MAC: MI AMIGO DE LAS ESTRELLAS. La película que me daba pesadillas de niño me sigue dando pesadillas 30 años después.

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MAC: MI AMIGO DE LAS ESTRELLAS

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Stewart Raffill, 1988

 

La utilización de películas para colocar productos en un sector específico del mercado no es, en absoluto, una estrategia nueva. El mismísimo Harland David Sanders –mejor conocido como Coronel Sanders– era bastante espléndido para producir películas de baja calidad en las que pudiera hacer cameos promocionando su pollo estilo Kentucky en la década de los 60. En los 80, cuando se vino toda la ola de series de dibujos animados que eran en realidad comerciales largos de juguetes, también hubo un montón de películas que trataban de venderle cosas a los niños.

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    Así pues, Mac, mi amigo de las estrellas es un lastimoso intento de bajo presupuesto por parte de la dupla McDonald’s/ Coca-Cola para promocionar sus productos. Y no sólo es terrible, sino escalofriante.

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    En la peli, una expedición no tripulada de la NASA a un planeta distante captura y envía accidentalmente a una familia de extraterrestres a la Tierra. La familia se separa y el más pequeño de ellos llega a un vecindario suburbano al que Janet Cruise (Christine Ebersole), madre divorciada, y Eric (Jade Calegory) y Michael (Jonathan Ward), sus dos hijos, acaban de mudarse. Los niños, en medio de muchas peripecias y violencia sin sentido, ayudarán a Mac, el pequeño extraterrestre, a reunirse con su familia.

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    ¡Oh, por Cthulhu! ¿Pero qué rayos es esta madre? Digo, una cosa es querer piratearse E.T. el extraterrestre (Spielberg, 1982); otra distinta es querer posicionar productos en el mercado infantil… ¡Y otra totalmente diferente es querer traumatizar niños!

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    Recuerdo que vi esta película alguna vez en el cable cuando estaba en segundo de primaria, creo, y me moría de miedo. De por sí el diseño de E.T. es difícil de soportar para algunas personas; pero el aspecto de los alienígenas en Mac… es aterrador. No sé si sea el hecho de que el bajo presupuesto de la película los hace verse algo tétricos, no sé si sea el tono en el que fueron filmadas sus escenas o no sé si sea el hecho de que, por alguna extraña razón, decidieron que sería buena idea que estas criaturas lucieran sospechosamente parecidas a las víctimas de la radiación de Hiroshima.

    Recuerdo también que, en ese entonces, esta película me dio pesadillas. A la fecha, esa escena de los alienígenas chiflándole al sol me sigue poniendo los pelos de punta… ¿Y por qué se comunican chiflándose entre ellos? ¿Son de Tepito? Tal vez sólo fui un niño muy sensible. Si no fuera suficiente con el aspecto perturbador de los alienígenas para traumatizarme, las escenas de ese niño en silla de ruedas cayendo por una colina –Jajaja, los memes de Heidi y Clarita– o la de un niño muriendo en la explosión de un supermercado deberían bastar.

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    Y ahora que lo pienso, también hay un montón de violencia en contra del pobre Mac. Supongo que pretendían que fuera divertida, una especie de comedia de Slapstick como en Tom y Jerry; pero en vez de eso, termina siendo un conjunto de escenas truculentas sin justificación alguna contra un ser deforme que ni siquiera intenta defenderse, más en el tono de Nuestra Señora de París.

    Bueno; pero no todo en esta película es aterrador… muchas partes simplemente son inmundas. Como esa escena de la fiesta de cumpleaños en un McDonald’s en la que todos cantan y bailan improvisadamente y sin razón, pero con una coreografía perfecta… con Mac disfrazado de osito de peluche… está bien, esperen, eso también se ve tétrico. Por cierto, que la escena fue filmada en un McDonald’s en City of Industry, California, que fue construido específicamente para la grabación de comerciales y la capacitación de personal. Aunque se trataba de un restaurante completamente funcional, nunca estuvo abierto al público –por si se preguntaban por qué en los comerciales de McDonald’s todos los restaurantes se veían iguales–.

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    También hay sendos momentos ridículos, como en esa misma escena del McDonald’s en la que alguien tira un vaso de refresco –­vacío, por cierto­– y todos los actores en la escena deciden ignorarlo. Por no mencionar el hecho de que en varias escenas a los papás de Mac se les ven roturas en las botargas o al mismo Mac, las rebabas y los cables con los que lo movían.

    Las “actuaciones” también son de pena ajena y hay escenas en las que parece que los actores están compitiendo para ver quién lo hace peor. Aunque, eso sí, hay que reconocer que esta película significó el debut en la pantalla grande de varios actores hoy famosos, como Jennifer Aniston –su debut con un personaje con parlamentos de verdad sería en Leprechaun, el duende maldito (Jones, 1993); pero la primera vez que la vemos en una película es aquí–, y la actriz y comediante Nikki Cox, quienes son bailarinas en el infame numerito musical de McDonald’s; o el actor Paul Rudd –a quien seguro recuerdan por su papel de Ant-Man en Ant-Man: el hombre hormiga (Reed, 2015), quien fue el doble de Calegory para la infame escena en la que lo tiran por un barranco en una silla de ruedas.

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    En general, la cohesión del guión es prácticamente nula y es difícil encontrar la relación que guarda cada escena con la siguiente. A media película, uno comienza a preguntarse si todo eso que pasa en pantalla en realidad está llevando a algo.

    Debo reconocer que hay un aspecto, y sólo uno, rescatable en esta porquería: la música. El gran compositor Alan Silvestri, quien nos deleitara con soundtracks maravillosos como los de la Trilogía de Volver al futuro (Zemeckis, 1985-1990), las primeras dos cintas de Depredador o Beowulf (Zemeckis, 2007), compone la música original para Mac: mi amigo de las estrellas. Y la verdad es que le queda muy grande a la peli. Aunque no me atrevería a contar este soundtrack entre los mejores trabajos de Silvestri, sí es bastante decente. Sin embargo, durante toda la cinta da la impresión de que pertenece a otra película. Si uno se imaginara la peli a partir de escuchar el soundtrack, creería que se trata de una aventura emocionante y trepidante llena de acción… cosa que obviamente no es.

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    SPOILER Y ya, lo tenía que soltar. Al final, Mac y su familia son premiados con la ciudadanía estadounidense. Así es, no con volver a su planeta; sino con ser obligados a integrarse a la sociedad gringa, vivir en los suburbios, buscar empleos, comprar un auto y pagar impuestos… Cosa que nunca nos dijeron que querían. TERMINA SPOILER

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    Al final de la peli, Mac y su familia amenazan con volver. Una secuela estaba planeada para esta cinta; pero tras su estrepitoso fracaso en la taquilla fue cancelada. La película costó cerca de 13 millones de dólares –sí, aunque no se le vean por ningún lado– y recaudó apenas la módica cantidad de seis millones, impidiendo así cualquier intento de continuar la franquicia… ¡Alabado sea Cthulhu!

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PARA LA TRIVIA: Tanto a Anjelica Huston como a Kim Basinger les fue ofrecido el papel de Janet Cruise, la madre de Eric y Michael. Ambas lo rechazaron.

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VIERNES 13 PARTE III. ¿Cómo no amar ese tema musical?

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VIERNES 13 PARTE III

Friday the 13th Part III

 

Steve Miner, 1982

 

Existen múltiples versiones de esta película: La versión original sin censura que se estrenó en cines, misma que se ofreció en formatos 2D y 3D –en un número limitado de salas debido a la escasez de proyectores 3D en la época– y la versión para formatos caseros que también se ha comercializado en 2D y 3D, tanto en VHS como en DVD y Blu-Ray. La diferencia entre ambos cortes son las escenas de asesinatos, que son mucho más explícitas en la versión original, así como un par de escenas topless. Según sé, la única vez que se comercializó la versión sin censura en formato casero fue en la edición holandesa para VHS.

    

No puedo negarlo: Me encantan las películas de Viernes 13. Y tampoco puedo negarlo: son malísimas. Siendo objetivo, creo que la única película de la franquicia que más o menos vale la pena es la primera. Muchos fans y críticos consideran que la segunda es mejor, pero la cuestión de que el planteamiento de la segunda película básicamente niega a la primera como que nunca me convenció. Sea como fuere, Viernes 13 fue una de las franquicias más longevas y populares del cine de horror; pero, sobre todo, una de las más redituables; por eso las hacían cada año. Eran cintas que costaban poco y ganaban mucho –Viernes 13 parte III costó poco más de 2 millones de dólares y recaudó casi 37­–.

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    Esta tercera entrada de la saga fue, además, una de las pioneras en la moda ochentera del cine en 3D. Siempre que la afluencia a las salas de cine disminuye, los productores echan mano del cine en 3D para hacerlo parecer novedoso. Lo hicieron en los 50, cuando la gente dejó de ir a los cines por preferir quedarse en casa viendo televisión; lo hicieron en los 80, cuando el público dejó de ir al cine porque podía rentar películas en video y verlas en la comodidad de sus hogares sin censura y sin comerciales; y lo están haciendo ahora –aunque ya está bajando un poco la tendencia, en realidad–, cuando la gente dejó de ir al cine porque podía ver las películas en Alta Definición en sus casas gracias a las plataformas digitales.

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    Viernes 13 parte III comienza justo donde se quedó la anterior –de hecho, como en la cinta anterior, el prólogo de la peli es metraje reciclado de Viernes 13 parte 2 (Miner, 1981) que ni siquiera se tomaron la molestia de transferir a formato 3D–, cuando Jason (el trapecista británico Richard Brooker) sobrevive milagrosa e inexplicablemente al ataque de Ginny. El asesino deforme se retira a su cabaña en el Lago Cristal para reponerse y justo a tiempo para recibir a un grupo de estudiantes universitarios que piensan pasar un fin de semana de reventón en una casa aledaña al lago. Hay también por ahí una banda de motociclistas que poco viene al caso y que también serán víctimas del niño Voorhees.

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    Y como la peli inicia al final de la cinta anterior, en realidad sucede en sábado 14 y domingo 15… curioso, ¿no?

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    Originalmente, Ginny (Amy Steel), de la película anterior, regresaría en esta cinta. El  personaje estaría traumatizado por los eventos de la peli anterior y Jason la rastrearía hasta el hospital psiquiátrico en el que se encontraría recluida, dando cuenta del staff y de otros pacientes… vamos, básicamente se iban a piratear el argumento de Halloween II (Rosenthal, 1981). Pero cuando Steel rechazó repetir el papel para dedicarse a otros proyectos, la idea se desechó.

    Quizá el elemento más importante de esta película es que en ella termina de definirse al personaje de Jason Voorhees –al menos hasta que lo replantean en Viernes 13 parte VI: Jason vive (McLoughlin, 1986)–. En esta cinta la vemos por primera vez con su careta de hockey, misma que no sólo se volvería un icono de la franquicia, sino del subgénero slasher mismo. El director no quería volver a usar el costal con el que Jason se cubría el rostro en la cinta anterior porque sentía que se parecía demasiado a El hombre elefante (Lynch, 1981), estrenada el año anterior. Así pues, la idea de la careta de hockey fue de Martin Jay Sadoff, supervisor de efectos 3D de la película, quien era un asiduo fan del deporte.

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    También es curioso que sea la primera –y quizá la única, no lo recuerdo bien– película de la saga en la que no aparece una chica rubia.

