EL IMPERIO CONTRAATACA

Ahora conocida coloquialmente como Star Wars Episodio V: El Imperio contraataca; pero que en su estreno se llamó Star Wars: The Empire Strikes Back.

 

Irvin Kershner, 1980

Al igual que con la cinta anterior, existen múltiples versiones de El Imperio contraataca. Detallo las diferencias entre unas y otras en el cuadro anexo. Empero, es curioso notar que, durante el estreno en cines, ya había dos versiones diferentes de la película: La versión estándar en 35mm y una especie de edición de lujo en 70mm. Las diferencias entre ambas versiones estriban mayormente en la edición, el montaje y las transiciones entre escenas, así como en algunos diálogos, la mayoría de los cuales fueron incorporados a las ediciones de la película para formatos caseros.

    Del mismo modo, la mayoría de las diferencias entre ediciones subsecuentes tienen que ver con la adición, remoción y sustitución de parlamentos o efectos de sonido.

Para el verano de 1977, cuando la euforia por La Guerra de las Galaxias (Lucas, 1977) repuntaba, era ya prácticamente un hecho que una segunda parte venía en camino. Muchas incógnitas habían quedado pendientes en la primera parte: ¿Qué había pasado con Darth Vader? ¿Han Solo regresaría a pagar su deuda con Jabba? Pero, sobre todo y más importante ¿Con quién se iba a quedar la princesa Leia, con Han o con Luke? Y ya que esta última cuestión se respondía en el póster, ¿qué otras sorpresas nos depararía Star Wars 2?

    Esta cinta es mi favorita de la saga original, creo que en verdad es una excepción a la regla de que “Segundas partes nunca fueron buenas”. El guión retoma pocos elementos del borrador original escrito por Lucas años atrás y, viéndolo bien, en la parte anecdótica se desplaza poco. El verdadero fuerte de esta película es el desarrollo de los personajes. Incluso su director, Irvin Kershner, declara que prefirió que la narración fuera un tanto anticlimática desde el punto de vista dramático para que pudiera ser más poderosa emotivamente.

    Después de la destrucción de la Estrella de la Muerte, la Alianza Rebelde es perseguida por el Imperio Galáctico y debe trasladar su base secreta al lejano e inhóspito planeta helado Hoth. Sin embargo, la Flota Imperial logra encontrar a los rebeldes y, tras una de las batallas más memorables en la historia del cine, éstos deben huir nuevamente.

    Darth Vader (Dave Prowse, voz de James Earl Jones), Señor del Sith y Comandante de la Flota Imperial, está obsesionado con encontrar al joven Luke Skywalker (Mark Hamill, repitiendo papel muy a su pesar) para convertirlo a su causa y se valdrá de todos los medios imaginables para capturarlo. Skywalker, tras una visión de su desaparecido mentor, Obi-Wan Kenobi (Sir Alec Guinness), viaja al planeta Dagobah para ser entrenado por Yoda (voz de Frank Oz) y convertirse en un Jedi.

    Mientras tanto, tras su salida de Hoth a bordo del Halcón Milenario, Han Solo (Harrison Ford), Chewbacca (Peter Mayhew, aunque es fácil olvidar que lleva un actor dentro), la princesa Leia (Carrie Fisher), y el droide C-3PO (Anthony Daniels) escapan a duras penas de la Flota Imperial gracias a mucha maña y logran refugiarse en el planeta Bespin, gobernado por el amigo de Solo, Lando Calrissian (Billy Dee Williams).

    Pero, ¿será más fuerte la amistad entre Solo y Calrissian que la amenaza del Imperio que se cierne sobre ellos? Y ¿Cumplirá Darth Vader su objetivo de convertir a Luke al Lado Oscuro de la Fuerza?

    Como lo había comentado antes, en la época en la que comenzó la preproducción de esta cinta las secuelas eran consideradas meros residuos del éxito de la película original. Incluso sagas exitosas como El planeta de los simios habían destinado cada vez menos presupuesto a sus entregas subsecuentes o, en otros casos, como el de El bueno, el malo y el feo (1966), el público apenas si se enteraba de que la película formaba parte de una saga —esta película es la última parte en la llamada Trilogía del Dólar, de Segio Leone— o, en muchos casos más, el público ni siquiera se enteró de que la película tuvo secuelas como pasó con La maldición de la mosca (Sharp, 1965)—que la verdad es bastante  mejor que la segunda parte, El regreso de la mosca (Bernds, 1959)—. Quizá una de las pocas excepciones a esta regla sea la saga de Sinbad, aunque tiene la particularidad de que las películas no son secuelas directas una de la otra y pueden disfrutarse como entradas independientes sin problema alguno.

    Si ya en la primera parte Lucas tentó su suerte con un proyecto en el que nadie creía, con esta segunda pretendía repetir la locura al producir una secuela que sería más grande que la original. Tan sólo el presupuesto de efectos especiales para esta cinta fue más que el presupuesto de toda la película anterior.

    La película se filmó en 64 platós de los estudios Elstree en Inglaterra, además de en exteriores en un glaciar Noruego —durante la peor tormenta de nieve registrada en más de cincuenta años, con temperaturas de -30°C y 5m de nieve, por cierto—, y contó con un equipo de 90 artistas de efectos especiales trabajando por 14 meses y 8 editores de sonido trabajando durante 6 meses para completar más de 600 tomas de efectos especiales.^[1]

    Para esta película, el animador de Stop-Motion^[2] Phil Tippett ideó una nueva técnica de animación a la que llamó Go-Motion. Esta técnica consistía en no sólo mover las articulaciones de las figuras de Stop-Motion un cuadro a la vez, sino también desplazarlas milimétricamente mientras eran fotografiadas. Esto creaba los borrones que se verían si se fotografiara un animal en movimiento, dándole mucha mayor fluidez al movimiento del Tauntaun.^[3]

    Las enormes dimensiones de este proyecto por poco impiden que se complete. La producción se retrasó notablemente y se salió de presupuesto, por lo que el costo final, incluyendo los intereses que Lucas tuvo que pagarle al banco, ascendió a alrededor de 33 millones de dólares. Esto sin contar los más de 100mil dólares en multas que el director californiano debió pagar a los sindicatos por usar trabajadores no sindicalizados y que, ultimadamente, causaron que renunciara a ser miembro del Director’s Guild of America.^[4] Y ^[5]

    Y, a pesar de todo, Lucas no sólo recuperó su inversión, sino que la multiplicó. Las ganancias estratosféricas de la película le permitieron comprar los terrenos del llamado Skywalker Ranch, cerca de San Francisco, California. En ellos, Lucas asentaría viñedos, empresa que comparte con Francis Ford Coppola, y las instalaciones de Lucasfilm Ltd., su compañía productora; THX Ltd., su empresa de sistemas y certificación audiovisuales; Skywalker Sound, su empresa de mezcla, edición y efectos de sonido; LucasArts, su compañía dedicada al software de entretenimiento y, quizá la más famosa de todas, Industrial Light & Magic, su compañía de efectos especiales de vanguardia. Por no mencionar que además hubo reparto de utilidades para todos los que trabajaron en esta película.

