VIERNES 13: UN NUEVO COMIENZO. ¿El regreso de Jason Voorhees?

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VIERNES 13 PARTE V: UN NUEVO COMIENZO

Friday the 13th: A New Beginning

  

Danny Steinmann, 1985

 

Viernes 13: el capítulo final (Zito, 1984), que como su nombre lo dice, estaba destinada a ser la última película de la franquicia, fue la cinta más taquillera de la saga. Por lo tanto, habría sido idiota no aprovechar la renovada fama de la serie con una nueva entrega. ¿Cómo, si Jason había muerto en la cinta anterior? ¡Qué importa! La continuidad de estas películas dejó de tener sentido desde la segunda parte.

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    En esta nueva entrega, Tommy (John Shepherd), protagonista de la película anterior y quien ultimara al maniático Jason Voorhees, se ha convertido en un joven perturbado y con tendencias violentas –lo que, técnicamente, ubicaría esta película en el futuro–. Después de muchas peripecias, Tommy es transferido a una granja para jóvenes con problemas mentales en medio del bosque. Con la llegada de Tommy, una serie de brutales asesinatos comienzan a ocurrir en la granja y sus alrededores, y todo parece indicar que o Jason (Tom Morga) está de regreso o alguien ha asumido la identidad del asesino de Crystal Lake.

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    Siempre he dicho que no hay nada que “eleve” más una mala película como una explosión. Esta peli tiene una explosión en los créditos iniciales… ¡Y vaya si es mala!

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    El guión es un completo desastre del cual pocas cosas pueden sacarse en claro e incluso, en algunas partes, ni siquiera parece que hubiera un guión. Los personajes prácticamente son inexistentes, se reducen a una colección de los más estereotípicos clichés y, de hecho, muchos de ellos sólo aparecen en la escena en la que los van a matar.

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    Los “personajes” llegan a ser tan superficiales y poco interesantes que no tardan en volverse molestos y, la neta, hay partes en las que uno siente que Jason ya se tardó demasiado en matarlos. Y créanme, las escenas de los hillbillies, que no sé si son una referencia a Bloody Mamma (Corman, 1970), son insoportables.

    Durante toda la peli se supone que el guión trata de manejar la ambigüedad sobre si Tommy es el asesino o no; pero ¿cómo decirlo?… Su ambigüedad resulta tan mal planteada que se vuelve ambigua. Me refiero a que a media película uno como espectador no está seguro si se supone que debe pensar que Tommy es el asesino o no e incluso, por momentos, la narrativa es tan atropellada que pareciera que hay dos Jasons simultáneamente. De cualquier modo, Tommy desaparece durante prácticamente toda la segunda mitad de la peli SPOILER y la vuelta de tuerca al final de la cinta, aunque interesante, resulta increíblemente rebuscada TERMINA SPOILER.

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    Y esa granja debe ser el peor centro de readaptación que he visto, porque en ningún momento parece que los chicos estén recibiendo algún tipo de terapia.

    Claro que nada de esto importaría en una película slasher mientras haya asesinatos brutales y escenas topless, ¿verdad? Bueno, pues ojalá y las hubiera. Sí, hay un par de topless –que en realidad resultan poco interesantes– y resulta bastante evidente que esta cinta se filmó después de las protestas de numerosas asociaciones religiosas y de padres de familia contra la franquicia. Algunas de las muertes son interesantes en concepto y otras son remakes de muertes que ya habíamos visto anteriormente en la saga. Sea como fuere, todas sufren de una terrible censura que no nos permite ver prácticamente nada, convirtiendo a ésta, probablemente, en la entrega más tibia de toda la franquicia.

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    En defensa de la película, puedo decir que ésta es la entrada de la saga que más problemas tuvo con la censura. La MPAA (Motion Picture Asociation of America), el organismo encargado de clasificar las películas en EE.UU., exigió que alrededor de 16 escenas fueran removidas o editadas para darle a la película la clasificación R (para mayores de 17 años) en vez de la temida Clasificación X (para mayores de 21 años), incluyendo una escena de sexo con una duración original de 3 minutos que fue acortada a 10 segundos.

    El resultado final es una película severamente mutilada, tanto que en realidad se vuelve difícil entenderla.

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     Las actuaciones pasan de francamente hilarantes a molestas y terminan siendo prácticamente inexistentes. Digo, uno no esperaba nada en este rubro; pero no por eso dejan de ser inmundas. También es muy interesante que la cinta sigue con la porfía de usar treintañeros como chavitos y luego sí cuesta trabajo agarrar la onda de cuántos años se supone que tienen los personajes.

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    Como lo mencioné arriba, la narrativa es terriblemente atropellada y el lenguaje visual está poco entendido. Quiero decir, muchas de sus tomas se ven tan anticuadas y llegan a ser confusas.

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    Al final del día, Viernes 13: un nuevo comienzo es, quizá, una de las peores entregas en una franquicia de películas de por sí bastante malas. Por no mencionar que comete el pecado capital: es aburrida. No importa si tu película es mala o buena, mientras sea entretenida al menos tienes algo que ofrecerle al espectador. Y esta cinta simplemente no lo tiene.

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PARA LA TRIVIA: Originalmente, la película sucedería inmediatamente después de la anterior y tendría a un Tommy Jarvis púber como protagonista. El guión fue escrito para que Corey Feldman regresara a interpretar el papel. Sin embargo, tuvieron que hacerse cambios para convertir al personaje de Tommy en adulto, pues Feldman se encontraba ocupado trabajando en Los Goonies (Donner, 1985) y tuvo que limitar su aparición a un cameo en el prólogo.

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ARACNOFOBIA.

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ARACNOFOBIA

Arachnophobia

Frank Marshall, 1990

Cuando era pequeño, fui un niño citadino que se mudó de una gran ciudad a una ciudad pequeña, rodeada de comunidades rurales. Casi todas las personas en la ciudad se conocían entre sí y, como se trataba de una zona costera, el clima era cálido y húmedo. Recuerdo también la exótica fauna que conocí en aquel lugar y, sí, era más o menos frecuente saber de casos de gente que, si bien no moría, sí enfrentaba situaciones difíciles por piquetes de insectos y arácnidos. Por lo tanto, esta película me hablaba muy particularmente a mí y, aunque malita, es una de las que recuerdo con más cariño de mi infancia.

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    El médico Ross Jennings (el gran Jeff Daniels) se muda con su familia al pequeño pueblo rural de Canaima, sin saber que una especie casi prehistórica de araña ha llegado al lugar desde Sudámerica y, tras aparearse con las arañas locales, ha creado una especie de súper arañas asesinas que, poco a poco, va dando cuenta de los habitantes del pueblo. Mientras las muertes se suceden una a otra, la confianza de los habitantes de la comunidad en el nuevo médico va mermando. Para Jennings sería mucho más fácil lidiar con los mortíferos arácnidos si no fuera porque sufre de un terrible caso de aracnofobia.

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    Las películas de animales al ataque tuvieron su apogeo, en gran medida gracias a Tiburón (Spielberg, 1975), a mediados de la década de los 70 y el argumento de arañas letales que atacan a un pueblo pequeño no era nada nuevo para cuando salió esta película, como bien puede constatarse con la oligofrénica película El reino de las arañas (Cardos, 1977).

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    El argumento, como puede verse, es más bien simplón; pero la realización de la película es lo que la hace destacar. El guión está bien hecho, a secas, y funciona bastante bien, a pesar de incurrir en sendos clichés –el científico al que nadie le cree, el trauma de la niñez del protagonista, la confrontación entre el sistema de valores rural y el urbano, etc.– y en momentos que se me antojan demasiado melodramáticos. A pesar de ello, la historia está bien contada y los diálogos están bien escritos, aunque los personajes casi no tienen profundidad. Y, bueno, por supuesto, todo el asunto peca de camp.

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    Las actuaciones están bien, sobresaliendo el personaje de Daniels y el del exterminador Delbert McClintock, interpretado por el siempre genial John Goodman, que funciona como vis comica… y que también es un cliché, pero no por eso resulta menos entrañable. Los demás personajes son tipos que básicamente apoyan ese racismo y clasismo aptos para toda la familia que tan en boga estaba en aquella época. Incluso puede advetirse un constante tono de burla hacia el sector de la sociedad estadounidense denominado “redneck”.

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    Entre los principales fallos de la película pueden encontrarse principalmente cuestiones técnicas. La mayor parte de la peli fue filmada en locación en el pueblo de Cambria, California; pero los sets, aunque están muy bien construidos, pierden cualquier verosimilitud con los cicloramas que se pueden ver a través de las ventanas y que son de lo más chafa.

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    Del mismo modo, la araña General, creada por el estudio  de Chris Walas –éste fue uno de los primeros animatrónicos creados por Jamie Hyneman, otrora conductor y co-productor de Los cazadores de mitos (2003- )–, luce tan falsa que, con frecuencia, cuesta trabajo entender que ésta y su doble real son la misma criatura –¿por qué la araña General chilla?–… ¡Y qué decir de la toma en la que el General trepa por la pierna de Jennings y se ve en su abdomen la vara con la que los titiriteros la estaban manipulando!

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    Las telarañas también se ven bastante cutres en algunas tomas y me recordaron por momentos a las de las películas de El Santo… Por cierto, las tarántulas no tejen telarañas.

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    A lo anterior, súmese una edición más bien descuidada, llena de cortes duros y transiciones abruptas que de repente entorpecen la narración.

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    Sin embargo, la película tiene también algunos elementos del lenguaje cinematográficos súper bien trabajados, de los cuales hablaré a continuación.

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    Por principio de cuentas está el ritmo. La cinta maneja de manera magistral el ritmo. Logra crear suspenso y tensión en el espectador y lo va manejando en muy bien logrados momentos de tensión-distensión que pueden o no culminar con momentos de horror. Esto resulta en un impecable ritmo que lo mantiene a uno atento durante las casi dos horas de duración del filme.

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    Por otro lado, está la narrativa, apoyada por una eficiente propuesta de fotografía. En muchos momentos de la película, las escenas están contadas desde el punto de vista de las arañas, que se convierten en personajes secundarios y motores de la acción al mismo tiempo. Los planos detalle de la araña General sí se ven medio ridículos; pero igual funcionan.

