EL QUINTO ELEMENTO

The Fifth Element

 

Luc Besson, 1997

Según lo ha declarado en varias entrevistas, cuando Luc Besson era adolescente cargaba consigo un cuaderno en el que iba anotando ideas sobre un mundo paralelo que se le ocurrían para escapar de aburrimiento. En este universo alterno situado en un futuro distante habitaban coloridos personajes con culturas e identidades propias. El manuscrito final tenía 400 páginas, aunque Besson, quien quería seguir la profesión de sus padres ‒entrenadores de buceo‒, jamás se imaginó en convertirlo en una película. No fue sino hasta veinte años después, que el enfant terrible del cine francés plasmaría todas esas ideas en la que en ese entonces fue la cinta más costosa producida en Francia (con 90 millones de dólares, en realidad fue la película más costosa producida fuera de Hollywood), una delirante Space Opera glam que rendía tributo a La guerra de las galaxias (Lucas, 1977), Blade Runner (Scott, 1982), Flash Gordon (Hodges, 1980) y otro montón de películas llamada El quinto elemento.

    En el siglo XXIII, cumpliendo una antigua profecía, la Tierra está a punto de ser atacada por lo que creo que es un planetoide hecho enteramente de maldad, ayudado por el inescrupuloso empresario Jean Baptiste Emanuel Zorg (el camaleónico Gary Oldman) y su grupo de mercenarios extraterrestres (mangalores). La única esperanza para salvar a la humanidad es el Quinto Elemento, un ser supremo creado por la raza extraterrestre conocida como Mondoshawan ‒que parecen la cruza entre un Corythosaurus y una dona‒, que ha venido a la Tierra cada 5000 años para detener al mal con la ayuda de las cuatro piedras de los elementos. Sin embargo, las naves mondoshawan son destruidas por los mangalores; por lo que el Quinto Elemento tiene que ser reconstruido en un laboratorio en la forma de una hermosa mujer llamada Leeloo (Milla Jovovich en el papel que la lanzó a la fama). Leeloo escapa del laboratorio en busca del sacerdote Vito Cornellius (el siempre genial Ian Holm), quien podrá ayudarla, y es rescatada por el taxista y exmilitar Korben Dallas (Bruce Willis, aunque la primera opción para interpretar al personaje era Jean Reno). Éste se enamora de Leeloo y decide ayudarla a recuperar las piedras de los elementos antes de que Zorg las encuentre.

    Como puede verse, Besson no inventó el hilo negro. Simplemente encontró una forma complicadísima de contar una historia que ya se ha contado muchas veces antes. La idea de Besson cuando escribió la película fue la de integrar muchos de los elementos del universo que había creado alrededor de una historia única. Por eso la película se encuentra atestada de personajes y subtramas que no llevan a ningún lado y que sólo vuelven la trama más difícil de seguir y dan la impresión de que la película es más compleja de lo que en realidad es. De hecho, originalmente se pensó como una trilogía, pero las limitantes de presupuesto obligaron al director a condensar los guiones de tres películas en uno solo.

     ¿O acaso nunca se han preguntado qué son esos bichos que el personaje rastafario y racialmente ofensivo saca del tren de aterrizaje del avión? ¿O qué es esa mascota en el escritorio de Zorg? ¿O a qué raza pertenece la diva Plavalaguna (interpretada por la actriz Maïwenn, a quien seguro recuerdan como la damisela en desgracia Alex en El despertar del miedo [Aja, 2003], voz de Inva Mula Tchako)? ¿O se han dado cuenta de que el Mal es uno de los villanos más chafas en la historia del cine y que cuando asume la identidad de Mr. Shadow es aún peor? ¿O han notado que en realidad Zorg no es tan relevante para la trama? ¿O de que Ruby Rhod (Chris Tucker en un papel que originalmente fue pensado para el artista antes conocido como Prince) realmente parece no encajar con el resto?

    Y sin embargo…  la película es genial. De alguna forma, Besson logra que este atiborramiento de elementos funcione en lo que él mismo denominaba “La guerra de las galaxias, pero en LSD”. O sea, podríamos llamarle Viaje Ácido del Héroe. Creo que gran parte de por qué funciona está en el tono. La cinta está a un paso de volverse autoconsciente y en general tiene un tono cómico que funciona muy bien. Digo, después de todo, Bruce Willis empezó como comediante antes de volverse héroe de acción. Incluso una de las escenas más memorables de la película es aquélla en la que Plavalaguna canta el “remix” de Il dolce suono de la ópera Lucia di Lamermmor… es decir, El quinto elemento se burla de que es una Space Opera, haciendo una escena de ópera en el espacio literalmente.

    Las actuaciones son buenas. Bruce Willis es divertido en una versión light de John McClane; Jovovich actúa bastante bien cuando no tiene que hablar o cuando usa un idioma inventado por Besson ‒de hecho, en ese legendario manuscrito de 400 páginas el director galo incluyó un diccionario con el cual entender los idiomas alienígenas‒ y, sabiamente, Besson dejó las escenas explicativas y los textos densos en manos de los británicos ‒por cierto que fue un escándalo y una indignación para la crítica francesa que la película se filmara en inglés, porque a un francés hablarle en inglés es peor que mentarle la madre‒. Y Ruby Rhod es una caricatura viviente, pero muy divertida.

    Por supuesto, el más grande acierto de la película, y por lo que creo que trasciende a la legión de cintas parecidas que existen, es el diseño de arte. La peli es simplemente espectacular, se trata de un abigarrado festín visual de principio a fin con una gran influencia del Art Decó que en todo momento nos da algo para ver en la pantalla. Los vestuarios fueron diseñados por Jean Paul Gaultier ‒es interesante que en su versión de la ropa del futuro casi todo es de plástico‒ y algunos otros elementos, como las armaduras de los policías, por Moebius. En general, muchos de los objetos de la vida cotidiana que se muestran en la película, como automóviles, cigarrillos, teléfonos, etc. Son una especie de “parodia evolutiva” de los objetos que tenemos en la actualidad.

    Del mismo modo, la fotografía es apabullante ‒por cierto que en conmemoración del 20° aniversario, la película fue lanzada en formato 4KUltra HD y se ve increíble‒ y verdaderamente contribuye con la narrativa. Ésta es fresca y orgánica, y hay algunas secuencias geniales en las que Besson logra armar una especie de diálogo entre dos situaciones contrastantes. La fotografía está llena de tomas propositivas, como el hecho de que casi siempre que Zorg está en pantalla, su silueta está enmarcada en un círculo, mientras que la de Korben está enmarcada en figuras cuadradas o rectangulares, esto para crear contraste. Es extraño, pero funciona muy bien. La edición también está bastante bien lograda.

    Los efectos especiales eran la punta de lanza en su época; pero la verdad es que han envejecido. Al menos el CGI sí se ve un poco anticuado ya y un tanto disparejo, porque algunas cosas, como los escenarios virtuales o las tomas panorámicas de la Nueva York futurista lucen bastante bien aún; pero otras, como el planeta oscuro, las tomas en el espacio exterior o los autos voladores, ya se ven bastante obsoletas. Los mangalores, que son animatrónicos, se siguen viendo muy muy bien y la secuencia que me impresionó desde la primera vez que vi la peli, en la que Zorg hace la demostración del arma ZF-1 que durante el demo mode es CGI y cuando Oldman la toma en su mano ya es un prop, me sigue dejando con la boca abierta.

    Otra cosa que me encanta de esta peli es el soundtrack. La ecléctica música compuesta por Eric Serra, colaborador frecuente de Besson, guía al espectador a través de distintas épocas y ayuda a construir atmósferas y definir el carácter de las distintas especies que actúan en esta ópera. El CD con la música de la peli sigue siendo uno de los consentidos de mi fonoteca.

    En su tono más bien chabacano, la película está plagada de referencias a las fuentes de las que bebe. El puesto volador de ramen es un obvio guiño a Blade Runner; la kipá que usa David es una extraña referencia a Devo; la mayor Iceborg (Julie T. Wallace) por supuesto que es una parodia de la princesa Leia; Baby Ray (Ian Beckett) parece sacado de alguna escena de El Fantasma del Paraíso (DePalma, 1975); y el épico grito “Yeah!” de David que es sofocado por Ruby es una ingeniosa burla al grito final de Flash Gordon, del cual se burlaron también en Ted (McFarlane, 2012).

    El quinto elemento no es una cinta de ciencia ficción; sino como su tía ricachona, La guerra de las galaxias, una película de fantasía que reinterpreta muchas fuentes diferentes, la mayoría de las cuales se encuentran en la literatura antigua y en los seriales cinematográficos de mediados del siglo XX. Eso sí, a diferencia de la obra de Lucas, la de Besson abandona un poco el tono romántico para entregarse casi de lleno al melodrama de acción con elementos cómicos.

    Y también, es chistoso como la película predijo algunas cosas que son cotidianas en nuestros días, como las fotomultas vehiculares, los puntos en las licencias de conducir, los espacios extremadamente reducidos para vivir en las grandes ciudades o los drones limpiadores.

PARA LA TRIVIA: Cuando el compositor Eric Serra le mostró a la soprano Inva Mula, quien hace la voz de Plavalaguna, la partitura para el aria que debía cantar, ella la miró, sonrió y le rebatió que algunas de las notas que estaban ahí no eran humanamente posibles de alcanzar porque la colocación de la voz para cambiar de un registro a otro no es tan rápida. La solución fue grabar a Mula cantando las notas por separado y mezclarlas digitalmente en la postproducción.

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

DEPREDADOR

Predator

 

John McTiernan, 1987

 

Existen curiosos casos en la historia del cine de Hollywood de películas que tienen absolutamente todos los elementos necesarios para fracasar y aun así se convierten en grandes éxitos. Películas por las que nadie apostaría ni un chicle y que terminan convirtiéndose en clásicos. Incluso, películas cuya producción se vio sumergida en una mar de problemas e incluso se creyó que nunca serían terminadas y, a pesar de todo, lograron salir victoriosas y hasta ingresar en el Olimpo de Hollywood. Ése fue el caso de Depredador.

    La trama, que quizá peca de simple y que toma cierta influencia de la película de bajo presupuesto Llegan sin avisar (Clark, 1980) y del gran clásico de 1932 El malvado Zaroff (Pichel y Shoedsack), narra la historia de un escuadrón del Ejército de EE.UU. enviado en una misión secreta a rescatar a un diplomático secuestrado por un grupo guerrillero en la jungla centroamericana. Sin embargo, al llegar al lugar, el equipo cae presa de un cazador extraterrestre, quien tiene la habilidad de camuflarse perfectamente con el entorno y va matando a los soldados uno a uno para convertirlos en trofeos.

    Creo que el mayor acierto de esta película es precisamente que se trata de una cinta que bien pudo haberse convertido en una más del montón, que nadie esperaba que hicieran en grande; y sin embargo, mucha gente puso muchísimo empeño en ella y convirtió lo que bien se pudo haber quedado como una producción de Serie B en un clásico de la década de 1980 que marcaría el camino para tanta otras películas por venir.

    El guión no es particularmente brillante; pero toma la base de una película de acción cualquiera e introduce elementos de Ciencia Ficción, de comedia e incluso de horror. Todo integrado magistralmente en una cinta que lo mantiene a uno al borde del asiento. Es una montaña rusa.

 

    Además, algo que me encanta de esta peli es el desarrollo de los personajes. La cinta se toma bastante tiempo ‒el planteamiento dura prácticamente 40 minutos‒ en presentar a este pintoresco grupo de personajes encantadores y desarrollar relaciones significativas entre ellos. De tal suerte, cuando son asesinados a uno le pesa, porque no querías que se murieran.

     Es muy interesante, porque todos los personajes son más o menos importantes y, sin duda, todos son interesantes y simpáticos a su modo, así que la duda sobre quién sobrevivirá hasta el final se mantiene durante toda la cinta. Quiero decir, uno sabe que Schwarzenegger se va a salvar; pero la selección del resto de los personajes no es tan obvia.

    Las actuaciones están más o menos… Es decir, nadie esperaba que Arnold Scwarzenegger o su amigo, el exluchador y exgobernador del Estado de Minnesota, Jesse Ventura, actuaran; pero se defienden bastante bien apareciendo como ellos mismos en pantalla. Los que sí actúan, y de paso lo hacen bastante bien, son el guionista Shane Black en el papel del nerdo Hawkins, quien cuenta malos chistes improvisados por el propio actor; Bill Duke, quien hubiera actuado antes al lado de Arnold en la seminal Comando (Lester, 1985); y Carl Weathers, a quien seguro recuerdan por su papel de Apollo Creed en Rocky (Avildsen, 1976).

    Originalmente, la película sería dirigida por Geoff Murphy y contaba con un presupuesto mucho menor. El Depredador original era una especie de lagartija bípeda con ciertos rasgos como de crustáceo interpretado por un desconocido artista marcial de origen belga llamado Jean Claude Van Damme, quien después fue despedido por la producción porque era demasiado bajito. El alienígena original se veía bastante bien en el diseño en papel y en forma de maqueta; pero que en la práctica resultó irrealizable. A pesar de que Boss Film Studio, la compañía de efectos especiales que fabricaría al depredador y que fue elegida por el estudio por el bajo costo de su trabajo, les advirtió a los realizadores que éste sería problemático, decidieron mandarlo construir de todos modos.[1]

    El principal problema de la botarga construida por Boss Film fue que no permitía que el actor dentro de ella se parara sobre sus propios pies. Tenía que valerse de zancos y un sistema de cables y arneses para colgarlo de un riel por encima de su cabeza. Y si la película se hubiera filmado en la comodidad de un estudio, no hubiera habido problema… ¡Pero se filmó prácticamente en su totalidad en locación en Chiapas, México! Lo que hizo que los realizadores tuvieran que prescindir de cables, arneses y rieles. El resultado en pantalla fue tan poco satisfactorio que McTiernan envió el metraje que había filmado con el Depredador a los productores, comentándoles lo poco satisfecho que estaba con el resultado y éstos le dieron la razón. La producción tuvo que parar.

    Por suerte, el productor Joel Silver vio el potencial de la película y autorizó la liberación de más presupuesto para terminarla, pero ¿qué harían con el Depredador defectuoso? La producción decidió volver a la mesa de dibujo e iniciar desde cero con un nuevo diseño. Scwarzenegger recomendó a su amigo Stan Winston, con quien trabajara en El exterminador (Cameron, 1984), para realizar al nuevo monstruo. Así pues, Winston recibió una llamada prácticamente de emergencia para pedirle, casi como un favor, que saliera al quite… en poco tiempo y con poco dinero.

