LOS CAZAFANTASMAS. 35 años después, ¿a quién vas a llamar?

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LOS CAZAFANTASMAS

Ghostbusters

 

Ivan Reitman, 1984

 

Si tuviera que escoger forzosamente una sola película como icono de los ochenta, creo que muy probablemente sería ésta (aunque sí se echa un téte a téte con Volver al futuro [Zemeckis, 1985]). Son pocas las historias de películas que han hecho tanto con tan poco –ajustando las ganancias según la inflación, ésta es la peli más taquillera en la historia de Columbia Pictures– y que se han vuelto, casi de inmediato, un referente de la cultura pop. El éxito de esta cinta generó una secuela, un infame reboot, tres series de dibujos animados –la primera de ellas excelente, la tercera bastante decente–, cinco videojuegos –uno de ellos a punto de ser remasterizado–, tres series de cómics, un manga y una extensa colección de figuras de acción que trascendió la década, además de otros elementos de merchandising relacionado.

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    La peli cuenta la historia de tres profesores universitarios fracasados; el cínico Dr. Peter Venkman (el excelente Bill Murray en un papel que estaba pensado originalmente para John Belushi), el soñador Dr. Ray Stanz (Dan Aykroyd, co-escritor de la cinta) y el cerebrito Dr. Egon Spengler (Harold Ramis, co-escritor junto con Aykroyd), cuyas teorías sobre Parapsicología son la burla de la academia, por lo que son expulsados de la Universidad de Nueva York. Para no morirse de hambre, estos profesores abren un negocio en el que capturan fantasmas a domicilio. La empresa marcha bien y hasta contratan a un cuarto integrante, el prosaico Winston Zeddmore (Ernie Hudson en un papel que originalmente fue ofrecido a Eddie Murphy con mucho más tiempo en pantalla). Sin embargo, todo parece indicar que el éxito del negocio se debe a un inusual incremento de la actividad paranormal en Manhattan que sería el preludio de la llegada a nuestra dimensión del antiguo dios sumerio destructor, Gozer (Slavitza Jovan), y cuyo epicentro se localiza en el condominio donde vive una de las primeras clientas de los Cazafantasmas e interés romántico de Venkman, la concertista Dana Barrett (la legendaria Sigourney Weaver).

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     La idea es tan descabellada que podría funcionar… Y vaya si lo hizo. A pesar de sus limitantes de presupuesto y de que la película se tuvo que filmar con prisas para no gastar demasiado dinero (incluso hay un par de escenas donde se ve que el boom entra a cuadro, pero no pudieron volver a filmarlas), resulta en una comedia con elementos de Ciencia Ficción (una embarrada nomás) bastante efectiva.

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    Tras darle muchas vueltas al asunto y pensarlo y re-pensarlo he llegado a la conclusión de que el éxito de esta cinta, al igual que el de la ya mencionada Volver al futuro, puede muy bien deberse a la concepción que presenta de la sociedad. Me refiero, específicamente en el caso de Los Cazafantasmas, a la reivindicación de la figura de los nerds.

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    Otras películas contemporáneas como Porky’s (Clark, 1982) y La venganza de los nerds (Kanew, 1984) ya habían mostrado a los cerebritos tomando retribución, pero siempre en un tono satírico que encumbraba a los ñoños al mismo tiempo que se burlaba de ellos. Cazafantasmas, por el contrario, iba un paso más allá y ponía a los nerds en el papel de héroes. Estos hombres no peleaban por su dignidad perdida o por recuperar la casa de su fraternidad en la Universidad, luchaban por impedir el Fin del Mundo, y para ello no contaban con súper poderes, habilidad militar alguna o grandes músculos… ¡Vamos, ni siquiera podían pagar la renta! Estos tipos tenían sus mentes brillantes y a la Ciencia de su lado.

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    En el primer borrador del guión escrito por Aykroyd, la historia sucedería en el futuro y los Cazafantasmas serían más parecidos a una especie de equipo SWAT que a exterminadores. Sin embargo, Harold Ramis le hizo ver que el guión sería demasiado costoso de producir. Además, con la muerte de John Belushi, Eddie Murphy salió del proyecto y lo mismo hizo John Candy, quien interpretaría originalmente a Tully, cuando sus propuestas sobre el personaje fueron rechazadas por el director, cerrando así las posibilidades de obtener un gran presupuesto para la peli.

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    Los efectos especiales de la peli son espectaculares (para 1984), a pesar de que fueron creados de formas más o menos baratas. Para lograrlo, los artistas de efectos especiales utilizaron todas las viejas técnicas que el cine había producido a lo largo de las décadas. Años antes de que los efectos por computadora impusieran su dominio y sin poder pagar costosos animatrónicos, Cazafantasmas se sirvió del fotomontaje, las botargas, diversos trucos fotográficos e incluso trucos tan sencillos como la Perspectiva Forzada, la pintura mate o los títeres para dar vida a toda una legión de espectros y criaturas demoniacas… o no.

    Me refiero a que la película está tan bien armada (el guión y la edición son excelentes… excepto por el asunto de los boom) que apenas en este último visionado me percaté de que el tiempo en pantalla de los fantasmas es en realidad poco (Gozer, Zuul y Vinz no cuentan porque no son fantasmas). Hagan cuentas, en verdad hay pocos fantasmas en esta cinta; pero los que hay son ciertamente geniales. ¿Cómo olvidarnos del asqueroso pero carismático Pegajoso (Slimer)? ¿O quién no recuerda las escenas de un gigantesco Hombre de Malvavisco asolando las calles de Manhattan?

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    Las actuaciones son bastante decentes. Además de los comediantes como Aykroyd, Ramis o el genial Rick Moranis (quien interpreta al francamente teto Louis Tully), el elenco cuenta con actores crecidos en las tablas del teatro, como el ya mencionado y posterior ganador del Oscar Bill Murray o el prototipo de la heroína de acción contemporánea, Sigourney Weaver. Prácticamente ninguna escena se filmó tal cual estaba escrita en el guión, pues los actores improvisaron gran parte de sus diálogos. La química entre los actores es innegable y se ve en pantalla, realmente se ve el compañerismo entre los cuatro integrantes del equipo.

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    Cinco años después, con prácticamente idéntico reparto, Columbia Pictures produciría una secuela no muy afortunada. En ella (bueno y en la vida real también), han pasado cinco años desde que los Cazafantasmas salvaran a la Ciudad de Nueva York, y quizá al mundo, pero ahora se han quedado sin trabajo y se han desintegrado. Sin embargo, se reúnen para atender un nuevo caso en el que la energía negativa de la Ciudad parece alimentar lo que será la reencarnación de un antiguo guerrero, llamado Vigo el carpaciano (Wilhelm von Homburg), en el cuerpo del bebé de Dana Barrett. Y sí, apenas si salen fantasmas.

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    A pesar de no haberle llegado ni a los talones a su predecesora, ni en recepción de taquilla ni en calidad, esta peli generó un spin-off de la serie de dibujos animados titulada Pegajoso y los verdaderos Cazafantasmas (1989) con un corte más infantil y que es francamente insufrible.

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    A mediados de la década de los noventa comenzó a correr el rumor de una tercera entrega de la saga, pero el proyecto nunca se concretó. En cambio, se produjo la serie de dibujos animados Extreme Ghostbusters (1997) que, a pesar de tener buenos guiones, argumentos interesantes y seguir la cronología de las películas (Egon Spengler regresa a dar clases en la Universidad y recluta a un grupo de estudiantes marginados e inadaptados para formar un nuevo equipo de Cazafantasmas), gozó de muy poca popularidad, tanto que fue cancelada después de cuarenta episodios.

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    Finalmente, durante la década pasada el rumor de Cazafantasmas III volvió a rondar Hollywood y hasta se escribió un guión en el que el equipo se enfrentaría al mismísimo Diablo. Sin embargo, el proyecto se canceló cuando Bill Murray se negó rotundamente a participar argumentando que odiaba las secuelas; el guión fue adaptado y utilizado en el videojuego Ghostbusters: The Game (Atari, 2009). Actualmente, el proyecto de la tercra parte está en marcha aunque, obviamente, sin Ramis en el elenco.

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PARA LA TRIVIA: En 1975, la productora infantil para TV Filmation creó una serie de televisión de acción en vivo titulada The Ghost Busters, cuyo argumento iba sobre un equipo formado por dos viejos y un gorila que viajaban en una carcacha y se dedicaban a cazar fantasmas con un humor por demás ramplón. Cuando apareció la película de Aykroyd y Ramis, no pudieron registrar el título por las complicaciones legales que hubiera generado con Filmation. Empero, tras el éxito de la cinta, Filmation produjo una secuela de su show televisivo, esta vez en dibujos animados, para colgarse de la fama. Para evitar que la competencia usufructuara el título, Columbia Pictures produjo, meses después, la excelente serie de dibujos animados Los verdaderos Cazafantasmas (1986-1991).

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PARA LA TRIVIA GEEK: El nombre de Gozer fue tomado del famoso caso del Poltergeist de Enfield. Al entrar en trance, una de las médiums que investigaba el caso –aunque su identidad ha permanecido oculta, lo más probable es que se tratara de Lorraine Warren–comenzó a susurrar el nombre “Gozer”. Este caso fue investigado por los afamados Ed y Lorraine Warren y es, de hecho, la trama de la película El conjuro 2 (Wan, 2016).

 

MÁXIMA VELOCIDAD. “El autobús que tenía que ir rápido” cumple 25 años.

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MÁXIMA VELOCIDAD

Speed

 

Jan de Bont, 1994

Como la gran mayoría de la gente normal, la primera vez que vi esta película fue en un camión. ¿Qué impulso sádico llevaba a las compañías de autobuses a tener esta película como una de las principales de la cartelera? Nunca lo sabré. Sea como fuere, desde entonces me ha gustado esta cinta, que considero una de las obras cumbre del melodrama de acción de lo que a mi hermano y a mí nos ha dado por llamar la Época Guns n’ Roses (1986-1994). Algo tonta, pero muy entretenida, Máxima velocidad es una de esas cintas que requieren del espectador que apague un ratito el cerebro y sólo disfrute del paseo.

Der Bus rast mit Volldampf durch Los Angeles ... *** Local Caption *** 1994, Speed, Speed

    Jack Traven (Keanu Reeves, el nombre del personaje es un tributo a Bruno Traven) es un miembro del equipo SWAT de la Policía de Los Angeles quien, junto con su compañero Harry Temple (Jeff Daniels), logran frustrar un atentado terrorista en el ascensor de un rascacielos. En venganza, el terrorista Howard Payne (Dennis Hopper en un papel que fue ofrecido originalmente a Jack Nicholson y, posteriormente, a Robert DeNiro), coloca una bomba en un autobús urbano que explotará si el vehículo viaja a menos de 50 millas por hora. Ahora, Traven deberá intentar salvar a las personas en el autobús –que casi ni pueden ser consideradas personajes– mientras se enfrenta a un genio criminal que anticipa cada uno de sus movimientos.

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    Cuando la directora Kathryn Bigelow se encontraba en la preproducción de su película Punto de quiebra (1991), tuvo a un solo actor en mente para el papel protagónico: Keanu Reeves. La directora lo había visto en La magnífica aventura de Bill y Ted  (Herek, 1989) y le pareció que sería una bocanada de aire fresco pare el cine de acción. El físico y la personalidad de Reeves harían que el personaje fuese más creíble y que fuera verosímil que se tratara de un policía encubierto que se infiltra en una banda de delincuentes.

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    Por lo tanto, fue Bigelow quien convirtió a Keanu Reeves, quien no tiene para nada pinta de héroe de acción, en un héroe de acción. De hecho, Reeves realizó él mismo alrededor del 90% de sus stunts en Máxima velocidad… y se nota.

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    Reeves originalmente rechazó protagonizar Máxima velocidad –un guión que ya había sido rechazado por prácticamente todas las estrellas de cine de acción del momento, incluyendo a Arnold Schwarzenegger, Kurt Russell, varios de los hermanos Baldwin, Bruce Willis, Tom Cruise y Harrison Ford, entre otros–, pues el borrador del guión que leyó  se le antojó demasiado parecido a Duro de matar (McTiernan, 1986… y, de hecho, McTiernan también rechazó dirigir Máxima velocidad). Sin embargo, terminó aceptando después de que Joss Whedon fue contratado para reescribir el guión.