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    La música de Trevor Jones está bien, auqnue siempre me ha parecido que Danny Elfman pudo ser una mejor opción para componer el soundtrack de esta peli.

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    A final de cuentas, Aracnofobia es una de esas películas aptas para toda la familia pero con elementos de horror que tan bien le salían a Steven Spielberg… básicamente, fue por este tipo de cintas que se creó la clasificación PG-13. Es tan profunda como el fondo de la palangana; pero muy entretenida, divertida y logra manejar muy bien el suspenso, por lo que lo mantiene a uno interesado en lo que va a pasar y puedo decir que me gusta mucho como entretenimiento para un fin de semana de flojera.

PARA LA TRIVIA: Dos tipos de arañas reales fueron utilizados para la película. Las arañas pequeñas eran arañas de Avondale (Delena cancerides), traídas de Nueva Zelanda; mientras que la araña General era una tarántula Goliat –o tarántula pajarera– del Amazonas (Theraphosa blondi) maquillada específicamente para la producción. Ninguna araña fue lastimada durante la producción y medidas especiales fueron tomadas para garantizar la seguridad de los artrópodos.

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LOS CAZAFANTASMAS 2. Las superestrellas de lo sobrenatural están de regreso.

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LOS CAZAFANTASMAS 2

Ghostbusters 2

 

Ivan Reitman, 1989

 

La primera película de Cazafantasmas (Reitman, 1984) se estrenó antes de que yo naciera, por lo que mi primer acercamiento a los personajes fue con la serie de dibujos animados Los verdaderos Cazafantasmas (1986-1991). Justo cuando dicho comercial de juguetes disfrazado de serie de televisión –que era lo que se estilaba entonces– estaba en la cima de su popularidad, los productores decidieron que sería buena idea hacer una nueva película de Los Cazafantasmas. Por azares del destino, vi primero esta secuela y después la película original.

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    Cinco años han pasado desde que los Cazafantasmas salvaran a la Ciudad de Nueva York de la venida de Gozer, el equipo se ha desintegrado y ninguno de sus antiguos miembros parece pasar por su mejor momento. Cuando el museo en el que trabaja Dana Barrett como restauradora –por alguna exótica razón, porque hasta donde recuerdo tocaba con la Sinfóica– recibe el extraño retrato de Vigo, el carpaciano (Wilhelm von Homburg, voz del legendario Max Von Sydow) –técnicamente sería Vigo, el valaco; pero lo tradujeron así–, un tirano y hechicero del medioevo, extraños acontecimientos comienzan a ocurrir en torno al bebé de Dana Barrett (la siempre genial Sigourney Weaver). Al mismo tiempo, la Ciudad de Nueva York parece infectada por una ola de energía negativa e irritabilidad cuya fuente podría ser una sustancia psicomagnotérica –que los niños de entonces sabemos que se llama “Ectoplazma”, con “z” para que Kenner pudiera registrar la marca– que comienza a acumularse por montones en el subsuelo de Manhattan. Los Cazafantasmas tendrán que reunirse una vez más para salvar a la ciudad.

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    Recuerdo que cuando era niño y vi esta película me pareció un poco decepcionante e, incluso, aburrida por momentos. Sin embargo, ahora que la he vuelto a ver siendo adulto, me ha parecido bastante decepcionante y todavía un tanto aburrida.

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    Cuando una secuela ya no tiene nada que contar y el único interés que hay para producirla es vender merchandising –ni siquiera la taquilla– se nota. El planteamiento de la película es poco interesante y parte de una serie de clichés: los Cazafantasmas separados, Dana y Peter Venkman (Bill Murray) peleados tras una relación fallida, etc. Francamente, me sorprende que basaran gran parte del argumento en la Ectoplazma® que, de todos los personajes y elementos de la primera película, las siete temporadas de la serie de dibujos animados y las 10 olas de figuras de acción producidas a lo largo de cinco años, ha de haber sido lo más pinche interesante.

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    Empero, estoy siendo injusto. La verdad es que muchos elementos del universo de Los Cazafantasmas fueron retomados para esta cinta. De hecho, el argumento de un flujo de Ectoplazma® bajo el suelo de Manhattan fue tomado de un episodio de la serie de dibujos animados; varios de los artefactos que usan los personajes están basados también en los dibujos animados. Al igual que en un episodio de la serie, el atolondrado contador Louis Tully (Rick Moranis) se pone el traje de Cazafantasmas y siempre me ha parecido que la escena en la que Winston traspasa el tren fantasma es una referencia a las figuras de acción de Kenner –particularmente la serie Fright Features–. Del mismo modo, en cierto parlamento se hace una referencia al episodio de los dibujos animados, Rosebud, que es, de hecho, una especie de secuela/homenaje a Ciudadano Kane (Welles, 1941).

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     Y, si uno se pone a analizarlo… ¿no reciclaron, de hecho, la estructura de la primera película? La primera peli empieza en que a los Cazafantasmas les va mal: los corren de la Universidad; en ésta, el equipo está separado y ha perdido toda credibilidad. En la primera cinta, Venkman está cortejando a Dana; en ésta, tiene que recuperar su confianza. En la primera película hay sólo un enfrentamiento largo con un fantasma: Slimer –Pegajoso, pa’ los cuates quien, de hecho, recibió oficialmente ese nombre en la serie de dibujos animados– en el salón de banquetes de un hotel; en ésta, son los hermanos Scoleri que se aparecen en mitad del juicio a los Cazafantasmas y les devuelven su credibilidad seguido, en ambos casos, de un bonito montaje. En la película anterior había un burócrata, Walter Peck, que buscaba por todos los medios clausurar a los Cazafantasmas; en ésta, otro burócrata, Hardemeyer (Kurt Fuller), persigue el mismo fin. En la primera cinta había un hombre de malvavisco gigante al final; en ésta, tenemos a la Estatua de la Libertad convertida en mecha. En la primera película Ray Stanz (Dan Aykroyd) la caga cuando elige la forma que tomará Gozer, el Destructor; en ésta, Ray es poseído por el espíritu de Vigo, el carpaciano, etc…

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     El soundtrack está bien y, aunque trata de seguir el tono y concepto de la primera parte, no termina de funcionar del todo. Aun con el tema musical interpretado por Run D.M.C. Otras colaboraciones musicales en esta cinta incluyen a Elton John, Doug E. Fresh y Oingo Boingo.

    Y, bueno, hasta ahora creo que sólo me he quejado de esta cinta y quizá he sido demasiado duro con ella. A pesar de sus grandes fallas, la película también tiene grandes aciertos.

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    Por principio de cuentas, creo que el guión es bueno. Quizá la parte de la anécdota queda un poco a deber; pero la historia se cuenta bien y los diálogos son geniales… aunque no sé qué tanto esto sea un mérito del guión, pues en la primera parte prácticamente ninguna escena se filmó como estaba escrita, ya que los actores improvisaron casi todos sus diálogos. Del mismo modo, las relaciones dramáticas entre los personajes y el drama como tal se van construyendo bien.

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    Y ése es otro de los grandes aciertos de la cinta: a pesar del tiempo que transcurrió entre una película y otra, la química entre los personajes se mantiene. Uno realmente se la cree que se trata de un grupo de compañeros convertidos en amigos tratando de subsanar sus relaciones disfuncionales. En pantalla, esto se puede ver en el impecable timing cómico. Las actuaciones de todos los intérpretes están muy bien y sus personajes se vuelven seres de carne y hueso.

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    Los efectos especiales, creados en su mayoría por Denis Muren e Industrial Light & Magic son un tanto disparejos. La gran mayoría se ve muy bien y, para aquella época, eran de lo mejor que se podía ver en pantalla. Sin embargo, los efectos que se ven mal se ven muy mal. Con todo, hay algunas secuencias de efectos visuales que no le piden nada a las sofisticadas tomas de CGI que estamos acostumbrados a ver hoy en día.

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     A final de cuentas, Los Cazafantasmas 2 es una película decente, no particularmente buena, en la que el elenco y los efectos especiales hacen funcionar un argumento un tanto anodino y en el que, según me ha parecido siempre, hacen falta fantasmas. La cinta sale bien librada, aunque creo que su elemento más débil es precisamente el que más atención debía recibir: el villano. Por desgracia, las comparaciones son inevitables y esta cinta palidece terriblemente al compararla con la primera.

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    En la serie de TV hubo villanos recurrentes como el Coco, Sandman o Sam Hein, todos ellos bastante terroríficos para un programa de TV infantil… ¿por qué no usar a alguno de ellos?

PARA LA TRIVIA: Aunque en la película se menciona que el retrato de Vigo será exhibido en el Museo Metropolitano de Arte, e incluso en las tomas de establecimiento aparece un letrero indicando tal cosa, tanto los interiores como los exteriores del edificio que aparece en la película son los del Museo de los Nativos Americanos, al sur de Manhattan.

PARA LA TRIVIA GEEK: La serie de dibujos animados y las dos películas están insertas dentro del mismo canon y línea temporal. El episodio Citizen Ghost de Los verdaderos Cazafantasmas es una continuación directa de la primera película y en él se explica cómo fue que los restos del Hombre de Malvavisco poseyeron los trajes originales de los Cazafantasmas y éstos tuvieron que cambiarlos por los monos de vistosos colores de los dibujos animados; además de que se cuenta la historia de cómo Pegajoso se volvió bueno y se integró al equipo. Del mismo modo, en varios capítulos el Hombre de Malvavisco, el alcalde, Walter Peck, Zuul y el mismo Vigo hacen cameos o apariciones especiales, mientras que en las últimas temporadas Jeanine Melnitz (voces de Laura Summer y Kath Soucie) aparece con el look que tiene en la segunda cinta.

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JOJO RABBIT. Una estrafalaria sátira del nazismo.

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JOJO RABBIT

 

Taika Waititi, 2019

 

Antes de Jojo Rabbit, la única película que había visto del director neozelandés Taika Waititi era Entrevista con unos vampiros (Clement y Waititi, 2014) –que es el infortunado título con el que tradujeron What We Do in the Shadows en nuestro país–; pero debo decir que pocas veces recuerdo haberme divertido tanto con una película. En cuanto vi el trailer de ésta, me llamó la atención y la verdad es que no me ha decepcionado.

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    Las películas de niños en la Segunda Guerra Mundial son un lugar común en el cine; pero creo que Jojo Rabbit logra darle un giro interesante a un tema tratado tantas veces antes.

