CONGO. La hermanita bastarda de “Jurassic Park” cumple 25 años.

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CONGO

 

Frank Marshall, 1995

 

No es un secreto para nadie —por lo menos para nadie que haya vivido esa época— que Parque Jurásico (Spielberg, 1993] desató toda una ola de películas que buscaban colgarse de su fama. En general se trataba de cintas o con dinosaurios (o algo por el estilo, como la genialmente terrible Carnosaurio [Simon y Moloney, 1993]), o típicos melodramas de aventuras ambientados en locaciones selváticas con elementos de fantasía o ciencia ficción cuya lista de títulos es tan larga que creo que merecen un artículo aparte —¿Saben qué? Tal vez empiece a escribirlo de una vez—.

    El punto es que una gran cantidad de producciones se salpicaban del éxito de Parque Jurásico y sus productores sólo podían ver cómo oros productores engordaban con las sobras del gran pastel que ellos se habían preparado. Una secuela de Parque Jurásico era obligada, pero el respeto autoral de Steven Spielberg se interponía en el camino.

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    Me explico: Desde el rotundo éxito de ventas que fue la novela de Parque jurásico, los fans comenzaron a presionar a Michael Crichton para que escribiera una secuela. Hasta ese momento, Crichton nunca había escrito una segunda parte y no estaba seguro de saber cómo o de querer hacerlo, para el caso. En 1993, tras el arrasador éxito de la película de Parque jurásico, la presión sobre Crichton creció y los rumores de una secuela fílmica se incrementaban cada vez más.

    Sin embargo, Steven Spielberg, la cabeza del proyecto, se rehusaba a hacer una secuela sin la aprobación de Crichton. Después de más de un año de negociaciones, Spielberg convenció al novelista para que escribiera una secuela de Parque jurásico. Pero los productores de la película no iban a dejarla ir tan fácilmente.

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    Mientras se cocinaba el proyecto con Spielberg, su mano derecha la productora Kathleen Kennedy (quien produjo Parque jurásico y una larguísima lista de etcéteras) y su esposo, Frank Marshall (productor de Los cazadores del Arca Perdida [Spielberg, 1981], entre ambos productores ejecutivos de uno de los proyectos consentidos de Spielberg: Las aventuras de los Tiny Toons [1990-1995]) comenzaron a gestionar un proyecto paralelo. Se trataba de la adaptación fílmica de una novela prácticamente olvidada de Michael Chricton publicada en 1980 y que había tenido un éxito aceptable. También tenía elementos de aventura y ciencia ficción, y se desarrollaba en la jungla. Y lo mejor de todo, era que el guión ya estaba escrito[1].

    La idea original de Michael Crichton en 1979 era que su novela fuera una especie de actualización de Las minas del rey Salomón y el argumento sonaba tan bien que Twentieth Century Fox compró los derechos para hacer la película incluso antes de que el libro fuera publicado.

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    Desde que escribía la novela, el autor pensaba a Sean Connery en el personaje de Charles Monroe, una especie de Allan Quatermain moderno. Cuando surgió el proyecto para hacer la película, en 1981, la idea era que Sean Connery interpretara al personaje y Michael Chricton dirigiera la cinta. Pero por una serie de razones, siendo la principal de ellas que aún no se podían hacer gorilas realistas en el cine, el  proyecto se enfrió y, aunque en 1985 se intentó retomarlo, finalmente fue cancelado. Pasarían casi diez años para que Paramount lo rescatara.

    Finalmente, la versión fílmica resultó ser una adaptación bastante fiel al libro… O por lo menos bastante más que Parque jurásico, en la que se tomaron bastantes libertades con respecto a la fuente.

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    En la película se cuenta la historia del Dr. Peter Elliot (Dylan Walsh), un primatólogo de la Universidad de Berkeley, que ha trabajado durante años con la gorila Amy (Lorene Noh) enseñándole a comunicarse a través del Lenguaje Signado Americano. Después de que Amy es atormentada por terribles pesadillas, Elliot decide devolver a la gorila a su hábitat natural, por lo que comienza a reunir fondos para financiar una expedición al Congo[2] con tal fin. El único interesando en financiar tal empresa es el supuesto filántropo rumano Herkermer Homolka (el camaleónico Tim Curry más desaprovechado aún que en Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York [Columbus, 1992]); pero cuando la expedición sufre de problemas monetarios, será la Dra. Karen Ross (Laura Linney), quien rescate la misión. Ross trabaja para la compañía de telecomunicaciones TravisCom —¡Ah, cómo se quiebra la cabeza Chricton para ponerle nombres a las empresas de sus libros!— y fue enviada para encontrar a una desaparecida expedición anterior, liderada por su prometido (el legendario Bruce Campbell, quien de hecho audicionó para el papel de Peter Elliot pero le dieron éste como premio de consolación), para encontrar un raro tipo de diamante que —de manera inexplicable, aunque creo que en la novela sí lo explican— revolucionará las comunicaciones vía satélite. A medio camino y gracias a la suspicacia del mercenario Munro Kelly (Ernie Hudson, a quien quizá recuerden como Winston Zeddmore en Los cazafantasmas [Reitman, 1984]) se revela que la verdadera intención  de Homolka es buscar la legendaria ciudad perdida de Zinj, que se dice está construida sobre una mina de enormes diamantes. En el trayecto, nuestros protagonistas deberán enfrentarse a atentados terroristas, grupos guerrilleros, la fauna salvaje del lugar y los guardianes de la ciudad de Zinj.

    Y, como mencioné antes, la película es bastante fiel al texto original; pero difiere de él en varios elementos principales que me gustaría comentar porque algunos de ellos son bastante curiosos:

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    En primer lugar está el personaje de Monroe. Mientras en la novela Charles Monroe es un hombre escocés —que, de hecho, será una versión primigenia del personaje de Robert Muldoon en Parque jurásico—. En la película, Munro Kelly  se trata de un inglés de ascendencia africana. Por cierto, según lo reveló alguna vez Hudson, este personaje es su favorito de todos los que ha interpretado

    En segunda instancia se encuentra un consorcio alemán-japonés, empresa rival de TravisCom, quienes han descubierto otra ruta hacia la supuesta locación de la ciudad perdida de Zinj y se embarcan en una arriesgada empresa para llegar ahí antes que Ross. En diferentes momentos de la novela se habla de espionaje corporativo y de la carrera que TravisCom está corriendo en contra de sus competidores. Sin embargo, en la película esta línea argumental quedo fuera por completo.

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    En tercer plano mencionaré a los guardianes de Zinj. En la película, los exploradores descubren el origen de los gorilas grises al interpretar los jeroglíficos en los muros de las ruinas de la ciudad. Ahí, aprenden que los habitantes de Zinj criaron una raza de gorilas para usarlos como guardianes de la ciudad a través de la selección de los ejemplares más agresivos de la especie. En la novela, estos orígenes son mucho más escabrosos. Al principio los exploradores leen los jeroglíficos, pero más adelante, gracias a una rudimentaria autopsia de campo, descubren que los guardianes son una especie híbrida surgida del apareamiento de chimpancés y  gorilas en una primera etapa; y posteriormente, de seres humanos con gorilas. Además, los animales han sufrido algunas mutaciones espontáneas causadas por vivir en un medio ambiente con actividad volcánica constante. En el libro las criaturas son mucho más inteligentes e incluso fabrican un tipo particular de herramienta (un par de discos de piedra) con el fin específico de matar y, aunque en la película se menciona de forma casi tangencial, en la novela se vuelve evidente que los guardianes se rebelaron contra sus amos y fueron los causantes de la caída de Zinj.

    Por otro lado, tenemos el elemento de ciencia ficción del guante de Amy. Si bien en la novela la gorila se comunica con Elliot a través del Lenguaje Signado Americano —lo que, de hecho, está basado en el caso real de la gorila Koko, quien aprendió a utilizar dicho sistema en los setenta—, el guante no aparece. Este artefacto que, a través de un complejo sistema, logra transformar los signos del LSA en palabras sonoras, es una invención de la película y fue agregado por meros motivos dramáticos. Digo, en el libro tenemos un narrador que nos dice qué es lo que está diciendo Amy, pero en la pantalla no —aunque igual pudieron ponerle subtítulos, yo qué sé—.

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    Y finalmente está el asunto del canibalismo. En la película apenas si lo mencionan de refilón en un parlamento, mientras que en el libro se le dedica un capítulo casi completo al ataque de un grupo guerrillero que devora a sus enemigos. Sí, no aporta mucho a la historia y seguramente el pasaje retirado de la película por cuestiones de corrección política, pero es una diferencia interesante con la película.

    Volviendo a la película, cada vez que la veo no puedo evitar pensar que no es mala, sino incomprendida… No, no es verdad, sí es malita; pero no creo que merezca el título de La peor película del año (1995), como la nombraron algunos críticos, particularmente si uno toma en cuenta que ese año mismo salieron Showgirls (Verhoeven bajo el pseudónimo Jan Jansen), Mortal Kombat (Anderson), El juez (Cannon), Mundo acuático (Reynolds), Batman eternamente (Schumacher) y Un vampiro suelto en Brooklyn (Craven… sí, ese Craven) [3] —¿Ven? Poniéndolo en perspectiva Congo hasta parece buena película—. Es entretenida y creo que sólo tiene dos grandes fallos… pero sí son muy muy grandes.