    Hasta este momento, la película se llamaba Hunter. Fue con el nuevo diseño de la criatura que su título cambió por Predator.

    Para ese momento, el Stan Winston Studio estaba trabajando en El escuadrón anti-monstruos (Dekker, 1987), una película de alto presupuesto sobre la que se tenían muchas más expectativas que sobre Depredador. Winston dividió a su equipo en dos. La parte más grande trabajaría en El escuadrón…, mientras que la menor, con cierto recelo, fue comisionada para diseñar, esculpir, moldear, fabricar, armar y probar la botarga para Depredador… en 6 semanas.

    Me parece que el principal elemento que salva a esta película de ser una más del montón es precisamente el diseño del Depredador. Winston tomó como principal inspiración el cuadro de un guerrero rastafario que colgaba de la pared en la oficina de Joel Silver. Según cuenta la anécdota, Winston se dirigía a Japón para dar una conferencia sobre Aliens: el regreso (Cameron, 1986) e iba sentado junto a James Cameron. El director canadiense vio lo que Winston boceteaba durante el vuelo y le comentó que nunca había visto en una película una criatura con mandíbulas [de cangrejo].[2]

    El alienígena que finalmente aparece en pantalla y que fue interpretado por “el actor menos famoso más famoso de Hollywood”, Kevin Peter Hall ‒quien, con sus 2.20m de estatura interpretó a Pie Grande en la ramplona comedia familiar Harry y los Henderson (Dear, 1987) e, irónicamente, también interpretó al cazador extraterrestre en Llegan sin avisar‒, es un cazador que posee una ventaja tecnológica sobre su presa; pero aun así no pierde su aspecto tribal y primitivo y, mucho menos, su honor.

    Hall, quien interpretara al Depredador y por sus características físicas pasó casi toda su carrera haciendo papeles de monstruo o extraterrestre, hace un breve cameo sin máscara como piloto de un helicóptero hacia el final de la película. Durante la filmación en Palenque, el actor sufrió numerosas picaduras de alacrán y mordeduras de serpiente que no pasaron a más gracias a que el grueso traje del Depredador lo protegió. El actor juró no volver a interpretar al personaje. Sin embargo, en 1990 regresó para la secuela, Depredador 2 (Hopkins), ambientada y filmada en Los Angeles.

    Los sonidos y la voz del cazador alienígena fueron hechos por el actor Peter Cullen, quien se inspirara en el sonido que hacen los cangrejos bayoneta (cazuelitas de mar en México) cuando los voltean patas arriba. Cullen originalmente había rechazado el rol, pues se lastimó la garganta años atrás haciendo el rugido de King Kong para la versión de 1976; pero aceptó después de ver un dibujo del personaje.

    Y por cierto, la sangre del Depredador iba a ser originalmente naranja; pero en las pruebas de cámara resultó poco convincente. Así, se cambió a la sangre verde que fue creada mezclando el contenido de varitas luminiscentes con el lubricante sexual KY-Jelly (que también se usó para volver baboso al Xenomorfo de Alien, el octavo pasajero [Scott, 1979]).

    Así como el diseño de la criatura está de diez, los efectos visuales también fueron sorprendentes y se merecieron una nominación al Oscar. En una época en la que los efectos por computadora eran prácticamente un sueño, el camuflaje óptico del Depredador se consiguió gracias a la combinación de una serie de ingeniosos trucos fotográficos. Del mismo modo y con la ayuda de una cámara térmica, se logró crear la visión térmica que el Depredador utiliza para cazar ‒la cual, de hecho, es sospechosamente parecida a la visión de los licántropos en Wolfen (Waldleigh, 1981)‒.

    El soundtrack compuesto por Alan Silvestri ‒quien también compusiera el memorable tema de Volver al futuro (Zameckis, 1985)‒ es simple y salvaje, y mezcla ritmos tribales con una instrumentación sinfónica que crean un ambiente épico y selvático que nos mete de lleno en la acción. El tema principal de Depredador es uno de los más icónicos del cine de Ciencia Ficción.

    Del mismo modo, la fotografía es muy buena. No sólo logra crear un ambiente claustrofóbico y oscuro; sino que convierte a la jungla en un personaje más que hace al público sentirse acechado y apoya a la narración convirtiendo a los personajes de cazadores en presas de manera gradual. La narrativa visual es genial, y los diferentes emplazamientos y movimientos de cámara van contando la historia de forma ágil y orgánica.

    Sí, Depredador no es una joya del Séptimo Arte y quien busque en ella algo más que entretenimiento merecerá la decepción. El crítico Gene Siskel la desechó como una una mezcla de Rambo (Kotcheff, 1982) y Aliens, aunque le gustó el planteamiento de la criatura; mientras que su compañero, Roger Ebert, la alabó como una “pura película de acción del verano”. Y eso es justo lo que es: una película entretenida y no puede negarse lo que dice la crítica Emma Westwood sobre ella, calificándola como “Adrenaline-pumping fun”[3] (divertida y bombea adrenalina); además de que con la cantidad de violencia y sangre que aparece en pantalla, se puede decir que es una reliquia de un tipo de cine que ya no existe.

    Creo que 30 años como referente en la cultura popular, dos secuelas, un crossover con sus respectivas secuelas, varios videojuegos, incontables series de cómics y otras tantas líneas de figuras de acción han demostrado que Depredador trascendió el ser un éxito de verano del que nadie se acuerda al año siguiente. Tanto que uno hasta se hace de la vista gorda con que el jabalí que aparece en la película se ve más falso que un billete de dos pesos o que todo el numerito de un comando de siete muy machos masacra a un ejército completo sin recibir un rasguño es de una inverosimilitud que haría sonrojar al peor episodio de ¡Combate! (1962-1967).

    Para el próximo año está planeado el estreno de un reboot de la franquicia Depredador conocido como The Predator, que ha sido escrito y dirigido por Shane Black. Así es, el nerdo Hawkins regresa a la saga; pero ahora detrás de las cámaras y, aunque no soy muy afecto a los reboots, creo que éste merece una oportunidad. También se ha confirmado el regreso de Gary Busey, quien interpretara a Peter Keyes en Depredador 2. Sólo que no la vayan a hacer clasificación PG-13 porque ya valió madres, pregúntenle a RoboCop (Padilha, 2014). Si me preguntan, a mí me gustaría ver una película de Depredador ambientada en el Viejo Oeste.

    Por cierto, ¿alguien ha oído hablar de Escuadrón anti-monstruos últimamente?

PARA LA TRIVIA: En su conocido afán de intentar vender juguetes para niños basados en películas para adultos, Twentieth Century Fox comisionó a la legendaria compañía juguetera Kenner para que creara una línea de figuras de acción basada en Depredador. Luego de descartar muchas ideas y producir varios prototipos, la colección fue cancelada. Sin embargo, fue rescatada y expandida en 1993 como contraparte de la serie de figuras de Aliens (1992-1998).

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

 

[1] DUNCAN, Jody. The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio. Titan Books. Londres, 2006. P.100

[2] Idem.

[3] WESTWOOD, Emma, Monster Movies, Pocket Essentials, Londres, 2008. P.156

MANUAL DE ETIQUETA 

Una educación bien entendida, sentimientos generosos, conducta y conocimientos; he aquí lo que debe constituir á cualquiera miembro de una sociedad de buen tono. No obstante, debe haber también cierta disposición, una gracia especial, un cierto tacto particular. El conocimiento de algunos estilos es necesario, no precisamente para ser admitido en la sociedad de buen tono, sino para ser colocado en ella convenientemente, y brillar cada uno respectivamente.

Mariano de Rementeria y Fica, El hombre fino: manual completo de urbanidad, cortesía y buen tono.

 

En esta época de streaming y de plataformas virtuales de entretenimiento, la asistencia a las salas de cine es un fenómeno cada vez más extraño. Por suerte, sentarse en la oscuridad rodeado de extraños a disfrutar una película en una pantalla digital gigante con un sistema de audio de 7.1 canales o más sigue teniendo un atractivo irresistible que nos hace vencer la flojera de salir de nuestras casas. Y cuando uno entra a esa sala con la pareja, la cita o la familia, uno de verdad quiere que sus $80 ‒que son las salas más baratas en la Ciudad de México, en EE.UU. el precio más accesible para una sala de cine ronda los USD$15‒ valgan. Uno espera que sea una experiencia agradable y enriquecedora para todos.

    Por muy extraño que suene, ir al cine a ver una película no es lo mismo que ver una película en la sala de tu casa. Compartir la experiencia cinematográfica conlleva una serie de conductas que resultan deseables para que todos los asistentes a la sala disfruten en igual medida la función.

    En este artículo comparto algunas recomendaciones que puedes seguir para que tanto tú como los otros espectadores desquiten verdaderamente su visita a una sala de cine; sientan que invirtieron su dinero de forma inteligente y, sobre todo, su tiempo. Finalmente, el ser humano es un ser social y locales como las salas de cine se hicieron para compartir una experiencia en sociedad.

    Porque creo que una comedia no sería lo mismo si no pudiera escuchar cómo se ríe el de al lado.

1.- PUNTUALIDAD

Sí, lo sé perfectamente. Las películas rara vez empiezan a la hora que está anunciada. A menos que uno vaya a ver una función de horror a medianoche o alguna película “De Arte”, deberá chutarse entre diez y treinta minutos de anuncios. La cantidad de éstos generalmente depende de lo popular que se espera que sea una película y de la semana de su corrida en la que vaya. Sí, la segunda semana que una película está en cartelera pasan menos anuncios que en la primera. Y en la tercera, menos aún, y así sucesivamente… cuando la dejan más de dos semanas, quiero decir.

    Si aún con todo ese “colchón” de tiempo, uno entra a la sala cuando la película ya ha comenzado, siempre se agradecerá que lo haga con respeto y en silencio. No sé por qué la civilización tardó tanto en empezar a numerar las butacas en el cine; pero una vez que ha descubierto que esto puede hacerse, ya no hay necesidad de que uno entre a la sala gritando el nombre de su acompañante para saber dónde se sentó.

    Del mismo modo, si para acceder a nuestros lugares, deben pasar por otros que ya se encuentran ocupados, no hay más: habrá que pedir permiso y tratar de no pisar a nadie. También es muy cortés de nuestra parte, tratar de apresurarnos en el proceso; salvo excepciones, nadie querrá tener nuestro trasero en su cara.

2.- SILENCIO EN LA SALA

El anteriormente mencionado espacio de mínimo diez minutos antes de que inicie la función debería bastarle a uno para ir a comprar cuanta chuchería se nos antoje a precios súper inflados, revisar Facebook y WhatsApp, silenciar los celulares, toser, rascarse, acomodarse cómodamente en la butaca y hasta platicar un rato.

    Pero una vez que las luces de la sala se han apagado, el silencio debe ser la norma. Claro, uno siempre tendrá ganas de comentar la película con su compañero de al lado o tratar de impresionar al ligue con algún dato curioso y puede hacerlo; pero por favor, que sea en voz baja. No sólo es más romántico, también es un gesto cortés hacia los demás miembros del público. Por supuesto, no hay nada de malo en carcajearse en una comedia… o en una película que resulte involuntariamente hilarante; pero una cosa es una risotada espontánea y otra, muy distinta, que parezca que una hiena se escapó del zoológico y fue a parar al cine.

 

    Otro gran misterio de la vida es ¿Por qué si uno debe guardar silencio en el cine, empacan los nachos en esas bolsitas de celofán tan pinche ruidoso? No lo sé, pero una vez sí me hizo pasar vergüenza. Aunque con más frecuencia que sin ella uno se habrá terminado las botanas antes de que la película comience ‒digo, con todos esos anuncios‒, siempre será amable tratar de consumir nuestros bocadillos tratando de hacer el menor ruido posible. Por favor, no metan chicharrón al cine.

    ¡Ah! Y si la película ya nos aburrió, no hay ningún problema con que prefiramos dormirnos… ¡Pero sin roncar!

3.- ESTO ES UN CINE, NO UN CAFÉ

¿Estás seguro de que elegiste bien las actividades para tu cita? Créeme, es más fácil conocerse tomando un café que yendo al cine. ¿Estás contento por haber reencontrado a ese amigo de la secundaria que hacía años no veías? Créeme, no hay nada como ponerse al día con dos tazas de café de por medio. ¿Los labios te escocen por no poderle contar ese chisme a tu amigui de inmediato? Vayan a tomar un café y podrás contárselo con lujo de detalles. ¿No te gustó la película y prefieres conversar? ¡Salte de la maldita sala!

    Lo que quiero decir es que el cine no es el mejor lugar para platicar. De hecho, no es un lugar para platicar. Con mucha frecuencia me ha tocado sentarme junto a personas con un nulo interés en la película y que se pasan la función hablando. No sólo es incómodo conversar con alguien en medio de susurros durante dos horas, también es una grosería para el resto de la gente que fue a ver una película, no a escuchar cómo uno echa el lavadero de oro con sus acompañantes.

    Y así como el cine es cine y no café, tampoco es hotel. Y lo digo en todos los sentidos.

4.- EL IMPERIO DE LOS CELULARES

Los teléfonos celulares se han convertido, en menos de dos décadas, en elementos fundamentales de nuestra vida cotidiana. Son herramientas increíblemente útiles que nos mantienen comunicados constantemente e incluso pueden llegar a salvarnos la vida. Por desgracia, la mayoría de la gente sólo los utiliza como juguetes costosos por los que sienten una especie de compulsión. Alabado sea Cthulhu, aún existen ciertos lugares donde el uso de los teléfonos celulares debe reducirse al mínimo posible y el cine es uno de ellos.

    Siempre es molesto escuchar un ringtone con el ritmo de moda en el verano de 1995; pero lo es más aún cuando éste suena en medio de la escena climática de la película… o la escena romántica… o la escena emocionalmente densa… o en el discurso patriotero del héroe o… bueno, creo que me entienden. Los equipos de telefonía celular actuales cuentan con una gran variedad de opciones para silenciar el ringtone sin necesidad de apagarlos.

    Y claro, hay llamadas que se deben atender; pero entonces retirémonos de la sala, por favor. Incluso es válido contestar el teléfono para decirle a nuestro amigo: “No puedo contestar, estoy en el cine. Te devolveré la llamada más tarde” y después de ello colgar. Ya si de plano se trata de un asunto ineludible, salgamos de la sala, conversemos afuera y regresemos una vez terminado el asunto.

