CLAYFACE. ¡En la cara no, que soy actor!

CLAYFACE

Director: James Watkins

Elenco: Tom Rhys Harries, Tim Faraday, Naomi Todd

Género: Thriller/ horror

Año: 2026

El joven actor Matt Hagen (Harries) finalmente alcanza el éxito cuando un roce con la mafia lo deja en la miseria y con el rostro terriblemente desfigurado. Desesperado por recuperar su vida, Hagen se somete a un riesgoso tratamiento experimental con efectos secundarios inesperados.

Dos trends se han infiltrado en el cine durante los últimos años. El primero, hacer películas spin-off basadas en los villanos de los más famosos superhéroes sin la presencia de éstos. La otra, llevar el body horror, el subgénero del cine de horror que se basa en mostrar deformaciones extremas en pantalla de manera explícita, al cine mainstream. Ambas tendencias nos han dado algunas películas muy interesantes y otras que es mejor olvidar.

Ahora, Warner Bros. y DC Comics se suben al tren del mame con un spin off que se presta maravillosamente para ello, adaptando la historia de origen del supervillano de Batman conocido como Clayface ‒que en las ediciones mexicanas de los comics de antaño también era llamado “Cara de Barro” o “Fango”‒ a la pantalla grande. ¿El gran reto? Que el argumento de La sustancia (Fargeat, 2024) la película directamente responsable de iniciar el trend, es demasiado similar a la historia de origen de Clayface.

Esta cinta en realidad mezcla la los primeros 2 Clayface de los comics en un solo personaje, al igual que lo hiciera hace más de 30 años Batman: la serie animada (1992-1997), donde el la voz del personaje era interpretada por Ron Perlman.

En general, el guión hace un buen trabajo contando la historia; sin embargo, toda la película me dejó con la sensación de que se había quedado a medias. Por ejemplo, sabemos que Hagen sufre y siente dolor; pero lo sabemos porque nos lo dice a través del diálogo y no porque lo veamos realmente en pantalla. Quiero decir, sí, un par de morros medio se burlan de él en la calle, vive en un departamentucho lleno de cucarachas… ¿y ya? Por ejepmlo, en la novela gráfica Asilo Arkham: una casa seria en una Tierra seria (DC Comics, 1989) se menciona que Clayface vive con un dolor constante porque no podía mantener la integridad estructural de su cuerpo… y, bueno, conozco gente con síndrome de Ehlers-Danlos y créanme, uno puede ver ese tipo de dolor.

Del mismo modo, el horror corporal está muy bien hecho y se ve bastante bien; pero siento que pudo llegar a más. Aprecio que hayan usado maquillaje y efectos prácticos; pero se pudieron explotar mucho más. Quiero decir que me hizo falta una buena escena de transformación, por ejemplo; eso era lo que vendía las películas de hombres lobo en los 80.

También me pareció que la peli no quiso arriesgarse abrazando completamente su origen en los comics. SPOILER a mí sí me hubiera gustado ver en cámara cómo Hagen transformaba su mano en una maza para aplastarle el cráneo a alguien en vez de sólo verlo como una sombra proyectada en la pared. SPOILER

SPOILER Lo que me lleva a la técnica del Surfing Dracula. Se le llama así a cierta técnica narrativa, muy de moda en los últimos años, en la que un personaje famoso no es mostrado con su look más icónico en la película o serie de TV hasta que ésta ya va muy avanzada. Se usa principalmente para tratar de tratar de engañar al público para que se quede viendo el contenido el mayor tiempo posible. Por ejemplo, en la serie de TV de Daredevil (2015-2018), Matt Murdock no viste el icónico traje del superhéroe hasta el final de la primera temporada. En este caso, Clayface no aparece con su look definitivo de los comics literalmente hasta la última escena de la película. Y, aunque puedo entender la justificación dramática detrás de esta decisión creativa, no deja de parecerme decepcionante. TERMINA SPOILER

Clayface es una buena película. Es entretenida, está bien contada y bien fotografiada; además de que tiene una marcada influencia del clásico thriller de horror francés Ojos sin rostro (Franju, 1960). Sin embargo, es imposible dejar de notar que se siente como una obra que se ha quedado a medias. No se compromete como adaptación de comic, como estudio de carácter se siente increíblemente frívola, como tragedia es poco convincente, como cinta de body horror le falta muchísimo horror; pero, sobre todo, le falta Clayface.