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    El primero es el guión. Quizá el hecho de que sea una adaptación tan fiel del libro no ayuda mucho. La narrativa se vuelve atropellada por momentos y las escenas que deberían ser emocionantes resultan anodinas. El final mismo es completamente anticlimático y el paralelismo de un globo aerostático surcando el cielo con el de un helicóptero volando hacia el horizonte en cierto modo nos sirve como remate para recordarnos que acabamos de ver un intento tibio de sucesora de Parque jurásico.

    En el mismo apartado del guión está la cuestión de las tres líneas argumentales. Si bien la del rumano ambicioso pierde fuerza en la segunda mitad del filme, aún tenemos dos asuntos que seguir: La liberación de Amy y la búsqueda de Ross… ¡Y ninguno de los dos es realmente interesante! Quizá tenga que ver con que Amy está demasiado bien adaptada a la vida entre seres humanos —bebe martinis y fuma habanos sin problema alguno—, por lo que no parece que haya necesidad de devolverla a su hábitat; o tal vez tenga que ver con que el planteamiento del personaje de Charles (el prometido de Ross) es tan débil que a uno le importa un sorbete saber que está muerto desde que empezó la película. En la novela por lo menos había más suspenso mientras la gente de TravisCom examinaba el video del ataque a su campamento.

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    El segundo fallo son los efectos especiales. Con perdón de mi admiradísimo gurú de los animatrónicos Stan Winston, pero ¿Qué chingados es eso? Sí, se empeñaron mucho en hacer las botargas de los gorilas. Sí, los actores que los interpretan pasaron no sé cuánto tiempo entrenando para copiar los movimientos de los grandes primates. Pero es que al final del día, se ve a leguas que los simios son actores en botargas ¡Si hasta se les ven los bordes de las máscaras, por favor!

    Supongo que la publicidad de la película jugó en su contra, pues al anunciarla como “De los creadores de Parque jurásico” elevaron las expectativas a un nivel que no pudieron alcanzar. Incluso en la escena del primer ataque de los gorilas guardianes, el animal se veía tan falso que tuvieron que reeditarla en cámara lenta y con imágenes borrosas para esconderlo un poquito.

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    Y este fallo en realidad tiene que ver con un grave contratiempo en la producción. Originalmente, se había planeado que los gorilas de la película fueran CGI, pero tras meses de intentos fallidos, Industrial Light & Magic llegó a la conclusión de que aún no contaban con la tecnología necesaria para hacer un pelaje creíble en gráficos por computadora.

    Así, la producción recurrió al Stan Winston Studio, quienes crearon los dinosaurios animatrónicos de la película de Spielberg, para que confeccionaran las botargas de los gorilas de la película… ¡Ah, sí! Y un hipopótamo para la escena de la balsa; pero ése sí se ve padre, quizá porque su escena transcurre de noche.

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    Para empezar, el Stan Winston Studio recibió instrucciones de que Amy debía verse más adorable que realista, por lo que, a pesar de las recomendaciones de Winston, se decidió diseñar al personaje con la cabeza de un gorila de llanura en el cuerpo de un gorila de montaña.[4] Esto le quitó gran parte de su presencia al personaje.

    Luego están los gorilas grises. Según lo narra Paul Mejias, artista del Stan Winston Studio, los problemas con los gorilas grises aparecieron desde la etapa de diseño, pues la gente de Paramount nunca estuvo segura de cómo querían que los animales se vieran en pantalla:

El diseño de los grises, qué eran exactamente, continuaba cambiando […]. Aún mientras trabajábamos en arcilla, el diseño podía cambiar. Nos dijeron que estos gorilas estaban “descendiendo” genéticamente; pero creo que nunca nos quedó claro qué querían decir.[5]

 

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Así pues,  los gorilas híbridos —bueno, en la película no son híbridos y creo que gran parte del problema con la ambigüedad de su planteamiento fue que a la gente de Paramount le dio miedito meterse con ondas de zoofilia—  terminaron siendo animales deformes y tumorosos con dedos fusionados y vitíligo. Peor aún, el set en el que se filmó su escena era simplemente esta caverna de arcilla roja con luz blanca y plana que en vez de ayudar a eliminar el efecto “Guy-in-a-Rubber-Suit” lo incrementó.

    Con todo, Congo fue un éxito de taquilla… en Estados Unidos, seguramente gracias a los incautos que sí cayeron con eso de “De los creadores de Jurassic Park”, pues la crítica la vapuleó y su fama habrá sobrevivido apenas un par de semanas más allá de su fin de semana de estreno. Su caída casi inmediata en el olvido derivó en que prácticamente el único merchandising que hubo de ella fue la espantosa línea de figuras de acción de Kenner, pues ninguna editorial se animó a sacar una adaptación en cómic e incluso el videojuego para SuperNintendo desarrollado por Ocean fue cancelado a media producción.

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    Pero eso no importa, porque esta película vive en los corazones de quienes la fuimos a ver al cine —y ahora recuerdo que el cine en el que la vi dejó de existir hace más de quince años, lo cual es un poco deprimente—. O no, en general es un melodrama de aventuras en la selva, anticuado, sí, pero efectivo. Es bastante decente, lo mantiene a uno entretenido y tiene algunas escenas interesantes —No la de la lava arrasando las minas de diamante, por supuesto, pero las tiene—. Las actuaciones son más o menos buenas —excepto por Tim Curry, de verdad ¿qué pasó ahí?— y me gusta que en los noventa los héroes de acción tenían posgrados. Además, está llena de ese agradable racismo apto para toda la familia que ya no se ve tan a menudo.

 

PARA LA TRIVIA: Muchas de las innovaciones tecnológicas que eran ciencia ficción en la novela de 1979, como la fotografía y el video digitales o un tipo rudimentario de GPS, eran ya una realidad para el momento en que se filmó la película.

 

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[1] Finalmente se utilizó otro guión, escrito por John Patrick Shanley.

[2] El Congo no es un país como tal, sino una región formada por la cuenca del Río Congo en África Ecuatorial y que abarca una docena de países, principalmente Tanzania y la República Democrática del Congo (anteriormente, en los tiempos en que se filmó esta película de hecho, conocida como Zaire).

[3] ¡Pero qué asco de año! Bueno, salió Toy Story (Lasseter)… aunque en realidad la primera es la peorcita de las tres.

[4] Amy fue el primer personaje creado por el estudio en el que se usó piel de silicón, en vez de la espuma de látex convencional.

[5] MEJIAS, Paul, citado en Duncan, Jodi, The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, Londres, 2006. Pp.197-198. La traducción es mía.

 

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ROBOCOP 2. La película que hizo a Frank Miller jurar no volver a hacer cine cumple 30 años.

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ROBOCOP 2

 

Irving Kershner, 1990

 

El guión de la primera película de RoboCop (Verhoeven, 1987) se desarrolló partiendo del guión para una película de El juez Dredd que fue desechado. Con algunos ajustes, RoboCop, el defensor del futuro se convirtió en una de las películas más icónicas de la década de 1980, una fábula sobre el corporativismo desmedido, una reinterpretación del Mito de Frankenstein y, me atrevo a decir, probablemente la mejor película de acción y ciencia ficción jamás filmada.

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    Y, por supuesto, la secuelitis de Hollywood no podía dejar de sacar ganancias de esa idea. Bastante modificada a partir de un guión escrito por Frank Miller, el artista de comics creador de Sin City, RoboCop 2 se estrenó tres años después de la cinta original. Debo decir que, aunque desde niño me gustó esta película –y ahí estoy yo de nuevo de niño viendo películas para adultos–, siempre me pareció mala y muy inferior a la original.

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    Contrario a lo que podría pensarse, a los productores les encantó el guión original de Miller; sin embargo, por las limitaciones de presupuesto y tiempo, se dieron cuenta rápidamente de que era imposible filmarlo tal y como estaba escrito, por lo que lo cambiaron sustancialmente, tan sólo retomando la idea general. Lo que es más, tanto Nancy Allen como Peter Weller y el director Tim Hunter estaban encantados con el guión, y se mostraron sumamente molestos cuando Hunter fue remplazado por Kershner, quien ayudó al guionista Walon Green a reescribir la cinta.

    En 2007, la editorial Avatar publicó Frank Miller’s RoboCop 2, una adaptación en comic del guión de Miller.

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    En este último visionado que hice para poder escribir este artículo, me sigue pareciendo mala e inferior a la original; pero creo que tengo un poco más de consciencia de lo que querían hacer con esta cinta y no puedo dejar de expresar mi sorpresa al darme cuenta de lo vigentes que siguen siendo los temas que aborda.

