EL FARO. La nueva película de terror del director de “La bruja”.

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EL FARO

The Lighthouse

 

Robert Eggers, 2019

 

Hace casi seis años dirigí el montaje de una obra teatral del Grand Guignol titulada Los guardafaros. En ella, dos guardianes de un faro viven las penurias del aislamiento y la soledad cuando uno de ellos enferma y su sanidad mental comienza a decaer. Cuando me enteré de que habría una película con una premisa harto similar, que sería estelarizada por dos actores que considero buenos y que, además, sería producida por A24 y dirigida por Robert Eggers, creadores de la sensacional La bruja (Eggers, 2015), comencé a esperar con verdaderas ansias el momento de verla.

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     Ahora que por fin la vi, puedo decir que la película no sólo no me ha decepcionado; sino que me gustó mucho.

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    La cinta es, de hecho, un remake de la producción británica del mismo título dirigida por Chris Crow y estrenada en 2016. A su vez, ésta, al igual que la obra teatral, está basada en un caso real conocido como el incidente de Small Island, acaecido en 1801.

     A finales del siglo XIX, en alguna aislada isla en la costa de Nueva Inglaterra, un viejo guardafaros (Willem Dafoe) y su nuevo asistente (Robert Pattinson) inician su turno en un viejo y destartalado faro. La relación entre ambos es poco menos que terrible y los abusos y maltratos hacia el joven aprendiz son constantes. Poco a poco, la soledad y el aislamiento irán haciendo mella en sus mentes y la línea entre la realidad y la fantasía se irá desdibujando cada vez más mientras los demonios del pasado y presente hacen presa en los personajes.

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    Aunque la compañía independiente A24 ha incursionado en prácticamente todos los géneros, el que la ha hecho famosa y el que les ha resultado más redituable ha sido el terror. Y la apuesta de A24, con la cual creo que podría incluso renovar el género, ha sido la de un cine de terror de autor. Producciones anteriores de la compañía como la ya mencionada La bruja y Midsommar (Aster, 2019) dejan esto bastante claro.

    Creo que debo empezar diciendo que la película es poco accesible. Por momentos, creo que podría estar pidiendo demasiado del espectador, pero en realidad no es así. A lo que me refiero es a que esta cinta sí necesita de la atención del público y de su compromiso para poder ser disfrutada plenamente, pues en vez de presentarnos las cosas ya digeridas, nos da sólo sugerencias y guiños, las piezas de un rompecabezas que uno debe armar.

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    Del mismo modo, cabe señalar que ésta es una película de terror. Es decir, la peli trabaja más con la psicología del espectador, es mucho más sutil y mucho más sugerida y, aunque sí hay varios momentos de horror, en realidad son pocos y son la culminación de la atmósfera que se ha ido construyendo a lo largo del relato.

    SPOILER Para quienes estén de acuerdo conmigo acerca de la existencia de un estilo Gótico Americano, esta película más o menos podría entrar en él. La gran diferencia sería que en esta obra el terror viene enteramente de una fuente psicológica en vez de sobrenatural. Sin embargo, el subtexto homoerótico de la película que es, de hecho, lo que finamente le causa terror y conflicto al personaje de Winslow/Thomas alcanza dimensiones que, contextualizando la obra en la época histórica en la que se ambienta, alcanzan un terror profundo. En este sentido, la peli me recordó mucho también a La semana del asesino (de la Iglesia, 1973). TERMINA SPOILER

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    Esta película tiene mucha influencia del cine de Ingmar Bergman y, de hecho, por momentos me recordó a mi película de terror favorita: La hora del lobo (Bergman, 1968). Al igual que en las películas del maestro sueco, el ritmo es lento y parsimonioso; pero resulta eficiente y es el necesario para crear el tono y la atmósfera opresiva y claustrofóbica del relato.

    Además de la obvia referencia a Bergman, la película está plagada de otras referencias. Por ejemplo, un montón de referencias a H.P. Lovecraft y su mitología, a la obra de Mellville y Stevenson y, por momentos, todo el numerito se antoja demasiado similar a Esperando a Godot, la obra de teatro del absurdo de Samuel Beckett. Asimismo, hay un montón de referencias a la mitología griega que resultan deliciosas. SPOILER De hecho, el argumento de la película como tal es una reinterpretación del mito de Prometeo TERMINA SPOILER.

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    Las actuaciones son excelentes y ambos intérpretes tienen, desde lo sutil hasta lo intenso, momentos de verdadera genialidad que los hacen brillar en pantalla y que, la verdad sea dicha, sí me llegaron a poner la piel de gallina.

    La fotografía de la película es una propuesta artística en sí misma. Por principio de cuentas, la cinta fue filmada en blanco y negro, en un radio de 1.19:1, con sonido monoaural y utilizando fotografía en película de 35mm como homenaje a las pelis de la época. Por supuesto, más allá de los aspectos técnicos, la fotografía en esta cinta se convierte en una poderosa herramienta narrativa que utiliza luces, sombras y texturas para crear una atmósfera casi expresionista en la que la perturbada psique de los personajes transforma su entorno.

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    La música, compuesta por Max Korven, es interesante y se aleja del soundtrack tradicional de inspiración wagneriana, usando como único leit motiv una ominosa sirena de niebla.

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    Puedo concluir que me gustó mucho esta película y que logró su objetivo: hubo momentos en los que sí me provocó terror y créanme cuando les digo que soy un hueso duro de roer. Mantiene ese saborcito de trabajo íntimo y personal de su director y, entre las dos obras de éste, no podría atreverme a elegir una como la mejor. Por otro lado, entiendo que una cinta como ésta pueda no resultar atractiva para algunos sectores del público; pero, sin duda, no me cansaré de recomendarla y de afirmar que, al igual que La bruja, probablemente sea de lo mejor que se ha hecho en el cine de terror en los últimos años.

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PARA LA TRIVIA: Todos los edificios que aparecen en pantalla fueron sets construidos para la película. A los vecinos de la locación les gustó tanto el faro de escenografía que muchos de ellos pidieron que lo dejaran ahí después de la filmación; sin embargo, tuvo que ser desmantelado por razones de seguridad.

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STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWALKER. La saga de Skywalker llega a su fin… por ahora.

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STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWALKER

Star Wars: Rise of Skywalker

 

J.J. Abrams, 2019

 

SOBRE EL CANON: Sólo para aclarar que ya me han cambiado tantas veces el canon de Star Wars que he decidido no considerar canon más que lo que se ve en pantalla en las películas.

 

Puedo sin broncas empezar el artículo diciendo que me gustó esta película y que, subjetivamente hablando, la encontré sorprendentemente satisfactoria. Puedo decir también sin reparos que creo que es de lo mejor que ha hecho Disney con la franquicia de Star Wars… y, por desgracia, nada de esto es decir mucho. Digo, me gustan las películas de El Santo. Así pues, Star Wars: el ascenso de Skywalker probablemente sea la mejor película de la trilogía de secuelas; pero aun así es bastante mala. O, como quien dice, estar en la cima de una pila de mierda sigue siendo estar en la cima.

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    En esta película nos enteramos de que el emperador Palpatine (Ian McDiarmid) no está muerto y que ha regresado utilizando sus poderes del Lado Oscuro de la Fuerza para conjurar un enorme ejército que absorberá a la Primera Orden y aplastará de una vez por todas a la cada vez más disminuida Resistencia. Palpatine ordena al Líder Supremo Kylo Ren (Adam Driver) encontrar a Rey (Daisy Ridley) y éste recibirá la ayuda de los Caballeros de Ren. Mientras tanto, Rey se entrena en la Fuerza bajo la tutela de la generala Leia Organa (Carrie Fisher, quien fuera revivida gracias a la magia de los efectos especiales) cuando las tropas Sith lideradas por Palpatine lanzan una invasión a gran escala contra todos los planetas libres. La única forma de detener al Emperador es encontrar el mítico planeta Exegol, en el cual se oculta Palpatine.

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    Así es. Esta trilogía estaba valiendo madres tan catastróficamente que tuvieron que resucitar al villano de la trilogía anterior SPOILER y, de hecho, también regresan de un modo u otro, Lando Calrissian (Billy De Williams), Luke Skywalker (Mark Hamill), Han Solo (Harrison Ford), Wedge Antilles (David Lawson) y las voces de muchos de los jedis de las precuelas TERMINA SPOILER. También en esta entrega por fin retomaron algunos elementos de los comics de Dark Empire (Dark Horse Comics, 1991-1995), que era lo que todos esperábamos desde un inicio; por desgracia, ya es demasiado tarde. Además, creo que los elementos que retoman de esa fuente no son los más afortunados, desde que era adolescente y leí los comics recuerdo haber pensado que eso de que resucitaran a Palpatine era una jalada.

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    En esta cinta se nota que la máxima preocupación era sacar del canon los desatinos de Los últimos Jedi (Johnson, 2017). También le pasa un poco lo que pasó con Star Wars Episodio III: la venganza de los Sith (Lucas, 2005): el ritmo es frenético, la duración es excesiva y el argumento está retacado con un montón de cosas que deberían ser importantes para la historia pero reciben un tratamiento superficial porque se dieron cuenta de que llevaban dos películas perdiendo el tiempo.

    Pero también suceden un par de fenómenos muy interesantes además de los ya mencionados. Por un lado, la película no sólo se contradice a sí misma en varias ocasiones; sino que mucho de lo que en ella se explica y sucede contradice a los dos episodios anteriores, creando un desastre en la ya de por sí accidentada continuidad. Por otro lado, puesto que el planteamiento y desarrollo de los personajes planteado en las cintas anteriores se va al caño, muchas de las acciones y conclusiones de los personajes en esta película parecen completamente sacados de la manga.

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     Del mismo modo, prácticamente todo el guión avanza gracias a un montón de deus ex machina que se antojan de lo más chapucero. Todo se va resolviendo mágicamente gracias a un montón de enormes y convenientes casualidades, y ya los personajes casi ni tienen que hacer nada. SPOILER Incluso la revelación del origen de Rey, predecible a todas luces, termina sintiéndose caprichosa y forzada TERMINA SPOILER.

    Es muy interesante cómo muchas de las líneas argumentales principales que se plantearon desde El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015) no llegan a resoluciones orgánicas, satisfactorias o, para el caso, no llegan a ninguna conclusión en absoluto.

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    Finalmente, la cinta también repite un montón de motivos y situaciones de las películas anteriores; de tal suerte que en vez de sentirse como una secuela y el cierre de una trilogía o, lo que es más, como la conclusión de una saga de nueve películas, se siente como el tercer intento –fallido también– de hacer la misma película. De hecho, durante toda la cinta no pude sacudirme la impresión de que bien pude sin culpas no haber visto las otras dos pelis de la trilogía y lanzarme directamente a ver ésta.

    Eso sí, esta cinta es una continuación mucho más directa, aunque muy poco orgánica, de El regreso del Jedi (Marqueand, 1983) que El despertar de la Fuerza. Y, por cierto, también se piratea un montón de cosas del sexto episodio de la saga. El último acto de la peli parece una especie de El regreso del Jedi en esteroides.

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    Lo que sí es que el guión es un verdadero desastre. La anécdota es rebuscada y poco clara y los diálogos son increíblemente acartonados y poco orgánicos. No todos los personajes tienen malos parlamentos, eso sí; pero creo que sí la mayoría.