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LA SÉPTIMA PROFECÍA. El fin del mundo está en manos de una joven Demi Moore.

LA SÉPTIMA PROFECÍA

The Seventh Sign

Director Carl Schultz

Elenco: Demi Moore, Michael Biehn, Jürgen Prochnow

Género: Thriller/ Terror

Año: 1988

Una joven lleva un embarazo de alto riesgo. Mientras tanto, extraños acontecimientos anuncian que se acerca el Día del juicio Final. Finalmente, un extraño inquilino renta un cuarto en su casa y parece estar obsesionado con su hijo nonato.

Ésta es una de esas películas en las que uno puede ver claramente qué fue lo que quisieron hacer y cómo fracasaron miserablemente.

Incompetente en cada sentido posible, está mal dirigida, mal actuada y pobremente fotografiada; pero lo que sobresale entre todo el desastre es un guión rebuscado, incongruente y contradictorio que no puede resolver su propio conflicto y lo deja en manos de un deus ex machina final de lo más pobre… aunque increíblemente apropiado para la temática de la película.

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LA MUJER LOBO DE LONDRES

LA MUJER LOBO DE LONDRES

She-Wolf of London

Director: Jean Yarborough

Elenco: Don Porter, June Lockhart, Sara Haden

Género: Thriller

Año: 1946

Días antes de su boda, una bella chica cree ser la autora de una serie de brutales asesinatos cometidos en el parque aledaño a su mansión. Ella está convencida de ser la última descendiente de un antiguo linaje maldito de licántropos escoceses.

Universal ya estaba rascando el fondo del barril con esta película, que puede considerarse la última de la saga original de los Monstruos Clásicos. Es claramente una cinta de Serie B producida a muy bajo costo para proyectarse en función doble con alguna otra.

A pesar de lo anterior, es una película muy superior a las anteriores del Dark Universe ‒que básicamente son “Purés de Monstruos”‒; pues se trata de un thriller muy al estilo de los penny dreadfuls con mucho melodrama y un subtexto más rico que habla sobre roles de género y empoderamiento femenino.

Imposible no compararla con La marca de la pantera (Tourneur, 1942)… contra la cual sale perdiendo.

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RESIDENT EVIL: NOCHE CERO. ¿La mejor adaptación de la franquicia?

RESIDENT EVIL: NOCHE CERO

Resident Evil

Director: Zack Cregger

Elenco: Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis

Género: Comedia/ Horror

Año: 2006

Un mensajero es contratado para llevar una importante muestra médica al hospital de Raccoon City; pero, conforme se acerca al lugar, descubre que es el epicentro de una infestación de criaturas mutantes.

Fue en 1998 cuando oímos por primera vez los rumores de que Resident Evil, uno de los más exitosos videojuegos de la década, sería adaptado al cine. 28 años y ocho películas live action han pasado y lo más cercano que tenemos a una adaptación fiel de la franquicia de Capcom es Resident Evil: bienvenidos a Raccoon City (Roberts, 2021)… y eso es deprimente.

Al igual que las seis películas que los Anderson-Jovovich convirtieron en su negocio familiar, esta cinta no tiene mucho qué ver realmente con los videojuegos. Según el director, intentó transmitir la atmósfera y la sensación de los videojuegos.

Sin embargo, me parece que en realidad se trata del algo más íntimo. Creo que Cregger se enfocó más en transmitir su propia experiencia al jugar los videojuegos de la saga. Me parece que en parte por eso el protagonista de la peli es un everyman tan incompetente como autoconsciente. Es un enfoque interesante, pero completamente alejado del de los videojuegos.

La película está bien actuada, tiene muy buen ritmo y lo mantiene a uno entretenido y a la expectativa de lo que va a suceder. Además, siempre agradezco el uso de efectos prácticos.

Empero, algo no acaba de encajar… ¿Una comedia negra sobre una plaga que convierte a los habitantes de un pequeño pueblo en zombies mutantes con un montón de gore y horror corporal? ¿Qué no ésa era Criaturas rastreras (Gunn, 2006)? Ahora que lo pienso, esta peli está mucho más cercana a ser una secuela de la mencionada Criaturas rastreras que a cualquier obra derivada de Resident Evil, incluyendo la parodia.

La verdad es que la película sí es graciosa… pero tampoco tanto y los chistes autodespectivos se vuelven viejos a media película. Si la hubieran dirigido completamente en el tono de comedia, hubiera sido una buena parodia. Del mismo modo, la película depende demasiado de los jumpscares que, a final de cuentas, ni siquiera dan miedo.