    Asimismo, el director californiano continuó basándose en las teorías de Joseph Campbell sobre el Viaje del Héroe. Según el antropólogo, todos los héroes llegan a un momento en su viaje al que denomina el Descenso a la Panza de la Ballena. En esta etapa del Viaje, el héroe se enfrenta a la Oscuridad, particularmente aquélla que lleva dentro de sí mismo, ya sea en la forma de un monstruo colosal (Perseo contra Medusa, Beowulf contra el dragón, Rama contra Ravana) o en la forma de un alter ego que sea su opuesto en todo, pero lo mismo en esencia, una especie de versión oscura del héroe mismo (Arturo contra Mordred, Atreyu contra Bastian ¡y hasta Link contra Shadow Link!).

    Este enfrentamiento, que suele ir acompañado de un descenso a algún tipo de inframundo —Luke se enfrenta a Vader en los niveles inferiores de la Ciudad en las nubes—, destruye al héroe de una u otra forma; pero mediante esta destrucción lo lleva a madurar y a fortalecerse para enfrentar a su enemigo con renovada sabiduría. Desde un inicio, Lucas decidió separar la película en dos líneas argumentales: la de Han y la de Luke por lo que, de hecho, cada uno vive su propio Viaje del Héroe; aunque ambos son derrotados al final de esta cinta.

La idea de que el pasaje del umbral mágico es un tránsito hacia una esfera de renacimiento está simbolizada mundialmente en la imagen de la panza de la ballena. El héroe, en vez de conquistar o conciliar el poder del umbral, es tragado por lo desconocido y aparecerá como muerto. […]

    Este motivo popular pone énfasis en la lección de que el pasaje del umbral es una forma de auto-aniquilación.^[6]

    Pero no sólo eran los personajes de ficción quienes atravesaron tiempos oscuros. Parecía que los actores que los interpretaban también estaban siendo puestos a prueba: Harrison Ford estaba decidido a abandonar la saga, Carrie Fisher tenía problemas con su trastorno bipolar y para el momento de filmar esta cinta ya consumía cocaína, y Mark Hamill sufrió un accidente automovilístico que le desfiguró el rostro^[7]. Según dice una oscura leyenda de Hollywood, Hamill habría provocado el accidente deliberadamente para librarse del estigma de ser Luke Skywalker, papel en el que había sido encasillado y que le impedía conseguir trabajo^[8].

    Para poder tener un control creativo absoluto sobre su película, George Lucas decidió producir esta cinta él mismo. El director californiano tomó todas las ganancias que había obtenido con la primera película y pidió un préstamo al Bank of America Entertainment para cubrir el presupuesto de 25 millones de dólares estimado para la película. Para poder enfocarse en la producción, Lucas decidió no dirigir El Imperio contraataca y contratar a alguien más para cumplir con la función de director.

    Le ofreció dicho puesto a Irvin Kershner, quien había sido su profesor en la USC y quien había dirigido muchos dramas para TV y cine; pero jamás una película de fantasía y alto presupuesto como la que pretendía hacer Lucas. De hecho, cuando Lucas invitó a Kershner a almorzar en el comedor de Universal Studios (Sí, ése mismo donde James Whale conoció a Boris Karloff mientras buscaba un actor que interpretara a la Creatura de Frankenstein) para ofrecerle el puesto, la reacción instintiva de Kershner fue rechazarlo, pues sabía que no podría hacer algo tan espectacular como la primera parte y que toda la gente lo compararía. Después de ser persuadido enérgicamente por su agente, telefoneó a Lucas para decirle que aceptaba el trabajo.

    Y francamente, creo que el cambio de director le vino bien a la saga. La formación de Kershner en artes como la Música y la Fotografía, y su carrera como cineasta independiente lo dotaron de la sensibilidad necesaria para dirigir una obra tan sutil y poderosa como ésta. El mismo director narra que la mayor dificultad que encontró al dirigir esta cinta fue la sutileza: Quería que hubiera comedia, pero no chistes y quería que hubiera romance, pero sin llegar a lo cursi[9] —¿Han notado que los besos entre Han y Leia son más bien parcos, aunque no por ello menos intensos?—.

    Y hablando de eso, ¿sabían que uno de los diálogos más icónicos de la Trilogía fue improvisado? En el libreto estaba escrito que cuando Han Solo es congelado en carbonita y la princesa Leia le dice “¡Te amo!”, él respondería “Te amo”; pero Harrison Ford nunca se sintió cómodo con la línea, pues sentía que rompía con la lógica del personaje. La escena se filmó infinidad de veces sin que el diálogo sonara convincente, hasta que Kershner le dijo a Ford que simplemente improvisara y ahí fue cuando al actor se le ocurrió contestar “Lo sé” a la línea de la princesa Leia.

    Por cierto, a quien no se le haya puesto la piel chinita mientras veía por primera vez la escena en la que Han Solo es congelado en carbonita mientras la música de fondo, que empieza siendo el Tema de amor se convierte in crescendo en la Marcha Imperial, no tiene corazón.

    El Imperio contraataca fue la primera película de la saga en la que sonaría el que, a mi gusto, es el mejor tema musical compuesto por John Williams después del de Tiburón (Spielberg, 1975): La Marcha Imperial. Lucas pidió a Williams que creara un tema para Darth Vader y el músico de inmediato supo que debía ser algo grandilocuente, repetitivo, con un tono marcadamente marcial en el que predominaran los metales^[10]. Después de ésta, no habría película de Star Wars en la que no se escuchara dicho tema.

    Por otro lado, ésta sería también la primera aparición de otro elemento que no volvería a desaparecer de la saga: el maestro jedi Yoda. Originalmente, Lucas no tenía planes de que Obi-Wan Kenobi muriera en la primera cinta; pero, ya sea por decisión del director o por petición del actor que no confiaba en el proyecto, nunca se ha sabido con certeza, tuvo que eliminar al personaje. De tal suerte, Lucas tuvo que idear un nuevo sabio para que entrenara a Luke Skywalker.

    La primera consigna que tuvo el director californiano al respecto fue que no quería que el personaje pareciera una calca de Obi-Wan[11] (como Brent, que es una copia al carbón de Taylor, en Bajo el planeta de los simios [Post, 1970]), por lo que ideó algo completamente diferente.  Nuevamente, se basó en las epopeyas antiguas para plantear un personaje cuya enorme sabiduría contrastaría con su aspecto diminuto e insignificante.

    Y precisamente, una de las principales dificultades en la creación de Yoda fue la de su apariencia física. Kershner y Lucas sabían perfectamente que, si este personaje fundamental que parloteaba durante veinte minutos en pantalla no funcionaba, la película se vendría abajo. Una de las primeras decisiones que se tomaron sobre el personaje fue que Yoda hablaría con una sintaxis invertida. De este modo, los espectadores tendrían que poner atención en todo lo que estaba diciendo.

    Por desgracia, eso era lo único que funcionaba con Yoda. Tanto el artista de efectos especiales —quien posteriormente se convertiría en un director inepto— Joe Johnston como el ilustrador Ralph McQuarrie habían diseñado diferentes aspectos para el personaje y un puppet basado en ellos fue construido por el artista de efectos especiales Stuart Freeborn; pero Kershner no estaba satisfecho con el resultado, pues sentía que le faltaba vida al personaje.

