SÉ LO QUE HICIERON EL VERANO PASADO

I Know What You Did Last Summer

 

Jim Gillespie, 1997

 

No es un secreto para nadie que, gracias a la reinvención que Scream: Grita antes de morir (Craven, 1996) hizo del género, el cine slasher vivió una nueva Edad de Oro (bueno, más o menos) durante la segunda mitad de la década de 1990. Películas de diversas calidades y de las más variopintas características quisieron salpicarse con el éxito de la saga de Wes Craven, tanto así que de plano la película arquetípica del slasher, Halloween (Carpenter, 1978), regresó con una nueva entrada 20 años después del estreno de la original.

    Kevin Williamson escribió el guión de Sé lo que hicieron el verano pasado antes de escribir Scream; pero nadie se lo quiso comprar. Después del enorme éxito de la cinta de Craven, Paramount inmediatamente compró el guión de Williamson, que era una adaptación muy libre ‒y hágase énfasis en el “muy”‒ de la novela homónima de la escritora Lois Duncan.

    La película narra la historia de 4 adolescentes, Julie James (Jeniffer Love Hewitt en el papel que la convirtió en icono juvenil y quien, de hecho, audicionó para el rol de Helen, que había sido rechazado por Melissa Joan Hart), Ray (Freddie Prinze Jr), Helen Shiver (Sarah Michelle Gellar en el papel que la lanzó a la fama y que, de hecho, audicionó para el rol de Julie) y Barry Cox (Ryan Phillippe cuando era famoso) quienes, al salir de la prepa, después de una noche de fiesta, atropellan por accidente a un desconocido en la carretera y deciden guardar el secreto, arrojando su cuerpo al mar. Un año después, cuando regresa de la Universidad a casa de su madre durante las vacaciones, Julie recibe una misteriosa nota que dice: “Sé lo que hicieron el verano pasado”. Los chicos, que han pasado de ser los mejores amigos a prácticamente desconocidos, se reúnen para tratar de averiguar quién envió la nota. Pero el tiempo se les acaba, pues conforme se acerca el aniversario del accidente un misterioso asesino los acecha y los hostiga para dar cuenta de ellos uno por uno.

    Aunque la misma Lois Duncan admite que se alegra de que su novela haya sido convertida en una película de éxito y que gracias a esto sus demás libros recibieran nueva atención, nunca ha tenido empacho en admitir también que odia esta película. En realidad, la cinta sólo retoma los personajes de la novela y el detonante de la acción, así como algunos pasajes interesantes del texto de Duncan; pero manda todo lo demás a volar. La novela es una fábula de suspenso sobre el miedo a las responsabilidades del mundo adulto, es mucho menos rebuscado y derivativo que la película y, aunque tiene menos acción, los personajes están mucho más desarrollados. En gran medida, la autora odió que la película fuera un slasher porque su propia hija de 18 años, Kaitlyn, fue perseguida y asesinada a tiros por un atacante desconocido en 1989. Los hechos y sus conjeturas sobre el caso, que aún sigue sin resolverse, los narra en su libro Who Killed My Dughter?

    Por cierto, en la novela ninguno de los cuatro personajes muere. Y no atropellan a un pescador; sino a un niño que volvía a casa en su bicicleta después de pelear con un amigo en casa del cual iba a pasar la noche.

    De hecho, la película misma no iba a ser tan violenta en la concepción original de Williamson. La idea del guionista era que el asesino primero asustara a los chicos, como cuando mete el cadáver con cangrejos en el auto de Julie, le corta el cabello a Helen o deja la fotografía en el locker de Barry. Sin embargo, los ejecutivos del estudio pensaron que la peli resultaba un poco floja de ese modo, así que quisieron matar a un personaje secundario temprano en la película y fue así que la escena de la muerte de Max (Johnny Galecki antes de The Big Bang Theory [2007-]) fue filmada después y añadida durante la edición. Aunque la secuencia resulta injustificada, sí hay una lógica detrás de ella, la explican en imdb.com, pero la verdad me pareció tan rebuscada e inverosímil que no le entendí.

    Eso explica perfectamente por qué el asesino del impermeable parece matar primero a toda la gente alrededor de las personas de las que en realidad quería vengarse. Según parece, esas escenas fueron creadas después para que el conteo de cadáveres de la peli se elevara un poco.

    Las actuaciones son tan malas como podría esperarse de una película slasher promedio; pero no son malas malas todo el tiempo. De hecho, creo que Gellar y Love Hewitt están bastante bien e incluso llegan a tener momentos verdaderamente brillantes, sobre todo la última. Y no se pierdan a una incipiente Anne Heche en el papel de la perturbada Missy.

 

    Es interesante cómo sus personajes fueron adaptados del libro a la pantalla; pues Julie se convirtió de una porrista cándida que había perdido la ilusión de vivir y se había refugiado en los estudios en una intelectualoide rencorosa. Del mismo modo, Helen en la novela es una chica increíblemente guapa que trabaja como becaria en una estación de TV local y ha descubierto que el único recurso con el que cuenta para salir de la mediocridad de su familia de clase media baja es su belleza, por lo que la explota al máximo, siendo constante objeto de la mala leche de su hermana mayor, gorda y fea, Elsa. En la peli, Helen sólo es una rubia boba más y Elsa… es interpretada por Bridgette Wilson, que fue Miss Teen America.

    También creo que hay buena química entre los actores. Uno sí se la cree que son cuates de la prepa… si deja de lado el hecho de que a todos se les ven sus veintitantos bien entrados ya.

    Aun cuando la película tiene sendas fallas, huecos argumentales profundos como la Fosa de las Marianas y vueltas de tuerca rebuscadas e inverosímiles ‒aunque debo admitir que la identidad del asesino no es tan predecible, mientras que en la novela casi de inmediato uno se da cuenta de quién es‒, sigue siendo un buen ejemplo de las películas de horror de la época y es muy disfrutable. Quizá sea un poco light comparada incluso con cinta coetáneas; lo que me lleva a considerarla como la “hermanita menor” de Scream.

    No creo que esta película vaya a ganar ningún premio… ¡Ah, no! Esperen… En su época sí ganó varios premios, incluidos varios Blockbuster Entertainment Awards y el Premio a la Película Más Taquillera de la ASCAP (Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores, por sus siglas en inglés), además de que fue nominada para un premio a Mejor Película del International Horror Guild y a un MTV Movie Award para Sarah Michelle Gellar como Actriz Revelación.

    Bueno, entonces corrijo. Esta película sí ganó varios premios; pero no es una película particularmente buena y la verdad creo que es muy mañosa en el modo en que maneja las pistas sobre la identidad del asesino, así que cuando ésta es revelada por fin, uno no puede sino sentirse un tanto timado.

    Pero no puedo mentir: ¡Me encanta! Es una de las películas que recuerdo con mucho cariño de mi adolescencia y uno de los iconos de la cultura pop juvenil de la década de 1990. Además, era casi obligado burlarte de tus compañeros de escuela que se habían ido a exámenes extraordinarios o cursos de regularización diciéndoles: “Sé lo que hicieron el verano pasado”.

    Por cierto, el asesino enfundado en un impermeable pardo de pescador nunca aparece en la novela.

PARA LA TRIVIA: Sarah Michelle Gellar y Freddie Prinze Jr. se conocieron durante la filmación de esta película, se enamoraron y se casaron en 2002. Raja Gosnell, el director de la primera película de Scooby Doo ‒ahora que lo pienso, Sé lo que hicieron el verano pasado es como una especie de episodio de Scooby Doo para adolescentes‒ quería que una pareja de verdad interpretara a Freddy y Daphne, y su primera opción fueron Gellar y Prinze. La pareja continúa casada en la actualidad.

 

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Continuamos con el conteo de las 13 películas de terror que sí dan miedo. Como se manejó en la primera parte de la lista, aquí estamos hablando de cintas que se basan más en la sugestión y la imaginación del público para provocar miedo que en la representación de violencia gráfica. Ya haremos otra lista sobre ésas.

    También cabe aclarar de nueva cuenta que esta lista se basa únicamente en mi apreciación personal. Espero que les guste. He aquí los primeros lugares.

 

6.- EL RESPLANDOR

The Shining, Stanley Kubrick, 1980.

El escritor bloqueado Jack Torrance (Jack Nicholson) acepta un trabajo como cuidador del lujoso Hotel Overlook en las Montañas Rocallosas, el cual queda aislado por la nieve durante el invierno, para concentrarse en su nueva novela. La familia Torrance se muda al hotel y comienza a ser asaltada por aterradoras visiones de víctimas de un sangriento crimen. Conforme el invierno avanza, Jack descenderá rápidamente hacia la locura homicida.

    Se sabe que Stanley Kubrick tenía la manía de corregirle la plana a los autores de las novelas de las que adaptaba sus películas. Se sabe que Stephen King no quedó satisfecho con la adaptación fílmica de El resplandor. No he leído la novela de King y no puedo decir qué cambios hizo Kubrick ‒pero sí fui a la exposición que estuvo en la Cineteca Nacional y vi el borrador de guión escrito por King con montones de anotaciones hechas por el director‒; sólo puedo decir que lo que sea que haya hecho, lo hizo muy bien.

    La película presenta eventos sobrenaturales de una manera tan convincente y verosímil que aun después de verla tantas veces, no deja de erizárseme el vello de la nuca cada vez que la pongo de nuevo. La excelente fotografía y ambientación realzan los sentimientos de aislamiento y soledad, y crean una peli que está a punto de convertirse en una pesadilla. Además, viéndolo desde el punto de vista de Danny (Danny Lloyd), nunca ha dejado de parecerme aterrador hasta el nivel más primitivo el hecho de que tu papá te persiga blandiendo un hacha.

 

 

5.- EL HOMBRE DE MIMBRE

The Wicker Man, Robin Hardy, 1973.

El sargento Howie (Edward Woodward) acude a una remota isla escocesa para investigar la desaparición de una niña. La isla, gobernada por el carismático Lord Summerisle (Christopher Lee en una de sus mejores interpretaciones), mantiene muchas tradiciones paganas que al oficial le parecen aberrantes. Conforme la investigación avanza, Howie descubrirá que los isleños ocultan más de lo que parece y que una de sus tradiciones fundamentales parece ser los sacrificios humanos.

    Creo que esta película casi podría ser considerada un género en sí misma. Uno que me gustaría llamar Thriller Folk Terror… o algo así. Quizá la cinta no da tanto miedo por sí misma, aunque el final siempre me ha parecido poderoso y sobrecogedor. Lo que creo que es verdaderamente terrorífico de esta peli es el efecto que causa en el público. Al final, cuando uno se sienta a analizarlo, se da cuenta de que la peli logró sacar partes oscuras de nuestra personalidad que quizá preferiríamos no conocer.

    En 2006 EE.UU. produjo un insufrible remake con el insufrible Nicholas Cage, que contiene la que ha sido calificada como una de las escenas peor actuadas en la historia del cine ‒seeeee… “Not the bees!”‒

 

 

4.- ESTÁN ENTRE NOSOTROS

Shutter, Banjong Pisanthanakun y Pakpoom Wongpoom, 2004.

Un joven fotógrafo y su novia descubren misteriosas apariciones en sus fotografías luego de un trágico accidente. Conforme van investigando el origen de éstas, secretos de su pasado regresarán para atormentarlos y les demostrarán que quizá no se conocían tan bien como creían.