     También es muy sabido que la cinta tuvo un accidentado proceso de postproducción, lleno de reshoots y cambios de última hora, y que, como tal, el corte definitivo de la cinta no estuvo listo sino hasta el cuarto para las doce. Y se nota. El montaje de la película es atropellado y está lleno de cortes duros y saltos en la narrativa que hacen parecer que a la película la cortaron a machetazos. Quizá debieron retrasar el estreno para trabajar un poco más en la cinta; pero no, también se notaba la premura para exhibirla.

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     Con un guión malo y una edición tan desprolija –que, según se rumora, dejó fuera muchas escenas de Rose Tico (Kelly Marie Tran) que ya habían sido filmadas–, hay partes fundamentales del relato que no quedan claras. SPOILER Por ejemplo, buena suerte si tratan entender la muerte de Kylo Ren, la desaparición del cuerpo de Leia y la relación entre ambas TERMINA SPOILER.

    De hecho, se nota muchísimo la falta de fe que la Casa del Ratón tenía para con esta cinta. Fue muy notorio que Disney se dio cuenta de que la cagó con Star Wars y, tras las desastrosas proyecciones de ingresos de taquilla de El ascenso de Skywalker, decidieran concentrar sus esfuerzos en proyectos más redituables. Quiero decir, ¿notaron que Frozen II (Buck y Lee, 2019) recibió mucha más difusión que El ascenso de Skywalker? ¿Notaron que, desde hace seis meses, salvo contadas excepciones, casi no hay figuras de Star Wars en las jugueterías? ¿Notaron que no hubo una línea de figuras de acción de 3.75” exclusiva para El ascenso…? Disney dejó morir sola a la película en las salas de cine.

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     Pero no todo fue malo. La cinta tiene algunos puntos rescatables. Como, por ejemplo, en algunas escenas las actuaciones, particularmente de Ridley, Driver y Boyega están bastante bien… en la mayoría de la película no, pero hay un par de escenas donde funcionan muy bien.

    Por cierto que Anthony Daniels ya se escucha muy cansado.

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    También debo reconocer que, en su mayoría, las escenas de acción están bastante bien logradas. La carrera en el desierto me pareció emocionante y el ataque a Exegol está bien… digo, básicamente es un remake del ataque a la segunda Estrella de la Muerte.

    Otra cosa que me gustó mucho de la peli fue el tono. Aunque los realizadores pudieron haber tenido una aproximación menos tímida a él, el tono oscuro y un poco más maduro de esta película me agradó bastante.

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    Lo que sí me encantó de la película fueron los efectos especiales, particularmente para la creación de criaturas y personajes, pues utilizaron puppets y personajes animatrónicos en vez de personajes completamente CGI. Del mismo modo, casi todo lo que pudo ser filmado en locación o set, se hizo de tal forma, reduciendo al mínimo la utilización de escenarios virtuales. Incluso muchas tomas fueron logradas utilizando maquetas y modelos a escala.

    Hay un debate actualmente sobre cuál película de la Trilogía de Disney es peor: si Los últimos Jedi o ésta. Aunque me inclino por la primera, debo decir que no está muy lejos de la cagada de Rian Johnson –analizándolo fríamente, la bronca de Johnson con la franquicia fue de ego, no de técnica–. Técnicamente, creo que Los últimos Jedi es superior; pero a nivel anécdota, tono y tratamiento, prefiero El ascenso de Skywalker. Y sí, me gustó la película; pero soy el primero en reconocer que es bastante mala y que quizá sólo me gustó porque no era Los últimos Jedi y porque mis expectativas eran extremadamente bajas. La única diferencia sustancial que pude percibir fue que Los últimos Jedi me costó trabajo terminarla y ésta no tanto.

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     En general, la Trilogía de Secuelas parece más bien la de los palos de ciego. En las tres películas se nota una falta de dirección y de propuesta y que los realizadores no tenían claro hacia dónde querían llevar la historia y sólo estaban haciendo las películas por hacerlas. Quizá el error estuvo en que Disney quiso tratar estas películas como parte de un universo que se interconectaría con otras, como la hiciera con el Universo Cinematográfico Marvel, y no como una trilogía que sirviera de columna vertebral para dicho universo. Las precuelas también eran malas; pero al menos Lucas sabía qué historia quería contar.

     Quizá ya lo había comentado anteriormente; pero lo repetiré: gran parte de lo que hizo Disney con Star Wars fue quitarle lo especial. Antes, cada una de estas películas era todo un acontecimiento; ahora sabemos que va a salir una cada año y cada una nos irá importando menos que la anterior. La serie de streaming The Mandalorian está conquistando a la fanaticada y a la crítica por igual, y está marcando el rumbo que debería seguir la saga –también confirma otra cosa que ya había yo mencionado: que Star Wars no funciona fuera del tiempo de la trilogía original–; pero ¿Qué le deparará el futuro al cuento de espadas y hechizos en el espacio en la pantalla grande? Nebuloso el futuro es.

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    Pensamiento random: es curioso que en once películas jamás hayamos visto una batalla subacuática además de esa persecución sin sentido del Episodio I (Lucas, 1999)…

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    Y no, éste no es un final digno para la saga; pero por lo menos trata de complacer a los fans y, como diría Marge Simpson: “Es un final y basta”.

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PARA LA TRIVIA: El despertar de la Fuerza giraba en torno a Han Solo, mientras que Los últimos Jedi se centraba en el personaje de Luk Skywalker. La idea original era que esta cinta tomara como personaje principal a Leia; pero esto no pudo concretarse debido a la muerte de la actriz Carrie Fisher en 2016.

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TERMINATOR: DESTINO OCULTO. Que siempre no nos salvamos de la dominación de las máquinas…

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TERMINATOR: DESTINO OCULTO

Terminator: Dark Fate

 

Tim Miller, 2019

Una de las grandes ventajas de tener una franquicia de películas cuyo hilo conductor son los viajes en el tiempo es que puedes reescribir el canon constantemente. Por otro lado, una de las grandes desventajas de tener una franquicia de películas cuyo hilo conductor son los viajes en el tiempo es que puedes reescribir el canon constantemente. En el caso de la saga Terminator, pareciera que cada secuela después de la segunda película fuera un reboot o un spi-off, pues tienden a desechar los eventos de las películas anteriores en un ejercicio que, a la postre, comienza a antojárseme francamente ocioso. A final de cuentas, con cada entrega, mi interés mengua, pues casi sé de cierto que en la siguiente cinta resultará que eso no sucedió o que sucedió otra cosa que invalida lo visto en cada peli o que se trata de una línea temporal alterna.

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    El quid de esta franquicia reside en que el argumento se agotó en la segunda película. El argumento de ésta que, dicho sea de paso, es una de las mejores secuelas en la historia del cine, está planteado de tal forma que no acepta continuaciones. Cada nueva película introduce elementos nuevos que se volvieron redundantes hace mucho tiempo. Digo, viéndolo fríamente, el villano más poderoso de la saga apareció en la segunda cinta y los nuevos poderes de cada nuevo antagonista son simples variaciones sobre el mismo tema.

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    Empero, la verdad es que sí siento una marcada afición por estas películas, así que me lancé a ver la última. Ésta bien podría ser la mejor secuela de la franquicia desde aquella apoteósica segunda parte.

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    En Terminator: Destino oculto se cuenta la historia de Dani Ramos (Natalia Reyes), una empleada en una maquiladora de la Ciudad de México (que, según la peli, está ubicada como a dos horas de la frontera con EE.UU.) que es perseguida por un imparable exterminador modelo REV-9 (Gabriel Luna), pues se convertirá en una figura clave para la guerra contra las máquinas en el año 2040. Para defender a Dani, la guerrera biónica Grace (Mackenzie Davis) es enviada a nuestra época; pero recibirá la inesperada ayuda de Sarah Connor (regresa Linda Hamilton a la saga después de 28 años), quien se ha convertido en una cazadora de exterminadores tras la muerte de su hijo John Connor en 1997. Pronto, las tres mujeres descubrirán que no hay escape: deben destruir al exterminador que no sólo tiene el poder de transformarse en quien él desee, sino también de separar su cuerpo de metal líquido de su endoesqueleto robótico.

    Como puede advertirse, esta peli es una continuación directa de Terminator 2: el Juicio Final (Cameron, 1991), y cuenta con el regreso a la saga de James Cameron como productor y de Linda Hamilton y Arnold Schwarzenegger repitiendo sus papeles originales.

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    Creo que una idea súper interesante que siempre ha estado latente en el universo de Terminator y que nunca se ha explotado sería la de un planteamiento en el que Sarah Connor esté desaparecida y una Terminatrix se haga pasar por ella para llegar a un John Connor adolescente…, pero claro, ésa es mi propuesta de argumento para una película de Terminator que, lo más probable, es que nunca haga.

    El guión es decente, aunque está lleno de huecos cuyas explicaciones nunca llegan o de plano son irrisorias. SPOILER Al igual que en la película anterior, Genisys (Taylor, 2015), la idea del T-800 envejeciendo y llevando una vida normal entre los seres humanos no termina de convencerme… digo, en esta peli incluso tiene un perro como mascota, cuando en la primera película de la saga se estableció que los perros podían detectar a los exterminadores… ya sé que la escena sirve para mostrar a Connor qué tan humano se ha vuelto el exterminador, pero igual no acaba de cuajar para mí TERMINA SPOILER. A fin de cuentas, la cinta termina siendo más de lo mismo: un grupo de guerrilleros que intenta escapar de un cyborg asesino para salvar el futuro de la humanidad… pero esta vez ambientada durante la mitad de la película en México y tratando temas como la migración, la inclusión y el empoderamiento femenino –que sobre esto último trataban las primeras dos–.

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    Los diálogos están bien y, aunque se incluyen varios chistes –algunos de los cuales de plano no caen–, se aleja por completo del tono casi de parodia de la tercera y quinta partes y, como se ha vuelto la norma en esta década, trata de explotar al máximo el factor nostalgia. Se agradece, eso sí, que buscaran actores latinos que sí hablan español, aunque a otros los doblaron. Eso sí: se supone que Dani es mexicana y, sin embargo, la actriz que la interpreta es colombiana.

    La dirección está bien y hay algunas escenas de acción súper bien logradas, creando una película de acción bastante entretenida que lo mantiene a uno atento a la pantalla e interesado en la misma historia que se nos ha contado una y otra vez.

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    Las actuaciones son buenas, destacan sobre todo Hamilton y Reyes, quienes son las que llevan la película. Davis está muy bien en su papel de Grace y tiene algunos momentos verdaderamente buenos en pantalla. Por su parte, Schwarzenegger hace lo propio, brindando ciertos matices y sutilezas al mostrar la evolución de un personaje que, a priori, no admitiría tal profundidad –es poca, pues, pero la idea es que ahí está–. Quizá el más flojo es Gabriel Luna cuyo personaje, aunque debe ser lacónico e inexpresivo, lejos está de ser tan impresionante como lo fueran en su momento el propio Arnold o Robert Patrick. Los villanos poco interesantes han sido también una tendencia en el cine de acción de esta década.

    Los efectos visuales son muy disparejos. Mientras que las versiones rejuvenecidas digitalmente de Schwarzenegger, Hamilton y Furlong lo dejan a uno con la boca abierta, hay secuencias donde el CGI sí se ve de lo más chafón. La pelea entre REV-9 y Grace en la maquiladora casi parece de videojuego de GameCube.

