LIFE: VIDA INTELIGENTE. No está basada en el juego de mesa.

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LIFE: VIDA INTELIGENTE

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Daniel Espinosa, 2017

Siendo tan aficionado a las películas de “terror en el espacio” como lo soy, desde que vi el primer tráiler de esta cinta supe que debía verla. Creo que una de las películas que más han marcado mi forma de ver el cine fue Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979); por lo que casi cualquier película que trate de criaturas extraterrestres hostiles llama mi atención de inmediato. Por alguna extraña razón, esta peli estaba en horarios horribles y doblada al español en prácticamente todas las salas de cine cercanas a mi casa, por lo que estaba a punto de dejarla pasar y esperarme a que saliera en Blu-Ray. Empero, en la semana puse un poco de mi parte y la fui a ver a una función tarde por la noche, y la verdad es que quedé gratamente complacido. Por supuesto que el punto de comparación para esta cinta es la mencionada obra de Scott en la que está basada y créanme que no decepciona en absoluto… quizá porque es casi la misma película…

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    En un futuro casi inmediato, la Estación Espacial Internacional intercepta una sonda de regreso a la Tierra con muestras del suelo marciano. Los científicos a bordo de la EEI realizan diversas pruebas en las muestras recolectadas y realizan un hallazgo asombroso: una pequeña bacteria en estado de animación suspendida a la que logran reanimar. Sin embargo, poco podrían saber que el organismo unicelular crecería rápidamente alimentándose de nutrientes diversos… muchos de ellos obtenidos de presas vivas. La criatura se vuelve cada vez más voraz y más inteligente mientras da cuenta de los tripulantes de la EEI, quienes deberán impedir a toda costa que el organismo marciano llegue a la Tierra.

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    Quizá el mayor acierto de esta película es también su mayor punto en contra: es increíblemente parecida a Alien; sólo que ambientada en un futuro que podría suceder dentro de un par de semanas y con menos pretensiones desde el punto de vista del diseño. La cinta funciona muy bien, es entretenida y lo mantiene a uno en suspenso en todo momento… a pesar de que llega a ser bastante predecible, sobre todo la vuelta de tuerca que pretenden darle al final. El mismo final se siente largo porque uno ya sabe qué es lo que va a pasar y no había necesidad de crear tanto suspenso antes del remate de horror en los últimos segundos.

     Más allá de eso, puedo decir que las actuaciones son bastante decentes. Me pareció que todos los actores están bien ubicados en sus respectivos papeles y son interesantes. De hecho, creo que la película pudo usar más planteamiento de personajes… quizá sólo sea una opinión mía, porque me gustan las películas de personajes; pero sí sentí que me hizo falta conocer más a estas personas. Sin embargo, también puede ser que simplemente lograron despertarme empatía y me quedé con ganas de saber más sobre ellos. Algo que suele olvidarse en las películas de horror, y que en ésta se quedó como a medio camino, es que la muerte de cualquier personaje es mucho más impactante cuando, de hecho, sientes que lo conoces.

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     La fotografía es muy buena. Los diferentes emplazamientos y movimientos de cámara ayudan a transmitir no sólo la sensación de ingravidez que está presente durante prácticamente toda la película; sino un ambiente claustrofóbico en el que nos sentimos atrapados junto con los personajes en pantalla. Del mismo modo, la cinta se va haciendo menos luminosa conforme la historia va avanzando, como tratando de reflejar el estado de ánimo de los personajes de un modo muy expresionista.

     Al igual que aquélla de la película en la que está fuertemente basada, la música compuesta por Jon Ekstrand para esta cinta resulta mucho más romántica de lo que se esperaría. La partitura de Ekstrand combina elementos sinfónicos con repentinas irrupciones electrónicas, como parafraseando la trama en la que el alienígena se encuentra en un medio ambiente que no es el suyo. El resultado es único y es uno de los soundtracks más interesantes que he escuchado en los últimos años. Por momentos me recordó al soundtrack de Event Horizon: la nave de la muerte (Anderson, 1997) y, en otros, al de Alien 3 (Fincher, 1992).

