prácticamente todo lo demás. Mad Max fue filmada en lo que los directores coloquialmente denominan “Guerrilla Filmmaking”, una estratagema para filmar prácticamente sin presupuestos ni permisos que convierte cada sesión en una escaramuza.

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    Con un presupuesto que se estima en apenas USD$350 000, Miller y su equipo tuvieron que hacer de tripas corazón para sacar adelante el proyecto, y la cinta fue rodada en apenas 12 semanas. La mayoría de las acrobacias y otras suertes que se realizaron con automóviles y motocicletas eran ilegales, por lo que la producción debía filmar a escondidas, del mismo modo que cerrar carreteras de forma clandestina. La mayoría de los miembros de la banda de Toecutter eran, de hecho, miembros de bandas de bikers reales y conducían sus propias motos; a la gran mayoría de los extras de la película se les pagó con cerveza y, finalmente, casi todos los autos que aparecen en la película eran autos incautados por la Policía que fueron comprados a precios ridículos por la producción.

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    Quizá el elemento más afectado por la falta de presupuesto fue el planteamiento de la historia. Ésta originalmente no había sido pensada para suceder en un futuro postapocalíptico –nunca se especifica cuál, pero se presume después de la Tercera Guerra Mundial o una guerra nuclear–. Sin embargo, puesto que la producción no podía pagar extras ni edificios limpios y cuidados, tuvieron que rentar construcciones en ruinas o filmar clandestinamente en edificios abandonados.

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    También, como muchas otras cintas de la época, Mad Max hace patente el terror que sentía la sociedad establecida hacia la aparición del movimiento contracultural punk. Sin embargo, la película en sí misma termina siendo una cinta icono de dicho movimiento.

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    Mad Max no es la mejor película de la historia, ni es una gran cinta de acción y ciencia ficción; pero es una gran cinta de acción y autos, y una especie de reinterpretación posmoderna del western. Además, es considerada por muchos como la cinta que abrió el mercado estadounidense al cine australiano y, por supuesto, catapultó al estrellato a Mel Gibson, un perfecto desconocido que ni siquiera había terminado la carrera de actuación en aquel entonces. Generando tres secuelas, Mad Max se convirtió, sin lugar a dudas, en un icono de la cultura pop y un referente obligado para muchas cintas por venir.

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PARA LA TRIVIA: El personaje de Max Rockatansky fue nombrado así en honor al barón Carl von Rokitansky, quien diseñó el método Rokitansky a finales del siglo XIX. Éste es el procedimiento más usual para retirar los órganos internos de un cadáver durante una necropsia.

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ALIEN VS DEPREDADOR 2. Todas las franquicias tienen una entrega de la cual avergonzarse…

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Aliens vs Predator: Requiem

 

Colin Strause y Greg Strause, 2007

 

Existen dos versiones de esta película: El corte para cine de 94 minutos de duración y la edición sin censura de 102 minutos. Las diferencias son mínimas, las dos versiones son horrendas.

Todas las franquicias cinematográficas tienen al menos una película de la cual sentirse avergonzadas –en el caso de Rápido y furioso, tiene como ocho o nueve–. Todas las sagas de la pantalla grande han pasado por un momento en el que la fuente de a inspiración parece haberse agotado y la frescura y emoción de la película original es apenas un recuerdo. En el caso de la saga de Alien, creo que se trata de esta película que, si bien dejó de ser canon en cuanto se estrenó Prometeo (Scott, 2012), sigue siendo una muestra de cómo hasta las películas más geniales de la historia pueden engendrar secuelas difíciles de mirar.

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    La acción comienza justo donde terminó la película anterior, SPOILER con el nacimiento del alien híbrido, quien diezma a la tripulación de la nave de depredadores de la primera película TERMINA SPOILER, lo que ocasiona que ésta se estrelle en la Tierra, específicamente en un pueblito gringo de ésos que les encantan en las películas de monstruos y que en realidad desaparecieron a finales del siglo pasado. En pocos días, el pueblo se ve infestado de xenomorfos y casi nadie parece recordar que esta película se titula Aliens vs Depredador y que por ahí hay escenitas poco interesantes de un depredador (conocido para todo fin mercadológico como Wolf Predator, en honor al Mr. Wolf de Pulp Fiction [Tarantino, 1994]) cuya misión es detener la propagación de los xenomorfos y limpiar toda evidencia de la presencia de cualquiera de ambas razas en nuestro planeta.

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    Además, hay varias tramas secundarias: una sobre la familia de Kelly (Reiko Aylesworth) una combatiente de Iraq que regresa a casa y que, casualmente, tiene un gran parecido físico con Sigourney Weaver. Por otro lado, está la historia de los dos hermanos que se reencuentran después de que uno de ellos saliera de prisión en una trama sospechosamente parecida a la serie de TV Prison Break (2005-2009).

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    Por cierto que la mayoría de los actores que participan en esta película son actores de televisión y todos, prácticamente todos, son pésimos; por no mencionar que ninguna de las tramas secundarias es interesante u original, o terminan de integrarse como parte de la película.

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    En general, toda esta película da esa sensación: que está hecha de pedazos de otras cosas que no terminan de cuajar bien. El soundtrack, aunque no es malo, contiene muchas variaciones sobre temas del que compusiera James Horner para Aliens: El regreso (Cameron, 1986). A final de cuentas, esta película es como una de esas veces que uno quiere improvisar en la cocina y echa en una olla porciones de todo lo que le gusta creyendo que el sabor será genial… y al final resulta que no.

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    Quizá el elemento más decepcionante de la cinta es el alien híbrido (cariñosamente conocido por los fans como Predalien) que tanto ansiábamos ver en pantalla. Su diseño no es tan malo, a pesar de que parece una cruza genética entre el depredador y el xenomorfo, en vez de un xenomorfo que se gestó en un depredador y que por ello adquirió algunas de sus características (como el Alien perro de Alien 3 [Fincher, 1992]). Pero eso es una peccata minuta en comparación con cómo se comporta este alienígena. ¿Por qué carambas puede inocular embriones de xenomorfo de forma directa? O sea, con sólo unos minutos en pantalla echa por tierra todo el ciclo reproductivo del alien planteado a lo largo de cinco películas.

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    Cuando los directores fueron cuestionados a este respecto, se la sacaron diciendo que lo que pasaba era que el Predalien era en realidad un alien reina en estado juvenil. ¡La manga del muerto, qué!

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    El diseño que sí es más interesante es el del alien guerrero, que mezcla los diseños de Alien: La resurrección (Jeunet, 1997) y Aliens: el regreso de forma afortunada. Los xenomorfos son de color negro y tienen patas digitígradas, pero su cráneo tiene crestas y protuberancias. Lástima que durante prácticamente toda la película se la pasen brincando como chapulines y espantando gente de forma más parecida a la que usarían los gremlins.

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    Lo que me hace pensar ¿Por qué esta película es tan condenadamente oscura? Entiendo que en algunas escenas sirva para crear una atmósfera lúgubre y para generar misterio alrededor de los xenomorfos; pero no se la jalen. De verdad, llega un punto en el que la cinta se vuelve desesperante porque no puede uno ver nada, ya que además de haber sido filmada con poca iluminación parce que en la edición usaron filtros para que se viera aún más oscura.

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    Así pues, para cuando termina la película en un final completamente plagiado de El regreso de los muertos vivientes (O’Bannon, 1985), uno ya no sabe qué catástrofe es peor: Si la que vivieron los personajes o la que vivió el público con este desastre de película. Dicen los hermanos Strause que estaban muy emocionados por haber dirigido esta película, pues son grandes fans de las películas de Alien. ¡Mentira vil! Los fans no le hacen eso a sus ídolos. Esta película no fue dirigida por un par de fans, fue dirigida por una pareja de idiotas.

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PARA LA TRIVIA: Como Fan Service, Bill Paxton fue contactado para aparecer en un cameo en esta película. De esta manera, el actor habría aparecido en la segunda película de la saga de Alien, en la segunda entrega de la de Depredador y en la segunda de Alien vs Depredador; sin embargo, el actor no pudo participar en la peli por compromisos de trabajo.

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ALIEN VS DEPREDADOR. Quienquiera que gane, nosotros perdemos…

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ALIEN VS DEPREDADOR

Alien vs Predator

 

Paul W. S. Anderson, 2004

Existen tres versiones de esta película: El corte original para cines (101 minutos), la Edición extendida (103 minutos) y la Edición sin censura (109 minutos). Además de las escenas reinsertadas y el inicio alternativo, las diferencias se explicarán más delante.

Los crossovers en el cine no son cosa nueva, como tampoco lo son las decepciones que nos brindan. Frankenstein y el Hombre lobo (Neill, 1943), King Kong vs Godzilla (Honda, 1962), o Freddy vs Jason (Yu, 2003) no han sido más que una larga serie de eventos muy anticipados que resultaron por demás decepcionantes… con decir que de esta triada que recién mencioné, la película que sale mejor librada es Freddy vs Jason. Pa’l caso, creo que la más ingeniosa de estas contiendas de universos compartidos ha resultado ser Tres hombres poderosos (Uçak, 1973), título original del crossover bastardo de manufactura turca que en el resto del mundo es conocido como Santo y Capitán América contra Spider-Man.

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    A mediados de los ochenta se fundó en EE.UU. una editorial independiente de cómics llamada Dark Horse Comics. Esta editorial sabía que para posicionarse en el competido mercado de la narrativa gráfica, antes de lanzar propuestas arriesgadas y novedosas, debía llenar sus alcancías con cómics meramente comerciales. De tal suerte, Dark Horse consiguió la licencia para publicar cómics basados en la exitosísima película de la Twentieth Century Fox, Aliens: el regreso (Cameron, 1986).

    Aunque los cómics eran en blanco y negro para abaratar costos de producción, el arte era de primera calidad y las historias eran profundas e interesantes. Esto le abrió las puertas a Dark Horse para adquirir otras licencias como Depredador, Terminator, RoboCop y Star Wars (estas dos últimas las compró a principios de los 90 cuando su anterior propietario, Marvel Comics, se fue a la quiebra).

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    Sin embargo, para finales de la década, las ventas de estos cómics habían bajado, por lo que Dark Horse se vio en la necesidad de convocar a una junta emergente que generara ideas para nuevos títulos. En medio de la lluvia de ideas, Chris Warner, uno de los artistas y editores de Dark Horse en tono de broma gritó “¿Por qué no hacemos Alien contra Depredador?” Todos los miembros de la junta soltaron una sonora carcajada, que se fue acallando poco a poco mientras caían en cuenta de las ricas posibilidades de esta idea.

    La serie original de cómics de Aliens vs Predator se publicó en cuatro ediciones en 1990 y retoma elementos de las dos primeras películas de Alien, así como de la primera de Depredador (McTiernan, 1987) mezclándolos con un toque de western.

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    En este cómic se narra la historia de una colonia terraformadora, propiedad de la compañía Chigusa, instalada en el desértico planeta Ryushi. Lo que Chigusa y la dirigente de la operación local, la guapa e inteligente Machiko Noguchi, no sabían era que Ryushi tradicionalmente estaba en la lista de cotos de caza de un clan de depredadores, cuyo viaje actual ha sufrido numerosos imprevistos: Uno de los jóvenes del clan se ha rebelado contra el líder conocido como Cuerno Roto, quien termina desaparecido en Ryushi; y por otro lado, sin que los depredadores se den cuenta, el alien reina que tienen cautivo para que produzca xenomorfos que sirvan como presas de sus cacerías ha desovado un huevo de reina, que cae en Ryushi.

    Así pues, el clan de Cuerno Roto, siguiendo a su nuevo líder, rompe su código de honor y comienza a cazar tanto a xenomorfos como a humanos, sin advertir que la colonia terraformadora se ha convertido en el nido de un nuevo alien reina y su colmena. Ahora, Machiko deberá aliarse con el exiliado Cuerno Roto para salvar a la gente de la colonia y restablecer el orden en el clan de depredadores.

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    Esta serie de cómics fue un éxito absoluto que generó secuelas y series subsiguientes, además de que la historia fue adaptada a otros medios, como novelas y, quizá el que ayudó a difundir la franquicia en mayor medida, los videojuegos. Ante tal éxito, para 1994 la Twentieth Century Fox anunció oficialmente que produciría una película basada en los cómics lo que, por supuesto, generó una oleada de expectativa entre los fans que llegaron incluso a esparcir el rumor de que existía un ánime basado en la franquicia.

    Sea como fuere, los años pasaron y pasaron, y la idea de la película de Alien vs Depredador pareció quedarse en el tintero. No fue sino hasta diez años después cuando el director, escritor y productor Paul W.S. Anderson retomó el proyecto que alguna vez llamara la atención de Robert Rodriguez y lo materilizó.

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    Y ojalá se hubiera quedado en el tintero.

    La película resultante fue una cinta de acción que sirve como precuela a Alien: El octavo pasajero (Scott, 1979) y como secuela a Depredador 2 (Hopkins, 1990). Y es interesante que ambas franquicias luego produjeron películas que sacarían a Alien Vs Depredador de su cronología. En el caso de depredador, sería Depredadores (Antal, 2010) y en el de Alien, Prometeo (Scott, 2012).