De hecho, esta cinta presenta las mismas fallas que La noche de la desaparición (Cregger, 2025), última obra de su director: el inicio es sólido y cautivador; pero a media película la narración toma un rumbo completamente distinto que básicamente echa por tierra lo construido durante la primera mitad.

Así pues, Resident Evil: noche cero es una película entretenida a la que le pusieron algunas calcomanías de Resident Evil para poder venderla mejor; pero eso no logra ocultar el hecho de que es una comedia horrorífica de Resident Evil que no da mucha risa… ni mucho miedo… ni se trata realmente sobre Resident Evil.

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OBSESIÓN. El horror de un amor retorcido

OBSESIÓN

Osession

Director: Curry Barker

Elenco: Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson

Género: Horror

Año: 2026

El empleado perdedor de una tienda de música usa una varita que cumple deseos para que una compañera de trabajo se enamore de él. El resultado es mucho más de lo que pidió.

    Desde que vi el trailer de esta película me pareció que era como la versión live action de ese episodio de Los Padrinos Mágicos (Nickelodeon, 2001-2017) en el que Timmy Turner pide el deseo de que Trixie Tang se enamora de él y termina completamente obsesionada. Y justo es eso, con un poco de gore.

    Por otro lado, creo que la película definitiva de mujeres obsesionadas es Atracción fatal (Lyne, 1987), así que la vara estaba alta.

    Creo que lo más sobresaliente de la película es la actuación de Inde Navarrete como Niki, que puede llegar a ser bastante escalofriante en algunas escenas y, básicamente, es lo que sostiene la película durante más de 100 minutos.

    El guión está bien, a secas, con algunos diálogos ingeniosos y un montón de “bro jokes” que, a la larga, van mermando el potencial de la película. El sesgo machista en el núcleo de la cinta es lo que impide que ésta explote todo el potencial de su premisa. Por momentos incluso me recordó a los sketches de Novia psicópata de Otro rollo (Televisa, 1995-2007).

    Por ejemplo, una de las cosas que me molestaron de la peli es que es excesivamente estridente. Demasiados ritos, tantos que incluso botaban el audio de la sala de cine… y me pregunto si Nikki, Freaky Nikki, sería tan gritona y berrinchuda si el personaje hubiera sido escrito por una mujer.

    En general, no me pareció que la película diera miedo, sólo se vuelve incómoda por momentos y mucho del efecto de angustia que genera en el público viene del aturdimiento de haber estado escuchando los gritos de Nikki que del verdadero terror u horror… y, probablemente, quien se encargó del montaje del corte final de la peli pensó lo mismo, porque los momentos de horror se apoyan demasiado en jump scares baratos y predecibles.

    ¿Qué problema tienen los cineastas contemporáneos con la progresión? Nikki pasa de normal a paciente psiquiátrico en apenas un montaje irrelevante, cuando creo que se le pudo sacar mucho más jugo a la premisa si su descenso a la locura hubiera sido gradual. ¿Por qué no todo empieza normal y lindo ‒de un modo significativo, no en una elipsis chafa‒ y se va al carajo poco a poco? ¿Por qué Nikki no acosó a Bear (Johnston) por teléfono? ¿Por qué no redecoró su casa? ¿Por qué no lo puso en contra de sus amigos? Ya saben, cosas que las parejas manipuladoras hacen.

    El resultado es una peli que se siente redundante y demasiado larga para su propio bien, en la que, en vez de un proceso, se siente una serie de cuadros independientes que me hacen pensar que esta película sí fue pensada para que uno la vea mientras escrolea en redes sociales. SPOILER También pudieron exprimir muchísimo más el hecho de que Nikki está consciente de que actúa en contra de su voluntad. TERMINA SPOILER

    Por otro lado, el arco de Bear se construye como una tragedia; pero, al final, el personaje recibe una especie de redención que se siente poco merecida.

    Así pues, Obsesión es una película interesante que vale la pena más que nada por las actuaciones; pero que se siente como una enorme oportunidad desperdiciada. Entretenida, tiene algunos momentos muy atinados de humor negro  y otros bastante grotescos… pero quizá quieras ajustar el volumen de tu televisor antes de verla.  

¡Ah! Y hay un par de divertidas referencias a Star Wars.

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BACKROOMS: SIN SALIDA. Un thriller interdimensional de A24.