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    Si uno se detiene un momento a analizar el guión de esta película, caerá rápidamente en la cuenta de una cosa: es francamente idiota. Los diálogos son acartonados y poco orgánicos, las situaciones inverosímiles y todo el argumento está plagado de huecos e inconsistencias.

    Las actuaciones son… pues básicamente, malas. Los dos actores principales, Reeves y Sandra Bullock, difícilmente pueden articular dos palabras, los pobres. Daniels y Hopper comprensiblemente están en los papeles de soporte, pues son los que sí actúan en la peli… y eso más o menos. Daniels se ve desperdiciado y peleándose con el guión y Hopper… bueno, Hopper venía de hacer la espantosa Super Mario Bros. (Jankel y Morton, 1993) y se le nota la decepción. Durante toda la peli, Hopper parece estar en un plan de “me vale madres” y sólo escupe sus parlamentos de manera sobreactuada… a pesar de lo cual, en algunas escenas incluso parece que lo intenta y, de hecho, tiene un par de momentos brillantes a lo largo de la cinta… digo, alguien tenía que actuar en esta madre, ¿no?

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    Por ejemplo, es muy divertida la escena en la que Payne toma una Coca-Cola. Se ve que el actor odiaba el refresco, pues lo agita para que se le vaya el gas y le da un apresurado trago. Luego, durante todo el segundo acto de la peli, la botella de Coca está ahí, pero jamás vuelve a beber de ella en cámara.

    Por cierto que para cuando la explicación de por qué el personaje de Hopper es un terrorista sociópata por fin llega, no sólo ya no nos importa, sino que es tan blanda y superficial, que llega a resultar un poco decepcionante. Digo, esto es un melodrama y los villanos no necesitan explicación en los melodramas; pero ¡meh!

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    A pesar de lo deficiente de las actuaciones, la verdad es que los personajes se relacionan bien en pantalla. Bullock y Reeves tienen muy buena química y funcionan como pareja. También Daniels y Reeves funcionan bastante bien como compañeros y nos brindan  un par de momentos cómicos que trascienden lo atropellado del guión; además, el realismo que sus actuaciones no están dando se compensa con sus tipos físicos que se alejan por completo de los estándares del héroe de acción de la época… de hecho, en ese mismo año, Daniels coprotagoizó Una pareja de idiotas (Farrelly, 1994).

    La música compuesta por Mark Mancina está bastante bien y funciona al lograr crear la tensión y el suspenso necesarios para una película de este tipo… quizá el único fallo que le encontraría es que se trata de un solo leit motiv que se repite ad infinitum y llega a volverse un tanto monótono hacia el final de la peli.

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     La fotografía es eficiente y me gusta que tiene esa estética tan característica de la década de 1990, con sus tomas amplísimas con cielos y paisajes dorados. Y aunque la foto y la narrativa visual no son nada para emocionarse, sí debe reconocerse la maestría técnica de la cinta al filmar un autobús en movimiento en la autopista de Los Ángeles. La filmación debe haber sido una verdadera mentada de madre.

    Y, lo que sí está super bien logrado… y qué bueno, porque una película como ésta depende enteramente de ello, es el ritmo. Toda la narración se sucede de forma ágil y entretenida y, aunque uno ya sabe lo que va a pasar, la película no deja de ser interesante en ninguno de sus 116 minutos de duración.

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    Otra cosa que también está muy padre son los stunts. Muchos de ellos son verdaderamente impresionantes y ¿a quién le importa si los Mythbusters ya demostraron que ese salto de 15 metros del autobús no solo es estúpido, sino que viola todas las leyes de la física? ¡Se ve genial! ¿Y qué necesita una película mala para ser genial? ¡Explosiones! Y en esta pinche película explotaron un avión de pasajeros con un costo de ochenta mil dólares en vivo frente a cámara.

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    Por cierto, esa escena del salto del autobús no estaba en el guión. La idea se le ocurrió a Jan de Bont un día cuando conducía por la autopista de Los Ángeles y notó que le faltaba un tramo.

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    Lo que nunca he entendido son los últimos 15 o 20 minutos de la película… ¿Por qué era necesario descarrilar el Metro? Es una pregunta genuina, si alguien conoce la respuesta, por favor, dígamela. Anécdota curiosa, la producción se quedó sin presupuesto a media filmación, por lo que, cuando la película se presentó ante público de prueba, las escenas del Metro eran simplemente storyboards animados. A la gente le gustaron tanto que la producción pudo convencer al estudio de liberar más presupuesto para poder filmarlas.

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    A pesar de todo, creo que esta película es genial. Dejando de lado las malas actuaciones y el guión oligofrénico, la verdad es que resulta increíblemente disfrutable. Son dos horas llenas de acción con un ritmo trepidante que nunca se detiene y una aplicación eficiente de prácticamente todos los clichés del género ¿Quién será más psicópata, los villanos de las pelis de acción o los héroes que no pueden liquidar al villano sin soltar una frase graciosa antes? Quizá no es una de mis pelis favoritas; pero siempre que la veo me emociona y me divierte… y, por favor, nadie mencione la terrible secuela.

PARA LA TRIVIA: Jeff Daniels y Keanu Reeves entrenaron con un grupo SWAT real para que sus movimientos lucieran más auténticos en pantalla. Del mismo modo, Sandra Bullock aprendió a manejar un autobús real, pasando el examen en el primer intento.

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LA MASACRE DE TEXAS. A 45 años del slasher original.

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LA MASACRE DE TEXAS

Conocida en España y en la literatura especializada como Masacre en cadena, pero que originalmente se llamó
The Texas Chainsaw Massacre

 

Tobe Hooper, 1974

¿Recuerdan que dije de Los cazafantasmas (Reitman, 1984) que pocas películas habían logrado tanto con tan poco? Bueno, pues esta cinta es una de esas pocas. De hecho, presupuestos aparte, creo que son pocas las películas que pueden jactarse de haber cambiado la Historia del Cine como lo hizo ésta; pues transformaría el cine de horror en las décadas por venir, definiendo su lenguaje.

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    En un tono tan realista como jamás antes se había mostrado –para nuestros días puede resultar risible, pero en esa época esto era realismo–, la película cuenta la historia de cinco jóvenes que viajan al condado de Newt, en Texas, después de escuchar las noticias sobre la reciente profanación de tumbas en el cementerio local. Al comprobar que la tumba de su abuelo no sufrió daño alguno, los hermanos Sally (Marilyn Burns) y Franklin (Paul A. Partain) Hardesty llevan a sus amigos a pasar el día en la antigua finca familiar. Poco saben ellos que en las inmediaciones habita una extraña familia de asesinos psicópatas con gusto por la carne humana. Uno a uno, los hermanos Hardesty y sus amigos caerán presas de Leatherface (Gunnar Hansen), el asesino que descuartiza sus víctimas con una motosierra y usa máscaras de piel humana, y sus hermanos caníbales.

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    Al respecto de la génesis de esta cinta, puedo mencionar la historia del joven Tobe Hooper, recién egresado de la escuela de cine de la Universidad de Austin, quien en compañía de su amigo Kim Henkel (co-productor y co-escritor de la cinta), realizó una investigación para averiguar qué género cinematográfico era el más popular. Los resultados que arrojó dicho estudio demostraron a Hooper y a Henkel que las películas que más se consumían en aquel entonces –y creo que aún hoy día– eran las de horror y las comedias. Así pues, ambos compañeros decidieron que su primera película sería una de horror… Aunque de todos modos, como para sacarse el gusanito, cuando Tobe Hooper dirigió Masacre de Texas 2 (1986) la hizo una comedia.

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    Según lo contó él mismo en una entrevista, a Tobe Hooper se le ocurrió la idea de un asesino que utilizara una motosierra como arma preferida cuando se encontraba en la inauguración de una tienda departamental en Austin. Sin darse cuenta, el tumulto atrapó a Hooper en el departamento de herramientas para jardín, justo frente a un anaquel con motosierras, y como lo único que el joven director quería era salir de ahí, ambas ideas hicieron clic en su cabeza.

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    Ninguno de los actores era profesional. La mayoría del elenco fue casteado del mismo club de teatro de la Universidad de Austin. También, dicho sea de paso por cruel que parezca, pocos de ellos realmente tuvieron una carrera actoral después. Marilyn Burns, protagonista de la cinta, fue mesera mientras esperaba su gran oportunidad en Hollywood… que nunca llegó; Gunnar Hansen, quien participó con un pequeño papel en la infantiloide La gente que el tiempo olvidó (Connor, 1977) al lado del legendario Doug McClure, se retiró de la actuación para escribir novelas costumbristas; y Jim Siedow, quien interpretó a Old Man, se empecinó en que no quería volver a salir en una película si el guión no le parecía tan bueno como el de La masacre de Texas, así que la única otra cinta en la que participó fue en La masacre de Texas 2.

    Muchos críticos y estudiosos del cine han analizado esta cinta desde muy diversos enfoques a lo largo de la historia, la mayoría de ellos tratando de desentrañar el enigma de su inesperado éxito. Si bien un servidor no se atrevería a llamarla la Primera Película Moderna de Horror por considerar que dicho título le pertenece a Psicosis (Hitchcock, 1960), sí estoy plenamente convencido de que la ópera prima de Hooper es consecuencia del magistral thriller de Hitchcock y de que marcó la tendencia que seguirían las películas de miedo hasta nuestros días.

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    De hecho, como dato no tan curioso, puedo mencionar que tanto La masacre de Texas como Psicosis se basaron en el mismo asesino serial de la vida real: el siniestro Ed Gein. Hombre sumiso reprimido por su padre alcohólico y su madre fanática religiosa, con quien vivió hasta la edad adulta, Gein no pudo superar la muerte de ésta y, dando rienda a un Complejo de Edipo mal resuelto, se dedicó a profanar tumbas de mujeres cuyos cadáveres violaba, consumía, y con los cuales fabricaba muebles y vestidos. Después de un par de años, Gein no se sintió satisfecho con la profanación de tumbas del cementerio de la comunidad rural en la que vivía (Plainfield Wisconsin, en el centro Norte de Estados Unidos) y comenzó a asesinar mujeres que se parecían a su madre. Por cierto que también en Ed Gein se basó el personaje de Buffalo Bill de la película El silencio de los inocentes (Demme, 1991).

    Con tan macabra inspiración, la casa de la familia de Leatherface (bautizada con el humor más ácido posible como la familia Sawyer en Masacre de Texas 2) está decorada con muebles hechos de huesos diversos, restos de las incontables víctimas que sirvieron de cena para el macabro clan y de los “souvenirs” que éstos tomaron de algunas tumbas. Sofás de fémures, lámparas de cráneos y una gallina misteriosamente encerrada en una jaula demasiado chica para ella son sólo algunos de los adornos fúnebres que las jóvenes víctimas encuentran en la tétrica casa de los caníbales.

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    Y hablando del clan de caníbales… ¿Qué hay con ellos? Me refiero a que mucho se ha discutido sobre qué relación guardan Leatherface y los otros tres miembros de su familia, conocidos sólo con los sobrenombres de Hitchhiker (Edwin Neal), Old Man (Jim Seadow) y Grandfather (John Dugan). Aunque aparentemente los tres primeros son hermanos, con frecuencia Old Man asume el rol de padre y líder del clan.

    Los estudiosos del Séptimo Arte que se han dedicado al análisis de La masacre de Texas suelen preguntarse ¿por qué no hay mujeres en la familia? El único vestigio de alguna presencia femenina es la abuela momificada que los tres hermanos guardan en el ático. Eso o el hecho de que en dos escenas Leatherface usa máscaras de mujer (de hecho en la cuarta entrega de la saga, los realizadores decidieron volver a este asesino una especie de travesti).