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    La cinta de Anderson narra la historia de la Corporación Weyland (forma primigenia de la Corporación Weyland-Yutani de la saga de Alien), dirigida por Charles Bishop Weyland (Lance Henriksen, en su tercera interpretación del personaje, aunque en Aliens se trataba de un androide y en Alien 3 [Fincher, 1993] de un clon… dependiendo de la edición que uno viera), que organiza una expedición a la Antártida luego de recibir imágenes satelitales que informan sobre la presencia de una gran fuente de energía artificial debajo de un campamento ballenero abandonado. La expedición, liderada por la espeleóloga —¿Se han dado cuenta de lo comunes que son los espeleólogos en las películas? En mi vida he conocido uno o a alguien que conozca a uno— Alexa Woods (Sanaa Lathan) descubre que bajo la capa de hielo de la Antártida hay una pirámide ancestral que fue utilizada por los depredadores para sus cacerías rituales de xenomorfos.

    Como cabría esperar, la expedición queda atrapada en medio de la cacería. Los cazadores, a su vez, se convierten en presas cuando los xenomorfos se salen de control. Alexa formará una alianza con el líder de los depredadores —conocido para todo fin práctico como Scar Predator, debido a la escarificación que lleva en la frente— para salir con vida de la pirámide, cuya estructura se reconfigura constantemente, y evitar que los xenomorfos lleguen a la superficie terrestre.

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    Como bien puede advertirse, muchos elementos del cómic original fueron retomados para la cinta; pero son aquéllos en los que se distanció de la obra de Dark Horse en los que acabó por perder.

    Por principio de cuentas está el asunto de que esta historia tome lugar en la Tierra. Digo, sí está chida la propuesta de los depredadores como alienígenas ancestrales, que por cierto ya se había tratado en los cómics también, pero… ¿Los aliens? Quiero decir, ¿qué no Ellen Ripley y sus amigos se pasaron cuatro malditas películas tratando de evitar que los xenomorfos llegaran a la Tierra, pues con sólo uno que plantara sus patas en ella aniquilaría toda la civilización? ¿Y ahora me salen con su mamada de que los aliens siempre estuvieron aquí? ¡Por favor!

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    Por otro lado, está el hecho de que la historia suceda en el presente. Aunque sí hay algunos elementos de Ciencia Ficción y montones de tomas de planos holográficos como las que siempre le han encantado a Anderson, la verdad es que el hecho de que esta historia ocurra en el 2004 le quita mucho de su encanto a los aliens.

    Además, dicho sea de paso, los xenomorfos pierden algo en esta cinta. De algún modo, parecen haber perdido parte de su “fineza”. Por alguna razón, no sé si se deba al diseño —que es básicamente el mismo de Alien: La resurrección (Jeunuet, 1997), pero en negro y con patas plantígradas— o al guión —ciertamente no a la actuación, pues los xenomorfos son interpretados por Tom Woodruff Jr., quien viene metiéndose en la botarga de alien desde 1986— o a la digitalización de muchas de sus escenas; pero los aliens de esta película simplemente no funcionan, se ven como lagartijas. Y ni qué decir del alien reina, quien termina pareciéndose más al T-Rex de Parque Jurásico (Spielberg, 1993) que a sus encarnaciones previas.

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     El diseño que sí sufrió un cambio radical fue el de los depredadores. Si ustedes recuerdan, estos cazadores interplanetarios tienen unas mandíbulas como de jaiba enmarcando una pequeña boca que más bien parece una vulva con cinco colmillos, dos arriba y tres abajo. Pues bien, como en esta peli los depredadores iban a ser “los buenos”, el equipo de diseño buscó darles una apariencia más humana, por lo que les pusieron cuatro colmillos en el maxilar superior y ojos marrones, en contraste con los amarillos que habían tenido siempre.

     Y hablando de las cosas que faltaron en esta cinta ¿Se acuerdan de que las películas de Depredador eran extremadamente sangrientas? Las de Alien no tanto, pero ahí se iban —¿Recuerdan la escena de Alien 3 en la que a un tipo lo despedaza un ventilador gigante?— ¿Y Alien vs Depredador? ¡Nada ¡Cero! ¡No hay una maldita gota de sangre en toda la película! ¿O qué? ¿Porque están en la Antártida la sangre no fluye o cómo? Ni siquiera hay sangre en la escena en la que emerge un chestburster.

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    Aunque no sé qué sea peor. Si la deliberada falta de escenas sangrientas a lo largo de la película para que ésta alcanzara la clasificación PG13 (para mayores de 13 años) o que en la Edición sin censura le hayan agregado sangre digital a las escenas. ¡Terminaron viéndose peor!

    En la Edición extendida de la cinta se le agregó un inicio alternativo y un par de escenas fueron extendidas. El inicio original de la cinta estaba más padre porque hacía una referencia a Aliens: El regreso; pero en el alternativo vemos una escena ubicada en 1904, cuando el campamento ballenero estaba operando y fue el terreno de batalla de las dos especies extraterrestres.

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    Sin embargo, en la Edición sin censura, no sólo se le agregó la sangre digital a las escenas violentas, sino que todas las escenas que Anderson y su editor sacaron del corte original fueron reinsertadas en la película. La mayoría de ellas habían quedado fuera porque tenían un tono más bien cómico, o porque de plano no funcionaban. Por ejemplo, la escena en la que el Scar predator le juega una broma a Alexa o aquélla otra en la que se explica que la cacería se salió de control porque estos depredadores no eran cazadores experimentados, sino adolescentes que cumplían con un rito de iniciación.

    Escenas más, escenas menos y con o sin sangre digital, esta película me pareció un fracaso desde la primera vez que la vi. Es entretenida, eso sí; pero no mucho más. Recuerdo que en alguna revista de cine decían que era sólo para los muy fans, lo que me hizo preguntarme ¿Por qué la opinión general es que cuando uno es fan de algo debe ser un idiota que consuma por una compulsión digna de Pac-Man todo lo relacionado con ese algo? ¿Qué no deberíamos ser los fans quienes fuéramos más exigentes con estos productos?

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    A final de cuentas, me sentí muy decepcionado de que me tuvieran esperando diez años por esta tontería. Que con todo, es infinitamente superior a su secuela.

PARA LA TRIVIA: En etapas iniciales de producción se planeaba que el actor Peter weller (Alex Murphy en RoboCop, el defensor del futuro [Verhoeven, 1988]) hiciera un cameo como John Yutani, el co-fundador de la compañía Weyland-Yutani. Weller salió del proyecto, por lo que el papel fue ofrecido a Gary Busey, quien participó como el científico que desea atrapar al depredador en Depredador 2 (Hopkins, 1990). Finalmente, el personaje de John Yutani fue sacado por completo de la película.

    Asimismo, como una especie de apuesta, Arnold Schwarzenegger se ofreció a hacer un cameo como su personaje de depredador, el mayor Dutch Schaeffer, si perdía las elecciones de California.

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WATCHMEN: LOS VIGILANTES. La que es considerada por muchos como la mejor peli de superhéroes cumple 10 años.

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WATCHMEN: LOS VIGILANTES

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Zack Snyder, 2009

 

Existen 3 cortes de esta película. Por un lado, están la edición original para cines, con 2 horas y 42 minutos de duración, y la Edición del Director, con 3 horas y 6 minutos de duración. La diferencia son un montón de escenas reinsertadas y extendidas que profundizan en el desarrollo de los personajes, además de que hacen la película aún más apegada al comic. Por el otro lado, existe una tercera edición conocida como Corte Definitivo, con una duración de 3 horas y 35 minutos. El Corte Definitivo integra a la Edición del Director el mediometraje animado Relatos del Navío Negro (DelPurgatorio/Smith, 2009), el metacomic que acompaña a los estásimos de la novela gráfica.

Creo que lo mejor será dejar algo en claro desde el principio: la única forma de permanecer fiel al espíritu nihilista-anarquista de la novela gráfica de Alan Moore habría sido no hacer esta película en absoluto. Pero ya que la hicieron y me gustó, quiero hablar sobre ella.

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    Muchas veces, a las películas basadas en comics, específicamente a las películas de superhéroes, se les critica por alejarse demasiado del material original. Con frecuencia, se les critica que no se toman el tiempo necesario para desarrollar a sus personajes o las situaciones a las que éstos se enfrentarán. Y luego está Watchmen, a la que muchos criticaron por ser excesivamente larga y por ser demasiado apegada a la novela gráfica en la que está basada, sacrificando incluso, las convenciones del lenguaje cinematográfico. O sea, que ningún chile les embona. Sea como fuere, los comentarios negativos poca mella han podido hacer en la que es considerada por muchos como la mejor película de superhéroes de todos los tiempos.

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    La cinta se basa en la novela gráfica escrita por el británico Alan Moore –quien odia que sus obras sean adaptadas al cine–, ilustrada por los artistas Dave Gibbons (trazos) y John Higgins (tintas), y publicada por Vertigo Comics –la rama de DC Comics encargada de las historietas y novelas gráficas alternativas– entre septiembre de 1986 y octubre de 1987.

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    En la peli la historia comienza en el año de 1986, cuando el mundo está al borde de la guerra nuclear entre EE.UU. y la Unión Soviética, y el exvigilante y mercenario al servicio del gobierno estadounidense Eddie Blake, “The Comedian” (Jeffrey Dean Morgan), es asesinado brutalmente en su departamento de Manhattan por un atacante desconocido. El caso es investigado por otro vigilante, excompañero de Comedian en el equipo de vigilantes conocido como The Watchmen, llamado Rorschach (Jackie Earle Haley). Mientras la investigación transcurre, el desintegrado equipo de The Watchmen deberá medio reintegrarse para esclarecer el misterio, que podría tener implicaciones mucho más graves de lo que inicialmente creyeron, tanto que podrían cambiar el curso de la historia.

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    La anécdota se narrará de manera rebuscada y casi barroca entre flashbacks hacia la posguerra y las décadas de los 50, 60 y 70, y los eventos que suceden en la actualidad –los 80–. En esta realidad alterna, un grupo de vigilantes enmascarados, conocido como Minutemen, surgió en la posguerra y cambió a la sociedad estadounidense para siempre; Richard Nixon (Robert Wisden) se ha perpetuado en el poder reeligiéndose durante más de una década; EE.UU. ganó la Guerra de Vietnam; y un accidente con tecnología nuclear convirtió al Dr. Jon Osterman (Billy Crudup) en un ser conocido como Dr. Manhattan, que tiene la capacidad de manipular la materia, convirtiéndolo en el único superhéroe verdadero.

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    A principios de la década de los 80, Alan Moore realizó una “puesta al día” del superhéroe otrora conocido como Marvelman y luego rebautizado como Miracleman. DC Comics quería que Moore escribiera más títulos además de su participación regular en Swamp Thing, por lo que encargó al británico un tratamiento similar al de Miracleman aplicado a otro superhéroe. Moore originalmente eligió al equipo de superhéroes conocido como The Mighty Crusaders, pero le fue imposible utilizarlos debido a conflictos por derechos de autor con MLJ/Archie Comics, dueña de los personajes. De tal suerte, Moore decidió utilizar personajes de la extinta editorial Charlton Comics, cuyos derechos habían sido adquiridos en 1983 por DC Comics.

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    Cuando Moore presentó su proyecto al editor Dick Giordano, éste pensó que la historia era genial, pero que tenía un gran inconveniente: los personajes de Charlton aún no habían sido anunciados oficialmente como parte del Universo DC y, puesto que los eventos en la historia serían psicológicamente demasiado traumáticos e incluso, en algunos casos, mortales, sería muy difícil integrarlos posteriormente a dicho universo. Moore se vio obligado entonces a crear personajes originales basados en los de Charlton, realizando las siguientes sustituciones: Blue Beetle se convirtió en Nite Owl, Meter Cannon Thunderbolt en Ozymandias, Captain Atom dio origen al Dr. Manhattan, Peacemaker se volvió The Comedian, Night Shade terminó siendo Silk Spectre y The Question, Rorschach.

    Los derechos para una adaptación fílmica de Watchmen fueron adquiridos por Warner Bros. tan pronto como finales de la década de los 80. Moore fue requerido para escribir el guión de la película, pero declinó la oferta argumentando que el material era imposible de filmar. En 1989, con un guión de Sam Hamm (quien escribiera los guiones de Batman [Burton, 1989] y Batman regresa [Burton, 1992]), el proyecto sería dirigido por Terry Gilliam. Después de varias re-escrituras del guión realizadas por el propio Gilliam y su guionista de cabecera, Charles McKeown, el exMonty Python desistió, argumentando que el material era imposible de filmar. El proyecto quedó en el limbo por más de una década, hasta que en 2003, se eligió a Michael Bay para dirigir la película; sin embargo, en 2004 los derechos fueron vendidos a Paramount, quien comisionó al director Paul Greengrass para el proyecto. La idea de Greengrass era una película de superhéroes mucho más tradicional, apenas inspirada por la obra original. En cierto punto, Tim Burton estuvo interesado en dirigir la película –con Johnny Depp en el papel de The Comedian–; pero prefirió dejarla pasar para trabajar en la adaptación cinematográfica de la obra de teatro musical Sweeney Todd: el barbero demoniaco de la calle Fleet (2007). Posteriormente, Warner Bros. recuperó los derechos de la peli de Paramount para que fuera dirigida por Darren Aronofsky; empero, la idea de Aronofsky de trasladar la historia a la época actual y sustituir la Guerra de Vietnam por la Guerra de Iraq, así como incluir el terrorismo en la trama, desalentó a Warner, quien le dio la dirección del proyecto a Zack Snyder debido a su trabajo en la adaptación de la novela gráfica de Frank Miller 300 (2006).