    Mientras más profunda es la oscuridad, más brillante parece la luz. No es una metáfora, es un efecto físico real y viene a cuento porque el brillo de la pantalla del teléfono celular se convierte en un fulgor enceguecedor en la oscuridad de la sala de cine.  Y es difícil de soportar, es tan molesto como que a media noche, un automóvil te aviente las luces altas a la cara. Por favor, abstengámonos de textear, mensajear, guatsapear, etc. Mientras nos encontramos al interior de la sala.

5.- LAS BOTAS QUE YO USO SON PARA CAMINAR

No para quitármelas en cuanto entro al cine. Cuando uno hace un vuelo transatlántico de ocho horas o más, es perfectamente comprensible que, en algún momento, se desamarre las agujetas o que incluso se saque los zapatos en el avión. Yo mismo lo he hecho.

    Pero de eso a sacarse los zapatos en una sala de cine atestada de gente hay un gran trecho. No entiendo por qué la gente lo hace. Lo que es más, me parece repugnante; más aún cuando a la “persona” en cuestión le apestan los pies. Y bueno, OK, ya me saqué los zapatos y no me ruge la pantera; pero… ¿Por qué carajos tengo que subir las pezuñas en el respaldo del asiento de adelante? No sólo se ve bastante mal, es dañino para la espalda y la cadera.

6.- ¿NIÑOS EN EL CINE? SÍ, DEFINITIVAMENTE; PERO NO SIEMPRE

Llevar a los niños al cine puede ser una gran experiencia para ellos; pero, si no se hace con suficiente juicio, puede resultar en una vivencia bastante desagradable, no sólo para ellos y para nosotros mismos, sino también para los demás miembros de la audiencia.

    Por principio de cuentas, hay que tomarnos unos minutos para seleccionar la película que veremos con los pequeños. Las clasificaciones están ahí por algo. Una película puede tener una cierta restricción de edad no solamente porque contenga violencia, lenguaje fuerte, situaciones adultas o desnudos. A veces se tratan temas muy complejos o los diálogos son densos o el tema no es apropiado para ciertas edades. Investiguemos un poco sobre la película a la que queremos llevar a nuestros niños antes de acudir al cine. Y ojo, que no todas las cintas de dibujos animados están dirigidas al público infantil.

    Tuve una amiga que quedó traumada porque su mamá la llevó a ver RoboCop 2 (Kershner, 1990) cuando estaba en el kínder. Y vi un éxodo de papás con sus críos huyendo de una proyección de El viaje de Chihiro (Miyazaki, 2001).

    Bien importante: Si el niño aún no sabe leer, ¡no lo lleven a ver películas subtituladas! Me pasó una vez que fui a ver una película ‒clasificación B, por cierto‒ y en la fila detrás de aquélla en la que yo me encontraba se sentó una señora con como cinco chavitos que deberían estar en el kínder o primeros años de la primaria, y pues como sus amiguitos no sabían leer, uno se puso a leerle los subtítulos a los demás en voz alta. Me cambié de lugar… a otro detrás del cual había otro niño al que la peli le valía madres, y andaba brincando y jugueteando en su asiento. Y lo que de verdad fue clasificación C fue lo que me contestó la mamá del escuincle cuando le pedí que lo controlara. Es la única vez que me he salido de un cine a media película.

    Y si ya de plano ves que el chavito está muy aburrido y le importa un bledo la película o si empieza a berrar inconsolablemente, mejor sálganse de la sala. No hay razón para hacerlo sufrir a él, a ti mismo o al resto de los espectadores. Finalmente, los niños son nuestra responsabilidad y si se ponen inquietos en una sala de cine, estoy casi seguro de que la culpa no es suya, sino de la falta de criterio de sus padres.

7.- ¿OLVIDA USTED ALGO?

Por ejemplo, ¿su basura? Sí, las cadenas de cines pagan gente para que realice labores de limpieza. Sí, es trabajo de esa gente mantener las salas limpias para que todos podamos disfrutarlas… Pero ¿de verdad nos representa un esfuerzo tan enorme agarrar la charolita en la que metimos nuestras botanas, llenarla con la basura y entregarla a la salida de la función? Ni siquiera tenemos que tirarla nosotros mismos en el bote de basura, los empleados del cine lo hacen por nosotros.

    No sólo deja una pésima impresión dejar nuestra basura en la sala de cine; las demás personas corren el riesgo de ensuciarse con ella o, peor aún, de tropezarse o resbalarse al salir de la sala.

    Así que por favor, cuando nos retiremos de la sala después de haber disfrutado de una película, una tina de palomitas, dos cubetas de refresco, un platón de nachos, tres 3 Musketeers, una bolsa de papitas y lata de refresco que con todo el mal gusto del mundo metimos de contrabando, y quién sabe cómo, una orden de gorditas de chicharrón prensado, llevemos nuestro montoncito de basura a la salida del cine.

    Espero que estas recomendaciones les ayuden a hacer de su próxima visita al cine una experiencia más agradable, porque después de todo, el cine es para aprender, para divertirse, para relajarse… no para estarse peleando con el de al lado o para estar pasando penas propias o ajenas.

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

En esta segunda parte de mi artículo conmemorativo por el 20 aniversario de Spawn en México, hablaré sobre la serie de dibujos animados basada en el cómic creado por el canadiense Todd McFarlane.

SPAWN: LA SERIE ANIMADA

Todd McFarlane’s Spawn

 

Si bien es cierto que la película de Live-Action de Spawn dejó mucho qué desear, todo lo que nos quedó a deber la serie de dibujos animados lo compensó con creces. Los primeros intentos por llevar el cómic de Spawn a la pantalla chica fueron infructuosos, pues los productores que se acercaban a McFarlane querían convertir el programa en un show dirigido al público infantil para ser transmitido los sábados por la mañana. El autor nunca comulgó con esta idea, por lo que, al alimón con la cadena premium de televisión por cable HBO, desarrolló una adaptación de Spawn en seis episodios de veinticinco minutos cada uno. Y quizá el mayor acierto de los realizadores fue de entrada dirigir el programa al público adulto.

    Los dibujos animados para adultos han existido desde siempre, y Fritz the Cat (Bakshi, 1972) y Heavy Metal (Potterton et al, 1981) me dan la razón; pero la serie de Spawn, dividida en tres temporadas que se transmitieron en un horario de viernes a las 11:00pm entre 1997 y 1999, se convirtió en un hito de la historia televisiva.

TEMPORADA 1 (1997)

La primera temporada de Spawn tomó la pantalla chica por sorpresa y, en cuanto a argumento, es la más cercana a lo planteado al comic. El Tte. Cnel. Al Simmons (voz de Keith David, a quien quizá recuerden por su papel de Childs en La cosa de otro mundo [Carpenter, 1982] o por haber sido la voz en inglés de Goliath en Gárgolas [1994-1996]) vuelve a la Tierra como el nuevo Spawn luego de ser traicionado por su jefe, el director de la NSA, Jason Wynn (voz de John Rafter Lee, quien hiciera la voz de Trevor Goodchild en la legendaria serie de MTV, Æon Flux [1991-1995]), y asesinado por su compañero, Chapel (voz de Ruben Santiago-Hudson). Mientras Spawn es atormentado por los fragmentados recuerdos de su pasado y se aferra desesperadamente a la humanidad que le queda, es aconsejado por un misterioso vagabundo de nombre Cogliostro (voz del genial Richard Dysart, el Dr. Copper en La cosa de otro mundo) y provocado por el demonio Violator (Voz de Jamie Hanes) en su grotesca forma humanoide, Payaso (Voz de Michael Nicolosi).

    El hilo conductor de la primera temporada es el caso del asesino serial de niños Billy Kincaid, quien en la serie es hijo ilegítimo del corrupto senador McMillan (voz del genial Rony Cox, a quien seguro recuerdan como el malvado Dick Jones en RoboCop, el defensor del futuro [Verhoeven, 1987]), y la investigación de los detectives Sam Burke (Voz de James Keane) y Twitch Williams (Voz de Michael McShane) sobre el caso. A su vez, McMillan está siendo manipulado por Jason Wynn para contender por la presidencia de EE.UU. La viuda de Al Simmons, la abogada Wanda Blake (Voz de Dominique Jennings), descubre evidencias que revelan la relación entre Kincaid y McMillan, por lo que su vida, la de su esposo, Terry Fitzgerald (Voz de Michael Beach), y su hija, Cyan (Voz de Kate McFarlane, hija de Todd), correrán peligro.

    La primera temporada de la serie animada de Spawn es simplemente genial. Se trata de un thriller político complejo en el que Spawn funge como protector de la familia Fitzgerald, tratando de llevar un poco de orden al mundo exterior un tanto como compensación por el caos que reina en su interior. Finalmente, Spawn tendrá que aceptar, aunque de manera renuente, que no puede recuperar su humanidad así como así y que sus acciones tienen consecuencias severas en el mundo de los humanos.

    Aunque la trama principal es la de Billy Kincaid, otros personajes clásicos de los cómics hacen su aparición conforme la serie se va desarrollando. El líder mafioso Tony Twist, quien también está involucrado en el complot de Jason Wynn; el sicario cyborg, Overtkill (Voz de Jamie Hanes), quien luce un look un tanto más realista en la pantalla chica que en los comics; el demonio con complejo de hermano mayor, Violator, cuya aparición es breve pero memorable y me dejó con ganas de más; Angela (Denise Poirier, quien prestara su inconfundible voz a Æon Flux), el ángel cazador de Hellspawns, quien llega a Manhattan para dar cuenta de Al Simmons y su antipática jefa Gabrielle, la embajadora del Cielo en la Tierra; todos tienen participaciones en la historia.

    La animación es más o menos buena, y con su estilo oscuro saturado de sombras y colores vibrantes recuerda a otras series animadas de la época, como X-Men (1992-1997) o WildC.A.T.S (1994-1995). Eso sí, echa mano de algunos recursos como las imágenes estáticas o el reciclaje de secuencias. Lo que sí queda un poco a deber es el diseño de los personajes, que es francamente inconsistente y el coloreado de los mismos, al cual no puedo describir de otro modo más que francamente feo.

    También creo que la primera temporada es en la que hay más desnudos y más escenas sangrientas… bastante alejado de los dibujos animados de los sábados por la mañana.

    Durante la corrida original de la serie en TV por cable, cada episodio contaba con una introducción en Live-Action presentada por Todd McFarlane en la que hablaba un poco sobre el tema central del capítulo. Por alguna razón que desconozco, estas introducciones fueron retiradas de la serie completa en DVD. No es que fueran obras maestras del entretenimiento; pero eran interesantes.

TEMPORADA 2 (1998)

El otoño siguiente, la serie animada de Spawn regresó con seis episodios más. Aunque no es propiamente una continuación directa, la segunda temporada retoma líneas argumentales planteadas en la primera… Por desgracia, no la de Angela, pues por ese entonces empezaron los pleitos legales entre Neil Gaiman y Todd McFarlane por los derechos del personaje. Quien tampoco regresó fue el guionista Alan McElroy, quien llevara la voz autoral de la primera temporada. Este segundo sexteto de episodios se sabe que tuvo muchos problemas durante la producción, que la misma cadena HBO ordenó que se reescribieran varios capítulos y que se grabaran nuevos diálogos.

    La segunda temporada inicia con el anticipado enfrentamiento entre Chapel y Spawn en Rat City; aunque el hilo conductor es el lote de armas que Spawn robara del arsenal de la NSA en la primera temporada para derrotar a Overtkill. Jason Wynn aprovecha la confusión para vender armas de manera clandestina a ejércitos de países enemigos de EE.UU. Terry Fitzgerald descubre los negocios ilícitos de Wynn y es inculpado por los mismos, lo que lo obliga a huir de su casa y vagar por las calles de Manhattan, huyendo del equipo de mercenarios que Wynn ha puesto tras él. La huida eventualmente lo llevará a Rat City, donde los indigentes y desprotegidos han tomado como protector al huraño Spawn para que los defienda contra la legión de criminales ‒que incluyen a una secta de narcomenudistas y a un asesino serial supremacista que se hace pasar por conductor de taxi‒ que han invadido los callejones.

    El primer episodio de la temporada sirve como una especie de transición entre el tono de la anterior y el de ésta, que se vuelve mucho más oscura y tiene un tratamiento un tanto más realista. Se abandona casi por completo la narrativa de superhéroes para dar paso a la de las leyendas urbanas y el relato de horror. Spawn se convierte entonces en una especie de ángel vengador; testigo a la vez que juez y verdugo de la degradación humana de los callejones. Aunque este aspecto del personaje se planteó en los comics de la serie regular, fue hasta la serie spin-off de novelas gráficas HellSpawn (200-2003, iniciada por Brian Michael Bendis en el guión y el genial Ashley Wood en el arte) que se profundizó en él.

    Ninguno de los villanos clásicos de los comics regresa para esta segunda temporada, a excepción de Chapel, a quien descubrir la identidad de Spawn le cuesta la cordura; y una breve aparición de Payaso, quien pacta una alianza con Jason Wynn. Sam y Twitch se mantienen muy en la periferia del relato; pero aparecen personajes secundarios importantes, como Merrick, la asesina líder del escuadrón de mercenarios que persiguen a Terry, y la sagaz reportera Lisa Wu (Ming-Na Wen, quien fuera también la voz de Mulán).

    No sólo la historia y los temas se vuelven más sórdidos y más oscuros. También lo hace el diseño de arte. Los escenarios están pintados en hermosos y complejos claroscuros, y los planos detalle que se utilizan para realzar lo horrorífico de algunas secuencias fueron dibujados con lujo de detalles. Hay menos desnudos en esta temporada y, por alguna extraña razón, aunque es tanto o más violenta que la primera, es menos sangrienta y la mayor parte de la sangre que se muestra en pantalla es de color marrón en vez de rojo. También la paleta de colores se ve reducida y las escenas diurnas son aún muchas menos.

    La segunda temporada supera por mucho a la primera en cuanto a la calidad de la animación y el diseño de personajes. Por desgracia, los constantes cambios hechos al guión, aun cuando la animación ya se había producido, obligaron a incluir largas secuencias estáticas que crean un gran suspenso; pero que poco apoyan al desarrollo de la trama y secuencias de diálogo en las que el audio rara vez empata con los labios de los personajes.