    En algún momento indeterminado después de la primera parte, la ciudad de Detroit es asolada por el crimen. En medio del caos, una nueva droga comienza a circular por las calles: el Nuke, fabricado y distribuido de manera exclusiva por el malvado Cain (Tom Noonan, soberbio) y su banda de criminales. Para defenderla contra el crimen, la ciudad cuenta con el oficial Alex Murphy (Peter Weller), ahora convertido en el cyborg RoboCop… sin embargo, quizá Murphy no sea suficiente para detener a esta nueva amenaza, por lo que OCP, la compañía que lo creó, está desesperada por producir un nuevo modelo a través del proyecto RoboCop 2. Ahora, Murphy deberá enfrentarse no sólo al narcotráfico y a la nueva actualización de cyborgs, sino a un gobierno inepto y a los conflictos internos de la voraz corporación privada, quienes se disputan el control de la ciudad.

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    Creo que lo primero que salta a la vista en esta segunda entrega de la saga es que parece esforzarse demasiado por igualar a la primera parte, sin conseguirlo. Hay algunas secuelas, como La masacre de Texas 2 (Hopper, 1986) o Gremlins 2 (Dante, 1990), que son más bien autoparodias de las películas originales. RoboCop 2 tiene un tono notoriamente más cómico que la primera cinta; sin embargo, no llega a ser una parodia y se queda más bien en el nivel de la imitación. En general, toda la cinta está en una onda camp y se vuelve medio estúpida por momentos –¿RoboCop montando una motocicleta? ¿De verdad?–.

    De hecho, a nivel de análisis es muy interesante cómo manejan el tópico de la humanidad perdida de Alex Murphy, que era uno de los temas principales de la primera parte, pues en esta segunda se convierte básicamente en un chiste. Pudo ser tan profundo, pudo ser tan oscuro, tan complejo… pero decidieron que mejor no.

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    Por otro lado, sí me gusta cómo se pitorrean de la corrección política en una parte de la película y hacen a RoboCop “amigable para los niños”. Estoy casi seguro de que se trata de una especie de respuesta a la cancelación de la serie de dibujos animados de RoboCop (Marvel Productions, 1988) por presiones de asociaciones de padres de familia que la consideraban demasiado violenta. La contrapropuesta llega tan lejos como presentar a una banda de niños ladrones. También los comerciales que aparecen a lo largo de la peli son divertidos.

    Eso sí, se notan las partes que sí respetaron del guión de Miller. De hecho, el propio Frank Miller hace un papel secundario: Frank, el nerdoso químico que produce los nuevos tipos de Nuke para Cain.

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    No puedo dejar de mencionar la edición de la cinta, que es desastrosa. Llena de cortes duros, transiciones extrañas y elipsis que no terminan de entenderse por la forma en que están montadas, denotando todo ello una edición y montaje apresurados y desprolijos.

    El maquillaje también se nota inferior al de la primera parte; pero por otro lado, los efectos prácticos son asombrosos. Tanto el puppet del RoboCop desmantelado (creación de Chris Walas) como las secuencias de animación Stop-Motion (por el genial creador de la técnica de animación conocida como Go-Motion, Phil Tippett) se ven geniales. Por cierto, que no pude dejar de pensar que el enfrentamiento final entre RoboCop y Cain/RoboCop 2 se veía básicamente como una batalla de mechas

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    Las actuaciones son increíblemente disparejas: mientras Weller y Nancy Allen bajaron su nivel comparados con la primera parte, Gabriel Damon y el siempre excelente Tom Noonan está de miedo en su papel del despiadado Cain.

    La verdad es que la película sí introduce conceptos interesantes, como el hecho de que un niño sea el líder de una organización criminal, que RoboCop no sea invencible, el proceso de privatización de la ciudad de Detroit, el cambio de color y diseño de RoboCop y su arma, el diseño de RoboCop 2/Cain o el hecho de que el discurso del Viejo (Dan O´ Herlihy), el corrupto CEO de OCP suene casi idéntico a un discurso de Donald Trump…. Por otro lado, hay algunos otros elementos argumentales como el que haya un policía gordo, drogadicto y que trabaja para los chicos malos, o que la policía reclute elementos de entre los criminales, que se me antojan demasiado naïve –por su obviedad, digo–.

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    Cuando era niño y vi esta película, dos escenas se me quedaron muy grabadas: la de la cirugía en la que extraen el cerebro y la columna vertebral de Cain que, aún ahora, se sigue viendo genial, macabramente cómica; y la otra escena de humor negro en la que muestran los prototipos fallidos para RoboCop 2… y que básicamente se piratearon con todo descaro en Iron Man 2 (Favreau, 2010).

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    También es notoria la poca participación del personaje de la oficial Anne Lewis, quien fuera una pieza clave para el desarrollo psicológico del personaje de Alex Murphy en la primera cinta y en el guión de Frank Miller.

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    Así pues, me sigue gustando RoboCop 2. Sobre todo, me sorprende cómo gran parte de su discurso se mantiene tan vigente; sin embargo, es indiscutiblemente inferior, y por mucho, a la primera parte… aunque superior en prácticamente todos los aspectos a la tercera. Es también muy impresionante, una vez que uno se entera de cómo fue escrita originalmente, enterarse de lo que esta película, la incomprensible última obra de quien dirigiera El Imperio contraataca (1980) pudo haber sido.

PARA LA TRIVIA: Aunque la trama se desarrolla en Detroit, Michigan, todos los exteriores de la película fueron filmados en Houston, Texas, e incluso la fachada del edificio del ayuntamiento en la cinta fue filmada en el famoso Distrito de Teatros de la ciudad texana.

PARA LA TRIVIA GEEK: Las tomas desde el punto de vista de RoboCop incorporan elementos que hacen referencia al sistema operativo MS-DOS, de Microsoft; mientras que las tomas desde el punto de vista de RoboCop 2/Cain hacen referencia al sistema operativo de Apple.

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¡Y hasta me dio risa el trailer, que prácticamente te espoilea TODA la película!

 

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LAS TORTUGAS NINJA. A 30 años de su debut en la pantalla grande.

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LAS TORTUGAS NINJA

Teenage Mutant Ninja Turtles

 

Steve Barron, 1990

Es cierto que se trata de una película que sirve más como vehículo de mercadotecnia que otra cosa. Cierto es también que el guión no es lo más profundo y que tiene un montón de errores de continuidad; y muy cierto que sí ha envejecido un poco… Pero para la mayoría de la gente que fuimos niños en esta época, esta peli fue lo máximo. Además, cualquier cinta donde haya artistas marciales capaces de realizar coreografías adentro de semejantes botargas merece respeto.

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    Quince años atrás, la rata mascota de un inmigrante japonés y cuatro tortugas cayeron a una alcantarilla y entraron en contacto con un químico mutágeno que les dio forma humanoide, inteligencia súper desarrollada y la habilidad de hablar como surfistas de los sesenta. Splinter (voz de Kevin Clash), la rata —por alguna extraña razón—, aprendió de su amo, Hamato Yoshi, el arte del ninjitsu y con él entrena a las tortugas para luchar por la justicia.

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    En la actualidad (de 1990), una ola delictiva azota a la Ciudad de Nueva York. Esta ola parece tener conexión con el misterioso clan ninja conocido como El Pie, así como con el pasado de Splinter. Ahora, las cuatro tortugas con la ayuda de sus amigos, la reportera April O’Neil (Judith Hoag) y el vigilante enmascarado Casey Jones (el genial Elias Koteas antes de que aprendiera a actuar), deberán detener al infame clan, mismo que ha estado reclutando a los niños y jóvenes de la ciudad para cometer sus fechorías.

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    Las Ninja Tortugas Adolescentes Mutantes fueron creadas en 1983 por los artistas amateur Kevin Eastman y Peter Laird. Eastman rentaba un cuarto en la casa de New Hampshire donde vivían Laird y su futura esposa y, siendo ambos artistas aficionados, fundaron los Mirage Studios… que eran una tomada de pelo, por eso se llamaban “Mirage” (“espejismo” en inglés); se trataba de dos restiradores en la sala de la casa y nada más.

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    Cierta noche, mientras Laird veía la televisión, Eastman lo molestaba mostrándole un boceto de algo a lo que llamó “Ninja Turtle”: Una tortuga parada sobre sus patas traseras, con una máscara y chacos amarrados a las patas delanteras. Al cabo de un par de horas, los artistas ya habían desarrollado la idea básica de cuatro tortugas mutantes que peleaban usando técnicas del Ninjitsu.

    Para la primavera de 1984, Eastman y Laird ya habían escrito y dibujado lo que sería el primer número (y según pensaron ellos, el único, por eso la portada no tiene número) de Teenage Mutant Ninja Turtles. Con el dinero que habían recibido por su reembolso de impuestos y un préstamo del tío de Eastman, Quentin, los artistas publicaron el cómic de forma independiente con un tiraje de apenas 3000 ejemplares… ¡que se agotaron en un mes! Y el resto es historia.

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    De hecho, incluso durante los primeros números del cómic se mantuvo un tono más bien satírico que trataba de ridiculizar a muchos otros cómics de la época. Por citar sólo un ejemplo, el temido clan ninja de El Pie es una parodia del clan de La Mano que entrenó a Elektra en los cómics de Marvel.