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     Los que sí se ven muy disparejos son los efectos especiales. Mientras que hay escenas en las que uno de verdad piensa “¡Wow! ¿Cómo hicieron para que se viera como que están en Gravedad 0?” hay otros que son francamente ridículos. Hay muchas secuencias en las que se advierte que tanto los actores como los objetos que manipulan tienen peso y se encuentran en condiciones normales de gravedad y presión atmosférica… y, la neta, sí hay escenas en las que casi se pueden ver los cables que sostenían a los actores.

    Algunas secuencias se vuelven completamente inverosímiles, como aquélla en la que Rory Adams (nuestro querido Ryan Reynolds, a quien seguro recuerdan como Deadpool en la película homónima) maneja un lanzallamas dentro del laboratorio de la EEI, lo cual no sólo iría contra prácticamente cualquier protocolo de seguridad existente; sino que el fuego CGI se ve falso, por no mencionar que en Gravedad 0 no se comportaría para nada como se ve en la peli. Del mismo modo, aunque dramática y cinematográficamente la escena en la que Calvin ‒que es como deciden bautizar al marciano‒ tritura la mano de Hugh Derry (Ariyon Bakare) está bien lograda, la realidad es que el miembro fracturado no colgaría, sino que flotaría y se expandiría por la falta de gravedad.

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    Aun así, se agradece el uso de efectos físicos con animatrónicos y que las heridas que se ven en pantalla se lograran a través del uso de prostéticos y maquillaje.

    SPOILER Y ya que mencioné a Calvin… ¿qué onda con eso? Digo, no sé ve mal y entiendo que más o menos se preocuparon por darle un aspecto que fuera creíble; pero siento que algo quedó a deber. Es decir, el diseño está bien, pasando de ser una especie de celenterado a una cosa como sepia mutante para terminar en algo parecido a sushi porn. Pero me hubiera gustado que su forma cambiara todavía más conforme iba creciendo. En fin, supongo que el problema de hacer una peli que se parece tanto a Alien es que las expectativas sobre el diseño de tu criatura son enormes. A final de cuentas, Calvin empieza pareciendo la versión malvada de Flubber (Mayfield, 1997) para terminar viéndose como los vampiros estelares de Fuerza siniestra (Hooper, 1985). TERINA SPOILER

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    El guión está bien, a secas, con un par de chistes referenciales muy nerdos que sí me hicieron reír. En general, uno no puede dejar de pensar que todo el desmadre se habría evitado si los personajes en general fueran menos temerarios o un poquito más obedientes. Y si los científicos ya habían visto que Calvin podía sobrevivir tanto tiempo en el vacío del espacio ¿por qué trataron de matarlo expulsando el oxígeno de la EEI?

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    Por si la inspiración de Alien no quedara clara, hay dos elementos que son referencias clarísimas: el primero, la pantalla de título en la que las letras se dibujan lentamente como lo hicieran en la cinta de Scott y, el segundo, el sonido que se escucha que hace una computadora casi al inicio de la peli, que es justamente el mismo efecto de sonido que hace la primera computadora del puente de mando de la nave Nostromo.

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PARA LA TRIVIA: Existe un fuerte rumor, y de verdad espero que sea sólo eso, que dice que esta película sería en realidad la precuela de la anunciada película de Venom.

Guión 1
Dirección 1
Actuación 1
Fotografía 2
Música 2
TOTAL 7

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GHOST IN THE SHELL. Lo que todos queríamos ver: «El fantasma en la concha» de Scarlett Johansson

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LA VIGILANTE DEL FUTURO

Ghost In the Shell

Rupert Sanders, 2017

El largometraje original de Ghost In the Shell (Kôkaku Kidôtai, Mamoru Oshii), basado en el manga de Shirou Masamune, y estrenado en 1995 es uno de los pilares del anime. En él, así como en el mundo que plantea, técnicas de animación tradicional se conjugaron con animación por computadora para crear un thriller de ciencia ficción con aspiraciones filosóficas, sumamente denso y sumamente lírico, en el que se debaten temas como el ser, la existencia, la esencia, el alma y la personalidad. Yo no vi la peli cuando salió, sino hasta un par de años después cuando les dio por pasarla en HBO y recuerdo que desde entonces me encantó.

