VORAZ. Un extraño western de caníbales y una sátira del Destino Manifiesto.

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VORAZ

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Antonia Bird, 1999

Recuerdo que cuando estaba en la secundaria esta película causó cierto revuelo en el círculo independiente. En aquel entonces, la idea me pareció súper interesante; pero no pude ver la cinta sino hasta años después. La primera vez que la vi, recuerdo que me gustó, pero me decepcionó la segunda mitad, SPOILER francamente, sentí que el elemento mágico estaba un poco fuera de lugar TERMINA SPOILER. Sin embargo, en posteriores visionados, pude agarrarle bien la onda al planteamiento de la historia y a cómo se iba narrando ésta, y la verdad es que mi percepción sobre la cinta ha cambiado. Aún creo que se cae un poco en la segunda mitad; pero aun así me parece que es bastante buena.

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    Esta historia de Gótico Americano se desarrolla durante la Guerra Mexico-Americana, cuando el Cap. Boyd (Guy Pearce), único sobreviviente de una desastrosa batalla contra tropas mexicanas, es “promovido” al Fuerte Spencer, en el gélido norte de la Sierra Nevada, en California. El emplazamiento es un desastre que apenas subsiste en medio de la miseria y el desorden, poblado por excéntricos personajes y dirigido por el Cnel. Hart (Jeffrey Jones, maravilloso). Cierto día, al fuerte llega Colqhoun (Robert Carlyle, genial), un extraño sujeto que dice haber escapado de morir a manos del líder de su expedición, el Cnel. Ives, quien comenzó a devorar a los demás miembros de ésta cuando quedaron atrapados en una caverna. Cumpliendo con su deber, el Cnel. Hart arma una expedición con algunos de los soldados apostados en el Fuerte Spencer para investigar la cueva; pero, al llegar al lugar, descubrirán la aterradora verdad detrás de la historia de Colqhoun, así como del mito indio del Wendigo.

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    Desde los albores de la humanidad, el tema del canibalismo ha sido un tabú. Mientras algunas culturas polinesias lo practicaban como parte de su dieta regular, muchas civilizaciones mesoamericanas y africanas le daban un sentido ritual. En el caso de los indios norteamericanos, casi en su mayoría, lo consideraban una práctica despreciable y de ella surge el Mito del Wendigo. El incidente de esta película está muy ligeramente inspirado en la infausta Expedición Donner (1846-1847), probablemente el caso más famoso –o infame– sobre canibalismo de supervivencia documentado durante la conquista del Oeste Estadounidense, mientras que Colqhoun está inspirado en el personaje real del presunto guía de montaña Alfred Packer, conocido como el Caníbal de Colorado.

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    El mito del Wendigo era utilizado entre los indígenas de la Costa Este de EE.UU. –en lo cual difiere de la película, que se desarrolla en California–, particularmente los pueblos algonquinos, como un tabú y una metáfora de la avaricia, la glotonería y, en última instancia, del canibalismo. El Wendigo es un espíritu malévolo del bosque que siempre se está muriendo de hambre y nunca puede saciarse. Aunque las descripciones cambian de tribu en tribu, por lo general se describe que su forma de cazar consistía en caminar siempre detrás de su presa y desaparecer cuando ésta volteaba, hasta que la llevaba a la locura. Según algunas versiones, las personas podían convertirse en wendigos luego de ser acechados por uno. Cuando uno camina por el bosque y siente que lo observan o lo siguen, pero al voltearse en derredor no puede ver nada, es el Wendigo quien sigue sus pasos.

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    La película, además de lo obvio, habla sobre el canibalismo en varios niveles. Por supuesto, trata el tema en el nivel más superficial e inmediato: el del canibalismo como tal; pero también diserta sobre el canibalismo presente durante la eucaristía católica y, al mismo tiempo, presenta un canibalismo metafórico en la falaz hazaña del Cap. Boyd, quien sacrificó a todo su pelotón para sobrevivir durante la guerra. SPOILER Del mismo modo, con las propiedades atribuidas al consumo de carne humana, la película termina siendo un cuento muy sui generis de vampiros. TERMINA SPOILER. En un nivel más intelectual, el canibalismo de esta peli funciona como sátira de la doctrina del Destino Manifiesto y la forma voraz como EE.UU. se alimenta de otros países.

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    ¡Ah, la Sierra Nevada! La desolación y el aislamiento de la cordillera occidental estadounidense se llevan tan bien con historias de horror y locura como el pan y la mermelada. Digo, fue también en dichas montañas en las que Stanley Kubrick ambientó su versión de El resplandor (1980). En el caso de Voraz, si bien la película se ambienta en tal lugar, los exteriores se filmaron en su mayoría en la República Checa y algunos otros en el estado de Durango, al noroeste México.

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    Siempre se agradece que en los primeros planos la nieve sea de verdad, pues la artificial comúnmente resulta viéndose falsa. También pienso que, por las condiciones meteorológicas y del terreno, debe haber sido una mentada de madre filmar esta película. En algunas escenas pueden notarse en los rostros de los actores quemaduras por el sol y el frío.

    La ambientación histórica está bastante bien lograda y, sobre todo, llaman la atención los vestuarios, que lucen increíbles –excepto, claro, porque en algunas tomas se nota que las charreteras de las casacas son de plástico–; pero en general, todo se ve bastante bien, particularmente porque, además de la calidad de la manufactura de vestuarios y sets, todo está súper bien iluminado y fotografiado.