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    Siempre me ha gustado el subtexto de esta cinta. Creo que, de hecho, la peli no narra la historia de los jóvenes asesinados, sino de Leatherface y sus hermanos, quienes representan a una familia estadounidense rural promedio cuyos valores son confrontados por las nuevas generaciones. La vuelta de tuerca en este discurso viene con el cuestionamiento sobre exactamente ¿cuáles son estos valores? Es decir, no cabe duda de que los posteriormente bautizados Sawyer son una familia más que unida, pero ¿con qué fin? ¿Queda justificado uno o varios crímenes en aras del amor fraternal?

    Finalmente, se trata sólo de una familia que hace lo que se supone que deben hacer todas: proteger a los suyos. En una de las primeras escenas, cuando los jóvenes recogen al Hitchhiker, Franklin y él dialogan sobre un matadero que ven en la carretera. Hitchhiker menciona que su familia solía trabajar en ese lugar, pero que se quedaron sin empleo tras la industrialización de los rastros. Se trata pues del desplazamiento del hombre por la máquina y la crisis laboral que esto genera desde el siglo XIX.

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     La confrontación entre los valores decadentes de las entidades rurales y los nuevos valores de la sociedad de consumo nacida de la posguerra estadounidense fue en esta época el discurso de varias otras películas como el clásico churro del legendario H.G. Lewis 2000 maniáticos (1964), la aterradora Las colinas tienen ojos (Craven, 1977) o la muy perturbadora y controvertida Amarga pesadilla (Boorman, 1972).

    Ése, por cierto, es otro de los elementos que, según los teóricos, volvieron tan exitosa a esta película y que, por cierto, es uno que heredó de la ya mencionada obra maestra de Hitchcock –¿dirigió algo que no lo sea?–. Volviendo a los terrores creados por el folklore, plantea el medio rural como un lugar peligroso. Es decir, sería obvio pensar, por lo menos antes de esta cinta, en la ciudad como el hogar de los lunáticos; pero ¿y el campo, donde no hay dónde esconderse ni un alma en kilómetros a la redonda?…

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    Aunque la película fue muy escandalosa en su momento y, de hecho, fue prohibida en varios países, las escenas de horror que presenta pueden resultar bastante tibias para nuestros tiempos. He de admitir que, no estoy seguro por qué, pero esta última vez que vi la cinta me causó más miedo que otras; pero estoy convencido de que el efecto que produce proviene más de la atmósfera creada con esmero que de algún otro recurso efectista. De hecho, según lo declaró Tobe Hooper en alguna entrevista, en toda la realización de la película se utilizó apenas medio litro de sangre artificial.

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    Sin embargo, las actuaciones en esta película son tan deliciosamente grotescas, el tono tan grandguiñolesco y el ritmo tan medido que le dan un sabor único. Y es este sabor lo que la convierte, sin lugar a dudas, en el antecedente directo de todo el cine slasher de la década siguiente. Así es, esta película es la madre de todos los Michael Myers, Freddys, Jasons, Ghostfaces y demás asesinos enmascarados del cine.

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    Curiosamente, a diferencia de la nutrida descendencia que mencioné arriba, la de Masacre de Texas es quizá la franquicia slasher menos afortunada de todas, y también la más corta. Con sólo ocho películas (son pocas en comparación con las once de Halloween o las doce de Viernes 13), debe reconocerse que la premisa se agotó en la primera cinta. Todas las demás han tenido que recurrir a piratearse escenas completas de la primera parte bajo el pretexto de rendirle homenaje o hacer guiños a los fans. ¡Nada! Pura falta de creatividad. El mismo Hooper pudo anticiparlo y por eso decidió que la segunda parte fuera una parodia de la primera.

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    El legado de La masacre de Texas incluye tres secuelas de la original, un remake con su respectiva precuela, una secuela spin/off ­–del que ya hablé en un post anterior– en 3D, una precuela tardía de la cinta original, un videojuego para Atari 2600, tres series de cómics (la primera de las cuales incluyó el crossover Leatherface vs Jason) y una enorme cantidad de figuras de acción y merchandising relacionado.

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PARA LA TRIVIA: He aquí varios hechos curiosos sobre la cinta.

  • John Dugan, el actor que interpretaba a Grampa, tenía sólo 19 años cuando hizo la película.
  • La casa de la familia caníbal fue filmada en una casa real en la que habitaba gente. El equipo de producción estaba vuelto loco con la logística para poder filmar al mismo tiempo que permitir a la familia que habitaba en la casa seguir con sus actividades cotidianas.
  • En los primeros borradores del guión la película se titulaba Braincheese (queso de sesos) haciendo alusión a un diálogo del personaje de Franklin.
  • Bill Moseley, quien interpretó a Top-Chop en La masacre de Texas 2, fue convocado por la producción de la cinta cuando Edwin Neal, el actor original que hiciera el papel de Hitchhiker en 1974, se rehusara a aparecer en la secuela. Moseley había interpretado el papel en una parodia para televisión titulada The Texas Chainsaw Manicure.
  • Para simular la apariencia de piel humana mal curtida, la máscara de Leatherface fue moldeada con una mezcla de látex y fibra de vidrio.
  • En Italia, donde son famosos por sus extrañas traducciones para los títulos de las películas, la cinta se llamó No abras esa puerta.
  • La escena más difícil y tardada de filmar fue la de la cena. Para dicha secuencia, el equipo de producción trabajó durante 23 horas continuas. La iluminación era tan intensa y la ventilación tan escasa (para mantener la oscuridad dentro de la habitación las ventanas fueron cubiertas con bolsas de basura) que la comida en los platos (pollo hervido) comenzó a pudrirse, originando un terrible hedor que hizo que más de uno de los miembros del staff volviera el estómago. De hecho, en la versión de la cinta en Blu-Ray puede verse el vapor de la descomposición emanando de los platos.
  • A pesar de que la cinta se promocionó como “Basada en hechos reales” para atraer al público, en toda la historia del estado de Texas no existe un solo reporte de un asesinato cometido con una motosierra.
  • La secuela de la película tardó casi 13 años en estrenarse por el montón de líos legales que se desataron por los derechos de autor. La compañía que la había distribuido originalmente, White River Productions, resultó ser un frente para lavar dinero de la mafia italiana que se esfumó con las ganancias y los derechos de distribución. Hubo mucha gente involucrada en la realización de La masacre de Texas, incluidos algunos de los actores, que nunca vieron un solo centavo por concepto de pago de regalías.
  • La actriz Marilyn Burns sufrió sendas heridas en la escena en la que corre por un zarzal, por lo que muchos de los arañazos y cortadas que se le ven en cámara eran reales.

 

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LA HISTORIA SIN FIN. 35 años sin Artax…

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LA HISTORIA SIN FIN

Cuyo título original es Die unendliche Geschichte, pero que fue comercializada internacionalmente con su título en inglés, The Neverending Story.

 

Wolfgang Petersen, 1984

 

Existen dos cortes de esta película: el corte internacional y el corte original alemán. Hay una disimilitud de 8 minutos en la duración de ambas versiones; pero en realidad no hay diferencias significativas, excepto por los créditos iniciales y la música sinfónica que originalmente fue compuesta por Klaus Doldinger y sustituida por la música synthpop compuesta por Giorgio Moroder en la versión internacional. La diferencia de duración se debe a que, si bien no se quitaron escenas, la mayoría de ellas fue recortada para darle un ritmo más acelerado a la peli. Asimismo, algunas transiciones entre secuencias son diferentes y, bueno, todos los textos que aparecen en la película están en alemán en la original.

Cuando estaba en el kínder, con la ayuda de mis papás leí Las aventuras de Tom Sawyer y El principito; pero la primera novela que leí yo solo fue La historia interminable, de Michael Ende, cuando tenía ocho o nueve años. Mi abuela me la prestó. Para aquel momento, yo ya había visto las –en aquel entonces– dos películas de La historia sin fin; pero no tuve ningún problema en entender ambas versiones de la misma historia como una especie de universos alternos. Aún ahora, cuando considero que la primera película no le hace justicia al texto de Ende ni por asomo, me paree que se trata de una gran película y no tengo empacho en añadirla a mi lista de películas generacionales.

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    Por cierto, si pueden ver esta película en Blu-Ray, por favor, háganlo. Además de la remasterización en Full HD, le hicieron corrección de color, tiene una mezcla de audio totalmente nueva en 5.1 canales y retocaron todos los efectos visuales, haciendo que se vea verdaderamente espectacular.

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    La película cuenta la historia de Bastian (Barret Oliver), un niño nerdoso y bulleado aficionado a los libros. Cierto día, tratando de escapar de los bravucones que siempre lo molestan de camino a la escuela, Bastian se refugia en la librería de libros antiguos del señor Koreander (Thomas Hill). De ella, Bastian toma un misterioso libro titulado La historia sin fin. Al leerlo, el chico se entera de la aventura de Atreyu (Noah Hathaway, a quien quizá no recuerden por su interpretación del Harry Potter original en Troll [Buechler, 1986]), un niño guerrero que es encomendado con la tarea de buscar la cura para salvar a la Niña Emperatriz del reino de Fantasía, pues de ello depende detener el ataque de la Nada, un vacío total que está destruyendo Fantasía poco a poco. Pero ¿es la historia de Atreyu sólo ficción? Bastian descubrirá con asombro los misteriosos poderes del libro.

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    Esta película es, en realidad, una alemana. Me refiero a que, en un caso similar al de El quinto elemento (Besson, 1997), La historia sin fin fue filmada y producida en Alemania –excepto por las escenas en el mundo real, que se filmaron en Vancouver, Canadá– con inversión y actores estadounidenses y en inglés, para que fuera más fácil distribuirla de manera internacional.

    Con un presupuesto de alrededor de 27 millones de dólares, lo que la convirtió en la película más costosa jamás filmada en Alemania en su momento, la producción de esta cinta está súper cuidada. Los efectos visuales eran de lo mejor para su época, el maquillaje y las criaturas son espectaculares –aún en el Blu-Ray se ven incluso mejor que los de algunas producciones actuales–, y los sets están tan bien construidos y tan cuidadosamente iluminados y fotografiados que difícilmente uno nota que son sets. Muchas de las locaciones de la peli fueron creadas mezclando impresionantes sets, maquetas y pintura mate.

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    Con todo, dos escenas del libro que se habían incluido en el guión no pudieron ser filmadas, pues los efectos especiales de la época no bastaron para crearlas de forma convincente. La primera era la escena en la que Atreyu rescata a Falkor (voz de Alan Oppenheimer) de Ygramul, el Múltiple, una araña gigante cuyo cuerpo está formado por avispas. La otra sucedía casi al final de la película, cuando Atreyu se ve atrapado en la lucha entre los Cuatro Vientos.

     Quizá los únicos que no se ven tan bien son G’Mork (también con voz de Oppenheimer) y el lipsync de Falkor, que la neta sí se ve chafón… por cierto, ¿por qué cambiaron el nombre de Fujur por el de Falkor?

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    ¿Y cómo olvidar la escena de la muerte de Artax que a tantos niños traumó en esa época? Una leyenda urbana decía que el caballo se les había muerto de verdad durante la filmación; sin embargo, esto es falso. El equino no sólo sobrevivió a la filmación, sino que, al terminar ésta, la producción se lo regaló al actor Noah Hathaway, quien se había encariñado con él. Por desgracia, los costos de llevar al animal de regreso a EE.UU. eran tan altos que Hathaway tuvo que devolverlo.

    El que sí estuvo a punto de morir durante la filmación de la escena de los Pantanos de la Tristeza fue el propio Hathaway, quien sufrió un accidente en el que la plataforma hidráulica que debía elevarlo sobre el lodo se atascó en su zapato, arrastrándolo al fondo del tanque hasta casi ahogarlo. Para cuando el crew rescató al actor, éste ya había perdido el conocimiento. Otro incidente se suscitó durante la filmación de la escena de la pelea con G’Mork, cuando el robot fue lanzado contra Hathaway con demasiada fuerza, golpeándolo en la cara y casi sacándole un ojo. El rodaje continuó; pero tuvo que sr detenido pues el animatrónico era demasiado pesado y estaba aplastando a Hathaway debajo de él.

