STAR WARS EPISODIO II

Star Wars Episode II: Attack of the Clones

 

George Lucas, 2002

 

Tras el éxito financiero y el fracaso con el público que fue Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma (Lucas, 1999), la secuela era esperada con ansias. ¿Volverían las soporíferas escenas de intriga política? ¿Volverían el guión pobre y las malas actuaciones? ¿Nuevamente tratarían de convencernos a punta de madrazos durante más de dos horas de que Jar Jar Binks (Ahmed Best) es gracioso? Pero, sobre todo, ¿estaría esta nueva cinta al altura de por lo menos El regreso del Jedi (Marquand, 1983)?

    El título original de la Trilogía de Precuelas iba a ser tal cual Clone Wars, pero los realizadores decidieron mantener el de Star Wars para facilitar la asociación del público con la franquicia.

    La trama de esta película sucede diez años después de Episodio I. Anakin Skywalker (Hayden Christensen… sobre quien hablaré largo y tendido más adelante) es ya un adolescente impulsivo bajo la tutela de su maestro jedi, Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor). La República atraviesa una crisis, ya que el exjedi conocido como conde Dooku (el inmortal Chrsitopher Lee haciendo un personaje que es una obvia referencia a Drácula, el papel que lo hiciera inmortal) se ha convertido en el caudillo de un movimiento separatista, liderado por la Confederación de Comercio, que busca independizar varios sistemas planetarios del yugo del Senado Galáctico.

     La República planea defenderse de dicho movimiento al crear un gigantesco ejército; pero, sumida en la burocracia, necesita el apoyo del Senado Galáctico para lograrlo. El voto decisivo será el de la senadora Padmé Amidala (regresa Natalie Portman), quien sufre un atentado en contra de su vida ni bien llega a Coruscant —que en esta cinta luce una marcada influencia de Blade Runner (Scott, 1982)— para la votación. Para protegerla, el Consejo Jedi nombra a Anakin como su escolta. Los dos jóvenes obviamente se enamoran, mientras Obi-Wan lleva a cabo la investigación para dar con el autor intelectual del atentado contra Padmé y en el camino descubre al Ejército de la República, conformado por clones del cazarrecompensas Jango Fett (Temuera Morrison) cultivados en secreto bajo presuntas órdenes de los Jedi.

    Esta película retoma, en mayor medida, un pasaje del guión original de The Star Wars que quedó fuera de la Trilogía Original^[1]. En él, el renegado guerrero jedi Luke Skywalker encomienda el cuidado de la princesa Leia a su discípulo Anikin Skywalker, quien la oculta en el desértico planeta Gordon —agradecemos a Lucas evitar una referencia tan obvia— y, de manera bastante inexplicable, surge el amor entre ambos.

    Por cierto… se supone que en esta película los malos son los separatistas: un grupo de rebeldes azuzados por un viejo caballero jedi que se levantan en armas en contra de un gobierno corrupto e ineficiente… Un momento… ¿Qué no era eso lo que hacía la Alianza Rebelde en la Trilogía Original? Me huele a doble moral.

     Recuerdo que en aquella época la decisión de castear al prácticamente desconocido Hayden Christensen para interpretar al joven Anakin Skywalker generó mucha controversia —varios críticos del momento se refirieron a él como el “Backstreet Boy de Star wars”—. Las opiniones en contra argumentaban que Christensen no daba el ancho para el papel, que había sido elegido por su físico ‒posteriormente se sabría que la elección recayó en que a Lucas le gustó cómo se veían juntos Portman y Christensen‒ y no por sus capacidades histriónicas, y lo atacaban porque, según reveló en una entrevista, nunca había visto ninguna película de Star Wars.

    Y si bien creo que el no ser fanático de la franquicia no tendría por qué influir en su trabajo, estoy de acuerdo con todo lo demás. Porque es cierto. Porque si hay un solo elemento que mantuvo una férrea continuidad entre el Episodio I y el II fue precisamente el que Anakin es odioso en pantalla. Su actuación es acartonada y pueril, innecesariamente melodramática, y uno no puede evitar carcajearse hasta las lágrimas cuando el pobre lamenta la muerte de su madre y describe cómo asesinó a los tusken raiders.

    Y si de por sí el chavo es maleta, la verdad es que Lucas no le da con qué trabajar. Es decir, nadie esperaba un Shakespeare; pero aparte de lo malito del guión, me encuentro con lo que más me choca de esta película: el planteamiento del personaje de Anakin Skywalker. A final de cuentas, resulta que Darth Vader, el villano número 2 en la lista de los 100 mejores villanos en la historia del cine según el AFI —el primero es Hannibal Lecter—, la encarnación del mal en la galaxia^[2], es sólo un niño llorón que extraña a su mami y que se vuelve malo por berrinchudo y porque la niña que le gusta no lo pela.

    Así pues, Christensen roba cámara con su mala actuación; pero los demás no se quedan atrás. La Portman también es bastante malita, aunque eso sí, es superior a su compañero de escena y a como la vimos en el Episodio I. El que sorprende es Ewan McGregor, quien se ve mucho más comprometido con su labor que en la cinta anterior, quizá porque cayó en cuenta de que en esta peli la responsabilidad de que por lo menos un actor efectivamente actuara en pantalla caía enteramente sobre él.

    De todos modos, es difícil concentrarse en ello cuando la película está llena de distractores. Creo que el argumento es innecesariamente complicado, quizá porque quisieron darle vueltas a lo que en su núcleo no es más que una historia de amor chafona, y además falla en momentos clave.

    Quiero decir, algunas resoluciones son increíblemente torpes. Siendo el mayor ejemplo la votación en el Senado Galáctico, que a final de cuentas resulta ser una escena casi idéntica a la del Episodio I en la que se destituye a Valorum (Terence Stamp) como Canciller Supremo. Y siempre me he preguntado… ¿Neta? ¿Quién chingados deja a Jar Jar Binks (Ahmed Best) en un cargo diplomático? Porque entonces el estúpido no es él, sino Padmé.

    ¿Y qué me dicen de los retrocohetes de R2-D2 (Kenny Baker)? Digo… ¿Es en serio? De por sí toda la secuencia de la fábrica de droides ‒que no estaba en el guión de la película, sino que se les ocurrió de último momento… y se nota‒ parece más apropiada para un dibujo animado de Tom y Jerry que para una cinta de Star Wars, y después me salen con que prácticamente la mitad de las peripecias de R2 en las películas anteriores se pudieron evitar fácilmente. ¿Y por qué en el futuro (o sea, en la Trilogía Original) ya no los usa? ¿Se le olvidó que los tenía?

    Lo que sí es que la película está poblada por la que quizá es la más extensa variedad de personajes secundarios… todos desaprovechados. De verdad, esta cinta tiene varias líneas argumentales que no llevan a ningún lado y creo que metieron demasiados personajes de apoyo que hubieran resultado interesantes por ellos mismos, pero que al no ser bien desarrollados quedan superfluos y se siente que sobran.

    El que sí de plano lo metieron con calzador fue a Jango Fett. Digo, ahora resulta que los Stormtroopers, que cuando disparan no le atinan ni a un burro amarrado, son clones del más eficiente cazarrecompensas y asesino a sueldo de la galaxia. Y lo peor es que uno de nuestros villanos consentidos, Boba Fett (Daniel Logan), de quien uno de sus principales atractivos era el misterio alrededor de su persona, resulta tener un origen perfectamente definido que además lo plantea como un niñito mal actor con peinado chistoso.

    Y hablando de los Fett, ¿qué onda con su reparto de “Escuela de la ONU”? En general, la Trilogía Original de Star Wars era percibida como una franquicia de blancos, todos caucásicos. En la Trilogía de Precuelas se nota que los realizadores se sintieron obligados a darle diversidad étnica al asunto, aunque francamente me parece innecesario. Y sí, te estoy hablando a ti, Mace Windu (Samuel L. Jackson). Aunque eso favoreció la aparición de la primera actriz mexicana en una película de Star Wars: Verónica Segura, quien interpreta el papel de Cordé… lo que es completamente irrelevante, porque la matan ni bien pasados los primeros cinco minutos de la película.

    En el apartado tecnológico, puede mencionarse el hecho de que ésta fue la primera cinta de la saga grabada enteramente de manera digital. Así, Lucasfilm se ahorró el ya un poco sinsentido proceso de revelado de la película para después digitalizarla y agregar el CGI.

    Fue una dura decisión para Lucas sustituir al Yoda (Frank Oz) tradicional por uno digital para esta película. Y el resultado se ve en pantalla… ¡No se parece en nada! Y lo peor es que le dieron en toda la madre al planteamiento del personaje. ¿Recuerdan a ese Yoda meditativo, sabio, estoico y bonachón pero firme? Bueno, pues olvídenlo por completo, que este nuevo Yoda es irascible, hiperactivo y pelea con un diminuto lightsaber contra el gigantón Christopher Lee (recordemos que medía casi 2m) en una de las escenas más ridículas de las que tenga memoria.

    Del mismo modo, a diferencia del Episodio I en el que el CGI se usó mayormente para retocar y expandir escenarios reales filmados en vivo, trabajo que en la Trilogía Original se logró con pintura mate, en Episodio II la gran mayoría de los escenarios fueron creados con tecnología digital^[3]. Nunca existieron. Los actores simplemente se paraban en un estudio con pantallas verdes o azules y actuaban que se encontraban en tal o cual locación. Y se nota. Gracias a la poca pericia del director, con frecuencia, y esto por supuesto es más notorio en la edición en Blu-Ray, los actores tienen una notable cara de desconcierto en las escenas grabadas en escenarios digitales, como si la indicación de en dónde se encontraban hubiese sido poco clara o de plano inexistente…

    Y bien, si en Episodio I los personajes carecían completamente de objetivos, creo que en esta cinta ese mal se contagió a los realizadores. Ahora que volví a ver esta película sólo pude ver una cosa: Miedo. Puro y absoluto miedo. Y esta sensación sólo fue reforzada cuando volví a ver las escenas eliminadas incluidas en el material extra de la edición en DVD.

    Me refiero a que, temerosos de caer en las largas secuencias explicativas de la película anterior, los realizadores de ésta dejaron fuera casi toda la intriga política y las escenas demasiado dialogadas. El problema es que creo que se les pasó la mano. Así, fuera del corte final de la película quedaron las escenas en las que se desarrollaba el romance entre Padmé y Anakin; por lo que éste termina viéndose simplón, injustificado y sin fuerza en pantalla.

    Del mismo modo, la masacre de jedis en la arena de Geonosis se ve padre; pero me molesta un poco que rompe con la imagen que me había formado de los jedi gracias a la Trilogía Original e incluso a Episodio I: Que eran guerreros sabios y ecuánimes casi invencibles. Aquí son tan tontos como para meterse solitos en una ratonera y dejar que los acribille un ejército de Battle Droids.

    También pude notar una cierta desesperación por ponerle más acción a las escenas de acción. ¿O de qué otro modo se explica uno que se la pasen jugando con el zoom-in? Que, por cierto, usar zooms rápidos para darle dinamismo a una secuencia es taaan de los setenta…

    La confrontación final entre el conde Dooku y Yoda resulta ridícula. Además, aunque probablemente Lee sea el actor que mayor número de peleas con espada ha representado frente a cámara, ésta no la realizó él; sino un doble debido a la avanzada edad de Lee. Así pues, la confrontación entre los dos poderosos jedis que se ve en pantalla es una coreografía entre un muchacho de la estatura de Lee y nada.

    Mucha gente opina que, de hecho, Episodio II: El ataque de los clones es la peor película de la saga; sin embargo, discrepo. Sí creo que esta cinta es superior a la anterior —o quizá convendría decir que es “no tan pinche”— y baso mi argumentación en tres puntos. Primero: No sale Jake Lloyd. Segundo: Las apariciones en pantalla de Jar Jar Binks son reducidas drásticamente, hasta el punto de ser prácticamente irrelevantes —vamos, su voto lo pudo emitir cualquier otro—. Y tercero: En general los vestuarios que le ponen a Padmé en esta ocasión son muchos más reveladores que en la peli anterior.

    Y ya. Por lo demás, sigue siendo pura basura.

GUERRAS CLÓNICAS (Star Wars: Clone Wars, Genndy Tartakovsky, 2003-2005… curiosamente, sin relación con la película Star Wars: Clone Wars [Filoni, 2008] ni la serie de televisión Star Wars: Clone Wars (2008])

Y, finalmente, hay un punto que siempre me llamó la atención. ¿Recuerdan en La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) cuando el holograma de la princesa Leia mencionaba que Obi-Wan había servido a su padre durante las Guerras Clónicas? Y uno se preguntaba qué había sido eso que debió ser un evento tan grande e importante que a partir de él se extinguieron los jedi. Uno pensaría que la Trilogía de Precuelas iba a contar la historia de las Guerras Clónicas. Pero no.

    Había dos ejes perfectamente claros alrededor de los cuales podría haber girado el argumento de la Trilogía de Precuelas: Las Guerras Clónicas y la cacería de los jedi a manos de Darth Vader. Sin embargo, en su infinita sabiduría, Lucas y McCallum (productor de la Trilogía de Precuelas) decidieron no tomar ninguno de los dos.

    En vez de ello, optaron por narrar las Guerras Clónicas a través de una serie de cortometrajes animados para televisión. La serie fue producida por la cadena de TV por cable Cartoon Network y dirigida por el genio detrás de El laboratorio de Dexter (1997-2013 de forma interrumpida), Las Chicas Superpoderosas(1998-2005) y Samurai Jack (2001-2015 de forma interrumpida), Genndy Tartakovsky.

    La serie enlazaba el Episodio II con el III (de hecho, el inicio de Episodio III es tal cual el epílogo de Clone Wars) y en ella se veían eventos interesantes como la invasión del Ejército Separatista a Coruscant, la caza a Anakin Skywalker por parte de la aprendiz de Dooku, la misteriosa Asajj Ventress, el rito a través del cual Anakin deja de ser un padawan y se convierte en jedi o la prueba a través de la cual Barris Offee, padawan de Luminara Unduli, construye su lightsaber^[4].

       Puedo decir, sin miedo a equivocarme, que a nivel argumental esta serie, cuya duración total es de un poco más de dos horas, es mucho más interesante que los Episodios I y II juntos. Asimismo, me parece que la calidad narrativa es muy superior a dichas películas —algunos capítulos carecen en absoluto de diálogos y aun así son más emocionantes que las pelis— y el drama en general está mucho mejor construido.

    De cualquier modo, nada de eso importa ya, porque con la compra de Lucasfilm por parte de Disney en 2014 la serie de dibujos animados de Clone Wars —y la película y serie de TV de animación digital que mandaban a la goma la serie de Tartakovsky y volvían a contar la misma historia, pero mal— quedó fuera del canon oficial de Star Wars.