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    Lo cual nos lleva a uno de los puntos más fuertes de esta cinta: la fotografía. El trabajo de Anthony B. Richmond –a quien probablemente recuerden por la fotografía de cintas como Candyman (Rose, 1992) o Nuestra pandilla (Evans, 1993)– para esta cinta es verdaderamente impresionante. La iluminación meticulosamente cuidada en interiores, así como planos generales majestuosos en los exteriores logran, respectivamente, transmitir sentimientos de claustrofobia y de soledad y aislamiento que son realmente inquietantes.

    En general, toda la película es inquietante y perturbadora lo cual se debe, además, a su tono. Si bien todo el relato está imbuido por una atmósfera de horror, la verdad es que esta cinta también retoma muchos elementos del cine de aventuras y, por momentos, echa mano también de una ácida y mordaz comedia negra. Creo que la única otra película donde he visto que se mezclan tan afortunadamente tales géneros es Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981).

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      Las actuaciones son buenas y los intérpretes hacen un buen trabajo dándole vida a este grupo de estrafalarios personajes, porque, a final de cuentas, ¿quiénes son estos tipos? Aunque muchos de los personajes secundarios están un poco botados en su tono, las interpretaciones de Carlyle y Jones son de antología. Todos y cada uno de los personajes parecen estar con un pie bien metido en la locura durante la mayor parte del tiempo. Esto genera un pandemónium al interior del fuerte que lleva a Boyd a constatar, de forma fehaciente, que su promoción al Fuerte Spencer fue un castigo por su cobardía y no un premio por sus hazañas bélicas.

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    Y el genial Robert Carlyle está en verdad aterrador en su papel de Colqhoun. La pelea final entre Boyd y Colqhoun en el guión estaba propuesta para llevarse a cabo en el techo de uno de los edificios del fuerte mientras éste se quemaba. Sin embargo, los actores sintieron que la escena ya estaba muy trillada, por lo que propusieron a la directora SPOILER que, en vez de la escena planteada en el guión, los personajes sólo se golpearan brutalmente hasta matarse. La escena resultante es mucho más fuerte a nivel emocional y es la más sangrienta de toda la película. De hecho, la producción se quedó sin sangre artificial después de filmarla. TERMINA SPOILER Por eso, si uno se fija, hay algunas secuencias en las que la sangre no se ve tan bien; esto se debe a que la producción tuvo que improvisar formulando su propia sangre artificial, pues no les era posible conseguir más.

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    La producción no estuvo exenta de problemas, pues el director original, Milcho Manchevski, fue despedido cuando apenas llevaba dos semanas de rodaje. La producción entonces propuso a Raja Gosnell (Scooby Doo, Los pitufos) para sustituirlo, pero el elenco lo rechazó por no considerarlo suficientemente apto para tal función. Finalmente, Robert Carlyle contactó a su amiga Antonia Bird, con quien trabajara en Priest (1994), para que tomara la dirección del proyecto. Finalmente, el estilo intimista y visceral de Bird dotó a la película de una profundidad emocional poco vista en películas de género.

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    El elemento que siempre me ha asombrado más de esta película es la música. Compuesto por Damon Albarn y Michael Nyman, el soundtrack es completamente distinto a cualquier cosa que haya escuchado en alguna otra película. Tomando algunos elementos de música concreta, basándose por momentos en música tradicional de los indios norteamericanos e incorporando sonidos sinfónicos y electrónicos, así como acordes de banjo y violín, y samples de música popular estadounidense, la banda sonora de esta cinta transmite un sentimiento de soledad, aislamiento e impotencia ante la ominosa fuerza del mundo natural y de los misterios que esconde. Además, en muchas de las secuencias, la música es utilizada como contrapunto para darle un tono más grotesco a lo que se está mostrando en pantalla.

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    También, a lo largo de toda la peli, hay varios stunts bastante impresionantes, como aquella secuencia en la que Boyd se lanza desde un acantilado y se desliza aparatosamente por las ramas de un árbol que, se nota, fue filmada directamente frente a cámara, sin ayuda de efectos especiales o trucos de cámara. También ayuda que, en general, la edición de toda la cinta es muy buena.

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    Voraz no es una cinta para todos, eso queda claro desde el momento en el que se convirtió en película de culto. La cinta costó alrededor de 12 millones de dólares y durante su corrida original en cines en EE.UU. apenas pudo recaudar 2 millones; pero se ha hecho de una nutrida legión de fans. Fue, además, destrozada por la crítica de su tiempo. Se trata, de hecho, de una película bastante extraña que se sale de los cánones de Hollywood para dictar sus propias reglas. Aunque todavía creo que la segunda mitad se cae un poco y el tercer acto tiene un par de problemas de ritmo, se trata de un buen melodrama de aventuras con elementos de horror y comedia que constituye, quizá, una de las mejores películas sobre caníbales que se hayan hecho, si bien su tratamiento del tema es más fantástico y termina siendo en realidad una sátira sobre el Destino Manifiesto.

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PARA LA TRIVIA: Guy Pearce es, de hecho, vegetariano. Cuando filmó la escena en la que come el estofado preparado con la carne de Knox (Stephen Spinella), estoicamente tomaba bocados de un estofado de cordero preparado por el servicio de catering para después escupirlos en cuanto la directora gritaba “¡Corte!”… Así que el asco que puede verse en su rostro era genuino.

 

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