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    En general, las actuaciones están bastante bien. Digo, pareciera que cuesta trabajo encontrar niños que no sean odiosos en pantalla y todos los que aparecen en esta película son bastante competentes.

    El guión también es bastante bueno y, si bien no termina de hacerle justicia a la obra de Ende, sí logra desarrollar personajes complejos y entrañables, así como mantener el tono oscuro –¿Se acuerdan cuando la gente de las películas tenía sangre? ¡Y eso que era peli familiar!–, denso e incluso un tanto nihilista del relato original, además de que también logra transmitir un poco del discurso anticapitalista de la novela. A pesar de todo, el guión no está exento de ciertas inconsistencias que no afectan para nada el disfrute de la cinta.

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    Quien no pareció disfrutar mucho la película fue a Michael Ende, quien quedó muy a disgusto con cómo habían adaptado su texto a la pantalla; tanto, que pidió a los realizadores que quitaran su nombre de la película. Cuando ellos se negaron por razones legales, Ende entonces pidió que cambiaran el título de la cinta, petición que también fue rechazada. Finalmente, el escritor demandó a la compañía productora y perdió. Por esta razón, el nombre de Ende no aparece sino hasta el final de los créditos.

    La fotografía es genial y presenta a Fantasía como un lugar vasto, lleno de texturas y claroscuros; además de que hace un buen trabajo al integrar todos los elementos visuales de la cinta: los sets con las pinturas mate, con los efectos visuales, con las botargas y los puppets y la superposición de imágenes. Y el resultado final se ve genial.

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    Por supuesto, uno de los elementos más sobresalientes de esta película es el tema musical Neverending Story, con el que ahora se soltó el mame por la serie de Netflix Stranger Things (2016-). Sin embargo, el tema interpretado por el cantante británico Limahl no siempre fue popular. De hecho, en la versión alemana de la película, la canción ni siquiera aparece. Al momento del estreno de la peli, dependiendo del territorio en el cual se distribuyera, el tema se anunciaba como interpretado por Limahl o por Kajagoogoo –banda de la que Limahl era vocalista en aquel entonces–. La canción se volvió realmente exitosa hasta el año siguiente, cuando la película salió a la renta en video.

    La cinta se convirtió en un éxito inmediato, cuadruplicando su presupuesto en ingresos de taquilla y generando dos secuelas –aunque un poco tardías–: La historia sin fin II: el siguiente capítulo (Miller, 1990), que es bastante mala, pero medio continúa con la historia del libro y La historia sin fin III: escape de Fantasía (MacDonald, 1994) que es poco menos que inmunda y ya no tiene nada que ver con la obra de Ende –ni siquiera sale Atreyu–. Hubo también una serie de dibujos animados bastante decente y una miniserie para la TV.

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    La primera cinta sólo cubrió alrededor de la tercera parte del libro de Ende y, aunque la segunda trató de seguir con el argumento, es desastrosa. Así que quizá esos productores ansiosos de encontrar la nueva saga de libros juveniles y sus adaptaciones cinematográficas con chingos de merchandising podrían voltear en esta dirección, pues una adaptación fiel del libro de Ende podría sin problemas engendrar una buena trilogía.

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    A pesar de la desaprobación del autor original, La historia sin fin no es sólo una buena película; sino probablemente una de las mejores películas de la década y una de las mejores cintas de fantasía que se hayan hecho.

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PARA LA TRIVIA: El equipo de maquillaje originalmente había planeado que Atreyu tuviera un tono de piel verdeolivo como se le describe en la novela; sin embargo, no pudo lograr que dejara de verse ridículo en pantalla, por lo que la idea fue desechada.

PARA LA TRIVIA GEEK: El prop original del Auryn fue adquirido por Steven Spielberg, quien lo tiene enmarcado y colgado en una pared de su oficina.

 

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AVATAR. “Pocahontas en el espacio” cumple 10 años.

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James Cameron, 2009

Por principio de cuentas he de señalar que he visto los tres cortes diferentes de esta película: La versión de cines, la edición extendida y la Edición del coleccionista. En esta reseña hablaré sobre la Edición del coleccionista, cuya diferencia con la versión de cine son 16 minutos adicionales.

 

Desde que vi esta película en el cine mi opinión sobre ella casi no ha cambiado: es una mala película muy bien hecha. Resulta un festín visual de altísima tecnología y de tres horas de duración, lleno de acción y emoción; pero que en el fondo no deja de parecerme una cruza entre Pocahontas (Gabriel y Goldberg, 1995) y El regreso del Jedi (Marquand, 1983).

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    En el siglo XXII los recursos naturales de la Tierra se han agotado y la compañía RDA ha comenzado la explotación comercial de Pandora, una de las lunas del planeta gigante gaseoso Polifemo, en la galaxia Alfa Centauri. Para lograr tal propósito, la ambiciosa compañía no tiene reparos en usar fuerzas militares para acabar con la resistencia de la población indígena de Pandora, los Na’vi. Entre los militares enviados a Pandora se encuentra Jake Sully (Sam Worthington), un marine veterano parapléjico que recibe una segunda oportunidad al entrar en el programa Avatar. En dicho programa, los científicos humanos usan cuerpos Na’vi controlados a distancia (los avatares) para interactuar y ayudar a la colonización de Pandora. Al mezclarse con los Na’vi, Jake Sully se identifica más con ellos que con los seres humanos que lo han marginado. Finalmente, cuando la invasión de la RDA a Pandora se aleje de la vía pacífica, Sully tendrá que escoger entre combatir por su propia raza o por aquélla que lo adoptó (sí mencioné que dura tres horas, ¿verdad?).

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    La apabullante campaña publicitaria de esta película, junto con sus deslumbrantes efectos visuales y su guión sensiblero sólo logran enmascarar a medias la verdad: que se trata de un pastiche lleno de clichés y lugares comunes, llegando al punto incluso de copiar/pegar escenas de otras películas del mismo James Cameron. Principalmente, he podido notar que mucho de esta cinta está basado/fusilado de otra cinta de gran éxito de Cameron, que dicho sea de paso es una de mis pelis favoritas, Aliens: el regreso (Aliens, 1986).  De hecho, he de admitir que, en un principio, no me llamaba demasiado la atención ver Avatar hasta que me enteré de la participación de Sigourney Weaver –quien interpreta a la Dra. Grace Augustine–, cuya última colaboración con James Cameron dio como resultado la ya mencionada Aliens.

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    Si uno pone atención, se dará cuenta de que hay tomas que de hecho son tal cual tomadas de la cinta antes mencionada e, incluso, a veces parece que el guión fue escrito pensando en el reparto de Aliens. Como ejemplo más inmediato, puedo mencionar que el personaje de Trudy Chacon (Michelle Rodríguez) es básicamente el mismo que el de Jenette Vasquez; por no mencionar que el enfrentamiento final del Cnel. Miles Quaritch (Stephen Lang en el papel con el que agarró su segundo aire) contra el Thanator es casi exactamente la misma escena clímax de Aliens, en la que Ellen Ripley, a bordo de un montacargas, se enfrenta mano a mano con un Alien reina.

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    Del mismo modo, el soundtrack de esta cinta fue compuesto por James Horner, mismo autor del épico soundtrack de Aliens y la melodramática banda sonora de Titanic (1997). Y justo así es que suena la música de esta película; como una mezcla de ambas partituras (en momentos ni siquiera hay mezcla, suena idéntico a Aliens) con una pizca del score compuesto por Hans Zimmer para El Rey León (Allers y Minkoff, 1994).

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    Así pues, otras obras de Cameron sutil, pero indiscutiblemente, son pasadas por el tamiz de Avatar, como un cadáver exquisito. De tal suerte, se pueden detectar también escenas y elementos, sobre todo en el rubro de diseño, extraídos de El Exterminador (The Terminator, 1984) y El secreto del abismo (The Abyss, 1989). Quizá los responsables de esta película confiaron en que el público no lo notaría, que sería demasiado joven para conocer estas películas o, que simplemente, no le importaría. Y esto lo escribe un servidor quien, hasta Titanic, se consideró un acérrimo fan del director canadiense.

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    Para concluir con esta extensa sección sobre las “influencias” de esta película, sólo mencionaré la terrible distracción que significaron para mí muchos de los efectos de sonido elegidos para la fauna de Pandora. La razón es muy sencilla: quizá sean efectos grabados originalmente para esta película, ¡pero eligieron los mismos animales para ser grabados que los diseñadores de sonido de Parque Jurásico (Spielberg, 1993)! Así, tenemos que el Thanator suena exactamente igual a un Tyrannosaurus Rex corriendo tras su presa y los “caballos” pandorianos suenan idénticos a un Velociraptor hambriento.

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    Otros lugares comunes como los colonizadores insensibles y despiadados, los sabios salvajes y la belleza de la Naturaleza indómita son más que regulares y no pueden achacársele a Cameron (lo dice alguien que nació en México). De tal suerte, el mensaje de esta cinta termina siendo un panfleto ecologista-espiritual que parecería salido de la más frívola tienda de artículos New Age.

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    En los aciertos de esta película puedo mencionar actuaciones sólidas por parte, principalmente, de Weaver y Lang; quienes representan las dos facetas antagonistas de los colonizadores de Pandora. Asimismo, gracias a que durante casi el 80% de la película sólo vemos la forma digitalizada de su Avatar, la ya comprobada nulidad actoral de Sam Worthington no estorba para el disfrute de la película.

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    Es también digno de mención el enorme adelanto tecnológico que significó el desarrollo de la técnica del Performance Capture, misma que permitió la creación de expresiones faciales hiperrealistas en los Na’vi, personajes creados enteramente como imágenes generadas por computadora.

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    Otro gran acierto es una atención obsesiva a los detalles –Cameron, al fin y al cabo– que da como resultado tomas espectaculares y preciosistas. Avatar, en opinión de un servidor, fue la primera película que realmente marcó una diferencia entre el cine tradicional en 2D y  el 3D que tan de moda estuvo hasta mediados de esta década. Realmente ver esta película en Tercera Dimensión es un deleite, pues la técnica es utilizada como una verdadera herramienta narrativa que no busca que las imágenes se salgan de la pantalla, sino que el espectador sea introducido en ellas. Creo, francamente, que la forma en la que se utiliza el 3D en el cine actualmente proviene directamente de los resultados logrados por Cameron en esta cinta.

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    Para finalizar con este apartado mencionaré que, si en algo es rica esta producción, es en su diseño de arte. Es simplemente prodigioso. Cada pieza de vestuario, cada artefacto, cada instrumento que aparece en pantalla nos hace saber que tiene una función específica y que no aparece por azar o capricho. En este aspecto, los diseñadores de Weta Workshop (sí, los mismos de la Trilogía de El Señor de los Anillos [Jackson, 2001-2003]) logran crear un universo creíble que parece habitado por seres reales.

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    Concluyo este artículo dejando en claro (digo, por si alguien ya lo estaba pensando) que no odio esta película. Por el contrario, me parece muy entretenida y estimulante; del mismo modo que creo que ha sido terriblemente sobrevalorada. Finalmente, me parece que es una obra que se regodea en una forma exquisita y opulenta por falta de un fondo más sustancioso. Y es que sin el CGI ¿cuál es la diferencia entre Avatar y El Nuevo Mundo (Malick, 2005)?

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PARA LA TRIVIA: James Cameron tenía planeado estrenar Avatar después de Titanic, para la temporada de blockbusters de verano de 1999 o 2000; sin embargo, en aquel entonces, los efectos visuales que necesitaba para crear a los Na’vi elevaban el presupuesto de la película a 400 millones de dólares, por lo que ningún estudio quiso financiarla.

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EL REY LEÓN. La misma leona, pero revolcada.

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EL REY LEÓN

The Lion King

 

Jon Favreau, 2019

Por azares del destino, sólo una vez en mi vida he visto la película original de El Rey León (Allers y Minkoff, 1994) doblada al español. En 1994, cuando se estrenó, por alguna exótica razón que no logro recordar, terminé viéndola tarde en la noche en una sala de cine de arte con el audio original y subtítulos en español. Nunca la tuve en VHS y, cuando la conseguí en DVD y Blu-Ray, siempre la vi en inglés. Sólo la vi en español cuando fui a ver la edición del 20 aniversario en 3D. Sea como fuere, me acostumbré desde siempre a oír a los personajes con sus acentos británicos y, ahora que salió esta nueva versión, tuve que verla en inglés.