    Gracias a la crisis de ideas que viene arrastrando Hollywood desde la década pasada y al retro de los 90 que es la última tendencia de la moda, ahora se nos presenta una versión Live-Action de esta historia.

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    En un futuro maravilloso en el que las calles no están atestadas de gente, no hay tráfico y se puede fumar en espacios cerrados, los seres humanos tienen la posibilidad de mejorar sus cuerpos a través de implantes biónicos. La mayor Mira Killian (Scarlett “Tengovozdequefumounputamadral” Johansson) es el primer cyborg de su tipo: un cerebro humano, rescatado de la víctima de un ataque terrorista, en un cuerpo artificial programado para eliminar a los criminales más peligrosos. Cuando Killian persigue al terrorista Kuze (Michael Pitt), un asesino que puede hackear las mentes de las personas y manipularlas, descubrirá la terrible verdad detrás de su creación y que los verdaderos criminales podrían estar más cerca de lo que creyó.

    Por supuesto, resulta casi insultante el hacer una película como ésta esperando que no se le compare con la original, así que me adelantaré a lo obvio: esta versión sí es muy inferior al anime. El thriller filosófico de ciencia ficción se convierte en un filme de acción e intrigas corporativas, como los que tanto les gustan a los gringos.

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    Básicamente, lo que hicieron fue copiar el argumento del anime durante la primera mitad de la peli, para en la segunda hacer una mezcla de Blade Runner (Scott, 1982) con El vengador del futuro (Verhoeven, 1990), aderezada con una pizca de RoboCop: el defensor del futuro (Verhoeven, 1987); pero tratando, sin mucho éxito, de incorporar un discurso “filosófico” “profundo”. El resultado es una película demasiado lenta para ser de acción ‒a la función a la que yo fui hubo gente que se durmió‒; pero demasiado superficial para ser Ciencia Ficción dura.

    SPOILER ¿Y se acuerdan de ese final oscuro y ambiguo que tenía el anime? ‒De hecho, recuerdo que un compañero mío de la prepa decía que Ghost In the Shell le daba pesadillas‒. Bueno, pues pueden olvidarse de él, porque en esta peli lo cambiaron por la versión edulcorada, un final feliz tan acartonado y cursi que no pude evitar soltar una carcajada en la sala. Del mismo modo, mientras que The Puppet Master, el terrorista del anime, resultaba ominoso y francamente perturbador, los villanos de esta versión son tan chafas y acartonados que casi parecen salidos de algún episodio de Rocky y Bullwinkle (1959-1964). TERMINA SPOILER

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    Empero, la verdad es que si uno no ha visto el anime, la película no es tan mala ‒y la palabra clave es “tan”‒. En realidad, tiene sendos aciertos que me gustaría comentar a continuación.

    Creo que lo que más me gustó de la cinta fue su fotografía. Es verdaderamente espectacular. Creo que la película tiene una propuesta estética bien definida, que conjuga escenarios al más puro estilo cyberpunk ‒con una marcadísima influencia de Blade Runner‒ con una iluminación en claroscuros casi barrocos. Las escenas de muertes están bien logradas ‒aun cuando la Dra. Ouelet (Juliette Binoche) no sangre‒ y en general son bellas. Sí, me atreveré a decir que esta película es eso: bella. Quizá carece del lirismo onírico que el ritmo y el diálogo le daban a la original; pero, en un ejemplo de libro texto de forma sobre fondo, creo que es una delicia visual. Se agradece que Sanders sea afecto a filmar lo más posible en sets físicos en vez de usar CGI. Incluso las geishas mecánicas, que no pude evitar que me recordaran a la divertida RoboGeisha (Iguchi, 2009), fueron interpretadas por actores de carne y hueso con máscaras animatrónicas. La secuencia en la que Killian pelea con macanas eléctricas en el sótano del club Yakuza es muy interesante.