    Esta escalofriante producción asiática es una de las películas que recuerdo que más miedo me han dado. Los primeros dos actos ya de por sí son un relato de terror y misterio que heredan muchos recursos del cine detectivesco; pero el final es un verdadero trancazo.

    Recuerdo perfectamente estar sentado en mi cuarto en la madrugada viendo esta peli por primera vez y el escalofrío que sentí cuando el misterio se resolvía al final. Por cierto, que para poner al público en el mood correcto, las fotografías de fantasmas que aparecen en el intro de la película son todas auténticas.

 

3.- CIUDADELA

Citadel, Ciarán Foy, 2012.

Tommy (Aneurin Barnard) vive en un departamento en una zona marginada a las orillas de Glasgow con su esposa embarazada. Cierto día son atacados por una pandilla de niños que lo dejan gravemente herido y matan a su esposa. Tommy se ve obligado a criar a su hija solo y, como secuela de la traumática experiencia, desarrolla un agudo caso de agorafobia. Un año más tarde, mientras el padre intenta sobreponerse a sus miedos, descubrirá la verdad sobre la pandilla que lo atacó y, con la ayuda de un sacerdote renegado, descubrirá que su temor quizá está más justificado de lo que él creía.

    La película se basa en la experiencia real vivida por su director quien, debajo de un relato de terror, logra insertar un discurso social muy interesante. La narración va construyendo cuidadosamente una atmósfera claustrofóbica y asfixiante, y logra crear algunas de las escenas más aterradoras que he visto en una película. La escena del autobús me sigue dando pesadillas.

Lee la reseña completa de esta película aquí.

 

 

2.- LA BRUJA

The VVitch: A New England Folk-tale, Robert Eggers, 2015.

Una familia de colonos neoingleses es expulsada de la aldea en la que viven y se ven obligados a convertirse en parias habitando el borde del bosque. Cuando el bebé de la familia desaparece, presuntamente raptado por una bruja, los demás miembros del clan van cayendo uno a uno presas de la influencia maligna que se esconde en la floresta y que está infectando poco a poco su granja.

    El ritmo de esta película es lento; pero me parece que es el necesario para contar la historia que los autores quisieron contar. La película deja de lado prácticamente por completo el horror para convertirse en una narración de terror duro con un tono inquietante. Otros valores agregados son un buen guión, excelentes actuaciones y una fotografía deslumbrante. Me atrevo a decir que se trata no sólo de una de las mejores películas de terror de la década, sino quizá de todos los tiempos.

    Por cierto, la peli no funciona en absoluto si uno la ve doblada al español.

Lee la reseña completa de esta película aquí.

 

1.- LA HORA DEL LOBO

Vargtimmen, Ingmar Bergman, 1968.

Dirigida por el maestro del cine sueco, Ingmar Bergman y protagonizada por su actor fetiche, Max Von Sydow, esta película narra la historia de Johan Borg (Von Sydow), un artista plástico‒¡Changos! ¿Cuántos artistas con bloqueos creativos llevamos en esta lista?‒, y su joven esposa embarazada (Liv Ullman), quienes van a vacacionar a una aislada isla escandinava habitada por extraños personajes que ayudan al artista a recuperar su impulso creativo después de sufrir un colapso nervioso… a costa de su sanidad mental.

    Pero ¿quiénes o qué son en realidad los isleños y cuál es el terrible secreto que guardan? Borg lo descubriría cuando ya es demasiado tarde. Poco a poco, el pintor irá dando rienda suelta a sus deseos reprimidos y convertirá la relación con su esposa en una relación caníbal de abuso.

    La frontera entre lo real y lo imaginario se desdibuja cada vez más en esta angustiante película con una narrativa poco convencional que raya en lo onírico. Como cabe esperar de parte de Bergman, el ritmo es lento y los diálogos densos; pero el viaje cuesta abajo de la psique de los personajes y la espiral de desesperación por la que transitan es algo que sin duda vale la pena ver.

    Como puede advertirse, esta película fue una de las principales influencias de Darren Aronofsky para su controvertida película ¡Madre! (2017).

 

Espero que les hayan gustado estas recomendaciones. ¿Ustedes qué películas agregarían? Gracias por leerme, no se pierdan nuevas reseñas cada semana.

 

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13 PELÍCULAS DE TERROR QUE SÍ DAN MIEDO

Hace algunos días, uno de mis mejores amigos me propuso que, en el espíritu de las fechas, hiciera una lista de trece películas de terror que sí dieran miedo. Me aboqué pues a la tarea y, después de unos días, conseguí integrar la siguiente lista.

    Según Jonathan Penner y Steven Jay Schneider en su libro Cine de terror (Taschen, 2012) el terror es el sentimiento de angustia, desasosiego y miedo provocado por la anticipación de un hecho horrible, sin que este hecho sea mostrado explícitamente en pantalla; a diferencia del horror, que busca provocar miedo en el espectador mostrando escenas de sucesos horribles y violencia gráfica. Basándome en esta definición, traté de integrar esta lista con títulos que apelaran más a la psicología del espectador que a mostrar borbotones de sangre para generar miedo.

    No pude mantenerme tan purista como hubiera querido, por lo que incluí algunos thrillers, películas de Horror y de Ciencia Ficción; pero pensando en que todas ellas provocaran el mencionado efecto de terror.

    La lista no está en un orden riguroso; sino en el orden en el que fui recordando los títulos… lo cual supongo que tiene que ver con qué tan profundamente me impresionaron las películas; por lo que es válido decir que los primeros lugares corresponden a las cintas que me parecieron más aterradoras. Esto se basa únicamente en mi apreciación personal.

13.- EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR

The Blair Witch Project, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999.

Un grupo de jóvenes cineastas se interna en el misterioso bosque del Condado de Blair, en Maryland, para filmar un documental sobre la leyenda de una bruja que supuestamente habita el lugar. Conforme se van adentrando en el bosque, eventos inexplicables los irán llevando a la paranoia, a la desesperación y finalmente al más absoluto terror. Uno a uno, los documentalistas irán desapareciendo sin dejar rastro. ¿Cómo lo sabemos? ¡Porque encontramos el material que grabaron!

    Esta reinterpretación posmoderna del Mito del Wendigo me parece uno de los ejercicios más afortunados que se hayan hecho en el terreno del Found Footage. La cinta fue filmada en su mayoría en 16mm y Hi8 ‒ambos formatos no profesionales‒ para darle un toque más realista, se convirtió en un éxito de taquilla y en una de las cintas más importantes de la década. Se apoyó además en una agresiva campaña publicitaria que la presentaba como no ficción. A la fecha, hay gente que sigue convencida de que los hechos mostrados en la peli sucedieron en realidad.

    Mientras que algunos la consideran una obra maestra, muchos otros la tachan de timo. A mí me parece que es una cinta ingeniosa y que sí llega a ser terrorífica en algunas partes. Como sea, creo que ayudó a definir el subgénero, logra sumergir al espectador en un mood bastante particular y merece ser revisitada… eso sí, en pantalla chica, porque verla en una pantalla de grandes dimensiones garantiza mareos.

12.- BABADOOK

The Babadook, Jennifer Kent, 2014.

Seis años atrás, el día en que dio a luz a su hijo Samuel (Noah Wiseman), Amelia (Essie Davis) perdió a su esposo en un violento accidente automovilístico. Sin haberse repuesto del todo, Amelia trata de aceptar su destino como madre soltera, quedando exhausta física y emocionalmente; además de que la tensa relación que lleva con su hijo no la ayuda. Cuando la familia atraviesa por una crisis, encuentran un misterioso libro infantil con aterradoras imágenes titulado Mister Babadook y, a partir de la primera lectura, la mujer descubrirá que el temor que su hijo tiene a los monstruos que acechan en la oscuridad podría no ser injustificado.

    Babadook es una película australiana independiente de terror que fue aclamada por la crítica especializada durante su estreno y su exhibición en el resto del mundo. Con una propuesta estética sólida, actuaciones soberbias y escenas verdaderamente escalofriantes, la película logra su cometido de manera eficiente.

    Su más grande acierto, supongo, es que el Babadook funciona más bien como un símbolo, una metáfora, pues el terror comienza mucho antes de su aparición. La parte medular de la película es la accidentada relación de una madre y su hijo cuyo vínculo está inevitablemente marcado por la tragedia… un poco como si alguien tomara Kramer vs Kramer (Benton, 1979) y lo convirtiera en película de terror.

11.-  EL DESPERTAR DEL DIABLO

The Evil Dead, Sam Raimi, 1981.

Un grupo de amigos universitarios renta una caballa en el bosque para pasar un fin de semana. Cuando husmean en el sótano de la casa encuentran el libro maldito Necronomicón y una grabación en la que se recitan sus invocaciones. Por supuesto, la reproducen y con esto convocan a una presencia demoniaca que, uno a uno, los irá poseyendo, llegando a tomar control incluso de la casa misma y del bosque circundante en una noche de horror interminable.

    La ópera prima de Sam Raimi se convirtió en uno de los clásicos de la era dorada de los videoclubes y, si ustedes fueron niños en los 80 igual que yo, recordarán que era la peli que dejaba a los chicos sin dormir.

    Se trata de una cinta completamente transgresora que, con un presupuesto de apenas USD$350000, logró imponer un nuevo estándar de qué era lo que podía mostrarse en la pantalla. Durante más de la mitad de su duración, la película se mantiene en la cima de un tono grandguiñolesco de un horror alucinante que raya en la locura. Echando mano de ingeniosos efectos especiales y trucos fotográficos muy básicos, pero muy efectivos, la peli logra sumergirnos en lo que parece una verdadera pesadilla.

 

10.- LA MANSIÓN DE LOS ESPECTROS

The Haunting, Robert Wise, 1963.

Un científico conduce una investigación para demostrar la existencia de los fantasmas. Para ello, invita a un grupo de personas a pasar la noche en la infame Hill House, una mansión que se dice está embrujada y cuya historia se ha visto en demasiadas ocasiones manchada por el horror y el asesinato. Conforme la velada avanza, una presencia espectral se manifestará en la casa en formas cada vez más horrorosas y mortales, y la insegura psíquica Eleanor Lance (Julie Harris) comenzará a perder la cordura.

     Una de las mejores películas que se hayan hecho sobre casas embrujadas, La mansión de los espectros utiliza una narrativa visual que, por momentos, pone al espectador en la perspectiva de la casa misma, volviéndola un personaje más en la historia. La cinta muestra muy poco y deja casi todos los eventos horrorosos a la imaginación del público, lo que la vuelve particularmente efectiva.

    En 1999 se estrenó un remake con Liam Neeson, Catherine Zeta-Jones y Lili Taylor en los papeles principales que es bastante inferior a la original.

 

9.- MISERY

Misery, Rob Reiner, 1990.

El escritor Paul Sheldon (el increíble James Caan) sufre un accidente automovilístico en medio de una tormenta de nieve cuando se encuentra de camino a entregar el borrador del último libro de su serie de Best Sellers Regency a su editor. El novelista es rescatado de la carretera por la exenfermera Annie Wilks (Kathy Bates en el papel que le valió el Oscar), quien también sucede que es su fanática número uno… Quizá demasiado fanática. Conforme los días de su convalecencia avanzan, Sheldon descubrirá que no es un paciente; sino un prisionero en la apartada granja de una psicópata, quien no está dispuesta a dejar a su más grande ídolo por nada del mundo.