PARA LA TRIVIA: Bueno, no sé si sea dato de trivia; pero igual es algo que siempre me ha llamado la atención. En la escena en la que Obi-Wan está en el archivo del Templo Jedi buscando el planeta Kamino, le menciona a la bibliotecaria que “debería estar aquí, justo al sur del Laberinto Ryshi”… Y yo me pregunto: ¿Cómo chingados un planeta puede estar “al sur” de… cualquier cosa?

[1] Baso todas mis referencias y afirmaciones sobre “el guión original” en RINZLER, J.W. y Mike Mayhew, The Star Wars, Dark Horse Books, United States, 2014. La adaptación en cómic del primer borrador de guión escrito por Lucas.

[2] Sí, el que acosaba a Debbie Harry en la versión europea del videoclip de The Tide is High, el que le hacía caballito a Freddie Mercury.

[3] Aunque algunas escenas sí fueron grabadas en locaciones reales en Italia, España y Australia.

[4] Me sigue intrigando que en toda la saga cinematográfica nunca se haya visto el momento en el que un jedi crea su lightsaber, excepto por cierta secuencia eliminada de El regreso del Jedi.

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ALIEN: COVENANT

Que originalmente se llamaba Paradise; luego, para evitar el mismo problema de disociación que con Prometeo, la llamaron Alien: Paradise Lost; pero que finalmente terminó llamándose Alien: Covenant.

 

Ridley Scott, 2017

 

Cuando el empleado de la taquilla del cine me vendió los boletos para la película que él llamó “El Alien”, pensé que vería algo como lo que aparece en el video Wild Boys de Duran Duran. Siendo honesto, tenía bajas expectativas sobre esta película… y el hecho de que se estrenara una semana antes en Europa y Latinoamérica que en EE.UU. me hizo pensar que no era el único que no le tenía mucha fe al proyecto. Afortunadamente, puedo decir que me equivoqué y Alien: Covenant es una entrada bastante digna en la saga.

    La historia de esta cinta sucede 10 años después de la desaparición de la nave Prometheus, cuando la nave colonizadora Covenant sufre un accidente que despierta a su tripulación del hipersueño. La tripulación, conformada por parejas casadas, excepto por el androide Walter (regresa Michael Fassbender), descubre que cerca de ellos se encuentra otro planeta desconocido con condiciones similares a las de la Tierra. El capitán Oram (Billy Crudup), a pesar de la reticencia de la Segundo Oficial, Daniels (Katherin Waterson, quien podría tomar la estafeta de Sigourney Weaver), decide explorar el planeta. Sin embargo, la expedición es atacada por sanguinarias criaturas mutantes. La expedición parece perdida hasta que son rescatados por un inesperado aliado, gracias al cual descubrirán el destino final de los últimos sobrevivientes de la Prometheus, el secreto detrás de las criaturas y horrores más allá de sus más alocadas pesadillas.

    No es un secreto para nadie que Ridley Scott no quería hacer esta película. En 2010, cuando se rumoraba sobre un proyecto que en aquel entonces sólo se llamaba Alien 0, la principal incógnita era el resultado que tendrían las negociaciones entre Twentieth Century Fox y el director británico. Scott aceptó dirigir el proyecto a condición de ser también el productor del proyecto para tener libertad creativa. Dicho proyecto después se convertiría en Prometeo (Scott, 2012).

    La razón es sencilla y Scott nunca la ha ocultado: la franquicia de Alien y, sobre todo su criatura estelar, están demasiado gastadas. Por eso trató de hacer una película que sirviera como precuela de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979); pero que al mismo tiempo apuntara en otra dirección. Por desgracia, el resultado, aunque bastante decente en sí mismo, no gozó del favor del público, al ser una película más orientada hacia la Ciencia Ficción y que seguía un hilo conductor enfocado en la cosmogonía y la teodicea… Y bueno, hubo mucha gente que ni se enteró de que era la precuela de Alien.

     Así las cosas, esta segunda película en la trilogía de precuelas de Alien trata de incorporar más elementos de horror. Al mismo tiempo, enlaza las tramas de Prometeo con la de las películas de Alien, mandando un poco a volar la primera y dando más énfasis a la segunda. Pero creo que lo mejor es que deja dos cosas bien claras: Primera, que Prometeo es indiscutiblemente una precuela de Alien ‒según lo que se planea, vendría siendo como Alien -2 ‒ y, definitivamente, saca del canon las inmundas películas de Alien vs Depredador (Anderson, 2004) y Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    Esta película me gustó bastante. Creo que uno de sus puntos más fuertes es el guión. Está bien escrito y la historia se cuenta bien. Hay sendos huecos en él, eso sí… y huecos profundos; pero supongo que eso podrá resolverse en películas posteriores ‒sigo preguntándome por qué a un androide le crecería el cabello o cómo es posible que un camión que es lanzado desde la órbita planetaria caiga en línea recta hacia la superficie del planeta, pero me haré de la vista gorda‒. Empero, los diálogos están bastante bien y los personajes están bien trabajados. John Logan y Dante Harper, guionistas de la peli, dan en el quid del asunto: comprenden que para que la muerte de un personaje en pantalla sea interesante, primero debe importarte ese personaje.

    La peli mayormente se enfoca en el horror. Es una de las películas más sangrientas que he visto en los últimos años, lo que agradezco de verdad, porque por alguna razón los personajes de las películas actuales no tienen sangre. Casi al final hay una escena en una ducha que me pareció casi salida de alguna de las tantas entregas de Viernes 13, con un tímido topless incluido, cortesía de la hermosa Callie Hernandez… sí, así es, hay una mujer físicamente atractiva en una película de Alien… y sí, tuvieron que pasar casi 40 años para ver la primera escena casi topless en una película de la franquicia, sin contar a la Ripley mutante de Alien: la resurrección (Jeunet, 1997). Sin emabrgo, hay también muchos elementos de película de aventuras ‒es la primera cinta en la franquicia en la que vemos a los aliens en exteriores y, lo que es más, en medio de la vegetación‒, de película de acción ‒hay una escena de kung fu, lo juro‒ e incluso de thriller. SPOILER Las secuencias entre Walter y David ‒o sea, Michael Fassbender echándose un duelo de actuaciones contra Michael Fassbender‒ están imbuidas de una atmósfera de misterio que llega a ser increíblemente perturbadora TERMINA SPOILER.

    Las actuaciones son muy buenas y creo que todos los actores mantienen un nivel bastante decente. Por supuesto, es casi inevitable que la cinta termine siendo un poco el show de Michael Fassbender y sus amigos; pero siempre paga el ver a Fassbender. Danny McBride en el papel de Tennesee está de antología.

    La fotografía es increíble. Se agradece sobremanera que los realizadores prefirieran filmar en escenarios reales y redujeran al mínimo la utilización de sets virtuales. Las locaciones en Australia y Nueva Zelanda están muy bien aprovechadas y, aunque podrían parecer demasiado familiares, aún conservan ese halo de primitivismo que les da una calidad extraterrestre. La iluminación también está padre y, al igual que en la película original, trata de mostrar poco de las criaturas… excepto claro, por esa escena del xenomorfo tratando de subir a la nave de carga; pero al xenomorfo ya lo conocemos bastante bien como para que todavía quieran envolverlo en misterio.

    El diseño de la criatura es interesante. Toma la base del diseño original de H.R. Giger, quien diseñara a la criatura original, pero retoma al mismo tiempo muchos elementos de los aliens de Alien: la resurrección  de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr. Sin embargo, mientras que el alien de Giger era elegante y de aspecto biomecánico, el de esta cinta se ve salvaje y primitivo, lleno de texturas fibrosas y nervudas y, por primera vez, se ve dentro de la cabeza de la criatura el cráneo que Giger puso originalmente ahí y que se perdió en la oscuridad de la primera cinta.

    SPOILER Por supuesto, lo que yo me pregunté desde que vi el primer tráiler de Alien: Covenant fue: Si en el tráiler nos están dejando ver al xenomorfo a plena luz del día, ¿qué será lo que no nos están mostrando? La respuesta es una nueva criatura en la franquicia, conocida como Neomorfo, que es una especie de versión primigenia del alien que todos conocemos y amamos; pero que se ve más orgánica y más cercana a los seres humanos. Originalmente, Giger quería que el xenomorfo de la primera película fuera de un color carne o hueso translúcido ‒como lagartija besucona‒, sin embargo, por las limitantes de los materiales de la época, esto no fue posible; pero ahora, casi cuarenta años después, el concepto fue llevado a la pantalla. TERMINA SPOILER

    Los efectos especiales están bastante bien y me agrada mucho que, al menos en los primeros planos, las criaturas sean animatrónicas en vez de CGI. Llámenme anticuado, pero ya saben que siempre preferiré los animatrónicos y puppets por sobre el CGI.

    Ahora, en el lado de los fallos creo que la película tiene varios que convendría revisar. Por principio de cuentas, tiene muchas de las debilidades que generalmente padecen las secuelas. Por ejemplo, falla la continuidad con las películas originales o se explican cosas que no deberían explicarse ¿De verdad era necesario explicar el origen de la criatura? ¿No era mejor sólo dejarlo en que hay especies en el Universo más letales que la humana? Digo, eso le daba un ligero tinte de Horror Cósmico a la original. O el que me gusta llamar el Efecto Episodio I: ¿Por qué si se supone que esta película sucede décadas antes que la original, todo se ve más moderno? Digo, podría salirme por la tangente diciendo que en Prometeo y Alien: Covenant parece que los viajes por el espacio son exclusivos para los ricos y poderosos, mientras que en Alien, el octavo pasajero ya están al alcance del hombre común; pero la verdad es que esa explicación no me convence ni a mí.

    En segundo término, la película también sufre de muchos de los defectos de las cintas de esta década: el inclusionismo injustificado, el hecho de que parece que ya a nadie le gusta usar tripiés para que sus tomas se vean más “dinámicas”, el que, a pesar de que no se hace pesada, se siente que la película podría durar menos ‒tengo la impresión de que últimamente las películas se hacen más largas y creo que quizá se deba a que las distribuidoras quieren que el gringo promedio sienta que desquita los alrededor de USD$20 que paga por un boleto para el cine‒, los finales con vuelta de tuerca increíblemente predecibles y otros tantos.

    A final de cuentas, creo que Alien: Covenant es una película bastante decente que cumple con sus objetivos: enlaza Prometeo con Alien ‒lo que ya se había intentado en la saga de cómics Fire and Stone (2014) publicada por Dark Horse, que entretejía las líneas argumentales de Prometeo, Aliens, Depredador y Aliens vs Depredador‒y, sobre todo, logra poner al día una franquicia que se consideraba extinta. No es la mejor película de la saga y es también un crudo reflejo de la crisis del cine de Hollywood ‒bueno, siendo justos, la producción es principalmente británica‒; pero aun así se disfruta y, al menos a mí, me deja esperando por la siguiente entrada en una de mis sagas favoritas del cine.

    Por cierto, existen rumores de la aparición de una Sigourney Weaver rejuvenecida a través del CGI en la siguiente entrega de la saga…

    SPOILER Me quedó una duda enorme eso sí: ¿David exterminó a los Ingenieros? Digo, porque los que salen en esta peli no se parecen tanto a los de la primera y, de hecho, parecen adorarlos como dioses. Yo entendí que se trataba de otra especie descendiente de los Ingenieros, como la nuestra; pero quizá me equivoco.TERMINA SPOILER

 

PARA LA TRIVIA: Ridley Scott se negó a ver Alien 3 (Fincher, 1992) cuando se estrenó originalmente. Cuando finalmente la vio, décadas después, le desagradó tanto que tuvo la idea de escribir una “secuela alternativa”. El argumento de dicha secuela fue la base sobre la cual se escribió el guión de Alien: Covenant.

 

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STAR WARS EPISODIO I

Que originalmente se llama Star Wars Episode I: The Phantom Menace, aunque su infame legado ha quedado grabado en la memoria de la fanaticada simplemente como Episodio I.

George Lucas, 1999

Básicamente sólo hay 3 versiones de esta película y las diferencias entre ellas son mínimas, por lo que no me preció necesario hacer uno de mis característicos cuadros comparativos. Las versiones son: el estreno en cine de 1999, la edición en Blu-Ray de 2011 y la edición en 3D de 2012.

    La única diferencia entre las versiones de 1999 y 2011 es la sustitución del Yoda (Frank Oz) puppet por el Yoda digital para que tuviera más “continuidad” con los Episodios II y III… Por cierto, en ambos casos, ¿es mi imaginación o Yoda sí se ve más joven que en El Imperio contraataca (Kershner, 1980)? O sea, sí es más joven en el Episodio I; pero si Yoda tiene 900 años de edad, ¿de veras se le notarían 30?

¿Recuerdan los 90? Antes de que la humanidad fuera esclavizada por los Smartphones, cuando Los Simpson eran graciosos, había sangre en las películas y nadie creía que Leo DiCaprio merecía un Oscar, cuando The Big Bang Theory aún se llamaba Friends, y películas como Sé lo que hicieron el verano pasado (Gillespie y Williamson, 1997) y Juegos sexuales (Kumble, 1999) eran lo más guay. Con el lanzamiento de la segunda serie de figuras de acción de Star Wars: The Power of the Force en 1995, George Lucas comenzaba la primera fase del proyecto para regresar la franquicia a la pantalla grande. Etapas subsecuentes incluyeron la creación de la saga multimedia Sombras del Imperio (1996) y el lanzamiento de la Trilogía de la Guerra de las galaxias Edición Especial (1997).

     Así pues, para la primavera de 1999 las expectativas creadas por la nueva entrega de la saga eran altísimas. Gente acampando por semanas frente a las taquillas de los cines, otros que pagaban el boleto completo de una función sólo para entrar a ver el tráiler de la nueva la nueva peli de Star Wars y después salirse de la sala, otros tantos robándose los escasos posters que llegaron a colocarse en los parabuses y beldades por el estilo, pobres ilusos acaparando las figuras de acción que, como ahora incluían el infame CommTech Chip, costaban el doble que las de la colección Power of The Force y cuya sobreproducción causó la quiebra de Kenner, y una larga lista de etcéteras que demostraban que muchas personas pedían a gritos que la nueva cinta de Star Wars fuera su película generacional.

    El nuevo episodio toma lugar alrededor de 30 años antes de los eventos vistos en La Guerra de las galaxias (Lucas, 1977). Se narra cómo la avariciosa Federación de Comercio, manipulada por un Oscuro Señor del Sith (orden que se creía extinta), bloquea e invade al pacífico planeta Naboo. Amidala (SPOILER Natalie Portman/Keira Knightley TERMINA SPOILER), pide la ayuda del Senado Galáctico, quienes envían al caballero jedi Qui Gon Jin (Liam Neeson, interpretando a uno de los personajes más olvidables en la saga) y su padawan (aprendiz), el joven Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor, en algunas escenas con cara de infinita güeva) para que sirvan como mediadores entre Amidala y el Virrey de la Federación de Comercio Nute Gunray (Silas Carson). Sin embargo, en una traicionera artimaña, la Federación de Comercio intenta asesinar a los jedi y comienza la invasión de Naboo. La Reina se ve obligada a escapar de su planeta, llevando consigo a los jedis y al gungan Jar Jar Binks (Ahmed Best, haciendo un personaje tan gracioso como pegarse en el dedo chiquito del pie con la esquina de un mueble), y dirigirse a Coruscant, el planeta capital de la República; pero con los daños que sufre su nave al atravesar el bloqueo de la Federación, debe resguardarse en el lejano planeta Tatooine. ¿Ya se aburrieron? Bueno, pues espérense que apenas va la tercera parte de la película.