    La película es, curiosamente, una de las menos sangrientas de la saga. Según se sabe, espectaculares escenas de asesinatos fueron filmadas para la cinta; pero tuvieron que ser retiradas del corte estrenado en cines para evitar la temida clasificación X (para mayores de 21 años). Algunas eran demasiado sangrientas, otras demasiado reales y otras simplemente grotescas. Todavía después de que se retiraran dichas secuencias, las escenas de asesinatos fueron aún más recortadas, junto con las escenas de reacción de las víctimas, mayormente debido a la presión que varias asociaciones de padres de familia ejercieron sobre la película, cuya franquicia ya tenía muy mala fama para entonces.

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    El resto de la cinta es, objetivamente hablando, bastante olvidable. La narrativa es floja y por momentos hasta aburrida. Es decir, tratan de meterle suspenso al asunto; pero la verdad es que el suspenso sólo funciona si lo que se está contando es interesante. Y como a las escenas de muertes les bajaron mucho el tono, los momentos de horror en los que debería culminar el suspenso simplemente no se dan.

    Tampoco hay desnudos como en las pelis anteriores… ¡Vaya desperdicio del 3D!

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    ¿Y qué creen que tampoco hay? ¡Personajes! Muchos de los personajes que aparecen en pantalla son demasiado simples o son clichés… o son personajes simples que la franquicia volvería clichés en las siguientes entradas, como los pachecos o el chistocito que sólo trata de encajar en el grupo. Incluso Chris (Dana Kimmell), nuestra Final Girl para esta entrega, es poco interesante y cuesta trabajo conectar con ella; además de que es curioso que se trate de una chica traumatizada por un encuentro anterior con Jason.

    Si a los personajes pobremente escritos se le añaden actores poco competentes, entonces no hay mucho qué esperar. Es muy chistoso cómo uno puede ver escenas pasar y pasar sin que ninguno de los actores actúe. Empero, no es completamente su culpa. Según testimonios, el director estaba mucho más preocupado por pedirles a los actores que improvisaran acciones absurdas tratando de descubrir qué se vería bien en 3D que en realmente dirigirlos.

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    La falta de una idea sólida que sostuviera la película se nota en el montón de homenajes y referencias que esta tercera parte le hace a la primera. Además de que agrega elementos de comedia y, si no veo mal, también hace varias referencias –o de plano se fusila olímpicamente– a varias secuencias de La masacre de Texas (Hooper, 1974).

    Sin embargo, creo que lo que más me gusta de esta película es el tema musical. No sé por qué a Harry Manfredini se le ocurrió que sería buena idea hacer una versión disco del tema que compusiera para la primera película, pero gracias a los dioses que lo hizo… No importando que la música disco estuviera muerta y enterrada en Estados Unidos para el momento. El resultado es tan kitsch que creo que vale la pena ver la peli nada más por escuchar esa versión del tema de Viernes 13.

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    Viernes 13 parte III fue una de las primeras cintas en rodarse con nueva tecnología 3D en los 80. Fue también la primera película en 3D de Paramount Pictures desde 1954, cuando estrenaran Ulises (Camerini) con Kirk Douglas y Silvana Mangano. Por esto mismo, quizá el 3D no termina de funcionar tan bien –hablo de la versión casera, no tengo idea de cómo se haya visto en el cine–. Además de que algunas tomas se notan inseguras y la película se la pasa recordándonos que está en 3D al lanzar cosas completamente random hacia la cámara (palos, arpones, trinches, un ratón, una serpiente, etc.). Por si fuera poco, se sabe que, aunque la película fue barata de producir, Paramount gastó alrededor de 10 millones de dólares más en acondicionar las salas de cine para proyectarla en su formato de 3D.

    Creo que esta película me despierta sentimientos encontrados. Como fan de la saga puedo decir que es de mis favoritas porque en ella Jason obtiene su máscara y es en la que se definen la dinámica de la serie, así como los tipos de personajes, por no mencionar el soundtrack. Como crítico puedo decir que es una de las entradas más débiles en una franquicia que ya de por sí es débil. Creo que, a final de cuentas, uno debe ver esta cinta con el pleno afán de divertirse y sin esperar demasiado de ella o tomársela muy en serio. Tengan a la mano pizza y cervezas.

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    Por cierto, la peli está filmada mayormente en colores pardos para evitar que los vestuarios o los decorados interfirieran con el efecto 3D.

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PARA LA TRIVIA: Para evitar que se filtrara información sobre la película –y, según dicen las malas lenguas, por conflictos con sindicatos–, el proyecto se manejó con el nombre clave de Crystal Japan durante la producción, retomando el título de una canción de David Bowie. Esto inauguró una tradición/chiste local en el que cada película de la franquicia recibía por nombre clave el título de una canción de Bowie.

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Viernes 13 parte 2

 

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ANT-MAN Y WASP. La película número 20 en el Universo Cinematográfico Marvel.

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ANT-MAN Y WASP

Ant-Man and The Wasp

 

Peyton Reed, 2018

Me gustó mucho la primera película de Ant-Man (Reed, 2015). Recuerdo que no tenía mucha intención de ir a verla, pues comenzaba a saciarme de películas de superhéroes; pero que luego escuché varios comentarios muy positivos sobre ella y decidí darle una oportunidad. Y no me decepcionó. A pesar de que básicamente es la misma película de Iron Man (Favreau, 2008), la dinámica entre los personajes y el tono relajado y campechano de la cinta funcionaban muy bien. De la segunda película no sabía muy bien qué esperar, Marvel suele ser pobre a la hora de entregar secuelas interesantes… y creo que éste es el caso.

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    La historia sucede 3 después de los hechos ocurridos en la primera peli y, según me parece, simultáneamente con los hechos vistos en Avengers: Infinity War (Hnos. Russo, 2018). Scott Lang (regresa Paul Rudd), exconvicto portador del traje de Ant-Man está por terminar de cumplir su arresto domiciliario. Mientras tanto, Hank Pym (regresa Michael Douglas), el inventor del traje, y su hija, Hope Van Dyne (¿Qué creen? ¡También Evangeline Lilly regresa!), descubren que la madre de ésta, quien se perdiera más de 30 años atrás en el reino cuántico al reducirse a un tamaño subatómico, podría estar viva. Pym y Hope, con la renuente ayuda de Lang, tratarán de rescatarla, al mismo tiempo que eluden a mafiosos que buscan apoderase del traje, agentes federales que cuidarán celosamente que Lang purgue su condena y un misterioso enemigo conocido como Ghost (Hannah John-Kamen), quien puede atravesar objetos sólidos –y sí, sí hay una escena sospechosamente parecida a la persecución con esos gemelos albinos en Matrix: Recargado (Hnos. Wachowski, 2003)– y busca una cura para su mal… en la que podría estar involucrada la madre de Hope.

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     Al final del día, creo que Ant-Man y Wasp es, más que otra cosa, una oportunidad desperdiciada. Aunque el tono relajado de la peli se mantiene, ya no se siente tan fresco como en la primera parte; del mismo modo que el humor, a pesar de ser bueno, ya no funciona tan bien y no le llega al de su predecesora. Lo que sí sigue funcionando muy bien es la química entre los personajes que, francamente, me parece que es lo único que salva a esta cinta de ser completamente olvidable.

    Creo que lo que más resentí en la película de Ant-Man y Wasp fue la ausencia… ¡de Ant-Man y Wasp! Las escenas de acción de este dúo de superhéroes son más bien escasas a lo largo de la peli, cuya narrativa se va entre persecuciones y corretizas. Me hubiera gustado que le pusieran más atención al personaje de The Wasp –no a Hope, ése tiene suficiente–; sino a ella en su papel de superheroína, pues al final del día habrá apenas un par de secuencias en las que la vemos volar.

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    Siempre he dicho que un elemento fundamental para que una peli de superhéroes funcione son sus villanos. Particularmente en una secuela. Quiero decir, al héroe ya lo conocemos, toda esa información se nos dio en la primera parte, por lo que una dirección conveniente a tomar para la continuación es el desarrollo del villano. Si el villano no funciona, la idea de que es un peligro terrible del cual el héroe nos debe salvar se desvanece y, por lo tanto, el héroe se vuelve innecesario. Ejemplos de secuelas de películas de superhéroes que funcionan bien gracias a sus villanos los encontramos en Batman: el Caballero de la Noche (Nolan, 2008), Spider-Man 2 (Raimi, 2004) o X-Men 2 (Singer, 2003).

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    Sin embargo, en Ant-Man y Wasp hay cuatro antagonistas, dos de ellos son villanos per se, otro es un agente de la ley atolondrado y el otro simplemente se ve arrastrado por sus circunstancias… ¡Y ninguno de ellos funciona! Tanto Ghost como Sonny Burch (Walton Goggins… anécdota curiosa, John-Kamen y Goggins ya habían trabajado juntos en el anodino reboot Tomb Raider: las aventuras de Lara Croft [Uthaug, 2018]) son básicamente clichés de vilanos que ya se han visto ad nauseam y, particularmente en el caso de Ghost, que debería resultar trágico y patético se vuelve increíblemente aburrido.

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    Las actuaciones están bastante decentes, eso que ni qué. Todos los actores están bien en sus personajes. Me parece que Rudd y Lawrence Fishburne sobresalen con interpretaciones que sobrepasan la media… aunque tampoco por mucho. El resultado final es un conjunto de actores que funcionan bien, se siente la química entre ellos y, lo más importante, se siente cohesión en el elenco y las relaciones entre los personajes funcionan, a pesar de que no hay una interpretación que me haya asombrado en modo alguno.

    Hay otra cosa que no me gustó para nada de esta película: el diseño de los personajes. Sin embargo, esto no es un mal específico de esta cinta, sino una tendencia que Marvel ya viene arrastrando desde varios años atrás. ¿Por qué todos los trajes de sus superhéroes se ven iguales? ¿Por qué, salvo raras excepciones, todos sus personajes parece que están a punto de participar en una competencia de motocross? ¡Caray! Pudieron haber hecho cosas bellísimas con los trajes de Wasp y Ghost; pero, en vez de ello, decidieron diseñarlos bajo el mismo troquel de todos los demás. Digo, creo que todos estaremos de acuerdo con que el spandex de colores brillantes no funciona en la pantalla grande… pero piénsenle un poquito, señores diseñadores.

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    Y ése es el punto con Ant-Man y Wasp. No es una mala película, para nada. Es una divertida cinta de acción con elementos de ciencia ficción de Marvel… pero todo lo que sucede en pantalla lo hemos visto ya. Al final del día se vuelve redundante y repetitiva, y se ve muy inferior a otras películas del Universo Cinematográfico Marvel estrenadas recientemente. Creo que el término que podría utilizar para referirme a ella es “poco inspirada”.

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    Ant-Man y wasp es entretenida, tiene algunos chistes buenos y, en su mayor parte, se deja ver; pero la verdad es que uno puede saltársela sin culpa alguna… por supuesto, el Universo Cinematográfico Marvel está construido de tal forma que uno no pueda hacerlo. Creo que sólo es indispensable si uno es completista, Para el resto, será mejor no tener muy altas expectativas antes de verla y no esperar ser sorprendido… quizá, si acaso, por los encantadores trucos de magia con cartas de Lang.

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PARA LA TRIVIA:  Anécdota curiosa: en los cómics, Ghost es hombre y nunca ha peleado contra Ant-Man; originalmente se trataba de un enemigo de Iron Man.

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JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO. El regreso de los dinosaurios vivientes.