    Basada en el Best Seller que el propio Stephen King escribiera tomando como inspiración el rechazo de sus fans ante su novela Los ojos del dragón (1984) y su propia adicción al alcohol y la cocaína, la película se convierte en un angustiante juego de gato y el ratón basado en una confrontación de ingenios que irá escalando hasta llegar a proporciones de verdadero terror y claustrofobia.

8.- LOS EXTRAÑOS

The Strangers, Brian Bertino, 2008.

Una pareja cuya relación vive momentos de extrema tensión regresa de una fiesta y decide pasar la noche en la aislada casa de campo que les presta un amigo. En medio de la noche, un grupo de tres asaltantes enmascarados lora entrar a la casa con el único objetivo aparente de torturar a la pareja, quienes se verán obligados a hacer cosas de las que jamás se hubieran creído capaces con tal de sobrevivir.

    La película fue un éxito en la taquilla y dividió a la crítica. Si bien es cierto que el guión, ligeramente inspirado en hechos reales, tiene sendos huecos, peca de básico y lleva a una resolución que podría ser poco satisfactoria, la manufactura de la cinta logra crear una atmósfera de tensión que pocas veces he visto. Y quizá el final sí es algo anticlimático… pero creo que eso es lo que lo hace particularmente aterrador.

7.- LA INVASIÓN DE LOS USURPADORES DE CUERPOS (1er remake)

Invasion of the Body Snatchers, Philip Kaufman, 1978.

Misteriosas flores de origen extraterrestre comienzan a aparecer en los jardines de la ciudad de San Francisco. Simultáneamente, se desata una epidemia de gente que asegura que sus familiares y seres queridos no son ellos en realidad, sino impostores, sólo para desaparecer a los pocos días. El inspector de Salubridad Pública Matthew Bennell (el genial Donald Sutherland), con la ayuda de sus amigos, tratará de descubrir la verdad detrás de las supuestas suplantaciones.

    Por supuesto, la versión original de La invasión de los usurpadores de cuerpos (Siegel, 1956) es una película clásica del cine de ciencia ficción y suspenso, y se ha convertido en un referente de la cultura popular. Sin embargo, esta segunda versión es la que me ha producido verdaderos escalofríos.

    La historia permanece más o menos la misma que en la original; pero, al desarrollarse en una gran ciudad en vez de un pequeño pueblo, la perspectiva de la invasión alienígena se vuelve global. Es decir, esta película se siente mucho más amenazante que la original. El uso de innovadoras tecnologías ‒al menos para la época‒ en los efectos especiales añade valor agregado a la producción. Además, el director tuvo el buen tino de llenar las secuencias de acción. En el fondo, alejadas de la acción principal, pasan pequeñas cosas completamente fuera de lugar que uno no nota inmediatamente, pero que van ayudando a crear una sensación de desasosiego que se mantiene hasta el final de la película.

    Y el chillido que hacen los alienígenas es difícil de olvidar.

 

Ésta ha sido la primera parte de la lista de 13 películas de terror que sí dan miedo según el Cinéfilo Incurable. ¿Cuáles películas ocuparán los primeros sitios? No se pierdan la segunda parte de la lista próximamente.

 

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BLADE RUNNER 2049

Blade Runner 2049

 

Denis Villeneuve, 2017

 

Poniéndonos muy puristas, creo que las secuelas son, en general, innecesarias. Excepto, claro, en el caso en que una obra haya sido planeada desde un principio para dividirse en varias partes. En el caso específico del cine, antes de El Imperio contraataca (Kershner, 1980), las secuelas solían ser consideradas productos residuales, por lo general con menos presupuesto y menos trabajo que la película original, que permitían a los productores sacar más dinero colgándose de la popularidad de la primera parte mientras aún era tema de conversación.

    En la hora desesperada que vive la industria hollywoodense del cine actualmente, las secuelas y precuelas suelen ser productos de alto presupuesto con robustas campañas de marketing que tratan de aprovecharse de la nostalgia de los espectadores. La Generación Z no va al cine y Hollywood, aterrado y desesperado porque no sabe cómo venderle sus productos, trata de sacarnos dinero a los miembros de la Generación Y a como dé lugar en forma de secuelas tardías, reboots innecesarios y remakes que luego son más fresas que las originales.

    Dice el dicho que “Nunca segundas partes fueron buenas”. Si a eso se le suma que esta película es la secuela tardía e innecesaria de una de las obras cumbres del cine de Ciencia Ficción que está llegando 35 años después de la peli original y que cuenta en su reparto con el actor que se ha distinguido por participar en secuelas tardías e innecesarias, ya fueran decepcionantes como El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015), o francamente terribles como Indiana Jones y el reino de la Calavera de Cristal (Spielberg, 2008), las esperanzas de que ésta fuera una buena secuela eran mínimas.

    Empero, creo que el resultado final es una película realmente buena. Con sus fallos, claro; pero me parece que está bastante bien. Es una lástima que la cinta esté fracasando de manera colosal en la taquilla.

    La historia sucede 30 años después de la primera parte, cuando los ecosistemas se han colapsado y los restos de la extinta corporación Tyrell fueron absorbidos por la Corporación Wallace, quienes han creado una nueva serie de replicantes completamente obedientes. El Blade Runner K (Ryan Gosling) se encuentra tras la pista de los últimos replicantes de la serie Nexus 8 para exterminarlos. Es precisamente tras ejecutar a uno de estos replicantes que K descubrirá un secreto que podría acabar con la civilización como la conocemos y alterar el delicado equilibrio entre humanos y replicantes. Al tratar de resolver el misterio, el Blade Runner emprenderá una búsqueda que lo hará dudar de todo lo que sabía, incluso de su existencia misma, y lo pondrá tras la pista del elemento clave en la evolución de los replicantes: un Blade Runner renegado llamado Deckard (Harrison Ford).

    Creo que un gran acierto de esta película es que, estrictamente hablando, no se trata de una secuela directa de la primera parte; sino de una historia independiente dentro del mismo universo planteado por la primera Blade Runner que, eventualmente, se interseca con ella. En ese sentido, me recuerda un poco al excelente videojuego para PC de Blade Runner (Westwood Studios, 1997).

    El guión me pareció bastante bueno. Continúa con el tono y la idea planteados en la película original ‒que, a su vez, es una adaptación algo libre de la novela de Phillip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?‒, convirtiéndose en un thriller de Ciencia Ficción que sigue con la disertación sobre qué es lo real, qué nos hace humanos, cuál es nuestra esencia, el derecho a la vida y, en esta peli específicamente, qué es lo que nos hace únicos. Todo envuelto en una muy bonita historia como de film noir que retoma la premisa clave del Cyberpunk: plantea un futuro distópico en el que la tecnología no está al servicio del hombre, sino al revés. Es decir, igual que en la primera parte.

    Como una buena secuela, Blade Runner 2049 retoma el universo planteado en la primera cinta y lo expande, volviéndolo mucho más grande y poblándolo con más personajes, al mismo tiempo que evolucionando a los personajes y las ideas originales.

    La historia tiene vueltas de tuerca interesantes y es para ponerle atención porque hay muchas pistas por ahí que van ayudando a revelar todo el misterio al final, que se vuelven un poco enmarañadas. Aun así, la trama no es difícil de seguir y lo mantiene a uno interesado todo el tiempo. Aunque quizá por momentos la trama se vuelve demasiado parecida a Vengador del futuro (Verhoeven, 1990).

    Eso sí, para los estándares actuales el ritmo es lentísimo. La cinta es contemplativa en muchas partes, y la narrativa se apoya en largos planos-secuencia y tomas de establecimiento que muestran cómo es el mundo de este futuro distópico. Crea atmósferas y convierte a la California del año 2049 en un personaje más de la cinta. Me ha encantado esta forma de contar la historia; pero reconozco que para lo que se ve en el cine en los últimos años se vuelve demasiado lenta. No digo que esté mal, simplemente creo que las nuevas generaciones ‒y quizá a muchas personas de generaciones mayores, hay que decirlo‒ este ritmo debe parecerles ópera china. De hecho, la película dura alrededor de 2 horas y 45 minutos, y casi durante toda su duración mantiene el ritmo meditativo.

    Por supuesto, este ritmo sería insoportable sin una buena fotografía que lo sustentara. La fotografía de la película, a cargo de Roger Deakins, es excelente. Retoma mucho de lo que se vio en la cinta anterior; pero también me pareció que retoma muchos elementos de la arquetípica cinta de Ciencia Ficción Metrópolis (Lang, 1927), en la que la ciudad del futuro se ha desarrollado de forma tan desmesurada que el paisaje urbano comienza a convertirse en imágenes abstractas. Por cierto, algunas tomas aéreas de la zona conurbada de Los Ángeles se filmaron en la Ciudad de México.

     Aunque sí llegué a extrañar la música compuesta por Vangelis para la primera película, la verdad es que la de esta cinta no me pareció nada mal. Por el contrario, puedo decir que me gustó bastante. El soundtrack aún está lleno de sonidos electrónicos y está muy a tono con la música Synth de la primera parte. En este caso, son Hans Zimmer ‒quien en la época de la primera Blade Runner trabajara con The Buggles para su canción Video Killed the Radio Star y después nos ha regalado soundtracks maravillosos como algunas de las canciones de El Rey León (Allers y Minkoff, 1994), la Trilogía del Caballero de la Noche (Nolan, 2005-2012) o la Trilogía de Kung Fu Panda (2008-2016)‒ y  Benjamin Wallfisch ‒responsable por el genial soundtrack del remake de Eso (Muschietti, 2017)‒ los encargados de musicalizar el mundo del futuro. Y vaya si les salió bien.

    Otra cosa que me gustó mucho de la película fue el diseño de arte. Todo lo que se ve en pantalla luce fantástico y se ve que fue diseñado específicamente para la película. Los muebles, los vehículos y los aparatos que los personajes manipulan sí guardan una línea de evolución de nuestra época a la época de la primera película a la época de la segunda y lucen auténticos.

    Mención aparte merece el vestuario diseñado por Renée April que es simplemente espectacular. Otros créditos de la diseñadora incluyen el vestuario de cintas como Percy Jackson y el ladrón del trueno (Columbus, 2010), Una noche en el museo (Levy, 2006) o El planeta de los simios: (R)Evolución (Wyatt, 2016).

     En general, todos los actores que participan en la película están bastante bien. Ryan Gosling es un digno sucesor del legado de Harrison Ford; Robin Wright ‒a quien seguro recuerdan como la princesa Buttercup en el clásico ochentero La princesa prometida (Reiner, 1987)‒ está genial en su papel de la severa teniente Joshi, la alcohólica superior de K que en el fondo tiene corazón de oro; Jared Leto, quien siempre me ha parecido un actor decente, no está increíble pero se redime después del desastre que fue Escuadrón Suicida (Ayer, 2016); la guapa cubana Ana de Armas también hace un buen trabajo como Joi, la esposa virtual de K; y Sylvia Hoeks se luce como la letal asistente de Wallace, Luv. SPOILER Y sí, regresan Edward James Olmos, Harrison Ford y hasta Sean Young, y los tres están bastante bien repitiendo sus papeles… bueno, el de Young es un tanto ambiguo, pero igual se luce TERMINA SPOILER.