    Freeborn le pidió al director que le diera una semana para reesculpir la cara de Yoda y Kershner así lo hizo. Cuando el artista presentó su trabajo admitió que se inspiró en el rostro de Albert Einstein para plasmar las arrugas en la cara del Maestro Jedi, pero el director y los demás presentes notaron que el rostro del puppet en realidad era un autorretrato de Freeborn.

    Finalmente, Yoda fue todo un logro del puppeteering que era manipulado por cuatro titiriteros liderados por el veterano del Show de los Muppets (1976-1981), Frank Oz, quien también le prestaba su voz al sabio jedi. El resultado era tan convincente que frecuentemente Kershner le daba indicaciones a Yoda, en vez de a los titiriteros que lo manipulaban, quienes se encontraban a metro y medio debajo del piso del set que recreaba Dagobah, el planeta hogar del maestro jedi y no podían oír nada.

    Y, por supuesto, está la revelación de Darth Vader; el secreto mejor guardado por la producción y que terminaría convirtiéndose en una de las escenas más icónicas —y parodiadas— en la historia del cine. Originalmente, sólo Lucas, Kershner y el productor Gary Kurtz sabían lo que Vader le decía a Luke realmente durante su enfrentamiento e incluso una página falsa fue insertada en el libreto, pues Lucas quiso mantener el más riguroso hermetismo al respecto de la escena climática de la película.

   Ni siquiera el elenco sabía de qué se trataba. A Mark Hamill, el director le reveló la verdadera línea de Darth Vader minutos antes de comenzar a filmar la escena. Dave Prowse, quien interpretaba a Darth Vader y se empeñaba en decir sus diálogos a pesar de que poco se le escuchaba a través del casco, leyó la línea falsa en la que Vader le decía a Luke “Obi-Wan mató a tu padre”; y James Earl Jones, quien hacía la voz de Vader, cuando leyó el parlamento por primera vez creyó que el Señor del Sith mentía… Después de todo, es lo que uno esperaría de un señor del Sith, ¿no?

    Hace tiempo tuve una novia que nunca había visto estas películas ‒y, según parece, vivía en un agujero en el suelo‒ y fue en extremo interesante ver su reacción cuando Luke descubre el destino de su padre por boca (¿o bocina?) de Vader. En verdad, no tenía ni idea y verla enterarse no tuvo precio. Por cierto que ella también creyó que Vader mentía y se empeñó en que inmediatamente después viéramos El regreso del Jedi (Marquand, 1983) para salir de dudas.

    En términos narrativos, la cinta funciona a la inversa de la primera película, lo cual es simplemente brillante. Mientras La Guerra de las Galaxias iniciaba con una historia más bien íntima sobre una pareja de robots y terminaba con una batalla a gran escala, El Imperio contraataca inicia con una batalla de grandes dimensiones —incluso el tamaño de los caminadores imperiales AT-AT es colosal— y termina con un enfrentamiento cara a cara entre dos personas.

    Del mismo modo, la película encuentra las ventajas que tienen los héroes y se las arrebata, dejándolos indefensos a merced de su destino: Luke ha perdido a Obi-Wan, el cinismo de Han Solo es domado por Leia, R2-D2 y C-3PO se separan y hasta el hiperpropulsor que le permite al Halcón Milenario viajar a la velocidad de la luz permanece descompuesto durante toda la cinta.

    Y, para hacer la cosa más interesante, Lucas decidió que se agregara el diálogo entre el espíritu de Obi-Wan y Yoda en el que el difunto Jedi le dice a su maestro que Luke es su última esperanza y éste le contesta que no, que hay otra. En ese momento el productor no sabía a quién se refería exactamente, pero lo hizo para que el público sintiera que Luke no era indispensable y que podría morir al enfrentarse a Darth Vader.

    Para este momento, Harrison Ford no estaba seguro de querer continuar apareciendo en la saga, por lo que le pidió a Lucas que matara a su personaje al final de El Imperio…, a lo que el productor se negó. Después de negociarlo por un tiempo, Lucas accedió a que el personaje de Ford desapareciera al final de la cinta —congelado en carbonita y entregado al cazarrecompensas favorito de la fanaticada, Boba Fett (Jeremy Bulloch, voz de Jason Wingreen)^[12]— para poder “revivirlo” después en caso de que el actor reconsiderara su salida de la serie.

    Al final de esta cinta, Luke ha perdido una mano y está psíquicamente devastado, la princesa Leia está emocionalmente deshecha por haber perdido al hombre que ama, y Han Solo está atrapado en un sueño eterno y su destino se encuentra en manos del hombre que lo traicionó. ¿Se dan cuenta de que esta vez los buenos pierden?

Sombras del Imperio

Aunque a partir de la compra de Lucasfilm por parte de Disney este “episodio intermedio” ya no forma parte del “canon”, me pareció adecuado incluir un breve comentario sobre él debido a su importancia en el resurgimiento de la saga.

    A mediados de los 90 el proyecto de la trilogía de precuelas había estado rondando por la cabeza de George Lucas por demasiado tiempo. La venta de la trilogía original en LaserDisc dio muy buenos resultados (aun cuando el formato fue un fracaso) y dio paso a la producción de una serie de tarjetas coleccionables por parte de Topps y a la continuación de la serie de figuras de acción The Power of the Force en 1995^[13].

    Viendo el éxito que tenían estos productos aun sin que hubiera una nueva película de Star Wars, Lucasfilm ideó un proyecto multimedia cuya consigna era ver en cuántas formas diferentes podía explotarse un producto sin que estuviera basado en una película o serie de TV. Desde esta óptica, Sombras del Imperio es algo “abstracto”, pues ninguno de los productos relacionados con la marca está basado en algún otro: todos parten de manera simultánea de la misma premisa y fueron lanzados al mercado a finales de 1996.

    El argumento básico planteado para este concepto abarca un periodo de alrededor de seis meses, se sitúa entre El Imperio contraataca y El regreso del Jedi, y va más o menos así: Debido a su incapacidad para dar el golpe decisivo que termine con la Rebelión y capturar a Luke Skywalker, Darth Vader pierde el favor del Emperador. Esto es visto como una oportunidad por el capo de la mafia de Coruscant^[14], el ruin príncipe Xizor, para acercarse al Emperador y usurpar el lugar de Vader como su mano derecha.

    Por su parte, la princesa Leia contrata a un carismático cazarrecompensas amigo de Han Solo, Dash Rendar, para que se infiltre en los bajos mundos del Imperio y rastree a Boba Fett para recuperar el bloque de carbonita en el que se encuentra preso Han.

    La infiltración no sólo revela el paradero de Solo; sino que lleva a los rebeldes a descubrir los planos de una segunda Estrella de la Muerte y a formar una peligrosa alianza con el príncipe Xizor, de quien no se sabe si actúa como amigo de la Alianza, como agente doble del Imperio o si planea traicionar a ambos bandos para satisfacer su propia sed de poder.