TEMPORADA 3 (Todd McFarlane’s Spawn 3: The Ultimate Battle, 1999)

Comúnmente, la tercera temporada de la serie es vista como la más débil. Pero creo que encuentra el equilibrio justo entre el Spawn superhéroes y el Spawn de horror. El mayor acierto en esta temporada creo que es el hecho de que, en vez de adaptar literalmente el comic o de tratar de crear algo muy diferente, toma muchas de sus líneas argumentales y las reinterpreta en algo nuevo. Aquí, la trama se complica mucho más; pero es más consistente que en la segunda temporada, pues sigue una línea argumental fija en vez de tratarse de relatos casi independientes enmarcados por otro evento. Quizá el gran fallo es que son demasiados elementos argumentales que se suceden rápidamente uno al otro.

    La traición de Jason Wynn es descubierta y éste es destituido como director de la NSA, y perseguido por diferentes instancias gubernamentales. El matrimonio de los Fitzgerald se desmorona y, nuevamente, Terry debe huir de su casa; pero esta vez planea vengarse de Wynn. El exdirector de la NSA, al verse acorralado, se esconde en el Barrio Chino, donde busca un objeto de poder místico incomparable: la Máscara de Genghis Kahn. Al ser rechazado por ésta como su portador, Wynn secuestrará al único hombre que puede saber cómo usarla, el antiguo mentor de Al Simmons, el mayor Forsberg (Robert Forster, a quien recuerdo con cariño de películas como Terror bajo la ciudad [Teague, 1980] y El vigilante [Lustig, 1983], quizá porque en ambas usa exactamente el mismo vestuario), a quien no se le permitió abandonar el Ejército y fue encerrado en un calabozo décadas atrás.

    Cogliostro trata de convencer a Spawn para que renuncie a la mortaja del Hellspawn, le ofrece santuario, trata de enseñarle a usar sus poderes y le revela su verdadera identidad: en el Medioevo fue el Caballero Oscuro, cosechando almas en nombre de Malebolgia; pero después logró renunciar a la mortaja convirtiéndose en el hombre conocido como Merlín. Al dominar su necrotraje, Spawn logra tomar la forma de otros. Se disfraza como Terry Fitzgerald y le hace el amor a Wanda por última vez, dejándola embarazada. Wanda se debate sobre qué debe hacer con el bebé y busca el consejo de la abuela Blake.

    Mientras tanto, Twitch investiga los asesinatos en los callejones y descubre la relación entre Jason Wynn y el corrupto jefe de la policía, Banks (Victor Brandt). Wynn manda matar a Twitch y éste sufre un atentado, Spawn es señalado como el autor. Se revela la verdadera identidad de Lisa Wu, es un ángel cazador de Hellspawns de nombre Jade, que está en la Tierra para eliminar a Simmons. Sin embargo, Jade comienza a tener dudas sobre su misión, lo que la pone también a ella en la mira del Cielo.

    Al igual que en la temporada anterior, el primer episodio de ésta es uno de transición. En este episodio, basado en el argumento del número 90 de los comics, titulado Tres usos del cuchillo, Spawn juzga a tres jóvenes delincuentes, amigos de infancia, dos de los cuales se han convertido en sicarios de la mafia.

    El complejo argumento de esta temporada retoma mucho de la narrativa del comic, pero la lleva a un nivel épico. Aunque Angela nunca regresaría al universo de Spawn ‒antes bien, ahora forma parte de los Avengers de Marvel, después de que se descubriera que era la hermana perdida de Thor (WTF???) en una vuelta de tuerca al estilo de Angelitos negros‒, es sustituida por Jade, quien tiene lo suyo. El jefe Banks, que tan importante fuera en los comics hace su debut aquí, lo mismo que el mayor Forsberg. Elementos de la mitología de Spawn son también retomados en esta temporada, como la relación entre Wynn y Genghis Kahn, el Spawn Caballero Negro ‒que, viviendo durante el Oscurantismo, no es el mismo que Spawn Medieval, quien apareciera en la Baja Edad Media‒ y el atentado en contra de Twitch.

    Nuevamente, ningún villano clásico hace su aparición en pantalla ‒lo cual, siendo honestos, siempre me decepcionó un poco‒ salvo el jefe Banks y, nuevamente, una breve aparición de Payaso. Sin embargo, aparece una pareja de ángeles cazadores que buscan a la renegada Jade y un personaje muy interesante: la vampira Lily (Voz de Jennifer Jason Leigh, a quien seguro recuerdan como la rebelde Allegra Geller en ExistenZ [Cronenberg, 1999]), quien fuera un ángel cazador que cayó de la Gracia tras ser violada por un Hellspawn y ahora trabaja como cazarrecompensas para el Cielo.

    La impresión que da, en general, es que los realizadores trataron de meter en esta tercera temporada argumentos de varias otras; o que trataron de recuperar el tiempo perdido en la segunda. El ritmo de este sexteto de capítulos es frenético y a veces deja poco espacio para que los eventos sucedidos en ella tengan realmente una repercusión en la historia.

    Aunque el ambiente opresivo y claustrofóbico de la segunda temporada se mantiene, la paleta de colores vuelve a ampliarse; pero de formas más sólidas y vívidas. Ah, y la sangre vuelve a ser roja y se comporta de manera más realista. Eso sí, ni la animación ni el nivel de detalle en el arte son tan buenos como en la segunda temporada; ni son tan sencillos como en la primera. Algunos personajes, como Banks y Lilly tienen una marcada influencia del anime en su diseño.

    La razón para la cancelación de la serie nunca ha quedado del todo clara. Los índices de audiencia nunca se desplomaron como con otras series… tampoco crecieron, porque siempre fue un poco una serie de nicho; pero el interés no decreció sustancialmente aun a pesar de la desconcertante tercera temporada. Lo que es más: el final de la serie es un cliffhanger ‒Spawn regresa al santuario de Cogliostro decidido a recuperar su humanidad‒ que quedó inconcluso. Lo que sí fue muy claro es que para 1999 HBO había cerrado su división de HBO Animation, dejando a Spawn como su única producción animada… o sea, que básicamente la cancelaron porque ya no había quién la hiciera y no buscaron a alguien más.

    Para concluir con este artículo conmemorativo, aquí presento la cuarta y última parte del sumario en el que recopilo los sucesos más importantes acontecidos en los comics de Spawn. Va del número 181 hasta el 227, que es el último publicado en México hasta el momento (en EE.UU. van en el 278).

No. 180	La mordedura del vrykolakas causa una incontrolable sed de sangre en Spawn. Al Simmons se separa del necrotraje y es vencido por él, perdiendo el control de Spawn. El necrotraje planea matar a Wanda para destruir la humanidad que aún queda en Spawn.
No. 181	En una visión, la abuela Blake revela a Cyan cómo detener a Spawn. Nyx y Cyan tratan de salvar a Wanda. Simmons se separa del necrotraje y éste busca un nuevo huésped.
No. 182	Regresa She-Spawn. Mammon revela que es el Amo del Limbo. Primera aparición de Morana, quien es la hija que años atrás perdieran Al y Wanda y ha sido criada en secreto por Mammon y el vrykolakas para convertirse en la Hellspawn definitiva que gobernará la Tierra.
No. 183	Moarana roba el necrotraje a Nyx.
No. 184	Nyx detiene a MAmmon y Al Simmons decide terminar con el ciclo de Spawn.
No. 185	Inicia la saga Endgame. Arte de Wilce Portacio. Simmons se arranca la cabeza, simultáneamente, Jim Downing, un paciente de hospital, despierta de un prolongado coma. Regresan Payaso y Violator. Último número publicado en México por el extinto Grupo Editorial Vid.
Endgame Tomo 1 (185-190)	Inicia la corrida de editorial Kamite. Downing es el nuevo Spawn. Primera aparición del periodista Marc, quien se convertirá en el agente de Jim Downing.
Endgame Tomo 2 (191-196)	Arte de Whilce Portacio, Greg Capullo, Todd McFarlane y Rob Lifeld. Spawn captura un ángel cazador, al que Payaso le arranca las alas. Payaso se convierte en mentor del nuevo Spawn.
No. 197	Regresa Redeemer y Violator lo mata, ganándose la amistad de Downing.
No. 198	Arte de Khary Randolph. Primera aparición del paciente 46.
No. 199	Arte de Erik Larsen y Todd McFarlane. The Freak confronta a Spawn. Violator se enfrenta a The Freak quien, según se revela, estuvo en el Infierno. Primera aparición del Spawn Omega, la última evolución del necrotraje. Violator le provoca un infarto a Sam.
No.200	Arte de Michael Golden y Robert Kirkman. Spawn Omega se enfrenta contra Violator. Se revela la conexión entre Simmons y Downing. Se revela que The Freak es la reencarnación de Malebolgia. El necrotraje se enfrenta contra Spawn Omega.
No. 201	Arte de Szymon Kudranski. Downing realiza milagros en programas de TV en vivo. Primera aparición del villano Bludd.
No. 204	El grupo de vampiros conocido como la Vieja Guardia busca a Spawn. Trabajan para Bludd.
No. 205	La Vieja Guardia muestra su verdadera forma.
No. 207	Sam sufre un atentado mientras está en el hospital, pero el detective Rowand lo salva. Twitch se entera del destino de Simmons de boca de Downing.
No. 208	Spawn mata a Twitch y después lo revive. El detective Rowand es inculpado por el asesinato de la enfermera que atentó contra la vida de Sam.
No. 211	Se rompe la alianza de Jim Downing con Payaso.
No. 213	Jim Downing anuncia la creación de una fundación para sanar a los más necesitados utilizando sus poderes.
No. 215	Marc busca a Terry Fitzgerald. Malebolgia descubre que Payaso le lleva la delantera. Jim sufre un atentado.
No. 216	Downing descubre que su pasado, el de Overtkill, Tremor y The Freak están relacionados. Regresa Wynn.
No. 217	Malebolgia mata a Bludd y hiere a Payaso.
No. 218	Spawn se enfrenta a Malebolgia. Se revela la relación de Jim Downing con el Cielo.
No. 219	Spawn vence a Malebolgia y lo expulsa del cuerpo de The Freak.
No. 220	Regresa Cog.
No. 221	Regresa Tremor.
No. 222	Spawn se alía con Tremor para investigar el secreto militar de su creación.
No. 225	Downing interroga a Jaso Wynn. Éste revela la verdad sobre su participación en el Programa y sobre quién era Jim Downing antes del coma.
No. 226	Se resuelve, por fin, por qué Wynn fue elegido como el primer Redeemer (Anti-Spawn).

Al momento de escribir este artículo, el último número publicado en México fue el 227.

Spawn, la película    Sumario comics 1    Sumario comics 2

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LA MOMIA

The Mummy

 

Alex Kurtzman, 2017

A principios de la década de los 90 el inesperado éxito de taquilla y crítica que tuvo Drácula, de Bram Stoker (Coppola, 1992) ‒las opiniones son muy variadas, pero en su época la peli fue muy popular‒ despertó un renovado interés por los monstruos clásicos de la pantalla de plata. A Drácula le siguió Frankenstein, de Mary Shelley (Branagh, 1994), producida de manera independiente por el mismo Coppola, y luego Lobo (Nichols, 1994). Incluso hubo un proyecto para una secuela de Drácula, de Bram Stoker que se centraría exclusivamente en el personaje de Abraham Van Helsing y que la rotunda negativa de Anthony Hopkins para repetir el papel obligó a no ver la luz sino hasta 2004.

    La competencia estaba haciendo su agosto con los monstruos de los que Universal Pictures había creado iconos de la cultura pop, por lo que la otrora Casa de los Monstruos decidió producir nuevas versiones de las películas de los Monstruos Clásicos empezando con la Momia. El único pequeño detalle fue que, por alguna extraña razón, en vez de una película de terror, Universal decidió hacer una de aventuras y el resultado final, estelarizado por Brendan Fraser y Rachel Weisz, y dirigido por Stephen Sommers (1999) tenía más en común con Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981) que con la película con Boris Karloff; y, aunque fue un éxito de taquilla que generó dos secuelas, un Spin-Off y una serie de dibujos animados, difícilmente podría llamársele una película de monstruos. Strike uno.

    Van Helsing (Sommers, 2004) fue un pequeño experimento de Universal para rehacer su universo de monstruos subiéndose al tren del mame de Freddy vs Jason (Yu, 2003), y Alien vs Depredador (Anderson, 2004); pero, aunque la cinta gozó de cierta popularidad, el resultado no fue del todo el que la Casa de los Monstruos esperaba. Del mismo modo, se suponía que Drácula: la leyenda jamás contada (Shore, 2014) sería un reboot del Dark Universe y La Momia una secuela directa; pero de última hora el estudio decidió dejar Drácula… como una cinta independiente.

    Para finales de la década del 2000, hubo un rumor muy fuerte de que ahora sí, Universal Pictures iba a relanzar su universo de los monstruos clásicos con un remake de El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954), dirigida por el inepto profesional Joe Johnston. Entre las verdes y las maduras, resultó que el actor puertorriqueño Benicio del Toro levantó el proyecto para un remake de El hombre lobo (Waggner, 1941) que le fue asignado a Johnston. La película sería protagonizada por el mismo del Toro, cuyo parecido físico con Lon Chaney Jr. Es notable, y los efectos de maquillaje correrían por cuenta del multigalardonado Rick Baker (Hombres de negro [Sonnenfeld, 1997], El planeta de los simios [Burton, 2001]) así que ¿qué podría salir mal? La respuesta es: prácticamente todo. Un guión acartonado y rebuscado que mezclaba elementos de El hombre lobo de Londres (Walker, 1935) con El hombre lobo, malas actuaciones, una indefinición del tono entre el terror y la acción, y el Hugo Weaving más sobreactuado que se haya visto convirtieron este relanzamiento de los monstruos clásicos en lo que se conoce en Hollywood como un Monumental Flop-Out. Strike dos.

    Así pues, tendría que pasar más de un lustro ‒bueno, un par de años si contamos desde Drácula…‒ para que el boom de las películas de superhéroes llevara a los ejecutivos de Universal Pictures a pensar: “Oigan, ¿y si hacemos un universo como de superhéroes, pero con los monstruos clásicos?” Claro, la idea de entrelazar las historias de los diferentes monstruos existía desde Frankenstein contra el Hombre lobo (Neill, 1943); pero fue gracias a las películas de superhéroes que Universal se animó a crear lo que llamó Dark Universe y que oficialmente arranca con este segundo remake de La Momia.

    ¡Vaya forma de comenzar!

    La película narra la historia de Nick Morton (Tom Cruise, quien se ve muy bien para su edad), un militar dedicado de medio tiempo al contrabando de antigüedades, que descubre en Iraq la tumba de la antigua princesa egipcia Ahmanet (Sofia Boutella y su belleza exótica… o fealdad interesante), quien fuera momificada viva ‒lo cual de entrada es idiota‒ como castigo por su traición. La momia es llevada a Londres por la arqueóloga Jenny Halsey (Annabelle Wallis) sin sospechar que su llegada causará una serie de catastróficos eventos cuando Ahmanet trate de completar un ritual para resucitar a Seth ‒según parece, los guionistas traían una severa confusión entre Seth y su hermano Osiris‒.