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    El soundtrack me agradó mucho. También tiene una fuerte influencia del que creara Vangelis para la mencionada Blade Runner; pero está en una onda más cercana al Retro New Wave. Tiene muchos sonidos interesantes y, aunque no tiene un leit motiv pegajoso o un ritmo mesmérico como el que compusiera Kenji Kawai para anime original, es vibrante y poderoso, y logra crear una atmósfera muy acorde con lo que se está viendo en pantalla.

    Y sí, lo que más le duele a la película es el guión. Está lleno de paja y de elementos que no terminan de integrarse correctamente ‒hay un par de parlamentos que incluso me parece que se los piratearon de Batman inicia (Nolan, 2005)‒. Aunque está principalmente basado en la película de 1995, también incorpora elementos de otras fuentes, como el villano Hideo Kuze y su idea de la evolución humana, que vienen de la serie de anime Ghost In the Shell: Stand Alone Complex (2002-2005). Del mismo modo, las geishas robot fueron tomadas de la secuela del anime original, Innocence: Ghost In the Shell 2 (Oshii, 2004)‒que personalmente me pareció soporífera‒. Asimismo, hay una historia explicando el origen de los ojos biónicos de Batou (Pilou Asbæk), que es completamente innecesaria.

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    Me recordó muchísimo a la película de Æon Flux (Kusama, 2005), que también es estilizada y bonita; pero en la que el quid del discurso se perdió completamente.

    Las actuaciones son cumplidoras, pero no mucho más. Johansson logra brindar sutilezas y matices a su personaje; aunque se sienten más acotados que una verdadera propuesta de actuación. Quien sobresale a mi gusto es Asbæk en el papel de Batou, que tiene casi el mismo carisma de su contraparte animada. Asimismo, es un encanto ver a Takeshi Kitano como Aramaki, jefe de la Sección 9 del Departamento de Defensa, en su regreso a la pantalla grande americana.

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    Como sea, Hollywood es una diosa severa y caprichosa, y sus reglas son muy claras y bastante inflexibles: toda aquella película que no recupere su presupuesto en la taquilla de su fin de semana de estreno, como es éste el caso, es considerada un fracaso. Según parece, hace falta mucho más esfuerzo para levantar la maldición de Dragon Ball: Evolución (Wong, 2009)‒bueno, es que es una maldición enorme‒… ¿Qué tal si, para variar, hicieran buenas películas?

    Así pues, la versión Live-Action de Ghost In the Shell creo que tuvo más mala suerte que otra cosa. Por sí misma, la película no es particularmente mala; digo, no pasa de ser una peli de acción con elementos de Ciencia Ficción muy vistosa y con poca sustancia como las hay a peso la docena ‒de inmediato vienen a mi mente El quinto elemento (Besson, 1997),  El juez (Cannon, 1995) o Ultravioleta (Wimmer, 2006)‒. El problema es que, al ser una nueva versión de una de las que considero las 10 mejores películas de Ciencia Ficción de todos los tiempos, las expectativas eran imposibles de cumplir.

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    Del mismo modo, la ola de acusaciones de “White Washing”[1] en contra de la película disminuyó anticipadamente su popularidad. Incluso se rumoró que, tras las acusaciones iniciales, DreamWorks había contactado a la compañía digital Lola VFX para que hicieran que los actores parecieran orientales… como si El pecado de Oyuki (1988) no nos hubiera enseñado nada. Personalmente, siempre me ha parecido que acusaciones de este tipo específico son exageradas, pues en el anime los personajes rara vez lucen asiáticos… digo, la Motoko original tiene ojos azules y facciones caucásicas.

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    La triste ironía detrás de todo el asunto es que cuando los nipones hacen versiones anime de películas occidentales, como fue el caso de Metrópolis (Rintaro, 2001), basada en la obra homónima del legendario Fritz Lang (1927), o Alita Battle Angel, que más o menos retoma la trama de la cinta soviética Aelita (Protazanov, 1924), les quedan bien chingonas.