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    Antes de continuar, debo aclarar que todo el asunto de Disney haciendo remakes Live-Action de sus películas animadas me parece un despropósito; pero esta cinta me dio curiosidad porque la original me encanta, así que me lancé a verla.

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    Como si hiciera falta que escriba la sinopsis, la película narra la historia del pequeño Simba (Voces de JD McCrary y Donald Glover, quien era fan de la original cuando niño así que se sabía las canciones de memoria al momento de grabarlas), un cachorro de león, heredero del reino de su padre, Mufasa (James Earl Jones repitiendo su papel de la original), quien es acusado por su malvado tío Scar (Chiwetel Ejiofor) por la muerte de éste. Sintiéndose culpable, Simba se exilia del reino y conoce a sus nuevos amigos, Timón (Billy Eichner) y Pumbaa (Seth Rogen), con quienes se la pasa de lo lindo todos los días. Sin embargo, el momento decisivo para Simba llegará pronto, pues deberá decidir entre la vida despreocupada que ha llevado hasta ahora o reclamar su lugar como rey. Para quien no lo sepa, El Rey León es un pastiche que mezcla Hamlet con un plagio de Kimba, el león blanco (1965-1967).

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    No estoy muy seguro de por dónde empezar a hablar de esta película, así que lo haré por lo más evidente: es un timo. Quiero decir, ¿cuál es el propósito de esta cinta… además de llenar los de por sí ya henchidos bolsillos del Ratón Miguelito, claro? Digo, porque la están vendiendo como el live-action de El Rey León, pero no es live-action; sigue siendo animación, sólo que, en vez de ser animación tradicional en 2D es un sofisticado CGI fotorrealista con algunos escenarios naturales.

THE LION KING

    Por otro lado, sé que muchas veces nos quejamos de que cuando adaptan algo, le hacen cambios… pero creo que es peor cuando, como en este caso, no le cambian nada. Se trata casi exactamente de la misma maldita película. Prácticamente es una calca, pues los diálogos son los mismos, la narrativa es la misma, las tomas y secuencias son las mismas, muchos de los encuadres son idénticos… incluso el ritmo es el mismo –lo que, a la postre, la vuelve innecesariamente larga–.

    Lo único nuevo que aporta esta versión son un par de canciones originales –que son bastante anodinas– y un par de escenas que se notan metidas con calzador nomás como para que no fuéramos a decir que es exactamente la misma maldita película. Y sí, ya sé que el objetivo de la secuencia de la pelusa de Simba era ejemplificar lo del Círculo de la Vida, pero de verdad se siente que sobra, particularmente porque uno recuerda la película original.

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    Lo que me pareció increíble que esta película lograra fue quitarle punch a los números musicales. Es muy extraño cómo las canciones que en la versión original eran entrañables en ésta se notan desangeladas. Si acaso Hakuna Matata y The Lion Sleeps Tonight –que no es original de la peli– se salvan; pero el bajón se siente muy duro con Be Prepared, que no es ni la sombra de lo que era en la original.

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    Por supuesto, la verdadera estrella del show son los efectos especiales, que son simplemente espectaculares. Por momentos uno juraría que los animales que aparecen en pantalla son reales y los paisajes virtuales no están nada mal tampoco.

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    Lo cual me lleva al mayor conflicto que me genera esta película: la sincronización. Desde luego, es prácticamente imposible sincronizar las labiales del audio con animales fotorrealistas que… pues básicamente no tienen labios y la verdad es que en ningún momento puede uno alejarse de la idea de que las estructuras faciales de esos animales son distintas a las nuestras, y que, mientras se mantengan en la onda realista, serán incapaces de expresar emociones. Es evidente que los animadores no quisieron arriesgarse con expresiones faciales y articulaciones bucales no realistas, pero a final de cuentas, la cosa termina viéndose igualmente poco orgánica. Quizá habría sido mejor que los animales sólo hablaran con voces en off o, incluso, hubiera sido súper interesante que se aventaran una película sin diálogos, porque para como se ven en pantalla en el mejor de los casos me recuerdan a Babe, el puerquito valiente (Noonan, 1995) y en el peor… pues la neta hay muchas secuencias que parecen sacadas de algún episodio de El show de Mr. Ed (1958-1966.. esperen, ¿qué? ¿Esta oda a la oligofrenia estuvo al aire por ocho años? ¿En qué clase de mundo vivimos?).

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    Las actuaciones están bien a secas. No son nada del otro mundo y, francamente, James Earl Jones ya se escucha cansado y eché mucho en falta a Jeremy Irons; pero puedo decir que las actuaciones están bien. Me gustó bastante la interpretación de Florence Kasumba como la hiena Shenzi, aunque también extrañé a Whoopi Goldberg.

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    Ahora bien, aunque la película me parezca un sinsentido, la verdad es que no es mala. Entretiene y tiene momentos divertidos. Me hizo pasar un rato agradable a pesar de parecerme completamente intrascendente. De tal suerte, si fuiste niño en los 90 y andabas en el mame de El Rey León, la película puede gustarte mucho por el lente distorsionador de la nostalgia o, como a mí, puede no tener absolutamente nada que ofrecerte más allá de los primeros 20 minutos en los que uno aún está boquiabierto con el CGI.

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    Por otro lado, si en los 90 andabas con el mame de El Rey León y ahora eres papá y quieres compartir eso con tus hijos, la película es ideal. Es una gran cinta para pasar un buen rato en familia… y olvidarla en cuanto se estrene lo próximo del monopolio Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm/Twentieth Century Fox. Finalmente, esta nueva versión de El rey León está muy acorde con la propuesta actual de la Casa del Ratón de un cine completamente desechable. Un amigo mío calificó esta peli como “impresionante, pero intrascendente” y creo que me quedaré con ese epíteto.

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PARA LA TRIVIA: Jeremy Irons mostró interés por volver a interpretar el papel de Scar; pero el rol fue ofrecido inicialmente a Benedict Cumberbatch, quien lo rechazó.

 

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VORAZ. Un extraño western de caníbales y una sátira del Destino Manifiesto.

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Antonia Bird, 1999

Recuerdo que cuando estaba en la secundaria esta película causó cierto revuelo en el círculo independiente. En aquel entonces, la idea me pareció súper interesante; pero no pude ver la cinta sino hasta años después. La primera vez que la vi, recuerdo que me gustó, pero me decepcionó la segunda mitad, SPOILER francamente, sentí que el elemento mágico estaba un poco fuera de lugar TERMINA SPOILER. Sin embargo, en posteriores visionados, pude agarrarle bien la onda al planteamiento de la historia y a cómo se iba narrando ésta, y la verdad es que mi percepción sobre la cinta ha cambiado. Aún creo que se cae un poco en la segunda mitad; pero aun así me parece que es bastante buena.

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    Esta historia de Gótico Americano se desarrolla durante la Guerra Mexico-Americana, cuando el Cap. Boyd (Guy Pearce), único sobreviviente de una desastrosa batalla contra tropas mexicanas, es “promovido” al Fuerte Spencer, en el gélido norte de la Sierra Nevada, en California. El emplazamiento es un desastre que apenas subsiste en medio de la miseria y el desorden, poblado por excéntricos personajes y dirigido por el Cnel. Hart (Jeffrey Jones, maravilloso). Cierto día, al fuerte llega Colqhoun (Robert Carlyle, genial), un extraño sujeto que dice haber escapado de morir a manos del líder de su expedición, el Cnel. Ives, quien comenzó a devorar a los demás miembros de ésta cuando quedaron atrapados en una caverna. Cumpliendo con su deber, el Cnel. Hart arma una expedición con algunos de los soldados apostados en el Fuerte Spencer para investigar la cueva; pero, al llegar al lugar, descubrirán la aterradora verdad detrás de la historia de Colqhoun, así como del mito indio del Wendigo.

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    Desde los albores de la humanidad, el tema del canibalismo ha sido un tabú. Mientras algunas culturas polinesias lo practicaban como parte de su dieta regular, muchas civilizaciones mesoamericanas y africanas le daban un sentido ritual. En el caso de los indios norteamericanos, casi en su mayoría, lo consideraban una práctica despreciable y de ella surge el Mito del Wendigo. El incidente de esta película está muy ligeramente inspirado en la infausta Expedición Donner (1846-1847), probablemente el caso más famoso –o infame– sobre canibalismo de supervivencia documentado durante la conquista del Oeste Estadounidense, mientras que Colqhoun está inspirado en el personaje real del presunto guía de montaña Alfred Packer, conocido como el Caníbal de Colorado.

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    El mito del Wendigo era utilizado entre los indígenas de la Costa Este de EE.UU. –en lo cual difiere de la película, que se desarrolla en California–, particularmente los pueblos algonquinos, como un tabú y una metáfora de la avaricia, la glotonería y, en última instancia, del canibalismo. El Wendigo es un espíritu malévolo del bosque que siempre se está muriendo de hambre y nunca puede saciarse. Aunque las descripciones cambian de tribu en tribu, por lo general se describe que su forma de cazar consistía en caminar siempre detrás de su presa y desaparecer cuando ésta volteaba, hasta que la llevaba a la locura. Según algunas versiones, las personas podían convertirse en wendigos luego de ser acechados por uno. Cuando uno camina por el bosque y siente que lo observan o lo siguen, pero al voltearse en derredor no puede ver nada, es el Wendigo quien sigue sus pasos.

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    La película, además de lo obvio, habla sobre el canibalismo en varios niveles. Por supuesto, trata el tema en el nivel más superficial e inmediato: el del canibalismo como tal; pero también diserta sobre el canibalismo presente durante la eucaristía católica y, al mismo tiempo, presenta un canibalismo metafórico en la falaz hazaña del Cap. Boyd, quien sacrificó a todo su pelotón para sobrevivir durante la guerra. SPOILER Del mismo modo, con las propiedades atribuidas al consumo de carne humana, la película termina siendo un cuento muy sui generis de vampiros. TERMINA SPOILER. En un nivel más intelectual, el canibalismo de esta peli funciona como sátira de la doctrina del Destino Manifiesto y la forma voraz como EE.UU. se alimenta de otros países.

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    ¡Ah, la Sierra Nevada! La desolación y el aislamiento de la cordillera occidental estadounidense se llevan tan bien con historias de horror y locura como el pan y la mermelada. Digo, fue también en dichas montañas en las que Stanley Kubrick ambientó su versión de El resplandor (1980). En el caso de Voraz, si bien la película se ambienta en tal lugar, los exteriores se filmaron en su mayoría en la República Checa y algunos otros en el estado de Durango, al noroeste México.

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    Siempre se agradece que en los primeros planos la nieve sea de verdad, pues la artificial comúnmente resulta viéndose falsa. También pienso que, por las condiciones meteorológicas y del terreno, debe haber sido una mentada de madre filmar esta película. En algunas escenas pueden notarse en los rostros de los actores quemaduras por el sol y el frío.

    La ambientación histórica está bastante bien lograda y, sobre todo, llaman la atención los vestuarios, que lucen increíbles –excepto, claro, porque en algunas tomas se nota que las charreteras de las casacas son de plástico–; pero en general, todo se ve bastante bien, particularmente porque, además de la calidad de la manufactura de vestuarios y sets, todo está súper bien iluminado y fotografiado.

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    Lo cual nos lleva a uno de los puntos más fuertes de esta cinta: la fotografía. El trabajo de Anthony B. Richmond –a quien probablemente recuerden por la fotografía de cintas como Candyman (Rose, 1992) o Nuestra pandilla (Evans, 1993)– para esta cinta es verdaderamente impresionante. La iluminación meticulosamente cuidada en interiores, así como planos generales majestuosos en los exteriores logran, respectivamente, transmitir sentimientos de claustrofobia y de soledad y aislamiento que son realmente inquietantes.