      Esto me lleva a comentar uno de los que no me gustaron tanto de la película. Muy honestamente, me pareció que la aparición de Deckard era completamente innecesaria. Creo que Harrison Ford está en esta película por el puro fan service, pues el regreso de Deckard no aporta prácticamente nada a la trama. Casi pareciera que Ford sólo está ahí para legitimar la película. Es más, en las primeras secuencias en las que aparece, me dio la impresión de que la peli se caía un poco. SPOILER Sí, me queda claro que Wallace necesitaba a Deckard para consumar su plan; pero, aun así, de repente no se le ve mucha razón de ser en esta historia. Pudieron sólo mencionarlo y manejar la peli como una historia completamente independiente ambientada en el mismo universo TERMINA SPOILER. Además, por supuesto, Ford ya no está en la misma condición física que en la cinta original, por lo que sus escenas de pelea cuerpo a cuerpo lucen algo pobres comparadas con las de Gosling y Hoeks.

    Todo esto se liga con el que creo que es el mayor defecto de la película. No me malinterpreten, la peli me gustó mucho y creo que es excelente; pero sí creo que tiene un solo defecto que, además, es enorme. La película tiene el defecto de ser una secuela de Blade Runner. Es decir, sigue siendo una continuación un tanto forzada de una obra que no admitía continuaciones. Creo que no era necesario saber qué pasaba con Deckard después del final de la primera cinta. Del mismo modo, esta película termina con la ambigüedad sobre si Deckard es un replicante o no y niega al espectador la libertad de elegir la posibilidad que más le guste, tomando como única la planteada en la Edición de Director de la peli original.

    Realmente me ha gustado esta película. Sí, tiene sus fallos y no deja de ser una secuela tardía e innecesaria; pero creo que logra trascender esos puntos en contra y se convierte en una nueva gran obra de la Ciencia Ficción. Creo que es una de las películas que más me han gustado este año. Lamentable, pero no sorprendentemente, según me he enterado, se ha convertido en uno de los más grandes Monumental Flop-Outs de este año. Con un costo de 150 millones de dólares, a duras penas recaudó casi 82 millones a nivel mundial en su fin de semana de estreno ‒que es el importante y el que decide el destino de una película‒. Yo, por lo pronto, la subo al Salón de la Fama de las Mejores Secuelas, junto con La novia de Frankenstein (Whale, 1935), El Padrino parte II (Coppola, 1974), El Imperio contraataca, Aliens: el regreso (Cameron, 1986), Terminator 2: el Juicio Final (Cameron, 1991), Batman: el Caballero de la Noche (Nolan, 2008), y un raro puñado de películas más.

    Mientras tanto, Villeneuve ha anunciado que ya se encuentra escribiendo el guión de su siguiente proyecto: una nueva adaptación a la pantalla grande de la seminal novela de Sci-Fi de Frank Herbert, Dune; lo que me emociona sobremanera.

PARA LA TRIVIA: La primera opción para interpretar al empresario Niander Wallace fue el músico británico David Bowie. Por desgracia, el artista falleció antes de comenzar la filmación, por lo que su papel le fue asignado a Jared Leto.

 

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VIERNES 13

Friday the 13th

 

Sean S. Cunningham, 1980

 

Durante la década de 1970 el subgénero slasher[1] cimentó sus bases con películas como La masacre de Texas (Hopper, 1974), Residencia macabra (Clark, 1974) o Halloween (Carpenter, 1979). Durante finales de los 70 y principios de los 80, el género vería su época dorada y una de las franquicias que serían su portaestandarte era Viernes 13. Aunque la saga se fue degenerando hasta el punto de sobrepasar lo idiota, la primera película ‒que algunos se han dado en llamar “la copia tonta de Halloween”‒ tenía una propuesta un tanto diferente y se convirtió rápidamente en un clásico del género que engendraría una secuela por año.

    En 1958 ‒que lo sabemos porque lo dice una cintilla en la pantalla, ya que a nadie le preocupó ambientar el prólogo en la época en la que se supone que sucedió‒ una serie de brutales asesinatos de jóvenes consejeros obligaron al cierre del campamento veraniego Crystal Lake. Más de 20 años después, el empresario local Steve Christy (Peter Brouwer) planea reabrir el lugar a pesar de las advertencias de los lugareños sobre la maldición que ha caído sobre el campamento. Para ayudarle en los trabajos de remodelación, Christy cita a los consejeros una semana antes de la apertura, un viernes 13 precisamente. Uno a uno, los consejeros del campamento irán cayendo a manos de un asesino misterioso.

    Anécdota curiosa, el título de la película se le ocurrió al director, Sean S. Cunningham, quien empezó a poner publicidad en medios especializados y promocionar la cinta sin haber escrito una sola página del guión ni saber de qué se iba a tratar. Su idea era colgarse de la popularidad de Halloween. Y ésa es la razón por la que, en toda la película, sólo una vez se menciona que es viernes 13.

    La primera entrega de la saga que se convertiría en el arquetipo del cine slasher en realidad está un poco más orientada al suspenso y toma prestados muchos elementos del cine giallo de la década de los 70. Se trata de un whodunit con elementos de horror, en el que un asesino desconocido y ominoso va dando cuenta de sus víctimas en muertes rebuscadas e innecesariamente violentas… que para 1980 se veían aceptables, efectos de maquillaje cortesía del legendario Tom Savini. La decapitación del villano al final no tiene ningún sentido; pero se ve rifada.

     Todos los clichés del subgénero, los que se habían acumulado hasta el momento y otros que se acuñarían con esta cinta y de los que Scream: Grita antes de morir (Craven 1996) se burlaría más de una década después, están presentes en esta peli: Los adolescentes cachondos que se vuelven presas del asesino, el policía autoritario que resulta ser tan útil como un condón agujerado, el chavo graciosito al que uno le toma cierto cariño y lo matan brutalmente, el viejo loco que trata de advertirles del peligro pero nadie le hace caso, desnudez injustificada y otros tantos.

    Sin embargo, creo que se trata de una película bastante decente. Digo, no es ninguna joya, pero su valor de entretenimiento es aceptable. Además, cumple perfectamente con los tres propósitos de la película slasher.

    Por principio de cuentas, a pesar de estar clasificada como “Para mayores de 18 años” pone las escenas de desnudos al alcance del público adolescente sin tratarse de una peli abiertamente pornográfica que sería mucho más inaccesible a un público juvenil. Vamos, niños, no se rían, en esa época no había Internet.

    En segundo lugar, ayuda al público a sentirse inteligente porque ¿quién no ha gritado al personaje de un slasher flick que “no abra esa puerta” o le ha reclamado el no rematar al asesino que yace inconsciente frente a él? Una de las razones por las que los personajes en estas películas son tan estúpidos y parecen tomar siempre las decisiones equivocadas ‒piénsenlo un poquito, muchas de ellas no tienen el menor sentido‒ es que el público se identifica con ellos y piensa para sí mismo o comenta con quien esté al lado: “Qué idiota, yo nunca habría hecho eso” y eso nos hace sentir más inteligentes. Tristemente, la realidad es que ante una situación de riesgo, las personas solemos ser mucho menos inteligentes de lo que nos gustaría creer.

    Finalmente, en una especie de doble moral, las películas slasher funcionan como cuentos precautorios. Se trata de moralidades contemporáneas que tratan de educar a los jóvenes en los valores de la época. ¿Quiénes son los primeros en caer siempre? ¡Claro! Los que tienen sexo extramarital, seguidos de los que toman alcohol o drogas. De esta forma, esta película, junto con otras del género, se convierten en modernos mitos de contención y regulación. Al final de la peli, la que se salva es siempre la chica virgen y blanca. Incluso, según se puede inferir por lo que dicen los personajes, se advierte que Alice (Adrienne King) terminó una relación con Steve, quien es más de 10 años mayor que ella.

    La idea original era que Alice se convirtiera en la heroína de la saga, regresando secuela tras secuela para enfrentarse a Jason. Sin embargo, después de que King fue acosada en la vida real por un fan de primera la película, pidió que la sacaran de la franquicia.

    Y hablando de la chica blanca… ¿Ya se fijaron que en la película hay menos diversidad étnica que en un comercial de Liverpool? ¡Ah, benditos tiempos aquellos en los que no había corrección política ni inclusionismo!

    Por cierto, la película también se filmó antes de que existieran los Derechos de los Animales por lo que, muy a la italiana, hay una escena completamente innecesaria ‒de hecho, ni siquiera estaba en el guión, fue idea de Savini‒ de una serpiente que es muerta a machetazos.

    En general, la crítica siempre habla mal de esta película; pero suelen pasar por alto los valores técnicos que sí tiene. Sí, el guión es de lo más chafa y las actuaciones son malas ‒no se pierdan la aparición de un incipiente Kevin Bacon, antes de que aprendiera a actuar o a echarse clavados‒, a pesar de que la mayoría de los actores venían del teatro; pero la fotografía es excelente. Barry Abrams, director de fotografía, supo sacarle todo el provecho posible a la locación de la película en Blairstown, Nueva Jersey, y ofrece unas tomas de paisajes geniales. Las escenas de noche también están bastante bien logradas y realmente se puede ver que las cristalinas aguas del lago le hacen honor a su nombre.

    SPOILER El que sí queda a deber el guión es que hace trampa, porque al final resulta que el asesino es: (D) Ninguno de las anteriores. Eso sí, la interpretación de Betsy Palmer como la psicópata Pamela Voorhees es de antología. Sí, algo caricaturesca, pero no por eso deja de ser escalofriante. El papel fue ofrecido originalmente a Shelley Winters, quien no estuvo interesada, y posteriormente a Estelle Parsons, quien lo aceptó sólo para abandonar el proyecto poco después. Al principio, Palmer odió la película y siempre se refirió a ella como “un pedazo de mierda” y declaró alguna vez que, de no haber necesitado desesperadamente un auto nuevo, jamás habría aceptado el papel ‒que fue el mejor pagado en toda la producción‒. Con el tiempo, la actriz aceptó que la cinta la hizo más famosa de lo que jamás fue en toda su carrera y llegó a hacer las paces con ella… Pero siempre se quejó de los chavitos que la seguían por el supermercado haciendo “chi-chi-chi-chi; hah-hah-hah-hah”.  TERMINA SPOILER

    Por cierto, el guión, cuyo título de trabajo en proceso fue Larga noche en el campamento sangriento, fue escrito por Victor Miller en tan sólo dos semanas. Miller, por cierto, jamás en su vida estuvo en un campamento de verano. Las dos más grandes inspiraciones para crear esta película fueron Albóndigas (Reitman, 1979) y, por supuesto, Halloween, mismas que habían sido grandes éxitos con el público juvenil el año anterior.

    La música, compuesta por Harry Manfredini, también está bien. No es genial y toma mucho prestado de la partitura que compusiera Bernard Herrmann para Psicosis (Hitchcock, 1960); pero funciona bastante bien. Sí logra crear una buena atmósfera de suspenso que remata en momentos de horror bien logrados. La película, de hecho, tiene poca música, pues Manfredini quiso que ésta sólo estuviera presente cuando aparecía el asesino.