    Así pues, el merchandising resultante incluye una novela por Steve Perry; una miniserie de cómics escritos por John Wagner, ilustrados por Kilian Plunkett y publicados por Dark Horse; el que es probablemente el artículo por el que la mayoría de la gente conoció Sombras del Imperio, el genial videojuego para Nintendo 64 posteriormente adaptado a PC; una serie de tarjetas coleccionables de Topps basadas en la novela, los cómics y el videojuego; una serie de figuras de acción de Kenner y una línea de juguetes de Galoob (Micro-Machines); un tráiler cinematográfico ficticio que fue transmitido por televisión apenas un par de veces antes de ser retirado por Lucasfilm y un soundtrack que incluía la música compuesta por Joel McNeely para el videojuego.

    El éxito de Sombras del Imperio no sólo sirvió para desbrozar el camino antes del lanzamiento de la Trilogía de la Guerra de las Galaxias-Edición Especial (1997); sino que produjo la miniserie de comics Sombras del Imperio: Evolución, una secuela de la historia original cuyo argumento sucede más o menos de manera simultánea con los eventos de El regreso del Jedi y que narra la historia de Guri, la bella androide replicante asistente personal de Xizor y su lucha por sobrevivir y recuperar su identidad una vez que éste ha desaparecido.

    Había planes para una precuela que aparecería en forma de novela; pero fue cancelada debido a que la licencia para las novelas de Star Wars pasó de manos de editorial Del Rey a Bantham Books.

Y ahora, ha llegado el momento que todos esperaban. Aquél por el que han estado leyendo este artículo hasta el final: He aquí la tabla comparativa entre las distintas ediciones de El Imperio contraataca:

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[1] SPFX: The Empire Strikes Back. Guennet, Lucasfilm, 1980.

[2] El Stop-Motion es una técnica de animación que consiste en fotografiar objetos inanimados un cuadro a la vez y moverlos ligeramente entre cuadro y cuadro. Al proyectar la secuencia de fotografías, el objeto parece estar moviéndose.

[3] Movie Magic, “Stop Motion: One Step at a Time” (Temporada 1, episodio 12), Benz et al, GRB Entertainment, 1994.

[4] Cfr. Imperio de sueños: La historia de Star Wars. Becker y Burns, Prometheus Entertainment, 2004.

[5] Este desaguisado provocó la salida de Alan Ladd Jr., el principal defensor de George Lucas de la mesa ejecutiva de Twentieth Century Fox, y permitió que los derechos de distribución del siguiente proyecto producido por Lucas, Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981) fueran vendidos a Paramount y no a Fox, como se planeó originalmente.

[6] CAMPBELL, Joseph, The Hero with A Thousand Faces, Third Edition, New World Library, USA, 2008. Pp.74-75. La traducción es mía.

[7] El ataque del wampa al principio de la película fue incluido en el guión para justificar que Luke se viera diferente a como se veía en la primera cinta.

[8] Para distanciarse de su rol en la saga de Lucas, Hamill apareció en diversas producciones de Broadway como El hombre elefante y Amadeus. Al hacer el casting para interpretar a Mozart en la adaptación fílmica de la obra, el actor fue rechazado porque uno de los productores dijo que “no quería a Luke Skywalker en su película”.

[9] Cfr. Becker y Burns, Op. cit.

[10] Cfr. A Conversation with the Masters: The Empire Strikes Back 30 Years Later, 2011.

[11] Idem.

[12] La primera aparición en pantalla del personaje fue en el segmento de dibujos animados dentro del infame Especial de Navidad de Star Wars (Binder, 1978), momentos antes del número musical de la canción de la princesa Leia… Sí, lo sé.

[13] Esta serie de figuras fue la última en aparecer con las películas originales y se extendió hasta invierno de 1985. Fue con las tarjetas de Topps y las figuras de Kenner, en los 90, que gran cantidad de personajes del Universo de Star Wars recibieron su nombre por primera vez. Walrus Man se convirtió en Ponda Baba, Hammerhead en Momaw Nadon, la Ciudad de las Nubes fue rebautizada como Bespin (bueno, siendo más precisos, Bespin es el planeta) y el mismísimo Emperador, que hasta en las figuras de acción era simplemente llamado The Emperor, se convirtió en Palpatine.

[14] Coruscant, el planeta capital del Imperio, fue conceptualizado para la trilogía original; pero nunca se utilizó. Este spin-off fue la ocasión perfecta para darlo a conocer al público antes de introducirlo como una pieza clave de la trilogía de precuelas.

[15] Originalmente había toda una subtrama sobre los wampas y sus ataques a los rebeldes en la Base Ecco. Estas escenas de hecho fueron filmadas, pero fueron retiradas del corte final de la película debido a la insatisfactoria calidad de las botargas de wampa. Dichas secuencias, junto con algunas otras escenas eliminadas, fueron presentadas en la adaptación oficial en cómic publicada originalmente por Marvel en 1980, reeditada en 1997 en formato TPB por Dark Horse y en 2015 en una edición “remasterizada” de pasta dura por Disney/Marvel.

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL.2

Guardians of the Galaxy Vol.2

 

James Gunn, 2017

El volumen 2 del Awesome Mix no es tan Awesome. Lo digo literal y metafóricamente. La primera cinta de Guardianes de la galaxia (Gunn, 2014), con su humor chabacano e irreverente de niño de secundaria se robó nuestro corazón. Por si esto fuera poco, el soundtrack de la peli estaba compuesto por canciones clásicas de la música pop de los 70 y 80 que estaban bien llegadoras. Finalmente, una de las razones por las que creo que la película original funcionaba tan bien era por la forma en la que lograron que el equipo de los Guardianes de la Galaxia se integrara. Veías a este montón de seres alienígenas con personalidades completamente dispares convivir e integrarse verdaderamente en un equipo con resultados hilarantes.

    Bien, pues para la secuela todo eso se fue al caño. No me malinterpreten, creo que es loable cuando los realizadores intentan hacer cosas nuevas y tratan de salir de su zona de confort, cuando quieren experimentar con la dirección en la que están llevando a los personajes y el argumento. Pero que traten de innovar no quiere decir que necesariamente funcione.

    Guardianes de la Galaxia volumen 2 comienza tres meses después de la cinta anterior, cuando nuestros mercenarios favoritos son contratados por una raza alienígena conocida como los Soberanos ‒que tienen piel dorada, lo que me hizo recordar inmediatamente a los habitantes de Mongo en el universo de Flash Gordon‒, para que detengan al monstruo interdimensional conocido como Abilisk. Como parte del pago, los Soberanos entregan a Gamora (Zoe Saldana) a su hermana malvada, Nebula (Karen Gillan), quien es mantenida como prisionera. Por desgracia, Rocket Raccoon (voz de Bradley Cooper) cree que es una buena idea robar las valiosas baterías Anulex a los Soberanos, causando la furia de la sacerdotisa Ayesha (Elizabeth Debicki, excelente), su líder. Durante la huida, los Guardianes llegan al planeta Berhert, donde son interceptados por Ego (Kurt Russell), una divinidad que se revela como el verdadero padre de Peter Quill/ StarLord (Chris Pratt, ahora ídolo de las juventudes) y quien lo invita a ir con él al planeta Ego ‒se supone que, siendo una especie de dios, es al mismo tiempo un planeta y su encarnación humana‒, para enseñarlo a usar sus poderes y revelarle su propósito en la vida. Mientras esto sucede, los Devastadores, el grupo de mercenarios liderado por Yondu (Michael Rooker, a quien seguro recuerdan por su papel de Merle Dixon en The Walking Dead), quien fuera el padre adoptivo de Quill, se amotinan y lo hacen prisionero. ¿Quién salvará a Yondu y qué oscura verdad descubrirá Quill en el mundo de Ego?