    En general, toda la película es inquietante y perturbadora lo cual se debe, además, a su tono. Si bien todo el relato está imbuido por una atmósfera de horror, la verdad es que esta cinta también retoma muchos elementos del cine de aventuras y, por momentos, echa mano también de una ácida y mordaz comedia negra. Creo que la única otra película donde he visto que se mezclan tan afortunadamente tales géneros es Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981).

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      Las actuaciones son buenas y los intérpretes hacen un buen trabajo dándole vida a este grupo de estrafalarios personajes, porque, a final de cuentas, ¿quiénes son estos tipos? Aunque muchos de los personajes secundarios están un poco botados en su tono, las interpretaciones de Carlyle y Jones son de antología. Todos y cada uno de los personajes parecen estar con un pie bien metido en la locura durante la mayor parte del tiempo. Esto genera un pandemónium al interior del fuerte que lleva a Boyd a constatar, de forma fehaciente, que su promoción al Fuerte Spencer fue un castigo por su cobardía y no un premio por sus hazañas bélicas.

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    Y el genial Robert Carlyle está en verdad aterrador en su papel de Colqhoun. La pelea final entre Boyd y Colqhoun en el guión estaba propuesta para llevarse a cabo en el techo de uno de los edificios del fuerte mientras éste se quemaba. Sin embargo, los actores sintieron que la escena ya estaba muy trillada, por lo que propusieron a la directora SPOILER que, en vez de la escena planteada en el guión, los personajes sólo se golpearan brutalmente hasta matarse. La escena resultante es mucho más fuerte a nivel emocional y es la más sangrienta de toda la película. De hecho, la producción se quedó sin sangre artificial después de filmarla. TERMINA SPOILER Por eso, si uno se fija, hay algunas secuencias en las que la sangre no se ve tan bien; esto se debe a que la producción tuvo que improvisar formulando su propia sangre artificial, pues no les era posible conseguir más.

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    La producción no estuvo exenta de problemas, pues el director original, Milcho Manchevski, fue despedido cuando apenas llevaba dos semanas de rodaje. La producción entonces propuso a Raja Gosnell (Scooby Doo, Los pitufos) para sustituirlo, pero el elenco lo rechazó por no considerarlo suficientemente apto para tal función. Finalmente, Robert Carlyle contactó a su amiga Antonia Bird, con quien trabajara en Priest (1994), para que tomara la dirección del proyecto. Finalmente, el estilo intimista y visceral de Bird dotó a la película de una profundidad emocional poco vista en películas de género.

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    El elemento que siempre me ha asombrado más de esta película es la música. Compuesto por Damon Albarn y Michael Nyman, el soundtrack es completamente distinto a cualquier cosa que haya escuchado en alguna otra película. Tomando algunos elementos de música concreta, basándose por momentos en música tradicional de los indios norteamericanos e incorporando sonidos sinfónicos y electrónicos, así como acordes de banjo y violín, y samples de música popular estadounidense, la banda sonora de esta cinta transmite un sentimiento de soledad, aislamiento e impotencia ante la ominosa fuerza del mundo natural y de los misterios que esconde. Además, en muchas de las secuencias, la música es utilizada como contrapunto para darle un tono más grotesco a lo que se está mostrando en pantalla.

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    También, a lo largo de toda la peli, hay varios stunts bastante impresionantes, como aquella secuencia en la que Boyd se lanza desde un acantilado y se desliza aparatosamente por las ramas de un árbol que, se nota, fue filmada directamente frente a cámara, sin ayuda de efectos especiales o trucos de cámara. También ayuda que, en general, la edición de toda la cinta es muy buena.

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    Voraz no es una cinta para todos, eso queda claro desde el momento en el que se convirtió en película de culto. La cinta costó alrededor de 12 millones de dólares y durante su corrida original en cines en EE.UU. apenas pudo recaudar 2 millones; pero se ha hecho de una nutrida legión de fans. Fue, además, destrozada por la crítica de su tiempo. Se trata, de hecho, de una película bastante extraña que se sale de los cánones de Hollywood para dictar sus propias reglas. Aunque todavía creo que la segunda mitad se cae un poco y el tercer acto tiene un par de problemas de ritmo, se trata de un buen melodrama de aventuras con elementos de horror y comedia que constituye, quizá, una de las mejores películas sobre caníbales que se hayan hecho, si bien su tratamiento del tema es más fantástico y termina siendo en realidad una sátira sobre el Destino Manifiesto.

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PARA LA TRIVIA: Guy Pearce es, de hecho, vegetariano. Cuando filmó la escena en la que come el estofado preparado con la carne de Knox (Stephen Spinella), estoicamente tomaba bocados de un estofado de cordero preparado por el servicio de catering para después escupirlos en cuanto la directora gritaba “¡Corte!”… Así que el asco que puede verse en su rostro era genuino.

 

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ALIEN: COVENANT. Ridley Scott terminó haciendo justo lo que no quería hacer…

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ALIEN: COVENANT

Que originalmente se llamaba Paradise; luego, para evitar el mismo problema de disociación que con Prometeo, la llamaron Alien: Paradise Lost; pero que finalmente terminó llamándose Alien: Covenant.

Ridley Scott, 2017

Cuando el empleado de la taquilla del cine me vendió los boletos para la película que él llamó “El Alien”, pensé que vería algo como lo que aparece en el video Wild Boys de Duran Duran. Siendo honesto, tenía bajas expectativas sobre esta película… y el hecho de que se estrenara una semana antes en Europa y Latinoamérica que en EE.UU. me hizo pensar que no era el único que no le tenía mucha fe al proyecto. Cuando esta cinta por primera vez en el cine, me gustó. Pero ahora que la he vuelto a ver en Blu-Ray, me he dado cuenta de su montón de fallas y me di cuenta de que la califiqué demasiado alto.

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    La historia de esta cinta sucede 10 años después de la desaparición de la nave Prometheus, cuando la nave colonizadora Covenant sufre un accidente que despierta a su tripulación del hipersueño. La tripulación, conformada por parejas casadas, excepto por el androide Walter (regresa Michael Fassbender), descubre que cerca de ellos se encuentra otro planeta desconocido con condiciones similares a las de la Tierra. El capitán Oram (Billy Crudup), a pesar de la reticencia de la Segundo Oficial, Daniels (Katherin Waterson, quien convenientemente se parece a Sigourney Weaver en el físico), decide explorar el planeta. Sin embargo, la expedición es atacada por sanguinarias criaturas mutantes. La tripulación de la Covenant parece perdida hasta que son rescatados por un inesperado aliado, gracias al cual descubrirán el destino final de los últimos sobrevivientes de la Prometheus, el secreto detrás de las criaturas y horrores más allá de sus más alocadas pesadillas.

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    No es un secreto para nadie que Ridley Scott no quería hacer esta película. En 2010, cuando se rumoraba sobre un proyecto que en aquel entonces sólo se llamaba Alien 0, la principal incógnita era el resultado que tendrían las negociaciones entre Twentieth Century Fox y el director británico. Scott aceptó dirigir el proyecto a condición de ser también el productor del para tener libertad creativa. Dicho proyecto después se convertiría en Prometeo (Scott, 2012).

    La razón es sencilla y Scott nunca la ha ocultado: la franquicia de Alien y, sobre todo su criatura estelar, están demasiado gastadas. Por eso trató de hacer una película que sirviera como precuela de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979); pero que al mismo tiempo apuntara en otra dirección. Por desgracia, el resultado, aunque bastante decente en sí mismo, no gozó del favor del público, al ser una película más orientada hacia la Ciencia Ficción y que seguía un hilo conductor enfocado en la cosmogonía, la exogénesis y la teodicea… Y bueno, hubo mucha gente que ni se enteró de que era la precuela de Alien.

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     Así las cosas, esta segunda película en la trilogía de precuelas de Alien trata de incorporar más elementos de horror. Al mismo tiempo, enlaza las tramas de Prometeo con la de las películas de Alien, mandando un poco a volar la primera y dando más énfasis a la segunda. Pero creo que lo mejor es que deja dos cosas bien claras: Primera, que Prometeo es indiscutiblemente una precuela de Alien ‒según lo que se planea, vendría siendo como Alien -2 ‒ y, definitivamente, saca del canon las inmundas películas de Alien vs Depredador (Anderson, 2004) y Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    No entiendo muy bien por qué me gustó tanto esta peli la primera vez y la verdad no entiendo por qué dije que el guión era bueno. Digo, los diálogos están bien en general; pero hay sendos huecos en él… y huecos profundos ‒sigo preguntándome por qué a un androide le crecería el cabello, por qué una nave cuya misión es colonizar y poblar nuevos planetas llevaría una pareja homosexual o cómo es posible que un camión que es lanzado desde la órbita planetaria caiga en línea recta hacia la superficie del planeta ‒. Al menos los personajes y sus relaciones están más o menos trabajados.

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    La peli mayormente se enfoca en el horror. Es una de las películas más sangrientas que he visto en los últimos años, lo que agradezco de verdad, porque por alguna razón los personajes de las películas actuales no tienen sangre. Casi al final hay una escena en una ducha que me pareció casi salida de alguna de las tantas entregas de Viernes 13, con un tímido topless incluido, cortesía de la hermosa Callie Hernandez… sí, así es, hay una mujer atractiva en una película de Alien… y sí, tuvieron que pasar casi 40 años para ver la primera escena casi topless en una película de la franquicia, sin contar a la Ripley mutante de Alien: la resurrección (Jeunet, 1997). Y francamente, me parece que esto es un paso atrás en la serie.

    Hay también muchos elementos de película de aventuras ‒es la primera cinta en la franquicia en la que vemos a los aliens en exteriores y, lo que es más, en medio de la vegetación‒, de película de acción ‒hay una escena de kung fu, lo juro‒ e incluso de thriller. Las secuencias entre Walter (Michael Fassbender) y David (Michael Fassbender…) están imbuidas de una atmósfera de misterio que llega a ser increíblemente perturbadora.

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    Las actuaciones se mantienen un nivel decente. Por supuesto, el que sobresale de todo el elenco y el que lleva la carga histriónica de la película es Fassbender, tanto así que lo pusieron a hacer dos papeles simultáneamente, por lo que la cinta termina siendo algo así como El show de Michael Fassbender y sus amigos

    Lo que sí está muy bien es la fotografía. Se agradece sobremanera que los realizadores prefirieran filmar en escenarios reales y redujeran al mínimo la utilización de sets virtuales. Las locaciones en Australia y Nueva Zelanda están muy bien aprovechadas y, aunque podrían parecer demasiado familiares, aún conservan ese halo de primitivismo que les da una calidad extraterrestre. La iluminación también está padre, aunque manda a la goma ese halo de misterio que tan bien funcionó en la cinta original… Por primera vez, vemos un xenomorfo a plena luz del día.

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    El diseño de la criatura es interesante. Toma como base del diseño original de Giger, pero retoma al mismo tiempo muchos elementos de los aiens de Alien: la resurrección (Jeunuet, 1997) de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr. Sin embargo, mientras que el alien de Giger era elegante y de aspecto biomecánico, el de esta cinta se ve salvaje y primitivo, lleno de texturas fibrosas y nervudas y, por primera vez se ve dentro de la cabeza de la criatura el cráneo que Giger puso originalmente ahí y que se perdió en la oscuridad de la primera cinta.

    SPOILER Por supuesto, lo que yo me pregunté desde que vi el primer tráiler de Alien: Covenant fue: Si en el tráiler nos están dejando ver al xenomorfo a plena luz del día, ¿qué será lo que no nos están mostrando? La respuesta es una nueva criatura en la franquicia, conocida como Neomorfo, que es una especie de versión primigenia del alien que todos conocemos y amamos; pero que se ve más orgánica y más cercana a los seres humanos. Originalmente, H.R. Giger, quien diseñara a la criatura original, quería que el xenomorfo de la primera película fuera de un color carne o hueso translúcido ‒como lagartija besucona‒, sin embargo, por las limitantes de los materiales de la época, esto no fue posible; pero ahora, casi cuarenta años después, este concepto fue llevado a la pantalla. TERMINA SPOILER

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    Los efectos especiales están bastante bien y me agrada mucho que, al menos en los primeros planos, las criaturas sean animatrónicas en vez de CGI. Llámenme anticuado, pero ya saben que siempre preferiré los animatrónicos y puppets por sobre el CGI.