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JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO

Jurassic World: Fallen Kingdom

 J. A. Bayona, 2018

 

Con esta película creo que lo más conveniente será dividirme en dos para hablar. Como fan, puedo decir que fue emocionante volver a ver una cinta de la franquicia; ver de nuevo dinosaurios en pantalla en escenas de acción trepidantes y batallas épicas entre ellos, además de los humanitos corriendo por aquí y por allá para evitar ser devorados, muchas imágenes impresionantes de los colosos del Mesozoico y me encantó ver a especies que nunca antes habían aparecido en la pantalla grande, pero que llevaba mucho tiempo esperando, como los Carnotaurus, el Baryonyx –originalmente, ambas especies harían una aparición en Parque Jurásico III (Johnston, 2001)– o el Allosaurus. En ese sentido, puedo decir que la peli fue divertida, emocionante y que me mantuvo interesado a pesar de su duración excesiva.

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    Ya que lo saqué de mi sistema, puedo hablar como crítico: la película es bastante mala y creo que lo único que la salva de ocupar el sitio como la peor de la saga es ese bodrio de Jurassic Park III.

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    La historia sucede tres años después de los acontecimientos narrados en la primera Jurassic World (Trevorrow, 2015). El parque de atracciones está en ruinas y el volcán de Isla Nublar, que se creía inactivo, está por hacer erupción de nueva cuenta, lo que destruiría a los dinosaurios que aún habitan la isla. Tras la negativa del gobierno de EE.UU. por salvar a los animales, el magnate Benjamin Lockwood (James Cromwell), quien fuera el socio y colaborador de John Hammond del que jamás habíamos oído hablar en cuatro películas, decide enviar un equipo de rescate liderado por el cazador Ken Wheatley (Ted Levine), para llevar a los dinosaurios a una isla desierta. A la expedición se suman –por supuesto– Claire Dearing (vuelve Bryce Dallas Howard), antigua administradora del parque, y el domador de velociraptors Owen Grady (el carismático Chris Pratt) para ayudar con uno de los objetivos principales de la misión: capturar al velociraptor Blue.

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      Básicamente, la trama de la película es la misma que la de El mundo perdido (Spielberg, 1997), sólo que con algunos elementos de Ciencia Ficción y mal escrita. En general, creo que una de las partes más débiles de la cinta es el guión, que difícilmente puede mantener algo parecido a la cohesión. Al final del día, la peli termina siendo un amasijo de escenas de acción deslumbrantes con poca relación entre ellas, sostenidas con alfileres por una trama que peca de simple y plagada de huecos. A pesar de eso, la verdad es que hay varias vueltas de tuerca que funcionan bastante bien. SPOILER Además, me agradó bastante el comentario sobre el tráfico de animales. TERMINA SPOILER

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    ¿Recuerdan cómo en Parque Jurásico III los humanos eran idiotas que actuaban en consecuencia durante toda la peli? ¿Recuerdan que lo mismo sucedía en algunas secuencias de Jurassic World? Bueno, pues en esta peli este fallo se ve menos… en los humanos, porque curiosamente en los dinosaurios está presente todo el tiempo. Hace mucho tiempo que las pelis de la saga dejaron de interesarse por el realismo de las criaturas en pantalla –Pteranodon con dientes de JPIII, te estoy viendo a ti–; pero en esta peli los dinosaurios no sólo no actúan como tales, sino que se comportan como ningún animal con el más mínimo instinto de supervivencia lo haría. Según parece, los guionistas de la peli ni siquiera han tenido mascotas.

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    Creo que una de las razones por las que los dinosaurios eran memorables en las primeras dos películas de la saga era porque cada uno cumplía una función específica. Sin importar el número de escenas que tuviera en pantalla, la intervención de cada una de las especies contribuía con el desarrollo de la trama: cada dinosaurio tenía su momento de brillar. Esto se acabó en Parque Jurásico III, en la que los realizadores más bien se preocuparon por mostrar su catálogo de especies a tontas y a locas, sin que esto sirviera para bendita la cosa. Así, muchas de las intervenciones de las criaturas se convirtieron en simples cameos. Lo mismo pasa con Jurassic World: el reino caído. ¿Alguien leyó el libro de El mundo perdido? ¡Los Carnotaurus merecían un tratamiento mucho más especial! SPOILER Por cierto, la saga World lleva ya dos películas desperdiciando al Mosasaurus. TERMINA SPOILER

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    Y lo mismo pasa un poco con los humanos. El personaje de Wheatley tenía un gran potencial –pudo ser otro Roland Tembo–; pero en vez de eso prefirieron convertirlo en un villano unidimensional, tan acartonado y clichesoso que parece sacado de un melodrama victoriano. Del mismo modo, el conflicto interno de Claire pudo explotarse mucho más y la relación entre Owen y Blue, si bien se profundiza y se vuelve más emocional, pudo ser mucho más compleja.

    Los realizadores prefirieron solamente darle un tono ligeramente más oscuro a la película, y para eso creo que les faltó bastante sangre. Y está bien, digo, hay algunas secuencias muy bien logradas que incluso llegan a tener un tratamiento como de cine de terror –que a Spielberg le funcionó maravillosamente en la primera cinta–, coqueteando incluso con el gótico americano –que se entiende perfectamente dada la propuesta personal de Bayona­–; pero vuelvo a lo que ya dije: la peli es una colección de escenas bien hechas, no una buena película.

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    Las actuaciones también son bastante malas. B.D. Wong, a quien siempre he considerado un buen actor y cuyas participaciones en La ley y el orden: UVE (1999-) lo confirman, en su papel del Dr. Henry Wu, nos regala una escena de cólera verdaderamente hilarante. El resto del elenco, durante la mayor parte de la cinta, se limita a escupir sus parlamentos con una falta de gracia que ni siquiera la colaboración de Geraldine Chaplin y Cromwell en los papeles de soporte puede compensar.

    Los efectos especiales están bastante bien, y se agradece el uso de dinosaurios animatrónicos para una gran parte de las tomas, ya que en la primera Jurassic World éstos casi no fueron utilizados… y el feeling es diferente. En esta ocasión, la creación de las criaturas corrió por cuenta de Neal Scanlan, cuyos créditos incluyen Star Wars: El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015) y Star Wars: Los últimos Jedi (Johnson, 2017). Varias secuencias de la película fueron concebidas desde el guión como escenas con efectos prácticos y el resultado se ve en pantalla: la secuencia de Claire montando al Tiranosaurio o los primeros planos del Indoraptor cazando a Wheatley son maravillosos.

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    La fotografía también está bastante bien y logra crear atmósferas interesantes. Me gustó cómo utiliza una gama cromática diferente para cada una de las diferentes locaciones de la película. Los dinosaurios –los animatrónicos, quiero decir– están bien fotografiados y lucen impresionantes en los primeros planos. Me gustó mucho cómo la fotografía logró resaltar la genial escultura del Indoraptor.

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    Como lo mencioné anteriormente, las escenas de acción están bien logradas y las peleas entre dinosaurios se ven muy padres… a pesar de que la mayoría de ellas son estúpidas por principio y hay un par de secuencias que, a nivel concepto, resultan tan inverosímiles y exageradas que parecen salidas de una peli de Roger Corman SPOILER –¿Alguna vez se preguntaron cómo se vería un velociraptor saltando de una explosión al más puro estilo de Duro de matar (McTiernan, 1988)? Bueno, pues no se lo pregunten más–. Eso sí, la pelea cumbre de la película, entre Blue y el Indoraptor, es una secuencia emocionante y entretenida… aunque, nuevamente, los dinosaurios no se comportan en absoluto como deberían. TERMINA SPOILER

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    SPOILER Hablando del Indoraptor, puedo decir que me gustó su diseño. Si bien la idea misma de meter especies híbridas en la saga World no me acaba de convencer del todo, me gustó mucho más cómo manejaron a este dinosaurio que al Indominus Rex en la cinta anterior. Se supone que el Indoraptor es un prototipo de arma biológica que nunca ha sido probado en el campo y en su diseño se preocuparon por darle la apariencia de una criatura que sufre las secuelas de su origen artificial… ¡Vamos, es la Creatura de Frankenstein de la saga Jurassic! TERMINA SPOILER

 

    Después de todo lo anterior, sería hipócrita de mi parte decir que la película no me gustó. Es mala, sí; pero me entretuvo durante un poco más de dos horas y el encarnecido aficionado a los dinosaurios que soy salió satisfecho. Por desgracia, también me hizo confirmar lo que ya sabía: que, al igual que con sagas como Tiburón o La masacre de Texas, la premisa de Jurassic Park se agotó en la primera película y el resto de las cintas simplemente han ido sobrellevando la falta de sustancia con tramas simples y tapando su falta de originalidad a través del fan service.

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    No me malinterpreten, amo la franquicia –excepto JPIII, como muy probablemente ya quedó claro–; pero a estas alturas ya se ha vuelto redundante y más valiosa por su factor nostalgia que realmente por la calidad de sus películas. Jurassic World: Fallen Kingdom es, de hecho, muy diferente al resto de las cintas de la franquicia y, si bien se agradece que probaran cosas nuevas o que reincorporaran elementos viejos que se habían dejado de lado, como la ciencia ficción y el terror, el resultado quizá se aleja demasiado de aquello que me hizo enamorarme de la primera parte. Del mismo modo, la historia no termina de cuajar y más bien parece el argumento de uno de esos comics que aparecen como merchandising de una película que la trama de una cinta de alto presupuesto. Aunque odié el epílogo, puedo decir que en general la película me entretuvo y me emocionó; pero la verdad es que creo que tiene que ver con mi lado fanático. No sé si el público que no sea un asiduo seguidor de la saga la encuentre interesante… aunque, por supuesto, ése no es el Target Audience de la peli.

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PARA LA TRIVIA: Jurassic World: el reino caído es la película de la saga con el mayor número de dinosaurios en pantalla, la más grande variedad de especies y, de hecho, después de la primera cinta, es la película de la franquicia en la que más animatrónicos se han utilizado.

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HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS. Crónica de una muerte anunciada.

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HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS

Solo: A Star Wars Story

 

Ron Howard, 2018

 

Antes que nada, quiero recordar la regla que tengo para hablar del “Canon” de Star Wars. Tantos cambios se han hecho sobre qué sí entra en el canon y qué se queda fuera, que francamente ya me fastidió estarlos siguiendo. De tal suerte, personalmente sólo considero “canon” aquello que vemos en pantalla dentro de las películas estrenadas en cines. Si acaso algunas escenas extendidas cuando éstas no contradigan otras cosas dentro de la saga… o sean ridículas como el “¡No!” de Vader en El regreso del Jedi (Marquand, 1983).

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    Ser un fanático de Star Wars se ha vuelto difícil en los últimos años. No sólo porque la calidad de las películas se vuelve cada vez más dudosa; sino porque la calidad humana de los otros fans está brillando por su ausencia cada vez más. Al final del día, parece que lo que menos le interesa al fandom de Star Wars es Star Wars y que, más que la saga de espadas y hechizos en el espacio, su hobby es insultar y descalificar a otras personas, convirtiéndose en la que es reconocida por varios especialistas como una de las comunidades más tóxicas en redes sociales. Entre los que se obstinan en creer que ser un fan es carecer del más mínimo atisbo de criterio y los que en realidad parecen ser haters de closet, la comunidad de fans de Star Wars ha sido dominada por el Lado Oscuro y bellezas como las amenazas de muerte a Kathleen Kennedy y Ryan Johnson se han convertido en cosa de todos los días. Aquello que debía unirnos, nos ha separado.