    Lo primero que noté de esta película es que es un conglomerado de un montón de ideas que no necesariamente funcionan bien juntas. Es como decir: “Me gusta el sándwich de salami y me gusta el sándwich de crema de cacahuate ¿Por qué no hago un sándwich de salami con crema de cacahuate?” Además, la mayoría de dichas ideas ni siquiera son originales. La peli termina siendo un pastiche que mezcla básicamente cuatro películas: La sangre de la momia (Holt, 1971), La tumba (Ray, 1986), que ambas son de hecho adaptaciones bastante libres de la novela de Bram Stoker La joya de las siete estrellas; con Un hombre lobo americano en Londres (Landis, 1981) ‒todo el show de un estadounidense en Londres que es acechado por muertos vivientes que no pueden descansar en paz ya se vio‒; con una de mis películas favoritas, Fuerza siniestra (Hooper, 1985), basada en la novela de Colin Wilson, en la que un vampiro estelar llega a la Tierra ‒Londres, específicamente‒ en la forma de una sexy mujer que roba a los humanos su fuerza vital convirtiéndolos en zombies sin voluntad… Incluso Mathilda May en Fuerza siniestra es más guapa… y está más desnuda.

    Otro gran fallo de la cinta es el tono. Aunque hay bastantes elementos de terror y horror por aquí y por allá, de repente la cinta se mueve hacia el cine de aventuras e incluso hay varios guiños a la franquicia protagonizada por Brendan Fraser… pero, de repente, el melodrama de aventuras a la Minas del rey Salomón es desplazado por escenas de balazos al más puro estilo de las cintas de acción de Hollywood. Y cuando uno está tratando de integrar todo lo anterior ‒porque créanme, la peli falla en hacerlo‒ aparecen vueltas de tuerca que la convierten en una especie de película de superhéroes promedio. Por si todo eso fuera poco, hay varios diálogos que buscan ser cómicos… y que fracasan tan miserablemente en el intento; los personajes en pantalla terminan pareciéndose a ese profesor de tu prepa que quería “conectar” con los “chavos” y terminaba teniendo tanta gracia como pegarse en el dedo chiquito del pie.

    Las actuaciones de todos son malas… bastante malas. Digo, nadie esperaba que Tom Cruise actuara; pero Wallis y Jake Johnson (quien interpreta a Chris Vail, compinche de Morton) están bastante mal. El único que más o menos actúa es Russell Crowe; por desgracia, la vuelta de tuerca de su personaje se siente tan fuera de lugar; por no decir que esa línea argumental dura demasiado y lo hace a uno pensar que entonces la película se va a tratar de otra cosa… pero después regresan con Ahmanet y su plan de resucitar a Seth y hay una persecución en el Museo Británico de Historia Natural y gente corriendo y gritando y… ¿qué carajos es esto?

     Como sea, hay un elemento de esta película que abiertamente alabo: los efectos especiales. En una era en la que el CGI ha logrado quitarle toda la magia a los efectos visuales que aparecen en pantalla, La Momia consigue que las cosas se vean reales. Incluso esa secuencia de las calles de Londres y aquella otra de la tormenta de arena que es un claro guiño a la versión de 1999 lucen bastante bien.

    Otra cosa que me agradó fue el diseño de los monstruos. Los zombies se ven bien y eso de los dobles irises es interesante… no me queda muy claro qué aportan a la trama o para qué sirven, pero es algo que no recuerdo haber visto antes en pantalla. Las criaturas de esta peli fueron diseñadas por Crash McCreery, discípulo del desaparecido Gurú de los Animatrónicos, Stan Winston, y se ven bien. La Momia se ve bastante impresionante mientras aún es momia; pero una vez que ya tiene carne sobre los huesos como que me quedó a deber. Parece una versión deslavada de Gozer, el gozeriano, que apareciera en Los Cazafantasmas (Reitman, 1984).

    También me agradó que el despertar de Ahmanet desencadenara toda una serie de sucesos sobrenaturales en el estilo de La profecía (Donner, 1976)… que pudieron estar mucho mejor aprovechados, pero que al final son una especie de callejón sin salida del guión. Del mismo modo está padre el asunto del lazo telepático entre Nick y Ahmanet.

    El último elemento que me pareció bastante rescatable de la cinta fueron los Easter Eggs y las referencias. Mientras que las referencias a la película protagonizada por Fraser son evidentes ‒la tormenta de arena, el Libro de los Muertos‒, hay también muchos guiños a la cinta de 1932 y a otras películas de monstruos de Universal, como Drácula (Browning, 1931), El monstruo de la Laguna Negra, La novia de Frankenstein (Whale, 1935) y, sólo por evitar que el público recuerde aquel fiasco, ninguna referencia a El hombre lobo.

    En conclusión, me pareció que esta reinterpretación de La Momia falla en muchos aspectos fundamentales y está más cercana a ser una atracción de parque temático en Orlando que a la película que marcaría el inicio de toda una nueva era para Universal Pictures. Tiene algunos momentos interesantes y otros tantos aburridos al borde de lo comatoso, y en general se siente más larga de lo que en realidad es. Recuerdo que cuando estaba en la secundaria y vi el primer remake de La Momia me agradó la onda de la aventura imperialista; pero que me decepcioné profundamente de que no hubiera terror… comparada con este nuevo remake, a aquél comienzo a recordarlo hasta con cariño. Y, por cierto, la mejor momia que haya visto en una película sigue siendo la que sale en Los Cazamonstruos (Dekker, 1987).

    Dos ideas quedan flotando en mi mente: La primera es que los antiguos egipcios fueron una de las poquísimas civilizaciones del mundo antiguo que no realizaban sacrificios humanos ‒¿Vieron La bruja (Eggers, 2015)? Porque así se ve una película cuando el guionista sí hizo la tarea e investigó el tema sobre el que iba a hablar‒ y la segunda, que es muy curioso que los monstruos de Hammer nunca se enfrentaran entre ellos.

    Así que… ¿debemos llamar a esta película Strike tres?

PARA LA TRIVIA: Originalmente, la película sería dirigida por Len Wiseman (director y productor de Inframundo [2003] e Inframundo: Evolución [2006]); pero éste abandonó al proyecto poco antes de iniciar la producción. El estudio contrató a Andrés Muschietti (Mamá [2013] y el próximo remake de It) para reemplazar a Wiseman; pero también abandonó el proyecto debido a “diferencias creativas”.

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

La celebración por el 20 aniversario de Spawn en México continúa. En esta entrega, el resumen de los eventos más trascendentes sucedidos en el comic desde el número 121 hasta el 180. La próxima publicación será la reseña de la serie de dibujos animados de Spawn.

No. 122	Primera aparición de la wiccan Nyx. La sombra de Al Simmons lo busca para convertirlo de nuevo en Spawn.
No. 123	Wynn regresa como director de la NSA (National Security Agency) poseído por el espíritu de Payaso. Nyx, tras tener un affair con Al Simmons, lo reúne accidentalmente con su sombra.
No. 126	Al Simmons se ha reunido con su necrotraje y, como Spawn, regresa a Rat City. Le revela su identidad al mayor Forsberg y éste muere en paz.
No. 127	Terry Fitzgerald renuncia a la NSA y se muda de Queens con su familia.
No. 129	Wynn, poseído por Payaso, se convierte en un asesino serial que mata mujeres parecidas a Wanda Blake.

No. 132	Wynn se enfrenta con Spawn y muere. Resucita fusionado con Payaso.
No. 133	Regresa Violator. El espítitu de Payaso infecta a gente inocente. Se revela que Thea era la mejor amiga de Nyx y Mammon le revela a ésta que Spawn mató a Thea.
No. 134	Nyx entrega a Spawn a Mammon. Spawn es capturado por Payaso.
No. 136	Un ejército de payasos barre Nueva York. Spawn se enfrenta a Violator.
No. 137-138	Spawn derrota a los payasos con la ayuda de Sam y Twitch.

No. 139-141	Colaboración del artista Nat Jones. Nyx trata de salvar a Al Simmons con un ritual, pero el necrotraje la posee. Primera participación de She-Spawn, quien baja al Infierno para salvar a Thea. En el Infierno se encuentra con Redeemer y forman una alianza. El alma de Thea es liberada, Nyx y Redeemer regresan a la Tierra.
No. 142-144	Regresa Angel Medina en el arte. Spawn busca vengarse de Nyx, quien es defendida por Redeemer. Se revela el engaño de Mammon. Spawn confronta a Mammon y éste destruye sus recuerdos de Wanda. Al Simmons/Spawn vaga sin rumbo.
No. 146	Spawn conoce una secta que practica sacrificios humanos y que adoran a los Olvidados, ángeles condenados a habitar la Tierra por no tomar partido en la expulsión de Luzbel del Cielo.
No. 148	Regresa The Heap.
No. 149	Spawn regresa a la tumba de Al Simmons y recuerda quién es.

No. 150	Trazo de Angel Medina y Philip Tan. Especial de 48 páginas. El necrotraje muta de nuevo. 1ª aparición del Discípulo, el guerrero de más alto rango del Cielo. 1ª aparición del misterioso Hombre de los Milagros. Regresa Kincaid.
No. 153	Los gemelos que dio a luz Wanda son malvados y, aparentemente, inmortales.
No. 154	En todo el mundo, los muertos comienzan a volver a la vida. Spawn convoca a las almas de los Hellspawns anteriores a él para luchar contra los zombies. Los Olvidados atacan el Cielo. En un momento de desesperación, el Cielo libera al ángel demente Zera, Reina de los Serafines. El Armagedón está próximo.
No. 156	Spawn se enfrenta a Kali y ésta lo derrota, pero lo perdona a cambio de un sacrificio.
No. 158	Se revela que los gemelos son en realidad las encarnaciones de Dios y Satán. Se revela que el Hombre de los Milagros, Jesús, Kali y el Espíritu de la Tierra son avatares de la Madre Creación. Las almas de los devotos, entre ellas la abuela Blake, ascienden al Cielo.
No.159	Spawn salva a Wanda con la ayuda de la Madre Creación.

No.160	Dios obliga a los devotos a pelear en contra de su voluntad. Spawn se enfrenta al Discípulo, cuyo origen es finalmente revelado: se trata de uno de doce guerreros de élite del Cielo, el arquetipo sobre el cual se creó a Redeemer, creados a partir de las almas de los Doce Apóstoles. El reloj de los poderes de Spawn se agota.
No. 161	El Armagedón. Los cuatro Jinetes del Apocalipsis barren la Tierra. Spawn renace con el poder de un dios.
No. 162	El alma de la abuela Blake muere en el Armagedón. Spawn se enfrenta a Zera y destruye la Tierra con el poder de la Madre Creación.
No. 163	Spawn vuelve a crear el mundo y destierra a Dios y Satanás a otra dimensión. En el nuevo mundo no hay Cielo ni Infierno.
No. 165	Mandarin Spawn
No. 166	Comienza la colaboración de Brian Haberlin en el arte. El mundo creado por Spawn tiene grietas que los pobladores del Cielo y el Infierno usan como portales.
No. 167	Regresa Violator.
No. 168	Regresa Mammon.
No. 169	Regresa Nyx.

No. 170	Regresan Ab y Zab.
No. 172	Primera aparición del misterioso Malefick, quien les echó el ojo a los hermanos Simmons desde que eran niños para ser reclutados por el Infierno.
No. 173	Se revela que la estirpe de los Simmons está maldita y que la misión de la madre de Al era procrear una nueva generación de Hellspawns.
No. 174	Primera aparición de Spawn Pistolero en una historia de la Guerra Civil Estadounidense. Arte de Bing Cansino y Geirrod Van Dyke.
No. 176	Arte de Brian Haberlin y Geirrod Van Dyke. Primera aparición de Kenneth Erskine, un niño deforme que vive aislado dibujando comics. Se convierte en un asesino serial gracias a poderes sobrenaturales.
No. 177	Nyx y Spawn regresan a Rat City. Spawn es mordido por un Vrykolakas(especie de vampiro primigenio).
No. 179	Historia independiente de un Hellspawn en la Primera Guerra Mundial. Arte de Mike Mayhew.

 

Spawn, la película    Anexo 1. Sumario Nos. 60-120

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

LA MUJER MARAVILLA

Wonder Woman

 

Patty Jenkins, 2017

Podría decir muchas cosas sobre la película de Wonder Woman, como que la mejor película de superhéroes de DC está al nivel de la peor de Marvel, que nunca he sido aficionado a los superhéroes o que después de Lynda Carter qué me importa Wonder Woman; pero la verdad es que serían puros prejuicios. La primera adaptación a la pantalla grande de la superheroína creada por el Dr. William Moulton Marston para DC Comics es una adición refrescante a las películas de superhéroes de dicha editorial.

     La historia que se narra en la película es la de Diana (la hermosa Gal Gadot), la princesa de las amazonas de Temyscira, hija de Hyppolita (Connie Nielsen), quien es entrenada en las artes guerreras contra la voluntad de su madre por su tía Antíope (Robin Wright en un papel que le queda muy chido, pero que me hubiera encantado verlo interpretado por Brigitte Nielsen o Grace Jones). La isla de Temyscira se encontraba oculta del mundo exterior hasta que cierto día, el avión de combate del piloto Steve Trevor (Chris Pine, excelente) es derribado por tropas alemanas cerca de ella. Trevor es rescatado por Diana y los ubermalvados alemanes (en aquel entonces, prusianos) intentan invadir la isla. Diana se entera de que Trevor es un espía británico que ha robado la fórmula de un arma química súper secreta del laboratorio de la Dra. Isabel Maru (Elena Anaya de Lucía y el sexo [Medem, 2001]) y del enorme conflicto que es la Primera Guerra Mundial. Convencida de que la “Guerra para terminar con todas las guerras” es obra del malvado dios de la guerra, Ares, Diana decide acompañar a Trevor de regreso a Europa y se embarcará en una misión suicida tras las líneas enemigas para encontrar al hijo rebelde de Zeus.

     Me gustaría mucho leer el guión de esta cinta, porque tengo la impresión de que funciona mejor en papel que en pantalla. Quiero decir que el planteamiento de la película me parece muy bueno y la dinámica entre los personajes de Diana y Trevor, insuperable; pero la película no puede evitar caer en un montón de clichés y lugares comunes que no sólo se sienten fuera de lugar, sino que francamente estorban.