    SPOILER Manfredini también creó el ahora clásico sonido “chi-chi-chi-chi; hah-hah-hah-hah” que se escucha siempre que el asesino aparece. Sin embargo, el compositor ha aclarado que, en realidad, el sonido es: “ki-ki-ki-ki; ma-ma-ma-ma”, pues se trata de la voz de Jason dentro de la cabeza de Pamela Voorhees diciéndole que mate (kill, kill, kill, kill; mom, mom, mom, mom). TERMINA SPOILER

    A final de cuentas, Viernes 13 resulta una película entretenida que mantiene al espectador atento a lo que sucede en pantalla. Es uno de los más grandes representantes del género y es también el inicio de una de las franquicias más longevas del cine de horror ‒esta cinta costó apenas un poco más de medio millón de dólares y obtuvo ganancias por casi 40 millones‒. Además, en realidad esta primera entrega es la mejor de toda la serie… sí de las 11 ‒12 si se incluye Freddy vs Jason (Yu, 2003) ‒ y creo merece la pena ser revisitada de cuando en cuando.

PARA LA TRIVIA: En la película, que sucede en un viernes 13, se menciona que es noche de luna llena. En realidad, que el plenilunio y un viernes 13 coincidan es un evento poco común. Y adivinaron, ni en 1958 ni en 1980 hubo ninguna luna llena que cayera en viernes 13. Se supone que la próxima vez que esto suceda será en el año 2049.

PARA LA TRIVIA GEEK: En el estado de Nueva Jersey existe un municipio llamado Voorhees. Dicho municipio se encuentra a 8 millas del pueblo llamado Haddonfield. Haddonfield era el nombre del pueblo en el que sucede la historia de la película Halloween.

 

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[1] Que, básicamente, podemos decir que es en el que un asesino psicópata con alguna máscara estrafalaria persigue y asesina adolescentes.

¡MADRE!

Mother!

 

Darren Aronofsky, 2017

Cada cierto tiempo aparece en la cartelera una película que toma al público por sorpresa y divide las opiniones, llevando a unos a declararla una nueva obra maestra y a otros a tacharla de tomada de pelo. La nueva película de Darren Aronofsky se sitúa en este punto.

    Desde que vi el tráiler por primera vez, la película me llamó la atención. Por lo general, me han gustado películas anteriores de Aronofsky, que tienen un estilo surrealista e integran elementos de cine de terror dentro de dramas complejos, bien actuados y bien dirigidos. Cuando vi en el tráiler que su nueva película estaría más enfocada hacia el terror, me convencieron de verla; pero cuando escuché tantas opiniones tan diferentes ‒la mayoría de ellas negativas, la verdad‒ de tantas personas, supe que tenía que verla. De hecho, la cinta fue aplaudida y abucheada simultáneamente durante su premiere en el Festival de Venecia.

    Otras películas del director neoyorquino como Réquiem por un sueño (2000) o El cisne negro (2010) me han encantado. La fuente de la vida (2006) francamente me dio ganas de estrellarme el cráneo contra la pared. Lo que sí me quedó bastante claro fue que la publicidad era engañosa, pues no se trata de una película de terror… al menos no al final.

    Por principio debo decir que se trata de una cinta polisémica y que, la verdad, resulta un tanto esotérica e inaccesible. Es una película complicada, de ésas a las que hay que prestarles mucha atención todo el tiempo. Después de verla y con un poco de ayuda de mis amigos que también la vieron y me echaron la mano con las partes que no había entendido, puedo decir que la peli está funcionando en tres niveles diferentes.

    Antes de empezar, debo advertir que me fue imposible escribir este texto sin contar sendos spoilers. Por favor, disculpen la molestia.

    En el primer nivel, el anecdótico, se trata de la historia de una pareja de esposos. Él (Javier Bardem) es un escritor venido a menos con un bloqueo creativo terrible que trata de recuperarse de los eventos trágicos en su vida; Ella (Jennifer Lawrence), más joven que él, es un ama de casa devota y diligente que, en aras de apoyar a su esposo con su proceso creativo, soporta sus abusos y pone todo su esfuerzo en reconstruir una casa marcada por la tragedia. Cuando un anciano moribundo (Ed Harris, maravilloso) fanático del escritor llega a hospedarse a la casa sin previo aviso, la relación de los esposos se volverá cada vez más enfermiza y tóxica hasta llegar a niveles insospechados; mientras Ella espera la llegada del primer hijo, tan ansiado por su marido, tendrá que sobrevivir a oleada tras oleada de invitados espontáneos y abusivos.

    En este primer nivel también se entiende la obra, en un tono de Dark Fantasy, como una crítica a los falsos ídolos, la enajenación de las masas y la relación prácticamente caníbal de un artista ególatra con su pareja. Es la historia de una persona a la que se le exige que de más y más hasta que ya no tiene nada más para dar.

    En un segundo nivel, el metafórico, la película cuenta la historia de La Biblia. El escritor es el dios judeocristiano y su esposa representa al mundo y, más tarde, a la Virgen María. La pareja de ancianos que llega representa a Adán y Eva (Michelle Pfeiffer en su sempiterno papel de SuperBitch que tan bien le sale), y son expulsados de la casa después de desobedecer las órdenes del escritor de no tocar la joya más preciada de su colección; los hijos de los ancianos (Brian Gleeson y Domhnall Gleeson quienes, de hecho, sí son hermanos en la vida real), de los cuales uno mata al otro vagando por el mundo con el rostro desfigurado, son Caín y Abel; el fregadero que se rompe y causa la expulsión de la primera legión de invitados es el Diluvio Universal, etc., etc. Hasta Reyes Magos hay.

       En un tercer nivel, el alegórico, el escritor haría referencia al pensamiento del Hombre, su esposa a la Madre Naturaleza, la casa es la Tierra y las interminables oleadas de invitados abusones representan a la humanidad que saquea al planeta y que, después, cuando ya es demasiado tarde ‒al final del segundo acto, más específicamente‒, trata de salvar a la Madre Naturaleza por cuatro medios, fracasando todas las veces: La religión (representada por Él), la Ley (representada con un policía), la Ciencia (una médico) y la guerra (un soldado).

    Quizá haya más niveles de lectura para esta obra, yo sólo encontré ésos, que además son los más obvios. De cualquier modo, como dicen por ahí: “si tienes que explicar el chiste, entonces no es bueno”… Por otro lado, están Shakespeare y Góngora, y bueno…

    El guión, que a Aronofsky se le ocurrió al despertar una mañana y cuyo primer tratamiento escribió en sólo 5 días, está bien hecho; pero algo simplemente no acaba de cuajar. Todo el primer acto de la película y la mitad del segundo son una maravillosa pieza de Gótico Americano. Se trata de una película de terror sobria y contenida con una muy marcada influencia de Bergman y Polanski que, de hecho, está muy en el tono de clásicos del terror de la década de 1960 como Repulsión (Polanski, 1965), El bebé de Rosemary (Polanski, 1968), La hora del lobo (Bergman, 1968) o La mansión de los espíritus (Wise, 1963).

    Todo eso está muy padre. En verdad, toda la primera parte funciona maravillosamente como película de terror. Mi queja es que, al final del segundo acto, todo se deschaveta y se vuelca patas arriba, y la película termina yéndose por otro lado que no se planteó en ningún momento antes. Me sentí como esas veces en las que de niño jugabas al Monopoly; pero como se hacía tarde y no se le veía para cuándo terminar, los participantes empezaban a cambiar las reglas del juego ad libitum.

    La misma Michelle Pfeiffer admitió que la primera vez que leyó el libreto no lo entendió y que le pareció demasiado esotérico; pero que aceptó el proyecto porque le gustó el personaje que le habían propuesto.

    La dirección es muy dispareja. Aronofsky es muy consciente de los recursos con los que cuenta y sabe utilizarlos en favor de la historia que está intentando narrar. Incluso sabe jugar sus fichas con los actores de soporte y casi logra hacer que se nos olvide que Lawrence no es particularmente buena actriz. La dirección de actores está muy bien. La dirección de todo lo demás, que parece un barco a la deriva, no tanto.

    Las actuaciones están llenas de matices y sutilizas que, con la ayuda de muchos primeros planos a los rostros de los actores, ayudan a la peli a adentrarnos en la psicología de los personajes. Además, durante la primera parte, la que sí es como película de terror, crea una sensación de claustrofobia, angustia y persecución. Lo que no me encantó fue la cámara en mano para muchos de los primeros planos; si de por sí este recurso no me convence en planos generales, en los primeros planos me parece que termina mareando y alejando al espectador de lo que sucede en pantalla.

    Con todo, la fotografía es excelente. Creo que es conveniente señalar que, por lo que pude ver, esta película no fue grabada en HD como la mayoría de las pelis actuales; sino que fue filmada en película análoga de 16mm. O sea, a la antigüita y en un formato semiprofesional. Esto también le da una personalidad a la peli. La atmósfera se modifica de acuerdo con las emociones de los personajes, y las distintas tomas y la iluminación ayudan a darle una personalidad a la casa misma, que termina convirtiéndose en un personaje más de la historia.

    Manteniendo su propuesta de sobriedad, la película no tiene música. Lo cual, por lo menos durante la primera parte, demuestra que no hay necesidad de saturar una peli de música para que sea aterradora. Más que una musicalización, la película logra una ambientación a través de sonidos más que de melodía y, de hecho, no se escribió ninguna partitura para el soundtrack.

    Creo que ¡Madre! Es una película bien hecha y parece que hay una propuesta autoral detrás de ella. Sin embargo, debo admitir que no me gustó. El primer acto me tuvo muy emocionado; pero después, conforme el autor iba cambiando las reglas del juego y la narrativa se volvía cada vez más y más rebuscada, me perdió por completo y, francamente, no la volvería a ver.

    A final de cuentas, creo que tiene un defecto enorme que suelo odiar en las películas: Me pareció pretenciosa y mucho. Me da la impresión de que es una de esas películas que se creen mejores de lo que son o incluso mejores que su público. Honestamente, me parece odioso eso de que el autor proponga algo, luego cambie las reglas del juego y finalmente te tache de idiota por no seguir lo que estaba pasando. Ultimadamente, parece que Aronofsky metió todas las referencias que pudo en una licuadora sin tener una dirección específica, dando como resultado un ejercicio narcisista y pretencioso. La técnica está bien, la propuesta es lo que chafea, pues termina ahogándose con sus propias ambiciones.

PARA LA TRIVIA: El personaje de Jennifer Lawrence requería de un intenso trabajo emocional. Durante los recesos de la filmación, Lawrence pidió que instalaran lo que llamó la “Tienda Kardashan” para relajarse. Se trataba de un pabellón al interior del cual había velas aromáticas, bolas de chicle y el programa de TV Keeping Up with the Kardashians (2007- ) reproduciéndose en un loop infinito.

 

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ESO

It

 

Andy Muschietti, 2017

 

Creo que debo empezar este artículo confesando que nunca he leído la novela de Stephen King. La miniserie original de Eso (1990) la vi en su formato de película para tele (o sea, recortada) y recuerdo que no la pude terminar de ver en mi primer visionado porque me aburrió terriblemente. La acabé de ver hasta años después y, francamente, la recuerdo poco. De tal suerte, en esta ocasión no podré hacer comparaciones entre la versión original y la nueva o entre la película y el libro. Y, en cierto modo, creo que ésa es una gran ventaja, pues sólo estaré analizando la película por lo que es y por lo que vi en la pantalla.