    Ahora que leo la sinopsis… creo que suena mucho más complicada de lo que la película en realidad es. Algo que creo que sí le duele un poco a la cinta es que le falta sustancia. Creo que eso queda claro casi de inmediato: ésta no es una película de argumento. La historia es increíblemente simple.

    En muchos sentidos, esta película funciona como El Imperio contraataca (Kershner, 1980). Por principio de cuentas, la historia no avanza “horizontalmente”, sino “verticalmente”. Quiero decir que la cinta se preocupa más por profundizar en el carácter de los personajes y las relaciones entre ellos que en que realmente pase algo que haga avanzar la historia. Esto no es malo; la cosa es que, para lograr un desarrollo más rico de los personajes, tiene que dividirlos. Así, la genial dinámica de equipo que se había logrado en la primera parte se pierde en ésta y, en vez de un equipo de héroes, tenemos a dos pequeños equipos que siguen cada quien una línea argumental diferente… como sucedía en la segunda parte de la saga de Star Wars, pero no tan genial.

    Del mismo modo, el Bribón con el Corazón de Oro se sacrifica por sus compañeros; se descubre la oscura verdad sobre el origen del héroe; la tensión romántica entre Gamora y Quill aumenta; la relación entre Gamora y Nebula toma giros inesperados; un personaje en el que el héroe había depositado su confianza lo traiciona; el mundo idílico no es para nada lo que parece y una nutrida lista de etcéteras. Creo que sólo faltó el sabio elemental que habla con una sintaxis invertida.

    También, casi desde el inicio de esta película, el tono que se venía manejando en la anterior cambia. Trata de ser algo más oscura; pero por alguna razón no termina de cuajar. Y creo que ése es el gran fallo de esta película. Como que al final uno esperaba algo más grande, más oscuro, que dejara más secuelas en los personajes… y más o menos pasa; pero creo que no repercute con la fuerza que debería. En el Viaje del Héroe, éste es el Descenso a la panza de la ballena; pero es un descenso entre colores psicodélicos y que se queda a medias, como atorado en el cardias.

    Asimismo, el sentido del humor sigue presente; pero ya no es tan gracioso. Algo pasó… es como esos episodios nuevos de Los Simpson que se vuelven deprimentes porque intentan imitar a los episodios clásicos y terminan siendo copias malas. Creo que algo parecido pasa con esta película. Creo que la cuestión es que trató de llevar la franquicia por otro rumbo; pero no supo muy bien por cuál y trató de retomar los elementos que funcionaron de la primera parte, pero de forma poco honesta… como que los pusieron ahí sólo porque es lo que el público esperaba de una película de Guardianes de la Galaxia y no porque realmente aportaran algo a la peli. El personaje de Mantis (Pom Klementieff) sí es muy gracioso.

    La música que tan bien les funcionó en la cinta original, tanto que me atrevo a decir que impuso moda, en ésta se siente desangelada y anodina. Como si se hubieran acabado todas las canciones chidas en la primera película y a ésta le hubieran tocado las sobras… como cuando sacaban esos discos de compilaciones de música de tal o cual década y como pegaban luego sacaban un segundo volumen… que era notablemente inferior al primero ‒me refiero a la colección de Simply the Best…‒.

    El diseño de arte es espectacular y prácticamente todo lo que aparece en pantalla se ve bastante bien, además de que hay muchas referencias visuales ‒¿Homenaje? ¿Fusil? ¿Simple coincidencia?‒ como el interior de la nave ovoide en la que viaja Ego, que me recordó muchísimo al interior de la Fortaleza negra de Krull (Yates, 1983) o la superficie del planeta Ego, que bien podría haber salido de alguna de las películas de La historia sin fin.

    También la caracterización de los personajes y los vestuarios están de antología… excepto el maquillaje de Drax (Dave Bautista), que se veía raro… digo, para empezar, se notaba que era maquillaje. Algo cambiaron, porque en la primera película se tardaban cuatro horas para maquillarlo y en ésta, sólo una y media.

    En general, creo que Guardianes de la Galaxia Volumen 2 es buena a secas. Es entretenida, aunque de repente se siente como que pudo fácilmente durar menos y me hizo carcajearme en algunas partes ‒el cameo de David Hasselhoff es genial‒; pero no logra llegar a la genialidad de la primera. Además, por alguna razón, al final todos los personajes terminan revelando un lado tan increíblemente cursi de ellos mismos que acabé empalagado. Menos mal, en una especie de autoparodia de las películas del Universo Cinematográfico Marvel, hay cinco escenas post-créditos… ni siquiera estoy seguro de haberlas entendido todas.

    Y sí: hay otro cameo de Howard the Duck, con la voz de Seth Green.

PARA LA TRIVIA: Gary Oldman, Viggo Mortensen, Christopher Plummer, Max von Sydow, Christoph Waltz y Liam Neeson fueron considerados para el papel de Ego.

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LA GUERRA DE LAS GALAXIAS

Que en su estreno en 1977 se llamó Star Wars, pero cuyo título fue cambiado para el reestreno de 1981 a Star Wars: A new Hope y que después de 1999 es conocida coloquialmente como Star Wars Episode IV: A New Hope.

George Lucas, 1977

Existen múltiples versiones de esta película: La que se estrenó originalmente en cines con 121 minutos de duración, la que se reestrenó en 1981 (siendo la única diferencia entre ambas la pantalla del título y la mezcla de audio), la edición para LaserDisc (1993) y la Edición Especial conmemorativa de 20° Aniversario (1997), con 125 minutos de duración de escenas reinsertadas, extendidas y secuencias nuevas. Sobre la Edición Especial existen las variaciones de la edición en DVD de 2004 y la edición en Blu-Ray de 2011. Las diferencias entre estas variaciones se enlistan en el cuadro anexo. Además, existe el llamado Lost Cut (“Corte perdido”), que en realidad no es tal, de 150 minutos de duración sobre el cual incluyo un breve comentario al final de este artículo.

Sobre el canon: A lo largo de sus cuarenta años de existencia, el universo de Star Wars se ha expandido a otros medios además del cine, como la Literatura, los cómics, los videojuegos, los juegos de rol, las series de TV, los juguetes, etc. En algunos casos, se han generado historias que complementan, expanden o que son totalmente independientes del universo visto en las películas.

    Por esta razón, fanáticos y productores se dieron a la tarea de crear el “canon” de Star Wars, enzarzándose en verdaderas batallas campales para decidir qué arcos argumentales del Universo Expandido entraban dentro de la cronología oficial de la saga.