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    Otra cosa con la que de plano no puedo es con su música. Al más puro estilo de dibujo animado de Speedy Gonzalez, el soundtrack, creación de Junkie XL, está compuesto en gran medida por melodías de guitarra acústica con un sonidito flamenco, porque, claro, ése es el sonido representativo de México. Incluso, durante varios momentos pueden apreciarse variaciones del tema de Terminator con este instrumento. Digo, no era para que las hicieran con mariachi, pero no mamen.

   De hecho, aunque la peli está ambientada en México, las locaciones que supuestamente se encuentran en nuestro país fueron filmadas en su totalidad en España… si hasta me sorprendió que no le pusieran a toda la película ese filtro ambarino con el que los gringos creen que se ve México.

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    Terminator: destino oculto es una buena secuela de la saga, por desgracia, creo que llega demasiado tarde y en un momento en el que su aportación al argumento general de la franquicia resulta prácticamente intrascendente. Es entretenida, funciona bien durante su mayor parte; pero no puedo quitarme la sensación de que es en realidad bastante innecesaria y que bien pude no haberla visto.

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    Y, de hecho, creo que la mayor parte del público coincide con mi opinión, pues la cinta ya se dio un encontronazo con la taquilla: en EE.UU., durante su fin de semana de estreno, la peli no logró recaudar ni 30 millones de dólares y, en el mercado internacional –que, seamos honestos, fue su Target Audience– apenas reunió poco más de 123 millones, fallando así en recuperar su presupuesto de 185 millones de dólares.

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    Al salir del cine, no pude evitar preguntarme: en la época en la que vivimos alienados por los dispositivos móviles ¿alguien realmente sentirá como una amenaza la esclavización de los humanos por parte de las máquinas?

PARA LA TRIVIA: El número telefónico de Carl’s Drapery impreso en el costado de su van es 888-512-1984. Esto hace referencia a la fecha en la que el primer Terminator llega al pasado: 12 de mayo de 1984.

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DUNAS. La ambiciosa obra de Sci-Fi que se convirtió en película de culto.

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DUNAS

Dune

 

David Lynch, 1984

Existen varias versiones de esta película, pero las más populares son el corte original para cine, con 137 minutos de duración y la Edición Extendida, que es una reedición del corte para televisión transmitido en 1988 con 177 minutos. En esta edición, el nombre de Lynch fue retirado de los créditos y sustituido con el recurso Alan Smithee[1]. Las diferencias son sustanciales. Además de los 40 minutos extra de escenas reinsertadas y recicladas, la edición extendida incluye un prólogo de imágenes fijas narrado por José Ferrer, además de muchos monólogos en voz en off que no están presentes en la edición original. Este artículo se enfoca en la Edición Extendida.

En 1965 la revista de Ciencia Ficción Analog publicó en dos partes la novela Dune del autor estadounidense Frank Herbert. Mezcla de thriller político, panfleto ecológico, Space Opera y novela de Ciencia Ficción dura, gozó de suma popularidad y fue publicada en formato de libro. Desde entonces, la novela se ha convertido en un referente obligado del Sci-Fi, ha generado varias secuelas, precuelas, una película y su línea de figuras de acción alusiva, dos miniseries para televisión, juegos de mesa, varios videojuegos (Dune II [Westwood Studios, 1992] es la base de los videojuegos de estrategia en tiempo real) y, próximamente, una nueva adaptación cinematográfica de la mano del director Denis Villeneuve.

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    La película relata, en forma más que atropellada, la historia del joven Paul Atreides (Kyle MacLachlan), noble heredero del planeta Caladan, quien junto con su familia se muda al planeta desértico Arrakis –llamado Dune por los nativos–. Dune es el único planeta del Imperio del que puede extraerse la especia conocida como Melange, que es indispensable para viajar por el espacio. Sin embargo, la casa rival de los Atreides, los Harkonnen, invade Dune y derroca al gobierno del duque Leto Atreides (Jürgen Prochnov), dejando a Paul desamparado. Paul, quien podría ser el mítico Kwisatz Haderach (un súper ser logrado a través de la manipulación de los linajes familiares por la hermandad de monjas Bene Gesserit), liderará la rebelión de los fremen, habitantes nativos de Dune, contra la usurpación Harkonnen.

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    El proyecto para adaptar Dune a la pantalla grande surgió en 1971, cuando el productor Arthut P. Jacobs aseguró los derechos de la novela; pero falleció antes de poder empezar a desarrollar el proyecto.

    Más tarde, en 1974 Jean-Paul Gibon consiguió los derechos para el timador profesional Alejandro Jodorowsky, quien pretendía dirigir la película desde años atrás, y el productor Michel Seydoux. La cinta contaría con el diseño de arte de Moebius, Chris Fross y un novel H.R. Giger; y se esperaba que al elenco se integraran personalidades como Orson Welles, Salvador Dalí, Mick Jagger y David Carradine, así como que parte de la música fuera compuesta por Pink Floyd.

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    Tras cinco años de trabajo y un montón de puertas que se cerraban unas tras otras, la película se proyectaba como demasiado costosa y las casas productoras temían la falta de atractivo comercial de Jodorowski, por lo que el proyecto fue cancelado.

    En 1976, los derechos fueron comprados por el productor italiano Dino De Laurentiis, quien encargó a Frank Herbert que escribiera un nuevo guión en 1978, mismo que resultó demasiado largo para el gusto del productor. En 1979 De Laurentiis entonces comisionó al escritor Rudy Wurtlitzer para escribir una tercera versión del guión, que sería dirigida por Ridley Scott.

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    El director británico estaba emocionado con el proyecto, pues le permitiría expandir lo que había logrado con Alien, el octavo pasajero (1979). De hecho, la primera vez que el guión de Blade Runner (Scott, 1982) llegó a manos de Scott, éste lo rechazó, pues prefería dedicarse a Dune. Sin embargo, Scott encontró sendas dificultades para adaptar el guión, mismo que reescribió dos tres veces –su idea era dividir la novela en dos películas–. Tales dificultades, aunadas a las limitaciones de presupuesto y del estudio, y a sus propios problemas personales –la depresión que le ocasionó la muerte de su hermano mayor–, derivaron en que decidiera abandonar la empresa.

    En 1981 los derechos de Dune estaban por expirar. De Laurentiis, teniendo la idea de filmar una trilogía que fuera una especie de Star Wars (Lucas, 1977) para adultos, renegoció el contrato con Herbert y, para asegurarse de que el escritor aceptara, ofreció comprar los derechos para filmar también las secuelas. Impresionada por el trabajo de David Lynch en El hombre elefante (1980), Raffaella de Laurentiis, productora hija de Dino, contrató al director para dirigir y escribir la película.

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    Lynch nunca leyó la novela de Herbert ni conocía la historia o tenía interés alguno por la ciencia ficción; pero aceptó de todos modos. El director escribió siete tratamientos del guión hasta llegar a la versión definitiva de 135 páginas, que empezaría a filmarse primavera de 1983.

    La película fue filmada enteramente en México con un presupuesto de 40 millones de dólares y una producción que, entre fotografía principal y fotografía de efectos especiales, se extendió durante un año. Se construyeron 80 sets en los Estudios Churubusco de la Ciudad de México para las tomas en interiores, mientras que las escenas en la superficie de Dune fueron filmadas en locación en los Médanos de Samalayuca, Chihuahua.

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    El resultado fue un corte de casi cinco horas de duración que tuvo que ser recortado drásticamente e incluso algunas escenas fueron regrabadas para agilizar la narrativa. Fue idea de Dino y Raffaella incluir los infames monólogos en off que sobreexplican a los personajes y sus acciones. Lynch no tuvo derecho a participar en el corte final de la cinta.

    La película fue estrenada el 14 de diciembre de 1984 en los EE.UU. y apenas alcanzó a acumular poco más de 6 millones de dólares en su fin de semana de estreno y 30 millones en su corrida inicial en todo el mundo, convirtiéndola en un estrepitoso fracaso de taquilla. La cinta fue además vapuleada por la crítica y, en la actualidad, el mismo Lynch evita hablar sobre la cinta en entrevistas, refiriéndose a ella como un error.

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    El crítico de cine Gene Siskel la llamó “la mayor decepción del año”, “físicamente fea”, que presentaba “algunos efectos especiales baratos… sorprendentemente baratos”[2] y “una asquerosidad ininteligible”. Del mismo modo, Roger Ebert comentó: “una de las cosas más tristes es que esta película no brinda ningún tipo de entretenimiento, ni siquiera al nivel de admirar los efectos especiales o las cosas maravillosas que se supone pasan en pantalla”[3].

    Aunque argumentalmente la cinta es bastante fiel al libro, la verdad es que logra hacer de un argumento con muchísimo potencial una narración superficial y aburrida. Personalmente, me parece que el gran fallo de la película es que, debido a sus limitantes, es difícil que uno agarre la onda de qué va si no ha leído la novela, y si la leyó, entonces se da cuenta del tratamiento frívolo y poco hábil que hace del material original.

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    El guión es innecesariamente confuso, rebuscado e increíblemente redundante; incluso por momentos parece que la propia película se rinde al tratar de contar una anécdota llena de personajes torpemente dibujados y que pierde el tiempo repitiendo los mismos conceptos una y otra vez cuando escenas clave de la narración están ausentes. Además, todos los diálogos y la narrativa son increíblemente poco orgánicos.

    Las actuaciones son terriblemente disparejas. Algunas están bien; por ejemplo, Kyle MacLachlan, quien empieza con un rostro suave y, conforme se convierte en un líder guerrillero, se va endureciendo sutilmente… pero que de repente le da en la torre a la progresión del personaje vomitando parlamentos tan sobreactuados que dan risa. También Kenneth McMillan, en su interpretación del barón Vladimir Harkonnen, tiene algunos momentos de genialidad; pero en general se le ve sobreactuado al punto de lo caricaturesco. Sting, con su aparente incapacidad de articular dos palabras, hace a un Feyd Rautha completamente inverosímil; y actores como Patrick Stewart o Max Von Sydow, a quienes se les nota que estaban haciendo su mayor esfuerzo a pesar de estarse peleando con el guión, y Sean Young están imperdonablemente desperdiciados.

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    La dirección es… la dirección es… ¿Qué carajos es eso? Digo, se nota el trabajo de Lynch con los actores, se nota el esfuerzo que el director puso en visualizar las características culturales de cada una de las civilizaciones involucradas en el relato, se nota la mano de Lynch en el tono y el ritmo de la narración… pero también se notan las limitantes del estudio, se nota la disparidad en el trabajo de algunas escenas en comparación con otras, se notan las manotas de DeLaurentiis en varias secuencias tratando de hacer un producto comercial más accesible para el mainstream. Pero, sobre todo, se nota la incomodidad de Lynch al tratar de sacar un proyecto que no le gustaba y que se dio cuenta de ello demasiado tarde –la misma Young menciona que Lynch sentía que estaba dirigiendo “un barco hundiéndose”–. Algunas escenas están trabajadas al punto del preciosismo, mientras que en otras se nota una enorme pereza. Casi pareciera que Lynch intentó autosabotearse con la dirección de esta cinta.