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    Watchmen es toda una experiencia. No sólo es una de esas películas que amas u odias; sino que el sólo verla ya es una experiencia única. Técnicamente es una película de superhéroes; pero, en realidad, su discurso va completamente en contra de los superhéroes. A grandes rasgos, podría clasificársele dentro del género de Acción/Aventura; pero en realidad se trata de un thriller noir cuyo peso recae en el drama y el desarrollo psicológico de los personajes. Comercialmente, está planteada como un blockbuster de verano; pero es elegante y estilizada con ciertos visos de cine de autor. Es, en definitiva, una obra paradójica y diferente a cualquier cosa que se hubiera hecho antes de ella… y a muchas de las que vendrían después.

    Lo primero que salta a la vista es que se trata de una peli completamente estilizada. Los diferentes colores que predominan en la iluminación son utilizados no sólo para definir los lugares en los que se desarrolla la acción, sino también las épocas y los estados de ánimo de los personajes. La mayor parte de la película está en un tono noir, mientras que las escenas de acción –que en realidad son pocas– están mucho más en el tono del cine de superhéroes –por cierto, ¿alguien más notó que en las secuencias de acción las botas de Silk Spectre (Malin Akerman) cambian de tacón a suela plana dependiendo de si tiene que correr o no?­–. Y, sobre todo, me gustó que la película mantuviera esa estética de la Ultraviolencia que tan presente estuvo en el cine de los 80 y que también influyó poderosamente en el comic.

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      Del mismo modo, puedo decir que la fotografía es muy buena. Por momento preciosista, por momentos barroca, las imágenes presentadas en pantalla están llenas de texturas y claroscuros, así como secuencias de acción multiángulo en cámara lenta que realzan la violencia gráfica como parte de la propuesta estética de la película. Desde el inicio, la peli deja clara esta propuesta con la estilizada muerte de Eddie Blake. Zack Snyder tomó como referencia para sus storyboards los paneles del cómic, por lo que muchas de las tomas son recreaciones bastante fieles de los visto en el material impreso.

    Aunque se ve bastante bien, es justo reconocer que los efectos visuales han envejecido. Si bien siguen manteniendo una cierta calidad en relación con producciones actuales, la verdad es que el CGI con el que fue creado el Dr. Manhattan ya no se ve tan bien como hace diez años. La película contiene alrededor de 1100 tomas de efectos visuales, la mayoría de las cuales aún se sostienen bastante bien.

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    Para lo complicado de la trama y el denso recorrido emocional de los personajes, la narrativa es sorprendentemente fluida. A pesar de que deja varias líneas argumentales fuera –siendo la más importante la del artista de comics, sin la cual, francamente, la inclusión de los Relatos del Navío Negro en la cinta carece de sentido–, el guión es bastante fiel al material original y está contado tan bien que, si la película lo engancha a uno desde el principio, las tres horas y media de duración ni se sienten.

    Por supuesto, la obra original de Moore, al igual que lo fuera Desde el infierno (1989-1996), otra de sus novelas gráficas, es una pieza de época que, a través de múltiples referencias a la cultura pop, los momentos políticos y el zeitgeist, trata de criticar y crear consciencia sobre la situación sociopolítica actual. Muchas de estas referencias se conservan en la película de Watchmen, que no sólo incluye guiños a la cultura popular, sino versiones alternas de eventos históricos como el asesinato de John F. Kennedy o la llegada del hombre a la Luna.

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    La secuencia de títulos iniciales resume, a través de tomas cortas e imágenes fijas, no sólo la historia del grupo de vigilantes conocido como Minutemen, sino el tono y espíritu de la posguerra al ritmo de la canción The Times Are A-Changin’ de Bob Dylan. A esta secuencia me ha gustado llamarla el “Anti-Forrest Gump”.

    Otro punto interesante a este respecto es el de cameos de personajes famosos y su caracterización. Es curioso cómo algunos personajes como Andy Warhol (Greg Travis), Truman Capote (Greg Armstrong-Morris), David Bowie (J.R. Killigrew), John F. Kennedy o Henry Kissinger (Frank Novak) se ven increíblemente bien; mientras que otros, como Richard Nixon, quedan a deber.

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    Las actuaciones son muy buenas, sobresaliendo el trabajo de Jackie Earle Hayley como Rorschach en el papel que lo catapultó a la fama y que, en mi opinión, nunca pudo superar. Es también interesante cómo Matthew Goode logra llenar el papel de Ozymandias, que en el comic se explica que es el hombre más inteligente, fuerte y rápido del mundo, a pesar de que le falta el físico para el personaje. Por cierto, su traje está inspirado en los del Batman de Joel Schummacher.

    Lo que me recuerda que, aunque sí se ven muy bien en pantalla, el diseño de los trajes de estos antihéroes –particularmente el de Nite Owl (Patrick Wilson)– se ve increíblemente fuera de lugar. Por alguna razón, lucen anacrónicos y se revelan como lo que son: una reinterpretación de finales de la década del 2000 de los trajes de superhéroes en las películas de los 80. En general, la ambientación de época en la película podría haber estado más lograda.

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    Siguiendo la propuesta de Forrest Gump (Zemeckis, 1994), Watchmen está musicalizada casi en su totalidad con canciones pop de la época que se está representando, narrando la historia de EE.UU. en la segunda mitad del siglo XX no sólo a través de las imágenes, sino de la música. Canciones de Jimi Hendrix, Simon & Garfunkel, Janis Joplin, Bob Dylan, Nena, Leonard Cohen y Nat King Cole, entre otros, ambientan la cinta creando secuencias geniales. En la humilde opinión de su servidor, ver a The Comedian, un psicópata auspiciado por el gobierno para hacer su trabajo sucio, masacrar manifestantes al ritmo de K.C. & The Sunshine Band es una de los mejores momentos que ha dado el género.

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    SPOILER A final de cuentas, Watchmen no es sólo una intensa película de superhéroes, sino más bien una crítica al concepto mismo del superhéroe. Al final de la película, la acción más contundente que los Watchmen realizan para salvar al mundo es precisamente la inacción. La única forma de salvar a la humanidad de sí misma es, precisamente, no hacer nada, sino simplemente observar mientras el plan maestro de Ozymandias se cumple, asesinando a miles de personas para salvar a miles de millones y, en el epítome de la ironía, Rorschach, el único personaje que se obstina en hacer lo que es moralmente correcto, es destruido después de una peripecia digna de una tragedia griega. TERMINA SPOILER

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    SPOILER El mensaje de la historia es claro y es una clarísima crítica a la mentalidad de la década de 1980, cuando la subcultura yuppie y la debacle del Bloque Socialista parecían anunciar el supuesto triunfo del capitalismo: el mundo no necesita héroes. Necesita empresarios megalómanos, temerarios e inescrupulosos que sepan lo que es mejor para todos, pues sólo ellos podrán salvarnos… y mientras escribía lo anterior, caí en cuenta de lo vigente que suena, ¿verdad, Donald Trump?… TERMINA SPOILER

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    Watchmen es, en toda regla, una película de culto. Fue un fracaso de taquilla en EE.UU., no pudiendo recaudar ni siquiera la mitad de su presupuesto durante su fin de semana de estreno; pero que mantuvo un público constante, animado por la publicidad de boca en boca, acudiendo a las salas de cine de manera regular mientras estuvo en cartelera. De hecho, yo recuerdo que fui a verla al cine nomás por el puro morbo de ver si de verdad habían podido adaptar la obra de Moore. Y, bien que mal, pudieron. Watchmen fue un tour de force que demostró que el cine de superhéroes podía ser inteligente, maduro y sofisticado. Es también una película de superhéroes que puede complacer a quienes no gustan del cine de superhéroes y, a la postre, es la reivindicación de un género en aquel entonces golpeado por producciones tan ignominiosas como Superman IV, en busca de la paz (Furie, 1987), Batman & Robin (Schumacher, 1997) o Spawn (Dippé, 1997).

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    A la fecha, Alan Moore nunca ha visto la película y espera nunca tener que hacerlo.

PARA LA TRIVIA: De todo el elenco, sólo Jackie Earle Haley conocía la novela gráfica. Cuando a Patrick Wilson le fue ofrecido el papel de Dan Dreiberg/Nite Owl, éste llamó a un amigo suyo aficionado a los comics, quien le dijo que si hacía alguna vez una película de superhéroes en toda su vida, debía ser ésta. Del mismo modo, Matthew Goode consultó con un amigo suyo sobre si debía siquiera terminar de leer el larguísimo guión que le habían enviado ofreciéndole el papel de Adrian Veidt/Ozymandias. Su amigo le dijo que no lo terminara y que aceptara sin más.

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ALIEN: LA RESURRECCIÓN. El final de la saga original.

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ALIEN: LA RESURRECCIÓN

Alien: Resurrection

 

Jean-Pierre Jeunet, 1997

Existen dos ediciones de esta película: El corte original para cines de 109 minutos, que según dice Jenuet, es la Edición del Director, pues él se sintió muy satisfecho con el resultado final de la cinta, y la Edición Especial de 116 minutos. La única diferencia son un prólogo y un epílogo alternativos (que están muy mamones, la verdad) y un par de escenas extendidas, particularmente aquéllas con diálogos que mencionaban a Newt… además del divertido diálogo en el que se menciona que la corporación Weyland-Yutani fue absorbida por Wal-Mart.

Uno de los grandes aciertos de las películas de Alien, que fue lo que les permitió sobrevivir a lo largo de más de dos décadas, fue el hecho de que cada cinta pertenece a un género diferente. Aunque todas están enmarcadas en un planteamiento de Ciencia-Ficción y Horror, cada una de las entregas de esta saga toma prestados elementos de diferentes subgéneros. La cinta original es una obra maestra del Terror, la segunda parte es una cinta bélica, la tercera es un Thriller y esta cuarta, una comedia.

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    La historia se desarrolla 200 años después de la tercera película. Después de muchos años de estudios y experimentos fallidos, los doctores Wren (J.E. Freeman) y Geridan (el siempre genial Brad Douriff, a quien seguro recuerda como la voz de Chucky) logran clonar a Ellen Ripley (Sigourney Weaver en su última encarnación del personaje) gracias a una muestra de sangre recuperada de Fiorina 161. Por supuesto, clonar a Ripley no es sino un mero paso en el proceso para obtener el verdadero objetivo: el embrión de alien reina que llevaba dentro cuando murió –no pregunten cómo, la neta no tengo idea–­. Los científicos logran su propósito y comienzan a criar xenomorfos en la nave laboratorio Auriga, propiedad del Ejército de los Sistemas Unidos, para lo cual necesitan humanos, mismos que son vendidos como cargamento por el pirata espacial Frank Elgyn (Michael Wincott, a quien quizá recuerden con una larga y sedosa cabellera como el villano de El cuervo [Proyas, 1994]) y su tripulación.

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    Como cabría suponer, los xenomorfos logran escapar mientras los secuaces de Elgyn quedan atrapados en la nave infestada de creaturas. Además, se encontraran con el clon de Ripley, cuyo ADN se ha mezclado con el de los aliens brindándole fuerza y habilidades sobrehumanas, además de sangre ácida. Pero esta nueva Ripley no parece tan interesada en salvar a la humanidad como la anterior, ¿será que su parte xenomorfa busca más que escapar del Auriga?

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    Si tomamos en cuenta sólo las Ediciones del Director de las cuatro películas de la saga, ésta sería sin dudas la más débil de todas. No es terrible, pero a comparación de las anteriores sí queda a deber, además de que la fórmula se siente gastada. Los realizadores trataron de introducir nuevos elementos al universo de Alien; pero la verdad es que eso de los aliens súper inteligentes y el híbrido humano-xenomorfo no termina de cuajar… De hecho, al respecto de esta última creatura, casi parece que la misma gente que hizo la peli trataba de satirizar el hecho de que la fórmula ya se había agotado.

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    Originalmente, el guión fue escrito por el nerdo profesional Joss Whedon (creador de las series de TV Buffy, la cazavampiros [1997-2003] y Firefly [2002-2003], y guionista de The Avengers [2012]) y su propuesta para esta secuela era mucho más oscura y menos cómica —en realidad el tono un tanto ramplón de la peli se debe a Jeunet—. Las principales diferencias entre el guión de Whedon y la versión final son varios personajes que fueron eliminados de la cinta, así como el enfrentamiento final con el Híbrido que, en el guión de Whedon, se llevaba a cabo en la Tierra.

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    Además, en el guión original, el Híbrido era una criatura mucho más grande, casi del tamaño del alien reina y más parecida a un cangrejo. Sin embargo, los realizadores decidieron cambiar su diseño para que fuera más creíble que poseía ADN humano.