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    La cinta cuenta la historia de Jojo (Roman Griffin Davis), un niño de diez años que vive en la Alemania del Tercer Reich y es un asiduo fan del Partido Nacional-Socialista; tanto así que su amigo imaginario es el mismo Adolf Hitler (Taika Waititi). Tras fracasar en el entrenamiento con las Juventudes Hitlerianas, Jojo queda recluido en su casa, lo que le permitirá descubrir un impactante secreto sobre su madre y su fallecida hermana que cambiará su forma de ver el mundo para siempre.

    Creo que lo que más me llamó la atención sobre esta película fue la forma magistral en la que se juega con el tono. Pasa de una comedia referencial y satírica a la comedia de slapstick y luego te lleva a un denso melodrama. Y lo hace de forma tan orgánica y tan natural, que uno ni cuenta se da y cuando menos te lo esperas ¡zaz! Ya estás derramando la lagrimita y te quedas con cara de: “¿Qué pasó? ¿Qué no nos estábamos divirtiendo?”

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    Y la película puede hacer esto no sólo por una dirección hábil, sino por las excelentes actuaciones de todos los involucrados. Davis está increíble en su papel de Jojo y logra crear una empatía muy particular con el público. Del mismo modo, Waititi es una caricatura verdaderamente hilarante de Adolf Hitler y el periplo de su personaje, aunque imaginario, se convierte, en un segundo nivel de lectura, en una sátira hecha y derecha del nazismo y de la relación del pueblo alemán con él.

    Por su parte, Scarlett Johansson parece muy empeñada en que se le tome en serio como actriz… de nueva cuenta, al menos, y alejarse un tanto de la imagen de superheroína de blockbusters que el Universo Cinematográfico Marvel le ha dejado; y se luce en pantalla en el papel de Rosie, la madre de Jojo, brindándonos algunos de los momentos más emotivos de la cinta.

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    El guión está bien escrito, aunque el argumento se vuelve predecible. Quizá uno de los puntos más interesantes del guión de Waititi es la forma en la que se aleja diametralmente del material original. Basada muy libremente en la novela de Christine Launens El cielo enjaulado (2004), la adaptación fílmica de la novela retoma apenas la mitad del argumento de ésta y le cambia por completo el tono. El libro es mucho más oscuro y profundamente pesimista, y toca temas como el amor posesivo y la masculinidad tóxica.

    Según podría inferirse por los propios comentarios del guionista/director, Waititi no leyó el libro con demasiada atención y, probablemente, ni siquiera lo terminó. Lo que hizo fue tomar las bases planteadas por éste y sobre ellas construir su propio discurso, permitiendo que su propia personalidad tomara las riendas del relato y convirtiendo la historia en una cosa completamente diferente, pero lo suficientemente similar como para que pudiera reconocerse el referente a partir del cual se construyó la película.

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    Sea como fuere, la obra del neozelandés termina siendo una conmovedora historia de transición de la niñez a la adolescencia y del crecimiento personal que ello implica – lo que es un poco contrario al mensaje del libro–, así como un fuerte estudio sobre la soledad. No por ello se trata de una mala película, por el contrario, creo que es de lo mejor que he visto últimamente; pero quería resaltar el punto de que, como adaptación de la obra literaria es más bien extraña. Podría sumarse a la lista de películas basadas en novelas que, aunque buenas o incluso excelentes, transmiten un mensaje opuesto al de sus fuentes literarias, como podrían ser Desayuno en Tiffany’s (Edwards, 1961) o El Diablo viste a la moda (Frankel, 2006).

    La música es muy buena y las canciones que aparecen en la cinta ayudan a complementar el efecto de la sátira y la comicidad, mientras que las composiciones corales de Michael Giacchino recuerdan muy profundamente a la música proselitista del Tercer Reich.

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    Puedo concluir diciendo que me gustó mucho esta película y es de las pocas con las que se me han salido las lagrimitas en una sala de cine. De hecho, en algún momento, me hizo enojar. Me molesté con la película cuando el tono cambia radicalmente y, después de una comedia de espíritu ligero, la crudeza de la realidad me golpeó con una bofetada a media película. Pero, por supuesto, esto sólo evidencia la relación que la cinta había logrado crear conmigo y eso es muy poderoso.

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    Mel Brooks, creador de Los productores (1967), otra de las grandes sátiras cinematográficas sobre el nazismo, ha elogiado la película.

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PARA LA TRIVIA: Cuando se le preguntó a Taika Waititi, judío de ascendencia maorí, por qué había decidido interpretar a Adolf Hitler, éste contestó que era la mejor forma de dedicarle un “jódete” al Führer.

PARA LA TRIVIA GEEK: Adolf Htiler comenzó a afeitarse el bigote en su forma característica durante la Primera Guerra Mundial, pues su mostacho normal no cabía dentro de la máscara antigases.

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EL FARO. La nueva película de terror del director de “La bruja”.

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EL FARO

The Lighthouse

 

Robert Eggers, 2019

 

Hace casi seis años dirigí el montaje de una obra teatral del Grand Guignol titulada Los guardafaros. En ella, dos guardianes de un faro viven las penurias del aislamiento y la soledad cuando uno de ellos enferma y su sanidad mental comienza a decaer. Cuando me enteré de que habría una película con una premisa harto similar, que sería estelarizada por dos actores que considero buenos y que, además, sería producida por A24 y dirigida por Robert Eggers, creadores de la sensacional La bruja (Eggers, 2015), comencé a esperar con verdaderas ansias el momento de verla.

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     Ahora que por fin la vi, puedo decir que la película no sólo no me ha decepcionado; sino que me gustó mucho.

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    La cinta es, de hecho, un remake de la producción británica del mismo título dirigida por Chris Crow y estrenada en 2016. A su vez, ésta, al igual que la obra teatral, está basada en un caso real conocido como el incidente de Small Island, acaecido en 1801.

     A finales del siglo XIX, en alguna aislada isla en la costa de Nueva Inglaterra, un viejo guardafaros (Willem Dafoe) y su nuevo asistente (Robert Pattinson) inician su turno en un viejo y destartalado faro. La relación entre ambos es poco menos que terrible y los abusos y maltratos hacia el joven aprendiz son constantes. Poco a poco, la soledad y el aislamiento irán haciendo mella en sus mentes y la línea entre la realidad y la fantasía se irá desdibujando cada vez más mientras los demonios del pasado y presente hacen presa en los personajes.

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    Aunque la compañía independiente A24 ha incursionado en prácticamente todos los géneros, el que la ha hecho famosa y el que les ha resultado más redituable ha sido el terror. Y la apuesta de A24, con la cual creo que podría incluso renovar el género, ha sido la de un cine de terror de autor. Producciones anteriores de la compañía como la ya mencionada La bruja y Midsommar (Aster, 2019) dejan esto bastante claro.

    Creo que debo empezar diciendo que la película es poco accesible. Por momentos, creo que podría estar pidiendo demasiado del espectador, pero en realidad no es así. A lo que me refiero es a que esta cinta sí necesita de la atención del público y de su compromiso para poder ser disfrutada plenamente, pues en vez de presentarnos las cosas ya digeridas, nos da sólo sugerencias y guiños, las piezas de un rompecabezas que uno debe armar.

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    Del mismo modo, cabe señalar que ésta es una película de terror. Es decir, la peli trabaja más con la psicología del espectador, es mucho más sutil y mucho más sugerida y, aunque sí hay varios momentos de horror, en realidad son pocos y son la culminación de la atmósfera que se ha ido construyendo a lo largo del relato.

    SPOILER Para quienes estén de acuerdo conmigo acerca de la existencia de un estilo Gótico Americano, esta película más o menos podría entrar en él. La gran diferencia sería que en esta obra el terror viene enteramente de una fuente psicológica en vez de sobrenatural. Sin embargo, el subtexto homoerótico de la película que es, de hecho, lo que finamente le causa terror y conflicto al personaje de Winslow/Thomas alcanza dimensiones que, contextualizando la obra en la época histórica en la que se ambienta, alcanzan un terror profundo. En este sentido, la peli me recordó mucho también a La semana del asesino (de la Iglesia, 1973). TERMINA SPOILER

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    Esta película tiene mucha influencia del cine de Ingmar Bergman y, de hecho, por momentos me recordó a mi película de terror favorita: La hora del lobo (Bergman, 1968). Al igual que en las películas del maestro sueco, el ritmo es lento y parsimonioso; pero resulta eficiente y es el necesario para crear el tono y la atmósfera opresiva y claustrofóbica del relato.

    Además de la obvia referencia a Bergman, la película está plagada de otras referencias. Por ejemplo, un montón de referencias a H.P. Lovecraft y su mitología, a la obra de Mellville y Stevenson y, por momentos, todo el numerito se antoja demasiado similar a Esperando a Godot, la obra de teatro del absurdo de Samuel Beckett. Asimismo, hay un montón de referencias a la mitología griega que resultan deliciosas. SPOILER De hecho, el argumento de la película como tal es una reinterpretación del mito de Prometeo TERMINA SPOILER.

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    Las actuaciones son excelentes y ambos intérpretes tienen, desde lo sutil hasta lo intenso, momentos de verdadera genialidad que los hacen brillar en pantalla y que, la verdad sea dicha, sí me llegaron a poner la piel de gallina.

    La fotografía de la película es una propuesta artística en sí misma. Por principio de cuentas, la cinta fue filmada en blanco y negro, en un radio de 1.19:1, con sonido monoaural y utilizando fotografía en película de 35mm como homenaje a las pelis de la época. Por supuesto, más allá de los aspectos técnicos, la fotografía en esta cinta se convierte en una poderosa herramienta narrativa que utiliza luces, sombras y texturas para crear una atmósfera casi expresionista en la que la perturbada psique de los personajes transforma su entorno.

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    La música, compuesta por Max Korven, es interesante y se aleja del soundtrack tradicional de inspiración wagneriana, usando como único leit motiv una ominosa sirena de niebla.