    Quizá el elemento más rescatable de esta peli es el diseño de arte… que también es horriblemente disparejo. Aunque finalmente los diseños originales del proyecto de Jodorowsky no fueron utilizados, se nota que muchos de los diseños finales retomaron ideas de los artistas que los produjeron. La mano de Giger puede verse claramente en los interiores del palacio de Caladan, en los uniformes de los miembros de la CHOAM –que siempre me han parecido más adecuados para los Harkonnen–, los destiltrajes –que la idea está perrona y fueron modelados a medida para los actores, aunque poco tienen que ver con lo que se describe en los libros–, los extractores de especia y un par de exteriores en Giedi Prime; mientras que las ideas de Moebius trascienden en el diseño de casi todas las naves, particularmente las de las tropas Harkonnen. Y luego, por otro lado, hay diseños verdaderamente horribles, como el de los ornitópteros –parecen cartoncitos de leche, la verdad–, el exterior del palacio de Arrakeen, los uniformes de los sardaukar, casi toda la utilería –el Gom Jabbar da pena– o la mayoría de los exteriores de Giedi Prime.

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    Algunos diseños de vestuario son geniales, como el de las monjas Bene Gesserit –la reverenda madre Gaius Hellen Mohiam (Siân Phillips) se ve increíble–, los uniformes de Rabban (Paul L. Smith) y Feyd o los trajes del Barón Harkonnen. Sin embargo, otros, como el del emperador padishah Shaddam IV (José Ferrer) o prácticamente cualquiera de los uniformes de los Atreides son increíblemente anodinos.

    La fotografía podría definirla simplemente como inadecuada. Es lastimoso ver cómo para esta película se construyeron sets verdaderamente fastuosos que, gracias a una fotografía poco hábil, desmerecen por completo –y, nuevamente con la disparidad, la mayoría de los primeros planos se ven espectaculares–. Mal iluminados, estos escenarios se ven como eso: como escenarios construidos para una película y en ningún momento parecieran lugares reales en los que habita gente –el interior de las cuevas se nota que es de cartón, por favor–. De verdad, a diferencia de muchos otros elementos de la película, no es que sean feos per se, simplemente, no supieron utilizarlos. No sólo están mal fotografiados; sino que la narrativa hace muy poco para sacarles partido. Lo más triste del asunto es que el director de fotografía fue Freddie Francis, un verdadero veterano de la cinematografía.

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    La fotografía de miniaturas es extraña. Me refiero a que, en general, las miniaturas que pueden verse sobre la superficie de Dune se ven bastante bien; pero todo aquello que sucede a más de un metro del suelo se ve falso y, como ya lo dijera Siskel, feo. Del mismo modo, nunca puede verse una verdadera integración entre las tomas de efectos especiales y las tomas de acción en vivo, logrando que, lo que en principio no se veía tan mal, resulte de lo más falso en pantalla. Incluso los gusanos de arena, creaciones del artista de efectos especiales Carlo Rambaldi –creador, entre otros, de las botargas del xenomorfo en Alien, el octavo pasajero y E.T en E.T., el extraterrestre (Spielberg, 1982)–, se ven padres… mientras no haya inserts o cortes a los actores… y esa escena de Paul cabalgando al Shai-hulud está de risa loca.

    La música está bien… a secas. Los temas compuestos por la banda TOTO –quienes hacen un cameo como parte de los comandos fedaykin– y por el músico Brian Eno, no logran acoplarse a la película y, desde mi muy particular punto de vista, creo que tienen apenas un par de leit motivs interesantes, mientras que el resto apenas si es más que ruido. De hecho, pareciera como si el tema principal de la cinta estuviese repitiéndose en un loop infinito desde el inicio hasta que corren los créditos finales.

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    A final de cuentas, creo que Dunas puede clasificarse como uno de los más grandes fracasos en la historia del cine y esto es una verdadera desgracia. Toda la película se siente como una oportunidad desperdiciada tras otra que, en conjunto, pudieron haber sido una de las más grandes pelis del siglo XX. Toda la cinta lo deja a uno con la inquietud de lo que pudo haber sido y, por desgracia, casi de manera invariable, lo que uno se imagina, por muy modesto que sea, suele superar a lo que finalmente se vio en pantalla. Es incluso triste ver cómo una producción en la que tanta gente puso tanto empeño y en la que la relación del director con los actores fue tan fraterna, se fue a pique.

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    Amo la novela y nunca me ha gustado la película. Aun así, poseo por lo menos tres versiones en DVD y Blu-ray de esta cinta en mi videoteca. No sé por qué. Quizá espero que en alguna de esas versiones algo mejore. Quizá sólo trato de rendir homenaje a una empresa tan ambiciosa que, a la postre, resultó irrealizable. Quizá, a pesar de lo cutre de todo el asunto, en el fondo no puedo dejar de sentir que la película no está exenta de cierto atractivo. A pesar de que la miniserie de TV producida por Sci-Fi Channel (2000) está más apegada a lo escrito por Herbert, prefiero la película, nada más por la cuestión del diseño de arte.

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    Y sí, por supuesto, estoy ansioso de ver la película de Dune dirigida por Dnnis Villeneuve a estrenarse el próximo año.

PARA LA TRIVIA: Las escenas de las naves Atreides y Harkonnen aterrizando en Dune fueron filmadas en el estacionamiento del Estadio Azteca por el artista de miniaturas Emilio Ruiz del Río, utilizando modelos y muñecos a escala en combinación con actores en vivo con una técnica de la vieja escuela conocida como Perspectiva Forzada.

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[1] Alan Smithee y sus variantes era el seudónimo oficial que utilizaban los directores de Hollywood cuando, tras apelar al Director’s Guild of America, decidían desligarse de alguna película que creían que podría dañar su imagen o su carrera profesional.

[2] Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=dUvn1kU31cs, la traducción es mía.

[3] Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=xa-0v4o86wo, traducción mía.

GUASÓN. Todo mundo ama a un payaso.

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GUASÓN

Joker

 

Todd Phillips, 2019

Con frecuencia, uno de los grandes fallos al hacer una película de origen de algún villano es que la cinta se convierte en una apología de dicho personaje y termina humanizando al monstruo. Descubrimos que sí, que quizá sea malvado; pero que hay una razón para ello porque tuvo una infancia terrible o el mundo lo trató mal. De tal suerte, al tratar de explicar el origen de la maldad de un villano, se traiciona su esencia. En Guasón, la peli que cuenta el origen del archienemigo de Batman, a pesar de que estos elementos son factores determinantes en la construcción del personaje, no se comete tal error.

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    De hecho, creo que parte de la genialidad del Guasón de Nolan/Ledger estuvo precisamente en que jamás se explicó su origen; sino que simplemente aparecía como un elemento disruptivo de la sociedad, un precursor del caos… una especie de Loki posmoderno si se quiere.

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    La historia, ambientada en una Ciudad Gótica convulsionada por la desigualdad social –que en esta iteración se sobreentiende que es una analogía de Nueva York–  a finales de la década de 1970, narra la historia de Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un enfermo mental que vive en la miseria y sueña con ser comediante. La vida de Fleck, quien cohabita un diminuto apartamento con su madre enferma, no es fácil: marginado por la sociedad y maltratado por sus miembros, sufre además de una condición psiquiátrica que le provoca carcajadas incontrolables. Gracias a un infortunado evento, Fleck encontrará la válvula de escape perfecta para desahogar la frustración y el odio de su atribulada psique, influyendo de una manera impensada en la sociedad de Gótica.

   La verdad es que hace como un año, cuando se anunció esta película, me sentí francamente escéptico. Pensé que, en nuestro mercado actual, sobresaturado de películas de superhéroes, ésta sería sólo una más del montón; una visión frívola y superficial de un personaje popular que simplemente quería subirse al tren del mame… digo, mi referente de películas de supervillanos era Escuadrón Suicida (Ayer, 2016).

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    Sin embargo, conforme fui viendo avances de la cinta, comencé a interesarme por ella y, ahora que finalmente pude verla, me siento gratamente sorprendido, por no decir sobrecogido.

    Quizá el primer elemento que salta a la vista en esta película es la actuación. Joaquin Phoenix en su papel del Príncipe Payaso del Crimen está simplemente fenomenal. La interpretación de Phoenix, quien desde siempre me ha asombrado con su trabajo, es algo que debe verse. Me parece muy interesante el que el actor agarra por los cuernos a un personaje cuyo background tiene tanto en común con él y nos entrega la que, a la fecha, es la interpretación más realista del personaje. El Guasón de Phoenix bebe de muchas fuentes, tanto reales como ficticias; pero, sobre todo, me gustó que la base sobre la cual parece haber construido la risa del personaje es la interpretación de Mark Hamill –quien sigue siendo mi Guasón favorito–. Además, Phoenix observó a la risa de pacientes psiquiátricos para darle verosimilitud a dicho elemento. Sutilmente, Phoenix nos lleva por el descenso del personaje en un estudio de carácter que compone un retrato sórdido y oscuro, un viaje del que sabemos que no hay retorno en el que la máscara del monstruo que intentó vivir entre los humanos se resquebraja cada vez más hasta desvelar su verdadera naturaleza.

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    Cuando en este blog hablé sobre Escuadrón Suicida, recuerdo haber mencionado que el planteamiento del personaje del Guasón estaba mal, pues necesitaba forzosamente de la deformidad física para darle un anclaje. Phoenix me ha demostrado que estaba equivocado. No es que Jared Leto sea mal actor en absoluto –su calidad histriónica es inconstante, en todo caso–, es que todo en aquella película estaba mal. Empero, el obstáculo que el Joker de Leto no pudo librar, Phoenix lo convierte en el escalón para elevar el personaje y termina echándose un tète a tète con Robert DeNiro.

    En realidad, las actuaciones de todos están muy bien pero, por supuesto, sobresale la de Phoenix.

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    El guión también es muy bueno y para el tratamiento de la historia retoma la narrativa y temas tanto de la novela naturalista como elementos del Teatro de la Crueldad. La descomposición social de la Ciudad Gótica mostrada en la película no sólo es un reflejo del estado de ánimo del personaje principal; sino que está basada en el colapso de la Ciudad de Nueva York a mediados del siglo XX, que sufrió una huelga de recolectores de basura en 1968, una huelga del Departamento de Policía en 1971 y gran cantidad de manifestaciones violentas, motines y disturbios, particularmente en las zonas de Harlem y El Barrio a finales de los 60.

    Por momentos, la película parece una mezcla de Taxi Driver (Scorsese, 1976), su principal influencia y a la que se la pasa haciendo referencias y Watchmen: los vigilantes (Snyder, 2009), porque las escenas de trifulcas con música popular de época son una apuesta segura.

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    Por supuesto, la crítica y el discurso social de la película son súper importantes; pero hay un elemento clave que no se debe pasar de largo: SPOILER Arthur Fleck ya estaba desequilibrado antes de que la sociedad lo volviera un paria. En la cinta no es la sociedad quien crea al Guasón; sino que se trata del caldo de cultivo en el cual un criminal como él puede prosperar y gozar de la indulgencia e incluso de la idolatría de la ciudadanía. TERMINA SPOILER

    La fotografía es excelente y se vuelve también una exteriorización del conflicto interno del personaje central –otro, un monstruo que trata de aferrarse a su ilusión de humanidad–, creando una atmósfera de sordidez y soledad que resalta los claroscuros, texturas y relieves de una ciudad desconchada y una sociedad que se cae a pedazos. La narrativa visual utiliza muchos primeros planos intentando exponer la psicología del personaje y toma prestados muchos elementos del cine europeo “de arte”.