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    De tal suerte, no es una sorpresa que la película de Han Solo se haya convertido en uno de los más colosales fracasos de la taquilla este año. Entre el montón de problemas que tuvo la producción de la cinta y los boicots sistemáticos organizados por los “fans” de Star Wars, Han Solo: una historia de Star Wars era una de las nacidas para perder. Digo, estás en todo tu derecho de no ir a ver una película que no te llama la atención; por supuesto, estás en tu derecho de que no te guste aún después de haberla visto. Pero descalificarla a priori y obligar a otros a que piensen como tú, francamente me parece un monumental desperdicio de tiempo y esfuerzo. Sea como fuere, es una verdadera lástima que, por prejuicios y demás, muchas personas no le hayan dado una oportunidad a esta película que, a fin de cuentas, ni es tan mala… digo, sí es mala; pero no es Los últimos Jedi (Johnson, 2017).

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    Por cierto, me da mucha risa cómo en los grupos de Facebook hablan de Kathleen Kennedy como si hubiera empezado su carrera ayer… La mujer fue mano derecha de Steven Spielberg por más de 20 años y estuvo a cargo de las sagas de Indiana Jones (1981-2008) –bueno, olviden El reino de la Calavera de Cristal (Spielberg, 2008)– y Jurassic Park (1993-2001). No defiendo lo que haga o no haga, simplemente, me parece que la señora conoce su chamba.

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    Bien, ya que por fin pude desahogarme, ¿de qué se trata la película? La historia se ubica alrededor de diez años antes de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977), cuando Han Solo (Alden Ehrenreich, quien necesitó que la producción le pusiera un coach de actuación a media filmación) tiene un número indeterminado de años, pero que son menos que con los que lo conocimos –nunca pude agarrar bien la onda de qué edad tiene Han en la peli–. Se trata de un periodo sin ley en el que el Imperio Galáctico expande su dominio por diferentes planetas y obliga a los ciudadanos de a pie a convertirse en contrabandistas y forajidos. Es el caso con Han, quien trata de huir de su planeta natal, Corellia, en compañía de su amada Qi’ra (Emilia Clarke), pero sin éxito. Esto lo obliga a enlistarse en la Armada Imperial y, más tarde, a unirse a una banda de ladrones y contrabandistas para poder rescatarla.

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    Para poder disfrutar de esta película hay que hacer una concesión muy grande. Es enorme, pero es increíblemente sencilla: Hay que dejar de pensar que ése que está en la pantalla es Han Solo. No lo es. Por supuesto, Ehrenreich, no le llega ni a los talones a Harrison Ford y, aunque es eficiente en su papel y tiene algunas escenas bien logradas, la verdad es que no sólo el planteamiento del personaje no me convence, sino que ni siquiera se parece a Ford… ¡Hasta el color de sus ojos es diferente! Además, hay varias tomas en las que se ve que se esfuerza por imitar a Ford sólo en la forma sin mucho éxito.

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    Digo que el planteamiento del personaje no convence porque el encanto de Solo recaía en que se trataba del bribón con corazón de oro, tataranieto del Trickster y descendiente directo de Rick Blaine. En Han Solo, nuestro contrabandista preferido es edulcorado y convertido de un gandaya encantador en un niño bueno que se volvió malo que luego se volvió bueno al final de la peli de nuevo… y bueno, si uno enlaza todo con el Episodio IV, entonces es un niño bueno que se volvió malo que luego se volvió bueno, pero se volvió malo de nuevo y luego bueno otra vez.

    Así pues, si uno no piensa en el que está en pantalla como el Han Solo que conocemos y amamos, lo cual es más que sencillo y sucederá de forma natural, la película entonces será más disfrutable. Digamos que es una especie de homónimo o una especie de universo alterno, no sé. Por cierto, la explicación de cómo fue que Han Solo obtuvo su nombre es una de las peores escenas en la historia de la saga.

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    En general, el tratamiento de los personajes es más bien superficial y el guión es bastante malo –lo que sorprende de Lawrence Kasdan, quien también escribiera los guiones de El Imperio contraataca (Kershner, 1980) y El regreso del Jedi (Marquand, 1983)–. Hay algunos momentos brillantes, particularmente los chistes, y otros que son francamente idiotas. Como muchas precuelas o historias previas, Han Solo cae en la sobreexplicación o, como me gusta llamarla, el efecto Los dientes del sheriff Hoyt. ¿Recuerdan el remake de La masacre de Texas (Nispel, 2003)? ¿Recuerdan esa escena en la que el sheriff Hoyt se saca sus dientes postizos? ¿Y recuerdan cómo en la precuela, La masacre de Texas: el inicio (Liebesman, 2006), nos explican cómo fue que perdió los dientes? Bien, pues a eso me refiero: Hoyt es un hombre de más de 60 años, ¡es completamente innecesario y ocioso explicar por qué le faltan dientes! Así, en esta cinta nos explican el origen de un montón de cosas… ¡Que es completamente irrelevante! SPOILER Como el origen del blaster de Han Solo, cómo el Halcón Milenario pierde sus partes o cómo es que Solo se lo gana a Lando… o la famosa travesía del Corredor de Kessell o por qué Han Solo termina en Tatooine TERMINA SPOILER. Con tantas cosas que se explican se deja u hueco de diez años en la saga que da la impresión de que Solo estuvo una década completa sacándose la borrita del ombligo.

    Otra cuestión que me pareció curiosa es que esta película entra y sale impunemente del canon anterior de Star Wars, reincorporando a la saga eventos del Universo Expandido que ya habían sido desechados, SPOILER como los Star Destroyers que hacen guardia en los agujeros negros. Y también está el asunto del completamente innecesario y francamente absurdo regreso de Darth Maul (Ray Park, ahora creando su personaje a través del Performance Capture en vez del maquillaje), que enlaza los eventos de esta película con los de la serie de animación Star Wars: Rebels (2014-) TERMINA SPOILER.

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    Creo que lo que salva a la película de su guión desastroso y sus actuaciones apenas competentes es la dirección.

    La película estaba siendo dirigida originalmente por Phil Lord y Chris Miller, quienes ya antes nos regalaran la genial Película de Lego (2014). Sin embargo, la visión del dúo sobre lo que debía ser la película era muy diferente de lo que el estudio quería y esto no sólo estaba ocasionando fricciones con los productores, sino numerosos retrasos; por no mencionar su supuesta incapacidad para condensar la historia y reducir un tiempo estimado de cerca de 200 minutos para la película. Finalmente, Lucasfilm decidió despedir a los directores y, de hecho, la producción estuvo parada por un par de meses en lo que se conseguían un reemplazo.

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    La tarea recayó en manos del veterano Ron Howard. La otrora estrella infantil de Días felices (1974-1984) ha demostrado ser un director de lo más eficiente. Howard no tiene ni la más remota idea de lo que sea un sello personal o de lo que signifique ser un autor, pero el hombre sin duda conoce las reglas de los géneros y sabe utilizarlas. Más que un director de cine, es un maquilador de películas… y uno muy bueno, además –bueno, excepto por esa mamada de El Grinch (2000)–. También, si de algo sabe Howard es de dirección de actores.

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     Howard volvió a filmar cerca del 80% de la película y trató, sin demasiado éxito, de proyectar una imagen de estabilidad tanto al interior de la producción como a los medios. Finalmente, la mano de Howard se ve en la película más que nada en el tono. La cinta es una trepidante peli de aventuras que funciona decentemente. En el fondo, se trata de un western en el espacio, escena de robo al tren incluida… aunque quizá faltó una pelea de cantina y un Han Solo más pendenciero.

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    Del mismo modo, Howard logra sacar a adelante a los actores con el guión tan pobre con el que tuvieron que trabajar. Las actuaciones no son geniales, pero cumplen y, a pesar de todo, el numerito logra mantenerse a flote la mayor parte del tiempo. Empero, debo admitir que, si no hubiera visto la peli en 4DX muy probablemente me hubiera aburrido. También, la película llega a sentirse larga.

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    Han Solo: una historia de Star Wars no es, ni de lejos, la mejor película de Star Wars; pero tampoco es la peor. Eso sí, debido a los constantes retrasos en la producción, es la película más costosa de la saga y, al mismo tiempo, la que peor recaudación en taquilla ha tenido por lo que, independientemente de su calidad, ha resultado ser un pésimo negocio. Me pareció, eso sí, mucho mejor que Los últimos Jedi, lo que confirma que los spin-offs les están quedado mejor que los episodios… y esto obedece a una razón lógica: ya que los spin-offs no se insertan forzosamente en la saga principal, los productores se sienten más libres de probar y experimentar con ellos. Quizá una de las razones por las que Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016) funcionó bien y Han Solo no es porque en aquélla no había personajes famosos del Universo Star Wars en los roles protagónicos, mientras que en Han Solo se metieron con uno de los personajes más queridos por el público.

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    A fin de cuentas, insisto con lo que comenté en mi crítica de Los últimos Jedi: ¿No te gustó Han Solo? No te preocupes, no hay por qué dejar de seguir la saga. El próximo año sacarán otra película y a lo mejor está buena. Quizás Han Solo… nació para perder, pero no es particularmente mala, honestamente debo decir que la disfruté.

Alden Ehrenreich is Han Solo in SOLO: A STAR WARS STORY.

    Así las cosas, el Starwarsómetro del Cinéfilo Incurable, que acomoda las películas de la saga ­(sólo aquéllas estrenadas en cines­) según mi gusto por ellas de menos a más, que ha cambiado con nuevos visionados de las cintas, y que se basa únicamente en mi gusto y apreciación personal, queda así:

11.- Clone Wars (Filoni, 2008)

10.- Star Wars Episodio I: la amenaza fantasma (Lucas, 1999)

9.- Los últimos Jedi (Johnson, 2017)

8.- Star Wars Episodio II: el ataque de los clones (Lucas, 2002)

7.- Han Solo: una historia de Star Wars (Howard, 2018)

6.- El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015)

5.- Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith (Lucas, 2005)

4.- Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016)

3.- El regreso del Jedi (Marquand, 1983)

2.- La guerra de las galaxias (Lucas, 1977)

1.- El Imperio contraataca (Kershner, 1980)

PARA LA TRIVIA: A Han Solo… le cuesta un poco de trabajo integrarse en el universo de Star Wars y es que se trata de una película un tanto atípica para la saga. Ésta es la primera cinta de la franquicia en la que no aparecen R2-D2 ni C-3PO, también es la primera en la que no hay una pelea con lightsabers, la primera en la que un personaje no wookiee habla en wookie –que además tiene subtítulos en pantalla–, la primera en la que no se dice la famosa frase “Tengo un mal presentimiento sobre esto”, la primera en la que el título de la película no aparece en el espacio, la primera en la que no hay ningún Skywalker y la primera en la que no se hace ninguna referencia a la Orden Jedi. Y, para acabar pronto, también es la primera cinta de la saga en ser dirigida por un ganador del Oscar a Mejor Director.

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DEADPOOL 2. Regresa el mutante más cínico e irreverente de Marvel.

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DEADPOOL 2

 

David Leitch, 2018

 

La primera película de Deadpool (Miller, 2016) fue un éxito de taquilla que tomó por sorpresa al subgénero de los superhéroes, demostrando que una película basada en cómics con clasificación para adultos podía ser un producto atractivo para el mainstream. Con mucha irreverencia, cinismo, humor a veces referencial y a veces francamente guarro, Deadpool se convirtió en un clásico por el cual muchos chavitos protestaron debido a que no pudieron entrar a las salas de cine a verlo. Bueno, escuincles, pues sus protestas fueron escuchadas y esta vez, Deadpool 2, distribuida por Twentieth Century Fox –ahora parte de Walt Disney Corporation– se viene con una clasificación B-15 en México –en EE.UU. sigue siendo “R”, para mayores de 18 años–.