    Ya en Tatooine, los jedis encuentran a Anakin Skywalker (Jake Lloyd), un niño insufrible con poderes especiales —por lo menos hace que actuar mal parezca un súper poder, el infeliz— que podría ser el Elegido que señala la profecía que traerá el balance a la Fuerza. Qui Gon logra liberar a Anakin de su vida de esclavo, no sin antes descubrir que están siendo rastreados por un aprendiz del Sith llamado Darth Maul (Ray Park, a quien quizá no recuerden como Toad en X-Men [Singer, 2000]) y lo lleva con ellos a Coruscant para que, a pesar de que todo el Consejo Jedi lo desaprueba, sea entrenado como Jedi.

    Una vez en Coruscant el público es sometido a interminables y soporíferas escenas sobre el debate político en el Senado Galáctico que finalmente redundan en que el senador Palpatine (Ian McDarmind) sea nombrado Canciller Supremo —lo cual en realidad es completamente intrascendente hasta el Episodio III— y la reina Amidala tenga que regresar a Naboo para detener la invasión por sus propios medios.

    Y… creo que básicamente eso es todo… Digo, hay dos secuencias muy emocionantes en la película: la carrera de pod racers y la pelea de lightsabers; pero seamos honestos, a nivel argumental no aportan absolutamente nada. De hecho, uno puede sin problema alguno verlas por separado y no pasa nada. Mi hermano y yo desde que vimos esta película en el cine coincidimos en que se trata de una emocionante pelea de lightsabers que trae pegada una dizque película aburrídisima de dos horas.

    Por cierto, ¿se dan cuenta de que la trama es muy parecida a El regreso del Jedi (Marquand, 1983) sólo que innecesariamente complicada?

    Eso sí, sobre la carrera de pod racers debo repasar algunos puntos. El primero: Que en general toda la secuencia, ya como quedó en la película con cerca de cinco minutos menos con respecto al primer corte, es básicamente un plagio de la carrera de cuadrigas de Ben-Hur (Wyler, 1959). Segundo: que sí es emocionante y es probablemente la secuencia de carreras/persecución mejor lograda en toda la saga ¿Recuerdan cuando comenté en mi crítica de La guerra de las galaxias que Lucas filmaba carreras clandestinas de autos? Bien, pues ésa es la razón de que en todas las películas de Star Wars haya una secuencia de carreras o persecuciones en vehículos. Y tercero: Que de hecho la secuencia es tan entretenida que generó un excelente videojuego por sí sola titulado Star Wars Episode I Racer, que apareciera primero para arcadias y después fuera adaptado al Nintendo 64.

    No sólo Episodio I decepcionó a la fanaticada, sino que es un desastre cinematográfico aun cuando no estuviera asociada con la franquicia. La dirección es mala, el guión es malo, las actuaciones son malas, el argumento es malo… ¡Vaya! Creo que será mejor que vaya hablando sobre cada uno de estos elementos por separado para poder prestarles más atención.

    La principal diferencia que hay entre esta cinta y las anteriores es que Lucas regresó a la silla de director después de prácticamente dos décadas de no dirigir. Y perdón, pero creo que el talento de Lucas está más en los negocios que en la dirección de cine.

    En segundo lugar, los guiones de las tres películas anteriores fueron escritos por gente bastante capaz. El de ésta, no. En algún afán megalómano, George Lucas decidió escribir el guión para esta cinta él mismo. Y se ve. Por todos lados. La película retoma muchos elementos del guión original de The Star Wars^[1], como la burocracia gubernamental, los jedi peleando con sus lightsabers a cada momento, la invasión del pequeño e inofensivo planeta gobernado por una monarquía sabia y justa, etc., etc.

    Por desgracia, el guión es pura basura. Personajes verborreicos, Jar Jar Binks tratando de ser gracioso cada dos minutos y fracasando miserablemente, diálogos cursis y acartonados, y… ¿Alguien puede decirme la motivación de alguno de los personajes? De verdad, los reto. El único personaje que tiene un objetivo de verdad en toda la película de dos horas y cuarto es Darth Sidious, y su objetivo va a quedar claro hasta Episodio III. El resto de los monitos que salen en pantalla simplemente reaccionan ante el montón de situaciones absurdas que se les presentan… y eso que la innecesaria secuencia del submarino bongo cayendo por una catarata en Theed, la capital de Naboo, fue removida del corte final.

    Quizá uno de los elementos que más le pegaron a esta cinta a nivel argumental fue la inclusión de los midiclorianos. ¿Se acuerdan de toda esa explicación que dio Ben Kenobi (Alec Guinness) en la primera película sobre qué era la Fuerza? Bueno, pues al demonio, el viejo chocho se equivocaba o estaba senil. No se trata de una energía emanada por todos los seres vivos y que pude dominarse a través de estudio, entrenamiento y disciplina, no; en realidad es perfectamente medible y depende del número de midiclorianos contenidos en nuestras células. O sea que se nace con ello, no es algo que pueda conseguirse a través de un entrenamiento y mucho sacrificio. Así es. Tres películas y lo que va de ésta tiradas por la borda en una secuencia de menos de cinco minutos.

    Y las actuaciones… El único que parece estar tomándose en serio todo el desmadrito es Liam Neeson, quien de verdad hace lo que puede con el espantoso guión de Lucas. Ewan McGregor de repente se luce, pero en otras escenas se le nota distraído y poco motivado. Con Natalie Portman, quien de ordinario es una buena actriz, pasa algo harto interesante: SPOILER La reina Amidala (Portman) usa a su dama de compañía, Sabé (Knightley) como doble para protegerse contra posibles ataques (como hacía Fidel Castro); sin embargo, el marcado acento británico de Sabé podría delatarla de inmediato, por lo que Portman se esfuerza en imitarlo ¡pero aún en las escenas en las que está caracterizada como Padme conserva su acento falso! TERMINA SPOLIER

    Por si la peli no estuviera mal actuada de por sí, gracias a una innovadora técnica de edición digital, quienes montaron la cinta podían escoger las mejores tomas de cada uno de los actores que aparecían en pantalla y “copipeistearla” en otra toma. De esta forma, si McGregor se veía formidable en la toma 4 y Neeson lo hacía en la 10, por poner un ejemplo, los editores recortaban las imágenes para que los dos tuvieran sus mejores tomas cuando aparecían simultáneamente en pantalla. A la larga, esto se nota a leguas; hay escenas donde uno puede darse cuenta perfectamente de que los actores no están interactuando entre ellos.

    Pero saben que debo hablar de Jake Lloyd… oh, por Cthulhu, Jake Lloyd. Cada parlamento que sale de su boca se siente como un puntapié en el coxis. En serio, hagan el intento de escucharlo con atención en el inglés original y reprirmir las ganas de darle un puñetazo en la cara.

    Creo que gran parte del fallo de esta película es que nunca pudo definir a su público. Ni es una película completamente para niños, a pesar de la presencia de Binks —suponiendo que esa cosa sea apta para niños— y de un infantil Anakin Skywalker, ni es una evolución lógica de la Trilogía Original. Creo que aquí Lucas falló al tratar de captar a un público nuevo sin realmente saber cómo, en vez de intentar crecer con su audiencia original… Digo, las Tortugas Ninja (la serie de 2004) y los Thundercats (2011) supieron hacerlo ¡Carajo, Toy Story lo hizo como Dios Padre!

    ¿Y cuál fue el objetivo de meter con calzador a R2-D2 (Kenny Baker) y C-3PO (voz de Anthony Daniels)? ¿Por qué tuvieron que llevárselos entre las patas en este desmadre?

    La película tiene buenos efectos especiales, aunque mucho del CGI ya dio el viejazo… y gacho. Y es curioso, porque originalmente para crear a Jar Jar Binks se iba a usar una botarga y sólo la cabeza sería CGI; pero de último momento se decidió que se reemplazaría la filmación del actor en botarga con el personaje digital porque, de hecho, era más barato hacerlo así que sólo animar una parte.

    Otro acierto de la cinta se encuentra en el rubro del diseño. En general todo se ve muy bien, y el diseño de las criaturas es interesante y mucho más atrevido que en la trilogía anterior, en parte debido a la posibilidad de crear personajes enteramente computarizados.

    Además, los vestuarios de la reina Amidala son increíbles. Muchos de ellos son diseños adaptados de los bocetos originales que se habían hecho para la primera película, allá por 1975, en la que se planteaba que Obi-Wan Kenobi y la princessa Leia tenían rasgos orientales.

    Pero… algo se ve raro en las naves espaciales que aparecen en la película, ¿no? Es decir… si esto sucedió tres décadas antes de La guerra de las galaxias ¿Por qué todo se ve más moderno? Es decir, los cazas de Naboo tienen un fuselaje liso y bello de brillantes colores, y la Federación de Comercio ¡ni siquiera tiene naves! Tiene un ejército de droides de batalla casi autónomos[2] que incluye droides-caza… ¿Y qué decir de los droides destructores, también conocidos como droidekas?

    Por supuesto, las críticas de los fans no se hicieron esperar. La respuesta oficial por parte de Luscasfilm para ese pequeño detalle es:

Los vehículos de La Guerra de las galaxias: Episodio I pertenecen a un momento muy anterior a esa época en la que las naves espaciales tanto del Imperio como de la Alianza Rebelde exhibirán las líneas severas y el aspecto mecánico de las construcciones de fábrica. En esta […] los artesanos dominan el diseño […]. Las fuerzas del mercado apenas han empezado a socavar las tradiciones de la artesanía (en muchos de los vehículos del Episodio I observamos individualidad, curvas elegantes y un sentido artístico) […]. De momento la galaxia sigue repleta de naves extraordinarias, testimonio (…) de la identidad singular de su época.^[3]

    Bien jugado, Lucasfilm… supongo…

    ¡Ah, bueno! La otra cosa genial que tiene esta película es el tema musical Duel of the Fates, nuevamente compuesto por el Tchaikovsky de nuestro tiempo, John Williams, y que se ha convertido rápidamente en uno de los temas más populares de Star Wars.

    Ante las evidencias, ¿podemos señalar a Episodio I como la peor película de la saga? Sí. Sí podemos. Aun cuando el resultado final es… soportable, al terminar la cinta uno se queda con la sensación de que en realidad no pasó nada y una vez que uno vuelve a ver la saga completa, como lo he hecho yo para escribir esta serie de artículos, se da cuenta de que, de hecho, esta película no aporta nada a la historia. Quizá sea la falta de práctica o el no tener un objetivo claro además de vender muñequitos; pero Episodio I ciertamente no fue la película generacional que tanto sus realizadores como los fans esperaban —me atrevo a ubicar The Matrix (Hnos. Wachowski, 1999) como película generacional antes que a Episodio I—.

    Seguramente la gente de Lucasfilm recobrará la cordura y se dará cuenta de lo que hizo. Digo, ésta tiene que ser la peor película de Star Wars, seguramente las siguientes mejorarán, ¿verdad? ¿Verdad?

PARA LA TRIVIA: Quizá ésta sea la entrega de Star Wars con mayor cantidad de “easter eggs”. Los realizadores de veras se dieron vuelo metiendo guiños para los fans en la cinta. Aquí algunos de mis favoritos:

• El apellido del Virrey de la Federación de Comercio es Gunray, que si se separa en dos palabras y se invierte dice “ray gun” (pistola de rayos, en español), el nombre de las armas usadas en el universo de Flash Gordon.
• Warwick Davis, el actor que interpretara al ewok Wicket en El regreso del Jedi, hace un cameo como uno de los espectadores de la carrera de pod racers.
• En una secuencia eliminada del corte final de la cinta, Anakin se agarra a golpes con un joven bravucón rodiano cuyo nombre, según nos enteramos, es Greedo.
• En la escena de la votación en el Senado Galáctico, Lucas rindió un homenaje a su amigo Steven Spielberg, y en una de las plataformas acomodadas en los muros de la sala puede verse un grupo de alienígenas de la raza que aparece en la película E.T. El extra-terrestre (Spielberg, 1982).
• En una de las escenas en las que aparece la reina Amidala en sus habitaciones de Coruscant, puede verse por la ventana detrás de ella una nave espacial con una silueta muy particular que… ¿es el Enterprise de Star Trek?
• Anécdota curiosa: Originalmente, Benicio del Toro fue casteado como Darth Maul; pero abandonó el proyecto cuando se enteró de que el personaje tenía apenas tres líneas en la película.

[1] Baso todas mis referencias y afirmaciones sobre “el guión original” en RINZLER, J.W. y Mike Mayhew, The Star Wars, Dark Horse Books, United States, 2014. La adaptación en cómic del primer borrador de guión escrito por Lucas.

[2] Siempre creí que la inclusión de los droides de batalla era para no usar soldados humanos y que los jedi no descuartizaran gente en pantalla, que era la idea original de Lucas para The Star Wars.

[3] REYNOLDS, David West et al, Star Wars Episodio I: Impresionantes vistas transversales, LucasBooks/Planeta, México, 1999.

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EL REGRESO DEL JEDI

Actualmente conocida como Star Wars Episode VI: The Return of the Jedi, pero que originalmente se llamó Star Wars: Return of the Jedi

 

Richard Marquand, 1983

Nuevamente, existen múltiples ediciones de esta película. En general, en cada lanzamiento subsecuente se han mejorado la calidad de imagen y la de sonido, se han hecho correcciones de color^[1] y se han suavizado los efectos visuales. Esto es particularmente notorio en las escenas en el bosque de Endor, ya que los efectos originales tenían un color verdoso debido a la impresión óptica que se usó para insertarlos en la película; pero a partir de 2004 este tono desapareció casi por completo y los efectos se notan mucho mejor integrados. También se han incluido cambios menores como algunos elementos digitales en pantalla y se han añadido o removido parlamentos y efectos de sonido. Después del Episodio IV, es la película de la saga a la que más cambios se le han hecho. Las diferencias entre las distintas versiones se detallan en el cuadro anexo.

Con esta película concluye la Trilogía Original de Star Wars y se nota: tanto en el público como en los involucrados en su realización provoca un sentimiento de nostalgia al mismo tiempo que uno de satisfacción. Al igual que sus antecesoras, la cinta rompió récords de taquilla en su fin de semana de estreno; sin embargo, no fue tan bien recibida por la crítica, que la consideró la más inferior de las tres cintas. Y aunque coincido, no es una mala película… Digo, sí es inferior a las anteriores, y es un poco peor cuando uno piensa en lo que pudo ser y no fue ‒me explicaré más adelante‒; pero aun así es una buena película. Y es excelente si se le compara con cualquiera de las cintas de la Trilogía de Precuelas.