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    Por cierto que se anunció con bombo y platillo que dicho híbrido sería una creación original diseñada por H.R. Giger; sin embargo, el artista suizo, recordando sus experiencias anteriores, se negó a participar en la cinta, por lo que el diseño corrió de nuevo por cuenta de Woodruff y Gillis. De cualquier modo, Giger escribió una carta de protesta a Fox por alterar tan drásticamente su diseño, misma que fue ignorada. En respuesta, el surrealista abrió un foro en su página web titulado Alien: Insurrection, para que los fans se quejaran en contra de la casa productora.

    Mientras tanto, los mencionados Woodruff y Gillis, por órdenes de Jeunet, diseñaron al Híbrido como una creatura hermafrodita (siguiendo con la idea planteada por Ridely Scott en la primera película) que claramente poseía los genitales de ambos sexos. Después de la filmación, el director reconoció que se había excedido y que el aspecto del monstruo  era demasiado grotesco —aun para él y para esta clase de películas—, por lo que los genitales del monstruo fueron removidos digitalmente en la postproducción.

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    El elemento sexual que era parte de la base de la primera cinta volvió en ésta. Sin embargo, mientras en la obra maestra de Scott dicho elemento era mucho más sutil y ambiguo, alcanzando tintes de surrealismo, en esta película la cosa se vuelve, si no más explícita, sí más burda… ¿O soy el único al que le pareció que en esa escena en la que Ripley cae en un nido de aliens, se aparea con uno de ellos? Seguro no, porque los productores quisieron eliminar esa escena hasta que Weaver amenazó con no participar en las campañas de promoción de la cinta si lo hacían.

    El diseño de las creaturas para esta película es extraño y por la iluminación que se usó en ella se pierden muchos de los detalles. En muchas tomas sólo parecen masas oscuras, rugosas y babosas. Por cierto que esta es la primera película en la que se muestra xenomorfos digitígrados (gestados en humanos, quiero decir), lo cual es una contradicción si se toma en cuenta que estas creaturas tienen ADN humano, lo que los hace más inteligentes y les permite gesticular, articular sonidos y exhalar vaho —se suponía que los xenomorfos no respiraban y por eso podían sobrevivir en el vacío, como en la primera peli—.

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    Toda la película tiene por todos lados el sello autoral de Jeunet: actuaciones caricaturescas, planos cerrados, iluminación lateral para resaltar volumen, filtros en colores ambarinos y sepias, abuso del zoom-in, la obsesión por usar actores feos  —¿Ron Perlman y Dominique Pinon en una misma película? ¿Qué es esto? ¿Freaks 2?— y todos esos elementos que le dieron su toque tan especial a películas como Delicatessen (1991) o Amèlie (2001) están presentes en ésta. De lo que aún no estoy muy seguro es de que sean adecuados para el universo de Alien…

    De hecho, todo el diseño de los sets y los vestuarios tiene un feeling muy particular que no sabría cómo describir. Supongo que sería una cosa como “Avant-Garde de los 90”; pero más kitsch. El asunto es que uno ve esta cinta, aunque sólo sea por un par de minutos, y no le cabe duda de que se trata de una cinta europea de los noventa… ¡Hombre! Como ver un videoclip de Aqua.

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    Según los rumores, la idea de esta película era que se tratara de la transición en la que el personaje de Ellen Ripley salía de la saga; un poco como lo que fue Pesadilla en la calle del Infierno 3: Los guerreros del sueño (Russell, 1987) para su franquicia. Mucho se especulaba sobre si esta cinta sería el inicio de toda una nueva saga que se centraría en la historia de Annalee Call (interpretada por la tomboy, aunque no por eso menos sexy, Winona Ryder); empero, debido a la mala recepción que tuvo esta cinta por parte de la crítica, además de que un par de años después la carrera de Ryder se fue al demonio, este plan nunca se concretó. Tendrían que pasar siete años para que los xenomorfos regresaran a la pantalla con la inmunda saga de Alien vs Depredador.

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    Algunos críticos se han referido a esta cinta como decepcionante y es fácil ver por qué. Aunque incorpora un par de elementos nuevos, como la hibridación de las especies o la primera vez que la acción de esta saga se transporta bajo el agua; en general es una especie de mezcla de elementos repetidos de las cintas anteriores —incluso se recicló al animatrónico del alien reina de Aliens: el regreso (Cameron, 1986), sólo lo pintaron de otro color—. Además, el hecho de estar retrasando la llegada de los xenomorfos a la Tierra hace que toda la saga se sienta estancada para este punto… De todos modos, según la terrible Alien vs Depredador (Anderson, 2004), los aliens siempre estuvieron aquí…  y uno se pregunta “¿entonces para qué tanto desmadre?”.

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    Además, creo que el tono fársico de todo el numerito sí fue un experimento fallido. Uno entiende que la idea era darle una identidad propia a esta cinta que le permitiera ser el inicio de una nueva saga; sin embargo, como que ver a Ron Perlman y a Dan Hedaya haciendo muecas y bizcos no le va. Hay diálogos muy bien logrados y algunos chistes bastante efectivos, pero en general creo que esta película se aleja demasiado de lo planteado por las anteriores.

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    A final de cuentas, esta cinta será la conclusión definitiva para la saga. Ripley logró su misión: destruyó a los aliens y salvó al planeta, además de que por fin, después de casi 260 años, pudo regresar a él. Se siente que esta película está coqueteando muy peligrosamente con la secuelitis innecesaria de otras sagas… Vamos, finalmente, todos esos monstruos que creíamos invencibles como Freddy, Jason, Michael Myers, Leatherface, Pinhead o incluso los mismísimos Drácula, el monstruo de Frankenstein y el Hombre lobo, fueron destruidos pos la fiebre de las secuelas interminables.

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    Para evitar dicha debacle, los productores de Fox intentaron mover las películas de alien en otra dirección: la de los crossovers con Depredador, mismos que desde finales de los 80 habían sido planteados en los cómics y popularizados con los videojuegos a mediados de los 90. De hecho, durante la etapa primigenia de Alien: la resurrección se planteó la idea de incluir depredadores en la cinta, pero fue desechada rápidamente. Al fallar esta alternativa, se buscó regresar a la fuente original: Una saga de precuelas dirigida y producida por Ridley Scott cuya primera entrega fue Prometeo (2012) y que, dicho sea de paso, sirve para dejar fuera de la cronología oficial a Alien vs Depredador… además de que también desecha varios de los conceptos planteados por Cameron.

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PARA LA TRIVIA: Durante las negociaciones iniciales, Sigourney Weaver se había negado a aceptar de nuevo el papel de Ripley, por lo que en los primeros tratamientos de guión se clonaría a Newt y no a Ripley. Una vez que Weaver aceptó salir en la película a cambio de que le pagaran 11 millones de dólares y la volvieran productora ejecutiva, se escribió el personaje de Call, mismo que originalmente fue ofrecido a Angelina Jolie, quien lo rechazó.

    Asimismo, en curiosidades del cast, mencionaré que el actor William H. Macy audicionó para el papel del Dr. Gediman, pero fue rechazado por la producción. Y, en un afán por reunir a las dos estrellas de Los cazafantasmas (Reitman, 1984), el personaje del Dr. Wren fue escrito originalmente par Bill Mrray, quien no quiso participar en el proyecto.

PARA LA TRIVIA GEEK: En los cómics, la historia continúa con el crossover Aliens vs Predator vs Terminator (2000… no, es en serio). En esta saga de dos partes se narra que, ya en la Tierra, Call y un grupo de mercenarios buscan a Ripley para pedirle su ayuda para detener un proyecto científico conducido por el Ejército en el que se busca mezclar ADN humano con el de los xenomorfos para crear un súper soldado.

    Pronto se revela que el Dr. Trollenberg, quien está a cargo del proyecto, es en realidad un Terminator (que en esta saga son cosa del pasado y ha permanecido encubierto durante un par de siglos) que planea mezclar el ADN de los aliens con el programa de los Terminators para crear un ejército de terminators orgánicos (ya lo eran, pues son cyborgs, pero aquí el chiste es que se cultiven en vez de construirse).

    Call, Ripley y su equipo logran infiltrarse en el laboratorio de Trollenberg, donde se enfrentarán a los depredadores que han venido a cazar a la nueva raza creada por el científico.

 

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X-MEN: DARK PHOENIX. La franquicia no se merecía ese final.

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X-MEN: DARK PHOENIX

Dark Phoenix

 

Simon Kinberg, 2019

El cómic de los X-Men apareció por primera vez a mediados de la década de los 60. Stan Lee y Jack Kirby estaban un poco cansados de tener que explicar de dónde venían los superpoderes de cada nuevo personaje que creaban, así que plantearon la idea de una nueva generación de seres humanos con mutaciones diversas que les daban habilidades fantásticas. La estrategia funcionó y ayudó a que los arcos argumentales de los cómics se narraran de forma más fluida sin necesidad de detenerse a explicar de dónde rayos había salido tal o cual personaje, pues la explicación se había dado a priori: eran mutantes.

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    Pronto, los X-Men y sus aliados y enemigos mutantes sirvieron como una metáfora/foro para hablar sobre la discriminación y la segregación. No es por nada que aparecieran en una fecha tan cercana al inicio oficial del Movimiento por los Derechos Civiles en EE.UU. Con el tiempo, las historias y los personajes de los X-Men fueron volviéndose más y más complejos hasta que, a finales de la década de 1970, el guionista Chris Claremont y el artistas John Byrne crearon uno de los Eventos Marvel que redefiniría el Universo Marvel; un arco argumental oscuro, nihilista, complejo, psicológicamente denso y emocionalmente sobrecogedor conocido como la Saga de Dark Phoenix.

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    La película más o menos retoma el argumento de los cómics. Durante una misión espacial para rescatar a un grupo de astronautas, Jean Grey (Sophie Turner) es poseída por una maligna energía cósmica oscura que la vuelve más poderosa aún que el mismo Profesor X (James McAvoy). Los nuevos poderes de Grey, ahora conocida como Phoenix, despiertan en ella tormentosos recuerdos reprimidos sobre su terrible pasado, lo que la lleva a una incontrolable espiral de destrucción que la convierte no sólo en un peligro para sí misma y para sus compañeros, sino también para toda la humanidad. Por si esto fuera poco, alguien más está buscando el poder oscuro que se aloja en el interior de Phoenix.

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    Toda película empieza con un guión… bueno, no; muchas películas costosas en realidad empiezan con un estudio de marketing. Pero lo que define realmente qué se va a hacer con la película es el guión. Como sea, en el caso de Dark Phoenix el guión es bastante malo. A nivel argumental no está tan dado al traste, pero los diálogos son verdaderamente nefastos. Si bien algunas de las situaciones que se plantean a nivel anécdota son interesantes; luego el guión se encarga de darles en la madre con parlamentos clichesosos, acartonados y súper predecibles. Odio cuando veo una película y sé exactamente qué es lo siguiente que va a decir el personaje que está en pantalla.

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    La dirección de la película es completamente desprolija. Las actuaciones de todo mundo se ven burdas y sin matizar, y el tono de toda la película es lacónico y superficial. Digo, estamos hablando de un evento que lisió a los X-Men como equipo y que cuestionó la integridad de Charles Xavier, el universo entero de los mutantes se cimbra… esto debería ser mucho más cercano a una tragedia clásica y, en vez de eso, termina siendo un melodrama ramplón en tono de telenovela. ¿Por qué el director eligió este tono y este ritmo para una película que debía ser mucho más intensa?

    Como lo mencioné arriba, el argumento pone en entredicho la integridad y la ética de Charles Xavier y eso medio se asoma entre lo que vemos en pantalla. Y bueno, uno esperaría que eso repercutiera de forma más honda, que le causara conflicto a Xavier… pero no es así. En vez del periplo y anagnórisis que se esperarían del personaje, la transición entre “soy orgulloso y no acepto mis errores” y “está bien, la cagué” se da de forma artificial y superflua casi en un instante… como si de repente se hubiera dado cuenta de que se le estaba acabando el tiempo a la peli y no había hecho nada.

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    Las actuaciones de todos están en un nivel apenas decente, si acaso podrían rescatarse Kodi Smit-McPhee como Nightcrawler y Nicholas Hoult como Bestia. Y si la caracterización interna de los actores está apenas dibujada, la externa se pierde por completo en el caso de Turner. La verdad es que me costaba trabajo identificarla como Jean Grey. Tanto Fassbender como McAvoy, cuyas interpretaciones como personajes que antes fueran encarnados por Ian McKellen y Patrick Stewart, se sienten increíblemente desperdiciados.

    Y ya que hablé de las caracterizaciones, debo hablar sobre el maquillaje y lo disparejo que se ve. Los maquillajes prostéticos de Mystique (Jennifer Lawrence), Bestia y Nightacrawler se ven geniales, y agradezco profundamente que crearan a dichos personajes a través del maquillaje y no con CGI, como es la tendencia actual. Por otro lado, el maquillaje de Phoenix es bastante raro… digo, para empezar, se nota a leguas que es maquillaje y, lo que es más, se nota completamente anacrónico.