    Para 1990, gracias en gran medida a la serie de dibujos animados que se transmitía por televisión, los personajes estaban en la cúspide de la fama, así que era momento de dar el paso a la pantalla grande. Con un presupuesto estimado en 13 y medio millones de dólares (cifra que fue apenas la décima parte de las ganancias totales de la cinta, haciendo de ésta la película independiente más rentable de la historia), la co-producción de Golden Harvest Productions (la compañía fílmica hongkonesa que producía las películas de Jackie Chan en su tierra natal) y efectos especiales creados por el Jim Henson’s Workshop, la película se filmó en locaciones y estudio en Carolina del Norte.

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    Algo que es muy interesante hacer notar es que los cómics de las Tortugas Ninja no eran para niños. Con su tono underground más cercano al del fanzine, su violencia sumamente gráfica y sus temáticas más oscuras, fueron un hit entre los adolescentes y adultos jóvenes de la época. Y es que, finalmente, las Tortugas eran quinceañeros y los escritores tuvieron una sensibilidad muy atinada para retratar sus problemas en el papel.

    Me parece que, además de la serie de dibujos animados producida por Fox Kids (2003-2010), y eso los primeros episodios, esta película es la única adaptación a la pantalla en la que se trató de conservar el espíritu y el tono oscuro y violento de los cómics originales de los quelonios. Aunque sí se incluyeron algunos elementos de la primera serie de dibujos animados, como el que Miguel Ángel hable como surfista, que April O’Neil sea reportera (en los cómics es la asistente del científico Baxter Stockman) y pelirroja o el cambio más notorio de todos: que las Tortugas usen cintas de colores para sus antifaces, pues en el cómic todas llevaban cintas rojas… bueno, eso lo sabemos por las portadas, porque los primeros cómics eran en blanco y negro.

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    El mantenerse fieles a este tono y concepto les granjeó una buena cantidad de problemas a los productores. Por principio de cuentas, Jim Henson, creador de los Muppets y cuyo estudio fabricó las botargas para esta cinta, quedó muy a disgusto e incluso un tanto escandalizado por la cantidad de violencia mostrada en el corte final de la película (aunque eso, curiosamente, no le impidió cobrar o participar en la secuela).

    Por cierto que una jugada muy inteligente de los creadores de las botargas de las Tortugas fue la de asegurarse que la película se filmara con muy poca luz. La primera regla de los efectos especiales dice: “Nunca muestres más de lo que sabes que vas a poder mostrar”.

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    En segundo término, ya que la película resultó más violenta de lo que la mayoría de los involucrados esperaba, la compañía juguetera Playmates Toys, quienes producían las figuras de acción basadas en los personajes, se negaron a sacar una línea de juguetes inspirada en la cinta… ¡Por favor! ¡Como si eso hubiera detenido a alguien antes! ¿Verdad, Kenner?

    Finalmente, los censores pidieron que se retiraran varias escenas y que se modificaran otras tantas para no darle a esta película la clasificación PG-13. Como resultado, algunas secuencias fueron removidas completamente y la escena en la que Tatsu (Toshihiro Obata) golpea a uno de sus discípulos en un ataque de ira fue doblada para que se entendiera que el chico había sobrevivido, en vez de morir como sucedía en el corte original (de hecho, en la novelización de la película es claro que se muere). Asimismo, muchas de las escenas de April O’Neil, particularmente aquéllas en las que mostraba su interés romántico por Casey Jones, fueron eliminadas por completo, lo que tuvo como consecuencia que la actriz Judith Hoag rechazara participar en la secuela.

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    Así pues, el resultado final es una película decente aunque dispareja. Hay algunas partes que son de un humor más bien ramplón y chistes claramente de slapstick, mientras que otras, como la narración del asesinato de Tang Shen y Yoshi[1] o la derrota de Rafael (voz de Josh Pais) a manos de los ninjas de El Pie, son mucho más oscuras y serias. Además, aunque creo que exageraron un poco al decir que era una película demasiado violenta, sí es agradable notar que en las ediciones en DVD y Blu-Ray se alcanza a apreciar que, después de las peleas, las tortugas tienen moretones y cortadas en la piel, justo como en los cómics.

    Las escenas de pelea están muy bien montadas. Quiero decir que la edición es muy buena, porque si uno se pone a verlas con detenimiento, se dará cuenta de que en realidad las coreografías son bastante simples y la mayoría de las pelas está resuelta con trucos de cámara. Además, casi todas estas escenas fueron filmadas en estudio (sí, gracias a la Alta Definición se puede notar que los edificios en el fondo de la azotea donde Rafael es vencido son un decorado).

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    Las actuaciones son cumplidoras y nada más; pero vamos, la película no se trata de eso. Sobresale, eso sí, la interpretación de Elias Koteas. Digo, cabe señalar que él, Judith Hoag y Michael Turney (quien interpreta al problemático adolescente Danny) fueron casi los únicos actores de la cinta cuyas voces no fueron dobladas. Curiosamente, los dos actores que doblaron las voces de personajes japoneses son estadounidenses.

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    Y hablando de los villanos, me parece que son bastante adecuados. Quizá Tatsu resulta un poco camp… bueno, toda la película, pues; pero Shredder sí se acerca bastante a lo propuesto en los cómics, en los que no era un villano atolondrado con mala suerte como en los primeros dibujos animados, sino un sanguinario jefe criminal con un retorcido código de honor. El vestuario de este personaje siempre me ha impresionado y a la fecha creo que es una de las mejores adaptaciones, visualmente hablando, de un personaje de cómics a la pantalla grande… Quizá el único problema es que el actor que lo interpretaba era demasiado bajito y, con ese casco, se veía como tachuela en los planos abiertos.

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    La banda sonora de la película es completamente un producto de su época, tanto así que creo que dos años después no hubiese podido funcionar. Además de las piezas instrumentales compuestas para esta peli, el soundtrack incluyó temas originales de los artistas de moda, como This Is What We Do del rapero MC Hammer, Spin That Wheel de Hi-Tek 3 o, mi favorita, T.U.R.T.L.E. Power de Partners In Kryme. Un verdadero monumento a lo kitsch.

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    Una película mediana, vivo testimonio de su época que, aun con sus limitantes, es más disfrutable que cualquiera de las secuelas o, incuso, de otras películas similares de la actualidad… Bueno, la verdad no sé si haya películas como ésta en la actualidad, creo que las pelis de botargas murieron con el siglo XX. Ha envejecido, sí, pero los temas que maneja, como los conflictos padre/hijo, la rivalidad fraternal o la delincuencia juvenil siguen vigentes.

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PARA LA TRIVIA: El personaje de April O’Neil se llama así porque el número 1 de los cómics de las Tortugas apareció en Abril de 1984. El número 2, primera aparición de April, se publicó casi un año después.

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[1] En los cómics la historia es así: Hamato Yoshi y Tang Shen están comprometidos; pero Oroku Nagi, miembro del Clan de El Pie desea a Shen. Cierta noche, Nagi va a la casa de Shen e intenta violarla, al resistirse, Nagi la mata a agolpes. En eso llega Yoshi y, en un arrebato de furia, asesina brutalmente a Nagi. Con el crimen y la deshonra a cuestas, Yoshi huye a EE.UU. donde piensa comenzar de nuevo. Sin embargo, es seguido por Oroku Saki, hermano menor de Nagi y quien busca venganza por su muerte. Años después de asesinar a Yoshi, Saki tomará la identidad del líder criminal conocido como The Shredder.

VENGADOR DEL FUTURO. Una de las mejores películas de acción y Sci-Fi cumple 30 años.

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VENGADOR DEL FUTURO

Total Recall

 

Paul Verhoeven, 1990

 

El director holandés Paul Verhoeven tenía un gran talento para mezclar la acción y la ciencia ficción y fue el encargado de brindarnos clásicos como RoboCop, el defensor del futuro (1987) y la cinta de culto Invasión (1997). Entre todas las cintas que el visionario cineasta tuvo a su cargo, se encuentra una que, durante mucho tiempo, fue considerada la mejor película que hubiera protagonizado Arnold Schwarzenegger: la adaptación hiperviolenta –y bastante libre, supongo, la verdad no he leído el cuento– de un relato del autor clásico de ciencia ficción, Phillip K. Dick, llamada We Can Rememberl It For You Wholesale.

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    En la película, la vida del trabajador de la construcción Quaid (Arnold Schwarzenegger cuando estaba en la cúspide) no podría ser mejor: tiene un buen empleo con amigos que lo estiman, una esposa hermosa que haría cualquier cosa por él (Sharon Stone) y un sueño: ir de vacaciones a Marte. Como el viaje al Planeta Rojo podría ser demasiado costoso para Quaid, decide acudir a la compañía ReCall, quienes se dedican a implantar recuerdos artificiales en sus clientes de vacaciones que nunca tuvieron. Pero cuando el tratamiento comienza, algo va mal: Quaid descubre que su memoria ya había sido alterada anteriormente, la que que él creía que era su vida perfecta es una mentira y que todo se relaciona, de algún modo, con la guerra civil en Marte.