    Muchos asuntos habían quedado pendientes al final de El Imperio contraataca (Kershner, 1980). ¿Se convertiría Luke finalmente en un Jedi? ¿Lograrían los rebeldes rescatar a Han Solo?   ¿Lograría Darth Vader convertir a Luke al Lado Oscuro? ¿Es verdad lo que reveló al final de la película anterior? ¿Logrará la Alianza Rebelde derrotar al malvado Imperio Galáctico? Pero, lo más importante de todo: ¿Por qué en la primera película Chewbacca se peinaba con el pelo relamido hacia atrás y después se peinó de raya en medio?

    En esta cinta nos enteramos de que el Imperio ha construido una segunda Estrella de la Muerte, aún más poderosa que la primera y que el mismísimo Emperador^[2] (Ian McDiarmid) supervisará su construcción. El Lord del Sith, Darth Vader (Dave Prowse, voz de James Earl Jones) sigue obsesionado con encontrar a Luke Skywalker (Mark Hamill), el último aprendiz de Jedi, para volverlo al Lado Oscuro de la Fuerza. Luke, por su parte, viaja de regreso a su planeta natal, Tatooine —esta vez filmado en Arizona y no en Túnez— para rescatar a sus amigos, Han Solo (siempre sí volvió Harrison Ford), y Leia (Carrie Fisher) y Chewbacca (Peter Mayhew), quienes a su vez cayeron prisioneros del gángster Jabba el Hutt en su intento por rescatar a Solo.

    La Alianza Rebelde, gracias a un peligroso trabajo de inteligencia, se ha apoderado de los planos de esta nueva arma de destrucción total del Imperio y planea una arriesgada ofensiva desde la luna santuario del planeta Endor, en cuya órbita se encuentra apostada la estación de batalla. Sin embargo, una trampa del Imperio podría convertir la última oportunidad para triunfar de la Rebelión en el golpe decisivo para destruirla.

    La película originalmente se titulaba Revenge of the Jedi, pero Lucas decidió cambiar el título semanas antes del estreno pues le pareció que el que un Jedi buscara venganza contradecía básicamente todo lo que había ocurrido en las cintas anteriores —ojalá hubiera pensado esto mismo cuando escribió la Trilogía de Precuelas—.

    La producción comenzó con ciertos inconvenientes. Por ejemplo, el primer director en el que Lucas pensó para que se hiciera cargo de la película fue su amigo Steven Spielberg, cuya colaboración resultó altamente exitosa en Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981). Sin embargo, debido a que Lucas abandonó el Gremio de Directores luego de El Imperio contraataca, la contratación de Spielberg para su proyecto acarrearía toda una serie de problemas legales y sindicales.^[3]

    En segunda instancia estaba el asunto de los proveedores e intermediarios bribones. En cuanto la gente se enteraba de que era la producción de una película de Star Wars la que estaba haciendo cotizaciones, incrementaban sus precios hasta en un 100%. Para evitar este abuso, la producción decidió usar un nombre clave, uno que fuera lo suficientemente poco atractivo como para que nadie se interesara en husmear su proyecto. Así, durante las etapas de pre-producción y producción, el proyecto fue conocido como Blue Harvest: A Horror Beyond Imagination.^[4]

    Esta fue la primera película que George Lucas produjo enteramente de su bolsillo. Esto le dio una libertad creativa absoluta; pero a un precio muy alto: el director californiano debió reducir drásticamente el presupuesto de la cinta y esto ultimadamente derivó en que se filmara algo muy diferente de lo que había escrito originalmente.

    Para esta secuela, Lucas había adaptado el tercer acto de su guión original titulado The Star Wars (véase el respectivo comentario en mi reseña de La guerra de las galaxias [Lucas, 1977]) conforme la forma en que la historia y los personajes evolucionaron. La idea original era que la Rebelión montara un ataque sorpresa contra Coruscant, el planeta capital del Imperio, desde el cercano planeta Kashyyk con ayuda de los wookiees liderados por Chewbacca.

    Sin embargo, en ánimo de que el dinero rindiera, la producción decidió destinar la mayor parte del presupuesto a la primera mitad de la película, centrada en el rescate de Han Solo. Por esta razón, Kashyyk fue sustituido por Endor —filmado en locación en el Parque Nacional Sequoia en California, donde años más tarde se filmaría El mundo perdido: Parque Jurásico (Spielberg, 1997)— y los wookiees con ewoks (por eso sus nombres tienen las sílabas invertidas) ya que cada traje de ewok necesitaba más o menos la mitad de material que el de uno de wookiee. Del mismo modo, la ciudad imperial de Coruscant, que lucía colosales pirámides en estilo Art Decó, fue cambiada por una segunda Estrella de la Muerte a medio construir, lo que permitió reciclar decorados de la primera cinta.

    Y aunque supieron hacer una buena película con los recursos de que disponían, recuerdo que desde que era niño y vi estas cintas por primera vez siempre me botó lo de la segunda Estrella de la Muerte. Quiero decir que siempre lo sentí como fuera de lugar o sacado de la manga, como que no me acababa de convencer. Digo, ¿cuánto tiempo y recursos se invirtieron en la construcción de la primera? —Bueno, después del Episodio III (Lucas, 2005) sabemos que se tardaron cerca de veinte años— Como para que me salgan con que en un par de años construyeron otra…

    A pesar de todo, la película se sostiene bastante bien. La primera mitad es extraordinaria; con la corte de criaturas alienígenas alojándose en el palacio del rey del submundo, el temible Jabba el Hutt, quien por fin nos es presentado. Los artistas del Stuart Freeborn Studio trabajaron intensamente durante seis meses para fabricar a las casi sesenta criaturas que aparecen en la cinta y que hicieron las delicias de Kenner, la compañía fabricante de juguetes que tenía tuvo la licencia de Star Wars desde 1977 hasta 1999.

    En su época, Jabba fue un verdadero logro del puppetteering y de la construcción de criaturas. Ahora que Lucas contaba con los medios para materializar su visión original del gángster interplanetario, se dio vuelo con ello. El físico del despreciable ser fue uno de los mayores retos de la cinta. El productor californiano quería que Jabba tuviera el aspecto de un sultán opulento y hedonista combinado con la forma de una babosa gigantesca. El personaje pasó por casi ochenta diseños preliminares hasta que se decidió su aspecto definitivo, el cual está basado principalmente en el del actor Sydney Greenstreet en la película El halcón maltés (Huston, 1941).^[5]

    Una vez que su apariencia estuvo decidida, Stuart Freeborn y sus colaboradores se abocaron a la tarea de construirlo y darle vida. Para tal empresa se utilizaron cerca de dos toneladas de arcilla y 300kg de látex, y un cuarto entero del Stuart Freeborn Studio tuvo que ser convertido en horno para poder albergar los gigantescos moldes de la criatura.^[6]

    Ya moldeado y pintado, Jabba el Hutt no era un efecto especial; era un actor construido sobre diseño que tenía que interactuar con sus contrapartes humanas representando escenas en vivo. Para lograrlo, se requería la participación de seis titiriteros: Dentro de él, uno manipulaba la bocaza y el brazo derecho, otro manejaba el brazo izquierdo, un enano manipulaba la cola, dos titiriteros controlaban los ojos robóticos de forma remota y uno más, situado debajo de la criatura, movía el cuerpo. El resultado en pantalla es increíble, Jabba el Hutt, siendo una marioneta, tiene más carisma que muchos actores de carne y hueso —Lloyd y Christensen, los estoy viendo a ustedes—…

    Y de entre todo este carnaval de criaturas exóticas no puedo dejar de mencionar a la banda de Max Reebo, simplemente porque son geniales. Aunque sólo eran mencionados en una línea del guión, Lucas se encaprichó con ellos y se empeñó en que recibieran mucho tiempo en pantalla. Digo, ¿cómo no encariñarse con un elefante azul de goma que toca un teclado?

     La primera parte de la cinta tiene que ver con la depredación y lo duro de la vida en el desértico mundo de Tatooine. Ya sea la depredación de los capos del crimen hacia sus súbditos o, tal cual, la depredación de monstruos gigantescos y voraces como Rancor y Sarlacc. El tema de la consumición física reaparece […] Toda esta parte está repleta de imágenes relacionadas con la consumición^[7] y, en otro nivel, es un nuevo descenso del héroe a la panza de la ballena; sin embargo, esta vez el héroe no se enfrenta a su propia oscuridad interior, sino a un ser, el Rancor, que representa la fuerza y la crudeza del mundo natural —como Heracles contra el León de Nemea o Gilgamesh contra Humbaba—. Se trata, pues, de un caballero enfrentándose a un dragón en su cueva.

     Originalmente se planeó que Rancor fuera interpretado por un actor dentro de una botarga; pero los resultados no fueron para nada satisfactorios, por lo que se tomó la decisión de que el monstruo fuera una marioneta. Pero no se trataba de una marioneta cualquiera. Rancor, quien según su creador Phil Tippett parecía la cruza entre un gorila y una patata, era un muppet controlado por cuatro titiriteros: Uno que manipulaba la cabeza y las fauces metiendo su mano en el muñeco, otro que controlaba los brazos a través de varillas, otro usaba el mismo mecanismo para las patas, y uno más controlaba las manos y la nariz de forma remota.

    Una vez que los héroes han regresado del Inframundo —Luke del foso, Han de su encierro en carbonita y Leia de infiltrarse en una corte de truhanes y bestias—, han renacido para enfrentarse a sus enemigos… ¿De verdad? Me refiero a que algo que me gusta mucho de esta cinta es la ambigüedad que se maneja con el personaje de Luke Skywalker.

    En este punto de la historia, el destino de Luke es incierto. Se ha entrenado como Jedi, pero aún le falta completar su prueba más dura: Vencer a Darth Vader. Y en realidad, no hay garantía de que lo haga. Quiero decir, la última vez que se enfrentaron, Vader lo derrotó y lo destruyó psíquicamente. Además, después de la estrecha relación que sabemos que hay entre ambos personajes, ¿realmente será capaz Luke de derrotar a Vader? Porque al usar un traje negro aun siendo un aprendiz de Jedi pareciera que tiene más afinidad con el Lado Oscuro de la Fuerza e incluso tiene un momento de anagnórisis: Cuando se arma la trifulca en la barcaza de Jabba, Luke recibe un disparo que deja al descubierto el mecanismo de su mano biónica, como un presagio de aquello en lo que podría convertirse. Y finalmente, recuerden que el recurso de la hermana gemela de Luke fue utilizado para mostrarnos que el héroe podía sucumbir.

    Y es que, además, Luke tiene todo en su contra. ¿Se dan cuenta de que en realidad sólo hay una forma en la que Luke puede ganar? Si Luke mata a Vader, el Lado Oscuro gana. Si Luke mata al Emperador, el Lado Oscuro gana. Si Vader mata a Luke, el Lado Oscuro gana. La única forma en la que Luke puede derrotar al Lado Oscuro no es ni siquiera dejando de pelear, sino convenciendo a Darth Vader de que no lo haga.

    Mientras tanto, Han Solo, acompañado de Leia, Chewie y los droides, comanda el ataque al generador del escudo de la Estrella de la Muerte en la luna santuario de Endor. Pero son víctimas de una emboscada y deben recurrir a la ayuda de los ewoks para salir avantes.

    Al igual que la mayoría de los fans de la saga, tengo sentimientos encontrados sobre los ewoks. Algunos los consideraron lo peor que le había pasado a Star Wars —por supuesto, en ese entonces ni idea teníamos de Jar Jar Binks—, mientras que a otros les encantaron. La verdad es que fueron una idea popular que, si bien da un poco al traste con el tono épico de la película, no se siente particularmente fuera de lugar, y representaron otra minita de oro para Lucasfilm. Los ewoks generaron a su vez, dos películas para televisión (La aventura de los Ewoks [Korty, 1984] y Ewoks: La batalla de Endor [Wheat y Wheat, 1985], que en nuestro país salieron directamente a video-renta), su propia serie de dibujos animados (1985) y su propia línea de figuras de acción producida por Kenner aparte de la de Return of the Jedi.

    A pesar de todo, los ewoks sí tienen una razón de ser en la película, pues el discurso de las criaturas primitivas del bosque que vencen a la tecnología era uno que Lucas se empeñó en incluir en la cinta. Además, representan a esos seres místicos-elementales siempre presentes en las antiguas epopeyas que en cierto modo son una encarnación del espíritu del bosque.

Al igual que los elfos, hadas y otros habitantes de los bosques de los cuentos, pueden ser peligrosos o de mucha ayuda. El frondoso y exuberante entorno en el que viven los Ewoks y la armonía en que habitan con la naturaleza marcan un cálido contraste con la austera y fría tecnología del Imperio.^[8]

    Originalmente los ewoks fueron pensados como personajes pequeños con una apariencia más humanoide, hasta que los artistas de efectos especiales Phil Tippett y Joe Johnston les diseñaron un aspecto más como de ositos de peluche. Sin embargo, los trajes que se construyeron originalmente limitaban mucho el movimiento de los actores y eran demasiado calurosos, por lo que Stuart Freeborn tuvo que rediseñarlos y ponerles ventilas en lugares estratégicos.

    El ewok estelar, Wicket, iba a ser interpretado por Kenny Baker, el actor que interpretaba a R2-D2; pero Baker se encontraba muy enfermo el día de la filmación, intoxicado por algo que comió, por lo que tuvo que ser sustituido por el actor Warwick Davis —quien después estelarizaría Willow (Howard, 1988), también producida por Lucas—. Davis le imprimió un sello muy particular al personaje con una actuación que, según él, estuvo principalmente basada en su perro.

    En términos generales la película es muy disfrutable. La primera mitad es asombrosa y en la segunda mitad, si a uno no le agradan los ewoks, de todos modos hay una carrera de speeder bikes, la batalla en la órbita de Endor es espectacular y creo que los AT-ST son uno de los vehículos más cool de la saga. En su época fue considerada mala y se la ha tachado de ser “demasiado comercial” —sí, de verdad— y demasiado floja para un cierre de trilogía —la edición original, por lo menos—. Si bien es cierto que es la más débil de la Trilogía Original, creo que no sólo es buena; sino que se ha puesto mejor con los años… excepto con las ediciones de 2004 y 2011. Supongo que a veces se gana y a veces se pierde.

Las escenas eliminadas

Al igual que sus antecesoras, esta película perdió algunas secuencias durante su edición. A continuación describo en términos generales todas ellas. La mayoría están disponibles en Youtube y fueron incluidas en la edición en Blu-Ray Star Wars: The Complete Saga (2011).

    La primera de ellas ocurre a los pocos minutos de iniciada la película. Después de su reunión con el comandante imperial al inicio de la película, Darth Vader recorre un pasillo, pasa al lado de un droide astromecánico de color negro, entra en un ascensor y llega a su cámara. Una vez sentado en ella, intenta contactar a Luke telepáticamente.