    La película narra la historia de Bill Denbrough (Jaden Lieberher) y sus amigos preadolescentes marginados sociales. Un año atrás, el hermanito menor de Bill, Georgie (Jackson Robert Scott), desapareció sin dejar rastro. Bill y sus amigos comienzan a ser acosados por sus peores miedos materializados y la visión de un payaso demoniaco que parece ser responsable por la desaparición de Georgie. Bill arrastrará a sus amigos en la búsqueda de su hermanito y, en el camino, no sólo tendrán que lidiar con aterradoras apariciones, sino con los problemas de la pubertad, el bullying y diferentes facetas del abuso infantil y la violencia doméstica, además de que descubrirán la terrible verdad sobre el pueblo de Derry.

    Cuando estaba en la prepa tuve un profesor de ética que era fan de Stephen King. Recuerdo que muy pocas veces nos dio clase como tal y más bien su afición era ponerse a contarnos novelas de King. Recuerdo muy bien que una vez nos dijo: “Stephen King casi invariablemente nos regala doscientas primeras páginas sobre la vida de los chavitos en un pueblo y los problemas de crecer y cosas así que son maravillosas… y después lo echa todo a perder con la resolución más estúpida que se le pueda ocurrir”. Si ésa es una descripción acertada de la obra de King, entonces esta película es completamente fiel a su espíritu, porque funciona prácticamente así.

    La verdad es que fui a ver esta cinta con bastantes reservas. Por lo general, cuando una peli tiene mucha publicidad desde mucho tiempo antes, es porque va a ser bastante mala ‒¿o acaso me equivoco, Escuadrón suicida (Ayer, 2016)?‒. También he aprendido a desconfiar de los remakes porque, salvo raras y honrosas excepciones, difícilmente son tan buenos como las versiones originales. Sin embargo, Eso me dejó gratamente sorprendido. No creo que sea la gran obra maestra que andan diciendo en redes sociales; pero sí creo que es bastante buena.

    El guión me agradó bastante. Me gustan las películas en las que se toman el tiempo de desarrollar personajes y hacerlos progresar a lo largo de la historia. Me gustó muchísimo la relación que se logra crear entre los chavitos, que se ve que está planteada desde el libreto y que se ve beneficiada por las geniales actuaciones de todos los involucrados que, además, están maravillosamente casteados. Las secuencias del “idilio de verano” son verdaderamente increíbles y logran crear una fuerte conexión con el público.

    Quizá el único defecto que le encontré, y eso tiene más que ver con la dirección y edición/montaje, es el hecho de que los personajes progresan; pero la historia parece no hacerlo. Más que sentirse la narración de una serie de acontecimientos que van progresando, el argumento parece un montón de momentos sueltos que se relacionan entre sí. Quizá ésa haya sido la intención; pero la cosa es que al final todo ello desemboca en una resolución un tanto anticlimática. Creo que las apariciones de Eso debieron matizarse más para que la historia fluyera más libremente.

    Ahora, sobre las apariciones de Eso, creo que están bien logradas… pero no dan miedo. Digo no sé, tengo la impresión de que recurrieron demasiado a los Jump Scares[1] y menos al verdadero terror que la historia misma estaba planteando. Se agradece muchísimo, eso sí, que hayan favorecido el uso de efectos físicos por sobre el CGI. Por cierto, los efectos de maquillaje y criaturas son de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr. los discípulos de Stan Winston que trabajaran en las criaturas de la saga Alien desde Alien 3 (Fincher, 1992) hasta Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    Como lo mencioné, creo que las actuaciones de todos están fantásticas y, por supuesto, la pregunta que inquieta a muchos es ¿Qué tal está la interpretación del payaso Pennywise en manos de Bill Skarsgård? Bueno, pues la respuesta es: bastante bien. Desde que vi a Bill Skarsgård en la infumable serie de Netflix Hemlock Grove (2013-2015), me pareció que era mejor actor que su hermano mayor ‒Alexander, a quien quizá recuerden como el vampiro Eric Northman en la serie True Blood (2008-2014)‒, sólo me pareció que estaba mal dirigido. En esta peli creo que está mucho más aprovechado. Hay algunas secuencias ‒como la del baile‒ en las que quizá le pudieron sacar más partido; pero en general me gustó su interpretación del personaje, que me pareció mucho más extravagante que la de Tim Curry. No digo que sea mejor o peor, sólo me parece que su aproximación al personaje fue completamente diferente.

    La fotografía también me gustó mucho. Quienes fotografiaron la cinta sí hicieron su tarea y utilizaron un filtro doradito que hace que todo se vea como de película de finales de los 80. Asimismo, muchos de los encuadres y del tipo de tomas que hacen son muy característicos del cine de esa década.

 

    Por si fuera poco, dentro de la peli hay sendas referencias a la cultura pop de los 80, como el poster de Beetlejuice (Burton, 1988) que Bill tiene pegado en la pared de su cuarto, la playera de Airwolf (1984-1986) y el reloj Casio Calculator que usa Eddie (Jack Dylan Grazer), el chiste sobre Molly Ringwald o que la V que Eddie se pinta en el yeso de su brazo se parece sospechosamente a la de V: Invasión extraterrestre (1983-1984).

    Lo que sí puedo decir que no me encantó fue la música. Creo que está padre y todo, pero también creo que es demasiada. Durante todo el primer acto de la película hay música de fondo. Llega un momento en el que, en vez de contribuir a la ambientación, la música estorba y uno empieza a querer que se calle por un maldito minuto y deje ver la película. Digo, creí que estaba viendo Eso, no Pedro y el lobo. Además, de repente sentí que la música estaba en un tono demasiado épico para la película.

    Y ése creo que es el segundo fallo de la cinta. Me parece que el tono no es el adecuado. En general, da la impresión de que el director no se sentía muy seguro de lo que estaba haciendo y no quiso clavarse tanto en el horror o el terror, dando como resultado una película que más bien parece de aventura con elementos de terror. La peli es buena y me gustó mucho; pero francamente creo que como película de terror no termina de funcionar.

    Así pues, Eso resultó una sorpresa agradable y, aunque es un poco larga ‒dura dos horas y cuarto‒, a diferencia de otras cintas de los últimos años, no se siente que le sobren escenas o que pudiera ser más corta. Es una cinta entretenida que sí logra atrapar al público y realmente le hace a uno preocuparse por los personajes que están apareciendo en pantalla y sus problemas. Por desgracia, creo que la mejor escena de horror está en el prólogo, por lo que, en cuanto a sustos se refiere, la cinta se siente como si fuera cuesta abajo a partir de ahí.

PARA LA TRIVIA: En la historia se menciona que Eso despierta cada 27 años. Intencionalmente o de manera fortuita, el número 27 se ha asociado con esta historia de diferentes formas: El remake se estrenó 27 años después que la miniserie original; Skarsgård cumplió 27 años un mes antes del estreno; el actor Jonathan Brandis, quien interpretara a Bill en la miniserie original, murió a los 27 años; y en EE.UU. la película se estrenó el 8 de septiembre de 2017 y si se suman estos dígitos (8+9+2+0+1+7) el resultado es igual a 27.

 

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[1] Ya saben, de esas veces cuando la película sube el volumen de la música y te espanta de repente.

EL MONSTRUO DEL PANTANO

Swamp Thing

 

Wes Craven, 1982

Existen 3 ediciones diferentes de esta película: Una de 93 minutos que pasaban en la TV por cable, la edición original de 91 minutos, que fue la que se estrenó en cines y la que se consigue en DVD, y la edición para TV abierta de 89 minutos. La única diferencia sustancial es una secuencia del personaje de Alice Cable bañándose en un estanque que se alarga o se acorta según las necesidades de la censura.

En 1971 la revista antológica de comics House of Secrets, publicada por DC, presentó una historia corta ambientada en la Era Eduardiana sobre un científico mutado en un monstruo vegetal que intentaba salvar a su esposa de ser asesinada por su socio traidor. La historia se tituló La cosa del pantano (The Swamp Thing). En 1972, el personaje creado por el guionista Len Wein (cuya carrera incluye montones de créditos de los cuales uno de los más sobresalientes son varios episodios de Batman: la serie animada [1992-1996]) y el artista Bernie Wrightson ‒quien es también uno de los pilares del cómic de horror y sci-fi, pero cuyo trabajo más sobresaliente son las ilustraciones que hiciera para la edición de Marvel Comics de la novela Frankenstein, de Mary Shelley‒ recibió su propio título mensual en solitario.

    El primer volumen de la serie regular de Swamp Thing comprende 24 números, escritos por Wein, David Michelinie y Gerry Conway, y dibujados por Wrightson, Nestor Redodndo y Fred Carrillo. El cómic narraba la historia, ambientada en la época contemporánea, del Dr. Alec Holland, un biólogo que trabaja en secreto en su laboratorio en los pantanos de Louisiana, acompañado por su esposa Linda, en una fórmula bio-restauradora que puede hacer crecer plantas prácticamente de la nada. Cuando un grupo de mercenarios contratado por el misterioso Mr. M trata de robar la fórmula de Holland, éste resulta gravemente herido y entra en contacto con químicos que lo convierten en un mutante vegetal humanoide. En este primer volumen aparecen personajes clave como el archienemigo de Swamp Thing, el alquimista Arcane ‒rebautizado posteriormente por la serie de dibujos animados y línea de figuras de acción complementaria como Anton Arcane‒, su hermano Grigori (conocido como Hombre Parche y quien tiene un sospechoso parecido con la Creatura de Frankenstein), Abigail Arcane o el agente gubernamental Matt Cable, quien después moriría y se convertiría en el cuervo que acompaña al Sandman de Neil Gaiman.

 

    En su primera época, el comic de Swamp Thing presenta una exquisita mezcla de Horror, Ciencia Ficción, Dark Fantasy e incluso un poquito de Horror Cósmico, todo enmarcado por una atmósfera de Gótico americano con una marcadísima influencia de los comics de EC como Tales From the Crypt, Weird Science o The Vault of Horror.

    Por desgracia, nada de eso está presente en la película.

 

    La cinta sigue más o menos de manera fiel la historia del origen del personaje. El Dr. Alec Holland (Ray Wise) y su hermana Linda (Nannette Brown) trabajan en su fórmula bio-restauradora recluidos en su laboratorio en los pantanos de Louisiana ‒aunque la peli se filmó en locación en Carolina del Sur‒. La fórmula tiene el poder de dotar a las plantas con características animales para ayudarlas a adaptarse mejor al medio ambiente hostil. Pero el malvado Arcane (Louis Jourdan) ‒quien aparte de ser un millonario megalómano nunca se explica quién es, qué hace o por qué quiere la fórmula‒ pretende robar la fórmula a como dé lugar. La agente especial Alice Cable (la entonces esposa de John Carpenter, Adrienne Barbeau) es enviada para proteger a los Holland y termina enamorándose de Alec y ayudándolo en su investigación. Pero claro, Arcane no descansará hasta conseguir el químico, así que envía un grupo de los mercenarios más camp que haya visto en una película a sabotear a Holland y robar sus notas. Linda es asesinada, Alec queda cubierto por su propia fórmula y es dado por muerto cuando queda sumergido en el pantano mientras Cable logra escapar. Días después, Holland regresa como Swamp Thing (interpretado por el actor y doble de riesgo de 1.97m Dick Durock), un monstruo hecho de vegetación ‒bueno, no, desde un helicóptero se nota que lleva puesto un traje de látex barato‒ para ayudar a Cable a escapar y detener a Arcane en sus planes de conquista mundial.