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    Recuerdo que veía esta película cuando estaba en la primaria y la disfrutaba un montón. Cómo un niño de primaria tenía acceso a una película hiperviolenta para adultos es un recuerdo más nebuloso para mí que los de Quaid; pero lo que importa no es eso, sino que es una de mis cintas favoritas.

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    Y una de las razones por las que le tengo tanto cariño es porque fue filmada en la Ciudad de México y me parece muy interesante cómo las locaciones les parecieron futuristas al punto de que nomás las maquillaron tantito y las usaron para la película. Así, lugares como las estaciones del Metro Centro Médico o Chabacano, la Glorieta de Insurgentes, Calzada de Tlalpan o el Colegio Militar crean una convincente ciudad indeterminada de un futuro cercano. O sea que, desde hace 30 años, la Ciudad de México parece sumida en un futuro distópico…

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    Por cierto que uno de los grandes aciertos de la cinta es la acuciosidad con la que crea su universo. La película se toma su tiempo para construir un mundo futurista, mostrarnos cómo funciona y quiénes lo habitan. Por ejemplo, ¿habían notado que casi todas las personas que viven en la Tierra son caucásicas? Prácticamente sólo vemos gente de otras razas cuando la acción se traslada a Marte, lo cual integra un sutil pero bien marcado discurso social que el director continuaría en Invasión.

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    La película es el resultado de una mezcla de elementos por demás afortunada. Por principio de cuentas, está la dirección de Verhoeven quien, como ya dije, tenía una visión particular para introducir elementos de Sci-Fi en películas de acción. Por el otro lado, estaba Schwarzenegger, quien con pelis como El exterminador (Cameron, 1984) y El sobreviviente (Glaser, 1987), era también ya un veterano de las cintas de acción y ciencia ficción. Finalmente, está el guión escrito por los legendarios Dan O’ Bannon y Ronald Shussett, quienes escribieran el guión de la quintaesencial Alien: el octavo pasajero (Scott, 1979).

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    Las actuaciones están bien, y creo que en realidad el único que desmerece es Arnold… aunque en esta peli está bastante mejor que en la mayoría. Como actores de soporte se suman los siempre geniales Michael Ironside –con la cara de malo que se carga, uno ya sabe que los demás personajes valieron madres en cuanto sale Ironside– y Ronny Cox, quien también fuera el villano en RoboCop. Sharon Stone y Rachel Ticotin también hacen sus papeles de manera eficiente y convincente.

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    Y, por supuesto, como en cada buena película de ciencia ficción, la estrella principal son los efectos especiales. En el caso de esta película, la gran mayoría de las tomas de efectos se lograron a través de efectos prácticos a la usanza de la vieja escuela: muchas de estas escenas fantásticas fueron creadas con puppets, animatrónicos y maquetas… chingos de maquetas. El resultado final es impactante y logra que muchos de los efectos especiales se vean geniales incluso hoy –como esa escena de la cabeza que se separa en módulos–. Incluso, me atrevo a decir que se ven mejor que los efectos de ese remake de Vengador del futuro de 2012 (Wiseman)… que, francamente, nunca he visto completo.

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    Algo que siempre me causó gracia de esta película… además de la chica mutante con tres senos, por supuesto, fue su tema musical. En general, toda la música de la cinta, compuesta por el legendario Jerry Goldsmith, suena bastante bien; pero el tema principal es tan sospechosamente parecido al tema principal de Conan, el bárbaro (Milius, 1982), otra peli de Schwarzenegger, que se vuelve chistoso.

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    Vengador del futuro es una gran película de acción con elementos de ciencia ficción. Tomando como base un relato de uno de los maestros del género, logra componer una aventura que mezcla un clásico relato de espías con una space opera con el cine hiperviolento de finales del siglo XX. Se trata de una de mis películas generacionales, uno de los mejores trabajos de Verhoeven y una de las mejores interpretaciones de Schwarzenegger y, en general, una aventura súper entretenida con un poquito –y conste que digo “poquito”– más de subtexto de lo que estamos acostumbrados. Me encanta esta película.

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PARA LA TRIVIA: Marte fue recreado en el interior de los Estudios Churubusco en un enorme set que originalmente se acondicionó, juntando dos sets, para filmar Dunas (Lynch, 1984). El director de los estudios Cinecittá en Italia escuchó que en México había un set más grande que los suyos y tuvo que venir a comprobarlo, sintiéndose aliviado al descubrir que dicho set había sido creado al derribar la pared que separaba dos sets más pequeños.

PARA LA TRIVIA GEEK: Investigaciones actuales han logrado implantar recuerdos falsos en la memoria de ratones de laboratorio.

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VIERNES 13: UN NUEVO COMIENZO. ¿El regreso de Jason Voorhees?

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VIERNES 13 PARTE V: UN NUEVO COMIENZO

Friday the 13th: A New Beginning

  

Danny Steinmann, 1985

 

Viernes 13: el capítulo final (Zito, 1984), que como su nombre lo dice, estaba destinada a ser la última película de la franquicia, fue la cinta más taquillera de la saga. Por lo tanto, habría sido idiota no aprovechar la renovada fama de la serie con una nueva entrega. ¿Cómo, si Jason había muerto en la cinta anterior? ¡Qué importa! La continuidad de estas películas dejó de tener sentido desde la segunda parte.

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    En esta nueva entrega, Tommy (John Shepherd), protagonista de la película anterior y quien ultimara al maniático Jason Voorhees, se ha convertido en un joven perturbado y con tendencias violentas –lo que, técnicamente, ubicaría esta película en el futuro–. Después de muchas peripecias, Tommy es transferido a una granja para jóvenes con problemas mentales en medio del bosque. Con la llegada de Tommy, una serie de brutales asesinatos comienzan a ocurrir en la granja y sus alrededores, y todo parece indicar que o Jason (Tom Morga) está de regreso o alguien ha asumido la identidad del asesino de Crystal Lake.

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    Siempre he dicho que no hay nada que “eleve” más una mala película como una explosión. Esta peli tiene una explosión en los créditos iniciales… ¡Y vaya si es mala!

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    El guión es un completo desastre del cual pocas cosas pueden sacarse en claro e incluso, en algunas partes, ni siquiera parece que hubiera un guión. Los personajes prácticamente son inexistentes, se reducen a una colección de los más estereotípicos clichés y, de hecho, muchos de ellos sólo aparecen en la escena en la que los van a matar.

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    Los “personajes” llegan a ser tan superficiales y poco interesantes que no tardan en volverse molestos y, la neta, hay partes en las que uno siente que Jason ya se tardó demasiado en matarlos. Y créanme, las escenas de los hillbillies, que no sé si son una referencia a Bloody Mamma (Corman, 1970), son insoportables.

    Durante toda la peli se supone que el guión trata de manejar la ambigüedad sobre si Tommy es el asesino o no; pero ¿cómo decirlo?… Su ambigüedad resulta tan mal planteada que se vuelve ambigua. Me refiero a que a media película uno como espectador no está seguro si se supone que debe pensar que Tommy es el asesino o no e incluso, por momentos, la narrativa es tan atropellada que pareciera que hay dos Jasons simultáneamente. De cualquier modo, Tommy desaparece durante prácticamente toda la segunda mitad de la peli SPOILER y la vuelta de tuerca al final de la cinta, aunque interesante, resulta increíblemente rebuscada TERMINA SPOILER.

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    Y esa granja debe ser el peor centro de readaptación que he visto, porque en ningún momento parece que los chicos estén recibiendo algún tipo de terapia.

    Claro que nada de esto importaría en una película slasher mientras haya asesinatos brutales y escenas topless, ¿verdad? Bueno, pues ojalá y las hubiera. Sí, hay un par de topless –que en realidad resultan poco interesantes– y resulta bastante evidente que esta cinta se filmó después de las protestas de numerosas asociaciones religiosas y de padres de familia contra la franquicia. Algunas de las muertes son interesantes en concepto y otras son remakes de muertes que ya habíamos visto anteriormente en la saga. Sea como fuere, todas sufren de una terrible censura que no nos permite ver prácticamente nada, convirtiendo a ésta, probablemente, en la entrega más tibia de toda la franquicia.

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    En defensa de la película, puedo decir que ésta es la entrada de la saga que más problemas tuvo con la censura. La MPAA (Motion Picture Asociation of America), el organismo encargado de clasificar las películas en EE.UU., exigió que alrededor de 16 escenas fueran removidas o editadas para darle a la película la clasificación R (para mayores de 17 años) en vez de la temida Clasificación X (para mayores de 21 años), incluyendo una escena de sexo con una duración original de 3 minutos que fue acortada a 10 segundos.

    El resultado final es una película severamente mutilada, tanto que en realidad se vuelve difícil entenderla.

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     Las actuaciones pasan de francamente hilarantes a molestas y terminan siendo prácticamente inexistentes. Digo, uno no esperaba nada en este rubro; pero no por eso dejan de ser inmundas. También es muy interesante que la cinta sigue con la porfía de usar treintañeros como chavitos y luego sí cuesta trabajo agarrar la onda de cuántos años se supone que tienen los personajes.