    La secuencia anterior corta a una escena en la que vemos que Luke, escondido en una cueva y con la cabeza cubierta, siente que Vader lo llama. Luke lo ignora y termina de armar su lightsaber. Creo que esta secuencia, que fue retirada del corte final de la película de último momento, sí aportaría cosas a la cinta. Por principio de cuentas, es la única vez en toda la saga fílmica en la que vemos a un Jedi trabajando en la construcción de su lightsaber ‒por lo menos hasta el momento, creo que es algo que me gustaría mucho que se mostrara en The Last Jedi‒.

    En segunda instancia, la secuencia ayuda a acentuar la ambigüedad sobre Luke y su relación con la Fuerza. Y no es solo por la iluminación, realmente creo que la secuencia, si bien es breve, tiene un tono más oscuro que el resto —quizá por eso la quitaron—.

    Una vez que Luke termina los ajustes de su arma, la escena corta al exterior de la cueva, donde vemos a R2 y a 3PO salir de ella y asomarse a un acantilado en cuyo fondo se encuentran escondidos el X-Wing de Luke y el Halcón Milenario. Acto seguido se encaminan hacia el palacio de Jabba. Aunque la secuencia fue removida, el diálogo entre los droides fue integrado a la secuencia de éstos caminando hacia el palacio de Jabba que quedó en el corte final.

    Más adelante en la película, después de la destrucción de la barcaza de Jabba, Luke, Han, Leia, Lando, Chewie y los droides tienen que abrirse camino en medio de una terrible tormenta de arena para llegar al Halcón Milenario. Allí, Luke se despide de Leia y Han. La escena no aportaba mucho, pero creo que tampoco sobraba. Supongo que la eliminaron para no alargar la película.

    La última escena eliminada de esta película fue una secuencia del asalto del comando liderado por Han Solo al bunker en el que se encuentra generador del escudo de la Estrella de la Muerte. La secuencia era bastante más larga, con escenas de tiroteos entre el comando rebelde y los stormtroopers. Supongo que igualmente fue retirada para no alargar demasiado la cinta que, aun así, es la más extensa de la Trilogía Original con dos horas y once minutos de duración.

    También me ha parecido siempre que esta entrada se siente peor actuada que las dos anteriores. Quizá tenga que ver con el pobre trabajo que se sabe que hizo Marquand en la dirección, que obligó a George Lucas a estar en el set prácticamente diario para ayudarlo.

    En su estreno El regreso del Jedi quizá se fue un cierre de trilogía algo débil desde el punto de vista de la realización; pero creo que desde el punto de vista dramático funciona perfectamente. Se trata de la redención del héroe trágico que es Darth Vader, de la ascensión del joven granjero al estatus de héroe mítico, del retorno del mundo mecánico e hipertecnologizado al mundo natural y, ultimadamente, del triunfo de la luz sobre la oscuridad. Con las ediciones subsecuentes el final se siente más redondo gracias a las secuencias adicionales; sin embargo, con el horrible grito añadido a Darth Vader y la sustitución de Sebastian Shaw por Hayden Christensen mucho del subtexto y la profundidad en el conflicto de Vader se perdió.

 

 

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[1] Quizá la corrección de color más notoria es la de la toma en la que explota el generador del escudo de la Estrella de la Muerte, pues en la edición original de 1983 el cielo tenía un color más anaranjado, mientras que a partir de la Edición Especial de 1997 el color del cielo fue cambiado por el de un azul prístino.

[2] Como lo comenté anteriormente, la gran mayoría de los personajes secundarios de la saga recibieron sus nombres hasta los 90. El Emperador incluso en las figuras de acción de 1983 se llamó solamente The Emperor.

[3] Cfr. Empire of Dreams: The Story of Star Wars, Becker y Burns, Prometheus Entertainment, 2004.

[4] ¿Recuerdan el primer episodio especial de Padre de Familia que parodiaba Star Wars? Su título era precisamente Blue Harvest, haciendo referencia a esta anécdota.

[5] Cfr. Classic Creatures: Return of the Jedi, Robert Guenette, Twentieth Century Fox Television, 1983.

[6] Idem.

[7] HENDERSON, Mary, Star Wars: La magia del mito. Círculo latino, Barcelona, 2005. P.97

[8] Ibid. P.102

EL IMPERIO CONTRAATACA

Ahora conocida coloquialmente como Star Wars Episodio V: El Imperio contraataca; pero que en su estreno se llamó Star Wars: The Empire Strikes Back.

 

Irvin Kershner, 1980

Al igual que con la cinta anterior, existen múltiples versiones de El Imperio contraataca. Detallo las diferencias entre unas y otras en el cuadro anexo. Empero, es curioso notar que, durante el estreno en cines, ya había dos versiones diferentes de la película: La versión estándar en 35mm y una especie de edición de lujo en 70mm. Las diferencias entre ambas versiones estriban mayormente en la edición, el montaje y las transiciones entre escenas, así como en algunos diálogos, la mayoría de los cuales fueron incorporados a las ediciones de la película para formatos caseros.

    Del mismo modo, la mayoría de las diferencias entre ediciones subsecuentes tienen que ver con la adición, remoción y sustitución de parlamentos o efectos de sonido.

Para el verano de 1977, cuando la euforia por La Guerra de las Galaxias (Lucas, 1977) repuntaba, era ya prácticamente un hecho que una segunda parte venía en camino. Muchas incógnitas habían quedado pendientes en la primera parte: ¿Qué había pasado con Darth Vader? ¿Han Solo regresaría a pagar su deuda con Jabba? Pero, sobre todo y más importante ¿Con quién se iba a quedar la princesa Leia, con Han o con Luke? Y ya que esta última cuestión se respondía en el póster, ¿qué otras sorpresas nos depararía Star Wars 2?

    Esta cinta es mi favorita de la saga original, creo que en verdad es una excepción a la regla de que “Segundas partes nunca fueron buenas”. El guión retoma pocos elementos del borrador original escrito por Lucas años atrás y, viéndolo bien, en la parte anecdótica se desplaza poco. El verdadero fuerte de esta película es el desarrollo de los personajes. Incluso su director, Irvin Kershner, declara que prefirió que la narración fuera un tanto anticlimática desde el punto de vista dramático para que pudiera ser más poderosa emotivamente.

    Después de la destrucción de la Estrella de la Muerte, la Alianza Rebelde es perseguida por el Imperio Galáctico y debe trasladar su base secreta al lejano e inhóspito planeta helado Hoth. Sin embargo, la Flota Imperial logra encontrar a los rebeldes y, tras una de las batallas más memorables en la historia del cine, éstos deben huir nuevamente.

    Darth Vader (Dave Prowse, voz de James Earl Jones), Señor del Sith y Comandante de la Flota Imperial, está obsesionado con encontrar al joven Luke Skywalker (Mark Hamill, repitiendo papel muy a su pesar) para convertirlo a su causa y se valdrá de todos los medios imaginables para capturarlo. Skywalker, tras una visión de su desaparecido mentor, Obi-Wan Kenobi (Sir Alec Guinness), viaja al planeta Dagobah para ser entrenado por Yoda (voz de Frank Oz) y convertirse en un Jedi.

    Mientras tanto, tras su salida de Hoth a bordo del Halcón Milenario, Han Solo (Harrison Ford), Chewbacca (Peter Mayhew, aunque es fácil olvidar que lleva un actor dentro), la princesa Leia (Carrie Fisher), y el droide C-3PO (Anthony Daniels) escapan a duras penas de la Flota Imperial gracias a mucha maña y logran refugiarse en el planeta Bespin, gobernado por el amigo de Solo, Lando Calrissian (Billy Dee Williams).

    Pero, ¿será más fuerte la amistad entre Solo y Calrissian que la amenaza del Imperio que se cierne sobre ellos? Y ¿Cumplirá Darth Vader su objetivo de convertir a Luke al Lado Oscuro de la Fuerza?

    Como lo había comentado antes, en la época en la que comenzó la preproducción de esta cinta las secuelas eran consideradas meros residuos del éxito de la película original. Incluso sagas exitosas como El planeta de los simios habían destinado cada vez menos presupuesto a sus entregas subsecuentes o, en otros casos, como el de El bueno, el malo y el feo (1966), el público apenas si se enteraba de que la película formaba parte de una saga —esta película es la última parte en la llamada Trilogía del Dólar, de Segio Leone— o, en muchos casos más, el público ni siquiera se enteró de que la película tuvo secuelas como pasó con La maldición de la mosca (Sharp, 1965)—que la verdad es bastante  mejor que la segunda parte, El regreso de la mosca (Bernds, 1959)—. Quizá una de las pocas excepciones a esta regla sea la saga de Sinbad, aunque tiene la particularidad de que las películas no son secuelas directas una de la otra y pueden disfrutarse como entradas independientes sin problema alguno.

    Si ya en la primera parte Lucas tentó su suerte con un proyecto en el que nadie creía, con esta segunda pretendía repetir la locura al producir una secuela que sería más grande que la original. Tan sólo el presupuesto de efectos especiales para esta cinta fue más que el presupuesto de toda la película anterior.

    La película se filmó en 64 platós de los estudios Elstree en Inglaterra, además de en exteriores en un glaciar Noruego —durante la peor tormenta de nieve registrada en más de cincuenta años, con temperaturas de -30°C y 5m de nieve, por cierto—, y contó con un equipo de 90 artistas de efectos especiales trabajando por 14 meses y 8 editores de sonido trabajando durante 6 meses para completar más de 600 tomas de efectos especiales.^[1]

    Para esta película, el animador de Stop-Motion^[2] Phil Tippett ideó una nueva técnica de animación a la que llamó Go-Motion. Esta técnica consistía en no sólo mover las articulaciones de las figuras de Stop-Motion un cuadro a la vez, sino también desplazarlas milimétricamente mientras eran fotografiadas. Esto creaba los borrones que se verían si se fotografiara un animal en movimiento, dándole mucha mayor fluidez al movimiento del Tauntaun.^[3]

    Las enormes dimensiones de este proyecto por poco impiden que se complete. La producción se retrasó notablemente y se salió de presupuesto, por lo que el costo final, incluyendo los intereses que Lucas tuvo que pagarle al banco, ascendió a alrededor de 33 millones de dólares. Esto sin contar los más de 100mil dólares en multas que el director californiano debió pagar a los sindicatos por usar trabajadores no sindicalizados y que, ultimadamente, causaron que renunciara a ser miembro del Director’s Guild of America.^[4] Y ^[5]

    Y, a pesar de todo, Lucas no sólo recuperó su inversión, sino que la multiplicó. Las ganancias estratosféricas de la película le permitieron comprar los terrenos del llamado Skywalker Ranch, cerca de San Francisco, California. En ellos, Lucas asentaría viñedos, empresa que comparte con Francis Ford Coppola, y las instalaciones de Lucasfilm Ltd., su compañía productora; THX Ltd., su empresa de sistemas y certificación audiovisuales; Skywalker Sound, su empresa de mezcla, edición y efectos de sonido; LucasArts, su compañía dedicada al software de entretenimiento y, quizá la más famosa de todas, Industrial Light & Magic, su compañía de efectos especiales de vanguardia. Por no mencionar que además hubo reparto de utilidades para todos los que trabajaron en esta película.

    Asimismo, el director californiano continuó basándose en las teorías de Joseph Campbell sobre el Viaje del Héroe. Según el antropólogo, todos los héroes llegan a un momento en su viaje al que denomina el Descenso a la Panza de la Ballena. En esta etapa del Viaje, el héroe se enfrenta a la Oscuridad, particularmente aquélla que lleva dentro de sí mismo, ya sea en la forma de un monstruo colosal (Perseo contra Medusa, Beowulf contra el dragón, Rama contra Ravana) o en la forma de un alter ego que sea su opuesto en todo, pero lo mismo en esencia, una especie de versión oscura del héroe mismo (Arturo contra Mordred, Atreyu contra Bastian ¡y hasta Link contra Shadow Link!).

    Este enfrentamiento, que suele ir acompañado de un descenso a algún tipo de inframundo —Luke se enfrenta a Vader en los niveles inferiores de la Ciudad en las nubes—, destruye al héroe de una u otra forma; pero mediante esta destrucción lo lleva a madurar y a fortalecerse para enfrentar a su enemigo con renovada sabiduría. Desde un inicio, Lucas decidió separar la película en dos líneas argumentales: la de Han y la de Luke por lo que, de hecho, cada uno vive su propio Viaje del Héroe; aunque ambos son derrotados al final de esta cinta.

La idea de que el pasaje del umbral mágico es un tránsito hacia una esfera de renacimiento está simbolizada mundialmente en la imagen de la panza de la ballena. El héroe, en vez de conquistar o conciliar el poder del umbral, es tragado por lo desconocido y aparecerá como muerto. […]

    Este motivo popular pone énfasis en la lección de que el pasaje del umbral es una forma de auto-aniquilación.^[6]

    Pero no sólo eran los personajes de ficción quienes atravesaron tiempos oscuros. Parecía que los actores que los interpretaban también estaban siendo puestos a prueba: Harrison Ford estaba decidido a abandonar la saga, Carrie Fisher tenía problemas con su trastorno bipolar y para el momento de filmar esta cinta ya consumía cocaína, y Mark Hamill sufrió un accidente automovilístico que le desfiguró el rostro^[7]. Según dice una oscura leyenda de Hollywood, Hamill habría provocado el accidente deliberadamente para librarse del estigma de ser Luke Skywalker, papel en el que había sido encasillado y que le impedía conseguir trabajo^[8].

    Para poder tener un control creativo absoluto sobre su película, George Lucas decidió producir esta cinta él mismo. El director californiano tomó todas las ganancias que había obtenido con la primera película y pidió un préstamo al Bank of America Entertainment para cubrir el presupuesto de 25 millones de dólares estimado para la película. Para poder enfocarse en la producción, Lucas decidió no dirigir El Imperio contraataca y contratar a alguien más para cumplir con la función de director.

    Le ofreció dicho puesto a Irvin Kershner, quien había sido su profesor en la USC y quien había dirigido muchos dramas para TV y cine; pero jamás una película de fantasía y alto presupuesto como la que pretendía hacer Lucas. De hecho, cuando Lucas invitó a Kershner a almorzar en el comedor de Universal Studios (Sí, ése mismo donde James Whale conoció a Boris Karloff mientras buscaba un actor que interpretara a la Creatura de Frankenstein) para ofrecerle el puesto, la reacción instintiva de Kershner fue rechazarlo, pues sabía que no podría hacer algo tan espectacular como la primera parte y que toda la gente lo compararía. Después de ser persuadido enérgicamente por su agente, telefoneó a Lucas para decirle que aceptaba el trabajo.

    Y francamente, creo que el cambio de director le vino bien a la saga. La formación de Kershner en artes como la Música y la Fotografía, y su carrera como cineasta independiente lo dotaron de la sensibilidad necesaria para dirigir una obra tan sutil y poderosa como ésta. El mismo director narra que la mayor dificultad que encontró al dirigir esta cinta fue la sutileza: Quería que hubiera comedia, pero no chistes y quería que hubiera romance, pero sin llegar a lo cursi[9] —¿Han notado que los besos entre Han y Leia son más bien parcos, aunque no por ello menos intensos?—.