    Mmhhh… Scarlett Johansson es más bajita de lo que parece…

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PARA LA TRIVIA: Oshii ha declarado que Scarlett Johansson fue la mejor elección para interpretar a la Mayor. Margott Robbie fue considerada originalmente para el rol.

 

Guión

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Dirección 1
Actuación 1
Fotografía 2
Música 2
TOTAL

6

 

[1] En español “blanqueo”. Es el término peyorativo que se usa para señalar cuando actores caucásicos interpretan papeles que originalmente pertenecen a otras razas. Curiosamente, no supe de campañas para quejarse porque en las películas del UCM Nick Fury es negro.

 

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LA CONDESA DRÁCULA. La historia irreal de Erzsébet Báthory…¡En Eastmancolor!

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LA CONDESA DRÁCULA

Countess Dracula

 

Peter Sasdy, 1971

A lo largo de la Historia han existido incontables personajes cuyas vidas y obra se han convertido en leyenda, se han mezclado con la superstición y se han diluido entre el color local. Erzsébet Báthory de Ecsed (1560-1614), la Condesa Sangrienta, es uno de tales personajes. De ascendencia transilvana, Báthory fue una mujer cuya educación y preparación sobrepasaban los estándares de la época, incluso para los hombres, que gobernó con mano dura varios condados de Hungría y Transilvania a lo largo de sus dos matrimonios entre los siglos XVI y XVII. Sumida en medio de intrigas políticas y guerras feudales, la Condesa fue acusada de brujería, de practicar la Magia Roja (o hematomancia, que es aquélla en la que se usan sangre u otros tejidos vivos para la adivinación) y fue señalada como culpable por la muerte de más de 600 mujeres, a las que presuntamente torturó y asesinó para bañarse en su sangre y mantenerse joven eternamente. La Condesa fue condenada a morir emparedada en la torre de su castillo.

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    Aunque la opinión actual se inclina por creer que muchas de las acusaciones contra Báthory fueron exageraciones o invenciones perpetradas por sus enemigos políticos, la película se escribe sola, ¿no creen?

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    En esta cinta producida por Hammer Film, la Casa Británica de los Monstruos, se cuenta la historia de la condesa Elizabeth Nádasdy[1] (Ingrid Pitt y su portentosa rinoplastia reemplazando a Diana Rigg, quien rechazó el papel) quien, en su vejez, descubre que la sangre de vírgenes puede devolverle la juventud a su cuerpo decrépito. La Condesa entonces urde un plan para hacerse pasar por su hija Ilona (la guapa Lesley Anne-Dawn) y seducir al joven teniente Imre Toth (el húngaro Sandor Elés). Para llevar a cabo sus diabólicas artimañas, Elizabeth contará con la ayuda de su nana, Julie (Patience Coller, excelente) y su amante, el capitán Dobi (el actor de carácter Nigel Green).

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    Lo primero que llama la atención cuando la película empieza es la producción. Los sets, aunque muchos de ellos fueron reciclados de la producción histórica Ana de los mil días (Jarrott, 1969), son impresionantes. Incluso, alguno de los diseñadores de arte se tomó la molestia de hacer la tarea y, en varios acabados de los interiores del castillo de la Condesa, puede verse el escudo de la Familia Bathory: tres colmillos de jabalí custodiados por un dragón uróboro.

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    Los vestuarios también están muy bien realizados y, hasta eso, son históricamente precisos hasta donde el glamour lo permitió. Muchos, de hecho, parecen haber sido adaptados de prendas del siglo XIX; pero los que utiliza la Condesa en pantalla se ven muy padres… excepto aquéllos a los que se les nota que están fabricados en polyester. Y, hablando de sacrificar la exactitud histórica en aras del glamour, ¿qué onda con la super sexy bata azul translúcida que utiliza Elizabeth para tomar sus baños de sangre? No me quejo, se ve genial, pero sí bota por completo en medio del resto de los vestuarios.