    La película tiene varios fallos que convendría revisar. Alien: Covenant es al mismo tiempo una secuela y una precuela, y sí, está plagada de los fallos que abundan en precuelas y en secuelas al mismo tiempo.

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    Por ejemplo, falla la continuidad con las películas originales o se explican cosas que no deberían explicarse ¿De verdad era necesario explicar el origen de la criatura? Sobre todo, ¿era necesario que los xenomorfos fueran creados artificialmente? ¿No era mejor sólo dejarlo en que hay especies en el universo más letales que la humana? Digo, eso le daba un ligero tinte de Horror Cósmico a la original. Está también el que me gusta llamar el Efecto Episodio I: ¿Por qué si se supone que esta película sucede décadas antes que la original, todo se ve más moderno? Digo, podría salirme por la tangente diciendo que en Prometeo y Alien: Covenant parece que los viajes por el espacio son exclusivos para los ricos y poderosos, mientras que en Alien, el octavo pasajero ya están al alcance del hombre común; pero la verdad es que esa explicación no me convence ni a mí.

    En segundo término, la película también sufre de muchos de los defectos de las cintas de esta década: el inclusionismo injustificado, el hecho de que parece que ya a nadie le gusta usar tripiés para que sus tomas se vean más “dinámicas”, el que, a pesar de que no se hace pesada, se siente que la película podría durar menos ‒tengo la impresión de que últimamente las películas se hacen más largas y creo que quizá se deba a que las distribuidoras quieren que el gringo promedio sienta que desquita los alrededor de USD$20 que paga por un boleto para el cine‒, los finales con vuelta de tuerca increíblemente predecibles y otros tantos.

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    También se nota la presión por parte de algún agente externo para vincular esta peli con la original. En el argumento original para esta película, la Dra. Elizabeth Shaw y los restos de David llegaban al planeta de los Ingenieros, y se veían involucrados de algún modo en la extinción de éstos ocasionada por una pandemia generada a partir de uno de sus experimentos genéticos que se salió de control.

    Pero, en algún momento, Scott se vio forzado a mandar a la goma completamente la línea argumental de los Ingenieros, lo que vuelve el argumento de Prometeo completamente intrascendente para la saga. Es decir, hicieron una de esas cosas que detesto que hagan en las secuelas: tiraron por la borda a la película anterior.

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    Aun así, me quedó una duda enorme: ¿David exterminó a los Ingenieros? Digo, porque los que salen en esta peli no se parecen tanto a los de la primera y, de hecho, parecen adorarlos como dioses. Yo entendí que se trataba de otra especie descendiente de los Ingenieros, como la nuestra; pero quizá me equivoco.

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    En general, creo que Covenant es una de las entradas más débiles de la saga y es también un crudo reflejo de la crisis del cine de Hollywood ‒bueno, siendo justos, la producción es principalmente británica‒. Toda la cinta se siente como una oportunidad desperdiciada; pero, sobre todo, se nota que Ridley Scott terminó haciendo justo lo que no quería hacer con Prometeo: una precuela directa de Alien.

ALIEN: COVENANT

 

PARA LA TRIVIA: Ridley Scott se negó a ver Alien 3 (Fincher, 1992) cuando se estrenó originalmente. Cuando finalmente la vio, décadas después, le desagradó tanto que tuvo la idea de escribir una “secuela alternativa”. El argumento de dicha secuela fue la base sobre la cual se escribió el guión de Alien: Covenant.

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SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA. ¿Se acuerdan de “James Bond Jr.”? ¡Volvió! En forma de Spider-Man.

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SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA

Spider-Man: Far From Home

 

Jon Watts, 2019

 

No me gustó Spider-Man: de regreso a casa (Watts, 2017). El planteamiento de un Spider-Man que, en vez de ser un superhéroe por derecho propio, es el ahijado de Tony Stark y que sus superpoderes quedan como elemento secundario no me convenció nada. Se parece más a Timmy Turner que a Spider-Man. Para esta segunda entrega del Spider-Man integrado al Universo Cinematográfico Marvel, esperaba que el personaje regresara a algo un poco más cercano al original y, si bien no fue así del todo, la verdad es que esta película me agradó mucho más que su predecesora.

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    La historia se sitúa seis meses después de los eventos vistos en Avengers: Endgame (Hnos. Russo, 2019) –que parecen no haber tenido repercusión alguna en la sociedad–, cuando Peter Parker (Tom Holland, lo mejor de la peli) está por realizar un viaje escolar a Europa. En todo aspecto posible fatigado por la lucha contra Thanos y emocionalmente lastimado por la pérdida de su amigo y mentor, Tony Stark (Robert Downey Jr.), Parker se encuentra renuente a seguir cumpliendo con su deber de superhéroe. Cuando aparece Mysterio (Jake Gyllenhaal), un enigmático superhéroe que lucha para defender a nuestro planeta de seres elementales interdimensionales, Parker cree que podrá tomar un descanso. Sin embargo, no pasará mucho tiempo antes de que el Amigable Vecino descubra que Mysterio no es quien dice ser.

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    Como mencioné arriba, me gustó mucho más esta película que la anterior. Me emocioné en las escenas de acción, me reí con los chistes y toda la comedia adolescente –que es mucha– y, en general, disfruté la película en su mayor parte. Aunque, siendo objetivo, no me pareció particularmente buena.

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    Las actuaciones están bastante bien, particularmente de parte de los jóvenes. Quien se luce de todas todas es Tom Holland, quien creo que es un gran Spider-Man… bueno, no… la verdad es que no. Holland es mejor como Peter Parker que como Spider-Man; pero eso tiene que ver más con el planteamiento del personaje que con su interpretación. En general, todos los actores tienen buena química en pantalla, aunque me parece que los chavos se desenvuelven mejor por el lado de la comedia romántica adolescente a la Disney Channel que todo el rollo de los superhéroes y villanos.

Tom Holland (Pending);Jake Gyllenhaal (Finalized);Numan Acar (Finalized)

    Y perdón, pero sigo sin creerme que Zendaya sea MJ –aunque el personaje en esta peli es mucho más cercano al original de los comics– ni que Marisa Tomei sea la tía May… ni porque sus nombres riman. Quizá el eslabón más débil de la cadena sea Gyllenhaal, quien se siente tibio en un papel que daba para mucho más.

    Los efectos especiales están bastante bien. Aunque no soy fan del uso indiscriminado del CGI, al menos en esta película se mantiene un cierto nivel de calidad que otras producciones no tienen. Muchas veces, los efectos visuales de una cinta son encargados a varios estudios pequeños y la falta de integración sale a relucir en el producto final. No es el caso con esta película, en la que todos los efectos especiales se integran de manera orgánica.

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    Ahora bien, creo que el principal fallo de la película es el guión, que no sólo es terriblemente disparejo, sino un tato ocioso. Como si los guionistas se hubieran visto obligados a cumplir con una duración predeterminada y no hubiesen sabido con qué llenarla. El primer acto es lento y falto de cohesión. De hecho, más que una historia, parecen un montón de sketches de algún programa cómico que no están destinados a nada. El segundo acto se quiere poner serio y es en la única parte de la película en la que Mysterio hace… pues lo que uno esperaría que Mysterio hiciera como villano de una película; por desgracia, debido al cambio de tono de la historia en esta parte, pareciera que se tratase de una película completamente distinta. Finalmente, el tercer acto se vuelve a caer cuando Mysterio… pues básicamente deja de ser Misterio y en la confrontación final en realidad vale madres si uno es un genio de la tecnología holográfica –en los comics era un ilusionista, artista de efectos especiales y stunt– y el otro tiene superpoderes de una araña radioactiva porque, de todos modos, ambos usan la tecnología de papi Tony Stark.

    SI ADVIERTO QUE ESTE PÁRRAFO ES UN SPOILER, ESTARÍA CONTRADICIENDO LO QUE DIGO EN ÉL… Lo que me pareció una monumental pérdida de tiempo fue la supuesta vuelta de tuerca de Mysterio. De verdad, creo que es por completo ociosa. Quiero decir ¿qué sentido tiene mantener a tu villano encubierto cuando todo mundo ya sabe que es el villano? El chiste de una vuelta de tuerca es que –por lo menos pretende– generar sorpresa. No conformes con no lograrlo, el desarrollo del personaje es lentísimo. Desde que aparece este villano haciéndose pasar por superhéroe que ya todos sabemos que es un villano porque… pues no mames, somos fans de Spider-Man y por eso estamos aquí, hasta el momento en que por fin se revela su identidad pasa una eternidad… de cosas no tan interesantes, además.

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    SPOILER Lo que sí verdaderamente odié fue la muerte de Mysterio. Y la odié porque es exactamente el mismo modo en el que murió el Buitre en la película anterior: embriagado de poder, el villano es incapaz de controlarse y termina matándose a sí mismo. Lo cual es increíblemente anticlimático. En las películas originales de Spider-Man, los villanos también terminaban destruyéndose a sí mismos; pero esta destrucción era el resultado –excepto por Green Goblin– de una anagnórisis en la que caían en cuenta de que en este mundo no había lugar para ellos… el Dock Ock y Sandman terminaban redimiéndose como héroes trágicos. El Buitre y Mysterio terminan sólo siendo idiotas. TERMINA SPOILER

    El diseño, pero sobre todo, la utilización del traje de Mysterio tampoco me acabaron de encantar. Digo, en general, el traje está bastante bien… sólo que es demasiado parecido al de Thor… Quiero decir, teniendo la tecnología para hacer un traje de Mysterio que de verdad se viera mamalón, SPOILER prefirieron sólo usarlo durante poco tiempo en pantalla. Nuevamente, nada de eso importa de todos modos, pues en la confrontación final Mysterio ni siquiera usa su traje, sino que prefiere vestir una pijama gris para Motion Capture. TERMINA SPOILER

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    Y bueno, lo que ya mencioné en mi crítica a Spider-Man: de regreso a casa sigue desagradándome. Sigue sin gustarme que el personaje de Spider-Man gire en torno al de Iron Man. Sigue sin gustarme que los poderes arácnidos de este Spider-Man queden en segundo plano porque finalmente, y en esta película se nota mucho más, Spider-Man parece una especie de James Bond… ¿Saben qué? No había caído en cuenta de eso, pero Spider-Man: lejos de casa parece más un episodio de James Bond Jr. (1991-1992) que una película de Spider-Man. ¡Ah, cómo extraño cuando Spidey sólo era mi amigable vecino!

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    Spider-Man: lejos de casa no es la mejor película de Spider-Man –a la fecha, ésa sigue siendo Spider-Man 2 (Raimi, 2004)–; pero tampoco es la peor –ese título lo sigue llevando The Amazing Spider-Man 2 (Webb, 2014)–. De hecho, ése es quizá su punto más flaco: que, a la postre, termina siendo anodina, pues se trata de más de lo mismo que la cinta anterior: más Peter Parker y su marginación social en la prepa, más de un super villano que engaña a Parker al suplir a su figura paterna ausente, más de Parker tratando de llenar las expectativas de Tony Stark, más cameos irrelevantes de villanos clásicos de Spider-Man –en esta ocasión se trata de Hydro-Man… más o menos–, más villanos que se matan solos… ¡Pero ahora en Europa!

SPIDER-MAN: ™ FAR FROM HOME

    No voy a mentir: con todos sus fallos, disfruté la película; pero la verdad es que no me pareció nada más que un entretenimiento de fin de semana y difícilmente volvería a verla.

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    Esta película marca un punto decisivo en la alianza Sony/Marvel sobre los derechos de Spider-Man. Según una cláusula estipulada en el contrato que fue revelada recientemente, el acuerdo decía que Sony y Marvel compartirían al personaje para tres apariciones en películas de otros superhéroes de Marvel –término que ya se cumplió– y tres películas en solitario –van dos– si y sólo si la segunda película alcanzaba una recaudación mínima de 1000 millones de dólares en taquilla a nivel mundial –lleva 600–. Parece poco probable que la cinta falle en conseguir dicha marca, por lo que es casi seguro que tendremos una tercera parte.