    Y hablando de eso, ¿sabían que uno de los diálogos más icónicos de la Trilogía fue improvisado? En el libreto estaba escrito que cuando Han Solo es congelado en carbonita y la princesa Leia le dice “¡Te amo!”, él respondería “Te amo”; pero Harrison Ford nunca se sintió cómodo con la línea, pues sentía que rompía con la lógica del personaje. La escena se filmó infinidad de veces sin que el diálogo sonara convincente, hasta que Kershner le dijo a Ford que simplemente improvisara y ahí fue cuando al actor se le ocurrió contestar “Lo sé” a la línea de la princesa Leia.

    Por cierto, a quien no se le haya puesto la piel chinita mientras veía por primera vez la escena en la que Han Solo es congelado en carbonita mientras la música de fondo, que empieza siendo el Tema de amor se convierte in crescendo en la Marcha Imperial, no tiene corazón.

    El Imperio contraataca fue la primera película de la saga en la que sonaría el que, a mi gusto, es el mejor tema musical compuesto por John Williams después del de Tiburón (Spielberg, 1975): La Marcha Imperial. Lucas pidió a Williams que creara un tema para Darth Vader y el músico de inmediato supo que debía ser algo grandilocuente, repetitivo, con un tono marcadamente marcial en el que predominaran los metales^[10]. Después de ésta, no habría película de Star Wars en la que no se escuchara dicho tema.

    Por otro lado, ésta sería también la primera aparición de otro elemento que no volvería a desaparecer de la saga: el maestro jedi Yoda. Originalmente, Lucas no tenía planes de que Obi-Wan Kenobi muriera en la primera cinta; pero, ya sea por decisión del director o por petición del actor que no confiaba en el proyecto, nunca se ha sabido con certeza, tuvo que eliminar al personaje. De tal suerte, Lucas tuvo que idear un nuevo sabio para que entrenara a Luke Skywalker.

    La primera consigna que tuvo el director californiano al respecto fue que no quería que el personaje pareciera una calca de Obi-Wan[11] (como Brent, que es una copia al carbón de Taylor, en Bajo el planeta de los simios [Post, 1970]), por lo que ideó algo completamente diferente.  Nuevamente, se basó en las epopeyas antiguas para plantear un personaje cuya enorme sabiduría contrastaría con su aspecto diminuto e insignificante.

    Y precisamente, una de las principales dificultades en la creación de Yoda fue la de su apariencia física. Kershner y Lucas sabían perfectamente que, si este personaje fundamental que parloteaba durante veinte minutos en pantalla no funcionaba, la película se vendría abajo. Una de las primeras decisiones que se tomaron sobre el personaje fue que Yoda hablaría con una sintaxis invertida. De este modo, los espectadores tendrían que poner atención en todo lo que estaba diciendo.

    Por desgracia, eso era lo único que funcionaba con Yoda. Tanto el artista de efectos especiales —quien posteriormente se convertiría en un director inepto— Joe Johnston como el ilustrador Ralph McQuarrie habían diseñado diferentes aspectos para el personaje y un puppet basado en ellos fue construido por el artista de efectos especiales Stuart Freeborn; pero Kershner no estaba satisfecho con el resultado, pues sentía que le faltaba vida al personaje.

    Freeborn le pidió al director que le diera una semana para reesculpir la cara de Yoda y Kershner así lo hizo. Cuando el artista presentó su trabajo admitió que se inspiró en el rostro de Albert Einstein para plasmar las arrugas en la cara del Maestro Jedi, pero el director y los demás presentes notaron que el rostro del puppet en realidad era un autorretrato de Freeborn.

    Finalmente, Yoda fue todo un logro del puppeteering que era manipulado por cuatro titiriteros liderados por el veterano del Show de los Muppets (1976-1981), Frank Oz, quien también le prestaba su voz al sabio jedi. El resultado era tan convincente que frecuentemente Kershner le daba indicaciones a Yoda, en vez de a los titiriteros que lo manipulaban, quienes se encontraban a metro y medio debajo del piso del set que recreaba Dagobah, el planeta hogar del maestro jedi y no podían oír nada.

    Y, por supuesto, está la revelación de Darth Vader; el secreto mejor guardado por la producción y que terminaría convirtiéndose en una de las escenas más icónicas —y parodiadas— en la historia del cine. Originalmente, sólo Lucas, Kershner y el productor Gary Kurtz sabían lo que Vader le decía a Luke realmente durante su enfrentamiento e incluso una página falsa fue insertada en el libreto, pues Lucas quiso mantener el más riguroso hermetismo al respecto de la escena climática de la película.

   Ni siquiera el elenco sabía de qué se trataba. A Mark Hamill, el director le reveló la verdadera línea de Darth Vader minutos antes de comenzar a filmar la escena. Dave Prowse, quien interpretaba a Darth Vader y se empeñaba en decir sus diálogos a pesar de que poco se le escuchaba a través del casco, leyó la línea falsa en la que Vader le decía a Luke “Obi-Wan mató a tu padre”; y James Earl Jones, quien hacía la voz de Vader, cuando leyó el parlamento por primera vez creyó que el Señor del Sith mentía… Después de todo, es lo que uno esperaría de un señor del Sith, ¿no?

    Hace tiempo tuve una novia que nunca había visto estas películas ‒y, según parece, vivía en un agujero en el suelo‒ y fue en extremo interesante ver su reacción cuando Luke descubre el destino de su padre por boca (¿o bocina?) de Vader. En verdad, no tenía ni idea y verla enterarse no tuvo precio. Por cierto que ella también creyó que Vader mentía y se empeñó en que inmediatamente después viéramos El regreso del Jedi (Marquand, 1983) para salir de dudas.

    En términos narrativos, la cinta funciona a la inversa de la primera película, lo cual es simplemente brillante. Mientras La Guerra de las Galaxias iniciaba con una historia más bien íntima sobre una pareja de robots y terminaba con una batalla a gran escala, El Imperio contraataca inicia con una batalla de grandes dimensiones —incluso el tamaño de los caminadores imperiales AT-AT es colosal— y termina con un enfrentamiento cara a cara entre dos personas.

    Del mismo modo, la película encuentra las ventajas que tienen los héroes y se las arrebata, dejándolos indefensos a merced de su destino: Luke ha perdido a Obi-Wan, el cinismo de Han Solo es domado por Leia, R2-D2 y C-3PO se separan y hasta el hiperpropulsor que le permite al Halcón Milenario viajar a la velocidad de la luz permanece descompuesto durante toda la cinta.

    Y, para hacer la cosa más interesante, Lucas decidió que se agregara el diálogo entre el espíritu de Obi-Wan y Yoda en el que el difunto Jedi le dice a su maestro que Luke es su última esperanza y éste le contesta que no, que hay otra. En ese momento el productor no sabía a quién se refería exactamente, pero lo hizo para que el público sintiera que Luke no era indispensable y que podría morir al enfrentarse a Darth Vader.

    Para este momento, Harrison Ford no estaba seguro de querer continuar apareciendo en la saga, por lo que le pidió a Lucas que matara a su personaje al final de El Imperio…, a lo que el productor se negó. Después de negociarlo por un tiempo, Lucas accedió a que el personaje de Ford desapareciera al final de la cinta —congelado en carbonita y entregado al cazarrecompensas favorito de la fanaticada, Boba Fett (Jeremy Bulloch, voz de Jason Wingreen)^[12]— para poder “revivirlo” después en caso de que el actor reconsiderara su salida de la serie.

    Al final de esta cinta, Luke ha perdido una mano y está psíquicamente devastado, la princesa Leia está emocionalmente deshecha por haber perdido al hombre que ama, y Han Solo está atrapado en un sueño eterno y su destino se encuentra en manos del hombre que lo traicionó. ¿Se dan cuenta de que esta vez los buenos pierden?

Sombras del Imperio

Aunque a partir de la compra de Lucasfilm por parte de Disney este “episodio intermedio” ya no forma parte del “canon”, me pareció adecuado incluir un breve comentario sobre él debido a su importancia en el resurgimiento de la saga.

    A mediados de los 90 el proyecto de la trilogía de precuelas había estado rondando por la cabeza de George Lucas por demasiado tiempo. La venta de la trilogía original en LaserDisc dio muy buenos resultados (aun cuando el formato fue un fracaso) y dio paso a la producción de una serie de tarjetas coleccionables por parte de Topps y a la continuación de la serie de figuras de acción The Power of the Force en 1995^[13].

    Viendo el éxito que tenían estos productos aun sin que hubiera una nueva película de Star Wars, Lucasfilm ideó un proyecto multimedia cuya consigna era ver en cuántas formas diferentes podía explotarse un producto sin que estuviera basado en una película o serie de TV. Desde esta óptica, Sombras del Imperio es algo “abstracto”, pues ninguno de los productos relacionados con la marca está basado en algún otro: todos parten de manera simultánea de la misma premisa y fueron lanzados al mercado a finales de 1996.

    El argumento básico planteado para este concepto abarca un periodo de alrededor de seis meses, se sitúa entre El Imperio contraataca y El regreso del Jedi, y va más o menos así: Debido a su incapacidad para dar el golpe decisivo que termine con la Rebelión y capturar a Luke Skywalker, Darth Vader pierde el favor del Emperador. Esto es visto como una oportunidad por el capo de la mafia de Coruscant^[14], el ruin príncipe Xizor, para acercarse al Emperador y usurpar el lugar de Vader como su mano derecha.

    Por su parte, la princesa Leia contrata a un carismático cazarrecompensas amigo de Han Solo, Dash Rendar, para que se infiltre en los bajos mundos del Imperio y rastree a Boba Fett para recuperar el bloque de carbonita en el que se encuentra preso Han.

    La infiltración no sólo revela el paradero de Solo; sino que lleva a los rebeldes a descubrir los planos de una segunda Estrella de la Muerte y a formar una peligrosa alianza con el príncipe Xizor, de quien no se sabe si actúa como amigo de la Alianza, como agente doble del Imperio o si planea traicionar a ambos bandos para satisfacer su propia sed de poder.

    Así pues, el merchandising resultante incluye una novela por Steve Perry; una miniserie de cómics escritos por John Wagner, ilustrados por Kilian Plunkett y publicados por Dark Horse; el que es probablemente el artículo por el que la mayoría de la gente conoció Sombras del Imperio, el genial videojuego para Nintendo 64 posteriormente adaptado a PC; una serie de tarjetas coleccionables de Topps basadas en la novela, los cómics y el videojuego; una serie de figuras de acción de Kenner y una línea de juguetes de Galoob (Micro-Machines); un tráiler cinematográfico ficticio que fue transmitido por televisión apenas un par de veces antes de ser retirado por Lucasfilm y un soundtrack que incluía la música compuesta por Joel McNeely para el videojuego.

    El éxito de Sombras del Imperio no sólo sirvió para desbrozar el camino antes del lanzamiento de la Trilogía de la Guerra de las Galaxias-Edición Especial (1997); sino que produjo la miniserie de comics Sombras del Imperio: Evolución, una secuela de la historia original cuyo argumento sucede más o menos de manera simultánea con los eventos de El regreso del Jedi y que narra la historia de Guri, la bella androide replicante asistente personal de Xizor y su lucha por sobrevivir y recuperar su identidad una vez que éste ha desaparecido.

    Había planes para una precuela que aparecería en forma de novela; pero fue cancelada debido a que la licencia para las novelas de Star Wars pasó de manos de editorial Del Rey a Bantham Books.

Y ahora, ha llegado el momento que todos esperaban. Aquél por el que han estado leyendo este artículo hasta el final: He aquí la tabla comparativa entre las distintas ediciones de El Imperio contraataca:

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[1] SPFX: The Empire Strikes Back. Guennet, Lucasfilm, 1980.

[2] El Stop-Motion es una técnica de animación que consiste en fotografiar objetos inanimados un cuadro a la vez y moverlos ligeramente entre cuadro y cuadro. Al proyectar la secuencia de fotografías, el objeto parece estar moviéndose.

[3] Movie Magic, “Stop Motion: One Step at a Time” (Temporada 1, episodio 12), Benz et al, GRB Entertainment, 1994.

[4] Cfr. Imperio de sueños: La historia de Star Wars. Becker y Burns, Prometheus Entertainment, 2004.

[5] Este desaguisado provocó la salida de Alan Ladd Jr., el principal defensor de George Lucas de la mesa ejecutiva de Twentieth Century Fox, y permitió que los derechos de distribución del siguiente proyecto producido por Lucas, Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981) fueran vendidos a Paramount y no a Fox, como se planeó originalmente.

[6] CAMPBELL, Joseph, The Hero with A Thousand Faces, Third Edition, New World Library, USA, 2008. Pp.74-75. La traducción es mía.

[7] El ataque del wampa al principio de la película fue incluido en el guión para justificar que Luke se viera diferente a como se veía en la primera cinta.

[8] Para distanciarse de su rol en la saga de Lucas, Hamill apareció en diversas producciones de Broadway como El hombre elefante y Amadeus. Al hacer el casting para interpretar a Mozart en la adaptación fílmica de la obra, el actor fue rechazado porque uno de los productores dijo que “no quería a Luke Skywalker en su película”.

[9] Cfr. Becker y Burns, Op. cit.

[10] Cfr. A Conversation with the Masters: The Empire Strikes Back 30 Years Later, 2011.

[11] Idem.

[12] La primera aparición en pantalla del personaje fue en el segmento de dibujos animados dentro del infame Especial de Navidad de Star Wars (Binder, 1978), momentos antes del número musical de la canción de la princesa Leia… Sí, lo sé.

[13] Esta serie de figuras fue la última en aparecer con las películas originales y se extendió hasta invierno de 1985. Fue con las tarjetas de Topps y las figuras de Kenner, en los 90, que gran cantidad de personajes del Universo de Star Wars recibieron su nombre por primera vez. Walrus Man se convirtió en Ponda Baba, Hammerhead en Momaw Nadon, la Ciudad de las Nubes fue rebautizada como Bespin (bueno, siendo más precisos, Bespin es el planeta) y el mismísimo Emperador, que hasta en las figuras de acción era simplemente llamado The Emperor, se convirtió en Palpatine.

[14] Coruscant, el planeta capital del Imperio, fue conceptualizado para la trilogía original; pero nunca se utilizó. Este spin-off fue la ocasión perfecta para darlo a conocer al público antes de introducirlo como una pieza clave de la trilogía de precuelas.

[15] Originalmente había toda una subtrama sobre los wampas y sus ataques a los rebeldes en la Base Ecco. Estas escenas de hecho fueron filmadas, pero fueron retiradas del corte final de la película debido a la insatisfactoria calidad de las botargas de wampa. Dichas secuencias, junto con algunas otras escenas eliminadas, fueron presentadas en la adaptación oficial en cómic publicada originalmente por Marvel en 1980, reeditada en 1997 en formato TPB por Dark Horse y en 2015 en una edición “remasterizada” de pasta dura por Disney/Marvel.