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    De hecho… se supone que esta historia sucedería en la década de 1990, ¿no? Tal cual, está situada en 1992 como homenaje a la serie de dibujos animados de X-Men (1992-1997) que se estrenó ese año; lo digo porque absolutamente nada se ve como de los 90. Ni la ropa, ni los automóviles, ni el maquillaje ¡ni absolutamente nada!

    Algunos efectos especiales se ven bien; pero sin duda, la superposición en los escenarios virtuales y la gran mayoría de las secuencias creadas con Green screen se ven terribles… Luego creo que debo retractarme: sí hay algo que se ve de los 90 ¡Sus malditos efectos con Green screen! Cuando llegué a casa después de ver esta peli, me puse a ver Los Goonies (Donner, 1985)… ¡Y se ve mucho mejor! Una película de 34 años antes, cuyos efectos fueron resueltos con impresión óptica y pintura mate.

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    Muy probablemente, gran parte de la falta de cohesión de la película se debe a que estaba programada para estrenarse a finales de 2018, pero Twentieth Century Fox, sintiéndose insegura sobre el look de la cinta, decidió regrabar grandes porciones de ésta. Como resultado de estos reshoots, y de una tormentosa post-producción, la apariencia del personaje de Dark Phoenix fue drásticamente alterada y el tercer acto fue cambiado casi por completo.

    Los villanos son completamente anodinos y olvidables, y creo que en realidad son completamente innecesarios para la trama. SPOILER Del mismo modo, el final de la cinta está tan desangelado y es tan superfluo… para cuando aparecen los créditos finales, francamente parece que a todos los X-Men les valió madres el destino de Jean… y al público, también. TERMINA SPOILER

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    Finalmente, que me perdone quien me tenga que perdonar, pero debo decirlo: me gustó más el tratamiento que le dieron al arco de Dark Phoenix en la infumable X-Men III: la batalla final (Ratner, 2006).

    Además, ¿soy sólo yo o a su película de mutantes le faltaron mutantes? Tanto en las secuencias de Genosha como en las del Instituto Xavier todos se ven muy normalitos… hay un tipo con cuernos por ahí, pero si uno recuerda la trilogía original de X-Men (2000-2006), los mutantes eran más variopintos. La neta, mis alumnos de bachillerato se ven más mutantes…

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    Dark Phoenix marca el final de una era. Será la última película de la franquicia producida por Twentieth Century Fox antes de que Walt Disney Corporation tome el control creativo –Los nuevos mutantes (Boone, 2020) se estrenará el próximo año, pero se filmó antes que Dark Phoenix–. Los planes son rebootear la franquicia e integrarla al Universo Cinematográfico Marvel, lo cual no deja de producirme cierta nostalgia porque, a final de cuentas, es a las películas originales de X-Men a quienes les debemos el boom de cintas de superhéroes que vivimos actualmente.

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    En vez de despedirse con un Grand Finale, la franquicia se fue extinguiendo penosamente en un fade out. Al menos, aunque mala, la película es entretenida.

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PARA LA TRIVIA: Originalmente no estaba planeado que Mystique ni Magneto aparecieran en el filme; sin embargo, fueron incluidos para darle un cierre a los personajes y en vez de que desaparecieran sin más.

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ALIEN 3. ¿Está justificado tanto odio?

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David Fincher, 1992

 

Existen dos cortes de esta película. El estreno original para cines de 1992 y la edición conocida como “Assembly Cut” (no se le considera una Edición del Director pues, aunque sigue más o menos el montaje que había hecho Fincher, esta edición no fue supervisada por él ni contó con su aprobación). La diferencia es de cerca de media hora de escenas reinsertadas y otras tantas escenas alternativas —como la del rescate de Ripley o en la que el xenomorfo emerge de una res en lugar de un perro— que en general le dan mucha más cohesión a todo el asunto, además de desarrollar más ampliamente los elementos de un thriller que toma el fanatismo religioso como eje. Este tema se volvería recurrente en la filmografía de Fincher como bien lo mostró en Seven, los siete pecados capitales (1995).

La idea original para esta película era más o menos adaptar la historia narrada en los cómics publicados por la editorial Dark Horse, que seguía las aventuras de Ripley, Hicks y Newt. Sin embargo, la rotunda negativa de Michael Biehn por repetir su papel del cabo Dwayne Hicks –según ha declarado posteriormente el actor, éste fue el peor error que cometió en su carrera– obligó a los productores a llevar el argumento en otra dirección.

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    El conflicto con Biehn fue apenas el inicio de una serie de contratiempos que harían de esta cinta la producción más accidentada de toda la saga. Problemas con el presupuesto, con el elenco, con H.R. Giger, con la piratería y una encarnizada batalla entre el director y los productores fueron sólo algunas de las vicisitudes que, en última instancia, terminaron afectando el resultado final en pantalla, que quedó como sigue:

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    Sin que ellos lo sepan, la Sulaco, la nave en la que viajan los sobrevivientes de la película anterior, carga un huevo de alien que eclosiona mientras se encuentran en el hipersueño. El xenomorfo causa una avería que obliga a la computadora a expulsar una cápsula de evacuación que aterrizará en el planeta Fiorina 161, utilizado como prisión de máxima seguridad por la compañía Weyland Yutani.

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    La única sobreviviente al incidente es la Tte. Ellen Ripley (vuelve Sigourney Weaver y al menos para mí, fan de la serie, sigue permaneciendo como un misterio a qué hora la ascendieron al rango de teniente, si ni militar era) quien no sólo tendrá que enfrentarse a un xenomorfo completamente distinto de todos los conocidos hasta ahora, sino a la población integrada por hombres criminales y extremistas religiosos de Fiorina 161.

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    La tercera entrega de la saga de Alien sigue la evolución natural de una trilogía: En la primera parte se plantea el universo, en la segunda se expanden los elementos de dicho universo experimentando en nuevas direcciones, y en la tercera entrega se retoman de forma más literal los elementos de la primera parte y se les da una vuelta de tuerca.

    En el caso de Alien 3, Ripley debe combatir nuevamente con una sola creatura –sí, muchos de nosotros pensamos ¿cómo harán para superar la magnificencia de la segunda cinta? Bueno, parece que ni siquiera lo intentaron–; pero tendrá que hacerlo con todo en contra, sin armas ni tecnología y en un ambiente prácticamente medieval.

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    La similitud no es accidental. La idea primigenia de esta cinta era que la nave de Ripley se estrellaba en un planeta monasterio y la creatura se gestaba dentro de un toro, por lo que tenía cuernos. Por esta razón, los monjes consideraban a Ripley una agente del mal que había traído con ella un demonio a quebrantar la paz y santidad del monasterio, desencadenando una cacería de brujas (literalmente). En este tratamiento del guión, la película acababa con un enfrentamiento mano a mano entre Ripley y el xenomorfo en medio de un campo de centeno envuelto en llamas.

    Empero, los productores pensaron que hacer de Alien 3 una película sobre fanatismo religioso era poco interesante y que la propuesta estética de Fincher era estúpida. Originalmente, el director quería que los interiores del monasterio en Fiorina 161 fueran construcciones de madera, a lo que los productores inmediatamente objetaron “¿Y de dónde carajos van a sacar madera en mitad del espacio?” Poco a poco, las ideas de Fincher fueron cayendo bajo el yugo de la producción, convirtiendo la filmación en un proceso estresante y frustrante para el joven director californiano.

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    En pantalla se mantuvieron algunos de los elementos propuestos originalmente por Fincher. Por ejemplo, los interiores de madera fueron desechados; pero la película está filmada en tonos marrones, además de que casi toda la prisión parece construida a la antigüita, con ladrillo y concreto. Asimismo, en muchos de los escenarios pueden verse cruces en las paredes. Por si todo esto fuera poco, argumentando que la prisión se encuentra en muy malas condiciones y que por ello no hay luz eléctrica en grandes secciones de ésta, muchas escenas son iluminadas con velas.

    Del mismo modo, bajo el pretexto de una infestación de piojos en el planeta, todos los presidiarios llevan las cabezas afeitadas y las gruesas chamarras que utilizan, holgadas y con capucha, parecen hábitos de monje.

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    Otro de los problemas que tuvo que afrontar la producción de la cinta desde el principio fue un conflicto con H.R. Giger, a quien se le había pedido originalmente que diseñara a la creatura alienígena. Cuando Giger presentó su diseño, se enteró de que, por su parte, Tom Woodruff Jr. Y Alec Gillis, exdiscípulos de Stan Winston contratados para los efectos especiales de esta película, ya habían diseñado su propia versión del xenomorfo y que sería ésta la que se usaría en el filme… incorporando algunos elementos de los propuestos por el artista suizo. Éste demandó a Twentieth Century Fox y la casa productora, en respuesta, puso el nombre de Giger en los créditos iniciales de la película como diseñador original de la creatura.

    Las actuaciones de todos los involucrados son bastante buenas, aunque sí es interesante notar que en una prisión de máxima seguridad en los confines del espacio, los reos, que en su mayoría son asesinos, violadores y pedófilos, hablan con un refinado acento británico. Sobresalen particularmente las actuaciones de Charles Dance (quien interpretara a Tywin Lannister en la serie de TV Juego de tronos [2011-2019]) como Clemens, el médico de la prisión y Charles S. Dutton, un reo exfeminicida acogido como líder espiritual de sus compañeros.

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    Los efectos especiales son bastante decentes. Aunque se utilizaron muchos efectos tradicionales, como las botargas, los puppets y la impresión óptica, también se utilizaron efectos de vanguardia que en esa época se encontraban aún en su fase experimental. Por ejemplo, ésta fue la primera película en la que se utilizaron gráficos por computadora para hacer un fotomontaje, técnica que eventualmente reemplazaría a la impresión óptica… aunque ese xenomorfo verde correteando por los techos se ve increíblemente poco convincente.

    El controversial diseño de la criatura es interesante y se diferencia bastante de lo que vimos en las entregas anteriores. En esta ocasión el xenomorfo es cuadrúpedo y de color marrón verdoso, tiene una complexión más delgada y su abdomen y cola son mucho más largos. Perdió, además, los “dígitos” que le salían de la espalda y su cabeza vuelve a ser lisa, aunque más corta. Este es el primer alien en tener “labios” en la boca lo cual, por cierto, es una de las ideas pirateadas a Giger. Además, creo que la forma en la que por fin logran destruirlo es la más original de toda la saga… poco glamorosa, eso sí; pero original.

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      La fotografía es excelente (en toda la saga lo es) y la iluminación, soberbia. El aspecto visual de la película logra crear una atmósfera con tintes expresionistas que transmite un sentimiento muy especial. En ese sentido, al igual que la primera película pero con una estética diferente,  Alien 3 alcanza un tono gótico que lo sumerge a uno en el mundo cuasimedieval de Fiorina 161. Tan efectivo es este apartado de la película que apuesto a que no soy el único que siente que en los pasillos de esa cárcel o hace un calor sofocante y seco o un frío glacial y ventoso, dependiendo de la escena.

    Aunque suele considerarse que ésta es la entrada más débil de la trilogía original, la verdad es que no está exenta de cierto encanto. Es un cierre de trilogía decente –levantemos la mano todos los que queríamos volver a ver al alien reina– y, por lo menos, es la última película de la saga en mantener elementos de terror. Es mucho más recomendable el Assembly Cut, pero aun así la edición normal se deja ver y se queda digamos que en un punto medio: no es tan buena como la primera cinta, pero tampoco es tan mala como Aliens vs Depredador 2 (Hermanos Strause, 2007).

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SOBRE LA EDICIÓN “ASSEMBLY CUT”

Es bien sabido que Fincher, que hizo de esta película su ópera prima, quedó en muy malos términos con los productores después de que éstos prácticamente le arrebataron el control creativo de la cinta. El montaje final de la peli estrenado en 1992 correspondió más a la versión de Gordon Carroll que a la de Fincher y deja muchos elementos fuera.

    De hecho, fue tan dramático el corte que se hizo de la película, que si uno pone atención, hay personajes que desaparecen mágicamente sin dejar rastro; además de otros errores de continuidad y en general un tono que se siente superficial. Estas fallas se resuelven en el Assembly Cut.

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    Ya mencioné algunas de las escenas alternativas de esta cinta; pero hay otras también muy interesantes, como la escena extendida de la morgue y la autopsia de Newt, la escena en la que Golic (Paul McGann) come cereal después del ataque del alien o la escena en la que se revela que el Bishop (Lance Henriksen) que aparece al final y trata de persuadir a Ripley para que entregue el xenomorfo que lleva dentro a la Compañía no es un androide, sino un ser humano –con las películas de AVP resultaría ser un clon, pero eso ya quedó fuera del canon gracias a Prometeo (Scott, 2012)–.

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    Incluso la secuencia del final tuvo que ser cambiada de último momento –aunque en este caso sí me atrevo a decir que el cambio fue para bien– pues uno de los miembros del staff se robó el rollo donde estaba filmada dicha escena y lo anduvo pirateando entre sus conocidos.

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    Sin embargo, lo verdaderamente sobresaliente de este corte fue la reinserción de varias escenas que arman una línea argumental completa que había quedado fuera de la versión original. En ella, Golic, asesino serial y violador de mujeres, ve en el xenomorfo una especie de dios y se pone a su servicio. ¿Recuerdan que como a media película hay una secuencia donde planean atrapar al alien dentro de un contenedor para residuos tóxicos y todo termina en incendio, y que después de ese punto desaparece la mitad de los personajes y la historia se vuelve confusa? Bueno, pues en el Assembly Cut podemos ver que es Golic quien lo libera.