    Sea como fuere, tras la compra de Lucasfilm por parte de Disney, la Casa del Ratón decidió negar todo el canon anterior a 2014; por lo que sagas clásicas que ya estaban bien afianzadas en la cronología de Star Wars, como la serie de dibujos animados de Guerras clónicas, el proyecto multimedia Sombras del Imperio o la trilogía de cómics Imperio Oscuro quedaron fuera del canon.

    Ahora bien, a mí como fan acérrimo de Star Wars el canon francamente me viene valiendo madres desde siempre y aclaro de una vez que sólo considero como “cronología oficial” lo que se ve en pantalla en las 8 películas que lleva la saga hasta el momento… Y sobre Rogue One tengo mis reservas

    Así pues, a lo largo de esta serie de artículos (así es, gente, éste será el primero de ocho), de repente voy a hacer referencias y menciones a historias del Universo Expandido; pero por favor, sean tan amables de tomarlas más como anécdotas curiosas y notas al margen que como la evangelización iluminadora que algunos fanboys quieren llevar a cabo a veces.

 

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy muy lejana… llamada Modesto, California, vivía un pequeño y nerdo muchacho que soñaba con ser piloto de carreras.

    Su pasión lo llevó cuando adolescente a correr autos en el circuito de las carreras clandestinas. Durante una de estas carreras, su auto fue embestido por otro, lo que ocasionó que se volcara. El joven piloto, llamado George Walton Lucas Jr. Sufrió serias heridas que casi le costaron la vida.

    Debido a este accidente, Lucas decidió dejar la conducción de autos, y prefirió capturar la acción y la emoción de las carreras en películas caseras filmadas con una cámara de 8mm. En esta época también entró al Junior College de Modesto, donde estudió Sociología, Literatura y Antropología, y comenzó a interesarse también por el cine “de arte” y el cine europeo que veía en proyecciones de cineclubes y salas clandestinas.

    Más tarde entró a la Universidad del Sur de California (USC) donde trabó amistad con futuros cineastas como Steven Spielberg y John Milius. Demostró su talento al ganar el primer lugar en el Festival Nacional de Cine Estudiantil de 1967-1968 con el cortometraje Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB (que después expandiría en su primer largometraje, THX 1138 [1971]) y, tras graduarse, recibió una beca de Warner Bros. Para trabajar como crew en una película de su elección, que resultó ser Ya eres un hombre (1968) del también graduado de la USC Francis Ford Coppola, con quien Lucas trabaría una amistad que perdura hasta día de hoy.

    Lucas escribió y dirigió dos películas que fueron un gran éxito con la crítica antes de comenzar con el proyecto que se convertiría en La guerra de las galaxias:

    THX 1138 (1973), una película de Ciencia Ficción muy eficiente que es básicamente una reinterpretación de 1984 de George Orwell. Si tienen oportunidad de ver esta película en su edición original, no duden en hacerlo. Años después, para su edición en DVD, Lucas armó un Corte del Director con escenas reinsertadas y efectos CGI que se ven más falsos que un político en campaña.

    Y Locura de verano (1973), una cinta con guiños autobiográficos sobre una pareja de graduados de la prepa en un pueblito californiano en los 60 que deciden pasar una noche de aventura antes de partir hacia la universidad.

    Para su tercer proyecto, Lucas decidió basarse en los seriales cinematográficos de la década de los 30 que había visto por televisión cuando era niño. Principalmente, Lucas pretendía crear un relato que mezclara elementos de las space operas^[1] con el western con un toque de las películas épicas de Akira Kurosawa, todo ello siguiendo el hilo conductor del Camino del Héroe (la teoría propuesta por el antropólogo Joseph Campbell que encuentra los elementos comunes a todos los héroes de la Literatura Universal).

    Las primeras ideas de Lucas para su obra eran sobre una chica que se enamoraba de un cadete de una academia espacial y se veía involucrada en una rebelión contra un tiránico imperio. Más tarde, su idea evolucionó hacia la historia de dos hermanos, hombre y mujer, parecidos a hobbits y cómo se ven involucrados en una rebelión contra un hechicero oscuro… con viajes espaciales. Muchas de las ideas de este concepto fueron posteriormente utilizadas para la genial epopeya fantástica Willow (Howard, 1988).

    En este tenor el director californiano escribió un guión titulado The Star Wars^[2], que narraba la historia del antiguo guerrero Jedi Badu llamado Kane Starkiller quien, tras el asesinato de su hijo menor a manos de un Sith, viaja al planeta Aquilae para dejar a su hijo mayor, Annikin, bajo la tutela del general renegado Luke Skywalker quien, por proteger a la Familia Real de una invasión del Imperio galáctico, termina liderando la rebelión en contra de éste.

    Los rebeldes son cazados por Darth Vader y su agente, un guerrero Sith conocido como príncipe Valorum; Skywalker rescata a la princesa de Aquilae, Leia, y la deja al cuidado de Annikin, quien se enamora de ella. Los rebeldes buscan la ayuda del guerrillero Han Solo y, luego de que su nave es derribada por el Imperio en el planeta Yavin, reciben la ayuda de los wookies y su príncipe, Chewbacca, para vencer al Imperio.

    Como puede notarse, los elementos básicos y el hilo conductor de las seis películas se encontraban ya presentes en este primer tratamiento de guión. Sin embargo, otros elementos particulares eran radicalmente distintos. Por ejemplo, Han Solo era un alienígena —bueno, todos lo son porque ni siquiera viven en esta galaxia, pero me refiero a que no es humano— gigantón, verde y con agallas, los stormtroopers llevaban lightsabers, Chewbacca era una especie de cruza entre Pie Grande y un murciélago^[3], y había más personajes; pero estaban construidos más pobremente… ¡Ah, sí! ¡Y R2-D2 hablaba!

    Tras sucesivas revisiones y tratamientos de guión, y viéndose en la necesidad de escribir una película más corta —el guión original tenía más de doscientas páginas que hubieran resultado en una película de alrededor de cuatro horas—, Lucas llegó a la versión que conocemos actualmente (más o menos) y cuyo argumento es el siguiente:

     El malvado y opresor Imperio Galáctico gobierna con puño de hierro, lo que ha llevado a varios sistemas a conformar una Alianza Rebelde para derrocarlo. En medio de la guerra civil, el Imperio construye una estación espacial con el poder de destruir un planeta entero conocida como Estrella de la Muerte.

    La princesa Leia (Carrie Fisher), en una misión secreta, ha conseguido los planos de dicha estación y se encuentra de regreso a su planeta, Alderaan, cuando su nave es interceptada por el comandante de la Flota Imperial, Darth Vader (David Prowse, voz de James Earl Jones quienes, anécdota curiosa, jamás se han conocido en persona), quien la captura y la lleva prisionera a la Estrella de la Muerte. Leia esconde los planos robados en el droide astromecánico R2-D2 quien, junto con su compañero C-3PO (Anthony Daniels), es comprado por Luke Skywalker (Mark Hamill), un joven granjero del desértico planeta Tatooine.