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    Como lo mencioné arriba, la narrativa es terriblemente atropellada y el lenguaje visual está poco entendido. Quiero decir, muchas de sus tomas se ven tan anticuadas y llegan a ser confusas.

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    Al final del día, Viernes 13: un nuevo comienzo es, quizá, una de las peores entregas en una franquicia de películas de por sí bastante malas. Por no mencionar que comete el pecado capital: es aburrida. No importa si tu película es mala o buena, mientras sea entretenida al menos tienes algo que ofrecerle al espectador. Y esta cinta simplemente no lo tiene.

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PARA LA TRIVIA: Originalmente, la película sucedería inmediatamente después de la anterior y tendría a un Tommy Jarvis púber como protagonista. El guión fue escrito para que Corey Feldman regresara a interpretar el papel. Sin embargo, tuvieron que hacerse cambios para convertir al personaje de Tommy en adulto, pues Feldman se encontraba ocupado trabajando en Los Goonies (Donner, 1985) y tuvo que limitar su aparición a un cameo en el prólogo.

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ARACNOFOBIA.

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ARACNOFOBIA

Arachnophobia

Frank Marshall, 1990

Cuando era pequeño, fui un niño citadino que se mudó de una gran ciudad a una ciudad pequeña, rodeada de comunidades rurales. Casi todas las personas en la ciudad se conocían entre sí y, como se trataba de una zona costera, el clima era cálido y húmedo. Recuerdo también la exótica fauna que conocí en aquel lugar y, sí, era más o menos frecuente saber de casos de gente que, si bien no moría, sí enfrentaba situaciones difíciles por piquetes de insectos y arácnidos. Por lo tanto, esta película me hablaba muy particularmente a mí y, aunque malita, es una de las que recuerdo con más cariño de mi infancia.

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    El médico Ross Jennings (el gran Jeff Daniels) se muda con su familia al pequeño pueblo rural de Canaima, sin saber que una especie casi prehistórica de araña ha llegado al lugar desde Sudámerica y, tras aparearse con las arañas locales, ha creado una especie de súper arañas asesinas que, poco a poco, va dando cuenta de los habitantes del pueblo. Mientras las muertes se suceden una a otra, la confianza de los habitantes de la comunidad en el nuevo médico va mermando. Para Jennings sería mucho más fácil lidiar con los mortíferos arácnidos si no fuera porque sufre de un terrible caso de aracnofobia.

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    Las películas de animales al ataque tuvieron su apogeo, en gran medida gracias a Tiburón (Spielberg, 1975), a mediados de la década de los 70 y el argumento de arañas letales que atacan a un pueblo pequeño no era nada nuevo para cuando salió esta película, como bien puede constatarse con la oligofrénica película El reino de las arañas (Cardos, 1977).

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    El argumento, como puede verse, es más bien simplón; pero la realización de la película es lo que la hace destacar. El guión está bien hecho, a secas, y funciona bastante bien, a pesar de incurrir en sendos clichés –el científico al que nadie le cree, el trauma de la niñez del protagonista, la confrontación entre el sistema de valores rural y el urbano, etc.– y en momentos que se me antojan demasiado melodramáticos. A pesar de ello, la historia está bien contada y los diálogos están bien escritos, aunque los personajes casi no tienen profundidad. Y, bueno, por supuesto, todo el asunto peca de camp.

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    Las actuaciones están bien, sobresaliendo el personaje de Daniels y el del exterminador Delbert McClintock, interpretado por el siempre genial John Goodman, que funciona como vis comica… y que también es un cliché, pero no por eso resulta menos entrañable. Los demás personajes son tipos que básicamente apoyan ese racismo y clasismo aptos para toda la familia que tan en boga estaba en aquella época. Incluso puede advetirse un constante tono de burla hacia el sector de la sociedad estadounidense denominado “redneck”.

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    Entre los principales fallos de la película pueden encontrarse principalmente cuestiones técnicas. La mayor parte de la peli fue filmada en locación en el pueblo de Cambria, California; pero los sets, aunque están muy bien construidos, pierden cualquier verosimilitud con los cicloramas que se pueden ver a través de las ventanas y que son de lo más chafa.

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    Del mismo modo, la araña General, creada por el estudio  de Chris Walas –éste fue uno de los primeros animatrónicos creados por Jamie Hyneman, otrora conductor y co-productor de Los cazadores de mitos (2003- )–, luce tan falsa que, con frecuencia, cuesta trabajo entender que ésta y su doble real son la misma criatura –¿por qué la araña General chilla?–… ¡Y qué decir de la toma en la que el General trepa por la pierna de Jennings y se ve en su abdomen la vara con la que los titiriteros la estaban manipulando!

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    Las telarañas también se ven bastante cutres en algunas tomas y me recordaron por momentos a las de las películas de El Santo… Por cierto, las tarántulas no tejen telarañas.

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    A lo anterior, súmese una edición más bien descuidada, llena de cortes duros y transiciones abruptas que de repente entorpecen la narración.

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    Sin embargo, la película tiene también algunos elementos del lenguaje cinematográficos súper bien trabajados, de los cuales hablaré a continuación.

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    Por principio de cuentas está el ritmo. La cinta maneja de manera magistral el ritmo. Logra crear suspenso y tensión en el espectador y lo va manejando en muy bien logrados momentos de tensión-distensión que pueden o no culminar con momentos de horror. Esto resulta en un impecable ritmo que lo mantiene a uno atento durante las casi dos horas de duración del filme.

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    Por otro lado, está la narrativa, apoyada por una eficiente propuesta de fotografía. En muchos momentos de la película, las escenas están contadas desde el punto de vista de las arañas, que se convierten en personajes secundarios y motores de la acción al mismo tiempo. Los planos detalle de la araña General sí se ven medio ridículos; pero igual funcionan.

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    La música de Trevor Jones está bien, auqnue siempre me ha parecido que Danny Elfman pudo ser una mejor opción para componer el soundtrack de esta peli.

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    A final de cuentas, Aracnofobia es una de esas películas aptas para toda la familia pero con elementos de horror que tan bien le salían a Steven Spielberg… básicamente, fue por este tipo de cintas que se creó la clasificación PG-13. Es tan profunda como el fondo de la palangana; pero muy entretenida, divertida y logra manejar muy bien el suspenso, por lo que lo mantiene a uno interesado en lo que va a pasar y puedo decir que me gusta mucho como entretenimiento para un fin de semana de flojera.

PARA LA TRIVIA: Dos tipos de arañas reales fueron utilizados para la película. Las arañas pequeñas eran arañas de Avondale (Delena cancerides), traídas de Nueva Zelanda; mientras que la araña General era una tarántula Goliat –o tarántula pajarera– del Amazonas (Theraphosa blondi) maquillada específicamente para la producción. Ninguna araña fue lastimada durante la producción y medidas especiales fueron tomadas para garantizar la seguridad de los artrópodos.

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LOS CAZAFANTASMAS 2. Las superestrellas de lo sobrenatural están de regreso.

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LOS CAZAFANTASMAS 2

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Ivan Reitman, 1989

 

La primera película de Cazafantasmas (Reitman, 1984) se estrenó antes de que yo naciera, por lo que mi primer acercamiento a los personajes fue con la serie de dibujos animados Los verdaderos Cazafantasmas (1986-1991). Justo cuando dicho comercial de juguetes disfrazado de serie de televisión –que era lo que se estilaba entonces– estaba en la cima de su popularidad, los productores decidieron que sería buena idea hacer una nueva película de Los Cazafantasmas. Por azares del destino, vi primero esta secuela y después la película original.

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    Cinco años han pasado desde que los Cazafantasmas salvaran a la Ciudad de Nueva York de la venida de Gozer, el equipo se ha desintegrado y ninguno de sus antiguos miembros parece pasar por su mejor momento. Cuando el museo en el que trabaja Dana Barrett como restauradora –por alguna exótica razón, porque hasta donde recuerdo tocaba con la Sinfóica– recibe el extraño retrato de Vigo, el carpaciano (Wilhelm von Homburg, voz del legendario Max Von Sydow) –técnicamente sería Vigo, el valaco; pero lo tradujeron así–, un tirano y hechicero del medioevo, extraños acontecimientos comienzan a ocurrir en torno al bebé de Dana Barrett (la siempre genial Sigourney Weaver). Al mismo tiempo, la Ciudad de Nueva York parece infectada por una ola de energía negativa e irritabilidad cuya fuente podría ser una sustancia psicomagnotérica –que los niños de entonces sabemos que se llama “Ectoplazma”, con “z” para que Kenner pudiera registrar la marca– que comienza a acumularse por montones en el subsuelo de Manhattan. Los Cazafantasmas tendrán que reunirse una vez más para salvar a la ciudad.

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    Recuerdo que cuando era niño y vi esta película me pareció un poco decepcionante e, incluso, aburrida por momentos. Sin embargo, ahora que la he vuelto a ver siendo adulto, me ha parecido bastante decepcionante y todavía un tanto aburrida.