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    La única escena que sí quedó fuera del Assembly Cut es aquélla en la que se muestra el abrazarrosotros del alien reina, el cual es más grande, negro, con dedos palmeados, espinas en el lomo y una aleta en la punta de la cola.

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GODZILLA II: EL REY DE LOS MONSTRUOS. Así que… éste es tu rey…

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GODZILLA II: EL REY DE LOS MONSTRUOS

Godzilla: King of Monsters

 

Michael Dougherty, 2019

Recuerdo que la película anterior de Godzilla me gustó. Recuerdo que me pareció que le faltaba más Godzilla; pero en general eso se compensaba con un drama humano moderadamente interesante y que, sobre todo, tendía la línea para lo que vendría después. Tenía confianza en que la siguiente película corregiría los fallos de la versión de Gareth Edwards. Después vino Kong: la Isla Calavera (Vogt-Roberts, 2017), cuya escena post-créditos revelaba que Kong no estaría sólo, sino que formaría parte del universo de kaijus del que Godzilla era parte. Por supuesto, lo primero que me vino a la mente fue un remake de la espantosa King Kong vs Godzilla (Honda, 1962). Empero, antes de llegar a tal contienda fílmica, Warner Bros. decide preparar el terreno con esta secuela que resulta ser una de las películas más decepcionantes que he visto en los últimos años.

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    La historia sucede 5 años después de la película anterior, cuando la Dra. Emma Russell (Vera Farmiga), quien ha diseñado un aparato que puede medio controlar a los kaijus –aquí llamados “Titanes”–, y su hija, Madison (Milie Bobby Brown, en su debut en la pantalla grande), son secuestradas por un comando ecoterrorista con un plan siniestro: liberar a los titanes alrededor del mundo para restaurar el equilibrio original del planeta. Cuando Mark Russell (Kyle Chandler, quien curiosamente también estuvo en King Kong de Peter Jackson [2005]), exesposo de Emma, intenta rescatar a su familia, descubre que quizá nuestra única salvación es precisamente nuestro mayor amenaza: Godzilla… a quien nadie ha visto por cinco años.

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    El de Godzilla es uno de los cánones más revueltos de la cinematografía. Con viajes en el tiempo, invasiones alienígenas y errores de continuidad, la franquicia desarrolló cuatro líneas temporales diferentes –seis, si se toman en cuenta las películas americanas– que se intersectan, se superponen y se contradicen simultáneamente. Esta nueva saga constituiría una quinta –o séptima– línea temporal, producida en EE.UU. y sin relación con las otras. Si ustedes creían que el canon del Universo Marvel era confuso, intenten con el de Toho, en el que hasta el monstruo de Frankenstein quedó incluido…

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    Por supuesto, nadie va a ver una película de Godzilla esperando Shakespeare. Lo que es más, la gran mayoría de las películas de Godzilla pueden catalogarse en la sección de “Malas” o “Chafas”, así que mis expectativas eran bajas, pensando que, mientras la cinta entretuviera, estaría bien. Pero ni siquiera eso pudo hacer…

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    Uno de los puntos más flacos de la película es, sin duda, su guión. Está tan atiborrado de clichés y lugares comunes que cuando los predecibles giros de tuerca llegan, hasta parecen brillantes. Pero no lo son, en especial si uno ha visto otras pelis del Universo Cinematográfico Toho. Como sea, los diálogos son acartonados, el argumento es poco interesante y, en general, trataron de llenar los huecos de la película con un drama humano que no podría ser más predecible o soso. La película trata de abarcar demasiado y, en su empeño, aprieta poco.

    Creo que eso fue lo que realmente me molestó de la película. De verdad, uno no espera un buen guión o historias profundas en una película de éstas… digo, se agradece, pero no es lo que uno está buscando necesariamente en el cine de kaijus. Con la tecnología actual sería muy fácil crear impresionantes y sobrecogedoras batallas de monstruos gigantes destruyendo todo a su paso… y, sin embargo, en esta película deciden no hacerlo. Prefieren centrar el foco de atención en el conflicto humano superfluo que ni está bien escrito, ni está bien interpretado y está dirigido con las patas. Más de una vez me pasó que simplemente quería que los actores se quitaran del primer plano y me dejaran ver la pelea de kaijus en el fondo. Esta porfía de la peli llega al punto el ridículo cuando, durante la batalla final entre Godzilla y King Ghidorah, la cinta prefiere mostrarnos la búsqueda de Madison entre los escombros de Boston.

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    De tal suerte, en la misma película tenemos a cuatro de los kaijus más representativos del Universo Toho: Godzilla, King Ghidorah, Mothra y Rodan –quien ahora es mexicano en una bonita escena filmada en la Plaza de Santo Domingo… Centro Histórico de la Ciudad de México, República de Brasil esquina con República de Venezuela, ahí a una cuadra de donde voy a comprar la fayuca–; y por otro lado, tenemos a actores del calibre de Charles Dance, Vera Farmiga, Ken Watanabe, Millie Bobby Brown o Elisa Esposito completamente desperdiciados. Los monstruos apenas si son tomados en cuenta y sus contrapartes humanas hacen un trabajo mediocre con un guión al que cuesta trabajo sacarle carnita.

    Y bueno, los kaijus tampoco se ven bien todo el tiempo… la verdad es que hay secuencias que se notan mucho mejor trabajadas que otras; pero, durante la mayor parte de la peli son simplemente una masa de pixeles moviéndose torpemente de un lado a otro en medio de nubes y volutas de humo demasiado densas para poder ver nada. Quizá el diseño de Mothra era elegante, quizá el de Rodan era aterrador, la verdad es que poco puede sacarse en claro de lo que vemos en pantalla… ¡Chale! Creo que se veían más realistas cuando eran botargas.

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    En cuanto los monstruos hicieron sus primeras apariciones en pantalla, me emocioné. De verdad, siendo un fan de Godzilla por tanto tiempo, creo que hasta aplaudí cuando Mothra salió de su crisálida… y fue tan triste esperar y esperar y esperar durante toda la película a que hicieran algo interesante.

    Anécdota curiosa: Mothra y Rodan originalmente fueron protagonistas de sus propias películas; pero pronto Toho los integró dentro de su Universo Cinematográfico cuyo hilo conductor gira en torno a Godzilla. Y, de hecho, a Mothra le debemos el haber establecido a los kaijus como héroes, en vez de sólo ser fuerzas destructoras.

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    Creo que ya me he quejado suficiente. Si bien me pareció bastante mala, la película no está exenta de lo que me creo que es un gran acierto: la música. Las aburridas batallas de monstruos gigantes se vuelven soportables gracias a la música de Bear McCreary, que retoma los temas originales de las películas clásicas con interesantes variaciones. De estos sobresalen el de Godzilla, de Akira Ifukube, y  el de Mothra, de Yuji Koseki –el cual, por cierto, siempre me ha encantado–.

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    En conclusión, puedo decir que Godzilla II: el Rey de los Monstruos me ha decepcionado profundamente. La verdad es que incluso me pareció desesperante por momentos. La batalla final la sentí como esas veces en las que vas a un parque de diversiones, haces una fila de dos horas para subirte a un juego y, al final, ni siquiera era tan bueno. No, no esperaba un buen guión ni buenas actuaciones, pero entonces no debieron darle tanto peso a esos elementos en la cinta. A final de cuentas, creo que la peli, con sus dos horas y diez minutos de duración, falla en el objetivo primordial de una película de acción: entretener, al mismo tiempo que en el de una película de kaijus: mostrar batallas interesantes entre estos colosos.

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    Sea como fuere, la película ha sido un trancazo en la taquilla estadounidense y alrededor del mundo… aún no recupera su presupuesto de 200 millones de dólares; pero indudablemente lo hará en el transcurso de la semana y las secuelas están aseguradas. El próximo año veremos en la pantalla grande el prometido enfrentamiento entre Godzilla y Kong que podría o no terminar con la trilogía. ¿Cuántas películas más faltarán después del culminante duelo de titanes? ¿Qué otros kaijus serán revitalizados? Pero, sobre todo… ¿Valdrá le pena?

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    Por cierto, mi kaiju favorito del Universo Toho es Biollante porque… porque pues no mamen, es una rosa mutante que escupe ácido.

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PARA LA TRIVIA: Los kaijus que aparecen en esta cinta son los mismos que aparecieran en la original Ghidorah: el monstruo de tres cabezas (Honda, 1964), uno de los crossovers clásicos de Toho.

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ALIENS: EL REGRESO. Una de las mejores secuelas de la historia.

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ALIENS: EL REGRESO

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James Cameron, 1986

Existen dos versiones de esta película: El corte original para cines de 1986, con 2 horas y 17 minutos de duración, y la Edición Especial de 1990, con 2 horas y 37 minutos de duración. La diferencia son varias escenas extendidas y otras tantas reinsertadas, incluyendo las legendarias escenas de la hija de Ripley y la de los papás de Newt. Dichas escenas dan más fuerza a la línea narrativa de la relación entre Ripley y Newt, lo que le hace más contundente a la segunda mitad de la peli. Aliens: el regreso fue la primera cinta en contar con una Edición Especial (o corte del director) comercial, que salió exclusivamente a la venta en una edición muy limitada en formato VHS, allá por 1990. La cadena de televisión estadounidense ABC a veces transmitía la Edición Especial de la peli, mientras que, en Latinoamérica, lo hacía el canal de TV por cable Cinecanal.

 

Si bien la primera cinta de esta saga revolucionó las películas de Ciencia Ficción, esta secuela fue la creó toda una mitología. El director canadiense James Cameron, quien había obtenido un inusitado éxito y demostrado tener buen ojo para el género con su película anterior, El exterminador (1984), y su esposa, la productora Gale Anne Hurd (actualmente productora de la serie de T.V. The Walking Dead (2010-), fueron convocados por la Twentieth Century Fox para realizar la tan esperada y tanto tiempo pospuesta secuela de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979).

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    El reto era grande y por eso mismo la casa productora se había mostrado renuente a producir la ansiada secuela. Con frecuencia, la secuela de una película de éxito cae en una de dos fallas: o los realizadores tienen miedo de echar a perder la fórmula de éxito de la cinta original y la continuación termina siendo más de lo mismo, una mera copia del original –como Shrek 2 (Adamson et al., 2004)­–, o los realizadores saben que no pueden competir con la primera parte y hacen algo tan diametralmente opuesto que cuesta trabajo creer que ambas películas son parte de una misma saga –como El ejército de las tinieblas (Raimi, 1992), que oficialmente sí es la tercera parte de la trilogía de The Evil Dead–.

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    Casi desde que se estrenara la primera cinta, los planes para una secuela fueron puestos en marcha. La dirección en la que debía continuarse la historia era obvia: casi desde el principio, se planteó que la historia se desarrollaría en el planeta de los aliens. Del mismo modo, circularon fuertes rumores de una serie de TV basada en la primera película, e incluso una sinopsis fue incluida dentro de los estrenos de la temporada de invierno de 1980 en la revista TV Guide; pero nunca fue producida.

    Cameron, de manera muy inteligente, llevó la saga en la dirección indicada: tomó los elementos más representativos de la primera entrega y los expandió en direcciones interesantes. Esclareció varios puntos sobre el comportamiento y el ciclo de vida de las criaturas, introdujo la idea de un alien reina y de una estructura social tipo colmena. Además, se redujo un bastante la dosis de horror en esta cinta para dar paso a la acción.

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    57 años después de los hechos narrados en la primera película, la cápsula de escape Narcisus II, en la que Ripley (Sigourney Weaver, magistral) lograra sobrevivir al encuentro con el primer xenomorfo y la subsecuente destrucción del carguero estelar USS Nostromo, por fin es rescatada y llevada a la estación espacial Gateway. Ahí, Ripley se entera de su situación y es llevada a juicio por la destrucción de la costosa nave, en el que es defendida por Carter J. Burke (Paul Reiser en el mejor papel de su carrera… sí, el mejor de los dos). Poco tiempo después, Ripley es requerida por Burke para fungir como asesora de un escuadrón de marines coloniales que van a investigar la colonia terraformadora en LV-426 –sí, el planetoide de la primera cinta, rebautizado en los cómics como Acheron– con la que se ha perdido contacto.

    Al llegar al lugar, Ripley y los marines descubren que la colonia entera ha sido invadida por las criaturas –que a partir de esta cinta son llamadas xenomorfos– de las que Ripley creía haber escapado. La colonia está infestada por cientos de xenomorfos y la única sobreviviente es una pequeña niña llamada Newt (Carrie Henn). La operación sale terriblemente mal cuando los marines quedan atrapados en el nido de los alienígenas, donde tendrán que enfrentarse a peligros insospechados si es que desean salir con vida de ahí.