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    Después de lo visto en la primera cinta, el desfigurado e inmortal Wade Wilson (Ryan Reynolds, quien co-escribió el filme), mejor conocido como el mercenario Deadpool, se vuelve famoso y atiende casos a lo largo y ancho del globo. Por desgracia, esta notoriedad pone al encapuchado en la mira de sus enemigos, quienes cobrarán venganza contra él trayendo una terrible tragedia a su vida. En su depresión, Wade busca morir, obviamente sin poder conseguirlo, y, al unirse a los X-Men, descubrirá a Russell (Julian Dennison), un adolescente  mutante –jeje– huérfano víctima de abuso, cuyas acciones presentes repercutirán en el futuro de toda la humanidad. Deadpool decide ayudar al chico, pero más allá de la desconfianza y la rebeldía propia de la adolescencia, tendrá que enfrentarse a Cable (Josh Brolin… sí, Thanos), un guerrero cyborg del futuro que viaja a la época actual para eliminar a Russell.

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    No lo voy a negar: me divertí mucho con esta película. Me reí y me carcajeé hasta las lágrimas en algunas partes –como en la parodia del video de Take On Me–. Hay algunos chistes muy buenos –la escena del descenso de los X-Force es genial– y, en general, el guión es ingenioso.

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    Pero tampoco voy a negar la otra cara de la moneda: Prefiero por mucho la primera película. Y es que, aunque Deadpool 2 continúa con el humor mordaz, irreverente, sarcástico, ácido y negro, se nota mucho el bajón de tono. Para empezar, para una cinta tan violenta, creo que le faltó sangre –aunque yo qué voy a saber, crecí viendo las películas de John McTiernan y Paul Verhoeven–. También recuerdo que en la primera parte había escenas topless, que en esta secuela brillaron por su ausencia. Los chistes también le bajaron dos rayitas a los dobles sentidos y las alusiones sexuales, sustituyéndolas con chistes referenciales… y si creo que esta peli no es apta para chavitos, quizá no tenga tanto que ver con la violencia explícita en pantalla –que tampoco es tanta–; sino con que muy probablemente no tengan la edad para cachar las referencias al cine de los 80 que hace –como ese chiste con referencia a Los Goonies (Donner, 1985).

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    Gran parte del chiste en la primera Deadpool era que, a través de una peli de superhéroes, la cinta parodiaba a las películas de superhéroes. Pero en Deadpool 2, así de autoconsciente como es y todo, este subtexto se ha perdido y, al final del día, termina siendo otra película de superhéroes más… todos ellos bastante chabacanos, eso sí; pero creo que no trasciende a la idea del “equipo de superhéroes que superan sus diferencias para salvar al mundo” tan trillada ya.

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    El tratamiento de los personajes está bastante bien, aunque algunos no terminan de encajar del todo. SPOILER Me refiero particularmente al caso de Juggernaut. ¡Yo creí que Juggernaut se veía mal en X-Men: la batalla final (Ratner, 2006)!… Bueno, todo se ve mal en X-Men: la batalla final… al menos este Juggernaut es mucho más fiel al del comic… el punto es que, hacer una versión CGI del personaje para esta película no sé si funciona tan bien. Juggernaut no termina de convencer y sí, sé que se trata de una sátira, pero ese toque de irrealidad propio del CGI estorba. Quizás se trata sólo de que, me temo, Juggernaut es un personaje que a priori no funciona en el Live-Action TERMINA SPOILER.

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    Colossus (voz de Stephen Kapicic) funciona bastante bien como patiño de Deadpool SPOILER y su pelea con Juggernaut, como se dio en los comics y la serie de dibujos animados de los 90, es bastante buena TERMINA SPOILER; pero nuevamente siento que el CGI quedó a deber. Digo, en los comics Piotr Rasputin no era metálico todo el tiempo…  Aun así, muchos de los momentos más hilarantes de la peli se deben a la dinámica entre Colossus y Deadpool.

    También el personaje de Cable está bastante bien y me gustó la forma en la que lo integraron a la historia. Sin embargo, algo no termina de convencer con el físico de Brolin. No me malinterpreten, el hombre es un gran actor y hace que Cable funcione maravillosamente, pero me hubiera gustado que ese personaje lo interpretara Stephen Lang –quien mostró interés desde un inicio en interpretar al personaje, e incluso lanzó una campaña en redes sociales para obtenerlo, pero le fue negado por conflictos de agenda con la producción de las secuelas de Avatar (Cameron, 2009)–. Creo que se parece mucho más a Cable como aparece en los cómics y, bueno, interpretar a un soldado del futuro sería en sí mismo una especie de autoparodia para Lang. Y sí, sí hay un montón de referencias y parodias a Terminator (Cameron, 1984).

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    También me gustó la interpretación de Zazie Beetz como Domino. He de admitir que de este personaje no conozco mucho; pero me gustó cómo funciona en la película. Creo que Beetz tiene buena química con sus compañeros de pantalla, además de que tiene a su cargo muchas de las secuencias de acción un poco más serias.

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    La música está bien, pero como Guardianes de la galaxia (Gunn, 2014) ya monopolizó las canciones pop ochenteras –y algunas de los 70– para musicalizar películas de superhéroes, el truco empieza a verse gastado… por lo menos utilizaron la versión acústica de Take On Me.

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    Así pues, Deadpool 2 es una película entretenida y divertida que disfruté bastante y con la cual me carcajeé. La narrativa se puede volver un poco derivativa por momentos; pero en general me parece que está bastante bien. La peli tenía el muy difícil cometido de igualar a su predecesora y, en ese sentido, me parece que no sale del todo bien librada. Sí es buena; pero creo que la primera parte es muy superior y, francamente, no creo que se deba por completo al Factor Novedad. SPOILER Eso sí, el montaje que aparece en los créditos, en el que Deadpool regresa en el tiempo, es simplemente genial ¡Genial! TERMINA SPOILER

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PARA LA TRIVIA: Además de Stephen Lang, Arnold Schwarzenegger, Mel Gibson, Sylvester Stallone, Bruce Willis, Dolph Lundgren, Kurt Russell, Alec Baldwin, Ron Perlman, Pierce Brosnan y David Harbour fueron considerados para interpretar a Cable.

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AVENGERS: INFINITY WAR. El evento cinematográfico de la década.

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AVENGERS: INFINITY WAR

 

Anthony Russo y Joe Russo, 2018

 

Diez años se han cumplido desde que el colosal proyecto mediático del Universo Cinematográfico Marvel, producido por el cuasimonopolio del entretenimiento Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm/Fox, diera inicio con la primera cinta de Iron Man (Favreau, 2008). Desde entonces, dieciocho películas inspiradas en los superhéroes de los cómics de Marvel han hecho su aparición y han ido entretejiendo un complicado entramado de historias en singular y compartidas cuyo punto culminante es Avengers: Infinity War.

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    La calidad de las películas ha variado desde lo francamente malo hasta lo verdaderamente bueno. Pero, más allá de eso, Disney logró crear un universo cinematográfico que mantiene a un público cautivo, que llevó el más o menos arcano mundo de los cómics de superhéroes al mainstream y que no dudo en que se convertirá en el icono de toda una generación. Por estas y otras razones, Avengers: Infinity War es considerado el evento cinematográfico de la década.

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    Todo lo anterior se debe a motivos mercadotécnicos, socioculturales y me atrevo a decir que hasta antropológicos; pero fuera del contexto de todo el furor generado a su alrededor, ¿la película qué tal está? Más allá del más que loable esfuerzo de producción, ¿qué calidad inherente tiene la película? Es lo que trataré de analizar en este artículo.

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    La historia comienza justo donde se quedó al final de Thor Ragnarok (Waititi, 2017), después de que Surtur (voz de Clancy Brown) destruyera Asgard y Thanos (Josh Brolin) interceptara la nave en la que viajaban Thor (Chris Hemsworth) y Loki (Tom Hiddleston), recuperando la primera Gema del Infinito. La obsesión de Thanos por el equilibrio lo ha llevado en una mesiánica cruzada a través de la galaxia para recuperar dichas joyas e incorporarlas a su guantelete, lo que le permitirá eliminar la mitad de la vida en la galaxia. Como los superhéroes son obstinados por naturaleza y no pueden dejar al pobre titán hacer su trabajo en paz, los Avengers olvidan sus diferencias tras los eventos de Capitán América: Civil War (Hnos. Russo, 2016) y se reúnen una vez más para enfrentar a Thanos, ahora incorporando a nuevos héroes como Spider-Man (Tom Holland), Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) o Black Panther (Chadwick Boseman); además de formar una frágil alianza con los Guardianes de la galaxia.

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    Leí los comics de la saga del Guantelete Infinito hace años. No voy a mentir: recuerdo muy poco; en gran medida porque se trataba de un arco argumental tan largo que para cuando por fin se resolvió ya se me había olvidado de qué se trataba ‒eso sí, recuerdo que el poder del Guantelete Infinito se me hizo medio chafón desde un inicio‒. En ese sentido, la película sería una adaptación fiel del cómic, puesto que la trama se siente alargada innecesariamente. Digo, sí, es la culminación de un proyecto de diez años de duración… pero por momentos la narración se cae y siento que la peli no llena sus casi dos horas y media de duración.

    Algo que me gustó mucho del guión de la primera Avengers (Whedon, 2012) y que no fueron capaces de repetir en Avengers: la Era de Ultrón (Whedon, 2015) fue que se sentía equilibrado. Ningún personaje tenía más peso que los otros y todos se sentían integrados de manera orgánica en la narración… casi como deberían sentirse los Avengers en la vida real.

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    En Infinity War, en cambio, hay algunos personajes que reciben mucha más atención que otros. Por supuesto, es difícil construir una narración que integre de manera equilibrada a tantos personajes (alrededor de 30)… de hecho, siento que si en verdad se lograra algo así, el resultado sería aburrido. Como sea, la narración se centra sobre todo en los Avengers y en los integrantes de los Guardianes de la galaxia.

    Por otro lado, debo admitir que algo que me gustó mucho de la peli fue cómo lograron conservar el tono de las películas de cada equipo de superhéroes para después integrarlo.

    Sin embargo, el personaje que se lleva de calle la película, tanto por la interpretación del actor como porque a él sí le escribieron buenos diálogos, es Thanos. Al igual que otros villanos bien planteados, como Ras al gul (Liam Neeson) en Batman inicia (Nolan, 2005) u Orson Krenic (Ben Mendelsohn) en Rogue One: Una historia de Star Wars (Edwards, 2016), Thanos es un simpático megalómano visionario que, bajo cualesquiera otras circunstancias dadas, habría sido un héroe. Es interesante cómo a lo largo de la película Thanos parece mucho más sensato que los superhéroes e, incluso por momentos, más inteligente y hasta más simpático… Además de que su objetivo no es tan descabellado. Quien se haya subido al Metrobús en hora pico y me diga que desaparecer a la mitad de la humanidad no es una gran idea es un hipócrita.

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    Con Thanos Marvel nos compensa por pésimos villanos como Obadiah Stane en Iron Man, Yellowjacket en Ant-Man: el Hombre Hormiga (Reed, 2015) o la infame vuelta de tuerca con el Mandarín (Ben Kingsley) al final de Iron Man 3 (Black, 2015).

