¡MADRE! Que más bien debió llamarse “Des-madre”.

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¡MADRE!

Mother!

 

Darren Aronofsky, 2017

Cada cierto tiempo aparece en la cartelera una película que toma al público por sorpresa y divide las opiniones, llevando a unos a declararla una nueva obra maestra y a otros a tacharla de tomada de pelo. La nueva película de Darren Aronofsky se sitúa en este punto.

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    Desde que vi el tráiler por primera vez, la película me llamó la atención. Por lo general, me han gustado películas anteriores de Aronofsky, que tienen un estilo surrealista e integran elementos de cine de terror dentro de dramas complejos, bien actuados y bien dirigidos. Cuando vi en el tráiler que su nueva película estaría más enfocada hacia el terror, me convencieron de verla; pero cuando escuché tantas opiniones tan diferentes ‒la mayoría de ellas negativas, la verdad‒ de tantas personas, supe que tenía que verla. De hecho, la cinta fue aplaudida y abucheada simultáneamente durante su premiere en el Festival de Venecia.

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    Otras películas del director neoyorquino como Réquiem por un sueño (2000) o El cisne negro (2010) me han encantado. La fuente de la vida (2006) francamente me dio ganas de estrellarme el cráneo contra la pared. Lo que sí me quedó bastante claro fue que la publicidad era engañosa, pues no se trata de una película de terror… al menos no al final.

    Por principio debo decir que se trata de una cinta polisémica y que, la verdad, resulta un tanto esotérica e inaccesible. Es una película complicada, de ésas a las que hay que prestarles mucha atención todo el tiempo. Después de verla y con un poco de ayuda de mis amigos que también la vieron y me echaron la mano con las partes que no había entendido, puedo decir que la peli está funcionando en tres niveles diferentes.

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    Antes de empezar, debo advertir que me fue imposible escribir este texto sin contar sendos spoilers. Por favor, disculpen la molestia.

    En el primer nivel, el anecdótico, se trata de la historia de una pareja de esposos. Él (Javier Bardem) es un escritor venido a menos con un bloqueo creativo terrible que trata de recuperarse de los eventos trágicos en su vida; Ella (Jennifer Lawrence), más joven que él, es un ama de casa devota y diligente que, en aras de apoyar a su esposo con su proceso creativo, soporta sus abusos y pone todo su esfuerzo en reconstruir una casa marcada por la tragedia. Cuando un anciano moribundo (Ed Harris, maravilloso) fanático del escritor llega a hospedarse a la casa sin previo aviso, la relación de los esposos se volverá cada vez más enfermiza y tóxica hasta llegar a niveles insospechados; mientras Ella espera la llegada del primer hijo, tan ansiado por su marido, tendrá que sobrevivir a oleada tras oleada de invitados espontáneos y abusivos.

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    En este primer nivel también se entiende la obra, en un tono de Dark Fantasy, como una crítica a los falsos ídolos, la enajenación de las masas y la relación prácticamente caníbal de un artista ególatra con su pareja. Es la historia de una persona a la que se le exige que de más y más hasta que ya no tiene nada más para dar.

    En un segundo nivel, el metafórico, la película cuenta la historia de La Biblia. El escritor es el dios judeocristiano y su esposa representa al mundo y, más tarde, a la Virgen María. La pareja de ancianos que llega representa a Adán y Eva (Michelle Pfeiffer en su sempiterno papel de SuperBitch que tan bien le sale), y son expulsados de la casa después de desobedecer las órdenes del escritor de no tocar la joya más preciada de su colección; los hijos de los ancianos (Brian Gleeson y Domhnall Gleeson quienes, de hecho, sí son hermanos en la vida real), de los cuales uno mata al otro vagando por el mundo con el rostro desfigurado, son Caín y Abel; el fregadero que se rompe y causa la expulsión de la primera legión de invitados es el Diluvio Universal, etc., etc. Hasta Reyes Magos hay.

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       En un tercer nivel, el alegórico, el escritor haría referencia al pensamiento del Hombre, su esposa a la Madre Naturaleza, la casa es la Tierra y las interminables oleadas de invitados abusones representan a la humanidad que saquea al planeta y que, después, cuando ya es demasiado tarde ‒al final del segundo acto, más específicamente‒, trata de salvar a la Madre Naturaleza por cuatro medios, fracasando todas las veces: La religión (representada por Él), la Ley (representada con un policía), la Ciencia (una médico) y la guerra (un soldado).