     Durante el final del primer acto vemos la dinámica de “pez fuera del agua” aplicada a Trevor mientras que, al inicio del segundo, la vemos en Diana… y no pude evitar pensar que todo el asunto de la princesa amazona llegando a un Londres lleno de imprecisiones históricas era increíblemente parecido a Pocahontas 2: Viaje a un nuevo mundo (Ellery y Raymond, 1998). Aun así, la dinámica funciona muy bien y es divertida… por un rato. Creo que la parte en la que se muestra a Diana tratando de comprender cómo funciona el mundo dura demasiado, pasa de lo adorable y naïve a lo camp para terminar en lo francamente idiota. Pero la primera parte es muy divertida y me recordó un poco al tono de la serie de TV.

    Otra cosa que tampoco me agradó fueron los aliados de Diana. No están particularmente mal, sólo que esa dinámica del Club de la ONU se volvió vieja con Super Street Fighter II (Capcom, 1993)… aunque, tratándose de una historia situada en la Primera Guerra Mundial, está un poco más justificado. Pero los compinches pintorescos y étnicamente diversos son un cliché de las películas de superhéroes que ya vimos en Punisher (Hensleigh, 2004), Ant-Man (Reed, 2015), Deadpool (Miller, 2016) y una nutrida lista de etcéteras. Y luego, el personaje de la secretaria Etta Candy (Lucy Davis) nos es presentado como la vis comica de la cinta… sólo para desaparecer por completo durante la segunda mitad. Francamente, la peli funcionaría igual sin los patiños… o quizá funcionaría mejor.

    Tampoco me latió que la historia se pareciera tanto a Rogue One: Una historia de Star Wars (Edwards, 2016) por un lado y a El quinto elemento (Besson, 1997) por el otro…

    Y luego está el principal defecto de la peli: los villanos. Parece ser una tendencia en las cintas de superhéroes de esta década el que se les olviden los villanos. Se supone que un héroe es grande en la medida de los villanos que tiene que enfrentar; pero en ésta, como en otras películas recientes, los villanos son de lo más anodino. Maru me pareció prácticamente una copia de la reina Gedren, la villana de Sonja, la guerrera (Fleischer, 1985), Ludendorff (Danny Huston, a quien seguro recuerden por su increíble interpretación del vampiro Marlow en 30 días de noche [Slade, 2007]) apenas si está dibujado y la dinámica entre los dos me recordó demasiado a Rocky y Bullwinkle… y eso no puede ser bueno. ¿Qué tal si la próxima vez usan alemanes auténticos para interpretar alemanes?

    SPOILER Finalmente, el enfrentamiento contra Ares es de lo menos inspirado. Se supone que es el Dios de la Guerra, se supone que el cuate ha vivido miles de años encubierto nutriéndose de sacrificios humanos… y su aparición no sólo es una de las vueltas de tuerca más predecibles que he visto últimamente; sino que se siente bastante genérico y poco interesante. El gran David Thewlis hace un gran trabajo con el material del que dispone, es una lástima que éste sea tan pobre. ¿Y por qué cuando atraviesan a Ludendorff con una espada, éste no sangra? TERMINA SPOILER

    Creo que una razón importante para que tu supervillano sea el personaje mejor construido en la peli no es sólo que definirá en gran medida lo que va a ser el héroe; sino que, por regla general, el villano aparecerá solamente una vez en toda la saga. Habrá que ver si en futuras secuelas vilanos clásicos de Wonder Woman como Circe, Cheetah o Giganta se integran al elenco y a ver qué tal los resuelven.

    Otro elemento que no acabó de convencerme fue la edición. En general está bien; pero hay dos o tres secuencias en las que las transiciones de un plano a otro son cortes tan duros que lo sacan a uno de la narración.

    El increíblemente bien empleado comodín de la película es la misma Gal Gadot. La chica es muy guapa y el vestuario le queda muy bien; pero la neta es que no sabe actuar. Le falta mucha intensidad y mucho matiz; sin embargo, tiene un gran carisma en cámara. Para un director poco hábil, esto habría representado un problema, pero para Jenkins es simplemente la base sobre la cual construirá un personaje complejo sirviéndose de un guión bien escrito cortesía de Allan Heinberg y de los actores secundarios, que hacen un gran trabajo. Lo que sí está medio mamila es la cámara lenta para darle más dramatismo a escenas en las que se ve que la Gadot no está llenando el papel.

    Pero la escena en la que Wonder Woman es tentada por el Lado oscuro y se cuestiona si vale la pena salvar a la humanidad está muy bien lograda.

    Algunas secuencias en CGI son particularmente malas. Hablo principalmente de las tomas de establecimiento de los entrenamientos de las amazonas ‒sentí como si estuviera viendo una pantalla de Age of Empires (Microsoft, 1997)‒ y las tomas en las que Wonder Woman salta y hace acrobacias desde lejos… se ven como de CGI de los 90… Y es triste, porque demeritan muchas otras secuencias bien logradas, como los stunts que realizan las amazonas en los entrenamientos que son espectaculares.

    Así pues, La Mujer Maravilla es una bienvenida adición interesante al panteón cinematográfico de la DC. Se nota el esfuerzo de todos los involucrados para por fin hacer una buena película de superhéroes de dicha casa editorial y, aunque es mucho mejor que Batman v Superman: el amanecer de la justicia (Snyder, 2016) e infinitamente superior a Suicide Squad (Ayer, 2016), no me parece que tenga los méritos necesarios para trascender en el sobresaturado mercado de las películas de superhéroes ‒que auguro que no sobrevivirá a la década‒. Está bien nada más, pero para lo que nos tiene acostumbrados Warner/DC últimamente, eso ya es mucho. En conclusión, ni es tan mala como el infame piloto de la serie de TV con Adrianne Palicki (Rainer, 2011), que fue tan malo que condenó la serie a jamás ser producida; ni es tan buena como la de dibujos animados de 2009, a la que le debe absolutamente todo.

    Y sí, me quedé esperando un cameo de Lynda Carter… que sí estaba planeado, al igual que uno de Lyle Waggoner, quien interpretara a Steve Trevor en la serie de TV; pero no pudieron filmarse por diversas razones. Por cierto, la espada Godslayer se parece a la Espada Atlante de Conan. Y sí, también faltó el jet invisible.

PARA LA TRIVIA: El Dr. William Moulton Marston (1893-1947), psicólogo e inventor que creara al personaje de Wonder Woman en 1941, fue también el inventor del detector de mentiras, el cual fue la obvia inspiración del Lazo de la Verdad.

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

En esta segunda parte del sumario de los cómics de Spawn se narran los acontecimientos más relevantes ocurridos entre los números 61 y 120.

No. 61	Tratando de incluir los eventos de la película en el canon del cómic, se revela que el verdadero asesino de Al Simmons no fue Chapel, sino Jessica Priest.
No. 64	Spawn ataca a Jason Wynn y le revela su verdadera identidad.
No. 68	Regresa The Freak, quien contrató a un indigente para que le disparara y decapitara a Spawn.
No. 70	El indigente Bobby muere y es resucitado por su amigo, el indigente Boots quien, en una vuelta de tuerca completamente sacada de la manga, resulta ser un ángel encubierto.

No. 71	Primera aparición del vampiro Wolfram, quien es un mercenario al servicio del Cielo.
No. 73	Eddie Beckett, el indigente que recuperara necroplasma de la cabeza decapitada de Spawn, por acción de dicha sustancia se convierte en el monstruo conocido como The Heap.
No. 74	Spawn se enfrenta a The Heap, quien es en realidad un portal a otra dimensión.
No. 75	Spawn es nombrado protector del mundo por el Espíritu de la Tierra.
No. 77	Se revela que Cogliostro (ahora llamado Cog por cuestiones legales) es en realidad un Spawn renegado. Twitch recibe un disparo en la cabeza.
No. 78	Spawn salva a Twitch.
No. 79	1ª aparición del reportero Ethan Crone.

No. 81	El fantasma de Billy Kincaid recorre la Tierra esclavizando almas.
No. 85	Spawn se enfrenta a Billy Kincaid y su ejército de almas.
No. 86	Spawn vs el alma de Al Simmons. Spawn decide renunciar.
No. 88	Cog se reforma. Primera aparición del demonio Mammon.

 

No. 92	El hechicero Mark ofrece a Spawn la mortalidad a cambio de sus poderes. Spawn lleva a Mark al Infierno.
No. 94	Wanda está embarazada… ¡de Spawn!
No. 95	Primera aparición de los demonios Ab y Zab, quienes invocan al dios oscuro Urizen.
No. 96	Spawn vs Urizen. El dios oscuro mata a Spawn, cuyo cadáver es reclamado por el Espíritu de la Tierra. Angela interroga a Ab y Zab.
No. 97	Angela resucita a Spawn. Urizen comienza el Apocalipsis. En el Cielo, los ángeles debaten sobre si intervenir o no. Primera aparición del ángel Domina.
No. 98	Spawn detiene a Urizen y Angela a un grupo de ángeles disidentes.
No. 99	Angela vence a Urizen, se revela que Ab y Zab fueron enviados por Malebolgia.

No. 100

Spawn y Angela bajan al Infierno y se enfrentan a Malebolgia, quien mata a Angela. Spawn decapita a Malebolgia y es perdonado por el Cielo, que le ofrece un lugar como ángel en recompensa. Spawn lo rechaza y en cambio pide la salvación de Wanda, quien está muriendo en el hospital. Spawn se asume como guardián de la Tierra, sin afiliación al Cielo o al Infierno.

No.101	Comienza la colaboración del artista Angel Medina.Spawn le revela la verdad a la abuela Blake sobre el Cielo y ella lo rechaza.El trono del Infierno está vacío.
No. 102	Mammon engaña a la vidente Thea para que le venda su alma.
No. 105	Regreso de Overtkill.
No. 106	Spawn enloquece a Wynn, haciéndolo alucinar con que fue desollado vivo.
No. 107-113	Max Jr, el hijo de Twitch, se involucra con una secta conocida como El Reino, que es en realidad un clan de vampiros. Spawn vence a su líder, Simon Pure y envía a los vampiros al Infierno. Max Jr. Muere, pero al menos su alma se salva. Twitch queda devastado y Spawn evita que se suicide.

No. 114	Primera aparición de Spawn Samurai.
No. 116	Eddie Frank se ha convertido en un fanático religioso y es elegido para encarnar al nuevo Redeemer. Cog está muriendo.
No. 119-120	El trono del Infierno reclama a Spawn y éste baja acompañado de Cog. En el Infierno se enfrentan Spawn, Cog, Reddemer y Violator. Cog traiciona a Spawn y reclama el trono del Infierno para él, revelando su verdadera identidad: es Caín. Cog devuelve a Spawn a la Tierra como Al Simmons.

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

Siempre me han gustado los comics y recuerdo muy bien que el primero que leí fue «Asterix y Cleopatra»; también recuerdo que leí algunos números sueltos de «El Hombre-Araña» (recuerdo muy bien haber leído el origen de Venom; pero ignoro dónde habrá quedado ese número…), «Karmatrón y los Transformables» y de «Las tortugas ninja». Sin embargo, no fue sino hasta que empecé a leer «Spawn» que verdaderamente me enganché en los comics.  Compré el número 1 del cómic de Spawn en mayo de 1997 en un puesto de periódicos cuando salía de la primaria. Me maravilló porque no se parecía a nada que hubiera visto antes. Salvo contadas excepciones, nunca he sido muy afecto a los súper héroes; pero esta reinterpretación de Fausto me atrapó de inmediato. El arte, el color ‒Spawn fue el primer cómic en ser coloreado enteramente de manera digital‒, la historia sobre un antihéroe que era un mercenario de élite resucitado como un guerrero del Infierno, todo estalló en mi mente preadolescente y me enganchó irremediablemente. A la fecha, es el único cómic del que he coleccionado y leído todos los números ‒al menos todos los que se han publicado en nuestro país‒ sin falta.

    Y digo, sé que nunca fue tan tan genial; pero sí hubo una época de esplendor y sí se entiende por qué fue punta de lanza en la revolución de los cómics independientes a finales de los 80 y principios de los 90. También es comprensible por qué ‒aunque quizá después perdió el rumbo‒ en los 90 Todd McFarlane, creador de Spawn, fue uno de los grandes visionarios no sólo de los cómics; sino de la industria del entretenimiento en general.

   1997 fue el año de Spawn. En primavera, el cómic se introdujo fuera de EE.UU.; en verano, se estrenó la película de Live-Action y en otoño se estrenó la serie de dibujos animados para adultos transmitida por el canal premium de TV por cable, HBO.

    La primera parte de este artículo conmemorativo será la crítica de la película de Live-Action.

 SPAWN

 

Mark A.Z. Dippé, 1997

Primero que nada, hay que entender que el mundo en 1997 era muy diferente de lo que es hoy. Las películas de superhéroes aún no se habían apoderado del mainstream y eran una cosa poco común, un terreno prácticamente inexplorado. Las dos principales franquicias de cómics en la pantalla grande estaban muerta y enterrada la una ‒Superman‒ y a punto de suicidarse la otra ‒Batman‒. Los efectos especiales generados por computadora estaban apenas en una etapa experimental y eran una cosa casi tan de Ciencia Ficción como las películas que los utilizaban.

    En este mundo en el que la humanidad aún no había sido esclavizada por las tabletas electrónicas y en el que había que esperar horas para poder ver porno en Internet, se estrenó Spawn; una película independiente de mediano presupuesto, distribuida por una compañía semi-independiente ‒aunque en ese entonces New Line Cinema ya era parte de Warner Bros., mantenía su autonomía‒ basada en un exitoso cómic independiente que buscaba hacerse un lugar entre los grandes. Pero ¿lo lograría?

     El argumento de la película sigue más o menos fielmente el primer arco argumental del cómic y narra la historia de Al Simmons (Michael Jai White), un asesino de élite del gobierno estadounidense quien, durante una misión en el Lejano Oriente, es traicionado por su jefe, el malvado Jason Wynn (Martin Sheen, porque pues hay que pagar la renta) y su compañera de escuadrón, la letal asesina Jessica Priest (la guapa Melinda Clarke, a quien seguro recuerdan como la novia resucitada en El regreso de los muertos vivientes III [Yuzna, 1993]), quienes lo queman vivo. Simmons reaparece cinco años después en la sección de los callejones de Manhattan conocida como Rat City ‒que es habitada por la legión de indigentes más increíblemente limpios que he visto jamás en una película‒ transformado en un Hellspawn, uno de los soldados de élite del ejército del Infierno. Mientras Spawn se aferra a los últimos restos de humanidad que le quedan y trata de recuperar su vida anterior, encontrará a Cogliostro (Nicol Williamson), un misterioso anciano que intenta ayudarlo a aprender a usar sus nuevos poderes y se enfrentará a Payaso (John Leguizamo, háganle un favor y no lo recuerden por la película de Super Mario Bros.[Jankel y Morton, 1993]), la forma humanoide del voraz demonio Violator, quien tratará de forzarlo a usar sus poderes en beneficio del Infierno.