    Las actuaciones están disparejas. Hay algunas muy buenas y otras que sólo están cumplidoras. Es curioso, pero hasta parece que los personajes que tienen poco tiempo en pantalla también recibieron menos atención de los directores y de los actores que los interpretaron. En este rubro, tendría que señalar como mis favoritos a Brolin, Downey Jr. y Holland –aunque sigue sin gustarme nada el planteamiento del nuevo Spider-Man como achichincle de Iron Man–.

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    SPOILER Pero volviendo a Thanos… ¿cómo no va a cautivarnos cuando los superhéroes se vuelven tan egoístas? ¿Por qué no dejaron que Vision (Paul Bettany) se sacrificara desde un principio? ¿Por qué es más importante la vida de un solo individuo, que ni siquiera es humano, que la de millones? Si los Avengers hubieran permitido ha Vision destruir la gema que tenía en su poder, podrían haber evitado que Thanos cumpliera su objetivo y hubiesen salvado miles de vidas perdidas en batallas innecesarias –esos pobres gungans de Wakanda…–. De igual forma, si Dr. Strange tenía la Gema del Tempo… ¿no habría podido regresar en el tiempo para impedir que todo pasara? ¿Acaso una de las principales características de un héroe no debería ser anteponer el bien de los demás sobre el propio? O ¿por qué cuando logran someter a Thanos intentan desesperadamente sacarle el Guantelete Infinito en vez de intentar cortarle la mano desde el principio? TERMINA SPOILER

    Otra cosa que no me acabó de convencer fueron los diálogos. Mientras hay algunos que son efectivos, en general los chistes son poco graciosos… ¡pero los parlamentos serios sí son chistosos! Me refiero a que hay muchos parlamentos por ahí que quieren ser tan profundos e intensos que terminan siendo ridículos… SPOILER Como ese monólogo de Gamora (Zoe Saldana) que es innecesariamente derivativo y largo; con que sólo dijera la frase clave del texto habría sido mucho más impactante. TERMINA SPOILER

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    En general toda la película es un exceso y le funciona en algunos momentos, en algunos otros no. Hay muchas secuencias que caen en una especie de “tono sobre-épico”; es decir, quieren aparentar más grandiosidad de la que en realidad tienen.

    Eso sí, la música de Alan Silvestri, quien en el pasado nos regalara soundtracks icónicos como el de Depredador (McTiernan, 1987) o la Trilogía de Volver al futuro (Zemeckis, 1985-1990), está muy padre y le da un tono especial a muchas de las secuencias de la cinta… aunque a otras creo, francamente, que les queda grande.

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    SPOILER Las secuencias de acción están bien logradas, aunque me quedé con las ganas de ver alguna escena en la que todos los superhéroes se enfrentaran simultáneamente contra Thanos. Supongo que será el clímax de la segunda parte. TERMINA SPOILER

    Los efectos especiales están bastante bien; pero la verdad me gustaron más los de Rampage: Devastación (Peyton, 2018). Insisto en que me parece que, en esta era en la que los efectos digitales pueden lograr que cualquier cosa aparezca en pantalla, y de verdad quiero decir cualquiera, más que conseguir que los elementos fantásticos que aparecen en la cinta se vean reales, hacen que lo que sí fue filmado en vivo se vea irreal.

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    Avengers: Infinity War es una buena película de superhéroes, aunque no creo que sea para nada la mejor de todas –me parece que ese título lo sigue ostentando Spider-Man 2 (Raimi, 2004)–; simplemente contó con un gran aparato mercadotécnico que creó expectativas difíciles de cumplir. No es maravillosa… pero tampoco es cualquiera de Los 4 Fantásticos. Resulta entretenida, pero no durante todo el tiempo, hay partes que se sienten innecesariamente largas y, en general, la cinta tiene ese un tanto odioso efecto que tienen las pelis de Michael Bay (sé que la película no es de Bay, sólo estoy ejemplificando mi punto): En pantalla parece que pasan muchas cosas, pero a nivel dramático no está pasando nada realmente.

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    Lo que sí es innegable es el fenómeno mediático/social que la cinta ha generado. Y no, no lloré al final, SPOILER quizá porque en realidad no vi morir a ninguno de los superhéroes… digo, Loki no era un héroe y sabemos que el alma de Gamora sigue ahí, ¿no? Además de que, bueno, quienes leyeron los comics sabrán que nadie está muerto, sino que están atrapados en otra dimensión. TERMINA SPOILER

PARA LA TRIVIA: Esta película es protagonizada por Robert Downey Jr. y Benedict Cumberbatch. Ambos actores han interpretado al detective Sherlock Holmes, Downey Jr. lo hizo en Sherlock Holmes (Ritchie, 2009) y Sherlock Holmes: juego de sombras (Ritchie, 2011), mientras que Cumberbatch lo hiciera en la serie de TV Sherlock (2010).

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RAMPAGE: DEVASTACIÓN. Puré de monstruos a la Arcade.

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RAMPAGE: DEVASTACIÓN

Rampage

 

Brad Peyton, 2018

Rampage es una franquicia de videojuegos cuya primera entrega apareció en las arcadias en 1986, creada por Brian Colin y Jeff Nauman, y producida por Bally Midway (hoy propiedad de Warner Bros.). El jugador controlaba a uno de tres monstruos gigantes: George, un gorila; Ralph, un lobo; y Lizzie, un lagarto. Parodiando las películas de monstruos, el objetivo del juego era reducir diferentes ciudades a escombros, mientras el videojugador se las apañaba para sobrevivir a oleadas de ataques de soldados, tanques, helicópteros y aviones, por mencionar algunos. El videojuego fue un éxito comercial que ha engendrado media docena de secuelas a lo largo de tres décadas, mismas que han ido agregando nuevos elementos al gameplay, así como nuevos monstruos ‒mi juego favorito de la saga, Rampage: Total Destruction (Pipeworks Software, 2006), contaba con un total de 40 personajes‒; pero manteniendo la propuesta original de tomárselo todo a broma.

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    Quizá los videojuegos de esta serie no son tan populares ahora como lo fueron antaño; pero sus seguidores han sido fieles a la franquicia y con el ocaso del proyecto del Universo Cinematográfico Marvel ‒al menos por ahora‒ dando pie a la especulación sobre que la nueva tendencia de los blockbusters serán los kaijus, una adaptación cinematográfica de Rampage no era una idea descabellada. Después de todo, las adaptaciones de videojuegos al cine nos han dado algunas de las mejores películas de la historia… ¿verdad?

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    En la película, la compañía Wyden desarrolla un agente patógeno que causa terribles y agresivas mutaciones en animales con el fin de utilizarlo en la industria bélica. Debido a la naturaleza excesivamente peligrosa del proyecto, la investigación se lleva a cabo en un laboratorio espacial que orbita la Tierra. Sin embargo, como cabría esperar, algo sale mal en el laboratorio y cápsulas conteniendo el mutágeno caen a la superficie del planeta, entrando en contacto con varios animales que comienzan a mutar descontroladamente. El exmarine convertido en promatólogo Davis Okoye (el siempre carismático Dwayne “The Rock” Johnson) y la Dra. Kate Caldwell (Naomie Harris), científica a cargo de la creación del patógeno, se darán a la tarea de detener a los gigantescos monstruos que amenazan con destruir Chicago.

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     ¿Qué puedo decir de esta película? Me gustó. Me gustó bastante, aunque reconozco que no es particularmente buena; sino más bien tirándole a mala, un producto de entretenimiento ramplón dirigido a los púberes… y está bien pinche divertida.

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    El guión es más bien malito y no se detiene en minucias como el desarrollo de personajes… o en ponerles un poquito de profundidad siquiera (quizás un poco a George); de hecho, pareciera que los malvados hermanos Wyden, villanos de la cinta, se los tomaron prestados del Show de Rocky y Bullwinkle (1959-1964); por no mencionar personajes que desaparecen y aparecen de repente.

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    Eso sí, la película tiene mucha acción y una serie de chistoretes nivel chavo de secundaria que en realidad resultan bastante eficientes. Incluso, por momentos el personaje del agente Harvey Russell (Jeffrey Dean Morgan) se siente un poco fuera de lugar, pero conforme la peli va avanzando se integra bien con el resto. No hay demasiados vericuetos ni vueltas de tuerca apantalladoras, y la historia simple se cuenta de manera simple y sencilla, con sendos huecos, eso sí.

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    Las actuaciones son decentes, nada espectacular. Johnson está en su eterno papel del tipo rudo de gran corazón –a pesar de que el hombre ya ha demostrado que sabe actuar,  los productores han preferido desaprovecharlo y encasillarlo en dicho estereotipo–, Harris está bien y creo que el que sobresale es Morgan. Malin Akerman y Jake Lacy, en sus papeles de los atolondrados villanos, están sobreactuados y grandilocuentes durante toda la película, y si bien esto en realidad es parte de sus personajes, llega a volverse cansino por momentos.

    Pero, por supuesto, la verdadera estrella de la película son los monstruos y, en el sentido de que el clímax de la peli es una feroz batalla entre monstruos gigantes que destruyen una ciudad, resulta una adaptación bastante fiel al videojuego… aunque sólo sea por eso.  Los diseños de las criaturas están padres, aunque se alejan de lo planteado por la fuente original.

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    Por ejemplo, George nunca fue blanco, Lizzie era mucho más pequeño y, en general, los tres monstruos tenían apariencias más humanoides –de hecho, en el juego, los monstruos son humanos mutados por la compañía Scumlab– y más caricaturescas. Por cierto, la rata mutante que aparece al inicio de la película es una referencia a Larry, personaje que apareciera por primera vez como exclusivo en la versión del videojuego para el extinto Atari Lynx. Supongo que los diseñadores pensaron que darles tal aspecto no funcionaría bien en la pantalla grande, o quizá pensaron que quitándoles los rasgos humanos a Lizzie y Ralph sería mucho más fácil que el público se identificara con George.

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    ¡Y vaya si lo lograron! Creo que una de las principales virtudes de la película es que logra retomar ese aspecto fundamental del videojuego: uno logra interesarse e identificarse con los monstruos, particularmente con George. El gorila blanco gigante realmente logra despertar la simpatía del público. Así pues, los monstruos gigantes en esta película no son, como en muchas otras, mero espectáculo; sino que verdaderamente se convierten en personajes.

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    Desde luego, nada de esto sería posible sin los maravillosos efectos especiales, que son el quid de la cinta. A pesar de que el CGI de la peli fue creado por diferentes estudios pequeños, éste no sufre de la desarticulación y falta de uniformidad que suele verse en estos casos –¿Verdad, Pantera negra (Coogler, 2018)?–. La cinta nos regala varias escenas padrísimas de efectos especiales en los que los monstruos se ven realmente bien. Cada detalle, cada textura, cada pelo se ven naturales y orgánicos, tanto que por momentos me hicieron creer que habían usado animatrónicos para algunas de las tomas… quizá así fue, pero no pude encontrar el dato al ver los créditos de la película.

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    Rampage no es una buena película; pero es divertida. Creo que podría ser un buen ejemplo de película palomera. Al igual que muchas otras “películas de demolición” está plagada de propaganda yanqui; pero al menos no es tan patente como en otras –Día de la Independencia (Emmerich, 1996), por ejemplo–. Es divertida y hasta emocionante en algunas partes, y tanto The Rock como su contraparte digital, George, son simpáticos y forman un buen dúo en la pantalla.

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PARA LA TRIVIA: Ralph, el demoledor, personaje protagónico de la película homónima de Disney (Moore, 2012), recibió este nombre como homenaje al personaje del videojuego Rampage.

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SUPER MARIO BROS…. Vamos, todos sabíamos que tenía que hablar de esto algún día.