    Quizá haya más niveles de lectura para esta obra, yo sólo encontré ésos, que además son los más obvios. De cualquier modo, como dicen por ahí: “si tienes que explicar el chiste, entonces no es bueno”… Por otro lado, están Shakespeare y Góngora, y bueno…

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    El guión, que a Aronofsky se le ocurrió al despertar una mañana y cuyo primer tratamiento escribió en sólo 5 días, está bien hecho; pero algo simplemente no acaba de cuajar. Todo el primer acto de la película y la mitad del segundo son una maravillosa pieza de Gótico Americano. Se trata de una película de terror sobria y contenida con una muy marcada influencia de Bergman y Polanski que, de hecho, está muy en el tono de clásicos del terror de la década de 1960 como Repulsión (Polanski, 1965), El bebé de Rosemary (Polanski, 1968), La hora del lobo (Bergman, 1968) o La mansión de los espíritus (Wise, 1963).

    Todo eso está muy padre. En verdad, toda la primera parte funciona maravillosamente como película de terror. Mi queja es que, al final del segundo acto, todo se deschaveta y se vuelca patas arriba, y la película termina yéndose por otro lado que no se planteó en ningún momento antes. Me sentí como esas veces en las que de niño jugabas al Monopoly; pero como se hacía tarde y no se le veía para cuándo terminar, los participantes empezaban a cambiar las reglas del juego ad libitum.

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    La misma Michelle Pfeiffer admitió que la primera vez que leyó el libreto no lo entendió y que le pareció demasiado esotérico; pero que aceptó el proyecto porque le gustó el personaje que le habían propuesto.

    La dirección es muy dispareja. Aronofsky es muy consciente de los recursos con los que cuenta y sabe utilizarlos en favor de la historia que está intentando narrar. Incluso sabe jugar sus fichas con los actores de soporte y casi logra hacer que se nos olvide que Lawrence no es particularmente buena actriz. La dirección de actores está muy bien. La dirección de todo lo demás, que parece un barco a la deriva, no tanto.

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    Las actuaciones están llenas de matices y sutilizas que, con la ayuda de muchos primeros planos a los rostros de los actores, ayudan a la peli a adentrarnos en la psicología de los personajes. Además, durante la primera parte, la que sí es como película de terror, crea una sensación de claustrofobia, angustia y persecución. Lo que no me encantó fue la cámara en mano para muchos de los primeros planos; si de por sí este recurso no me convence en planos generales, en los primeros planos me parece que termina mareando y alejando al espectador de lo que sucede en pantalla.

    Con todo, la fotografía es excelente. Creo que es conveniente señalar que, por lo que pude ver, esta película no fue grabada en HD como la mayoría de las pelis actuales; sino que fue filmada en película análoga de 16mm. O sea, a la antigüita y en un formato semiprofesional. Esto también le da una personalidad a la peli. La atmósfera se modifica de acuerdo con las emociones de los personajes, y las distintas tomas y la iluminación ayudan a darle una personalidad a la casa misma, que termina convirtiéndose en un personaje más de la historia.

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    Manteniendo su propuesta de sobriedad, la película no tiene música. Lo cual, por lo menos durante la primera parte, demuestra que no hay necesidad de saturar una peli de música para que sea aterradora. Más que una musicalización, la película logra una ambientación a través de sonidos más que de melodía y, de hecho, no se escribió ninguna partitura para el soundtrack.

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    Creo que ¡Madre! Es una película bien hecha y parece que hay una propuesta autoral detrás de ella. Sin embargo, debo admitir que no me gustó. El primer acto me tuvo muy emocionado; pero después, conforme el autor iba cambiando las reglas del juego y la narrativa se volvía cada vez más y más rebuscada, me perdió por completo y, francamente, no la volvería a ver.

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    A final de cuentas, creo que tiene un defecto enorme que suelo odiar en las películas: Me pareció pretenciosa y mucho. Me da la impresión de que es una de esas películas que se creen mejores de lo que son o incluso mejores que su público. Honestamente, me parece odioso eso de que el autor proponga algo, luego cambie las reglas del juego y finalmente te tache de idiota por no seguir lo que estaba pasando. Ultimadamente, parece que Aronofsky metió todas las referencias que pudo en una licuadora sin tener una dirección específica, dando como resultado un ejercicio narcisista y pretencioso. La técnica está bien, la propuesta es lo que chafea, pues termina ahogándose con sus propias ambiciones.

PARA LA TRIVIA: El personaje de Jennifer Lawrence requería de un intenso trabajo emocional. Durante los recesos de la filmación, Lawrence pidió que instalaran lo que llamó la “Tienda Kardashan” para relajarse. Se trataba de un pabellón al interior del cual había velas aromáticas, bolas de chicle y el programa de TV Keeping Up with the Kardashians (2007- ) reproduciéndose en un loop infinito.

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