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    Puedo concluir que me gustó mucho esta película y que logró su objetivo: hubo momentos en los que sí me provocó terror y créanme cuando les digo que soy un hueso duro de roer. Mantiene ese saborcito de trabajo íntimo y personal de su director y, entre las dos obras de éste, no podría atreverme a elegir una como la mejor. Por otro lado, entiendo que una cinta como ésta pueda no resultar atractiva para algunos sectores del público; pero, sin duda, no me cansaré de recomendarla y de afirmar que, al igual que La bruja, probablemente sea de lo mejor que se ha hecho en el cine de terror en los últimos años.

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PARA LA TRIVIA: Todos los edificios que aparecen en pantalla fueron sets construidos para la película. A los vecinos de la locación les gustó tanto el faro de escenografía que muchos de ellos pidieron que lo dejaran ahí después de la filmación; sin embargo, tuvo que ser desmantelado por razones de seguridad.

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STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWALKER. La saga de Skywalker llega a su fin… por ahora.

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STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWALKER

Star Wars: Rise of Skywalker

 

J.J. Abrams, 2019

 

SOBRE EL CANON: Sólo para aclarar que ya me han cambiado tantas veces el canon de Star Wars que he decidido no considerar canon más que lo que se ve en pantalla en las películas.

 

Puedo sin broncas empezar el artículo diciendo que me gustó esta película y que, subjetivamente hablando, la encontré sorprendentemente satisfactoria. Puedo decir también sin reparos que creo que es de lo mejor que ha hecho Disney con la franquicia de Star Wars… y, por desgracia, nada de esto es decir mucho. Digo, me gustan las películas de El Santo. Así pues, Star Wars: el ascenso de Skywalker probablemente sea la mejor película de la trilogía de secuelas; pero aun así es bastante mala. O, como quien dice, estar en la cima de una pila de mierda sigue siendo estar en la cima.

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    En esta película nos enteramos de que el emperador Palpatine (Ian McDiarmid) no está muerto y que ha regresado utilizando sus poderes del Lado Oscuro de la Fuerza para conjurar un enorme ejército que absorberá a la Primera Orden y aplastará de una vez por todas a la cada vez más disminuida Resistencia. Palpatine ordena al Líder Supremo Kylo Ren (Adam Driver) encontrar a Rey (Daisy Ridley) y éste recibirá la ayuda de los Caballeros de Ren. Mientras tanto, Rey se entrena en la Fuerza bajo la tutela de la generala Leia Organa (Carrie Fisher, quien fuera revivida gracias a la magia de los efectos especiales) cuando las tropas Sith lideradas por Palpatine lanzan una invasión a gran escala contra todos los planetas libres. La única forma de detener al Emperador es encontrar el mítico planeta Exegol, en el cual se oculta Palpatine.

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    Así es. Esta trilogía estaba valiendo madres tan catastróficamente que tuvieron que resucitar al villano de la trilogía anterior SPOILER y, de hecho, también regresan de un modo u otro, Lando Calrissian (Billy De Williams), Luke Skywalker (Mark Hamill), Han Solo (Harrison Ford), Wedge Antilles (David Lawson) y las voces de muchos de los jedis de las precuelas TERMINA SPOILER. También en esta entrega por fin retomaron algunos elementos de los comics de Dark Empire (Dark Horse Comics, 1991-1995), que era lo que todos esperábamos desde un inicio; por desgracia, ya es demasiado tarde. Además, creo que los elementos que retoman de esa fuente no son los más afortunados, desde que era adolescente y leí los comics recuerdo haber pensado que eso de que resucitaran a Palpatine era una jalada.

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    En esta cinta se nota que la máxima preocupación era sacar del canon los desatinos de Los últimos Jedi (Johnson, 2017). También le pasa un poco lo que pasó con Star Wars Episodio III: la venganza de los Sith (Lucas, 2005): el ritmo es frenético, la duración es excesiva y el argumento está retacado con un montón de cosas que deberían ser importantes para la historia pero reciben un tratamiento superficial porque se dieron cuenta de que llevaban dos películas perdiendo el tiempo.

    Pero también suceden un par de fenómenos muy interesantes además de los ya mencionados. Por un lado, la película no sólo se contradice a sí misma en varias ocasiones; sino que mucho de lo que en ella se explica y sucede contradice a los dos episodios anteriores, creando un desastre en la ya de por sí accidentada continuidad. Por otro lado, puesto que el planteamiento y desarrollo de los personajes planteado en las cintas anteriores se va al caño, muchas de las acciones y conclusiones de los personajes en esta película parecen completamente sacados de la manga.

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     Del mismo modo, prácticamente todo el guión avanza gracias a un montón de deus ex machina que se antojan de lo más chapucero. Todo se va resolviendo mágicamente gracias a un montón de enormes y convenientes casualidades, y ya los personajes casi ni tienen que hacer nada. SPOILER Incluso la revelación del origen de Rey, predecible a todas luces, termina sintiéndose caprichosa y forzada TERMINA SPOILER.

    Es muy interesante cómo muchas de las líneas argumentales principales que se plantearon desde El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015) no llegan a resoluciones orgánicas, satisfactorias o, para el caso, no llegan a ninguna conclusión en absoluto.

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    Finalmente, la cinta también repite un montón de motivos y situaciones de las películas anteriores; de tal suerte que en vez de sentirse como una secuela y el cierre de una trilogía o, lo que es más, como la conclusión de una saga de nueve películas, se siente como el tercer intento –fallido también– de hacer la misma película. De hecho, durante toda la cinta no pude sacudirme la impresión de que bien pude sin culpas no haber visto las otras dos pelis de la trilogía y lanzarme directamente a ver ésta.

    Eso sí, esta cinta es una continuación mucho más directa, aunque muy poco orgánica, de El regreso del Jedi (Marqueand, 1983) que El despertar de la Fuerza. Y, por cierto, también se piratea un montón de cosas del sexto episodio de la saga. El último acto de la peli parece una especie de El regreso del Jedi en esteroides.

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    Lo que sí es que el guión es un verdadero desastre. La anécdota es rebuscada y poco clara y los diálogos son increíblemente acartonados y poco orgánicos. No todos los personajes tienen malos parlamentos, eso sí; pero creo que sí la mayoría.

     También es muy sabido que la cinta tuvo un accidentado proceso de postproducción, lleno de reshoots y cambios de última hora, y que, como tal, el corte definitivo de la cinta no estuvo listo sino hasta el cuarto para las doce. Y se nota. El montaje de la película es atropellado y está lleno de cortes duros y saltos en la narrativa que hacen parecer que a la película la cortaron a machetazos. Quizá debieron retrasar el estreno para trabajar un poco más en la cinta; pero no, también se notaba la premura para exhibirla.

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     Con un guión malo y una edición tan desprolija –que, según se rumora, dejó fuera muchas escenas de Rose Tico (Kelly Marie Tran) que ya habían sido filmadas–, hay partes fundamentales del relato que no quedan claras. SPOILER Por ejemplo, buena suerte si tratan entender la muerte de Kylo Ren, la desaparición del cuerpo de Leia y la relación entre ambas TERMINA SPOILER.

    De hecho, se nota muchísimo la falta de fe que la Casa del Ratón tenía para con esta cinta. Fue muy notorio que Disney se dio cuenta de que la cagó con Star Wars y, tras las desastrosas proyecciones de ingresos de taquilla de El ascenso de Skywalker, decidieran concentrar sus esfuerzos en proyectos más redituables. Quiero decir, ¿notaron que Frozen II (Buck y Lee, 2019) recibió mucha más difusión que El ascenso de Skywalker? ¿Notaron que, desde hace seis meses, salvo contadas excepciones, casi no hay figuras de Star Wars en las jugueterías? ¿Notaron que no hubo una línea de figuras de acción de 3.75” exclusiva para El ascenso…? Disney dejó morir sola a la película en las salas de cine.

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     Pero no todo fue malo. La cinta tiene algunos puntos rescatables. Como, por ejemplo, en algunas escenas las actuaciones, particularmente de Ridley, Driver y Boyega están bastante bien… en la mayoría de la película no, pero hay un par de escenas donde funcionan muy bien.

    Por cierto que Anthony Daniels ya se escucha muy cansado.

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    También debo reconocer que, en su mayoría, las escenas de acción están bastante bien logradas. La carrera en el desierto me pareció emocionante y el ataque a Exegol está bien… digo, básicamente es un remake del ataque a la segunda Estrella de la Muerte.

    Otra cosa que me gustó mucho de la peli fue el tono. Aunque los realizadores pudieron haber tenido una aproximación menos tímida a él, el tono oscuro y un poco más maduro de esta película me agradó bastante.

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    Lo que sí me encantó de la película fueron los efectos especiales, particularmente para la creación de criaturas y personajes, pues utilizaron puppets y personajes animatrónicos en vez de personajes completamente CGI. Del mismo modo, casi todo lo que pudo ser filmado en locación o set, se hizo de tal forma, reduciendo al mínimo la utilización de escenarios virtuales. Incluso muchas tomas fueron logradas utilizando maquetas y modelos a escala.

    Hay un debate actualmente sobre cuál película de la Trilogía de Disney es peor: si Los últimos Jedi o ésta. Aunque me inclino por la primera, debo decir que no está muy lejos de la cagada de Rian Johnson –analizándolo fríamente, la bronca de Johnson con la franquicia fue de ego, no de técnica–. Técnicamente, creo que Los últimos Jedi es superior; pero a nivel anécdota, tono y tratamiento, prefiero El ascenso de Skywalker. Y sí, me gustó la película; pero soy el primero en reconocer que es bastante mala y que quizá sólo me gustó porque no era Los últimos Jedi y porque mis expectativas eran extremadamente bajas. La única diferencia sustancial que pude percibir fue que Los últimos Jedi me costó trabajo terminarla y ésta no tanto.

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     En general, la Trilogía de Secuelas parece más bien la de los palos de ciego. En las tres películas se nota una falta de dirección y de propuesta y que los realizadores no tenían claro hacia dónde querían llevar la historia y sólo estaban haciendo las películas por hacerlas. Quizá el error estuvo en que Disney quiso tratar estas películas como parte de un universo que se interconectaría con otras, como la hiciera con el Universo Cinematográfico Marvel, y no como una trilogía que sirviera de columna vertebral para dicho universo. Las precuelas también eran malas; pero al menos Lucas sabía qué historia quería contar.