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SUPER MARIO BROS.

 

Annabel Yankel y Rocky Morton

Existen dos versiones de esta película. La versión original para cines y la versión italiana. Ambas son horribles; pero, por alguna misteriosa razón, la versión italiana es más corta y los créditos finales son diferentes, además de que la canción que se escucha mientras éstos recorren la pantalla es otra. A la fecha, se desconoce la razón para estos cambios.

 

Dennis Hopper fue un buen actor que, salvo excepciones, tenía talento para aparecer en malas películas. Bob Hoskins fue un gran actor que, con mucho esfuerzo y talento, fue labrando su carrera desde la televisión hasta las películas de alto presupuesto. Finalmente, el colombiano John Leguizamo es un actor versátil cuyo talento innato para la comedia no le impide interpretar personajes serios con una sensibilidad y profundidad impresionantes. Es increíble cómo puedes tener a tres actorazos en tu reparto ‒cuatro, si se quiere tomar en cuenta a Lance Henriksen, quien hace una pequeña aparición al final de la peli‒ y desaprovecharlos a todos en cada maldita toma.

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    Por otro lado está el videojuego. Super Mario Bros. (Nintendo, 1985) fue un videojuego de plataformas para el legendario Nintendo Entertainment System creado por Shigeru Miyamoto y desarrollado por Miyamoto y Takashi Tesuka como sucesor del exitoso Mario Bros. (Nintendo, 1983) de arcadias. El juego, junto con la consola, fue introducido en EE.UU. para la Navidad de 1985 y, básicamente, resucitó a la en aquel entonces extinta industria de los videojuegos caseros y se convirtió en uno de los más grandes éxitos de ventas de la industria, habiendo vendido cerca de 40 millones de copias tan sólo en formato físico.

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    Así que tienes un gran elenco por un lado, una franquicia millonaria por el otro y un presupuesto de casi 50 millones de dólares ‒bueno, no, la producción se salió de presupuesto muy cabrón‒ ¿Qué podría salir mal? Todo si desde la preproducción tu proceso es una mierda.

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    La película fracasa en contar la historia de dos plomeros de Brooklyn, Mario Mario (el británico Bob Hoskins, quien reconoce ésta como su peor película) y su hijo adoptivo, Luigi Mario (John Leguizamo, el pobre) quienes, a través de un portal dimensional en el subsuelo, viajan a una dimensión alterna en la que los dinosaurios no se extinguieron, sino que evolucionaron con aspecto humanoide y viven en un régimen totalitario bajo el dominio del malvado rey Koopa[1] (Dennis Hopper quien, según testimonios, no tenía ni idea de lo que hacía en el set). Al enterarse del origen de los Hnos. Mario, Koopa y sus secuaces tratarán de cruzar el portal para invadir nuestro mundo… Esperen… ¿es ésta una película sobre reptilianos?

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    Con la popularidad de los videojuegos caseros a la alza, Nintendo vio en el proyecto de una película live-action de Super Mario Bros. la oportunidad de redimirse después de las críticas negativas y la mala imagen pública generadas por la película El campeón de los videojuegos (Holland, 1989). Luego de una verdadera rebatinga por llevar las aventuras del plomero a la pantalla grande, Nintendo vendió los derechos a una pequeña compañía independiente llamada Lightmotive, propiedad de los multigalardonados Ben Myron y Roland Joffe ‒productor y director, respectivamente‒, por sólo 2 millones de dólares… bueno y a cambio de cierto control creativo y el 100% regalías del merchandising. Myron y Joffe no tenían experiencia con el cine familiar; pero vieron en el proyecto la oportunidad de hacer algo de dinero para financiar otros proyectos. La idea con la que Joffe convenció a Hiroshi Yamaguchi, presidente de Nintendo, de hacer la película fue un argumento que servía como precuela al primer videojuego y que podía ser disfrutada por chicos y grandes.

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    Diferentes actores fueron contactados para los roles principales. La primera opción para interpretar a Super Mario fue Dustin Hoffman, quien se mostró interesado en el rol; pero Mamoru Amakawa, presidente de Nintendo de América en aquel entonces, pensó que Hoffman no tenía suficiente atractivo entre el público joven. La segunda opción fue Danny DeVito, quien rechazó el papel después de leer el guión, y la tercera, Tom Hanks, quien pasaba por un bache en su carrera luego de las malas críticas de sus películas recientes, por lo que los productores decidieron no contratarlo, además de que sintieron que su carácter rompía con el tono oscuro de la peli. Michael Keaton y Arnold Schwarzenegger fueron contactados para interpretar a Koopa, pero ambos rechazaron la oferta.

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    Uno de los primeros borradores del guión ‒que incorporaba algunas de las ideas originales de Joffe‒desarrollaba una compleja y oscura historia épica sobre la relación de los dos hermanos Mario. Este guión fue escrito por Barry Morrow, quien escribiera el guión de Cuando los hermanos se encuentran (Levinson, 1988), luego de jugar el videojuego durante un día entero; fue rechazado por guardar demasiadas similitudes con Cuando los hermnos… y por ser demasiado oscuro. Éste fue el guión que se mostró al reparto y por el cual aceptaron hacer la película.

    Una segunda versión del guión, escrita por Tom S. Parker y Jim Jennewin, quienes racababan de vender su guión para la película Permanezca en sintonía (Hyams, 1992), se planteaba como un cuento de hadas e incluía enemigos clásicos de Super Mario como Thwomps, Plantas piraña, Magikoopas y en él, Bowser trataba de casarse con la princesa Hildy, enamorada de Luigi, a quien secuestra para obtener la Corona de la Invencibilidad y así dominar al Mushroom Kingdom. Mario y Luigi eran acompañados durante su travesía por Toad ‒que sí era un hongo parlante‒ y un dinosaurio bebé llamado junior, que creía que Mario era su mamá ‒probablemente un Yoshi‒, y al final, Bowser, quien sólo se disfrazaba como humano en un par de escenas, caía en un estanque de lava. Ahora, eso suena más como una película de Super Mario Bros.

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    El primer director asociado al proyecto fue Greg Beeman, quien había alcanzado cierta notoriedad con su comedia juvenil Sin permiso para manejar (1988). Sin embargo, cuando el proyecto recibió financiamiento, la casa productora Hollywood Pictues, subsidiaria de Walt Disney Pictures, desechó a Beeman.

    Cuando el proyecto pasó de ser uno independiente a un proyecto de una gran casa productora, Parker Bennett y Terry Runte reescribieron el guión a petición de los directores. Finalmente, los directores sintieron que este guión, que había sido del agrado de Nintendo, era aburrido y cuando Bob Hoskins fue casteado como Mario, quisieron cambiar al personaje de un cínico encantador estilo Peter Venkman a alguien más maduro y bonachón. Puesto que Bennett y Runte no pudieron hacer las correcciones necesarias a tiempo, la escritura del guión fue asignada a Dick Clément e Ian LeFrenais. Este último guión retomaba la versión anterior; pero cambiaba el tono y la ambientación de cuento de hadas por una historia más orientada hacia la acción y el Sci-Fi con una ambientación inspirada en el Cyberpunk… ¡e incluso un cameo de Bruce Willis como John McClane!

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    Los productores pidieron que el tono de la película fuera suavizado, se eliminaran muchos de los elementos de acción y que el asunto se acercara más a lo planteado en el videojuego, así que contrataron nuevos guionistas ‒Ed Solomon y Ryan Rowe‒ para corregir el guión y prohibieron a los directores involucrarse en el proceso de reescritura.

    Así pues, la filmación comenzó de manera más que accidentada. El libreto que le fue entregado al elenco pocos días antes de iniciar la filmación tenía diferentes colores de páginas para señalar las correcciones, adiciones y recortes al texto original. Los miembros de la producción lo apodaron el “libreto arcoíris”. Anécdota curiosa: Bob Hoskins ni siquiera sabía que la película estaba basada en un videojuego cuando empezó a filmarla, fue su hijo Jack quien lo puso al tanto.

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    El matrimonio integrado por Annabel Yankel y Rocky Morton, quienes fueron elegidos para dirigir la cinta debido a su estilo alternativo y novedoso inspirado en la estética de MTV, siempre se sintió insatisfecho con el libreto y decidieron filmar la última versión pero con el tono del primero. La insubordinación de los directores finalmente derivó en que la producción estuviera encima de ellos y los reprimiera casi en cada sentido posible. Como resultado, los directores se encontraban bajo tanta presión que la pareja tenía frecuentes discusiones en el set y se desquitaban con los actores, quienes los odiaban y mandaron a imprimir camisetas con los apodos que les habían puesto a los directores para usarlas en el set.

    En general, todos los testimonios de los involucrados coinciden en que la filmación de la película fue una completa pesadilla. Las correcciones al libreto eran tantas y tan frecuentes ‒todos los días al elenco se le entregaban páginas y páginas de correcciones‒ que los actores simplemente dejaron de prestarles atención; los directores daban pocas y pobres indicaciones y, con frecuencia, se contradecían el uno al otro. Dennis Hopper admite que, durante la mayor parte de la filmación, no tenía idea de lo que estaba haciendo, ni tampoco le importaba; y, según lo han declarado en posteriores entrevistas, Hoskins y Leguizamo estuvieron alcoholizados durante gran parte del rodaje.

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    Al primer corte de la película se le quitaron cerca de 30 minutos de una línea argumental sobre la relación de Mario y Luigi que incluía un enfrentamiento con los hermanos Scapelli, además de escenas variadas que poco contribuían a la trama ‒como si las que dejaron lo hicieran‒. Además de la escena de la boda de Mario con su novia Daniella (Dana Kaminski), que estaba en el guión, pero que nunca se filmó. Anécdota curiosa: La fricción entre la producción y los directores era tal que a éstos se les prohibió la entrada a la sala de edición. Solamente después de que el matrimonio interpuso un amparo ante el Gremio de Directores, se les autorizó a estar presentes mientras se cortaba y montaba el corte final de la cinta.

    Lo que se ve en pantalla habla por sí mismo: un verdadero desastre narrativo con una historia que no sólo no tiene absolutamente nada que ver con el material de origen, sino de la que es difícil sacar cualquier cosa en claro. El tono está completamente indefinido y, aunque la cinta trata de ser una comedia de aventuras para toda la familia, algunas escenas son demasiado ramplonas, otras demasiado oscuras y algunas tienen una clara connotación sexual que se siente completamente fuera de lugar ‒no sé, de niño siempre me perturbó la escena del huevo en carriola‒.

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    Por no decir que las actuaciones están en el rango entre lo malo y lo terrible y a muchos de los involucrados ‒principalmente a Hoskins y a Fiona Shaw, quien interpretara el estrafalario y desaprovechado papel de Lena‒ se les nota, aún con una pantalla y 25 años de por medio, que no querían estar ahí. El guión es atropellado y está lleno de chistes que nomás no acaban de caer y, en general, los eventos en la película se suceden de manera tan atropellada que es difícil seguir una relación de causalidad entre ellos.

    Recuerdo que parte de lo que me entretenía de esta película cuando era niño era tratar de adivinar qué personajes de los videojuegos eran los que aparecían en pantalla. Digo, me parecía una cosa casi simbólica… al menos con certeza sé que están Mario, Luigi, una princesa, Bowser/Koopa, parientes de Bowser ‒sus sobrinos, aunque en los juegos son sus hijos‒, Goombas, Shy Guys y Snifits, creo que un Buzzer, estoy confundido sobre si vi un Ninji por ahí y… ¿esa mujer del Boom Boom Bar se supone que sea un Spiny? Y bueno, a Yoshi se le ven los cables.