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL.2

Guardians of the Galaxy Vol.2

 

James Gunn, 2017

El volumen 2 del Awesome Mix no es tan Awesome. Lo digo literal y metafóricamente. La primera cinta de Guardianes de la galaxia (Gunn, 2014), con su humor chabacano e irreverente de niño de secundaria se robó nuestro corazón. Por si esto fuera poco, el soundtrack de la peli estaba compuesto por canciones clásicas de la música pop de los 70 y 80 que estaban bien llegadoras. Finalmente, una de las razones por las que creo que la película original funcionaba tan bien era por la forma en la que lograron que el equipo de los Guardianes de la Galaxia se integrara. Veías a este montón de seres alienígenas con personalidades completamente dispares convivir e integrarse verdaderamente en un equipo con resultados hilarantes.

    Bien, pues para la secuela todo eso se fue al caño. No me malinterpreten, creo que es loable cuando los realizadores intentan hacer cosas nuevas y tratan de salir de su zona de confort, cuando quieren experimentar con la dirección en la que están llevando a los personajes y el argumento. Pero que traten de innovar no quiere decir que necesariamente funcione.

    Guardianes de la Galaxia volumen 2 comienza tres meses después de la cinta anterior, cuando nuestros mercenarios favoritos son contratados por una raza alienígena conocida como los Soberanos ‒que tienen piel dorada, lo que me hizo recordar inmediatamente a los habitantes de Mongo en el universo de Flash Gordon‒, para que detengan al monstruo interdimensional conocido como Abilisk. Como parte del pago, los Soberanos entregan a Gamora (Zoe Saldana) a su hermana malvada, Nebula (Karen Gillan), quien es mantenida como prisionera. Por desgracia, Rocket Raccoon (voz de Bradley Cooper) cree que es una buena idea robar las valiosas baterías Anulex a los Soberanos, causando la furia de la sacerdotisa Ayesha (Elizabeth Debicki, excelente), su líder. Durante la huida, los Guardianes llegan al planeta Berhert, donde son interceptados por Ego (Kurt Russell), una divinidad que se revela como el verdadero padre de Peter Quill/ StarLord (Chris Pratt, ahora ídolo de las juventudes) y quien lo invita a ir con él al planeta Ego ‒se supone que, siendo una especie de dios, es al mismo tiempo un planeta y su encarnación humana‒, para enseñarlo a usar sus poderes y revelarle su propósito en la vida. Mientras esto sucede, los Devastadores, el grupo de mercenarios liderado por Yondu (Michael Rooker, a quien seguro recuerdan por su papel de Merle Dixon en The Walking Dead), quien fuera el padre adoptivo de Quill, se amotinan y lo hacen prisionero. ¿Quién salvará a Yondu y qué oscura verdad descubrirá Quill en el mundo de Ego?

    Ahora que leo la sinopsis… creo que suena mucho más complicada de lo que la película en realidad es. Algo que creo que sí le duele un poco a la cinta es que le falta sustancia. Creo que eso queda claro casi de inmediato: ésta no es una película de argumento. La historia es increíblemente simple.

    En muchos sentidos, esta película funciona como El Imperio contraataca (Kershner, 1980). Por principio de cuentas, la historia no avanza “horizontalmente”, sino “verticalmente”. Quiero decir que la cinta se preocupa más por profundizar en el carácter de los personajes y las relaciones entre ellos que en que realmente pase algo que haga avanzar la historia. Esto no es malo; la cosa es que, para lograr un desarrollo más rico de los personajes, tiene que dividirlos. Así, la genial dinámica de equipo que se había logrado en la primera parte se pierde en ésta y, en vez de un equipo de héroes, tenemos a dos pequeños equipos que siguen cada quien una línea argumental diferente… como sucedía en la segunda parte de la saga de Star Wars, pero no tan genial.

    Del mismo modo, el Bribón con el Corazón de Oro se sacrifica por sus compañeros; se descubre la oscura verdad sobre el origen del héroe; la tensión romántica entre Gamora y Quill aumenta; la relación entre Gamora y Nebula toma giros inesperados; un personaje en el que el héroe había depositado su confianza lo traiciona; el mundo idílico no es para nada lo que parece y una nutrida lista de etcéteras. Creo que sólo faltó el sabio elemental que habla con una sintaxis invertida.

    También, casi desde el inicio de esta película, el tono que se venía manejando en la anterior cambia. Trata de ser algo más oscura; pero por alguna razón no termina de cuajar. Y creo que ése es el gran fallo de esta película. Como que al final uno esperaba algo más grande, más oscuro, que dejara más secuelas en los personajes… y más o menos pasa; pero creo que no repercute con la fuerza que debería. En el Viaje del Héroe, éste es el Descenso a la panza de la ballena; pero es un descenso entre colores psicodélicos y que se queda a medias, como atorado en el cardias.

    Asimismo, el sentido del humor sigue presente; pero ya no es tan gracioso. Algo pasó… es como esos episodios nuevos de Los Simpson que se vuelven deprimentes porque intentan imitar a los episodios clásicos y terminan siendo copias malas. Creo que algo parecido pasa con esta película. Creo que la cuestión es que trató de llevar la franquicia por otro rumbo; pero no supo muy bien por cuál y trató de retomar los elementos que funcionaron de la primera parte, pero de forma poco honesta… como que los pusieron ahí sólo porque es lo que el público esperaba de una película de Guardianes de la Galaxia y no porque realmente aportaran algo a la peli. El personaje de Mantis (Pom Klementieff) sí es muy gracioso.

    La música que tan bien les funcionó en la cinta original, tanto que me atrevo a decir que impuso moda, en ésta se siente desangelada y anodina. Como si se hubieran acabado todas las canciones chidas en la primera película y a ésta le hubieran tocado las sobras… como cuando sacaban esos discos de compilaciones de música de tal o cual década y como pegaban luego sacaban un segundo volumen… que era notablemente inferior al primero ‒me refiero a la colección de Simply the Best…‒.

    El diseño de arte es espectacular y prácticamente todo lo que aparece en pantalla se ve bastante bien, además de que hay muchas referencias visuales ‒¿Homenaje? ¿Fusil? ¿Simple coincidencia?‒ como el interior de la nave ovoide en la que viaja Ego, que me recordó muchísimo al interior de la Fortaleza negra de Krull (Yates, 1983) o la superficie del planeta Ego, que bien podría haber salido de alguna de las películas de La historia sin fin.

    También la caracterización de los personajes y los vestuarios están de antología… excepto el maquillaje de Drax (Dave Bautista), que se veía raro… digo, para empezar, se notaba que era maquillaje. Algo cambiaron, porque en la primera película se tardaban cuatro horas para maquillarlo y en ésta, sólo una y media.

    En general, creo que Guardianes de la Galaxia Volumen 2 es buena a secas. Es entretenida, aunque de repente se siente como que pudo fácilmente durar menos y me hizo carcajearme en algunas partes ‒el cameo de David Hasselhoff es genial‒; pero no logra llegar a la genialidad de la primera. Además, por alguna razón, al final todos los personajes terminan revelando un lado tan increíblemente cursi de ellos mismos que acabé empalagado. Menos mal, en una especie de autoparodia de las películas del Universo Cinematográfico Marvel, hay cinco escenas post-créditos… ni siquiera estoy seguro de haberlas entendido todas.

    Y sí: hay otro cameo de Howard the Duck, con la voz de Seth Green.

PARA LA TRIVIA: Gary Oldman, Viggo Mortensen, Christopher Plummer, Max von Sydow, Christoph Waltz y Liam Neeson fueron considerados para el papel de Ego.

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LA GUERRA DE LAS GALAXIAS

Que en su estreno en 1977 se llamó Star Wars, pero cuyo título fue cambiado para el reestreno de 1981 a Star Wars: A new Hope y que después de 1999 es conocida coloquialmente como Star Wars Episode IV: A New Hope.

George Lucas, 1977

Existen múltiples versiones de esta película: La que se estrenó originalmente en cines con 121 minutos de duración, la que se reestrenó en 1981 (siendo la única diferencia entre ambas la pantalla del título y la mezcla de audio), la edición para LaserDisc (1993) y la Edición Especial conmemorativa de 20° Aniversario (1997), con 125 minutos de duración de escenas reinsertadas, extendidas y secuencias nuevas. Sobre la Edición Especial existen las variaciones de la edición en DVD de 2004 y la edición en Blu-Ray de 2011. Las diferencias entre estas variaciones se enlistan en el cuadro anexo. Además, existe el llamado Lost Cut (“Corte perdido”), que en realidad no es tal, de 150 minutos de duración sobre el cual incluyo un breve comentario al final de este artículo.

Sobre el canon: A lo largo de sus cuarenta años de existencia, el universo de Star Wars se ha expandido a otros medios además del cine, como la Literatura, los cómics, los videojuegos, los juegos de rol, las series de TV, los juguetes, etc. En algunos casos, se han generado historias que complementan, expanden o que son totalmente independientes del universo visto en las películas.

    Por esta razón, fanáticos y productores se dieron a la tarea de crear el “canon” de Star Wars, enzarzándose en verdaderas batallas campales para decidir qué arcos argumentales del Universo Expandido entraban dentro de la cronología oficial de la saga.

    Sea como fuere, tras la compra de Lucasfilm por parte de Disney, la Casa del Ratón decidió negar todo el canon anterior a 2014; por lo que sagas clásicas que ya estaban bien afianzadas en la cronología de Star Wars, como la serie de dibujos animados de Guerras clónicas, el proyecto multimedia Sombras del Imperio o la trilogía de cómics Imperio Oscuro quedaron fuera del canon.

    Ahora bien, a mí como fan acérrimo de Star Wars el canon francamente me viene valiendo madres desde siempre y aclaro de una vez que sólo considero como “cronología oficial” lo que se ve en pantalla en las 8 películas que lleva la saga hasta el momento… Y sobre Rogue One tengo mis reservas

    Así pues, a lo largo de esta serie de artículos (así es, gente, éste será el primero de ocho), de repente voy a hacer referencias y menciones a historias del Universo Expandido; pero por favor, sean tan amables de tomarlas más como anécdotas curiosas y notas al margen que como la evangelización iluminadora que algunos fanboys quieren llevar a cabo a veces.

 

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy muy lejana… llamada Modesto, California, vivía un pequeño y nerdo muchacho que soñaba con ser piloto de carreras.

    Su pasión lo llevó cuando adolescente a correr autos en el circuito de las carreras clandestinas. Durante una de estas carreras, su auto fue embestido por otro, lo que ocasionó que se volcara. El joven piloto, llamado George Walton Lucas Jr. Sufrió serias heridas que casi le costaron la vida.

    Debido a este accidente, Lucas decidió dejar la conducción de autos, y prefirió capturar la acción y la emoción de las carreras en películas caseras filmadas con una cámara de 8mm. En esta época también entró al Junior College de Modesto, donde estudió Sociología, Literatura y Antropología, y comenzó a interesarse también por el cine “de arte” y el cine europeo que veía en proyecciones de cineclubes y salas clandestinas.

    Más tarde entró a la Universidad del Sur de California (USC) donde trabó amistad con futuros cineastas como Steven Spielberg y John Milius. Demostró su talento al ganar el primer lugar en el Festival Nacional de Cine Estudiantil de 1967-1968 con el cortometraje Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB (que después expandiría en su primer largometraje, THX 1138 [1971]) y, tras graduarse, recibió una beca de Warner Bros. Para trabajar como crew en una película de su elección, que resultó ser Ya eres un hombre (1968) del también graduado de la USC Francis Ford Coppola, con quien Lucas trabaría una amistad que perdura hasta día de hoy.

    Lucas escribió y dirigió dos películas que fueron un gran éxito con la crítica antes de comenzar con el proyecto que se convertiría en La guerra de las galaxias:

    THX 1138 (1973), una película de Ciencia Ficción muy eficiente que es básicamente una reinterpretación de 1984 de George Orwell. Si tienen oportunidad de ver esta película en su edición original, no duden en hacerlo. Años después, para su edición en DVD, Lucas armó un Corte del Director con escenas reinsertadas y efectos CGI que se ven más falsos que un político en campaña.

    Y Locura de verano (1973), una cinta con guiños autobiográficos sobre una pareja de graduados de la prepa en un pueblito californiano en los 60 que deciden pasar una noche de aventura antes de partir hacia la universidad.

    Para su tercer proyecto, Lucas decidió basarse en los seriales cinematográficos de la década de los 30 que había visto por televisión cuando era niño. Principalmente, Lucas pretendía crear un relato que mezclara elementos de las space operas^[1] con el western con un toque de las películas épicas de Akira Kurosawa, todo ello siguiendo el hilo conductor del Camino del Héroe (la teoría propuesta por el antropólogo Joseph Campbell que encuentra los elementos comunes a todos los héroes de la Literatura Universal).

    Las primeras ideas de Lucas para su obra eran sobre una chica que se enamoraba de un cadete de una academia espacial y se veía involucrada en una rebelión contra un tiránico imperio. Más tarde, su idea evolucionó hacia la historia de dos hermanos, hombre y mujer, parecidos a hobbits y cómo se ven involucrados en una rebelión contra un hechicero oscuro… con viajes espaciales. Muchas de las ideas de este concepto fueron posteriormente utilizadas para la genial epopeya fantástica Willow (Howard, 1988).

    En este tenor el director californiano escribió un guión titulado The Star Wars^[2], que narraba la historia del antiguo guerrero Jedi Badu llamado Kane Starkiller quien, tras el asesinato de su hijo menor a manos de un Sith, viaja al planeta Aquilae para dejar a su hijo mayor, Annikin, bajo la tutela del general renegado Luke Skywalker quien, por proteger a la Familia Real de una invasión del Imperio galáctico, termina liderando la rebelión en contra de éste.

    Los rebeldes son cazados por Darth Vader y su agente, un guerrero Sith conocido como príncipe Valorum; Skywalker rescata a la princesa de Aquilae, Leia, y la deja al cuidado de Annikin, quien se enamora de ella. Los rebeldes buscan la ayuda del guerrillero Han Solo y, luego de que su nave es derribada por el Imperio en el planeta Yavin, reciben la ayuda de los wookies y su príncipe, Chewbacca, para vencer al Imperio.

    Como puede notarse, los elementos básicos y el hilo conductor de las seis películas se encontraban ya presentes en este primer tratamiento de guión. Sin embargo, otros elementos particulares eran radicalmente distintos. Por ejemplo, Han Solo era un alienígena —bueno, todos lo son porque ni siquiera viven en esta galaxia, pero me refiero a que no es humano— gigantón, verde y con agallas, los stormtroopers llevaban lightsabers, Chewbacca era una especie de cruza entre Pie Grande y un murciélago^[3], y había más personajes; pero estaban construidos más pobremente… ¡Ah, sí! ¡Y R2-D2 hablaba!