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    Cuando una secuela ya no tiene nada que contar y el único interés que hay para producirla es vender merchandising –ni siquiera la taquilla– se nota. El planteamiento de la película es poco interesante y parte de una serie de clichés: los Cazafantasmas separados, Dana y Peter Venkman (Bill Murray) peleados tras una relación fallida, etc. Francamente, me sorprende que basaran gran parte del argumento en la Ectoplazma® que, de todos los personajes y elementos de la primera película, las siete temporadas de la serie de dibujos animados y las 10 olas de figuras de acción producidas a lo largo de cinco años, ha de haber sido lo más pinche interesante.

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    Empero, estoy siendo injusto. La verdad es que muchos elementos del universo de Los Cazafantasmas fueron retomados para esta cinta. De hecho, el argumento de un flujo de Ectoplazma® bajo el suelo de Manhattan fue tomado de un episodio de la serie de dibujos animados; varios de los artefactos que usan los personajes están basados también en los dibujos animados. Al igual que en un episodio de la serie, el atolondrado contador Louis Tully (Rick Moranis) se pone el traje de Cazafantasmas y siempre me ha parecido que la escena en la que Winston traspasa el tren fantasma es una referencia a las figuras de acción de Kenner –particularmente la serie Fright Features–. Del mismo modo, en cierto parlamento se hace una referencia al episodio de los dibujos animados, Rosebud, que es, de hecho, una especie de secuela/homenaje a Ciudadano Kane (Welles, 1941).

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     Y, si uno se pone a analizarlo… ¿no reciclaron, de hecho, la estructura de la primera película? La primera peli empieza en que a los Cazafantasmas les va mal: los corren de la Universidad; en ésta, el equipo está separado y ha perdido toda credibilidad. En la primera cinta, Venkman está cortejando a Dana; en ésta, tiene que recuperar su confianza. En la primera película hay sólo un enfrentamiento largo con un fantasma: Slimer –Pegajoso, pa’ los cuates quien, de hecho, recibió oficialmente ese nombre en la serie de dibujos animados– en el salón de banquetes de un hotel; en ésta, son los hermanos Scoleri que se aparecen en mitad del juicio a los Cazafantasmas y les devuelven su credibilidad seguido, en ambos casos, de un bonito montaje. En la película anterior había un burócrata, Walter Peck, que buscaba por todos los medios clausurar a los Cazafantasmas; en ésta, otro burócrata, Hardemeyer (Kurt Fuller), persigue el mismo fin. En la primera cinta había un hombre de malvavisco gigante al final; en ésta, tenemos a la Estatua de la Libertad convertida en mecha. En la primera película Ray Stanz (Dan Aykroyd) la caga cuando elige la forma que tomará Gozer, el Destructor; en ésta, Ray es poseído por el espíritu de Vigo, el carpaciano, etc…

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     El soundtrack está bien y, aunque trata de seguir el tono y concepto de la primera parte, no termina de funcionar del todo. Aun con el tema musical interpretado por Run D.M.C. Otras colaboraciones musicales en esta cinta incluyen a Elton John, Doug E. Fresh y Oingo Boingo.

    Y, bueno, hasta ahora creo que sólo me he quejado de esta cinta y quizá he sido demasiado duro con ella. A pesar de sus grandes fallas, la película también tiene grandes aciertos.

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    Por principio de cuentas, creo que el guión es bueno. Quizá la parte de la anécdota queda un poco a deber; pero la historia se cuenta bien y los diálogos son geniales… aunque no sé qué tanto esto sea un mérito del guión, pues en la primera parte prácticamente ninguna escena se filmó como estaba escrita, ya que los actores improvisaron casi todos sus diálogos. Del mismo modo, las relaciones dramáticas entre los personajes y el drama como tal se van construyendo bien.

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    Y ése es otro de los grandes aciertos de la cinta: a pesar del tiempo que transcurrió entre una película y otra, la química entre los personajes se mantiene. Uno realmente se la cree que se trata de un grupo de compañeros convertidos en amigos tratando de subsanar sus relaciones disfuncionales. En pantalla, esto se puede ver en el impecable timing cómico. Las actuaciones de todos los intérpretes están muy bien y sus personajes se vuelven seres de carne y hueso.

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    Los efectos especiales, creados en su mayoría por Denis Muren e Industrial Light & Magic son un tanto disparejos. La gran mayoría se ve muy bien y, para aquella época, eran de lo mejor que se podía ver en pantalla. Sin embargo, los efectos que se ven mal se ven muy mal. Con todo, hay algunas secuencias de efectos visuales que no le piden nada a las sofisticadas tomas de CGI que estamos acostumbrados a ver hoy en día.

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     A final de cuentas, Los Cazafantasmas 2 es una película decente, no particularmente buena, en la que el elenco y los efectos especiales hacen funcionar un argumento un tanto anodino y en el que, según me ha parecido siempre, hacen falta fantasmas. La cinta sale bien librada, aunque creo que su elemento más débil es precisamente el que más atención debía recibir: el villano. Por desgracia, las comparaciones son inevitables y esta cinta palidece terriblemente al compararla con la primera.

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    En la serie de TV hubo villanos recurrentes como el Coco, Sandman o Sam Hein, todos ellos bastante terroríficos para un programa de TV infantil… ¿por qué no usar a alguno de ellos?

PARA LA TRIVIA: Aunque en la película se menciona que el retrato de Vigo será exhibido en el Museo Metropolitano de Arte, e incluso en las tomas de establecimiento aparece un letrero indicando tal cosa, tanto los interiores como los exteriores del edificio que aparece en la película son los del Museo de los Nativos Americanos, al sur de Manhattan.

PARA LA TRIVIA GEEK: La serie de dibujos animados y las dos películas están insertas dentro del mismo canon y línea temporal. El episodio Citizen Ghost de Los verdaderos Cazafantasmas es una continuación directa de la primera película y en él se explica cómo fue que los restos del Hombre de Malvavisco poseyeron los trajes originales de los Cazafantasmas y éstos tuvieron que cambiarlos por los monos de vistosos colores de los dibujos animados; además de que se cuenta la historia de cómo Pegajoso se volvió bueno y se integró al equipo. Del mismo modo, en varios capítulos el Hombre de Malvavisco, el alcalde, Walter Peck, Zuul y el mismo Vigo hacen cameos o apariciones especiales, mientras que en las últimas temporadas Jeanine Melnitz (voces de Laura Summer y Kath Soucie) aparece con el look que tiene en la segunda cinta.

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JOJO RABBIT. Una estrafalaria sátira del nazismo.

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JOJO RABBIT

 

Taika Waititi, 2019

 

Antes de Jojo Rabbit, la única película que había visto del director neozelandés Taika Waititi era Entrevista con unos vampiros (Clement y Waititi, 2014) –que es el infortunado título con el que tradujeron What We Do in the Shadows en nuestro país–; pero debo decir que pocas veces recuerdo haberme divertido tanto con una película. En cuanto vi el trailer de ésta, me llamó la atención y la verdad es que no me ha decepcionado.

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    Las películas de niños en la Segunda Guerra Mundial son un lugar común en el cine; pero creo que Jojo Rabbit logra darle un giro interesante a un tema tratado tantas veces antes.

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    La cinta cuenta la historia de Jojo (Roman Griffin Davis), un niño de diez años que vive en la Alemania del Tercer Reich y es un asiduo fan del Partido Nacional-Socialista; tanto así que su amigo imaginario es el mismo Adolf Hitler (Taika Waititi). Tras fracasar en el entrenamiento con las Juventudes Hitlerianas, Jojo queda recluido en su casa, lo que le permitirá descubrir un impactante secreto sobre su madre y su fallecida hermana que cambiará su forma de ver el mundo para siempre.

    Creo que lo que más me llamó la atención sobre esta película fue la forma magistral en la que se juega con el tono. Pasa de una comedia referencial y satírica a la comedia de slapstick y luego te lleva a un denso melodrama. Y lo hace de forma tan orgánica y tan natural, que uno ni cuenta se da y cuando menos te lo esperas ¡zaz! Ya estás derramando la lagrimita y te quedas con cara de: “¿Qué pasó? ¿Qué no nos estábamos divirtiendo?”

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    Y la película puede hacer esto no sólo por una dirección hábil, sino por las excelentes actuaciones de todos los involucrados. Davis está increíble en su papel de Jojo y logra crear una empatía muy particular con el público. Del mismo modo, Waititi es una caricatura verdaderamente hilarante de Adolf Hitler y el periplo de su personaje, aunque imaginario, se convierte, en un segundo nivel de lectura, en una sátira hecha y derecha del nazismo y de la relación del pueblo alemán con él.

    Por su parte, Scarlett Johansson parece muy empeñada en que se le tome en serio como actriz… de nueva cuenta, al menos, y alejarse un tanto de la imagen de superheroína de blockbusters que el Universo Cinematográfico Marvel le ha dejado; y se luce en pantalla en el papel de Rosie, la madre de Jojo, brindándonos algunos de los momentos más emotivos de la cinta.