     Quizá ya lo había comentado anteriormente; pero lo repetiré: gran parte de lo que hizo Disney con Star Wars fue quitarle lo especial. Antes, cada una de estas películas era todo un acontecimiento; ahora sabemos que va a salir una cada año y cada una nos irá importando menos que la anterior. La serie de streaming The Mandalorian está conquistando a la fanaticada y a la crítica por igual, y está marcando el rumbo que debería seguir la saga –también confirma otra cosa que ya había yo mencionado: que Star Wars no funciona fuera del tiempo de la trilogía original–; pero ¿Qué le deparará el futuro al cuento de espadas y hechizos en el espacio en la pantalla grande? Nebuloso el futuro es.

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    Pensamiento random: es curioso que en once películas jamás hayamos visto una batalla subacuática además de esa persecución sin sentido del Episodio I (Lucas, 1999)…

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    Y no, éste no es un final digno para la saga; pero por lo menos trata de complacer a los fans y, como diría Marge Simpson: “Es un final y basta”.

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PARA LA TRIVIA: El despertar de la Fuerza giraba en torno a Han Solo, mientras que Los últimos Jedi se centraba en el personaje de Luk Skywalker. La idea original era que esta cinta tomara como personaje principal a Leia; pero esto no pudo concretarse debido a la muerte de la actriz Carrie Fisher en 2016.

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TERMINATOR: DESTINO OCULTO. Que siempre no nos salvamos de la dominación de las máquinas…

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TERMINATOR: DESTINO OCULTO

Terminator: Dark Fate

 

Tim Miller, 2019

Una de las grandes ventajas de tener una franquicia de películas cuyo hilo conductor son los viajes en el tiempo es que puedes reescribir el canon constantemente. Por otro lado, una de las grandes desventajas de tener una franquicia de películas cuyo hilo conductor son los viajes en el tiempo es que puedes reescribir el canon constantemente. En el caso de la saga Terminator, pareciera que cada secuela después de la segunda película fuera un reboot o un spi-off, pues tienden a desechar los eventos de las películas anteriores en un ejercicio que, a la postre, comienza a antojárseme francamente ocioso. A final de cuentas, con cada entrega, mi interés mengua, pues casi sé de cierto que en la siguiente cinta resultará que eso no sucedió o que sucedió otra cosa que invalida lo visto en cada peli o que se trata de una línea temporal alterna.

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    El quid de esta franquicia reside en que el argumento se agotó en la segunda película. El argumento de ésta que, dicho sea de paso, es una de las mejores secuelas en la historia del cine, está planteado de tal forma que no acepta continuaciones. Cada nueva película introduce elementos nuevos que se volvieron redundantes hace mucho tiempo. Digo, viéndolo fríamente, el villano más poderoso de la saga apareció en la segunda cinta y los nuevos poderes de cada nuevo antagonista son simples variaciones sobre el mismo tema.

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    Empero, la verdad es que sí siento una marcada afición por estas películas, así que me lancé a ver la última. Ésta bien podría ser la mejor secuela de la franquicia desde aquella apoteósica segunda parte.

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    En Terminator: Destino oculto se cuenta la historia de Dani Ramos (Natalia Reyes), una empleada en una maquiladora de la Ciudad de México (que, según la peli, está ubicada como a dos horas de la frontera con EE.UU.) que es perseguida por un imparable exterminador modelo REV-9 (Gabriel Luna), pues se convertirá en una figura clave para la guerra contra las máquinas en el año 2040. Para defender a Dani, la guerrera biónica Grace (Mackenzie Davis) es enviada a nuestra época; pero recibirá la inesperada ayuda de Sarah Connor (regresa Linda Hamilton a la saga después de 28 años), quien se ha convertido en una cazadora de exterminadores tras la muerte de su hijo John Connor en 1997. Pronto, las tres mujeres descubrirán que no hay escape: deben destruir al exterminador que no sólo tiene el poder de transformarse en quien él desee, sino también de separar su cuerpo de metal líquido de su endoesqueleto robótico.

    Como puede advertirse, esta peli es una continuación directa de Terminator 2: el Juicio Final (Cameron, 1991), y cuenta con el regreso a la saga de James Cameron como productor y de Linda Hamilton y Arnold Schwarzenegger repitiendo sus papeles originales.

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    Creo que una idea súper interesante que siempre ha estado latente en el universo de Terminator y que nunca se ha explotado sería la de un planteamiento en el que Sarah Connor esté desaparecida y una Terminatrix se haga pasar por ella para llegar a un John Connor adolescente…, pero claro, ésa es mi propuesta de argumento para una película de Terminator que, lo más probable, es que nunca haga.

    El guión es decente, aunque está lleno de huecos cuyas explicaciones nunca llegan o de plano son irrisorias. SPOILER Al igual que en la película anterior, Genisys (Taylor, 2015), la idea del T-800 envejeciendo y llevando una vida normal entre los seres humanos no termina de convencerme… digo, en esta peli incluso tiene un perro como mascota, cuando en la primera película de la saga se estableció que los perros podían detectar a los exterminadores… ya sé que la escena sirve para mostrar a Connor qué tan humano se ha vuelto el exterminador, pero igual no acaba de cuajar para mí TERMINA SPOILER. A fin de cuentas, la cinta termina siendo más de lo mismo: un grupo de guerrilleros que intenta escapar de un cyborg asesino para salvar el futuro de la humanidad… pero esta vez ambientada durante la mitad de la película en México y tratando temas como la migración, la inclusión y el empoderamiento femenino –que sobre esto último trataban las primeras dos–.

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    Los diálogos están bien y, aunque se incluyen varios chistes –algunos de los cuales de plano no caen–, se aleja por completo del tono casi de parodia de la tercera y quinta partes y, como se ha vuelto la norma en esta década, trata de explotar al máximo el factor nostalgia. Se agradece, eso sí, que buscaran actores latinos que sí hablan español, aunque a otros los doblaron. Eso sí: se supone que Dani es mexicana y, sin embargo, la actriz que la interpreta es colombiana.

    La dirección está bien y hay algunas escenas de acción súper bien logradas, creando una película de acción bastante entretenida que lo mantiene a uno atento a la pantalla e interesado en la misma historia que se nos ha contado una y otra vez.

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    Las actuaciones son buenas, destacan sobre todo Hamilton y Reyes, quienes son las que llevan la película. Davis está muy bien en su papel de Grace y tiene algunos momentos verdaderamente buenos en pantalla. Por su parte, Schwarzenegger hace lo propio, brindando ciertos matices y sutilezas al mostrar la evolución de un personaje que, a priori, no admitiría tal profundidad –es poca, pues, pero la idea es que ahí está–. Quizá el más flojo es Gabriel Luna cuyo personaje, aunque debe ser lacónico e inexpresivo, lejos está de ser tan impresionante como lo fueran en su momento el propio Arnold o Robert Patrick. Los villanos poco interesantes han sido también una tendencia en el cine de acción de esta década.

    Los efectos visuales son muy disparejos. Mientras que las versiones rejuvenecidas digitalmente de Schwarzenegger, Hamilton y Furlong lo dejan a uno con la boca abierta, hay secuencias donde el CGI sí se ve de lo más chafón. La pelea entre REV-9 y Grace en la maquiladora casi parece de videojuego de GameCube.

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    Otra cosa con la que de plano no puedo es con su música. Al más puro estilo de dibujo animado de Speedy Gonzalez, el soundtrack, creación de Junkie XL, está compuesto en gran medida por melodías de guitarra acústica con un sonidito flamenco, porque, claro, ése es el sonido representativo de México. Incluso, durante varios momentos pueden apreciarse variaciones del tema de Terminator con este instrumento. Digo, no era para que las hicieran con mariachi, pero no mamen.

   De hecho, aunque la peli está ambientada en México, las locaciones que supuestamente se encuentran en nuestro país fueron filmadas en su totalidad en España… si hasta me sorprendió que no le pusieran a toda la película ese filtro ambarino con el que los gringos creen que se ve México.

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    Terminator: destino oculto es una buena secuela de la saga, por desgracia, creo que llega demasiado tarde y en un momento en el que su aportación al argumento general de la franquicia resulta prácticamente intrascendente. Es entretenida, funciona bien durante su mayor parte; pero no puedo quitarme la sensación de que es en realidad bastante innecesaria y que bien pude no haberla visto.

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    Y, de hecho, creo que la mayor parte del público coincide con mi opinión, pues la cinta ya se dio un encontronazo con la taquilla: en EE.UU., durante su fin de semana de estreno, la peli no logró recaudar ni 30 millones de dólares y, en el mercado internacional –que, seamos honestos, fue su Target Audience– apenas reunió poco más de 123 millones, fallando así en recuperar su presupuesto de 185 millones de dólares.

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    Al salir del cine, no pude evitar preguntarme: en la época en la que vivimos alienados por los dispositivos móviles ¿alguien realmente sentirá como una amenaza la esclavización de los humanos por parte de las máquinas?

PARA LA TRIVIA: El número telefónico de Carl’s Drapery impreso en el costado de su van es 888-512-1984. Esto hace referencia a la fecha en la que el primer Terminator llega al pasado: 12 de mayo de 1984.

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DUNAS. La ambiciosa obra de Sci-Fi que se convirtió en película de culto.

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DUNAS

Dune

 

David Lynch, 1984

Existen varias versiones de esta película, pero las más populares son el corte original para cine, con 137 minutos de duración y la Edición Extendida, que es una reedición del corte para televisión transmitido en 1988 con 177 minutos. En esta edición, el nombre de Lynch fue retirado de los créditos y sustituido con el recurso Alan Smithee[1]. Las diferencias son sustanciales. Además de los 40 minutos extra de escenas reinsertadas y recicladas, la edición extendida incluye un prólogo de imágenes fijas narrado por José Ferrer, además de muchos monólogos en voz en off que no están presentes en la edición original. Este artículo se enfoca en la Edición Extendida.

En 1965 la revista de Ciencia Ficción Analog publicó en dos partes la novela Dune del autor estadounidense Frank Herbert. Mezcla de thriller político, panfleto ecológico, Space Opera y novela de Ciencia Ficción dura, gozó de suma popularidad y fue publicada en formato de libro. Desde entonces, la novela se ha convertido en un referente obligado del Sci-Fi, ha generado varias secuelas, precuelas, una película y su línea de figuras de acción alusiva, dos miniseries para televisión, juegos de mesa, varios videojuegos (Dune II [Westwood Studios, 1992] es la base de los videojuegos de estrategia en tiempo real) y, próximamente, una nueva adaptación cinematográfica de la mano del director Denis Villeneuve.