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    Muchos críticos acusan a la cinta de apropiarse de elementos del “Cine de Autor”; pero creo que esto es un oxímoron… quiero decir, si hay un canon predefinido de la estética del Cine de Autor, entonces ya no sería De Autor, ¿cierto?

    Del mismo modo, la música ambiental crea una atmósfera rica y desoladora que apoya a la narración. Por momentos, toma como leit motiv la canción Send in the Clowns, que se vuelve una especie de irónico tema de la película. Otro tema de Sinatra también incluido es That’s Life, que no sólo sirve como contrapunto, sino que incluso da título al ficticio programa de TV de Murray Franklin (DeNiro). Se agradece que la peli no cayera en la obviedad de usar Vesti la Giubba… aunque yo sí me quedé con la espinita de que sonara Everybody Loves a Clown.

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   La cinta tiene algunos fallos y huecos argumentales, claro. SPOILERS Por principio de cuentas, está el planteamiento cronológico que, independientemente de la calidad de la serie, fue lo que me alejó de ver Gotham (2014-2019): si el Guasón tiene más de 30 años cuando Bruce Wayne (Dante Pereira-Olson) es un niño… ¿eso no significaría que en realidad Batman se dedica a partirle la madre a un hombre mayor? Y cuando Fleck mata a tiros a los yuppies que lo molestan en el Metro ¿cuántas balas tenía el revólver? Y me pareció francamente barato el montaje en el que se explica que la relación de Fleck con su vecina era una simple alucinación TERMINAN SPOILERS. Sin embargo, me parece que estos elementos son una peccata minuta en el conjunto de una película que, por lo demás, está muy bien lograda.

    En los últimos días, mientras escribía este texto, me he paseado por otros blogs y críticas que se han dedicado a denostar la película. Los autores de estos textos parece que quieren jugar a El traje nuevo del emperador y, en la mesiánica superioridad intelectual que demuestra automáticamente quien nada contra corriente, tratan de forzarnos a descubrir la estafa que es esta cinta. “Película de superhéroes disfrazada de cine de autor” o “[película] pretenciosa que no logra trascender el cine basado en cómics” son algunos de los epítetos que me he encontrado. Que Joaquin Phoenix “está sobreactuado y no puede interpretar más que a Joaquin Phoenix”, que “no pude sentir empatía por nadie en esta película”, que “el personaje es unidimensional” son algunos de los argumentos –a mi parecer, falaces– con los que, buscando hasta debajo de las piedras, los críticos de la red que han superado el estado ovino del resto de los cinéfilos mortales han intentado descalificar a la película.

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    Perdón, colegas, pero si el Guasón no está sobreactuado, entonces francamente no sé qué personaje sea; el personaje es un personaje tipo, sí, pero no por eso debe carecer de profundidad; y usted está viendo un drama, no un melodrama, por lo que no es necesario que sienta empatía por nadie, y si me equivoco, que venga O’Neill y me desmienta. Finalmente, si usted esperaba sentirse identificado con el Guasón más allá del individuo de clase baja oprimido por la oligarquía o si, de hecho, lo logró, por favor, busque ayuda psicológica.

    Por cierto, la propuesta de Phoenix desde un principio fue crear un personaje con el que el público no pudiera identificarse o sentir empatía.

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    Empero, la que creo que se llevó las palmas fue una crítica de un portal de internet, cuyo nombre recuerda a famosa novela de Gustav Meyrink, que contenía esta joya:

Es difícil que alguien que sólo consume historias de superhéroes identifique los errores de Joker. Existe esta obsesión de la cultura geek por validar todos sus productos como algo elevado y maduro. En el caso de los cómics es todavía más doloroso el intento …

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    Y luego preguntan que por qué nadie nos quiere. ¿Por qué la saña? ¿A qué tanta tirria? ¿Por qué las injurias a mansalva? ¿Por qué les causa tanto ardor a los consumidores de cine erudito esta película? ¿Es acaso que lastima su orgullo que una cinta basada en un cómic –lo cual, según parece, la vuelve inherentemente inferior– tenga la osadía de escalar la torre de marfil? ¿O es que quizá se sintieron decepcionados de que ésta no fuera una peli de superhéroes de ésas que Disney/Pixar/Marvel/LucasFilm/Fox hace con troquel para poder tirarle mierda a gusto?

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    A final de cuentas, la película creo que sí logra trascender la manufactura tradicional del cine de superhéroes, tan sobreexplotado en estos días. Es un producto comercial destinado a ser consumido por las masas, por supuesto, pero nunca he creído que el cine “comercial” esté exento de tratar temas profundos y trascendentes de la condición humana y creo que esta cinta me da la razón. A mí me pareció que se trata de una buena película, no sólo una de las mejores películas basadas en comics, sino probablemente una de las mejores cintas de la década. Pero lo más importante: cuando comienzan a aparecer los créditos finales, uno se queda con ganas de ver más.

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    Y, por cierto, gracias por evitar el uso del CGI.

PARA LA TRIVIA: El maquillaje del Guasón está inspirado en el de John Wayne Gacy, prolífico asesino serial estadounidense durante la década de los 60, que iba a los hospitales vestido como payaso a divertir a los niños con el nombre artístico de Pogo. El club en el que Arthur Fleck va a hacer su rutina de stand-up se llama Pogo’s.

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MIDSOMMAR: EL TERROR NO ESPERA LA NOCHE. ¿Una nueva obra maestra del Folk Terror?

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MIDSOMMAR: EL TERROR NO ESPERA LA NOCHE

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Ari Aster, 2019

El Folk Terror es un subgénero del cine de terror en el que las historias se ambientan específicamente en zonas rurales con comunidades cerradas, y están rodeadas de leyendas y tradiciones paganas. El ritmo suele ser lento y el conflicto surge de la oposición de valores de gente citadina, con su ciencia y tecnología, contra los valores, creencias y supersticiones de la gente del campo. Su efecto se basa más en el terror que en el horror. Una de las principales exponentes del género –y a mi gusto, una de las mejores películas de terror del siglo XX– es El hombre de mimbre (Hardy, 1973).

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    A este subgénero se adscribe Midsommar, la nueva película del director de Hereditary, Ari Aster.

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    La película cuenta la historia de Dani (Florence Pugh) quien, tras perder a su familia de forma trágica, se suma a la invitación de uno de los amigos de su novio Christian (Jack Reynor), un estudiante de antropología, para pasar el verano en una comuna sueca y presenciar el festival del Midsommar. La impresión que causan en los visitantes las inusuales costumbres de la esotérica comunidad será nada comparada con el terror y la angustia que vendrá cuando, uno a uno, éstos vayan desapareciendo bajo la luz de un mediodía que parece no tener fin.

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    La cinta, que ha causado revuelo entre el público y la crítica, es muy diferente a las historias de miedo que se han mostrado en la pantalla grande en los últimos años y es, sin duda, una bocanada de aire fresco para el género tras la sobresaturación de pelis de terror sobrenatural que se ha dado durante esta década.

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    El guión es bueno y está lleno de sutilezas, ambigüedades y esos pequeños detalles que quizá uno deja pasar; pero que, si los analiza al final, se dará cuenta de que tejían una línea argumental macabra desde un inicio y que todo está conectado. De hecho, el destino de casi todos los personajes les es anunciado desde escenas anteriores. SPOILER Por ejemplo, me encantó la secuencia en la que, al día siguiente de que desaparezca Simon (Archie Madekwe), la comuna prepara pies de carne… y la película no explica absolutamente nada al respecto, dando oportunidad al público para inferir y sacar sus propias conclusiones. Del mismo modo, cuando Josh (William Jackson Harper) es atacado por tomar fotografías del Rubi Radr, en una primera impresión parece que es Mark (Will Poulter), drogado de algún modo, quien lo golpea, sin embargo, después se puede inferir que se trata de Ulf (Henrik Norlén) usando la piel del rostro de Mark como máscara, lo que además se conecta con la escena a la llegada a la comuna en la que los niños juegan a un juego llamado “Desuella al tonto”. TERMINA SPOILER.

    Muchos de los rituales y de los asesinatos perpetrados en la película están inspirados por ritos vikingos o pasajes de la mitología nórdica.

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    Tanto la dirección como las actuaciones son geniales. La columna vertebral del relato son las relaciones humanas y sus dificultades, y las actuaciones están dirigidas a hacer énfasis en este punto –en el corte del director hay toda una subtrama en la que se puede advertir que la relación entre Dani y Christian es aún más tóxica de lo que parece–. Cada personaje está tratado con una profundidad psicológica digna de un drama chejoviano y las interpretaciones de todos los actores son verosímiles y llenas de matices, aun cuando algunos personajes tienen menor complejidad que otros.

    No sólo la película está ambientada en Suecia, sino que la narrativa, que está muy bien lograda, retoma influencias del cine sueco. El ritmo es completamente parsimonioso y se toma el tiempo necesario para crear una atmósfera inquietante y perturbadora a plena luz del día. El suspenso y el terror que se van construyendo lentamente contribuyen a que los pocos momentos de horror que efectivamente se muestran en la cinta sean mucho más contundentes.

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    La fotografía también es muy buena y sorprende cómo logra crear un relato de terror con una ausencia casi completa de escenas nocturnas. Casi puede sentirse la angustiosa y recalcitrante resolana quemando la piel, lo cual refleja la sensación interna de desasosiego de los personajes en pantalla.

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    Puedo decir que realmente disfruté de esta película. Irónicamente, me pareció que su principal fortaleza es, al mismo tiempo, su más grande debilidad: es demasiado parecida a El hombre de mimbre. De tal suerte, si uno ya vio la obra de Hardy –que es considerada el prototipo de las películas de Folk Terror– ésta le parecerá en extremo predecible… incluso sentí que si la película no terminaba como ya estaba yo anticipando que terminaría me sentiría muy decepcionado. De hecho, creo que esta cinta es un remake de El hombre de mimbre mucho mejor logrado que el verdadero remake de El hombre de mimbre, aquella inmunda película con Nicholas Cage que en nuestro país se tituló Culto siniestro (LaBute, 2006)–sí, la de las abejas, jajaja–.

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    Esta cinta es, sin duda aluna, una película de autor en la que su director hace gala de una obsesiva atención a los detalles y merecerá más de un visionado. Alrededor de media hora de la peli fue eliminada para su corte final, pero ya se prepara una edición del director para formatos caseros y plataformas de streaming.

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    Midsommar es una buena película y es una gran cinta de terror, probablemente de lo mejor que se haya hecho en el género en lo que va del siglo; aunque me queda perfectamente claro que podría no ser para todos los gustos. Aquí no hay sustos baratos ni los consabidos clichés del género aplicados casi con receta. La recomiendo si lo que buscan es algo diferente y fresco, y verdaderamente me lamento de que su corrida por la cartelera haya sido tan breve.

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    Sólo como nota: esta película posee un tono grotesco tan ácido que el público se siente indeciso entre reír o llorar… que es más o menos la emoción que durante casi toda la película posee la pareja protagónica.