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    A final de cuentas, hay que tomar en cuenta que Super Mario Bros. fue una película casi experimental, los realizadores estaban haciendo algo que nunca antes se había hecho… aunque el resultado de su experimento es una cosa que no funciona ni como adaptación de un videojuego ni como película. Creo que están más padres las porno de Super Hornio Bros. (Adams, 1993) con Ron Jeremy… incluso creo que tienen más que ver con los videojuegos.

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    El recuento de los daños es el siguiente: La película recaudó en taquilla más o menos la mitad de su presupuesto y, aunque se ha convertido en una cinta de culto, es considerada como una de las peores de la historia; parte del trato con Nintendo era que la compañía nipona recibiría el 100% de las regalías por el merchandising de la película, sin embargo, tras el estrepitoso fracaso en la taquilla, nadie estuvo interesado en producir merchandising, salvo por una serie de tarjetas coleccionables que aún hoy día es más o menos fácil de conseguir en buenas condiciones y una serie de abominables figuras de acción producida por ERTL; Nintendo adoptó una estricta política de no dar licencias para producir largometrajes basados en sus personajes ‒lo que echó abajo el proyecto para una película de Metroid que se encontraba en preproducción‒ que se ha mantenido hasta este año; Yankel y Morton jamás volvieron a dirigir una película e incluso su agente dejó de contestarles el teléfono; y, obviamente, los planes para una secuela, que trataría sobre la reconstrucción del Mushroom Kingdom sobre las ruinas de Dinohattan y cuyos villanos principales serían Donkey Kong y/o Wart, fueron cancelados de inmediato.

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    Pero no todo en la película de Super Mario Bros es terrible… digo, los sets diseñados por David Snyder, quien fuera director de arte en Blade Runner (Scott, 1982), están padres… aunque de repente se siente que la película estorba para verlos; el soundtrack está decente, particularmente ese cover que hace George Clinton de Walk the Dinosaur… quizá porque es casi idéntica a la original; y… bueno, bueno, Samantha Mathis y John Leguizamo tuvieron una relación romántica, y Lance Herinksen conoció a la maquillista Jane Pollack, quien se convertiría en su segunda esposa, durante la filmación de la película.

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    Super Mario Bros. es un claro ejemplo de cómo una idea decente para una película puede salir muy mal cuando los realizadores tratan de complacer a todo mundo para ampliar su mercado. Creo que lo que pasó fue que tanto los productores como Nintendo se frikearon cuando el pequeño proyecto independiente se convirtió en una película de gran presupuesto y no supieron qué hacer. Si a esto se le suma que la película, que fue vapuleada por la crítica e ignorada por el público, se estrenó apenas dos semanas antes que Parque Jurásico (Spielberg, 1993) el fatídico desenlace era de esperarse.

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    Y hay que reconocerlo, Super Mario Bros. marcó la pauta de cómo debían ser las películas basadas en videojuegos: terribles.

    Durante 25 años Nintendo decidió apartarse del cine, hasta este año, en el que ya se produce una cinta de animación CGI de Super Mario co-producida por Miyamoto.

PARA LA TRIVIA: En la escena post-créditos ‒que esta madre tiene una escena post-créditos ya debería ser suficiente dato de trivia‒, la película satiriza al videojuego cuando un par de empresarios japoneses le ofrecen a Iggy (Fisher Stevens) y a Spike (Richard Edson) hacer un videojuego basado en sus aventuras.

PARA LA TRIVIA, YA EN SERIO: En varias secuencias puede verse un poster de Koopa con una motosierra. Esto podría ser una referencia a La masacre de Texas 2 (Hooper, 1986), en la que Hopper interpreta a uno de los personajes principales.

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[1] Anécdota curiosa: El nombre de este personaje siempre ha sido Bowser; sin embargo, durante mucho tiempo en América se le conoció como Koopa, ya que se referían a él como “King Koopa”. Empero, en este caso debía entenderse “King Koopa” como “Rey de los Koopas” y no como “rey Koopa”.

VIERNES 13 PARTE 2. No estaba muerto, andaba de parranda.

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VIERNES 13 PARTE 2

Friday the 13th Part 2

 

Steve Miner, 1981

 

Dice el dicho que “Nunca segundas partes fueron buenas”… y, en este caso, es completamente cierto. Digo, siendo muy honesto, la única película de las 12 que comprende la saga ‒si se toma en cuenta Freddy vs Jason (Yu, 2003)‒ que considero que vale la pena es la primera; pero también debo admitir que la mayoría de las otras 11 tienen su encanto. La segunda parte no es la excepción y, aunque sí es bastante mala, resulta también bastante divertida; además de que trata, fallos y huecos argumentales aparte, de ampliar la mitología de la exitosa franquicia slasher.

    La primera cinta, con un presupuesto bastante modesto, fue un éxito de taquilla, por lo que una segunda parte era obligada. De hecho, el éxito de la saga fue tal, que las películas se estrenaban prácticamente cada año. Así las cosas, días antes de cumplirse un año del estreno de la primera cinta, llegó esta secuela.

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    Cinco años después de la masacre en el campamento Crystal Lake ‒lo que situaría la peli en 1984, pues la primera ocurría en 1979, según se explica en Viernes 13: el capítulo final (Zito, 1984)…  aunque esto es intrascendente tanto para esta cinta como para las demás secuelas‒, un campamento cercano está por abrir sus puertas para el verano. El incidente se ha convertido en una leyenda local; Alice (Adrienne King), la única sobreviviente, desapareció sin dejar rastro meses después de los asesinatos y las maledicencias cuentan que Jason (Warrington Gillette/Steve Dash), el hijo deforme de Pamela Voorhees (Betsy Palmer) no murió ahogado en el lago como todos suponían. Cuando los consejeros del nuevo campamento llegan al sitio para tomar un curso de capacitación, empiezan a ser víctimas de brutales asesinatos perpetrados por un atacante misterioso.

    La primera cinta de Vienes 13 (Cunningham, 1980) fue concebida como una película barata que pudiera aprovecharse de la popularidad de Halloween (Carpenter, 1978) e incluso sus realizadores desecharon casi de inmediato la idea de hacer una secuela centrada en Jason. Sin embargo, los realizadores de la segunda parte fueron menos escrupulosos y decidieron seguir adelante con una historia que, de hecho, contradice a la primera parte.

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    Sean S. Cunningham, director del primer filme; Tom Savini, artista de maquillaje y efectos especiales y Betsy Palmer, quien diera vida a Pamela Voorhees, han declarado en entrevistas posteriores lo absurdo del planteamiento de la peli, porque ¿en 35 años nadie vio a Jason, una persona de apariencia más que peculiar, vagar por el bosque? Y si Jason estaba vivo y sabía que su madre vivía ¿no hubiera sido más fácil que sólo fuera con ella a decirle que estaba vivo? Tuvo 30 años para hacerlo… y eso hubiera impedido los asesinatos de la primera película.

    De hecho, si lo que dice el ya icónico efecto de sonido “Ki-ki-ki-ki, ma-ma-ma-ma” es “Kill, mom!”, la voz de Jason al interior de la cabeza de su madre ordenándole que asesine… pues entonces no tiene mucho sentido que aparezca después de la muerte de Pamela Voorhees en la primera cinta, ¿cierto?

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    La idea original era que Alice regresara para protagonizar la secuela y que, si se hacían más películas, su personaje se enfrentara contra Jason en cada una de ellas ‒un poco como el Dr. Loomis en la saga de Halloween‒. Por desgracia, la actriz Adrieanne King no quiso regresar en un rol protagónico y pidió que su aparición en pantalla fuera breve; esto debido a que un fan obsesionado con la primera película había empezado a acecharla e incluso había logrado entrar a su casa. De hecho, King nunca volvió a aparecer en pantalla luego del incidente, limitando su trabajo a la actuación de voz.

    Empero, la actriz sí pidió a los guionistas que dejaran el final de su personaje abierto para que pudiera regresar en futuras secuelas si éstas se realizaban; pero ellos decidieron no hacerlo y mataron al personaje al inicio de la segunda parte. De hecho, la escena de la muerte de Alice fue la última en filmarse y a King nunca le fue proporcionado un libreto de la película… lo que es más, ¡la escena ni siquiera estaba escrita! La actriz se enteró de que su personaje iba a morir cuando llegó al set y la conversación telefónica que sostiene Alice con su madre fue improvisada.

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        También dice el dicho que “Si no está roto, no lo arregles” y justo eso pasa también con esta película. Aunque a nivel argumental la peli continúa con la historia, a nivel de forma es básicamente una repetición de la primera. Ni siquiera es una de esas secuelas que tratan de superar a la cinta original. Es más, las escenas de muerte no son tan interesantes como en la primera Viernes 13 y, hasta cierto punto, en esta película se siente como que falta sangre…

    En el apartado en el que Viernes 13 parte 2 sí supera a la primera es en la explotación sexual. Toda la peli tiene un tono “kinky” mucho más marcado que la primera y, a diferencia de su predecesora, sí muestra un desnudo integral, por parte de la guapa actriz Kirsten Baker. Anécdota curiosa: La escena de sexo entre los personajes de Sandra y Jeff iba a ser mucho más larga, presentando una toma topless de la actriz Marta Kober; sin embargo, Paramount desechó la toma después de enterarse de que Kober había mentido sobre su edad para obtener el papel y que, de hecho, era menor de edad al momento de filmar la escena.

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    El guión es inconsistente y tiene un elemento que siempre me ha llamado poderosamente la atención: ¿Por qué se deshace de la mitad de los personajes a media película? Al inicio, hay un montón de consejeros del campamento, de algunos de los cuales ni siquiera se menciona el nombre; pero después se van de farra y no regresan hasta la mañana siguiente. Algunos de ellos ni siquiera tienen parlamentos… ¿Cuál es su razón de ser entonces?

    La mayoría de las actuaciones son bastante malas, llegando al punto de lo hilarante. Muchas tomas de reacción se nota que fueron filmadas completamente por separado de aquello a lo que se supone que reaccionan, y en general los personajes se sienten flojos y poco interesantes.

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    A pesar de lo anterior, la dirección de la película me parece bastante acertada. A pesar de las obvias carencias de la producción, Miner logra montar varias secuencias, particularmente las de horror, bien logradas. Muchas de las tomas son interesantes, están bien montadas, e incluso en algunos casos, hasta llegan a estar decentemente actuadas.

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    Viernes 13 parte 2 es considerada por muchos críticos y fanáticos como la mejor cinta de toda la franquicia. Si bien no estoy de acuerdo, debo admitir que disfruto de cada una de las películas de la saga de un modo u otro. La segunda parte es divertida y se deja ver bastante bien, además de que es interesante verla en comparación de la primera parte. Si algo me gusta de estas cintas es que, de algún modo, la mayoría de ellas me hacen sentir adolescente de nuevo. No tiene nada que ver con la nostalgia ‒vi la mayor parte de estas películas cuando ya era adulto‒, sino con una íntima relación que pueden llegar a crear entre película y espectador. Y eso, señores, es digno de aplauso.

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PARA LA TRIVIA: El videojuego que juegan los personajes de la cinta es una consola Microvision de Milton Bradley, que fuera producida entre 1979 y 1982. El Microvision tenía una pantalla de 16X16 pixeles y fue la primera consola portátil en el mercado en utilizar cartuchos intercambiables. A pesar de que en la película se mencionan los juegos de Football y Hockey, ninguno de los juegos que aparecieran para esta consola estaba basado en dichos deportes.

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