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    El guión está bien escrito, aunque el argumento se vuelve predecible. Quizá uno de los puntos más interesantes del guión de Waititi es la forma en la que se aleja diametralmente del material original. Basada muy libremente en la novela de Christine Launens El cielo enjaulado (2004), la adaptación fílmica de la novela retoma apenas la mitad del argumento de ésta y le cambia por completo el tono. El libro es mucho más oscuro y profundamente pesimista, y toca temas como el amor posesivo y la masculinidad tóxica.

    Según podría inferirse por los propios comentarios del guionista/director, Waititi no leyó el libro con demasiada atención y, probablemente, ni siquiera lo terminó. Lo que hizo fue tomar las bases planteadas por éste y sobre ellas construir su propio discurso, permitiendo que su propia personalidad tomara las riendas del relato y convirtiendo la historia en una cosa completamente diferente, pero lo suficientemente similar como para que pudiera reconocerse el referente a partir del cual se construyó la película.

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    Sea como fuere, la obra del neozelandés termina siendo una conmovedora historia de transición de la niñez a la adolescencia y del crecimiento personal que ello implica – lo que es un poco contrario al mensaje del libro–, así como un fuerte estudio sobre la soledad. No por ello se trata de una mala película, por el contrario, creo que es de lo mejor que he visto últimamente; pero quería resaltar el punto de que, como adaptación de la obra literaria es más bien extraña. Podría sumarse a la lista de películas basadas en novelas que, aunque buenas o incluso excelentes, transmiten un mensaje opuesto al de sus fuentes literarias, como podrían ser Desayuno en Tiffany’s (Edwards, 1961) o El Diablo viste a la moda (Frankel, 2006).

    La música es muy buena y las canciones que aparecen en la cinta ayudan a complementar el efecto de la sátira y la comicidad, mientras que las composiciones corales de Michael Giacchino recuerdan muy profundamente a la música proselitista del Tercer Reich.

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    Puedo concluir diciendo que me gustó mucho esta película y es de las pocas con las que se me han salido las lagrimitas en una sala de cine. De hecho, en algún momento, me hizo enojar. Me molesté con la película cuando el tono cambia radicalmente y, después de una comedia de espíritu ligero, la crudeza de la realidad me golpeó con una bofetada a media película. Pero, por supuesto, esto sólo evidencia la relación que la cinta había logrado crear conmigo y eso es muy poderoso.

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    Mel Brooks, creador de Los productores (1967), otra de las grandes sátiras cinematográficas sobre el nazismo, ha elogiado la película.

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PARA LA TRIVIA: Cuando se le preguntó a Taika Waititi, judío de ascendencia maorí, por qué había decidido interpretar a Adolf Hitler, éste contestó que era la mejor forma de dedicarle un “jódete” al Führer.

PARA LA TRIVIA GEEK: Adolf Htiler comenzó a afeitarse el bigote en su forma característica durante la Primera Guerra Mundial, pues su mostacho normal no cabía dentro de la máscara antigases.

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EL FARO. La nueva película de terror del director de “La bruja”.

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EL FARO

The Lighthouse

 

Robert Eggers, 2019

 

Hace casi seis años dirigí el montaje de una obra teatral del Grand Guignol titulada Los guardafaros. En ella, dos guardianes de un faro viven las penurias del aislamiento y la soledad cuando uno de ellos enferma y su sanidad mental comienza a decaer. Cuando me enteré de que habría una película con una premisa harto similar, que sería estelarizada por dos actores que considero buenos y que, además, sería producida por A24 y dirigida por Robert Eggers, creadores de la sensacional La bruja (Eggers, 2015), comencé a esperar con verdaderas ansias el momento de verla.

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     Ahora que por fin la vi, puedo decir que la película no sólo no me ha decepcionado; sino que me gustó mucho.

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    La cinta es, de hecho, un remake de la producción británica del mismo título dirigida por Chris Crow y estrenada en 2016. A su vez, ésta, al igual que la obra teatral, está basada en un caso real conocido como el incidente de Small Island, acaecido en 1801.

     A finales del siglo XIX, en alguna aislada isla en la costa de Nueva Inglaterra, un viejo guardafaros (Willem Dafoe) y su nuevo asistente (Robert Pattinson) inician su turno en un viejo y destartalado faro. La relación entre ambos es poco menos que terrible y los abusos y maltratos hacia el joven aprendiz son constantes. Poco a poco, la soledad y el aislamiento irán haciendo mella en sus mentes y la línea entre la realidad y la fantasía se irá desdibujando cada vez más mientras los demonios del pasado y presente hacen presa en los personajes.

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    Aunque la compañía independiente A24 ha incursionado en prácticamente todos los géneros, el que la ha hecho famosa y el que les ha resultado más redituable ha sido el terror. Y la apuesta de A24, con la cual creo que podría incluso renovar el género, ha sido la de un cine de terror de autor. Producciones anteriores de la compañía como la ya mencionada La bruja y Midsommar (Aster, 2019) dejan esto bastante claro.

    Creo que debo empezar diciendo que la película es poco accesible. Por momentos, creo que podría estar pidiendo demasiado del espectador, pero en realidad no es así. A lo que me refiero es a que esta cinta sí necesita de la atención del público y de su compromiso para poder ser disfrutada plenamente, pues en vez de presentarnos las cosas ya digeridas, nos da sólo sugerencias y guiños, las piezas de un rompecabezas que uno debe armar.

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    Del mismo modo, cabe señalar que ésta es una película de terror. Es decir, la peli trabaja más con la psicología del espectador, es mucho más sutil y mucho más sugerida y, aunque sí hay varios momentos de horror, en realidad son pocos y son la culminación de la atmósfera que se ha ido construyendo a lo largo del relato.

    SPOILER Para quienes estén de acuerdo conmigo acerca de la existencia de un estilo Gótico Americano, esta película más o menos podría entrar en él. La gran diferencia sería que en esta obra el terror viene enteramente de una fuente psicológica en vez de sobrenatural. Sin embargo, el subtexto homoerótico de la película que es, de hecho, lo que finamente le causa terror y conflicto al personaje de Winslow/Thomas alcanza dimensiones que, contextualizando la obra en la época histórica en la que se ambienta, alcanzan un terror profundo. En este sentido, la peli me recordó mucho también a La semana del asesino (de la Iglesia, 1973). TERMINA SPOILER

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    Esta película tiene mucha influencia del cine de Ingmar Bergman y, de hecho, por momentos me recordó a mi película de terror favorita: La hora del lobo (Bergman, 1968). Al igual que en las películas del maestro sueco, el ritmo es lento y parsimonioso; pero resulta eficiente y es el necesario para crear el tono y la atmósfera opresiva y claustrofóbica del relato.

    Además de la obvia referencia a Bergman, la película está plagada de otras referencias. Por ejemplo, un montón de referencias a H.P. Lovecraft y su mitología, a la obra de Mellville y Stevenson y, por momentos, todo el numerito se antoja demasiado similar a Esperando a Godot, la obra de teatro del absurdo de Samuel Beckett. Asimismo, hay un montón de referencias a la mitología griega que resultan deliciosas. SPOILER De hecho, el argumento de la película como tal es una reinterpretación del mito de Prometeo TERMINA SPOILER.

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    Las actuaciones son excelentes y ambos intérpretes tienen, desde lo sutil hasta lo intenso, momentos de verdadera genialidad que los hacen brillar en pantalla y que, la verdad sea dicha, sí me llegaron a poner la piel de gallina.

    La fotografía de la película es una propuesta artística en sí misma. Por principio de cuentas, la cinta fue filmada en blanco y negro, en un radio de 1.19:1, con sonido monoaural y utilizando fotografía en película de 35mm como homenaje a las pelis de la época. Por supuesto, más allá de los aspectos técnicos, la fotografía en esta cinta se convierte en una poderosa herramienta narrativa que utiliza luces, sombras y texturas para crear una atmósfera casi expresionista en la que la perturbada psique de los personajes transforma su entorno.

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    La música, compuesta por Max Korven, es interesante y se aleja del soundtrack tradicional de inspiración wagneriana, usando como único leit motiv una ominosa sirena de niebla.

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    Puedo concluir que me gustó mucho esta película y que logró su objetivo: hubo momentos en los que sí me provocó terror y créanme cuando les digo que soy un hueso duro de roer. Mantiene ese saborcito de trabajo íntimo y personal de su director y, entre las dos obras de éste, no podría atreverme a elegir una como la mejor. Por otro lado, entiendo que una cinta como ésta pueda no resultar atractiva para algunos sectores del público; pero, sin duda, no me cansaré de recomendarla y de afirmar que, al igual que La bruja, probablemente sea de lo mejor que se ha hecho en el cine de terror en los últimos años.

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PARA LA TRIVIA: Todos los edificios que aparecen en pantalla fueron sets construidos para la película. A los vecinos de la locación les gustó tanto el faro de escenografía que muchos de ellos pidieron que lo dejaran ahí después de la filmación; sin embargo, tuvo que ser desmantelado por razones de seguridad.

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