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    Creo que uno de los principales aciertos de esta película es lo bien escritos que están los personajes. Casi todos los marines están increíblemente bien delineados y son memorables a pesar de que aparecieran poco tiempo en pantalla. Con frecuencia el fallo de los personajes en este tipo de cintas es que sólo están para rellenar y, como están uniformados, a la mitad de la cinta a uno deja de importarle quién es quién –Despertar del Diablo 2 (Weisz, 2007), te hablo a ti–.

    ¿Cómo olvidar al noble cabo Dwayne Hicks (Michael Biehn, quien también protagonizó la película anterior de Cameron, El exterminador), al inepto teniente Gorman (William Hope), el leal androide Bishop (el genial Lance Henriksen, quien también estuvo en El exterminador), el aguerrido soldado Drake (Mark Rolston), la ruda soldado Vasquez (Jenette Goldstein, quien aparecería en Terminator 2: El Juicio Final [Cameron, 1991]) o al payaso del grupo, el soldado Hudson (Bill Paxton)?

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    Por cierto que Al Matthews, quien interpretó al sargento Apone, era un auténtico sargento del cuerpo de marines de EE.UU. En aras del realismo y para molestia de los actores, durante el tiempo que duró el rodaje, Matthews despertaba a todo el elenco a las cinco de la mañana para hacer ejercicio y practicar tácticas de combate como si se tratara de un escuadrón de verdad. Los resultados se ven en pantalla.

    Otro de los muy grandes aciertos de la peli son los efectos especiales. A pesar de que esta cinta se estrenó hace más de treinta años, los efectos especiales apenas si han envejecido. Es más, me atrevo a decir que muchos de los efectos en esta cinta se ven aún más reales que los efectos e cualquier película siguiente de la saga… Quizá exceptuando Prometeo, pero incluyendo las terribles Alien vs Depredador. Muchas técnicas fueron utilizadas para la creación de esta cinta; pero sin duda, las que más llamaron la atención fueron las utilizadas para crear a los xenomorfos.

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    Las criaturas en esta ocasión fueron creadas por el gurú de los animatrónicos, colaborador frecuente de Cameron y uno de mis ídolos personales, por cierto, Stan Winston, el mismo artista detrás de los dinosaurios de Parque Jurásico (Spielberg, 1993). Winston y su equipo tomaron el diseño original de Giger y prácticamente lo “tunearon” para darle una apariencia más agresiva y más como de insecto. En vez del color negro lustroso de la primera cinta, los xenomorfos de esta son de colores marrón o azul; tienen más picos, una especie de aleta en los antebrazos, cinco dedos en las manos en lugar de seis, que además son más largos, y una cabeza llena de protuberancias y orificios en vez de la cabeza lisa de la primera cinta.

    Cuenta cierta anécdota que el equipo de artistas del Stan Winston Studio estaba muy entusiasmado porque el departamento de vestuario de Twenieth Century Fox había accedido a prestarles la botarga original del alienígena de la primera cinta… hasta que lo desempacaron. Los artistas pudieron comprobar de primera mano que más de la mitad del monstruo que aparecía en la película de 1979 era creado gracias a una excelente fotografía e iluminación, pues la botarga de látex incluía un par de tenis converse y varias secciones del cuerpo en las que el staff de plano le había pegado macarrones secos pintados de negro para realzar la textura.

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    Sin embargo, el más grande triunfo del diseño, fruto del arduo trabajo que realizaron durante meses Winston y su equipo frente al restirador, es el alien reina. Según esta cinta, la estructura social del xenomorfo es como la de una colmena de hormigas o abejas, en la que hay una sola hembra fértil encargada de regir a todas las demás. Esta clase particular de xenomorfo mide cuatro metros de altura, tiene dos pares de brazos, un aguijón venenoso en la cola  –¿de verdad una criatura que lo puede convertir a uno en brocheta con su aguijón necesita veneno?– y un característico cráneo alargado y plano con forma de corona.

    Lo que más me gusta del diseño de esta criatura es que sí, parece una cucaracha del tamaño de un autobús; pero aun así lograron incluir en ella rasgos femeninos. Es decir, uno ve al alien reina y se nota que es la hembra que lleva la batuta de la colmen; a diferencia de Alien vs Depredador (Anderson, 2004), donde el alien reina termina pareciendo un tiranosaurio.

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    De hecho, el planteamiento del alien reina vino a despejar muchas incógnitas que habían quedado de la primera parte sobre el ciclo vital de la criatura. En una de las escenas nunca filmadas de la primera peli, Ash (Ian Holm) menciona que los tripulantes de la Nostromo probablemente aún no habían visto a la criatura en su etapa madura. Este diálogo no se filmó, pero sí se conservó en la novelización de la cinta escrita por Alan Dean Foster.

    Muchos fans se preguntan por qué el alien no ataca a Ripley a bordo de la cápsula de escape al final de la primera cinta. En ese momento, hubo tres hipótesis: (1) El metabolismo del alien es muy rápido y ya había concluido su ciclo vital, por lo que se escondió en la cápsula esperando su propia muerte; (2) la criatura sabía que su única posibilidad de sobrevivir era pasando desapercibida como polizón o (3) el xenomorfo no había completado aún su desarrollo, por lo que se escondió en la cápsula para entrar en fase de pupa. Esta última opción es retomada en el videojuego Aliens vs Predator (Rebellion, 2010), en el que el final cuando se juega controlando al alien es que éste se convierte en una reina.

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    Empero, tanto en los cómics como en la tercera película, se puntualizó lo que parecía evidente desde la segunda: que la reina alien no es un estado en el desarrollo del xenomorfo; sino una casta aparte de la misma especie.

    Y una de las escenas que desde mi tierna infancia me han fascinado, e incluso obsesionado, es precisamente la pelea final entre Ripley, a bordo de un traje montacargas (Power Loader), y el alien reina –denominada afectuosamente por los fans como la Guerra de las Madres–. Es simplemente sublime. Echando mano de prácticamente todas las técnicas de efectos especiales disponibles en la época, el equipo de filmación logró crear una secuencia de batalla inolvidable y extremadamente realista.

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    Las actuaciones son espectaculares lo que, en conjunción con los efectos especiales –quizá la única escena de efectos especiales que queda a deber sea aquélla en la que se estrella la nave de rescate–, logra crear una película en la que uno puede simplemente dejarse llevar y disfrutar la experiencia de ser transportado a otro universo.

    Hablando de los efectos especiales, de verdad son impresionantes. Lo que es aún más increíble es el hecho de que muchos fueron creados con las técnicas más simples. Y no diré que “eran la punta de la tecnología en 1986” ni que “para su época fueron muy buenos”; estos efectos especiales son una mezcla de técnicas antiguas, como al retroproyección o la perspectiva forzada, con las técnicas más avanzadas de la época, como los animatrónicos, en una demostración envidiable de ingenio, todo con el fin de dar vida a un universo que en manos menos diestras resultaría completamente inverosímil.

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     Un efecto especial funciona cuando uno no se da cuenta de que está ahí y en esta película abundan los ejemplos: la ya mencionada pelea entre Ripley y el alien reina, los exteriores de la colonia terraformadora Hadley’s Hope o la entrada al nido de los xenomorfos –la mayoría de la gente no nota que estos escenarios eran solamente maquetas–, las escenas de los Power Loaders –¿no se habían preguntado antes cómo hicieron para moverlos?– o, mi gran favorita, aquella secuencia en la que los marines sobrevivientes escapan a través de un ducto de ventilación y los xenomorfos que los persiguen, delante de nuestros ojos y sin cortes o trucos de cámara, reptan por el piso y después por la pared.

    Incluso en el caso de la Edición Especial, cuya duración podría parecer excesiva –ya ven que a Cameron le gustan las películas largas–, el visionado de esta cinta es entretenido y emocionante.

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    Mención aparte merece el magistral soundtrack compuesto por James Horner, del cual hablé anteriormente en mi lista de soundtracks favoritos. Una banda sonora de influencia mayoritariamente militar expande la dimensión de esta película y de veras que logra engancharlo a uno en lo que está viendo, así como ayudar a la historia que se cuenta para emocionar a su público.

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    Al igual que la primera cinta, ésta se convirtió en una de las más influyentes obras de la Ciencia Ficción cinematográfica; tanto que aún hoy día muchas películas siguen su estructura. Como las más evidentes descendientes directas de esta película puedo citar Mimic (Del Toro, 1997), Invasión (Verhoeven, 1997), El huésped maldito (Resident Evil pa’ los cuates, Anderson, 2002), Exterminio 2 (Fresnadillo, 2007), Titanes del Pacífico (Del Toro, 2013), Godzilla (Edwards, 2014) y un nutrido grupo de etcéteras.

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    La recepción de la película fue grandiosa, cuadruplicando su presupuesto en ganancias en taquilla. Incluso hay quienes dicen que esta cinta es mejor que la primera. Yo no sé si me atrevería a afirmar tal cosa, pero sí puedo decir sin reparos que está a la altura de su predecesora. Éste es James Cameron en su máxima expresión, cuando su mentalidad de “más grande es mejor” realmente lo ayudó a expandir una idea que parecía insuperable.

PARA LA TRIVIA: Sigourney Weaver es una de las principales activistas en contra de la libre venta de armas en EE.UU. Según afirma, mientras estaba filmando esta cinta no se dio cuenta de la cantidad de armas y violencia que hay en ella –incluso la nave Sulaco tiene forma de ametralladora–, por lo que, cuando vio el resultado final, quedó muy a disgusto. Según se rumora, en parte por eso co-produjo las siguientes dos entregas de la saga, pues buscaba tener mayor control creativo sobre las peículas. Debido a estas diferencias, Weaver no permitió que se utilizara su rostro en figuras de acción basadas en su personaje de Ellen Ripley durante casi tres décadas. Irónicamente, la primera nominación nominación al Oscar que la actriz recibió fue por su interpretación en esta cinta.

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ALIEN: EL OCTAVO PASAJERO. La película que me volvió cinéfilo cumple 40 años.

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ALIEN: EL OCTAVO PASAJERO

Alien

 

Ridley Scott, 1979

Existen dos versiones oficiales de esta película: La edición original de cine de 1979 y la Edición del 25 Aniversario. La diferencia son cerca de cinco minutos de escenas extendidas y reinsertadas que habían quedado fuera del corte original, algunas de las cuales, como la toma extendida de la muerte de Brett (Harry Dean Stanton) o Ripley (Sigourney Weaver) bajando al compartimiento de carga donde el alien ha empezado a construir su nido,  se habían convertido prácticamente en leyenda urbana entre los fans.

¿Qué pasa cuando alguien se toma en serio una película de serie B y dice: “de acuerdo, vamos a hacer esto, pero lo vamos a hacer bien”? Pues surge un clásico como Star Wars (Lucas, 1977), Cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981) o Alien: el octavo pasajero. Me atrevo a decir que desde que H.P. Lovecraft escribió, nadie había vuelto a integrar de forma tan armónica la Ciencia Ficción con el Terror Gótico.

    A título muy personal comentaré además que ésta debe ser una de las cinco películas más influyentes en mi vida. La vi por primera vez cuando tenía siete años, una tarde nublada en Canal Cinco… y de ahí pa’l real. Recuerdo que me asustó, al mismo tiempo que me fascinó e intrigó y, de hecho, siempre que me preguntan, no tengo empacho en decir que ésta fue la peli que me convirtió en cinéfilo.

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    La tripulación del carguero espacial Nostromo es despertada del hipersueño durante su viaje de regreso a la Tierra para responder una señal de auxilio en un planetoide desconocido. Al descender  en dicho lugar, Kane (el siempre genial John Hurt) es utilizado como huésped por un parásito extraterrestre que se gesta dentro del cuerpo humano y que aumenta su tamaño minuto a minuto. Uno a uno, los tripulantes de la Nostromo irán cayendo presas de la criatura que parece haber evolucionado con el único objetivo de aniquilar a la raza humana —y según nos revelaría más tarde Prometeo (Scott, 2012), así fue—.

    La génesis de esta película comienza cuando el guionista Dan O’Bannon, luego de producir y estelarizar su película Dark Star (Carpenter, 1975), una comedia ramplona de Ciencia Ficción, se hospedaba en casa de su amigo, el también guionista y director teatral Ronald Shusett. De hecho, O’Bannon se encontraba recuperándose después de su estadía en una clínica psiquiátrica a raíz del colapso nervioso que sufrió cuando su proyecto de adaptar la clásica novela de Ciencia Ficción, Dune, a la pantalla grande en una película dirigida por Alejandro Jodorowsky fracasara. O’Bannon retomó un borrador que había empezado a escribir en el sanatorio y comenzó a convertirlo en lo que sería su próxima película, titulada en aquel entonces, Star Beast.

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    La idea original del guión era la de una película de serie B, mezcla de Ciencia Ficción y horror, llena de escenas sangrientas y desnudos. O’Bannon llevaba varios meses trabajando en su texto; pero sentía que aún le faltaba “punch”, alguna característica única que le diera identidad a la película.

    Fue entonces cuando, cierta noche de insomnio, Shusett se encontraba viendo televisión y sintonizó casualmente un documental sobre cierta especie de avispa que utiliza su aguijón para inocular a las catarinas con embriones de sus propias crías. Las crías van devorando a la catarina desde adentro hasta que destrozan el exoesqueleto de su huésped y emergen de su cuerpo violentamente. Shusett quedó fascinado con la idea y le sugirió a O’Bannon que la incluyera en su guión.