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PARA LA TRIVIA: A pesar de que la película está ambientada en Suecia, la mayor parte se filmó en Hungría. Del mismo modo, de los personajes estadounidenses sólo un actor proviene de los EE.UU., el resto son británicos.

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EL HORROR DE AMITYVILLE. Este clásico del cine de casas embrujadas cumple 40 años.

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EL HORROR DE AMITYVILLE

The Amityville Horror

Stuart Rosenberg, 1979

Siempre reconoceré a La mansión de los espectros (Wise, 1963), que es además una de mis cintas favoritas, como la madre de las películas de casas embrujadas. Sin embargo, también reconozco que El horror de Amityville es la película que definiría las cintas de casas embrujadas (uso el término de forma general, lo más correcto sería decir que la mansión de Amityville es una casa maldita) en las décadas por venir.

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    Esta peli está basada en la novela homónima de Jay Anson, publicada en 1977. A su vez, la novela está basada en el supuesto caso real de la familia Lutz, quienes tuvieron que huir de su casa a medianoche apenas un mes después de comprarla. Anson se basó en entrevistas audiograbadas con los Lutz. Este caso, que ha sido constantemente desestimado como un engaño, fue ampliamente documentado por los investigadores de lo paranormal Lorraine y Ed Warren, de quienes se presentó otro caso en las películas de El conjuro (Wan, 2013 y 2016).

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    Se cuenta la historia de la familia integrada por Kathy (la otrora Lois Lane, Margot Kidder) y George Lutz (James Brolin) y sus tres hijos, quienes compraron una mansión en Long Island donde un horrible asesinato había ocurrido un año atrás: El hijo mayor de una próspera familia asesinó a sangre fría a sus padres y hermanos, alegando que un demonio le obligó a hacerlo —este hecho sí sucedió y está perfectamente documentado—. Los Lutz no pueden resistirse a la ganga y compran la casa en la que, según va progresando la película, nos damos cuenta de que serán sólo inquilinos.

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    Esta cinta sigue la premisa planteada anteriormente por El exorcista  (Friedkin, 1973) y retomada por Pesadilla diabólica (otra gran peli de casas embrujadas, Curtis, 1976) y La profecía (Donner, 1976): Que aun en la segunda mitad del siglo XX, con toda su ciencia y su tecnología, hay cosas que el hombre no puede explicar y que el Mal, como tal, como una fuerza primigenia que es parte de todos y que, a su vez, se alimenta de nosotros y que nos puede consumir por completo, existe.

    Gran parte del éxito de esta película recae en que nunca se muestra a la entidad demoniaca que posee la casa, sino que varias tomas sugerentes y la vista lateral de la casa, que parece un rostro, la dotan de una personalidad y una presencia, volviéndola un personaje más.

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    Creo que Amityville funciona de un modo muy similar a como lo hacen El exorcista y la edición original de El bebé de Rosemary (Polanski, 1968): Nunca se muestra al demonio en sí, sino las consecuencias de su influencia en las personas. A pesar de lo cual, aclaro, la película no tiene empacho en mostrar escenas de terror sobrenatural –que en algunos casos están maravillosamente bien logradas–, como aquélla en la que un enjambre de moscas ataca al padre Delaney (Rod Steiger); que se no sólo es inquietante de por sí, sino que se vuelve verdaderamente aterradora por tratarse de moscas reales (en el remake usaron CGI).

    Y hablando del personaje del cura, ése es otro punto interesante. Parte del subtexto de la película parece ser que George Lutz sufre las consecuencias de haberse cambiado de religión; pues se entiende que antes de casarse era judío. O sea, que aceptar un nuevo credo le implicó aceptar también sus demonios. A final de cuentas, hay también una línea argumental en la película que habla sobre la lucha de la Iglesia Católica Romana contra el Diablo.

    Algo que es más curioso aún es que este discurso no está presente en el libro y fue retirado casi por completo del remake de 2005, por lo que podría pensarse que esta puesta al día sería una versión mucho más cínica. Pero la verdad es que éste es uno de esos casos en los que la versión contemporánea resulta ser mucho más fresa que la original de treinta años atrás.

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    El guión deja algunos huecos y francamente no es muy bueno… pero el material de origen en el que está basado tampoco lo es. No sólo se ha comprobado casi indiscutiblemente que la historia de los Lutz fue un fraude, sino que la anécdota se vuelve poco interesante al poco tiempo y no sabe si seguir la línea del drama familiar o de la peli de terror con sustos baratos.

     Las actuaciones de Kidder y Brolin están bastante disparejas, aunque de hecho, hasta logran ponerle algo de carnita a personajes unidimensionales y sosos –lo que es fiel al texto original, pues así me parecieron en la novela–. Pero el que sí no tiene madre es Steiner, quien está sobreactuando absolutamente todas sus escenas.

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     Lo que sí es muy interesante es la fotografía, que utiliza una narrativa poco convencional y tomas propositivas… el problema es que, faltándole profundidad a todo el guión, a la larga estas tomas terminan sólo viéndose pretenciosas.

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    El horror de Amityville tuvo un enorme éxito en la taquilla y rápidamente se convirtió en una franquicia que ha perdurado hasta nuestros días. Sin embargo, aunque tiene algunas secuencias bastante bien logradas, la verdad es que creo que es uno de los casos en los que la fama y el éxito de la cinta se deben más a la publicidad que a la calidad inherente de ésta.

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PARA LA TRIVIA: En la vida real, James Brolin se hizo un gran amigo del verdadero George Lutz y su familia. A pesar de todo, Brolin sigue dudando que la historia sobre la mansión de Amityville sea cierta.

 

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LA MÁSCARA. La película que convirtió a Jim Carrey en estrella cumple 25 años.

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LA MÁSCARA

The Mask

 

Chuck Russell, 1994

En 1991 la editorial independiente Dark Horse Comics publicó la miniserie titulada The Mask, que seguía las aventuras de un antihéroe llamado Big Head, que anteriormente había aparecido en el número 10 del comic Dark Horse Presents (1987) con el nombre de Masque.  El cómic, en un tono entre la comedia negra y el splatter, narra la historia de varios individuos –en el primer arco argumental se trata de Stanley Ipkiss y, tras el asesinato de éste a manos de su novia, el Tte. Kellaway– que entran en contacto con una misteriosa máscara de origen desconocido adquirida en una tienda de antigüedades –en el comic, la apariencia de ciha más cara está inspirada en la Máscara de Jade de Pakal–. La máscara otorga a su portador habilidades sobrehumanas que parecerían tomadas de los más alocados dibujos animados; pero también lo convierte en un asesino psicópata sediento de sangre y ambos personajes se convierten en vigilantes dispuestos a causar caos, destrucción y sangrientas matanzas para detener los actos que ellos, fundada o infundadamente, consideran injusticias.

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    Como puede advertirse, el tono del comic es muy diferente al de la película, además de que incluía cantidad de violencia gráfica. Su propuesta era un poco mostrar consecuencias reales de la violencia de los dibujos animados. En la peli, el personaje de Stanley Ipkiss es un perdedor torpe, adorable y soñador; mientras que, en el comic, Ipkiss es un perdedor resentido social que tiene una relación tóxica con su novia, es bastante vengativo –en un número asesina brutalmente a su maestra de primaria– y desarrolla ideas fascistoides después de obtener los poderes de la Máscara.

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    La idea original para la película era hacer una adaptación mucho más fiel al comic; pero la propuesta cambió cuando Jim Carrey confirmó su participación en el proyecto, pues los productores decidieron hacer de la película una plataforma para impulsar la carrera del actor en las comedias adolescentes.

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    De tal suerte, la película cuenta la historia del tímido Stanley Ipkiss (Jim Carrey), un atolondrado empleado bancario poco asertivo y bonachón, a quien todos usan como tapete. Cierta noche, Ipkiss encuentra una misteriosa máscara que, al ponérsela, le brinda poderes fantásticos parecidos a los de los personajes de los dibujos animados que tanto admira. Stanley usará dichos poderes para conquistar a la chica de sus sueños, la hermosa Tina Carlyle (Cameron Diaz en su debut cinematográfico luego de dejar el modelaje), y de paso lo pondrán en la mira de la policía y de la mafia local.

    Por supuesto, gran parte del éxito de la película se debe a la interpretación de Jim Carrey, quien aceptó el papel porque le gustó el hecho de que, al igual que él, Stanley Ipkiss era un fan de los dibujos animados clásicos. El trabajo del comediante trasciende y puede verse su entrenamiento actoral, así como musical y dancístico.

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    Si uno ha leído el comic, pronto advertirá que sólo Carrey habría sido capaz de sacar ese personaje: el actor copia muchos de los gestos de su contraparte bidimensional, y utiliza el maquillaje prostético –que tomaba cuatro horas aplicar– completamente a su favor. De hecho, la dentadura prostética de la Máscara fue ideada para usarse sólo en las escenas en las que el personaje no tenía parlamentos, sin embargo, Carrey aprendió a hablar con ella para usarla el mayor tiempo posible en pantalla.

    También fue un alivio inesperado para la producción el que muchas de las tomas que se había planeado resolver con efectos digitales pudieron ser interpretadas en vivo gracias a las pantomimas del canadiense. Tanto Carrey como Diaz hicieron sus propios bailes en la famosa secuencia del club Coco Bongo. Asimismo, fue el Carrey quien cantó y bailó en la escena en la que la policía está a punto de arrestar a la Máscara y éste se zafa con el número musical de Cuban Pete. Los productores odiaban dicha escena, pues decían que era innecesariamente larga y no aportaba nada a la trama; pero en las proyecciones de prueba al público le gustó tanto que decidieron dejarla en la peli.

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    Y qué bueno que redujeron el número de los efectos visuales en CGI, porque la verdad es que éstos han envejecido mal. En su época, estos efectos, producidos en su mayoría por Industrial Light & Magic, eran la punta de la tecnología, pero la verdad es que en nuestros días ya no se ven tan bien. Empero, esto para nada impide disfrutar de la película.

     La cinta tiene dos secuencias que fueron eliminadas del corte final. La primera era un prólogo de lo más chafa en el que se veía a un grupo de vikingos deshacerse de la máscara maldita de Loki en una playa del Nuevo Mundo en un estilo que parece una mala copia de Monty Python. La segunda era la muerte de la reportera Peggy Brandt (la siempre genial Amy Yasbeck, a quien seguro recuerdan por películas como Mi pobre diablillo [Dugan, 1990], Las locas, locas aventuras de Robin Hood  [Brooks, 1993] o Drácula: muerto pero feliz [Brooks, 1995]), quien es lanzada por Donovan Tyrell (Peter Green) a la imprenta de un periódico, misma que imprime la noticia de la muerte con su propia sangre. La oscura secuencia fue eliminada de la cinta para poder utilizar al personaje de Peggy en una posible secuela. Hasta principios de la década pasada, se sabía de la existencia de ambas escenas únicamente a través de la adaptación en comic publicada por Dark Horse; posteriormente,  fueron incluidas como material extra en el DVD de la película.

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    Toda la estética de la película fue orientada hacia el Art Decó de los años 30 y 40, y el sounctrack está compuesto por música pop y house con una fuerte influencia del swing y el mambo. A mediados de la década de los 90 en EE.UU. la música swing y los clubes que la tocaban volvieron a ponerse de moda, creando toda una subcultura –que permanece hasta nuestros días– y esta cinta logró sacar partido de ella. El sounctrack incluye temas de Xscape, Tony! Toni! Toné!, Vanessa Williams y Royal Crown Revue.