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    La película relata, en forma más que atropellada, la historia del joven Paul Atreides (Kyle MacLachlan), noble heredero del planeta Caladan, quien junto con su familia se muda al planeta desértico Arrakis –llamado Dune por los nativos–. Dune es el único planeta del Imperio del que puede extraerse la especia conocida como Melange, que es indispensable para viajar por el espacio. Sin embargo, la casa rival de los Atreides, los Harkonnen, invade Dune y derroca al gobierno del duque Leto Atreides (Jürgen Prochnov), dejando a Paul desamparado. Paul, quien podría ser el mítico Kwisatz Haderach (un súper ser logrado a través de la manipulación de los linajes familiares por la hermandad de monjas Bene Gesserit), liderará la rebelión de los fremen, habitantes nativos de Dune, contra la usurpación Harkonnen.

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    El proyecto para adaptar Dune a la pantalla grande surgió en 1971, cuando el productor Arthut P. Jacobs aseguró los derechos de la novela; pero falleció antes de poder empezar a desarrollar el proyecto.

    Más tarde, en 1974 Jean-Paul Gibon consiguió los derechos para el timador profesional Alejandro Jodorowsky, quien pretendía dirigir la película desde años atrás, y el productor Michel Seydoux. La cinta contaría con el diseño de arte de Moebius, Chris Fross y un novel H.R. Giger; y se esperaba que al elenco se integraran personalidades como Orson Welles, Salvador Dalí, Mick Jagger y David Carradine, así como que parte de la música fuera compuesta por Pink Floyd.

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    Tras cinco años de trabajo y un montón de puertas que se cerraban unas tras otras, la película se proyectaba como demasiado costosa y las casas productoras temían la falta de atractivo comercial de Jodorowski, por lo que el proyecto fue cancelado.

    En 1976, los derechos fueron comprados por el productor italiano Dino De Laurentiis, quien encargó a Frank Herbert que escribiera un nuevo guión en 1978, mismo que resultó demasiado largo para el gusto del productor. En 1979 De Laurentiis entonces comisionó al escritor Rudy Wurtlitzer para escribir una tercera versión del guión, que sería dirigida por Ridley Scott.

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    El director británico estaba emocionado con el proyecto, pues le permitiría expandir lo que había logrado con Alien, el octavo pasajero (1979). De hecho, la primera vez que el guión de Blade Runner (Scott, 1982) llegó a manos de Scott, éste lo rechazó, pues prefería dedicarse a Dune. Sin embargo, Scott encontró sendas dificultades para adaptar el guión, mismo que reescribió dos tres veces –su idea era dividir la novela en dos películas–. Tales dificultades, aunadas a las limitaciones de presupuesto y del estudio, y a sus propios problemas personales –la depresión que le ocasionó la muerte de su hermano mayor–, derivaron en que decidiera abandonar la empresa.

    En 1981 los derechos de Dune estaban por expirar. De Laurentiis, teniendo la idea de filmar una trilogía que fuera una especie de Star Wars (Lucas, 1977) para adultos, renegoció el contrato con Herbert y, para asegurarse de que el escritor aceptara, ofreció comprar los derechos para filmar también las secuelas. Impresionada por el trabajo de David Lynch en El hombre elefante (1980), Raffaella de Laurentiis, productora hija de Dino, contrató al director para dirigir y escribir la película.

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    Lynch nunca leyó la novela de Herbert ni conocía la historia o tenía interés alguno por la ciencia ficción; pero aceptó de todos modos. El director escribió siete tratamientos del guión hasta llegar a la versión definitiva de 135 páginas, que empezaría a filmarse primavera de 1983.

    La película fue filmada enteramente en México con un presupuesto de 40 millones de dólares y una producción que, entre fotografía principal y fotografía de efectos especiales, se extendió durante un año. Se construyeron 80 sets en los Estudios Churubusco de la Ciudad de México para las tomas en interiores, mientras que las escenas en la superficie de Dune fueron filmadas en locación en los Médanos de Samalayuca, Chihuahua.

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    El resultado fue un corte de casi cinco horas de duración que tuvo que ser recortado drásticamente e incluso algunas escenas fueron regrabadas para agilizar la narrativa. Fue idea de Dino y Raffaella incluir los infames monólogos en off que sobreexplican a los personajes y sus acciones. Lynch no tuvo derecho a participar en el corte final de la cinta.

    La película fue estrenada el 14 de diciembre de 1984 en los EE.UU. y apenas alcanzó a acumular poco más de 6 millones de dólares en su fin de semana de estreno y 30 millones en su corrida inicial en todo el mundo, convirtiéndola en un estrepitoso fracaso de taquilla. La cinta fue además vapuleada por la crítica y, en la actualidad, el mismo Lynch evita hablar sobre la cinta en entrevistas, refiriéndose a ella como un error.

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    El crítico de cine Gene Siskel la llamó “la mayor decepción del año”, “físicamente fea”, que presentaba “algunos efectos especiales baratos… sorprendentemente baratos”[2] y “una asquerosidad ininteligible”. Del mismo modo, Roger Ebert comentó: “una de las cosas más tristes es que esta película no brinda ningún tipo de entretenimiento, ni siquiera al nivel de admirar los efectos especiales o las cosas maravillosas que se supone pasan en pantalla”[3].

    Aunque argumentalmente la cinta es bastante fiel al libro, la verdad es que logra hacer de un argumento con muchísimo potencial una narración superficial y aburrida. Personalmente, me parece que el gran fallo de la película es que, debido a sus limitantes, es difícil que uno agarre la onda de qué va si no ha leído la novela, y si la leyó, entonces se da cuenta del tratamiento frívolo y poco hábil que hace del material original.

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    El guión es innecesariamente confuso, rebuscado e increíblemente redundante; incluso por momentos parece que la propia película se rinde al tratar de contar una anécdota llena de personajes torpemente dibujados y que pierde el tiempo repitiendo los mismos conceptos una y otra vez cuando escenas clave de la narración están ausentes. Además, todos los diálogos y la narrativa son increíblemente poco orgánicos.

    Las actuaciones son terriblemente disparejas. Algunas están bien; por ejemplo, Kyle MacLachlan, quien empieza con un rostro suave y, conforme se convierte en un líder guerrillero, se va endureciendo sutilmente… pero que de repente le da en la torre a la progresión del personaje vomitando parlamentos tan sobreactuados que dan risa. También Kenneth McMillan, en su interpretación del barón Vladimir Harkonnen, tiene algunos momentos de genialidad; pero en general se le ve sobreactuado al punto de lo caricaturesco. Sting, con su aparente incapacidad de articular dos palabras, hace a un Feyd Rautha completamente inverosímil; y actores como Patrick Stewart o Max Von Sydow, a quienes se les nota que estaban haciendo su mayor esfuerzo a pesar de estarse peleando con el guión, y Sean Young están imperdonablemente desperdiciados.

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    La dirección es… la dirección es… ¿Qué carajos es eso? Digo, se nota el trabajo de Lynch con los actores, se nota el esfuerzo que el director puso en visualizar las características culturales de cada una de las civilizaciones involucradas en el relato, se nota la mano de Lynch en el tono y el ritmo de la narración… pero también se notan las limitantes del estudio, se nota la disparidad en el trabajo de algunas escenas en comparación con otras, se notan las manotas de DeLaurentiis en varias secuencias tratando de hacer un producto comercial más accesible para el mainstream. Pero, sobre todo, se nota la incomodidad de Lynch al tratar de sacar un proyecto que no le gustaba y que se dio cuenta de ello demasiado tarde –la misma Young menciona que Lynch sentía que estaba dirigiendo “un barco hundiéndose”–. Algunas escenas están trabajadas al punto del preciosismo, mientras que en otras se nota una enorme pereza. Casi pareciera que Lynch intentó autosabotearse con la dirección de esta cinta.

    Quizá el elemento más rescatable de esta peli es el diseño de arte… que también es horriblemente disparejo. Aunque finalmente los diseños originales del proyecto de Jodorowsky no fueron utilizados, se nota que muchos de los diseños finales retomaron ideas de los artistas que los produjeron. La mano de Giger puede verse claramente en los interiores del palacio de Caladan, en los uniformes de los miembros de la CHOAM –que siempre me han parecido más adecuados para los Harkonnen–, los destiltrajes –que la idea está perrona y fueron modelados a medida para los actores, aunque poco tienen que ver con lo que se describe en los libros–, los extractores de especia y un par de exteriores en Giedi Prime; mientras que las ideas de Moebius trascienden en el diseño de casi todas las naves, particularmente las de las tropas Harkonnen. Y luego, por otro lado, hay diseños verdaderamente horribles, como el de los ornitópteros –parecen cartoncitos de leche, la verdad–, el exterior del palacio de Arrakeen, los uniformes de los sardaukar, casi toda la utilería –el Gom Jabbar da pena– o la mayoría de los exteriores de Giedi Prime.

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    Algunos diseños de vestuario son geniales, como el de las monjas Bene Gesserit –la reverenda madre Gaius Hellen Mohiam (Siân Phillips) se ve increíble–, los uniformes de Rabban (Paul L. Smith) y Feyd o los trajes del Barón Harkonnen. Sin embargo, otros, como el del emperador padishah Shaddam IV (José Ferrer) o prácticamente cualquiera de los uniformes de los Atreides son increíblemente anodinos.

    La fotografía podría definirla simplemente como inadecuada. Es lastimoso ver cómo para esta película se construyeron sets verdaderamente fastuosos que, gracias a una fotografía poco hábil, desmerecen por completo –y, nuevamente con la disparidad, la mayoría de los primeros planos se ven espectaculares–. Mal iluminados, estos escenarios se ven como eso: como escenarios construidos para una película y en ningún momento parecieran lugares reales en los que habita gente –el interior de las cuevas se nota que es de cartón, por favor–. De verdad, a diferencia de muchos otros elementos de la película, no es que sean feos per se, simplemente, no supieron utilizarlos. No sólo están mal fotografiados; sino que la narrativa hace muy poco para sacarles partido. Lo más triste del asunto es que el director de fotografía fue Freddie Francis, un verdadero veterano de la cinematografía.