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    O’Bannon reescribió toda la película tomando como eje central la idea del parásito que se gesta dentro del cuerpo humano y después trató de vender su guión a las mayores casas productoras, quienes lo rechazaron. Únicamente el legendario productor de películas de bajo presupuesto, Roger Corman, mostró interés por el guión de Star Beast. Corman se apalabró con O’Bannon para comprar su guión, aunque los meses pasaron y no había adelantos en las negociaciones.

    Finalmente, O’Bannon recibió una llamada de la oficina de Corman confirmándole que querían comprar su guión; pero que el pago se demoraría una quincena más y que preferían firmar el contrato con él hasta que tuvieran el dinero listo.

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    Mientras tanto, la Twentieth Century Fox vivía una época de bonanza y gran esplendor económico gracias al inesperado éxito de Star Wars (Lucas, 1977). Los ejecutivos de la casa productora presionaban a los productores para que hicieran más películas de Ciencia Ficción y así aprovechar la racha; sin embargo, no había guiones del género disponibles y todos los guionistas de planta de la compañía estaban ocupados en otros proyectos. Fue entonces que los productores Gordon Caroll y Walter Hill desempolvaron un guión titulado Star Beast que habían rechazado con anterioridad. Al ser el único guión con una nave espacial en él, se convirtió en el proyecto de ambos productores para cumplir con las exigencias de la Fox.

    La Fox contactó a O’Bannon días antes de que éste cerrara el trato con New Concorde Pictures (la compañía de Corman), ofreciéndole una cantidad muy superior de dinero por su guión, además de producirlo con un presupuesto de Serie A. Caroll y Hill reescribieron el guión de O’Bannon dándole un tratamiento más “maduro” y menos grandilocuente… menos de serie B, pues. Desde entonces ha habido muchas discusiones al respecto, pues O’Bannon aseguraba que los productores habían arruinado su guión, mientras que éstos alegaban que el guión original era pésimo, acartonado y lleno de lugares comunes. Sea como fuere, ambas facciones, lo mismo que los fans, podemos sentirnos más que satisfechos con el resultado final.

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    Con el guión listo, el siguiente paso era conseguir un director que pudiera darle forma a un proyecto de semejantes dimensiones (en cuestión de un mes, el presupuesto de la película aumentó de 3.5 a 6 millones de dólares y posteriormente a 9… que era muchísimo dinero en 1976). Los productores entrevistaron a decenas de candidatos, siendo la pregunta decisiva “¿Cómo resolverías la escena del “abraza-rostros”?” Caroll comentó alguna vez en una entrevista que la peor de las respuestas fue la de un director (nunca quiso decir quién) que contestó: “Fácil. Le arrojamos un hígado crudo a la cara del actor y lo filmamos en contrapicado”.

    Después de un arduo proceso de selección, el ganador del puesto de director fue el británico Ridely Scott, quien sólo contaba con un largometraje en su curriculum (Los duelistas, 1977). A Scott no le gustaban las películas de Ciencia Ficción ni las de Horror, así que se fue a pasar un fin de semana con un amigo suyo que durante dos días le pasó proyecciones de cintas de dichos géneros. Al final de esta experiencia, Scott sólo encontró dos filmes que le gustaron: 2001: Una odisea del espacio (Kubrick, 1968) y La masacre de Texas (Hooper, 1974). Siendo estas cintas sus principales influencias, Scott fue quien decidió que el personaje de Ripley (la inmortal Sigourney Weaver) fuera una mujer, pues en el guión nunca se especificaba su sexo.

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    Ahora que volví a ver la cinta, caí en cuenta de que es también un enorme logro en el diseño de arte. Originalmente, el diseño de toda la cinta iba a correr a cargo del artista Ron Cobb. Sin embargo, Cobb había dibujado alrededor de cincuenta bocetos para la criatura extraterrestre sin que uno solo convenciera a nadie de la producción o al director. Fue entonces que O’ Bannon recordó haber visto el libro Necronomicon, una colección de pinturas del artista surrealista suizo H. R. Giger inspiradas en la mitología de H.P. Lovecraft.

    O’Bannon había quedado impresionado con el trabajo del suizo pues le pareció perturbador. De hecho, tuvo que negociar arduamente con Caroll para contratar a Giger, pues el productor consideraba que “ese hombre estaba enfermo”. Finalmente, O’Bannon en persona fue a hablar con Giger en París, Francia. Se acordó que Ron Cobb diseñaría la nave espacial, mientras que Giger diseñaría a la criatura y todo su medio ambiente. De forma tardía, al proyecto se incorporó el artista francés de cómics Moebius quien, basándose en las armaduras de los guerreros samurái, diseñó los trajes espaciales de los tripulantes de la nave.

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    Los escenarios diseñados por Cobb son simplemente espectaculares. Según lo declaró alguna vez, coincidió con Scott en querer alejarse de la estética de otras películas ambientadas en el espacio, como Star Wars o la citada obra maestra de Kubrick, pues les parecían tan prístinas que caían en lo inverosímil. Así pues, la nave diseñada por Cobb es grande, oscura, sucia y, como él mismo lo dijo alguna vez, combina una refinería de petróleo con una catedral gótica.

    Para crear en los actores un sentimiento real de claustrofobia, y porque quería hacer paneos largos, Scott pidió a la producción que todos los sets se construyeran en un solo módulo gigantesco. Así, todos los cuartos de la Nostromo quedaron interconectados formando un laberinto con una sola entrada y una salida. Si alguno de los actores (o quien fuera, en realidad) quería salir del set, debía pasar por todo el laberinto.

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    Empero, por supuesto que la estrella de la película es la criatura conocida como “alien” –luego rebautizada como “xenomorfo”, que en griego significa literalmente “forma extraña”– y gran parte de su éxito tiene que ver con el diseño. Nunca antes en pantalla se había mostrado un extraterrestre que se viera así, ni después se han mostrado extraterrestres que no estén influidos, al menos en cierta medida, por el de esta cinta.

    H.R. Giger diseñó a la criatura, pero también la esculpió desde cero utilizando los materiales más diversos, que incluyeron desde huesos humanos hasta piezas de automóviles  —los… no sé cómo llamarlas, digámosles “dígitos” que sobresalen de la espalda de la criatura son los mofles de un Rolls Royce, por ejemplo—. La producción puso a disposición del artista un cajón lleno de huesos de diferentes animales. Según cuentan las anécdotas, algunos de estos huesos aún estaban frescos, por lo que apestaban horriblemente; además, al tener a este tipo vestido de negro y con cara de loco trabajando en él, el taller que la producción le instaló a Giger era el lugar que todos querían evitar.

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    Las actuaciones son de primer nivel y eso es importante por una razón crucial para la película: casi no se ve al alien. Una astuta estrategia de Scott fue casi no mostrar a la criatura en pantalla, dejando más a la imaginación del público. A final de cuentas, sabemos que este monstruo es horrendo y gigantesco por las reacciones de quienes lo ven y no tanto por lo que realmente se muestra de él.

    De hecho, Scott quiso apelar a los instintos primarios del ser humano y por eso muchas de las escenas en las que la criatura ataca a sus víctimas incluyen primeros planos de su boca: Si uno muere devorado, lo último que verá son las fauces de su depredador.

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    A pesar de ello, otro de los factores que causan el terror en esta película es que, por lo menos en esta primera entrega, no se sabía a ciencia cierta qué fin tenían las víctimas de la criatura. Digo, algunos como Parker (Yaphet Koto) era evidente que le servían de botana, pero ¿y los otros? Me refiero a que en la escena de la muerte de Lambert (Veronica Cartwright, quien se hizo famosa como actriz infantil por su participación en la obra maestra de Hitchcock, Los pájaros [1963]) realmente nunca se ve cómo la mata, sólo se escuchan una serie de gruñidos y jadeos extraños en el corredor y, en la siguiente escena en que aparece, Lambert está desnuda colgando del techo.

    Siempre me ha parecido que la película tiene un subtexto claramente sexual e, incluso, que algunas partes de ella pueden entenderse como una metáfora de la violación. Scott siempre consideró a su criatura como hermafrodita y capaz de reproducirse por sí sola; el concepto de una hembra reproductora fue introducido por James Cameron hasta la segunda cinta.

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    Además, en la Edición del 25 Aniversario, en la mítica escena reinsertada de Ripley en el compartimiento de carga, se muestra a Dallas (Tom Skerritt) vivo y encerrado en un capullo ¿Con qué propósito? En el final original del guión, que nunca se filmó, la cápsula de escape que transporta a Ripley transporta también el abraza-rostros que impregnó a Kane y se muestra cómo éste comienza a encerrarse en una especie de crisálida.

    Aunque la Edición del 25 Aniversario es bastante completa y amplía mucho del background de los personajes ­en dicha edición se aprecia perfectamente que Ripley y Lambert se llevan del carajo, por ejemplo–, hubo aún un par de escenas que quedaron fuera.

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    La más interesante de ellas sea quizá una de las escenas favoritas de O’Bannon cuando escribió el guión. Como su idea original era que ésta fuera una película de explotación, el elemento sexual estaba mucho más marcado. De hecho, en algún tratamiento del guión se sugería que todos los personajes estarían desnudos todo el tiempo. Sea como fuere, se llegó a filmar una escena en la que Lambert y Ripley se cuentan sus intimidades, dejando ver que son más bien facilonas y que se han acostado con toda la tripulación; mencionan entonces que Ash (Ian Holm, a quien seguro recuerdan como Bilbo Bolsón en la Trilogía de El Señor de los Anillos [Jackson, 2001-2003]), el oficial científico, es bastante malo en la cama. Este elemento podría parecer intrascendente, excepto porque en ese corte de la película, ésta era la primera pista que se daba al público de que Ash era en realidad un androide.

    Otras escenas que quedaron fuera, y que en realidad nunca se filmaron, fueron el final alternativo que mencioné arriba (el libreto termina en la secuencia 218 y tiene una nota final que dice: “escenas 219 a 228 suprimidas”). En otro final alternativo se escuchaba la narración de Ripley a manera de epílogo, sólo para descubrir después que el alien hablaba a través de ella insertando su segundo par de mandíbulas en su cráneo. En otro más se aprecia que los huevos de alien en realidad estaban dentro de un templo con forma de pirámide en el que se realizaban sacrificios ­–el diseño de este templo fue utilizado en el videojuego de PC Aliens vs Predator (Fox Interactive, 1999)–­ y tampoco llegó a filmarse nunca la escena de sexo entre Dallas y Ripley, quienes en el guión original tenían una relación romántica.

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    La película tuvo un excelente recibimiento en EE.UU., y causó furor en Europa (particularmente en Alemania e Italia) y Japón. De hecho, durante toda la década de los ochenta, hubo secuelas apócrifas de Alien producidas en Italia —donde casi ni les gusta eso de piratearse las cosas— y un par de imitaciones provenientes de tierras germanas. Irónicamente, casi toda la primera hora de la película está fuertemente influida –por no decir que se la fusilaron vilmente– por la cinta italiana El planeta de los vampiros (Bava, 1965).

    Lo que sí es un hecho es que, después de esta cinta, las películas de monstruos jamás volverían a ser lo mismo y prácticamente todas tomarían su influencia en un aspecto u otro. Sin duda, Alien, el octavo pasajero es un clásico inmortal que apenas si ha envejecido después de 40 años y una de las películas más influyentes en la historia del cine. Bastante bien para ser la segunda obra de un director con formación teatral a quien no le gustaban ni el Horror ni la Ciencia Ficción.

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    Y, por cierto, siempre he tenido conflicto con el nombre en español “El octavo pasajero”…  Digo, en realidad, el xenomorfo sería el único pasajero (y tampoco, era un  polizón), pues la Nostromo era una nave de carga… los otros güeyes no eran pasajeros, sino tripulación…

PARA LA TRIVIA: Sería casi aberrante negar que Sigourney Weaver con su interpretación de Ripley definió el arquetipo de la heroína de acción contemporánea (Nancy Thompson, Lara Croft, Jill Valentine y prácticamente cualquier personaje interpretado por Milla Jovovich no existirían sin Ripley); empero, la actriz estuvo a punto de perder el papel. Durante las pruebas de cámara, Weaver mostró una violenta reacción alérgica al gato usado en la cinta. Por desgracia, como había sido muy difícil conseguir un gato justo del color que quería Scott y que estuviera entrenado para hacer exactamente lo que el director necesitaba, sería más fácil cambiar a la actriz que al felino. Afortunadamente, en pruebas posteriores se descubrió que a lo que era alérgica la actriz era a la combinación del pelo de gato con la glicerina que el equipo de maquillaje utilizaba para hacerla sudar en cámara.

    Y hablando de Ripley, una anécdota interesante cuenta que Veronica Cartwright originalmente audicionó para dicho papel. La gente de Fox le dio call-back y la contrataron para la película, pero olvidaron decirle que le habían dado el papel de Lambert (y ella no preguntó). No fue sino hasta la primera prueba de cámara, cuando la vestuarista le entregó su uniforme (y después de tamaña discusión, según cuentan), que Cartwright se enteró del papel que interpretaría en la cinta.

 

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