    A pesar de que la edición se nota un tanto atropellada en varios cortes duros, la narrativa de la película es interesante y conforma un relato dinámico que nunca deja caer el ritmo. La historia se cuenta bien y en ningún momento se vuelve aburrida.

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    La fotografía también es interesante y está llena de esas tomas doraditas que son tan características de las películas de los 90, así como llamativos claroscuros en las secuencias de Dorian Tyrell. Hay además muchas escenas, particularmente nocturnas, en las que la iluminación se vuelve casi expresionista con el uso de colores y sombras caprichosas.

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    A pesar de que la película se aleja mucho de la fuente original que adapta, se trata de una gran cinta que se convirtió en un referente obligado en la cultura pop de la década de 1990, lanzó a Jim Carrey al estrellato y presentó a Cameron Diaz al mundo. Casi inmediatamente, los productores comenzaron a planear una secuela; pero ésta se pospuso debido a la rotunda negativa de Carrey de volver a interpretar al personaje. La infame secuela, La Máscara 2: el hijo de la Máscara (Guterman, 2005), llegaría más de diez años después, ya sin Carrey, y no sólo fue un estrepitoso fracaso de taquilla (en su fin de semana de estreno tan sólo recaudó 7.7 millones de dólares de los 84 que costó), sino que es considerada una de las peores comedias de la historia.

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      El legado de la cinta incluye además una serie de dibujos animados y un videojuego alusivo a ésta para Super Nintendo, bastante decentes los dos, en los que se combinan elementos de la película con algunos del comic. Está además el cortometraje Revenge of the Mask (Kawas, 2018), que es una adaptación muchísimo más apegada al comic.

    Personalmente, amo esta cinta.

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  Por cierto, me ataqué de risa ante la indignación popular en contra de Mike Richardson, co-creador del personaje, cuando declaró que le gustaría hacer un reboot cinematográfico del personaje en el que la Máscara fuera mujer. Y me ataqué de risa porque esa posibilidad se planteó en el comic desde un inicio. Por breves momentos, Kathy, la novia de Stanley Ipkiss, usa la Máscara y lo asesina de un disparo en la espalda para quitarle el objeto mágico.

PARA LA TRIVIA: El traje amarillo de pachuco usado por la Máscara está inspirado en un traje que le confeccionó la mamá de Jim Carrey a éste cuando se iniciaba en el Stand-Up a principios de los 80.

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STREET FIGHTER: LA BATALLA FINAL. También merece que le celebros su 25 aniversario, pobrecita.

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STREET FIGHTER: LA BATALLA FINAL

Street Fighter

Steven E. De Souza, 1994

¿Por qué será que todas, pero absolutamente todas las películas basadas en videojuegos son malas? Bueno, bueno, Resident Evil 2: Apocalipsis (Witt, 2004) tiene sus momentos, está bien, y la verdad es que Silent Hill (Gans, 2006) se defiende; pero por regla general las películas de Live-Action (o como les llamo yo: Cosplay con presupuesto) basadas en videojuegos son malas como películas y como adaptaciones. De hecho, precisamente la saga de Resident Evil ha sido la única en romper la maldición: Nunca antes de ella se había completado una trilogía de películas basadas en un juego de video.

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    Y aunque hoy día es algo más o menos común, a mediados de los noventa el adaptar historias del entretenimiento electrónico a la pantalla grande era un terreno apenas experimental. Para esos momentos sólo teníamos la infumable película de Double Dragon (Yukich, 1994) y la vomitiva cinta de Super Mario Bros. (Jankel y Morton, 1993). Bueno, y si quieren tomarla en cuenta, el especial de dibujos animados de Pac-Man (1982).

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    Así pues, cuando la chaviza de aquellos años nos enteramos de que iban a sacar la película de Street Fighter, se nos cayeron los calzones de la emoción. Para aquellos años, no había nada más genial que Street Fighter II: The World Warrior (Capcom, 1991)… Bueno, sí, Mortal Kombat (Midway Games, 1992); pero por eso Capcom lanzó la actualización Super Street Fighter II: The New Challengers (Capcom, 1993) que fue en la que —dizque— se basaron para hacer la película.

    Entonces, la historia de la peli, que a veces de manera fortuita coincide con la del videojuego, va así: El dictador en ascenso general M. Bison (lo que quedaba del genial Raul Julia, que es el único que medio hace el intento de actuar aquí) ha tomado el poder del ficticio país de Shadaloo (traducción fonética del japonés Shadowlaw), una península en el sudeste asiático —en el videojuego es una isla, ya empezamos mal— y ha secuestrado a un grupo de visitadores de las Naciones Aliadas (ficcionalización que mezcla la ONU con la OTAN). Para detenerlo antes de que mate a los rehenes, las NA envían al Cnel. William Guile (interpretado por el exartista marcial y exdrogadicto Jean Claude Van Damme) y a un grupo de soldados a su cargo. Guile tiene cuentas pendientes que saldar con Bison y en el camino se hará de poderosos aliados como la reportera (WTF?) Chun-Li Zang (Ming-Na Wen) o los peleadores callejeros y pseudotraficantes de armas Ryu Hoshi (cuyo nombre se empeñan en pronunciar “Raiu”, no sé por qué, interpretado por Byron Mann) y Ken Masters (Damian Chapa), y enemigos temibles como Victor Sagat (Wes Studi) o el lerdo Zangief (quizá el único personaje más o menos bien caracterizado de la peli, interpretado por el genial Andrew Bryniarski, a quien la fama le llegó ya tarde gracias a su actuación como Leatherface en el remake de La masacre de Texas [Nispel, 2004]).

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    Incluso cuando vi la película por primera vez, a mis tiernos nueve añitos, me di cuenta de que algo estaba mal. Por desgracia, conforme la he vuelto a ver a medida que he ido creciendo, me he dado cuenta de que todo en esta película está mal. Pero iré por partes.

    Por principio de cuentas, se tomaron tantas libertades con la historia que ésta dejó de parecerse a la original del videojuego. ¿Por qué Guile es el personaje principal? ¿Si Guile es gringo por qué tiene ese marcadísimo acento francés? ¿Por qué Vega (Jay Tavare) es feo? ¿Por qué E. Honda (Peter Navy Tuiasosopo) es hawaiano? ¿Por qué Chun-Li es reportera? ¿Por qué Balrog (Grand L. Bush), que en el videojuego era uno de los Señores de Shadaloo, está en el equipo de los buenos? ¿Por qué dicen que esa madre que sale en la película es Blanka (Robert Mammone)? ¿Por qué Sagat está fláccido? ¿Por qué hay tantos balazos? ¿Por qué alguien hizo esta maldita película? ¿Por qué?

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    Las actuaciones de todos, de absolutamente todos, son pésimas. Es… no sé qué epíteto usar, “sobrecogedor” supongo, ver la interpretación de Raul Julia en ésta, su última película. El pobre se ve muy enfermo, cansado y por momentos no puede evitar soltar una mirada de “¿Qué carajos estoy haciendo aquí?”; pero sobre todo, se ve mucho muy lejos de aquel Julia que se hiciera legendario gracias a su interpretación de Homero (Gomez) Addams, apenas cuatro años atrás. Y, aun con todo eso es la mejor (o quizá la única) actuación de toda la cinta. Julia parodia con su interpretación los manierismos y ademanes de personajes como Hitler y Musolini.

    Y hablando de las actuaciones, quizá el único punto bueno de esta película fue que dio a conocer a la hermosa y talentosa (como cantante) Kylie Minogue fuera de su natal Australia. Interpretando a la británica Cammy (y eso me hizo recordar el chiste que hace Dr. House sobre los australianos y los británicos), y aunque en Australia ya había aparecido en varias telenovelas, me alegra que la Minogue sea toda una diva del pop, porque como actriz apesta. ¿Por qué tiene que jadear para decir todos sus parlamentos? ¿Está en una película porno? ¿Acaso es Stevie, el amigo de Malcolm?

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    Al final de cuentas, el guión de la cinta termina siendo un desmadre que mordió más de lo que podía masticar. Hay demasiadas líneas argumentales, demasiados personajes y demasiados elementos, y nada logra cuajar al final. Personajes como T.Hawk (Gregg Rainwater) —que por cierto, aunque peleaba en nombre de México en el videojuego, no era mexicano; sino un nativo americano despojado de sus tierras y obligado a huir a nuestro país— o Dhalsim (Roshan Seth) están completamente de más… ¡Y todavía se ponen a introducir personajes inventados como el Cp. Sawada (Kenya Sawada). Por cierto, Fei Long, el peleador de Hong Kong, no aparece en esta película por cuestiones de derechos de autor, pues era un tributo a/ fusil de Bruce Lee. De hecho, según dice una leyenda urbana, el personaje de Sawada originalmente iba a ser Fei Long, pero los realizadores tuvieron que cambiarlo de última hora por temor a demandas por parte de la viuda de Lee.

    Entre los aciertos de la peli, que sí tiene unos cuantos, debo mencionar que en las coreografías sí se preocuparon porque más o menos los actores imitaran los estilos de pelea y algunos agarres y movimientos especiales del videojuego (vamos, Cammy hace ese agarre con las piernas tan suyo y Honda sí hace el hand slap). Por desgracia, no sé qué pasó que los realizadores también terminan viéndose tímidos con esto y algunos poderes como el Hadoken de Ryu o el Shoryuken de Ken se ven de lo más chafa. Y lo peor: ¡Le dan una explicación científica a los poderes de Bison! ¿Para qué? ¡En el juego el tipo tiene poderes psíquicos, no un traje que manipula los campos electromagnéticos!

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    El otro acierto de la película, hay que reconocérselos, tiene dos, es que sí hay muchos guiños al videojuego en los escenarios que se ven en pantalla. Claro, lo ideal hubiera sido que intentaran recrear los escenarios del videojuego; pero bueno, por lo menos sí podemos ver el enrejado del escenario Vega, la estatua de Buda en el escenario de Sagat, la campana en el escenario de Bison, el mural del tsunami en el escenario de E. Honda y… y… y, bueno, creo que eso sería todo. ¡Ah, sí! Y el tablero de la arcadia de Super Street Fighter II: The New Challengers en la consola de mando de Bison.

    Claro que también pudieron esforzarse un poco porque no se notara que las paredes de roca de la guarida de Bison estaban hechas de cartón. Por cierto, en los aposentos privados de Bison se pueden ver muchos muebles hechos con huesos humanos, que aunque están padres, botan un poco; esto es porque la mayoría de ese mobiliario (incluido ese impresionante candelabro de huesos humanos) se construyó para La masacre de Texas 2 (Hooper, 1986).

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    Así pues, quizá ésta sea la peor película basada en videojuegos… Bueno, no, se echa un tête-a-tête con Super Mario Bros. (Yankel y Morton, 1993)… o con Mortal Kombat: La aniquilación (Leonetti, 1997) … Y la verdad es que las de Resident Evil son horrendas después de la tercera… Y las de Tomb Raider… ¿A quién engaño? ¡Las películas de live action basadas en videojuegos son todas espantosas! Street Fighter: La batalla final sobresale de entre las demás porque es aún peor que el promedio y porque en su época no eran tan comunes; pero la situación no parece haber mejorado en veinte años.