BACKROOMS: SIN SALIDA

Backrooms

Director: Kane Parsons

Elenco: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass

Género: Terror/ Thriller

Año: 2026

Un arquitecto fracasado es dueño de una tienda de muebles a la que no le va muy bien. Cierto día, encuentra un portal a otra dimensión en el sótano de su local. Pronto, su terapeuta tendrá que ir a rescatarlo.

    Francamente, creo que esta película no es tan buena como el aparato mediático me hizo creer; o bueno, me hicieron generar falsas expectativas. Definitivamente es una buena película; pero no es la gran maravilla que me vendieron.

    En su favor, puedo decir que es muy entretenida; definitivamente, es una de esas películas que te mantienen pegado a la pantalla en todo momento y, a diferencia de muchas cintas actuales, sí exige que el espectador le preste atención.

    Las actuaciones están bien, aunque de repente se siente que los intérpretes pudieron tener un material más rico para trabajar. Reinsve se siente particularmente desperdiciada.

    SPOILER Todo el numerito tiene un agradable tono de ambigüedad que llega a ser angustiante; pero que se cae horriblemente al final. La película me está pidiendo que le ponga atención y lo hago; pero la recompensa para esa atención es increíblemente insatisfactoria. Particularmente, porque durante dos terceras partes de la película no esperé que ésta me diera una explicación racional; pero, de repente, se empieza a construir una revelación final que es una tomada de pelo. Digo, la revelación de tu misterio no puede ser: “No sabemos qué es ni como funciona”… sólo Pascal Laugier pudo jugar esa carta.

    A final de cuentas, más bien se siente como si quienes escribieron la película hubieran sido incapaces de resolver el entuerto que ellos mismos crearon más que una audaz decisión creativa, dando la sensación de que no quisieron comprometerse con nada. TERMINA SPOILER

    La creación de los espacios liminales está bien lograda y qué bueno, porque es el quid de la película. Estas escenas funcionan muy bien creando una sensación de claustrofobia, opresión y desasosiego… aunque no creo que den miedo.

    Por otro lado, es muy notorio que las escenas en dichos lugares fueron la génesis del proyecto, porque a la historia que se construyó alrededor de ellas como marco de referencia le falta un montón de trabajo.

    Otra cosa que me pareció muy interesante son las influencias presentes en la cinta. Hay una clarísima referencia a Pequeña niña perdida (T3, E26, 1962), uno de los clásicos episodios de La dimensión desconocida (CBS, 1959-1965) que ya antes parodiaron Los Simpson, así como varias escenas que parecen sacadas directamente de los videojuegos, que se nota que son un segundo lenguaje para el director. Sobre todo, noté una fuerte inspiración de Portal (Valve, 2007) y Observer (Bloober Team ,2017).

    En general, Backrooms: sin salida es una buena película; pero, irónicamente, no es nada del otro mundo. Es casi tan entretenida en la misma medida que es anticlimática.

    Por cierto… ¿los centennials sienten alguna especie de terror inherente en la tecnología análoga?

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EL CARNAVAL DE LAS TINIEBLAS. Un clásico de culto de la Edad Oscura de Disney

EL CARNAVAL DE LAS TINIEBLAS

Something Wicked This Way Comes

Director: Jack Clayton

Elenco: Jomathan Pryce, Jason Robards, Dianne Ladd, Pam Grier

Género: Fantasía oscura

Año: 1983

En medio del otoño, una extraña feria llega a un pueblito de Illinois. Sus atracciones tienen el poder de cumplir los más profundos deseos de las personas… por un precio.

    A finales de la década de 1970, las cosas no pintaban bien para Disney, quienes se encontraban al borde de la quiebra. A pesar de que sus películas no fracasaban en taquilla, no generaban los ingresos suficientes para mantener a la compañía.

    En este panorama, la Casa del Ratón intentó un montón de cosas locas que dieron como resultado toda una camada de películas ciencia ficción, fantasía oscura y, abiertamente, terror que cruzaban con frecuencia la frontera del entretenimiento familiar y cuya existencia Disney preferiría olvidar. Entre ellas, se encuentra El carnaval de las tinieblas.

    Escrita por Ray Bradbury adaptando su propia novela, se trata de una película muy bien hecha que, sin llegar a ser propiamente terror presenta algunas escenas verdaderamente escalofriantes.