    ¿Por dónde empiezo? Bueno, la mayoría de las películas comienzan con un guión, así que creo que será mi punto de partida también. ¿Qué pedo con el guión de esta madre? La narrativa es súper atropellada, deja huecos en elementos clave ‒a menos que uno le esté poniendo mucha atención o que ya conozca la historia de antemano, resulta un poco difícil entender cómo es que Spawn se convierte en tal, tuvieron que añadir una escena narrativa de Cogliostro en la que explica su misión porque originalmente no se entendía, etc.‒, y está plagada de diálogos terribles y acartonados al punto de lo chicloso. Los chistes de Payaso son cada uno peor que el anterior y, aunque en general no me molestan demasiado los clichés, esta película los tiene por todos lados.

    Pero vamos, eso no es problema porque los actores rescatan la película, ¿no? No, tristemente, no. Las actuaciones de todos y quiero decir absolutamente todos, son terribles. Si dije que la peli está plagada de clichés, es porque éstos se dejan ver incluso en la actuación. White está todo el tiempo en su papel de héroe rudo y es incapaz de matizar sus líneas de por sí malas, Sheen escupe mal un texto que se ve que ni él mismo se lo cree y Leguizamo… el actor colombiano da auténtica lástima, pues en pantalla se ve su sufrimiento al estar luchando contra el pésimo maquillaje prostético y el guión horrible para poder hacerse el gracioso en cada oportunidad posible y fracasando miserablemente. Y Williamson brinda una interpretación digna de una pastorela de secundaria, encima de lo cual, se rehusó a dejarse crecer la barba o a usar una postiza para parecerse más a su personaje.

    Digo, sé que el personaje de Payaso debe ser molesto y decir malos chistes; pero en su traslación a la pantalla grande simplemente no funciona. No es que Leguizamo sea mal actor ‒por el contrario‒, no es que el maquillaje en sí mismo esté particularmente mal hecho ‒o sea, sí está mal; pero he visto peores en películas actuales‒… es que el personaje desde su planteamiento en el guión está mal y el director ‒un reconocido artista de efectos visuales‒ no tuvo la habilidad para ver que, en su conjunto, los elementos del personaje no se estaban articulando.

    Sin embargo, estos problemas suelen ser comunes en las películas de acción y quizá me estoy ensañando con ésta. Finalmente, la idea de esta peli es que sus efectos especiales la convirtiesen en un deleite visual. De hecho, el proyecto originalmente tuvo un presupuesto de 20 millones de dólares que, en poco tiempo, se duplicó. De los 40 millones que costó la película finalmente, cerca de la tercera parte fueron para efectos especiales… y se me hace que un político mexicano les armó el presupuesto, porque ni un centavo de él se ve en pantalla.

    Por primera vez en el tiempo que llevo criticando películas estoy en completo desacuerdo con el fallecido Roger Ebert, quien dice de esta película que contiene “algunos de los efectos especiales más impresionantes que he visto” y que “Como una experiencia visual, Spawn es simplemente inolvidable”[1]. Lo que no puede sino dejarme pensando qué película habrá visto Ebert… digo, es una experiencia visual inolvidable, eso sí, pero por horrible. Recuerdo muy bien que cuando vi esta peli por primera vez fue en 1997 en una copia pirata en VHS y creí que se veía tan mal por la pésima calidad del video. Por desgracia, cuando conseguí una copia en DVD, descubrí la verdad.

    Al CGI utilizado creo que no puedo calificarlo con otra palabra sino “repugnante”: la capa de Spawn parece hecha con papel crepé, Violator parece coloreado con crayones, al pendentif que brilla con un destello verde se le ve el recuadro donde termina el CGI, el ejército de Hellspawns se mueve como con dos cuadros de animación, y el Infierno y Malebolgia (voz del legendario actor de voz Frank Welker)… ¡Por Cthulhu! ¡Tuve juegos en mi Nintendo 64 que se veían mejor que eso! ¿Por qué rayos deciden hacer un primer plano de Malebolgia cerca del final de la peli si no se veía bien ni de lejos? “¡Salve Señor de las Tinieblas a medio inflar!”

    Y por favor, no caigamos en el “los efectos eran buenos para la época”, porque para cuando se estrenó esta película ya habían salido El quinto elemento (Besson, 1997) y El mundo perdido: Jurassic Park (Spielberg, 1997). Digo, hay varias escenas en las que la pantalla azul se refleja en el cuerpo de Spawn y a las tomas de establecimiento de un ficcionalizado Nueva York se les ven los pixeles. Además, la legendaria Industrial Light & Magic firmó por los efectos visuales de la cinta; aunque, a final de cuentas, el apretado presupuesto y tiempo para realizar la peli obligaron a los productores a contratar a cerca de veinte pequeños estudios independientes en EE.UU., Canadá y Japón para terminar el trabajo a tiempo e ILM sólo realizó las tomas principales.

    Llegados a este punto, ¿qué más puedo decir de esta película? ¿Qué más sobre que Terry Fitzgerald (D.B. Sweeney en un papel que originalmente interpretaría Edward Norton) es blanco cuando en el cómic es negro? ¿Qué más sobre que los detectives Sam Burke y Max “Twitch” Williams son personajes clave en los cómics y en la película apenas si tienen un cameo que se pierde en el Full Screen? ¿Qué más aparte de que en la escena en la que Spawn es derribado en la cocina se le ven las botas debajo del traje? ¿Qué más después de que la cofia de anillas de Cogliostro está hecha con las patas? ¿Qué más aparte de que incluso las pocas tomas que se filmaron en locación parecen haber sido realizadas en estudio?

    Bueno, pues creo que el lado más flaco de la cinta son sus increíblemente pobres edición y montaje. La narrativa de por sí atropellada se vuelve torpe gracias a cortes duros, tomas de reacción que entran casi sin excepción un segundo antes, transiciones que dejan huecos y un montaje de las escenas de peleas que casi parece tener la encomienda de quitarles el poco dinamismo que tienen.

    A pesar de todo lo anterior, la película no está exenta de algunos aciertos y creo que el principal de ellos es el diseño de Spawn. Uno de los principales atractivos de las películas de superhéroes de aquel entonces era el diseño de sus vestuarios pues, aún hoy día, los vistosos trajes de spandex de colores brillantes que aparecen en papel rara vez funcionan en la pantalla grande. En el caso de esta peli, se optó por darle al necrotraje de Spawn ‒que es una idea muy similar a la de Venom en Spider-Man porque fueron creados por la misma persona‒ una apariencia mucho más orgánica que la de su contraparte impresa. Me gusta el montón de texturas que le pusieron y, aunque las apariciones de Spawn enmascarado en pantalla son contadas y breves, creo que la máscara se ve genial con esos ojos verdes luminosos. Me hubiera gustado que saliera más la capa… o que por lo menos se viera bien, y que los picos del traje no parecieran de cartón; pero supongo que en términos generales luce bastante decente.

    El otro acierto que creo que tiene la peli es el soundtrack. Lo cual es irónico, porque en sí mismo es bastante malo; pero en comparación con el resto de la película resulta sobresaliente. La música instrumental usada en la peli es completamente anodina, pero los temas cantados compuestos para el álbum, algunos de los cuales fueron incluidos en la cinta, llaman la atención. Desde el nivel conceptual se trata de un álbum raro, cuya propuesta fue armar duetos entre rockeros y músicos electrónicos con resultados a mi gusto fallidos. Sin embargo, si alguna vez les dio curiosidad saber cómo sonaría un dueto entre Korn y los Dust Brothers, entre Tom Morello y The Prodigy, Metallica con DJ Spooky, o el tema principal de la película, interpretado por Marilyn Manson y los Sneaker Pimps, quizá valdría la pena revisar este álbum. Otras participaciones incluyen a Moby y Orbital.

     Muchos críticos consideraron que, a final de cuentas, el soundtrack simplemente era ruidoso y que estropeaba momentos clave de la peli; pero creo que funciona distanciando un poco al público de la cochinada que está viendo en pantalla. O sea, funciona porque no funciona.

     Originalmente, se planeó que esta cinta fuera la primera parte de una trilogía que continuaría en 1998 con Spawn 2 y Spawn 3: The Final Battle en 1999. Muchos elementos de la película sugieren la línea argumental que seguirían las secuelas, como la aparición de Angela (Laura Stepp) en la escena de la fiesta ‒fíjense bien, está ahí: vestido verde con rombos blancos‒ o el hecho de que Malebolgia no es derrotado al final. Sin embargo, la pobre recepción de público ‒la cinta recaudó apenas la mitad de su presupuesto en su fin de semana de estreno‒ y crítica aunada a la insatisfacción de Todd McFarlane con el resultado final de la cinta cerraron las puertas a cualquier secuela inmediata y sumergieron a una secuela a mediano plazo en un infierno de pre-producción que continuó hasta el año pasado.

    En 2007, McFarlane anunció sus planes para una nueva película, que sería un reboot, se centraría más en los personajes de los detectives Sam y Twitch, y tendría un tono más similar al de un thriller con elementos de horror. Durante una temporada se rumoró que dicha película no sería Live-Action; sino una cinta animada que sería distibuida por Film Roman (responsables por series animadas como Los reyes de la colina [1997-2010], X-Men: Evolution [2000-2003], Garfield y sus amigos [1988-1995] o Los Simpson [1989- ]) directo al mercado casero. Sin emabrgo, el proyecto nunca vio la luz y fue hasta esta década, con el boom de las cintas de superhéroes y el éxito viral del cortometraje Spawn: The Recall (Paris, 2014) que rondó por Youtube, que McFarlane anunció oficialmente su proyecto de una nueva película de Spawn, para la cual terminó de escribir el guión el año pasado y que, en teoría, estaría estrenándose este año o el próximo.

    Quizá lo único verdaderamente bueno que engendró la película de Spawn fue la serie de figuras de acción alusivas, de la cual hablé en mi artículo sobre las mejores figuras de acción basadas en películas.

    También, según yo, ésta es la primera película de superhéroes con un actor afroamericano en el rol principal, y ‒corríjanme si me equivoco, por favor‒ la primera película basada en un comic en la que el autor de dicho comic hace un cameo.

PARA LA TRIVIA: Originalmente, se había pensado en Tim Burton para dirigir la película de Spawn, pero nunca se concretó. La segunda opción fue Alex Proyas, quien abandonó el proyecto para dirigir Ciudad en tinieblas (1998) ‒¡Y qué bueno!‒. Del mismo modo, nombres como Wesley Snipes, Cuba Gooding Jr., Will Smith, Denzel Washington y Samuel L. Jackson, entre muchos otros, fueron barajados como candidatos para interpretar a Al Simmons/Spawn.

Si pudiera bajarle puntos extra por los efectos especiales terribles y la edición horrenda, lo haría.

    Cuando le den play al trailer, por favor noten que utilizaron el maravilloso soundtrack de Patrick Doyle para «Frankenstein, de Mary Shelley» (Branagh, 1994) para musicalizarlo.

Y ahora, como parte de este artículo conmemorativo y porque ya saben que me encanta hacer cuadros, tablas y ese tipo de cosas, aquí presento un sumario con los eventos más importantes sucedidos en el cómic de Spawn hasta la fecha. Ésta será la primera de cuatro partes. Salvo que se indique otra cosa, la numeración corresponde a la edición mexicana.