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    Por si todo lo anterior fuera poco, ésta no sólo es una de las peores películas basadas en videojuegos; ¡sino uno de los peores videojuegos basados en películas! Y es que para promocionar la cinta, Capcom decidió lanzar el videojuego para arcadia Street Fighter: The Movie (1995). Este juego utilizaba fotogramas digitalizados de los actores de la película (como Mortal Kombat) en vestuarios ridículos y tenía uno de los peores gameplay que se recuerde en la historia de los videojuegos. A la plantilla de peleadores del videojuego original se restaron Blanka, Fei Long y Dhalsim, y se agregó al Cp. Sawada y a  Blade (un soldado de las tropas de Bison) de la peli, y una cosa chistosísima que decía ahí que era Akuma… Todo de pena ajena.

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PARA LA TRIVIA: Como reacción ante el bodrio que fue esta cinta, Capcom de Japón decidió producir un largometraje de animación (anime, para los entendidos) basado en Super Street Fighter II. Esta película es infinitamente superior a su contraparte norteamericana —y no sólo porque muestra un desnudo de Chun-Li—, pero ninguna distribuidora quiso exhibirla en cines en América. Durante las negociaciones por traer la cinta a nuestro continente, mucho se rumoró que el anime de Street Fighter sí aparecería en cines en México; pero a la hora de la hora, Videovisa se echó para atrás. ¿El resultado? En los tiempos del VHS, Street Fighter: The Animated Movie fue la película más pirateada en la historia de nuestro país.

PARA EL CHISME: Según lo reveló años más tarde en una entrevista, Van Damme se encontraba completamente drogado durante la mayor parte del tiempo de la filmación en Tailandia, además de que sostuvo una relación extramarital con la Minogue.

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VIERNES 13: EL CAPÍTULO FINAL… sí, cómo no.

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VIERNES 13: EL CAPÍTULO FINAL

Friday the 13th: The Final Chapter

 

Joseph Zito, 1984

Tan inmortal como el maniático Jason Voorhees, quien regresa en cada entrega de la saga de maneras cada vez más absurdas, parece ser la propia franquicia cinematográfica de Viernes 13, cuyas películas solían estrenarse a razón de una por año durante la década de los 80. Y no es difícil entender por qué: con apenas poco más de 2 millones y medio de dólares de presupuesto, esta película, que involuntariamente utilizó como truco publicitario el anunciar que sería la última de la serie, recaudó más de 11 millones de dólares en su fin de semana de estreno y más de 32 millones alrededor del mundo en su corrida original en cines.

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    La película inicia justo donde se quedó la anterior –es decir, en realidad la película iniciaría en domingo 15 y termina en martes 17 y, si uno saca cuentas, Viernes 13 partes II, III y el capítulo final, suceden en el transcurso de 5 días…–, cuando el asesino psicópata y deforme Jason Voorhees (Ted White) es encontrado ahorcado en un granero cercano al Campamento Crystal Lake. El cuerpo de Jason es llevado a la morgue, donde despierta, pues no se encontraba muerto en realidad. Jason regresa a Crystal Lake, donde cazará uno por uno a un grupo de universitarios vacacionistas y a la familia del pequeño Tommy (Corey Feldman, a quien seguro recuerdan por su papel de Mouth en Los Goonies [Donner, 1985]), un niño aficionado a los monstruos con habilidades para hacer máscaras y utilería.

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    Hacia mediados de la década de 1980 la popularidad de las películas slasher iba a la baja… o al menos, eso se creía antes de que Pesadilla en la calle del Infierno (Craven, 1984) viniera a renovar el subgénero. A pesar de ser un rotundo éxito con el público adolescente, la franquicia de Viernes 13 no era motivo de orgullo para Paramount Pictures, quienes distribuían las películas que eran constante blanco de ataques por parte de la crítica, la prensa especializada, y las asociaciones religiosas y de padres de familia. Del mismo modo, el productor Frank Mancuso Jr., quien se integrara a la producción de la saga a partir de la segunda parte, sentía que nadie lo respetaba al interior de Paramount, empresa de la cual su padre, Frank Mancuso Sr., era el CEO. Así pues, Mancuso Jr. buscando desligarse de la franquicia para emprender nuevos proyectos, planteó a Paramount la idea de hacer una película de Viernes 13 que concluyera oficialmente con la saga. Paramount estuvo completamente de acuerdo.

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    La producción fue problemática desde un inicio, debido por una parte a las restricciones del ínfimo presupuesto y, por otra, a los malos tratos del director Joseph Zito en el set.

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    Para ahorrar presupuesto, Zito fue contratado como director y escritor, a pesar de que él mismo se negó inicialmente argumentando que no era guionista. Cuando los productores comentaron que le pagarían el doble por realizar ambas funciones, Zito aceptó de inmediato, usando parte de su doble sueldo para contratar al guionista Barney Cohen en secreto, quien sería su escritor fantasma.

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    El ambiente en el set era por demás tenso, pues muchos de los actores, debido a las limitantes de presupuesto, fueron obligados a realizar sus propios stunts. Según testimonios, el joven actor Corey Feldman sufría de serios problemas de actitud en el set que llegaban a hacer la filmación de sus escenas francamente insoportable. También según testimonios, esta rebeldía por parte de Feldman era su respuesta en contra de la falta de tacto con la que Zito lo dirigía. SPOILER Años más tarde, en una entrevista, Feldman revelaría que en la escena en la que ataca brutalmente a Jason con un machete, el niño imaginó que estaba atacando a Zito para llegar a la emoción. TERMINA SPOILER

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    El veterano doble de acción Ted White –quien fuera el actor de mayor edad en interpretar a Jason con sus 58 años– desarrolló una mutua antipatía por Feldman y una abierta enemistad con Zito, con quien se enfrentaría continuamente cuando éste exigía a los actores que realizaran peligrosas escenas de riesgo en condiciones terribles. Al terminar la producción, White quedó tan molesto con el resultado que pidió a los productores que retiraran su nombre de los créditos.

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    El guión es francamente idiota y, como muchas de las películas slasher, le hace a uno preguntarse sobre la inteligencia de los personajes en pantalla… y en este caso creo que les hago un favor al llamarlos “personajes”, pues están apenas dibujados y su desarrollo es bastante inconsecuente. La idea original de introducir a la familia Jarvis era poder profundizar un poco más en el drama; pero eso se pierde casi por completo conforme la cinta avanza. Al final, se trata de una sucesión de situaciones estúpidas que dejan de tener sentido por momentos y en las que los elementos que se plantearon en un inicio se vuelven intrascendentes.

    ¿Y por qué parece que todos sienten la compulsión de arrojarse a través de las ventanas? Hasta el perro lo hace…

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    Originalmente, Tommy sería un niño superdotado con habilidad para construir  intrincadas máquinas; pero decidieron cambiarlo por el niño que hace máscaras de monstruos como un homenaje al artista de efectos especiales Tom Savini, quien diseñó al primer Jason en Viernes 13 parte II (Miner, 1981) y quiso regresar en la última película de la franquicia para darle un cierre al aspecto del personaje. A final de cuentas, ninguna de las dos propuestas realmente contribuye a la trama.

    Incluso el personaje de la Sra. Jarvis (Joan Freeman), mamá de Tommy y Trish (Kimberly Beck), desaparece a media película sin explicación alguna. Se infiere que fue asesinada por Jason; pero esto no se confirma sino hasta Viernes 13 Parte VI: Jason vive (McLoughlin, 1986). Empero, la escena sí se filmó, mas fue dejada fuera del corte final de la película. Lo mismo sucedió con el epílogo original; una secuencia de sueño –porque todas las películas de Viernes 13 anteriores habían terminado con una secuencia de sueño– en la que Trish encuentra el cadáver de su madre en la tina del baño.

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    Viernes 13: el capítulo final fue, en su momento, la película más sangrienta de la saga, llena de mutilaciones que difícilmente serían superadas por entradas posteriores de la franquicia. Es también la cinta de la franquicia que incluye una mayor cantidad de escenas de desnudos, aunque pasa casi media hora antes de que veamos el primero. Me pregunto si las escenas de porno vintage son un chiste local o una autoparodia.

    A pesar de que las escenas de asesinatos están bien logradas, el maquillaje “cotidiano” es terrible. Parece que quien maquilló a los actores se limitó a aplicarles plastas de corrector alrededor de los ojos y en los primeros planos se ven como si se hubieran dejado los lentes de sol en la playa.

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    De hecho, en toda la película trasciende la pobre calidad de su manufactura. No sólo las actuaciones son malas, sino que los stunts están poco logrados –incluso en varias escenas se ven los cables con los que elevaron a los actores cuando Jason los agarra–, se cometen errores de clase de primer semestre de cine, como romper los ejes, y hasta las escenas de besos son poco convincentes.

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    La edición es bastante torpe; pero esto tiene una explicación. Paramount planeaba estrenar la cinta en octubre; sin embargo, Mancuso mostró secuencias de la fotografía principal de la peli a Paramount en enero, quienes as recibieron con gran entusiasmo. La casa productora decidió adelantar el estreno de la cinta al mes de abril, obligando a Zito a concluir la filmación mucho antes de lo planeado y dejando a los realizadores tan solo unas semanas para completar la postproducción. Paramount rentó una casa en Malibú, California, donde prácticamente encerró a Mancuso, Zito y Cohen para que cortaran, montaran y editaran la película en jornadas de prácticamente todo el día. La productora incluso les enviaba comida a la casa, para que ellos no tuvieran que salir y pudieran seguir trabajando.

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    En conclusión, Viernes 13: el capítulo final es una mala película; pero es entretenida en su mayor parte. Es también una película arriesgada para los cánones de la franquicia, pues quiso agregar elementos novedosos a la fórmula ya establecida; por ejemplo, ésta es la única cinta de la saga original –antes de que New Line Cinema comprara los derechos– en la que se ve efectivamente morir a Jason en cámara, la inclusión de un niño entre los personajes principales, el hecho de que haya dos sobrevivientes en lugar de uno o que el personaje que estaba más preparado para matar a Jason sea uno de los primeros en morir.

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    A pesar del deseo de terminar con la franquicia, las enormes ganancias de esta cinta animaron a Paramount a sacar una secuela al año siguiente: Viernes 13: un nuevo comienzo (Steinmann, 1985). Por eso, cuando vi que la sexta entrega de la franquicia de Resident Evil se titulaba Resident Evil: el capítulo final (Anderson, 2016), desconfié.

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    Acogida por el público y vapuleada por la crítica, Viernes 13: el capítulo final confirma lo que he pensado siempre: que la única película de la saga que más o menos vale la pena es la primera… aunque no por eso dejan de gustarme estas pinches películas, que me divierten un montón.

 

PARA LA TRIVIA: White odiaba trabajar con Feldman, a quien se refería como el niño más malcriado y odioso con el que había trabajado, por lo que buscó la forma de desquitarse. En la escena en la que Jason sujeta a Tommy a través de una ventana, White dejó pasar su cue para que el niño bajara la guardia y tomarlo desprevenido. Según Feldman, sus gritos en esa toma son reales, pues estaba auténticamente aterrado.

 

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Viernes 13

Viernes 13 parte 2

Viernes 13 parte III

 

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