    Los efectos especiales son espectaculares. De todos ellos, me llamó principalmente la atención la escena del envejecimiento acelerado y muerte de Mr. Dark (Pryce) que pareciera creada con efectos visuales; pero que fue creado en vivo frente a cámara utilizando animatrónicos de Stan Winston.

    El carnaval de las tinieblas es una cinta poderosa y compleja que terminó convirtiéndose en un clásico de culto y en una de mis favoritas de la etapa oscura de Disney.

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LA POSESIÓN DE LA MOMIA. Secuestro y trauma familiar.

LA POSESIÓN DE LA MOMIA

Lee Cronin’s The Mummy

Director: Lee Cronin

Elenco: Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy

Género: Horror

Año: 2026

La pequeña hija de un matrimonio estadounidense ‒los Cannon‒ viviendo en El Cairo es secuestrada por una hechicera sin que la policía local pueda encontrarla. Ocho años después, cuando la familia se ha mudado de regreso a Nuevo México, la niña, ahora adolescente, es rescatada y enviada con sus padres… pero algo no está bien.

    El director de Evil Dead Rises (2023) entrega un trabajo mucho más pulido, coherente y con mucha más cohesión… lo que no es muy difícil porque la peli anterior era poco más que un demo reel. Esta cinta, de hecho, es casi un remake.

    Algunas de las escenas gore están padres; pero la falta de originalidad en el tratamiento de todo el asunto le resta bastante.

    No da miedo, pero el subtexto del trauma familiar y la rehabilitación de las víctimas de secuestro son muy interesantes.

    Me gustó que no se clavaron con el Antiguo Egipto, sino que intentaron crear su propio lore y, aunque no estoy seguro de que funcione, creo que es uno de los atractivos de la película y compensa en cierta medida la redundancia con Evil Dead…

Lo irónico del asunto es que estoy seguro de que, de hecho, hay momias en Nuevo México… ¡y los Cannon trayéndola desde allá!



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EL HOMBRE SIN SOMBRA. La peli que acabó con la carrera de su director.

EL HOMBRE SIN SOMBRA

Hollow Man

Director: Paul Verhoeven

Elenco: Kevin Bacon, Elizabeth Shue, Josh Brolin

Género: ciencia ficción/ horror

Año: 2000

Un equipo de científicos militares trabajando en un búnker logra crear un suero que vuelve invisible a quien lo usa… y, por supuesto, uno de ellos se ofrece como conejillo de indias.

    Típico thriller de ciencia ficción de los 90 inspirado por el tecnothriller de Michael Crichton. Aun siendo de lo peor de Verhoeven ‒le faltan la profundidad y la filosa sátira de clásicos como RoboCop (1987) o Starship Troopers (1997)‒, es mejor que muchas películas de género actuales. Al menos, vale la pena por los efectos visuales, que fueron nominados al Premio de la Academia.

    Por desgracia, la peli no dio los resultados esperados por el estudio y se convirtió en el tercer strike en la carrera del holandés.

    Creo que el principal problema es el guión y la escasa progresión del personaje interpretado por Bacon. Teniendo a dos increíbles actores, reconocidos con algunos de los premios más codiciados de la industria, y a un director que hizo dos de las mejores películas de ciencia ficción de la historia, ésta se siente como una oportunidad desperdiciada.

    Es entretenida, eso sí, y los efectos sí son muy buenos, incluso para los estándares actuales.

    Lo que sí me pareció muy gracioso es que parece que la producción traía una especie de juego en el que mostraban los genitales de Kevin Bacon en cada oportunidad posible bajo el pretexto de que eran de animación digital.

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EXHUMA: LA TUMBA DEL DIABLO y el folk horror coreano

EXHUMA: LA TUMBA DEL DIABLO

Pamyo

Director: Jang Jae-hyun

Elenco: Choi Min-sik, Kim Go-eun

Género: Terror/ thriller

Año: 2024

Folk horror coreano. Un grupo de geomancistas es contratado por una adinerada familia estadounidense, cuyo hijo se va a casar con una chica coreana, para reubicar la tumba de su abuelo; pero, al hacerlo, liberarán una maldad tan antigua como destructiva.

    Buena película. No da miedo; pero es muy interesante, particularmente por el contexto de la cultura coreana.

    La fotografía está muy padre, lo mismo que el maquillaje y el gore. En esencia, es más o menos lo mismo que El acólito del Diablo (Pavlou, 1986); pero con folk coreano en vez de irlandés.

    Es larga, pero no se siente… lo que sí queda un poco a deber es el monstruo del final.

SUMARIO 2026

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