    Por cierto, que en toda la película sólo hay una escena de baño de sangre… digo, es una escena topless de la Pitt y está bien lograda; pero la verdad es que yo esperaba más. En general, creo que esperaba mucha más explotación por parte de esta cinta. Quiero decir, es una peli sobre una femme fatale que tortura doncellas para desangrarlas… ¡El potencial es inmenso! Y, sin embargo, la película se queda corta… hasta los besos se ven chafones.

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    Del mismo modo, en todo el show hay mucha menos sangre de lo que uno esperaría, y la mayoría de la que aparece en pantalla se ve medio chafona. Ya ven que como que la fórmula de la sangre artificial se perfeccionó hasta finales de los 70, antes parecía pintura Vinci.

    Creo que precisamente el principal fallo de esta cinta es que no se decide por qué camino tomar. Mientras la publicidad, los créditos iniciales y hasta el primer acto de la cinta nos prometen una sórdida historia de horror, la cinta avanza como una especie de thriller romántico tirándole a cursi, para terminar siendo un oscuro cuento de hadas enmarcado en un periodo histórico real… mucho menos gráfico y mucho menos erótico de lo que uno pudiera haber esperado. Un poco como si Hugh Hefner reescribiera la Trilogía de Sissi (Marischka, 1955-1957).

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    Las actuaciones están bien, aunque se sienten un tanto disparejas. Quien se lleva de calle la película es Green en su papel del general Dobi, el amante celoso y cómplice leal de Báthory. Maurice Denham está genial en su papel de Fabio, el sabio de la corte, y el resto son competentes. Pitt está decente durante la mayor parte de la película, y el resto de los actores se cae y se levanta.

    La fotografía no es particularmente realista. Nunca deja de notarse que la película fue filmada en estudio y Kenneth Talbot, director de fotografía, por alguna razón decidió que era buena idea utilizar un filtro Starburst como para darle un aire de irrealidad a todo el asunto.

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    El maquillaje no es tan bueno, al menos no tan bueno como una película con la premisa de alguien que rejuvenece requeriría, y la Elizabeth envejecida se ve bastante falsa… Quizá hubiera funcionado mejor si no hubiesen decidido matarle toda la textura a los prostéticos empolvándolos como si fueran cortesanos de Luis XVI… o si le hubieran maquillado las manos a la Pitt y… ¿es mi imaginación o hay escenas en las que el bigote de Elés es notablemente postizo?

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     A final de cuentas, La condesa Drácula es una película entretenida y que sirve para pasar el rato; pero no mucho más. El guión es mediano y el ritmo un tanto menos acelerado de lo que me hubiera gustado; pero no es malo. Con esta cinta se nota el inicio de la etapa de decadencia de la Hammer y es decepcionante que se haya mostrado tan tímida; la verdad es que uno se la pasa pensando lo genial que pudo haber sido si se hubiesen arriesgado un poco más. Ni drama histórico, porque su afán recreacionista es prácticamente nulo; ni soft porn porque resulta demasiado recatada en momentos clave; ni Dark Fantasy porque el elemento sobrenatural está apenas dibujado, ésta dista mucho de ser la cinta definitiva sobre la leyenda de Erzsébet Báthory, pero para ser el segundo intento no está mal .

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PARA LA TRIVIA: La voz de Ingrd Pitt fue doblada en post-producción, lo que le ocasionó gran enojo y que le retirase la palabra a Peter Sasdy.

Guión 1
Dirección 1
Actuación 1
Fotografía 1
Música 1
TOTAL 5

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[1] En la película la nombran con el apellido de su primer esposo, Ferenc Nádasdy, aunque en la vida real fue el joven Nádasdy quien tomó el apellido de su esposa por pertenecer a una familia más ilustre que la suya.