    Siempre he considerado a Wes Craven uno de los genios del cine de género. Es uno de los pocos cineastas cuyas películas mantienen casi todas un cierto nivel de calidad y que logra reinventarse dentro del género casi siempre. La última casa a la izquierda (1972), La colina de los ojos malditos (The Hills Have Eyes, 1977), La serpiente y el arco iris (1988), Pesadilla en la calle del Infierno (1984) o incluso algunas tardías como La nueva pesadilla de Wes Craven (1994) o Scream: grita antes de morir (1996) son aportaciones valiosas al género e incluso parteaguas del cine de terror y horror. Otras, como La marca de la bestia (2005) y Espíritus (2010), son pura basura. El monstruo del pantano es simplemente mala a secas. Ni siquiera es de esas pelis que son tan malas que se vuelven buenas, sólo es mala.

    A pesar de todo, la cinta recibió críticas más o menos positivas en su momento, aunque hay que entender que, en ese tiempo, prácticamente no existían las adaptaciones de comics a la pantalla grande, salvo por las películas de Superman ‒a las cuales nunca he sido muy aficionado‒, y no estaba muy claro cómo debía tratarse la fuente original para llevarla a la pantalla grande. Los críticos de cine Roger Ebert y Gene Siskel, cuyas opiniones suelo respetar, alabaron la película diciendo que era un gran tributo a las cintas de monstruos de la Era Atómica y que, en general, era una buena película dentro de su género. Sin embargo, la crítica que hizo Ebert sobre Spawn (Dippé, 1997) me hace pensar que el hombre era más bien condescendiente con las películas sobre cómics.

    Las actuaciones son muy disparejas y, mientras Barbeau y Wise hacen un trabajo decente, e incluso Durock tiene algunos momentos particularmente brillantes interpretando al monstruo, el francés Louis Jourdan, quien viera su época de gloria en la década de los 60, está en un tono demasiado camp, grandilocuente, exagerado y excesivamente afeminado sin justificación alguna. Supongo que los realizadores, al tener como único referente de adaptación cómic-pantalla la serie de TV de Batman (1966-1968), decidieron que ése era el tono que debían darle a la película.

    Lo cual nos lleva a la infame transición de explosión. En una secuencia en la que Swamp Thing es perseguido por aerodeslizadores en un estero, nuestro héroe logra hacer que dos de ellos choquen, provocando una vistosa explosión ‒porque ¿qué le falta a una película mala para quedar aún más padre? ¡Explosiones, claro!‒. Así que, inmediatamente después, la pantalla se recorta en forma de explosión y hace la transición a la siguiente secuencia. WTF??? No sólo es ridículo para verse en pantalla, sino que, siendo Swamp Thing un comic más bien alternativo, no recuerdo haber visto nunca que usaran ese tipo de recursos. Quizá me equivoque, pero estoy casi seguro de ello.

    De hecho, el guión es un poco un fraude en el que, contada la historia del origen de Swamp Thing, la secuencia de mercenarios persiguiéndolo, atrapándolo y él escapando después se repite casi ad nauseam. Al menos en la edición de 93 minutos de duración está esa escena topless de Adrianne Barbeau…

    Sin embargo, la cereza del pastel son, por supuesto, las criaturas. En el comic, Arcane tiene por esbirros a un grupo de homúnculos deformes creados por él mismo conocidos como los Un-Men. En la serie de dibujos animados, los Un-Men son coloridos y estereotipados súper villanos con poderes especiales y la habilidad de convertirse en monstruos híbridos y vender figuritas de acción gracias a una máquina llamada Transducer. En la película… bueno, en la película Arcane hace beber la fórmula a uno de sus mercenarios, Bruno (Nicholas Worth), quien termina convertido en un enano que parece la mezcla de un simio con un cerdo… o algo así, tal vez sólo unieron los prostéticos que les sobraban en la bodega.

    Pero, ¿qué onda con Swamp Thing? Digo, si sabían que el traje se veía chafa, pudieron fotografiarlo mejor… al menos pudieron hacer tomas desde otros ángulos, por ejemplo, desde donde no se viera que el prostético de la cara se le estaba despegando, o que no se notara que el traje ya tenía varios agujeros que trataron de parchar torpemente con látex líquido, o una en la que no se viera la playera azul que Dick Durock llevaba por debajo del traje.

    SPOILER Y luego está Arcane. Hacia el final de la cinta, Arcane decide tomar la fórmula él mismo, lo que provoca que su rostro se cubra con costras sangrantes para después quedar encerrado en un capullo de papel maché y luego emerger convertido en una cosa que parece el Monstruo de la Laguna Negra mezclada con un jabalí y creo que ni siquiera es de látex, parece como que lo hicieron con keratol… ¡Con ojos de plástico! Así es, como que quien hizo la botarga agarró de esos ojos de plástico que le ponen a los osos de peluche y que se compran en las mercerías, y los pegó sobre el hule de la máscara. ¿Y por qué un mutante con fuerza sobrehumana necesita una espada? TERMINA SPOILER

    Creo que lo que sí es bastante rescatable de este pastiche Hulk-La Bella y la Bestia-La mosca es la relación entre Cable y Swamp Thing, que sí se siente auténtica y llena de matices y sutilezas. La actuación de los involucrados es lo suficientemente competente para hacer brillar este elemento en el cual se nota gran influencia de La novia de Frankenstein (Whale, 1935).

    Otra cosa que sí les salió bien en esta peli es la fotografía de las escenas del pantano. Aunque el tono oscuro y gótico del comic se pierde con las escenas filmadas en pleno día, la fotografía de la cinta logra hacer del pantano un personaje más, una extensión de Swamp Thing que, de forma expresionista, exterioriza las emociones del personaje.

    A mucha gente le gusta esta película. A mí me despierta sentimientos encontrados. Es divertida y entretiene, y sin duda me ha arrancado varias carcajadas; pero no es de mis favoritas. Como adaptación de la fuente original me parece bastante fallida. Como película de horror y Ciencia Ficción creo que simplemente no funciona. Como cinta de acción queda bastante mediana. Supongo que Siskel y Ebert tenían razón, y la única forma de apreciar esta cinta es como una anacrónica película de monstruos de Serie B.

    A pesar de todo, el estreno de la película impulsó a DC Comics a publicar una segunda serie regular titulada Saga of the Swamp Thing, que en la opinión de los críticos es la mejor del personaje, con guiones escritos por Martin Pasko y Alan Moore. Del mismo modo, la cinta engendró una secuela en 1989 ‒que roza los límites de lo humanamente soportable, en gran medida gracias a la “actuación” de Heather Locklear como Abby Arcane‒ y durante varios años ya se ha hablado de un reboot cinematográfico.

    Y, francamente, el que la película haya terminado viéndose como clásico de los autocinemas no creo que haya sido intencional.

PARA LA TRIVIA: El personaje de Swamp Thing es “sospechosamente parecido” al de Man-Thing, de Marvel Comics, creado por Stan Lee, Roy Thomas, Gerry Conway y Gray Morrow en 1971. Según se sabe, Len Wein era compañero de cuarto de Conway en el tiempo en el que los personajes fueron creados. A pesar de las similitudes, Marvel nunca ha llevado el asunto a la corte porque ambos personajes son “sospechosamente parecidos” al personaje The Heap, creado por Harry Stein y Mort Leav para Air Fighter Comics en 1942.

Si pudiera bajarle puntos por las botargas de los monstruos, lo haría, la neta.

 

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ATÓMICA

Atomic Blonde

 

David Leitch, 2017

 

Recuerdo haber visto la caída del Muro de Berlín por televisión cuando era niño. Digo, no cobró significado para mí hasta muchos años después; pero sí recuerdo estar sentado frente a ese televisor de torreta y verlo todo. La desaparición de la DDR, con sus pros y sus contras, es un telón de fondo magnífico para un thriller político o para una película de espías. Justo es este hecho histórico el que explota Atómica, basada en la novela gráfica de Antony Johnston, película que se convierte en un estilizado ejercicio de forma sobre fondo.

    La peli narra la historia de Lorraine Broughton (la genial Charlize Theron), una agente del Servicio Secreto Británico que es enviada a Berlín para investigar el asesinato de un colega y recuperar el valioso cargamento que éste llevaba y que le fue robado: una lista secreta con los nombres de los agentes de inteligencia de diferentes países que fungen como agentes dobles.

 

    Y ya. La trama es bastante lineal y es de lo más simple, aunque tiene montones de complicaciones de lo más artificiosas. Vueltas de tuerca sobre vueltas de tuerca sobre vueltas de tuerca que no sólo se vuelven predecibles desde que comienza el segundo acto de la peli; sino que ya al final terminan rayando en lo absurdo. De hecho, en una película que ya de por sí se nota derivativa, hay momentos en los que se siente que el guión está divagando y que sólo está dándole vueltas innecesariamente a algo que ya se expuso con claridad anteriormente.

    Lo que sí está muy bien son las actuaciones. Un reparto conformado por histriones del calibre de James McAvoy, John Goodman, Toby Jones, Bill Skargård ‒a quien veremos como el payaso Pennywise en el próximo remake de It y quien, francamente, me parece mejor actor que su hermano mayor‒ o la misma Theron logra elevar y volver interesante una película que, de otro modo, sería bastante olvidable. Los personajes se sienten un poco más profundos de lo que en realidad son y en general todos los intérpretes logran ponerle carnita a lo que encontraron en el papel.

    Y también por ahí anda Sofia Boutella, a quien mejor no recordamos por el deleznable segundo remake de La momia (Kurtzman, 2017).

    Por otro lado, las escenas de acción son bastante disparejas. Eso sí, la película tiene mucha acción que se extiende a lo largo de varias secuencias y que la vuelve muy entretenida. Un buen uso del maquillaje prostético intenta darle un tono más realista a las escenas de peleas, haciendo ver que los catorrazos van en serio y eso está muy padre.

    Por desgracia, algunas de las coreografías están mal fotografiadas y se ven súper falsas. Se ve el clásico efecto de “Patada Jedi” en la que se nota que ni siquiera se tocaron y aun así hay reacción. Vamos, finalmente, hay varias de las coreografías en la película que se nota que son coreografías y eso es bastante chafa.

    Honor a quien honor merece, algunas otras coreografías se ven espectaculares.

    Quizá el aspecto más sobresaliente de la peli es la propuesta estética. Digo, es precisamente el elemento que vende la película en las imágenes publicitarias. La estética Glam/Retro New Wave se encuentra presente en toda la cinta, cuya fotografía está llena de colores sobresaturados que funcionan como una especie de leit motiv para identificar personajes y lugares. Éste es el elemento más llamativo de la película: una fotografía bella que se complementa con una edición bastante propositiva y dinámica que apoya a la narrativa de la peli. O sea, todo se ve bien pinches bonito.

    Lo que no deja de llamar poderosamente mi atención es que el empeño de crear una película de época sea sacrificado en aras del estilo. Digo, no se trata en absoluto de una película histórica; pero sí echaron mano de gran cantidad de recursos para recrear el aspecto de las diversas locaciones en aquella época ‒Alexanderplatz se ve genial‒, desde filmar en locaciones en Berlín, Londres y Budapest ‒que es donde se filman casi todas las películas gringas que quieren capturar ese look europeo, porque además es más barato‒ hasta utilizar el viejo truco de la pintura mate ‒que, de hecho, era muy popular en las películas de los 80, antes de los escenarios virtuales‒.