    Skywalker busca la ayuda del antiguo caballero Jedi en el exilio Ben (Obi-Wan) Kenobi (Sir Alec Guinness), para rescatar a la Princesa y entregar los planos a la Alianza Rebelde. Recibirán la ayuda del contrabandista capitán del Halcón Milenario, Han Solo (Harrison Ford) y su amigo wookiee Chewbacca (Peter Mayhew), y terminarán involucrándose, más de lo que hubieran esperado, en una temeraria ofensiva de la Flota Rebelde contra la Estrella de la Muerte.

    Princesas secuestradas, fortalezas oscuras, antiguas órdenes de caballería, una banda de rebeldes que se oponen a una autoridad corrompida, un hábil pistolero que además es un bribón con corazón de oro, un par de sirvientes robot con Vis Comica, una pelea en una cantina, magos, extraterrestres, naves espaciales, vistosos rayos láser de colores, un foso con un monstruo de un solo ojo y un duelo con espadas… ¿Qué es esto? Simplemente una de las películas más importantes en la historia del cine, tanto, que se convertiría en un referente cultural de nuestra era.

    Se necesita una combinación única de talento, ingenio, creatividad y trabajo duro para lograr que esta mezcla única de elementos funcione… Tan única, de hecho, que me atrevo a decir que el mismo Lucas nunca pudo conseguirla de nuevo.

    Por supuesto, contada así la película suena de lo más chafa, y ya para los setenta parecía anticuada y naïve. Quizá fue por eso que originalmente Anthony Daniels no se sintió muy emocionado cuando su agente le dijo que casteara para el papel de un robot y que Sir Alec Guinness, quien para esas fechas ya era un respetado actor con una larga trayectoria y gran prestigio, hasta se sintió medio ofendido de que le pidieran participar en una cinta infantiloide de naves espaciales.

    Empero, según cuenta la leyenda, Daniels cambió de parecer cuando le mostraron los diseños de C-3PO realizados por el artista Ralph McQuarrie, quien de hecho ideó todo el aspecto visual de la película. A Guinness costó un poco más de trabajo convencerlo, por lo que la producción le ofreció el 2% de las regalías totales de la película. Según lo comentó el actor británico en una entrevista posterior, siempre fue considerado un buen actor y siempre fue más o menos famoso; pero nunca antes fue tan famoso ni tan acaudalado como después de La guerra de las galaxias —aunque las declaraciones de Guinness y las de Lucas se contradicen unas a otras, se deduce al contrastar ambas que el actor no estuvo contento con el film y odiaba los diálogos escritos por el director; pero aun así mantuvo su profesionalismo y responsabilidad artística—.

    El resto del elenco fue conformado por un joven actor de televisión llamado Mark Hamill, a quien su amigo Robert Englund le dio el pitazo para hacer el casting; la joven actriz hija del cantante y actor Eddie Fisher, Carrie, y Harrison Ford, quien ya había trabajado con Lucas en Locura de verano y no había sido considerado para el papel de Han Solo; pero leyó sus líneas para las audiciones de otros actores con el personaje y llamó la atención de Lucas, obteniendo el rol por encima de candidatos como Robert Englund, James Caan, Bill Murray y el favorito de todos, Kurt Russell. Para la voz de Darth Vader, el director pensó originalmente en Orson Welles; pero cambió de idea al pensar que quizá sería demasiado identificable.

    El resultado final es, insisto, verdaderamente único. Contrario a la creencia popular, La guerra de las galaxias no es Ciencia Ficción, es una Space Opera; más cercana al John Carter de Edgar Rice Burroughs que al Viaje a la Luna de Julio Verne. Vamos, no es Ciencia Ficción desde el momento que se nos dice en pantalla con austeras letras azules que no sucedió en nuestro mundo ni en nuestro futuro; sino “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana…” donde hay humanos y la mayoría de ellos hablan con acentos británicos, pero qué más da.

    Éste es un cuento de hadas en el espacio —de hecho, Lucas se refería a su proyecto durante la filmación como una “Película de Disney”, pues trataba de recuperar ese feeling de los melodramas de aventuras producidos por la Casa del Ratón en los 50— que se nutre de todos los que vinieron antes que él; pero que no se parece a ninguno de ellos. Flash Gordon, Buck Rogers, El Fantasma, El Llanero solitario, Robin Hood, el Ladrón de Baghdad, están todos aquí, sólo que este Todo es más que la suma de sus partes.

    Un increíble diseño de arte, una fotografía y efectos visuales y sonoros sin precedentes, una hábil dirección, y actuaciones excelentes por parte de todos los involucrados nos hacen creer que todo lo que se ve en la pantalla es real y existe en algún lugar allá afuera —Lucas insistía en que los sets no se limpiaran al final de la jornada, y en ensuciar los vestuarios y la utilería para que se vieran “usados”—. Gracias al esfuerzo de todos, nos olvidamos de que el Halcón Milenario está hecho con partes desechadas de automóviles y aviones, y que su cabina no tiene parabrisas; que los fragmentos de basura en el compactador de la Estrella de la Muerte son trozos de unicel pintados de negro, que la base rebelde está en Tikal, Guatemala, que un stormtrooper se golpea la cabeza con el quicio de una puerta cuando entra al cuarto en el que se refugiaron los droides, que el lightsaber de Vader no está coloreado en algunas escenas y se ve que es una varilla de aluminio con papel reflejante o que en la ceremonia al final de la peli sólo hay alrededor de treinta extras y el resto son stand-ins de cartón y pintura mate.

    Eso sí, Lucas fue muy exigente con el nivel de los efectos especiales que quería conseguir. Al no existir la tecnología digital como la conocemos actualmente, la mayoría de los efectos visuales de la cinta se consiguieron con técnicas fotográficas; siendo las más recurrentes la impresión óptica y la pintura mate.

    Las batallas en el espacio se filmaron con cámaras controladas por computadora que permitían programar sus movimientos específicos y reproducirlos de forma idéntica una y otra vez con precisión milimétrica, logrando coreografiar complicadas secuencias que en total tardaron dos años en filmarse y costaron tres millones y medio de dólares^[4].

    La historia no era nada nuevo; pero la forma de contarla es increíble y hace que el público pueda identificarse plenamente con ella. Sí, según algunos puede resultar inverosímil que un granjero soñador llegue a vencer a un Imperio… ¡Pero esto es un melodrama y una epopeya, y ése es el modelo del héroe que Lucas retoma de Campbell! Heracles era hijo del Rey de los Dioses, pero fue educado y vivió como campesino hasta los dieciocho años; Rama es despojado de su título por su madrastra ambiciosa, pero para no deshonrar a su padre se exilia a la selva para vivir como un ermitaño, Arturo fue escudero de su hermano adoptivo antes de ser reconocido como Rey de Inglaterra ¡Y el hijo del dios cristiano era carpintero!

    Otro elemento que dotó de grandeza a esta cinta fue la música. Compuesta por a quien me gusta apodar “el Tchaikovsky contemporáneo”, John Williams, el soundtrack de esta película contiene algunos de los leit motivs más reconocibles en la cultura popular actual. Un gran acierto fue que, mientras todo mundo esperaba que la música para la película fuera electrónica, Lucas y Williams acordaron casi desde un inicio  utilizar música sinfónica, de inspiración romántica y con una fuerte influencia wagneriana.