KONG: LA ISLA CALAVERA. Le faltaron más pantalones acampanados…

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KONG: LA ISLA CALAVERA

Kong: Skull Island

Jordan Vogt-Rogers, 2017

Conocí a King Kong gracias a la ahora infame King Kong 2 (Guillermin, 1986), que vi alguna vez en la televisión cuando estaba en preescolar. No recuerdo mucho de esa peli y no la he vuelto a ver desde entonces; pero sí recuerdo que me gustó mucho ‒quizá si la vuelvo a ver ahora no me guste tanto‒. La primera vez que vi King Kong (Cooper y Shoedsack,1933), la original, tenía casi siete años. La estaban pasando un domingo por la tarde en Turner Classic Movies en una versión coloreada y quedé maravillado, aunque un poco frustrado porque no la vi desde el principio. Un par de años más tarde, la encontré en mi videoclub de confianza y la renté… ¡Qué decepción! ¿Dónde estaban el edificio Empire State y los aviones? ¿Por qué King Kong era llevado a Coney Island y no a Broadway ‒obvio, a esa edad no sabía qué era uno o el otro; pero igual noté la diferencia‒? Pero sobre todo… ¿Dónde estaban los dinosaurios?

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    Ésa fue la dura forma en la que aprendí qué era un remake y que había dos versiones diferentes de King Kong, y la primera no volví a verla sino hasta que estaba en la secundaria. Después de la desilusión inicial, varias veces volví a ver el remake de 1976 y he llegado a tomarle cierto gusto; la estética es interesante, Jessica Lange se ve espectacular y el discurso sobre la ambición corporativista va muy de acuerdo con los miedos de la época ‒pienso en otras películas que también la retratan, como Gladiador del futuro (Jewison, 1975) o Carrera mortal en el año 2000 (Bartel, 1975)‒. Según parece, no fui el único en encontrarle encanto a la mencionada película; porque esta nueva aventura de King Kong está inspirada principalmente en el remake de 1976.

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    Ambientada en 1973, la película cuenta la historia de Bill Rada (el legendario John Goodman), quien organiza una expedición con apoyo gubernamental y militar para cartografiar una isla desconocida en el Océano Pacífico. Al llegar a la isla, la expedición es emboscada por un gigantesco gorila que derriba los helicópteros en los que viajan los exploradores. Tras separarse, los exploradores se ven forzados a cruzar la jungla para alcanzar el punto de extracción. Sin embargo, durante el trayecto descubrirán que Kong no es el mayor peligro que acecha en la ignota isla y que no todas las amenazas vienen de la selva.

    Por principio de cuentas, debo decir que en general esta película está bien hecha; pero al final deja la impresión de que los enormes esfuerzos que se hicieron para realizarla estuvieron encaminados en la dirección equivocada. Me explicaré a continuación.

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    Algo que me llamó mucho la atención fueron las actuaciones. Es raro encontrar una película de aventuras en la que prácticamente todos los actores se desempeñen bien ‒o, por lo menos, de modo competente‒… la última que puedo recordar fue, de hecho, la versión de Peter Jackson de King Kong (2005). Tom Hiddleston está bastante bien en su papel del cínico e intrépido aventurero James Conrad ‒además, está padre verlo como héroe, para variar‒, la guapa Brie Larson es más que competente como la fotoperiodista Mason Weaver, John Goodman excelente como siempre, John C. Riley logra hacer un trabajo decente con un personaje completamente cliché y, bueno, Samuel L. Jackson hace bien su papel del negro enojado que ha hecho toda la vida.

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    Ojalá los personajes estuvieran bien escritos, porque la verdad siento que los actores les quedaron grandes. En general, todos los personajes son tipos conocidos, reconocidos y probados hasta el cansancio, y sus motivaciones son inverosímiles hasta llegar al punto del ridículo. Por no mencionar que su determinación para alcanzar sus objetivos es tan blanda que cambian de opinión casi en cada escena.

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    Todo el guión es malo. Situaciones inverosímiles, diálogos hilarantes y la sensación general de que a todo el show le faltó “carnita”. Claro, nadie fue a ver esta peli esperando que fuera más profunda que el fondo de la palangana ‒o al menos eso espero‒; pero después de la densa versión de Peter Jackson y de la dimensión a la que los mismos realizadores de Kong llevaron a Godzilla (Edwards, 2014), como que sí queda a deber. Al menos la película tiene el gran acierto de no tomarse demasiado en serio y, si casi lista en mano nos receta prácticamente todos los clichés de películas de comandos sumados a todos los clichés de películas de Vietnam, tiene la decencia de burlarse de ello.