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    La fotografía de miniaturas es extraña. Me refiero a que, en general, las miniaturas que pueden verse sobre la superficie de Dune se ven bastante bien; pero todo aquello que sucede a más de un metro del suelo se ve falso y, como ya lo dijera Siskel, feo. Del mismo modo, nunca puede verse una verdadera integración entre las tomas de efectos especiales y las tomas de acción en vivo, logrando que, lo que en principio no se veía tan mal, resulte de lo más falso en pantalla. Incluso los gusanos de arena, creaciones del artista de efectos especiales Carlo Rambaldi –creador, entre otros, de las botargas del xenomorfo en Alien, el octavo pasajero y E.T en E.T., el extraterrestre (Spielberg, 1982)–, se ven padres… mientras no haya inserts o cortes a los actores… y esa escena de Paul cabalgando al Shai-hulud está de risa loca.

    La música está bien… a secas. Los temas compuestos por la banda TOTO –quienes hacen un cameo como parte de los comandos fedaykin– y por el músico Brian Eno, no logran acoplarse a la película y, desde mi muy particular punto de vista, creo que tienen apenas un par de leit motivs interesantes, mientras que el resto apenas si es más que ruido. De hecho, pareciera como si el tema principal de la cinta estuviese repitiéndose en un loop infinito desde el inicio hasta que corren los créditos finales.

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    A final de cuentas, creo que Dunas puede clasificarse como uno de los más grandes fracasos en la historia del cine y esto es una verdadera desgracia. Toda la película se siente como una oportunidad desperdiciada tras otra que, en conjunto, pudieron haber sido una de las más grandes pelis del siglo XX. Toda la cinta lo deja a uno con la inquietud de lo que pudo haber sido y, por desgracia, casi de manera invariable, lo que uno se imagina, por muy modesto que sea, suele superar a lo que finalmente se vio en pantalla. Es incluso triste ver cómo una producción en la que tanta gente puso tanto empeño y en la que la relación del director con los actores fue tan fraterna, se fue a pique.

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    Amo la novela y nunca me ha gustado la película. Aun así, poseo por lo menos tres versiones en DVD y Blu-ray de esta cinta en mi videoteca. No sé por qué. Quizá espero que en alguna de esas versiones algo mejore. Quizá sólo trato de rendir homenaje a una empresa tan ambiciosa que, a la postre, resultó irrealizable. Quizá, a pesar de lo cutre de todo el asunto, en el fondo no puedo dejar de sentir que la película no está exenta de cierto atractivo. A pesar de que la miniserie de TV producida por Sci-Fi Channel (2000) está más apegada a lo escrito por Herbert, prefiero la película, nada más por la cuestión del diseño de arte.

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    Y sí, por supuesto, estoy ansioso de ver la película de Dune dirigida por Dnnis Villeneuve a estrenarse el próximo año.

PARA LA TRIVIA: Las escenas de las naves Atreides y Harkonnen aterrizando en Dune fueron filmadas en el estacionamiento del Estadio Azteca por el artista de miniaturas Emilio Ruiz del Río, utilizando modelos y muñecos a escala en combinación con actores en vivo con una técnica de la vieja escuela conocida como Perspectiva Forzada.

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[1] Alan Smithee y sus variantes era el seudónimo oficial que utilizaban los directores de Hollywood cuando, tras apelar al Director’s Guild of America, decidían desligarse de alguna película que creían que podría dañar su imagen o su carrera profesional.

[2] Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=dUvn1kU31cs, la traducción es mía.

[3] Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=xa-0v4o86wo, traducción mía.

GUASÓN. Todo mundo ama a un payaso.

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GUASÓN

Joker

 

Todd Phillips, 2019

Con frecuencia, uno de los grandes fallos al hacer una película de origen de algún villano es que la cinta se convierte en una apología de dicho personaje y termina humanizando al monstruo. Descubrimos que sí, que quizá sea malvado; pero que hay una razón para ello porque tuvo una infancia terrible o el mundo lo trató mal. De tal suerte, al tratar de explicar el origen de la maldad de un villano, se traiciona su esencia. En Guasón, la peli que cuenta el origen del archienemigo de Batman, a pesar de que estos elementos son factores determinantes en la construcción del personaje, no se comete tal error.

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    De hecho, creo que parte de la genialidad del Guasón de Nolan/Ledger estuvo precisamente en que jamás se explicó su origen; sino que simplemente aparecía como un elemento disruptivo de la sociedad, un precursor del caos… una especie de Loki posmoderno si se quiere.

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    La historia, ambientada en una Ciudad Gótica convulsionada por la desigualdad social –que en esta iteración se sobreentiende que es una analogía de Nueva York–  a finales de la década de 1970, narra la historia de Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un enfermo mental que vive en la miseria y sueña con ser comediante. La vida de Fleck, quien cohabita un diminuto apartamento con su madre enferma, no es fácil: marginado por la sociedad y maltratado por sus miembros, sufre además de una condición psiquiátrica que le provoca carcajadas incontrolables. Gracias a un infortunado evento, Fleck encontrará la válvula de escape perfecta para desahogar la frustración y el odio de su atribulada psique, influyendo de una manera impensada en la sociedad de Gótica.

   La verdad es que hace como un año, cuando se anunció esta película, me sentí francamente escéptico. Pensé que, en nuestro mercado actual, sobresaturado de películas de superhéroes, ésta sería sólo una más del montón; una visión frívola y superficial de un personaje popular que simplemente quería subirse al tren del mame… digo, mi referente de películas de supervillanos era Escuadrón Suicida (Ayer, 2016).

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    Sin embargo, conforme fui viendo avances de la cinta, comencé a interesarme por ella y, ahora que finalmente pude verla, me siento gratamente sorprendido, por no decir sobrecogido.

    Quizá el primer elemento que salta a la vista en esta película es la actuación. Joaquin Phoenix en su papel del Príncipe Payaso del Crimen está simplemente fenomenal. La interpretación de Phoenix, quien desde siempre me ha asombrado con su trabajo, es algo que debe verse. Me parece muy interesante el que el actor agarra por los cuernos a un personaje cuyo background tiene tanto en común con él y nos entrega la que, a la fecha, es la interpretación más realista del personaje. El Guasón de Phoenix bebe de muchas fuentes, tanto reales como ficticias; pero, sobre todo, me gustó que la base sobre la cual parece haber construido la risa del personaje es la interpretación de Mark Hamill –quien sigue siendo mi Guasón favorito–. Además, Phoenix observó a la risa de pacientes psiquiátricos para darle verosimilitud a dicho elemento. Sutilmente, Phoenix nos lleva por el descenso del personaje en un estudio de carácter que compone un retrato sórdido y oscuro, un viaje del que sabemos que no hay retorno en el que la máscara del monstruo que intentó vivir entre los humanos se resquebraja cada vez más hasta desvelar su verdadera naturaleza.

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    Cuando en este blog hablé sobre Escuadrón Suicida, recuerdo haber mencionado que el planteamiento del personaje del Guasón estaba mal, pues necesitaba forzosamente de la deformidad física para darle un anclaje. Phoenix me ha demostrado que estaba equivocado. No es que Jared Leto sea mal actor en absoluto –su calidad histriónica es inconstante, en todo caso–, es que todo en aquella película estaba mal. Empero, el obstáculo que el Joker de Leto no pudo librar, Phoenix lo convierte en el escalón para elevar el personaje y termina echándose un tète a tète con Robert DeNiro.

    En realidad, las actuaciones de todos están muy bien pero, por supuesto, sobresale la de Phoenix.

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    El guión también es muy bueno y para el tratamiento de la historia retoma la narrativa y temas tanto de la novela naturalista como elementos del Teatro de la Crueldad. La descomposición social de la Ciudad Gótica mostrada en la película no sólo es un reflejo del estado de ánimo del personaje principal; sino que está basada en el colapso de la Ciudad de Nueva York a mediados del siglo XX, que sufrió una huelga de recolectores de basura en 1968, una huelga del Departamento de Policía en 1971 y gran cantidad de manifestaciones violentas, motines y disturbios, particularmente en las zonas de Harlem y El Barrio a finales de los 60.

    Por momentos, la película parece una mezcla de Taxi Driver (Scorsese, 1976), su principal influencia y a la que se la pasa haciendo referencias y Watchmen: los vigilantes (Snyder, 2009), porque las escenas de trifulcas con música popular de época son una apuesta segura.

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    Por supuesto, la crítica y el discurso social de la película son súper importantes; pero hay un elemento clave que no se debe pasar de largo: SPOILER Arthur Fleck ya estaba desequilibrado antes de que la sociedad lo volviera un paria. En la cinta no es la sociedad quien crea al Guasón; sino que se trata del caldo de cultivo en el cual un criminal como él puede prosperar y gozar de la indulgencia e incluso de la idolatría de la ciudadanía. TERMINA SPOILER

    La fotografía es excelente y se vuelve también una exteriorización del conflicto interno del personaje central –otro, un monstruo que trata de aferrarse a su ilusión de humanidad–, creando una atmósfera de sordidez y soledad que resalta los claroscuros, texturas y relieves de una ciudad desconchada y una sociedad que se cae a pedazos. La narrativa visual utiliza muchos primeros planos intentando exponer la psicología del personaje y toma prestados muchos elementos del cine europeo “de arte”.

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    Muchos críticos acusan a la cinta de apropiarse de elementos del “Cine de Autor”; pero creo que esto es un oxímoron… quiero decir, si hay un canon predefinido de la estética del Cine de Autor, entonces ya no sería De Autor, ¿cierto?

    Del mismo modo, la música ambiental crea una atmósfera rica y desoladora que apoya a la narración. Por momentos, toma como leit motiv la canción Send in the Clowns, que se vuelve una especie de irónico tema de la película. Otro tema de Sinatra también incluido es That’s Life, que no sólo sirve como contrapunto, sino que incluso da título al ficticio programa de TV de Murray Franklin (DeNiro). Se agradece que la peli no cayera en la obviedad de usar Vesti la Giubba… aunque yo sí me quedé con la espinita de que sonara Everybody Loves a Clown.