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PARA LA TRIVIA: Mysterio, y muy probablemente el Lagarto, eran los villanos que aparecerían en la nunca producida Spider-Man 4, de Sam Raimi, y el legendario Bruce Campbell, amigo íntimo y actor fetiche de Raimi, daría vida al villano de la escafandra. Durante la planeación de Lejos de casa, Tom Holland insistió a los productores, sin resultados, para que el villano fuera Kraven, el cazador, y que éste fuera interpretado por Jason Momoa. Finalmente, los productores decidieron regresar a la idea de Mysterio y le ofrecieron el papel originalmente a Matt Damon, quien lo rechazó.

 

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PROMETEO. ¿Un nuevo clásico del Sci-Fi o una tomada de pelo?

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PROMETEO

Prometheus

 

Ridley Scott, 2012

A la fecha sólo existe una edición de esta película, la que se estrenó en cines con 124 minutos de duración; sin embargo, en la edición especial en Blu-Ray se incluyen alrededor de 36 minutos de escenas eliminadas, extendidas y alternativas. En general, estas escenas extienden algunas líneas argumentales de la película o desarrollan más a profundidad el carácter de algunos personajes; otras vinculan esta cinta aún más estrechamente con la primera Alien.

Recuerdo que tenía como siete años la primera vez que vi Alien: el octavo pasajero (Scott, 1979) y me moría del susto. Desde entonces quedé fascinado con el universo planteado por la película, volviéndome no sólo un fanático, sino prácticamente un estudioso del tema. Hace como cuatro años se empezó a barajar la posibilidad de continuar con la franquicia; sin embargo, los intentos por crear una nueva franquicia con Alien vs Depredador (Anderson, 2004) tuvieron desastrosos resultados y ninguno de los involucrados en la saga original, ni la mismísima Sigourney Weaver, quien fungió incluso como productora ejecutiva de las últimas dos entregas, tenía interés en filmar una nueva secuela. Así las cosas, la propuesta de Twentieth Century Fox, dueños de los derechos del personaje, fue hacer un remake.

    Ante el repudio general de los fans en cuanto se filtró el rumor del remake, la Fox decidió cambiar de planes. Así pues, ya que la historia difícilmente podía extenderse más a través de secuelas, se planeó la posibilidad de una precuela y la casa productora anunció que comenzaría a trabajar en el proyecto cuyo nombre clave fue Alien 0. Para dicha cinta, Fox quiso reunir a los productores y director originales de la primera cinta de Alien, pero Ridley Scott se negó. Durante casi un año las negociaciones se empantanaron, pues ninguna de las partes quería ceder: Fox no quería producir Alien 0 sin Scott y Scott no quería hacer una precuela de Alien.

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    Después de mucho negociar, el director británico accedió a dirigir la película con la condición de que le dejaran también producirla. Fox estuvo de acuerdo y Scott comenzó a trabajar en la cinta con un control creativo casi absoluto. Esta libertad le permitió transformar lo que pretendía ser Alien 0 en la primera entrega de toda una nueva saga, anterior a Alien y que, tarde o temprano, se enlazaría con ella.

    En esta cinta, ubicada a finales del siglo XXI, un grupo de científicos descubre pinturas rupestres en Escocia que coinciden con otros varios jeroglíficos y estelas halladas en diversas épocas en diferentes lugares del mundo. Los científicos a cargo de la investigación, la Dra. Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y el Dr. Charlie Holloway (Logan Marshall Green) encuentran en estos jeroglíficos el mapa para llegar a un planeta desconocido en el que podría habitar vida inteligente estrechamente ligada a la raza humana. Con el patrocinio del difunto empresario Peter Weyland (Guy Pearce), Shaw y Holloway se embarcan en una expedición, a bordo de la nave Prometeo, que podría revelar el secreto de la creación del hombre… pero también, quizás, de su destrucción.

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    En una primera instancia, parece que la pregunta que plantea esta película es “Si estuvieras frente a tu creador ¿qué le preguntarías?” Sin embargo, conforme la trama se va desarrollando y más y más información es revelada, la interrogante planteada termina siendo más bien “Si le preguntaras a tu creador qué pretendía lograr cuando te creó ¿realmente querrías escuchar la respuesta?”

    Parece que cada vez que Ridley Scott mete las manos en la ciencia ficción, termina redefiniendo el género. Siendo responsable de obras maestras como la mencionada Alien o el “trhiller noir” Blade Runner (1982), dos de las películas más influyentes del género, Scott entrega en Prometeo una cinta que bien podría convertirse en un nuevo clásico; aunque, eso sí, se trata de una película mucho más condescendiente con el público que las dos anteriores.

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    Mezclando elementos de ciencia ficción dura, de horror, terror y thriller, Prometeo explora el controvertido tema de la exogénesis aderezándolo con elementos de la saga de Alien y sutilmente integrándolo a ella. A este respecto, dos opiniones que han rondado los círculos de críticos y fanáticos alrededor del mundo desde que se estrenó la cinta original en 1979 hallan su respuesta en esta película.

    Por principio de cuentas, está la morfología humanoide del Linguofeda acheronsis (nombre científico ficticio de la criatura); controvertida tomando en cuenta el hecho de que la evolución es un proceso caótico, por lo tanto, las probabilidades de que una forma de vida extraterrestre sea físicamente parecida al Homo sapiens son prácticamente ridículas.

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    Siguiendo este mismo orden de ideas, el Linguofeda acheronsis parece evolutivamente adaptado específicamente para ser un eficiente depredador de la raza humana; sin embargo, se suponía que ambas especies jamás habían estado en contacto.

    Como bien dije, estas cuestiones encuentran una satisfactoria respuesta, que en realidad es aún más oscura y perturbadora de lo que cabría esperar inicialmente, en Prometeo.

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    Las actuaciones de todos los involucrados son de primer nivel. Destacan particularmente la interpretación de Michael Fassbender como el androide David y la ya mencionada Noomi Rapace (a quien, discúlpenme ustedes, sigo sin verle lo guapa) como Elizabeth Shaw. Fassbender logra dotar a su personaje de una rica complejidad a través de acciones sutiles y mesuradas. Todo lo que hace David es completamente medido, exacto y preciso, pues es una máquina.

    Por su parte, Shaw representa un ideal romántico del científico que llega hasta las últimas consecuencias –el arquetipo de Frankenstein–, sacrificándose incluso él y a sus seres queridos, en aras del conocimiento. De hecho, el personaje de Shaw fue uno de los más problemáticos, pues había distintas propuestas para darle vida. Originalmente, se trataba de una persona más visceral y explosiva que ve convertido su idealismo científico en un desencantado nihilismo. Sin embargo, después de varias consideraciones, Scott decidió volver a filmar algunas de sus escenas para convertir al personaje en uno más comprensivo y concesivo.

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    En el rubro de los efectos especiales, la película está muy bien cuidada. Los efectos son impresionantes y sumamente realistas, además de que en general se nota que Scott prefirió el uso de efectos físicos y maquillaje protésico a la usanza de la vieja escuela por sobre los efectos digitales. De hecho, hubo un par de escenas que se filmaron con ambas técnicas, y el director eligió utilizar finalmente aquéllas tomas sin CGI.

    En el aspecto del maquillaje, sin embargo, sí me quedó a deber la caracterización de Guy Pearce como el vetusto Peter Weyland que no hay un minuto en el que no se vea falsa… Y pensar que pudieron arreglarlo fácilmente con un par de pupilentes.

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    Otro gran acierto de la cinta es la música compuesta por Marc Streitenfield. El soundtrack logra crear atmósferas con la ayuda de melodías que van desde lo más romántico e intimista hasta temas grandilocuentes y épicos; pero en general, la música es inquietante y angustiante. Algo tiene esta partitura que ayuda a crear el suspenso necesario para la cinta y lo mantiene a uno atento durante las dos horas que dura.

    Sin duda, gran parte del éxito de la primera Alien recayó en el apartado del diseño. Ciertamente era una tarea difícil lograr algo equiparable a los geniales diseños que H.R. Giger, Ron Cobb y Moebius desarrollaron para la cinta original, y sin embargo, el equipo de Prometeo lo logró.

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    Si bien la mayoría de los artefactos y construcciones alienígenas (construidas por los llamados “Ingenieros”, suerte de raza primigenia) conservan el estilo biomecanoide que tan popular hizo a la criatura de la primera cinta, los diseñadores de Prometeo se las ingeniaron para crear un entorno que se nota es producto de una civilización avanzada. Aunque se desconozca cuál es, todos los artefactos y construcciones de los Ingenieros denotan haber sido creados para una función específica.

    Algo que me encantó también fue el diseño de la nave Prometeo, pues fue desarrollado a partir del diseño de la Nostromo original. Incluso se puede percibir que los diferentes espacios de la nave están acomodados casi de la misma forma. Sin embargo, la Nostromo era una especie de tráiler espacial, una nave de carga de la flota de la Corporación Weyland-Yutani; mientras que la Prometeo es una nave particular para pasajeros propiedad de Peter Weyland. Digamos que la Prometeo viene siendo la versión de lujo de la Nostromo.

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    El diseño que más me gustó fue el de los Ingenieros. Dado que supuestamente esta raza alienígena fue la inspiración para los dioses de las mitologías antiguas, sus rasgos fueron diseñados a partir de las esculturas clásicas grecolatinas; incluso el color de su piel es el del mármol –a pesar de que esto es un error, pues las estatuas de mármol de la antigüedad clásica originalmente estaban pintadas de colores realistas–. El resultado son seres de una belleza ominosa por la perfección apolínea de sus proporciones.

    Prometeo, cuyo planteamiento parece apuntar hacia una especie de Ragnarök en el espacio,  tiene todos los elementos para convertirse en un nuevo clásico de la ciencia ficción. Ridley Scott y su equipo lograron lo que pocas secuelas/precuelas tardías han podido conseguir: satisfacer a los seguidores de la entrega original y cautivar al público de nuevas generaciones. Eso sí hay que decirlo, para conseguir esto, Scott tuvo que sacrificar un poco de la narrativa que originalmente planeó para esta cinta, optando por una menos críptica y esotérica, y más accesible y complaciente para el público general.

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    Hubo dos elementos que sí debo decir que no me gustaron nada, porque a mi parecer dan un poco al traste con el misterio detrás de dos de las figuras más desconcertantes de Alien.

    Por principio de cuentas, está el hecho de que se revele que el tan misterioso organismo fosilizado que aparece en el planeta LV-426 (posteriormente rebautizado como Acheron) es simplemente un traje espacial. Durante muchos años no sólo los fans, sino otros creativos del universo expandido de Alien, conjeturamos sobre cómo se vería esta criatura cuando estaba viva. Ahora resulta que es simplemente un traje de piloto.

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    La otra escena que me pareció completamente ociosa fue el epílogo. Desde que inició la película me intrigaba descubrir si Scott habría sucumbido ante la tentación de incluir un alien dentro de la cinta. Cuando finalmente vi aparecer a la criatura en el epílogo de la peli me sentí contrariado. Quiero decir, la escena es innecesaria y sobre-explicativa: Los fans que íbamos a ver la precuela de Alien ya sabíamos a lo que íbamos y no necesitábamos que se nos recordara; y por su parte, el público nuevo que no sabía que esta peli sería la precuela de Alien tampoco necesitaba saberlo, pues la película es lo suficientemente buena como para sostenerse por sus propios méritos.

    En general, aunque me gusta mucho esta cinta, creo que lo que más le dolió fue ser la precuela de Alien. Originalmente, se suponía que se mantendría la ambigüedad sobre la conexión entre esta trilogía de precuelas y la saga original de Alien; pero finalmente, se tomó un rumbo diferente del cual ya conocemos el resultado.

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PARA LA TRIVIA: El título original que Ridley Scott había escogido para esta película era Paradise. Cuando David le pregunta a uno de los Ingenieros de dónde vienen, la respuesta que éste le da es “Paraíso”. Sin embargo, este diálogo junto con todas las alusiones que había a este concepto fue eliminado de la versión final de la película.

 

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