    Una vez que hubo terminado la película, George Lucas no se sintió satisfecho con el resultado y le auguró poco éxito. Cuando la proyectó en petite comité para sus amigos, la mayoría coincidieron con él, e incluso Brian de Palma le dijo que era la peor película que había visto. El único que vio el potencial económico fue Steven Spielberg —a quien me gusta darle el crédito de inventar el blockbuster de verano con Tiburón (1975)—. De hecho, la falta de fe de George Lucas por su película era tal que no quiso asistir a la premiére.

    Creo que ya lo mencioné alguna vez en el blog, pero me encanta la anécdota: para conseguir el financiamiento para su película, George Lucas aceptó recibir un sueldo bastante bajo a cambio de quedarse con las regalías de los juguetes basados en la película. Como en aquel entonces tal industria no era considerada negocio, los ejecutivos de la Twentieth Century Fox accedieron sin pensarlo dos veces. El resto es historia.

      La verdad es que poco podría George Lucas haber anticipado el poder de lo que acababa de crear. Al tratar de emular las epopeyas clásicas de la antigüedad, construyó una epopeya contemporánea que ha formado prácticamente una nueva mitología con millones de seguidores. Una saga inmortal que ha trascendido generaciones, que ha ido desarrollándose por sí misma y, según parece, seguirá desarrollándose en los tiempos por venir.

    Para finalizar este artículo, presento uno de mis ya afamados cuadros comparativos, dividido en tres partes, acerca de las diferentes versiones de Star Wars. En general, tanto el audio como la imagen de la película han sido mejorados con cada nueva versión, se le han hecho correcciones de color, se han realzado los efectos visuales (los lightsaber originales de Luke y Obi-Wan apenas si tienen un color turquesa, en la restauración de 2004 se ven verdosos y en la de 2011 se les agregó un color azul celeste intenso, por citar un ejemplo) y se le han agregado detalles digitales a las pinturas mate originales. Asimismo, en las diferentes mezclas de sonido a lo largo de los años, se han removido, agregado o sustituido efectos de sonido (como el aullido de Ben Kenobi) y un par de parlamentos. En este cuadro incluyo, en orden más o menos cronológico, sólo los cambios más notorios.

PARA LA TRIVIA: Hay un montón de anécdotas curiosas y datos oscuros sobre La guerra de las galaxias, por lo que tuve que escoger sólo mis seis favoritos, mismos que enlisto a continuación:

• Denis Lawson, el actor que interpreta a Wedge Antilles en esta película y en El regreso del Jedi (Marquean, 1983), es tío de Ewan McGregor, quien interpreta a Obi-Wan Kenobi en los episodios I, II y III.
• Las botas que eran parte del vestuario del gran moff Tarkin eran sumamente incómodas pues eran demasiado chicas para el actor Peter Cushing. El británico sólo las usaba para las tomas abiertas, el resto del tiempo calzaba pantuflas de felpa.
• La fortaleza escondida (1958) fue la película que introdujo a George Lucas al cine de Kurosawa. Como tributo, a lo largo de Star Wars se menciona varias veces “la fortaleza escondida de los rebeldes”.
• El esqueleto que aparece medio enterrado en la arena del desierto de Tatooine fue construido originalmente para la película de Disney Se nos perdió un dinosaurio (Stevenson, 1975).
• El idioma en el que habla Greedo (Paul Blake) fue creado al reproducir al revés una grabación de los parlamentos en quechua. El idioma de los jawas está basado principalmente en el zulú.
• Los ya icónicos títulos iniciales de la franquicia de Star Wars son un homenaje a los seriales de Flash Gordon, que empezaban cada episodio justo así.

Sobre el “Corte perdido”: Esta versión nunca ha sido comercializada, pues se trata del primer montaje de la película que, por encargo de Lucas, hiciera el editor John Gympson con el material de que disponía aún antes de terminar la filmación en 1976 (es decir, aún no se habían agregado la música o efectos visuales o de sonido). La única copia de este corte se mantiene resguardada en el archivo de Lucasfilm. Esta versión tiene entre un 30% y 40% de material desechado entre el que destacan las escenas de Luke reparando maquinaria en la granja mientras en el cielo se puede divisar la captura del Tantive IV —aquí cabe señalar que Lucas filmó esta secuencia bajo la presión de los productores, pues su idea siempre fue comenzar la película con la historia de los droides y no presentar a Luke sino hasta ya avanzada la trama— y la de Han Solo coqueteando con una chica llamada Jenny tras el alboroto en la cantina de Mos Eisley en el que Ponda Baba pierde el brazo.

    Además, está la larguísima secuencia de Luke viajando a la Estación Tosche para contarles lo que ha visto a sus amigos y su posterior plática con Biggs Darklighter (Garrick Hagon). Esta secuencia le daba bastante al traste al ritmo de la película, por lo que fue eliminada. Al no haber presentado a Biggs al principio de la peli, no había razón para mantenerlo en ella, por lo que su escena con Luke en el hangar rebelde fue desechada del corte original; pero reinsertada en la Edición Especial.

    La mejor descripción de este corte de la película es la que aparece en el artículo publicado por el arqueólogo cinematográfico, el Dr. Wes Reynolds, en la revista Star Wars Insider^[5] Empero, la mayoría de estas escenas pueden verse sueltas en Youtube.

Bibliografía

HENDERSON, Mary, Star Wars: La magia del mito, Círculo Latino bajo licencia de Bantham Books, Barcelona, 2005.

Otras fuentes

Wookieepedia (starwars.wikia.com)

[1] Básicamente, melodramas de aventuras con elementos de epopeya, romance y caballería ambientados siempre en el futuro distante y el espacio exterior. Aunque es considerada un subgénero del Sci-Fi, la falta de elementos científicos en la Space Opera la vuelven más cercana a la Alta Fantasía que a la Ciencia Ficción Dura.

[2] Baso todas mis referencias y afirmaciones sobre “el guión original” en RINZLER, J.W. y Mike Mayhew, The Star Wars, Dark Horse Books, United States, 2014. La adaptación en cómic del primer borrador de guión escrito por Lucas.

[3] El aspecto final del wookiee —término acuñado en THX 1138— se basó en Indiana, el perro Alaskan Malamute de Lucas. Como resulta evidente, este perro fue también la inspiración para el nombre de Indiana Jones e incluso le es rendido un homenaje al final de Indiana Jones y la última Cruzada (Spielberg, 1988).

[4] GUENNETTE, Robert, The Making of Star Wars, Twentieth Century Fox, 1977.

[5] REYNOLDS, Wes, “The Evolution of Star Wars: Exploring the Lost Cut”, publicado en Star Wars Insider núm. 41, Diciembre 1998-Enero 1999.

6 El plan original era que Jabba fuera una criatura stop-motion agregada en post-producción; pero el ajustado presupuesto obligó a Lucas a usar un actor de carne y hueso para el papel.

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