    Tras sucesivas revisiones y tratamientos de guión, y viéndose en la necesidad de escribir una película más corta —el guión original tenía más de doscientas páginas que hubieran resultado en una película de alrededor de cuatro horas—, Lucas llegó a la versión que conocemos actualmente (más o menos) y cuyo argumento es el siguiente:

     El malvado y opresor Imperio Galáctico gobierna con puño de hierro, lo que ha llevado a varios sistemas a conformar una Alianza Rebelde para derrocarlo. En medio de la guerra civil, el Imperio construye una estación espacial con el poder de destruir un planeta entero conocida como Estrella de la Muerte.

    La princesa Leia (Carrie Fisher), en una misión secreta, ha conseguido los planos de dicha estación y se encuentra de regreso a su planeta, Alderaan, cuando su nave es interceptada por el comandante de la Flota Imperial, Darth Vader (David Prowse, voz de James Earl Jones quienes, anécdota curiosa, jamás se han conocido en persona), quien la captura y la lleva prisionera a la Estrella de la Muerte. Leia esconde los planos robados en el droide astromecánico R2-D2 quien, junto con su compañero C-3PO (Anthony Daniels), es comprado por Luke Skywalker (Mark Hamill), un joven granjero del desértico planeta Tatooine.

    Skywalker busca la ayuda del antiguo caballero Jedi en el exilio Ben (Obi-Wan) Kenobi (Sir Alec Guinness), para rescatar a la Princesa y entregar los planos a la Alianza Rebelde. Recibirán la ayuda del contrabandista capitán del Halcón Milenario, Han Solo (Harrison Ford) y su amigo wookiee Chewbacca (Peter Mayhew), y terminarán involucrándose, más de lo que hubieran esperado, en una temeraria ofensiva de la Flota Rebelde contra la Estrella de la Muerte.

    Princesas secuestradas, fortalezas oscuras, antiguas órdenes de caballería, una banda de rebeldes que se oponen a una autoridad corrompida, un hábil pistolero que además es un bribón con corazón de oro, un par de sirvientes robot con Vis Comica, una pelea en una cantina, magos, extraterrestres, naves espaciales, vistosos rayos láser de colores, un foso con un monstruo de un solo ojo y un duelo con espadas… ¿Qué es esto? Simplemente una de las películas más importantes en la historia del cine, tanto, que se convertiría en un referente cultural de nuestra era.

    Se necesita una combinación única de talento, ingenio, creatividad y trabajo duro para lograr que esta mezcla única de elementos funcione… Tan única, de hecho, que me atrevo a decir que el mismo Lucas nunca pudo conseguirla de nuevo.

    Por supuesto, contada así la película suena de lo más chafa, y ya para los setenta parecía anticuada y naïve. Quizá fue por eso que originalmente Anthony Daniels no se sintió muy emocionado cuando su agente le dijo que casteara para el papel de un robot y que Sir Alec Guinness, quien para esas fechas ya era un respetado actor con una larga trayectoria y gran prestigio, hasta se sintió medio ofendido de que le pidieran participar en una cinta infantiloide de naves espaciales.

    Empero, según cuenta la leyenda, Daniels cambió de parecer cuando le mostraron los diseños de C-3PO realizados por el artista Ralph McQuarrie, quien de hecho ideó todo el aspecto visual de la película. A Guinness costó un poco más de trabajo convencerlo, por lo que la producción le ofreció el 2% de las regalías totales de la película. Según lo comentó el actor británico en una entrevista posterior, siempre fue considerado un buen actor y siempre fue más o menos famoso; pero nunca antes fue tan famoso ni tan acaudalado como después de La guerra de las galaxias —aunque las declaraciones de Guinness y las de Lucas se contradicen unas a otras, se deduce al contrastar ambas que el actor no estuvo contento con el film y odiaba los diálogos escritos por el director; pero aun así mantuvo su profesionalismo y responsabilidad artística—.

    El resto del elenco fue conformado por un joven actor de televisión llamado Mark Hamill, a quien su amigo Robert Englund le dio el pitazo para hacer el casting; la joven actriz hija del cantante y actor Eddie Fisher, Carrie, y Harrison Ford, quien ya había trabajado con Lucas en Locura de verano y no había sido considerado para el papel de Han Solo; pero leyó sus líneas para las audiciones de otros actores con el personaje y llamó la atención de Lucas, obteniendo el rol por encima de candidatos como Robert Englund, James Caan, Bill Murray y el favorito de todos, Kurt Russell. Para la voz de Darth Vader, el director pensó originalmente en Orson Welles; pero cambió de idea al pensar que quizá sería demasiado identificable.

    El resultado final es, insisto, verdaderamente único. Contrario a la creencia popular, La guerra de las galaxias no es Ciencia Ficción, es una Space Opera; más cercana al John Carter de Edgar Rice Burroughs que al Viaje a la Luna de Julio Verne. Vamos, no es Ciencia Ficción desde el momento que se nos dice en pantalla con austeras letras azules que no sucedió en nuestro mundo ni en nuestro futuro; sino “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana…” donde hay humanos y la mayoría de ellos hablan con acentos británicos, pero qué más da.

    Éste es un cuento de hadas en el espacio —de hecho, Lucas se refería a su proyecto durante la filmación como una “Película de Disney”, pues trataba de recuperar ese feeling de los melodramas de aventuras producidos por la Casa del Ratón en los 50— que se nutre de todos los que vinieron antes que él; pero que no se parece a ninguno de ellos. Flash Gordon, Buck Rogers, El Fantasma, El Llanero solitario, Robin Hood, el Ladrón de Baghdad, están todos aquí, sólo que este Todo es más que la suma de sus partes.

    Un increíble diseño de arte, una fotografía y efectos visuales y sonoros sin precedentes, una hábil dirección, y actuaciones excelentes por parte de todos los involucrados nos hacen creer que todo lo que se ve en la pantalla es real y existe en algún lugar allá afuera —Lucas insistía en que los sets no se limpiaran al final de la jornada, y en ensuciar los vestuarios y la utilería para que se vieran “usados”—. Gracias al esfuerzo de todos, nos olvidamos de que el Halcón Milenario está hecho con partes desechadas de automóviles y aviones, y que su cabina no tiene parabrisas; que los fragmentos de basura en el compactador de la Estrella de la Muerte son trozos de unicel pintados de negro, que la base rebelde está en Tikal, Guatemala, que un stormtrooper se golpea la cabeza con el quicio de una puerta cuando entra al cuarto en el que se refugiaron los droides, que el lightsaber de Vader no está coloreado en algunas escenas y se ve que es una varilla de aluminio con papel reflejante o que en la ceremonia al final de la peli sólo hay alrededor de treinta extras y el resto son stand-ins de cartón y pintura mate.

    Eso sí, Lucas fue muy exigente con el nivel de los efectos especiales que quería conseguir. Al no existir la tecnología digital como la conocemos actualmente, la mayoría de los efectos visuales de la cinta se consiguieron con técnicas fotográficas; siendo las más recurrentes la impresión óptica y la pintura mate.

    Las batallas en el espacio se filmaron con cámaras controladas por computadora que permitían programar sus movimientos específicos y reproducirlos de forma idéntica una y otra vez con precisión milimétrica, logrando coreografiar complicadas secuencias que en total tardaron dos años en filmarse y costaron tres millones y medio de dólares^[4].

    La historia no era nada nuevo; pero la forma de contarla es increíble y hace que el público pueda identificarse plenamente con ella. Sí, según algunos puede resultar inverosímil que un granjero soñador llegue a vencer a un Imperio… ¡Pero esto es un melodrama y una epopeya, y ése es el modelo del héroe que Lucas retoma de Campbell! Heracles era hijo del Rey de los Dioses, pero fue educado y vivió como campesino hasta los dieciocho años; Rama es despojado de su título por su madrastra ambiciosa, pero para no deshonrar a su padre se exilia a la selva para vivir como un ermitaño, Arturo fue escudero de su hermano adoptivo antes de ser reconocido como Rey de Inglaterra ¡Y el hijo del dios cristiano era carpintero!

    Otro elemento que dotó de grandeza a esta cinta fue la música. Compuesta por a quien me gusta apodar “el Tchaikovsky contemporáneo”, John Williams, el soundtrack de esta película contiene algunos de los leit motivs más reconocibles en la cultura popular actual. Un gran acierto fue que, mientras todo mundo esperaba que la música para la película fuera electrónica, Lucas y Williams acordaron casi desde un inicio  utilizar música sinfónica, de inspiración romántica y con una fuerte influencia wagneriana.

    Una vez que hubo terminado la película, George Lucas no se sintió satisfecho con el resultado y le auguró poco éxito. Cuando la proyectó en petite comité para sus amigos, la mayoría coincidieron con él, e incluso Brian de Palma le dijo que era la peor película que había visto. El único que vio el potencial económico fue Steven Spielberg —a quien me gusta darle el crédito de inventar el blockbuster de verano con Tiburón (1975)—. De hecho, la falta de fe de George Lucas por su película era tal que no quiso asistir a la premiére.

    Creo que ya lo mencioné alguna vez en el blog, pero me encanta la anécdota: para conseguir el financiamiento para su película, George Lucas aceptó recibir un sueldo bastante bajo a cambio de quedarse con las regalías de los juguetes basados en la película. Como en aquel entonces tal industria no era considerada negocio, los ejecutivos de la Twentieth Century Fox accedieron sin pensarlo dos veces. El resto es historia.

      La verdad es que poco podría George Lucas haber anticipado el poder de lo que acababa de crear. Al tratar de emular las epopeyas clásicas de la antigüedad, construyó una epopeya contemporánea que ha formado prácticamente una nueva mitología con millones de seguidores. Una saga inmortal que ha trascendido generaciones, que ha ido desarrollándose por sí misma y, según parece, seguirá desarrollándose en los tiempos por venir.

    Para finalizar este artículo, presento uno de mis ya afamados cuadros comparativos, dividido en tres partes, acerca de las diferentes versiones de Star Wars. En general, tanto el audio como la imagen de la película han sido mejorados con cada nueva versión, se le han hecho correcciones de color, se han realzado los efectos visuales (los lightsaber originales de Luke y Obi-Wan apenas si tienen un color turquesa, en la restauración de 2004 se ven verdosos y en la de 2011 se les agregó un color azul celeste intenso, por citar un ejemplo) y se le han agregado detalles digitales a las pinturas mate originales. Asimismo, en las diferentes mezclas de sonido a lo largo de los años, se han removido, agregado o sustituido efectos de sonido (como el aullido de Ben Kenobi) y un par de parlamentos. En este cuadro incluyo, en orden más o menos cronológico, sólo los cambios más notorios.

PARA LA TRIVIA: Hay un montón de anécdotas curiosas y datos oscuros sobre La guerra de las galaxias, por lo que tuve que escoger sólo mis seis favoritos, mismos que enlisto a continuación:

• Denis Lawson, el actor que interpreta a Wedge Antilles en esta película y en El regreso del Jedi (Marquean, 1983), es tío de Ewan McGregor, quien interpreta a Obi-Wan Kenobi en los episodios I, II y III.
• Las botas que eran parte del vestuario del gran moff Tarkin eran sumamente incómodas pues eran demasiado chicas para el actor Peter Cushing. El británico sólo las usaba para las tomas abiertas, el resto del tiempo calzaba pantuflas de felpa.
• La fortaleza escondida (1958) fue la película que introdujo a George Lucas al cine de Kurosawa. Como tributo, a lo largo de Star Wars se menciona varias veces “la fortaleza escondida de los rebeldes”.
• El esqueleto que aparece medio enterrado en la arena del desierto de Tatooine fue construido originalmente para la película de Disney Se nos perdió un dinosaurio (Stevenson, 1975).
• El idioma en el que habla Greedo (Paul Blake) fue creado al reproducir al revés una grabación de los parlamentos en quechua. El idioma de los jawas está basado principalmente en el zulú.
• Los ya icónicos títulos iniciales de la franquicia de Star Wars son un homenaje a los seriales de Flash Gordon, que empezaban cada episodio justo así.

Sobre el “Corte perdido”: Esta versión nunca ha sido comercializada, pues se trata del primer montaje de la película que, por encargo de Lucas, hiciera el editor John Gympson con el material de que disponía aún antes de terminar la filmación en 1976 (es decir, aún no se habían agregado la música o efectos visuales o de sonido). La única copia de este corte se mantiene resguardada en el archivo de Lucasfilm. Esta versión tiene entre un 30% y 40% de material desechado entre el que destacan las escenas de Luke reparando maquinaria en la granja mientras en el cielo se puede divisar la captura del Tantive IV —aquí cabe señalar que Lucas filmó esta secuencia bajo la presión de los productores, pues su idea siempre fue comenzar la película con la historia de los droides y no presentar a Luke sino hasta ya avanzada la trama— y la de Han Solo coqueteando con una chica llamada Jenny tras el alboroto en la cantina de Mos Eisley en el que Ponda Baba pierde el brazo.

    Además, está la larguísima secuencia de Luke viajando a la Estación Tosche para contarles lo que ha visto a sus amigos y su posterior plática con Biggs Darklighter (Garrick Hagon). Esta secuencia le daba bastante al traste al ritmo de la película, por lo que fue eliminada. Al no haber presentado a Biggs al principio de la peli, no había razón para mantenerlo en ella, por lo que su escena con Luke en el hangar rebelde fue desechada del corte original; pero reinsertada en la Edición Especial.

    La mejor descripción de este corte de la película es la que aparece en el artículo publicado por el arqueólogo cinematográfico, el Dr. Wes Reynolds, en la revista Star Wars Insider^[5] Empero, la mayoría de estas escenas pueden verse sueltas en Youtube.

Bibliografía

HENDERSON, Mary, Star Wars: La magia del mito, Círculo Latino bajo licencia de Bantham Books, Barcelona, 2005.

Otras fuentes

Wookieepedia (starwars.wikia.com)

[1] Básicamente, melodramas de aventuras con elementos de epopeya, romance y caballería ambientados siempre en el futuro distante y el espacio exterior. Aunque es considerada un subgénero del Sci-Fi, la falta de elementos científicos en la Space Opera la vuelven más cercana a la Alta Fantasía que a la Ciencia Ficción Dura.

[2] Baso todas mis referencias y afirmaciones sobre “el guión original” en RINZLER, J.W. y Mike Mayhew, The Star Wars, Dark Horse Books, United States, 2014. La adaptación en cómic del primer borrador de guión escrito por Lucas.

[3] El aspecto final del wookiee —término acuñado en THX 1138— se basó en Indiana, el perro Alaskan Malamute de Lucas. Como resulta evidente, este perro fue también la inspiración para el nombre de Indiana Jones e incluso le es rendido un homenaje al final de Indiana Jones y la última Cruzada (Spielberg, 1988).

[4] GUENNETTE, Robert, The Making of Star Wars, Twentieth Century Fox, 1977.

[5] REYNOLDS, Wes, “The Evolution of Star Wars: Exploring the Lost Cut”, publicado en Star Wars Insider núm. 41, Diciembre 1998-Enero 1999.

6 El plan original era que Jabba fuera una criatura stop-motion agregada en post-producción; pero el ajustado presupuesto obligó a Lucas a usar un actor de carne y hueso para el papel.

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