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   La cinta tiene algunos fallos y huecos argumentales, claro. SPOILERS Por principio de cuentas, está el planteamiento cronológico que, independientemente de la calidad de la serie, fue lo que me alejó de ver Gotham (2014-2019): si el Guasón tiene más de 30 años cuando Bruce Wayne (Dante Pereira-Olson) es un niño… ¿eso no significaría que en realidad Batman se dedica a partirle la madre a un hombre mayor? Y cuando Fleck mata a tiros a los yuppies que lo molestan en el Metro ¿cuántas balas tenía el revólver? Y me pareció francamente barato el montaje en el que se explica que la relación de Fleck con su vecina era una simple alucinación TERMINAN SPOILERS. Sin embargo, me parece que estos elementos son una peccata minuta en el conjunto de una película que, por lo demás, está muy bien lograda.

    En los últimos días, mientras escribía este texto, me he paseado por otros blogs y críticas que se han dedicado a denostar la película. Los autores de estos textos parece que quieren jugar a El traje nuevo del emperador y, en la mesiánica superioridad intelectual que demuestra automáticamente quien nada contra corriente, tratan de forzarnos a descubrir la estafa que es esta cinta. “Película de superhéroes disfrazada de cine de autor” o “[película] pretenciosa que no logra trascender el cine basado en cómics” son algunos de los epítetos que me he encontrado. Que Joaquin Phoenix “está sobreactuado y no puede interpretar más que a Joaquin Phoenix”, que “no pude sentir empatía por nadie en esta película”, que “el personaje es unidimensional” son algunos de los argumentos –a mi parecer, falaces– con los que, buscando hasta debajo de las piedras, los críticos de la red que han superado el estado ovino del resto de los cinéfilos mortales han intentado descalificar a la película.

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    Perdón, colegas, pero si el Guasón no está sobreactuado, entonces francamente no sé qué personaje sea; el personaje es un personaje tipo, sí, pero no por eso debe carecer de profundidad; y usted está viendo un drama, no un melodrama, por lo que no es necesario que sienta empatía por nadie, y si me equivoco, que venga O’Neill y me desmienta. Finalmente, si usted esperaba sentirse identificado con el Guasón más allá del individuo de clase baja oprimido por la oligarquía o si, de hecho, lo logró, por favor, busque ayuda psicológica.

    Por cierto, la propuesta de Phoenix desde un principio fue crear un personaje con el que el público no pudiera identificarse o sentir empatía.

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    Empero, la que creo que se llevó las palmas fue una crítica de un portal de internet, cuyo nombre recuerda a famosa novela de Gustav Meyrink, que contenía esta joya:

Es difícil que alguien que sólo consume historias de superhéroes identifique los errores de Joker. Existe esta obsesión de la cultura geek por validar todos sus productos como algo elevado y maduro. En el caso de los cómics es todavía más doloroso el intento …

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    Y luego preguntan que por qué nadie nos quiere. ¿Por qué la saña? ¿A qué tanta tirria? ¿Por qué las injurias a mansalva? ¿Por qué les causa tanto ardor a los consumidores de cine erudito esta película? ¿Es acaso que lastima su orgullo que una cinta basada en un cómic –lo cual, según parece, la vuelve inherentemente inferior– tenga la osadía de escalar la torre de marfil? ¿O es que quizá se sintieron decepcionados de que ésta no fuera una peli de superhéroes de ésas que Disney/Pixar/Marvel/LucasFilm/Fox hace con troquel para poder tirarle mierda a gusto?

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    A final de cuentas, la película creo que sí logra trascender la manufactura tradicional del cine de superhéroes, tan sobreexplotado en estos días. Es un producto comercial destinado a ser consumido por las masas, por supuesto, pero nunca he creído que el cine “comercial” esté exento de tratar temas profundos y trascendentes de la condición humana y creo que esta cinta me da la razón. A mí me pareció que se trata de una buena película, no sólo una de las mejores películas basadas en comics, sino probablemente una de las mejores cintas de la década. Pero lo más importante: cuando comienzan a aparecer los créditos finales, uno se queda con ganas de ver más.

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    Y, por cierto, gracias por evitar el uso del CGI.

PARA LA TRIVIA: El maquillaje del Guasón está inspirado en el de John Wayne Gacy, prolífico asesino serial estadounidense durante la década de los 60, que iba a los hospitales vestido como payaso a divertir a los niños con el nombre artístico de Pogo. El club en el que Arthur Fleck va a hacer su rutina de stand-up se llama Pogo’s.

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MIDSOMMAR: EL TERROR NO ESPERA LA NOCHE. ¿Una nueva obra maestra del Folk Terror?

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MIDSOMMAR: EL TERROR NO ESPERA LA NOCHE

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Ari Aster, 2019

El Folk Terror es un subgénero del cine de terror en el que las historias se ambientan específicamente en zonas rurales con comunidades cerradas, y están rodeadas de leyendas y tradiciones paganas. El ritmo suele ser lento y el conflicto surge de la oposición de valores de gente citadina, con su ciencia y tecnología, contra los valores, creencias y supersticiones de la gente del campo. Su efecto se basa más en el terror que en el horror. Una de las principales exponentes del género –y a mi gusto, una de las mejores películas de terror del siglo XX– es El hombre de mimbre (Hardy, 1973).

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    A este subgénero se adscribe Midsommar, la nueva película del director de Hereditary, Ari Aster.

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    La película cuenta la historia de Dani (Florence Pugh) quien, tras perder a su familia de forma trágica, se suma a la invitación de uno de los amigos de su novio Christian (Jack Reynor), un estudiante de antropología, para pasar el verano en una comuna sueca y presenciar el festival del Midsommar. La impresión que causan en los visitantes las inusuales costumbres de la esotérica comunidad será nada comparada con el terror y la angustia que vendrá cuando, uno a uno, éstos vayan desapareciendo bajo la luz de un mediodía que parece no tener fin.

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    La cinta, que ha causado revuelo entre el público y la crítica, es muy diferente a las historias de miedo que se han mostrado en la pantalla grande en los últimos años y es, sin duda, una bocanada de aire fresco para el género tras la sobresaturación de pelis de terror sobrenatural que se ha dado durante esta década.

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    El guión es bueno y está lleno de sutilezas, ambigüedades y esos pequeños detalles que quizá uno deja pasar; pero que, si los analiza al final, se dará cuenta de que tejían una línea argumental macabra desde un inicio y que todo está conectado. De hecho, el destino de casi todos los personajes les es anunciado desde escenas anteriores. SPOILER Por ejemplo, me encantó la secuencia en la que, al día siguiente de que desaparezca Simon (Archie Madekwe), la comuna prepara pies de carne… y la película no explica absolutamente nada al respecto, dando oportunidad al público para inferir y sacar sus propias conclusiones. Del mismo modo, cuando Josh (William Jackson Harper) es atacado por tomar fotografías del Rubi Radr, en una primera impresión parece que es Mark (Will Poulter), drogado de algún modo, quien lo golpea, sin embargo, después se puede inferir que se trata de Ulf (Henrik Norlén) usando la piel del rostro de Mark como máscara, lo que además se conecta con la escena a la llegada a la comuna en la que los niños juegan a un juego llamado “Desuella al tonto”. TERMINA SPOILER.

    Muchos de los rituales y de los asesinatos perpetrados en la película están inspirados por ritos vikingos o pasajes de la mitología nórdica.

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    Tanto la dirección como las actuaciones son geniales. La columna vertebral del relato son las relaciones humanas y sus dificultades, y las actuaciones están dirigidas a hacer énfasis en este punto –en el corte del director hay toda una subtrama en la que se puede advertir que la relación entre Dani y Christian es aún más tóxica de lo que parece–. Cada personaje está tratado con una profundidad psicológica digna de un drama chejoviano y las interpretaciones de todos los actores son verosímiles y llenas de matices, aun cuando algunos personajes tienen menor complejidad que otros.

    No sólo la película está ambientada en Suecia, sino que la narrativa, que está muy bien lograda, retoma influencias del cine sueco. El ritmo es completamente parsimonioso y se toma el tiempo necesario para crear una atmósfera inquietante y perturbadora a plena luz del día. El suspenso y el terror que se van construyendo lentamente contribuyen a que los pocos momentos de horror que efectivamente se muestran en la cinta sean mucho más contundentes.

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    La fotografía también es muy buena y sorprende cómo logra crear un relato de terror con una ausencia casi completa de escenas nocturnas. Casi puede sentirse la angustiosa y recalcitrante resolana quemando la piel, lo cual refleja la sensación interna de desasosiego de los personajes en pantalla.

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    Puedo decir que realmente disfruté de esta película. Irónicamente, me pareció que su principal fortaleza es, al mismo tiempo, su más grande debilidad: es demasiado parecida a El hombre de mimbre. De tal suerte, si uno ya vio la obra de Hardy –que es considerada el prototipo de las películas de Folk Terror– ésta le parecerá en extremo predecible… incluso sentí que si la película no terminaba como ya estaba yo anticipando que terminaría me sentiría muy decepcionado. De hecho, creo que esta cinta es un remake de El hombre de mimbre mucho mejor logrado que el verdadero remake de El hombre de mimbre, aquella inmunda película con Nicholas Cage que en nuestro país se tituló Culto siniestro (LaBute, 2006)–sí, la de las abejas, jajaja–.

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    Esta cinta es, sin duda aluna, una película de autor en la que su director hace gala de una obsesiva atención a los detalles y merecerá más de un visionado. Alrededor de media hora de la peli fue eliminada para su corte final, pero ya se prepara una edición del director para formatos caseros y plataformas de streaming.

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    Midsommar es una buena película y es una gran cinta de terror, probablemente de lo mejor que se haya hecho en el género en lo que va del siglo; aunque me queda perfectamente claro que podría no ser para todos los gustos. Aquí no hay sustos baratos ni los consabidos clichés del género aplicados casi con receta. La recomiendo si lo que buscan es algo diferente y fresco, y verdaderamente me lamento de que su corrida por la cartelera haya sido tan breve.

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    Sólo como nota: esta película posee un tono grotesco tan ácido que el público se siente indeciso entre reír o llorar… que es más o menos la emoción que durante casi toda la película posee la pareja protagónica.

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PARA LA TRIVIA: A pesar de que la película está ambientada en Suecia, la mayor parte se filmó en Hungría. Del mismo modo, de los personajes estadounidenses sólo un actor proviene de los EE.UU., el resto son británicos.

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