    El diseño de Kong está muy inspirado en el de los 70, aunque mide casi el doble, viéndose ridículamente grande… para lo cual hay una explicación. De cualquier modo, cuando los monstruos son tan grandes y van por ahí devorando humanos, me resultan poco interesantes… digo, no es interesante ver a alguien aplastando cucarachas, ¿o sí?

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    La cabeza sí está más basada en el Kong del 33 y los efectos especiales usados para crearlo son muy eficientes. Digo, quienes llevan un rato leyéndome sabrán de mi pregonada aversión por el CGI; pero me parece que en esta película funciona bien y Kong se ve más que decente, lo mismo que las otras criaturas que aparecen. Lo que sí me saca de onda es el diseño del gorila… porque al estar basado en el de los 70 me deja con el reconcomio de que usaron millones de dólares y toda la tecnología disponible en la actualidad para lograr que su personaje CGI se viera como un actor disfrazado. Y si quedara alguna duda de que éste Kong es un tributo a aquél al que se enfrentaron Jessica Lange y Jeff Bridges, hay una secuencia nocturna en la que atraviesa un muro de fuego en una toma de cierto ángulo que me recordó inmediatamente a la atracción con el King Kong animatrónico que tenían antes en el parque temático de Universal Studios.

    Por cierto, en esta película tampoco hay dinosaurios y eso me entristece un poco.

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     La fotografía me gustó y me pareció que supieron utilizar bien los colores para darle a la Isla de la Calavera un ambiente salvaje y prehistórico, casi de otro mundo. Muchos de los escenarios son sets, otros son escenarios virtuales; pero realmente me agradaron las secuencias filmadas en locación. Por cierto, ¿acaso reconocí esa llanura hawaiana en la que también filmaron la escena de los Gallimimus en Parque Jurásico (Spielberg, 1993) y la escena de las pisadas gigantes de Godzilla (Emmerich, 1998)?

    La música también está decente… aunque la peli sigue esa tendencia de los últimos años de saturar el sondtrack con canciones exitosas de antaño por si todo lo demás falla. Digo, supongo que está bien si son sólo un par; pero ya se está cayendo en el exceso.

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    Recuerdo un episodio de Kitchen Nightmares con Gordon Ramsey en el que visitaba un restaurante donde la especialidad eran los camarones al chocolate… y estaba a punto de quebrar. La idea suena bien, ¿no? Son dos cosas deliciosas, así que ¿por qué no juntarlas? Quizá porque por separado saben bien, pero mezcladas son horribles. A lo que quiero llegar es a que esa fue la sensación que me dejó esta película. Me parece que el todo es menos que la suma de las partes. La actuación, los efectos especiales y todos los elementos de esta cinta, exceptuando el guión, funcionan bien por separado; pero al momento de unirlos, por alguna razón fracasan, entregando un resultado mediocre tirándole a pobre.

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SPOILER: En la escena post-créditos de la película se anuncia el futuro enfrentamiento entre King Kong y Godzilla.

Guión 0
Dirección 1
Actuación 1
Fotografía 2
Música 1
Punto extra por efectos especiales 1
TOTAL 6

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Primera entrada de blog

¡Bienvenidos!

A este nuevo blog del Cinéfilo Incurable. En él continuaré publicando mis críticas, reseñas, semblanzas y retrospectivas de las películas que voy viendo cotidianamente.

    Espero que este espacio les resulte agradable y que se convierta en un foro para el intercambio de ideas sobre un tema que nos apasiona: las películas… ¿ Y por qué no? Seré ambicioso y esperaré que éste se convierta en uno de sus sitios favoritos.

    No olviden dejar sus comentarios, sugerencias y propuestas en la sección de CONTACTO. Para acceder al blog anterior, sigan este ENLACE.

Muchas gracias por leerme, siéntanse como en casa.

Héctor Reyes «El Cinéfilo Incurable»
21 de marzo de 2017