    De todos modos, los vestuarios de los personajes principales no lucen como de 1989… Están muy padres, sobre todo los trapos que usa la Theron; pero se notan un tanto anacrónicos.

    El soundtrack está conformado por increíbles composiciones originales de Tyler Bates ‒quien compusiera los soundtracks de Halloween: El inicio (Zombie, 2007), 300 (Snyder, 2006), Guardianes de la galaxia (Gunn, 2014) y Sucker Punch: Mundo surreal (Snyder, 2011)‒ muy en la vena Retro New Wave, y muy selecta música pop de los 80 con canciones de David Bowie, The Clash, Nena, Falco y Peter Schilling, entre otros. Porque ya saben que, si todo lo demás falla, siempre puedes llenar tu película con música exitosa del pasado para tener contento al público.

    Lo que sí me impresionó fue que en ningún momento sonara Atomic, de Blondie. Quizá quisieron evitar la obviedad, pero…

    Finalmente, Atómica no le va a cambiar la vida a nadie. No tiene casi nada de contenido y se siente que es una envoltura muy bonita para una caja vacía. Pero es una envoltura muy muy bonita. Es una cinta entretenida que lo mantiene a uno atento a lo que pasa, aunque se siente un poco larga por momentos. Sin embargo, en general creo que es una cinta de acción bastante decente con un par de gags que como que no acaban de caer del todo. Pero sí está chida.

    ¿Saben qué también es muy curioso? La película no se ve en absoluto como el comic, que está más clavado en una estética Noir en blanco y negro súper influida por el Sin City de Frank Miller.

PARA LA TRIVIA: La confrontación clave hacia el final de la película se filmó en el interior de un edificio real en Berlín en lo que parece ser una larga secuencia sin cortes. En realidad, la escena está compuesta por alrededor de 40 secuencias pequeñas que fueron editadas meticulosamente con ayuda de herramientas digitales para dar la ilusión de que se trataba de una sola.

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ESCUADRÓN ANTI-MONSTRUOS

Monster Squad

 

Fred Dekker, 1987

 

Fue en 1943 cuando un Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) recién despertado del coma liberó a la Creatura de Frankenstein (Bela Lugosi) de un bloque de hielo y, al no tener nada mejor que hacer, ambos monstruos batallaron hasta un clímax catastrófico en Frankenstein contra el Hombre-Lobo (Neill, 1943). Desde entonces, pareció que el destino de los Monstruos clásicos era encontrarse, ya fuera como enemigos o como aliados, en cintas como La guarida de Frankenstein (Kenton, 1944) o La mansión de Drácula (Kenton, 1945), la cómica Abbott y Costello contra los fantasmas (Barton, 1948), la apócrifa Drácula vs Frankenstein (Adamson, 1971) o nuestras queridas bastardizaciones nacionales El castillo de los monstruos (Soler, 1958) ‒siendo honesto, ésa sí me gusta mucho‒, Santo el enmascarado de plata y Blue Demon contra los monstruos  (Martìnez Solares, 1970) o Capulina contra los monstruos (Morayta, 1974).

    En 1987, el director de la genial película tributo a las cintas de Serie B El terror llama a su puerta (1986), Fred Dekker, decidió realizar un ambicioso guión que había escrito años atrás; pero para el que no había conseguido financiamiento. Tras la popularidad de El terror llama a su puerta, Dekker pudo más fácilmente conseguir quien produjera su película: una cinta familiar en la que un grupo de preadolescentes se enfrenta a los Monstruos clásicos. Lo que Dekker no pudo conseguir fueron los derechos para utilizar los diseños de los Monstruos que Jack Pierce creara para Universal Pictures cinco décadas atrás.

    En el que probablemente sea uno de los prólogos más costosos en la historia del cine ‒y si se hubiese filmado como estaba en el guión habría costado más que toda la película‒, la película cuenta cómo el Dr. Abraham Van Helsing (Jack Willim), un siglo atrás, intentó usar un amuleto mágico para enviar a su enemigo Drácula (Duncan Regehr) y su séquito de monstruos al Limbo. Por desgracia, Van Helsing fracasó y sus discípulos emigraron a los EE.UU. para esconder el amuleto. En la época actual, Drácula y sus esbirros viajan al pueblo de Baton Rouge, Louisiana, para destruir el amuleto. Pero no contaban con Sean Crenshaw (Andre Gower), quien posee el diario de Van Helsing, su hermanita Phoebe (Ashley Bank) y sus amigos amantes de las películas clásicas de Monstruos, quienes saben justo cómo detener a los invasores.

    Pues no, el argumento no es lo que podría decirse sobresaliente. El guión está bien escrito, a secas; pero está lleno de huecos y salidas fáciles. Y aun así, la película funciona maravillosamente.

    El sencillo guión de Fred Dekker y Shane Black ‒el guionista-actor a quien seguro recuerdan por su papel de Hawkins en Depredador (McTiernan, 1987)‒ tiene montones de frases ingeniosas ‒”Wolf-Man’s got nards!” (“¡El Hombre-Lobo tiene bolas!”)‒ y jocosas referencias a películas de monstruos. Dekker era fan de las películas clásicas de monstruos de Universal y de los seriales de La pandilla , por lo que decidió mezclarlos para crear esta película[1].

   Empero, el verdadero núcleo de la película es el mensaje de que la amistad trasciende a pesar de nuestras diferencias ‒el chavo rudo se alía con los nerds, el niño gordo recupera su dignidad por mano propia y, claro está, la Creatura de Frankenstein trabando una entrañable amistad con una niña de preprimaria‒. También hay por ahí un par de comentarios sobre los monstruos del mundo real que le dan a la película otro nivel de profundidad completamente nuevo.

    Las actuaciones son bastante decentes; digo, no son particularmente buenas, pero no dejan qué desear, y lo que sí es sobresaliente es ver a tantos niños carismáticos juntos en pantalla ‒digo en Parque Jurásico (Spielberg, 1993) no pudieron juntar a dos‒. Los adultos también hacen un trabajo bastante competente, sobre todo Noonan como la Creatura de Frankenstein y Regehr, como el Rey de los Vampiros.

    Según lo ha referido en entrevistas[2], Regehr interpretó a Drácula como si fuera el supervillano de algún cómic y sí lograba darle miedo a los niños. Del mismo modo, Noonan no interactuaría nunca con los chicos si no estaba completamente caracterizado, además de que disfrutaría de jugarle bromas pesadas a Stan Winston con el maquillaje puesto.

    La fotografía es muy buena y muy propositiva. Bradford May, director de foto, tuvo desde el principio el cometido de hacer que todo se viera lo más real posible. Del mismo modo, sabía que era una cinta para niños; pero no por eso dejó de darle una atmósfera oscura y tenebrosa. Finalmente, la propuesta de May en la pantalla es la de una película oscura pero con colores sólidos y brillantes, muy en el estilo de otras películas de la época, que se ve genial.

    Por supuesto, las estrellas del show son los monstruos. Según Shane Mahan, artista del Stan Winston Studio que estuvo liderando el proyecto de Escuadrón Anti-Monstruos, “El reto era sugerir estas criaturas clásicas sin copiarlas realmente”[3]. Según parece, ni Antonio Espino “Clavillazo”, ni Xavier López “Chabelo”, ni Santo tuvieron que preocuparse por eso alguna vez. Lo que sí es que las criaturas de Monster Squad, a diferencia de las Hechas en México, prácticamente no han envejecido en tres décadas.

    El diseño de los monstruos estuvo a cargo del mismo Stan Winston, quien tuvo que delegar la confección de los mismos a los artistas del estudio, pues se encontraban saturados de trabajo. Mientras el SWS trabajaba en Escuadrón Anti-Monstruos, Winston estaba enfocado en el diseño y pre-porducción de la película que sería su debut como director, la ahora clásica Pumpkinhead (1988), y una pequeña porción del equipo trabajaba en un bomberazo en el que nadie creía llamado Depredador.

    Aunque un poco decepcionados por no poder utilizar los diseños originales de Pierce, los artistas del Stan Winston Studio no sólo crearon personajes carismáticos en pantalla; sino que lograron implementar en ellos nuevas tecnologías del puppeteering que reducían considerablemente el número de titiriteros que eran necesarios para dar vida a cada una de las criaturas. Esta cinta, además, marcó el debut del artista Tom Woodruff Jr.[4], quien pasara por muchas dificultades y sufrimientos al encarnar a la criatura acuática conocida como Gillman, como actor de creaturas. Además, la versión de esta peli de la Momia (Michael MacCay) es mi favorita de todas.

    Fred Dekker reconoce que Escuadrón Anti-Monstruos es su mejor película; pero también reconoce que fue la película que acabó con su carrera. La cinta costó cerca de 12 millones de dólares, pero en taquilla no recaudó ni 4 millones en su breve corrida de tres semanas. Casi un lustro después, Dekker tuvo una nueva oportunidad de recuperar su carrera de director… por desgracia el proyecto que encabezó fue RoboCop 3 (1993) y, bueno, ya todos sabemos cómo terminó eso.

    Diversos factores se conjuntaron para que la película fracasara en taquilla. Algunos involucrados en la peli culpan a una campaña de mercadeo mal dirigida, otros culpan a la falta de los diseños originales de los monstruos. Sin embargo, el fondo del asunto fue que la cinta estaba dirigida a un público muy reducido. Los niños no la vieron porque los padres creyeron que la película era inapropiada para ellos, y los adolescentes y adultos tampoco la vieron porque creyeron que era una película para niños. Según lo refiere Tom Noonan[5], a él mismo le costó mucho trabajo conseguir una copia en VHS para que sus hijos la vieran. Lo cierto es que, con el paso del tiempo, de forma inesperada para sus realizadores, Escuadrón Anti-Monstruos se ha convertido en una película de culto cuya nutrida legión de fanáticos ha surgido de la TV por cable y los videoclubes. Yo me enteré de su existencia gracias al libro de Stan Winston y ahora me cuento entre los fans.

PARA LA TRIVIA: Dustin Diamond, quien interpretara a Screech en Salvados por la campana (1989-1993), tenía una breve aparición en la cinta; pero ésta fue eliminada junto con otros 13 minutos de película porque los ejecutivos de HBO no querían que la peli durara más de 90 minutos. Del mismo modo, Liam Neeson, quien originalmente fue considerado para el papel de Drácula, fue contratado y de hecho se le pagó para aparecer en una secuencia que nunca se filmó.

 

[1] Según lo declara en la entrevista que dio para el especial Monster Squad Forever! (Felsher, 2007), incluido dentro del material extra de la edición de 20 aniversario en DVD.

[2] FELSHER, ídem.

[3] MAHAN, Shane, citado en Duncan, Jody The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, Londres, 2006. P.98. La traducción es mía.

[4] A partir de Alien 3 (Fincher, 1992) y hasta Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007), Woodruff sería el actor dentro de los trajes de xenomorfo en la saga Alien.

[5] FELSHER, ídem.

Lee mis reseñas de los Monstruos Clásicos de Universal:

Drácula

Frankenstein

La momia

El hombre invisible

La novia de Frankenstein

El hombre lobo

El Fantasma de la Ópera

El monstruo de la Laguna Negra

 

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