No.0	Lo mismo que el número 1, pero en edición limitada conmemorativa de la visita de Todd McFarlane a México en el marco de la MECyF 97.
No.1	Al Simmons, el nuevo Spawn aparece en la Tierra. Primera aparición de Al Simmons, Jason Wynn, los detectives Sam y Twitch, y el demonio Malebolgia. Primera aparición del reloj de los poderes de Spawn. Cuando éste llegue a 0, el alma de Al Simmons se perderá para siempre.
No. 2	Primera aparición de Payaso y su forma demoniaca Violator.
No. 3	Supuesta primera aparición de Jim Downing. Spawn se entera de que su viuda, Wanda Blake, se casó con su mejor amigo, Terry Fitzgerald, y tienen una hija, Cyan.
No. 5	Primera aparición del asesino serial de niños Billy Kincaid, quien es asesinado por Spawn y su cadáver botado en la oficina de Sam y Twitch. El jefe de policía Banks estará haciéndoles la vida imposible de ahora en adelante.
No. 6	El líder mafioso Tony Twist manda traer al sicario cyborg Overtkill para eliminar a Spawn.
No. 8	Billy Kincaid llega al Infierno. Primera aparición de Vindicator y primera mención de los hermanos Phlebiac (hermanos de Violator). Escritor invitado: Alan Moore.
No. 9	Primera aparición de Spawn medieval. Primera aparición del ángel Gabrielle, la embajadora del Cielo en la Tierra. Primera aparición de Angela, el ángel cazador de Spawns, quien pierde su lanza en un enfrentamiento contra Spawn. Primera aparición de Cogliostro. Escritor invitado: Neil Gaiman.
No. 10 USA	Spawn llega al Limbo en el que hace un crossover con Cerebus the Aardvark. Escritor invitado Dave Sim. Este número no se publicó en México por cuestiones de derechos de autor, creando un desfase en la numeración.
No. 10	Dos pandillas se disputan el callejón de Spawn. Escritor invitado: Frank Miller.
No. 11	Primera aparición de la abuela Blake, quien es invidente y cree que Al Simmons regresó como un ángel guardián, y del asesino de Simmons, el mercenario Chapel.
No. 12	Crossover Spawn vs Youngblood. Spawn se enfrenta a Chapel, quien pierde la razón.
No. 13	Una historia original de Spawn Medieval. Comeinza a publicarse Spawn Bible, una serie de dossiers de los personajes del cómic bellamente ilustrada por Greg Capullo.
No. 15	Saga “Reflexiones”, escrita por Grant Morrison. Inicia la colaboración de Greg Capullo en el arte. Primera aparición del Anti-Spawn, Jason Wynn, en un hueco argumental que tardaría más de dos décadas en resolverse.
No. 18	Spawn y Harry Houdini.
Especial	Spawn vs Batman. Escrita por Frank Miller. Termina con Batman lanzándole un batibúmerang a Spawn en el rostro.
No. 20	El indigente Bobby cose la cara de Spawn con una agujeta, dándole el look conocido por los fans como “Hambuger Head”.
No. 21	Regresa Overtkill.
Especial	Miniserie Violator. Escrita por Alan Moore. Arte de Bart Sears y Greg Capullo, tintas de Mark Pennington. Los hermanos Phlebiac, Vindicator, Vandalizer, Vaporizer y Vacillator deciden castigar a su hermano menor Violator por haber deshonrado a la familia. Tony Twist envía al mercenario psicópata Admonisher a eliminar a Payaso.
No. 24	Artista invitado: Mark Silvestri. Primera aparición del mutante Tremor, un sicario convertido en monstruo por los experimentos que Tony Twist hizo con él.
No. 25	Gabrielle se entrevista con Spawn para saber el paradero de la lanza de Angela.
No. 26	Primera aparición de The Curse, un fanático religioso con partes biónicas.
Especial	Miniserie Angela. Escrita por Neil Gaiman y dibujada por Greg Capullo. En la ciudad celestial de Elysium, Angela es llevada a juicio por Gabrielle bajo cargos de traición por haber abandonado su lanza. Las amigas de Angela, Anahita y Kwan Yin, llevan a Spawn al Cielo como testigo; pero todo sale mal y Angela y Spawn deben escapar, recibiendo este último un disparo de energía celestial que casi mata su necrotraje. Hay un affair entre Spawn y Angela, quien es declarada renegada por el Cielo.
No. 28	Spawn regresa del Cielo al Medio Oeste estadounidense. Encuentra a Andy y Eddie Frank, dos niños que son maltratados por su padre abusivo.
No. 29	Spawn vs el KKK.
No. 30	El personaje conocido como Anti-Spawn es rebautizado como Redeemer. Nace un nuevo Redeemer encarnado en el buen samaritano Phil Timper. Redeemer derrota a Spawn y el necrotraje muere para después mutar. Primera aparición del ángel Raphaelle, quien sustituye a Gabrielle.
No. 32	Regresa Violator.
Especial	Miniserie BloodFeud. Escrita por Alan Moore. Lápices de Tony Daniel, tintas de Kevin Conrad. Sam y Twitch investigan violentos asesinatos. A la ciudad llega el cazador de monstruos John Sansker, quien señala a Spawn como el responsable y lo acusa de ser un vampiro.
No. 33	Payaso pierde la capacidad de transformarse en Violator. Primera aparición del demente conocido como The Freak.
No. 34	Spawn se enfrenta a Jason Wynn, quien es rescatado por Terry Fitzgerald.
No. 35	Spawn revela su identidad a Wanda Blake, pero ella no le cree.
No. 36	The Freak pide ayuda a Spawn para vengarse contra el científico que lo usó como conejillo de Indias.
No. 37	Comienza la colaboración del artista Tony Daniel. Primera aparición de Cy-Gor, un gorila con partes biónicas creado con el cerebro del pupilo de Al Simmons, Stephen Smith. Cy-Gor escapa del laboratorio en el que estaba encerrado.
No. 38	El inmundo Especial de Navidad.
No. 39	Regresa The Curse.
No. 42	Spawn aprende a controlar a las criaturas de la noche. Tras ser amenazado por Jason Wynn, el jefe Banks se suicida.
No. 43	Primera aparición del ángel cazador Tiffany.
No. 45	Regresa Tremor, quien pide ayuda a Spawn para rescatar a su hermano de Tony Twist.
No. 47	Spawn deja los callejones. Payaso se alía con Jason Wynn.
No. 48	Comienza la colaboración del Dream Team de Spawn: Lápices de Greg Capullo, tintas de Danny Miki. Spawn pelea contra su necrotraje y es rescatado por Cogliostro. Terry tiene un tumor en el cerebro y sufre un accidente. Cy-Gor llega a Manhattan.
No. 49	En EE.UU. este número fue parte del 50, que fue un número doble. Spawn salva a Terry y Cyan conserva la agujeta de Spawn como recuerdo, desarrollando un vínculo psíquico con él.
No.50	Spawn desciende al Infierno. A partir de aquí, se empata la numeración de la edición mexicana con la original.
No. 51	En el cuarto nivel del Infierno, Spawn pierde su corazón humano.
No. 52	Crossover Spawn y Savage Dragon.
No. 53	Spawn se enfrenta a Billy Kincaid, ahora convertido en Hellspawn.
No. 56	1ª aparición del mentor de Al Simmons, el mayor Forsberg, quien ha estado pudriéndose en un calabozo desde los 70. Es rescatado por Spawn.
No. 57	Primera colaboración del artista Chance Wolf en las tintas. Spawn se enfrenta a Cy-Gor (por fin).
No. 58	Los hermanos Frank llegan a Manhattan tras escaparse del reformatorio.
No. 59	Payaso secuestra a Cyan.
No. 60	Spawn mata a Payaso.

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!

[1] Tomado de su sitio web, http://www.rogerebert.com/reviews/spawn-1997 . La traducción es mía.

ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS

Rogue One

 

Gareth Edwards, 2016

¿Soy el único que piensa que lo mejor que pudo pasarle a la franquicia de Star Wars fue que George Lucas la vendiera? Digo, con el Universo Cinematográfico Marvel, el monopolio del entretenimiento Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm demostró que puede resucitar a los muertos… a menos que le pidan más de tres películas, porque entonces empiezan a repetir el mismo argumento ad infinitum ‒y Iron-Man/Ant-Man/Dr. Strange me dan la razón‒. También, cualquier oferta cinematográfica que produzcan correrá el riesgo de sobresaturar el mercado. De tal suerte, en vez de una película de Star Wars cada tres años, tendremos una para cada Navidad gracias al proyecto de Universo Expandido de Disney. Así pues, aquí va su primer intento de spin-off de la saga.

    Antes que nada, quiero recordar la regla que tengo para hablar del “Canon” de Star Wars. Tantos cambios se han hecho sobre qué sí entra en el canon y qué se queda fuera, que francamente ya me fastidió estarlos siguiendo. De tal suerte, personalmente sólo considero “canon” aquello que vemos en pantalla dentro de las películas estrenadas en cines. Si acaso algunas escenas extendidas cuando éstas no contradigan otras cosas dentro de la saga… o sean ridículas como el “¡No!” de Vader en El regreso del Jedi (Marquand, 1983).

    La historia de Rogue One se sitúa inmediatamente antes de La guerra de las galaxias (Lucas, 1977) y es protagonizada por la joven Jyn Erso (Felicity Jones), hija de Galen Erso (Mads Mikkelsen, a quien seguro recuerdan, junto con sus labios extraños por su interpretación del Dr. Hannibal Lecter en la serie de TV Hannibal [2013-2015]), el científico que diseñara la Estrella de la Muerte. El rumor de la construcción de un arma de poder destructivo inimaginable ha llegado a oídos de la Alianza Rebelde, quienes rescatarán a Jyn de una prisión imperial y la reclutarán en una misión para encontrar a Saw Gerrera (Forest Whitaker) un líder guerrillero independiente que podría tener información sobre el paradero del padre de Erso y sobre la última arma secreta del Imperio. Sin embargo, Cassian Andor (Diego Luna), quien está a cargo de la misión, tiene su propia agenda. Jyn y Andor emprenderán una misión suicida no autorizada por la Alianza para robar los planos de la temida Estrella de la Muerte.

    Creo que debo empezar diciendo que me gustó esta película. Francamente, me gustó más que The Force Awakens (Abrams, 2016). Curiosamente, se siente menos forzada y, a pesar de que temporalmente se sitúa en la época de la Trilogía Original, toma prestado menos de las cintas originales que el séptimo episodio de la saga.

     Lo primero que llama la atención sobre esta película y que me agradó bastante es el tono. Creo que es la película más oscura de la saga desde El Imperio contraataca (Kershner, 1980). Porque, vamos, Episodio III (Lucas, 2005) trataba de llegarle a ese tono, y es bastante sórdida en algunas partes, pero algo le faltaba… actuación, supongo. Los personajes de Rogue One no son héroes de manera inherente; sino que se convierten en héroes porque deben hacerlo. Hasta la vis comica, el androide imperial reprogramado K-2SO (Alan Tudyk), es el robot más cínico que recuerde en una película de la saga. A final de cuentas, la conclusión de la película es casi nihilista.

     Creo que la cinta es eficiente en mostrar la situación de represión y caos en la que estaba sumida la galaxia bajo el dominio del Imperio. En ese sentido, es perfectamente entendible el surgimiento de una Alianza Rebelde… que, según se expone en cierto momento de la película, en cuanto a sus métodos y su agenda no es mucho mejor al Imperio. Me gustó que le dieran más tiempo en pantalla a personajes como Mon Mothma (Genevieve O’Reilly) o el general Dodonna (Ian McElhinney).

     A pesar de que un poco la jugada de las nuevas cintas de la saga es distanciarse de lo planteado en la Trilogía de Precuelas, en ésta se enlazan las dos trilogías con detalles como la aparición del senador Bail Organa (Jimmy Smits), o las secuencias de Darth Vader de las que hablaré más adelante.

    Está padre que Rogue One pudiera escapar a los dos síndromes de las precuelas. Por un lado, esa compulsión por explicar absolutamente todo lo que sucede en las películas anteriores, como en La Masacre de Texas: el inicio (Liebesman, 2006); o el de dejar demasiados cabos sueltos mañosamente para después llenar los huecos con películas innecesarias… como la Trilogía de Precuelas.

     Lo que sí me despierta sentimientos encontrados es que Rogue One termine casi exactamente donde inicia La guerra de las galaxias, porque contradice lo que se plantea al inicio de ésta, de que la misión de la princesa Leia (Carrie Fisher) estaba encubierta como una misión diplomática. Yo me imaginaba una cosa más como de espionaje. Vamos, el diálogo entre Vader y Leia al inicio de la cinta resulta absurdo rayando en lo idiota según lo que se ve en Rogue One.

     También me pareció muy interesante que esta historia presenta la perspectiva del Imperio mejor que ninguna otra. Incluso el principal villano, Orson Krennic (Ben Mendels), director del proyecto de la Estrella de la Muerte, puede entenderse perfectamente como un héroe del Imperio. La lucha de poder entre Krennic y el gobernador —llamado en todo el merchandising «Grand Moff, no así en las películas— Tarkin (el icónico Peter Cushing resucitado gracias a la “magia” de la tecnología digital con la ayuda del actor Guy Henry) es uno de los puntos clave de la historia.

    Por cierto que, también gracias a la tecnología CGI, Carrie Fisher fue rejuvenecida para la que sería su última aparición en pantalla.

    Me gustó la forma en la que aparece Darth Vader (Spencer Wilding, voz de James Earl Jones, quien ya se oye cansado) en esta película. Primero, recluido en Mustafar ‒recuperando un diseño hecho por Ralph McQuarrie para la secuela de Star Wars en 1978 ‒ y después reivindicándose como villano. Esto es uno de los mejores puntos de la cinta. Darth Vader deja de ser el niño llorón que extraña a su mami que plantearon los episodios I, II y III, y retomó su lugar como el segundo mejor villano (de cien) en la historia del cine según la lista del AFI. Al ver a Vader en acción en esta película recordamos por qué la galaxia entera le teme y por qué representa la perdición de los rebeldes.

    Y justo cuando ya me estaba resignando a no ver acción de lightsabers en la película… es decir, ya había comprendido que podía no ser necesario porque la cinta iba bien aun sin ella, me regalan una escena climática con el Lord del Sith en todo su esplendor. Dicho sea de paso, ésta es la primera película de la saga desde El Imperio contraataca en la que vemos a Darth Vader en su cámara de meditación. Dicha secuencia también sirve para enlazar la Trilogía Original con la Trilogía de Precuelas.

    Los que quedan un poco a deber son los personajes secundarios. No sé, algo tienen que no me acaba de convencer. Quizá no son tan geniales. Quizá son demasiado parecidos a los personajes de los cómics de Star Wars. Quizá es que la franquicia sigue forzando la diversidad étnica en sus elencos… o quizá es que simplemente no terminan de encajar del todo en el universo de Star Wars. No son malos personajes, en general cumplen con su función, pero algo les falta.

    La actuación me parece un tanto dispareja. Los protagónicos están bien a secas. Diego Luna sigue siendo uno de los actores más odiosos que he visto en pantalla, pero logra trascender a ello. SPOILER Aunque sí recuerdo que, al menos en la función a la que yo fui, la gente se lamentó mucho más por la muerte de K-2SO que por la escena en la que muere Andor TERMINA SPOILER. Felicity Jones está muy bien en algunas escenas y en otras como que le falta emoción.

    A mi gusto, el que se lleva de calle la película es Mendels y Krennic es quizá el mejor villano de la saga desde la aparición del Emperador en El regreso del Jedi ‒estuve muy tentado a poner que es el mejor desde Boba Fett, pero la verdad es que el Emperador tiene lo suyo‒. Me gusta que es un villano muy humano. No es una figura de acción de tamaño grande como Darth Maul o el general Griveous, ni un líder político poco carismático como el conde Dooku, ni un Milennial berinchudo como Kylo Ren; Krennic es un líder visionario y calculador que no está cegado por un exceso de confianza como Tarkin, y cuyo mayor defecto sería la falta de fe.

    Me gustó la inclusión de vehículos clásicos de la saga, así como de algunos nuevos. En ese sentido, la película me recordó mucho a la saga de videojuegos Rogue Squadron (LucasArts, 1998-2003) a la que, francamente, creo que le debe todo, tanto en el tono como en el argumento.

    La peli tiene buen ritmo y la historia se cuenta bien. La música de Michael Giaccino logra el tono épico de la saga, pero lo adereza con el tono oscuro de esta película particular. La fotografía es muy buena y se agradece la nueva preceptiva de la franquicia de filmar en locaciones reales en vez de escenarios virtuales. De hecho, desde El despertar de la Fuerza, se ha tratado de mantener al mínimo el uso de CGI… Peter Cushing virtual aparte.

    El enfrentamiento final entre Erso y Krennic es bueno, aunque no pude dejar de pensar que era casi idéntico a la pelea climática entre James Bond y Alec Trevelyan al final de GoldenEye: el regreso del 007 (Campbell, 1995).

    Rogue One es una buena película, una adición refrescante a la saga de Star Wars y creo que logra llenar esa especie de vacío que me había dejado El despertar de la Fuerza. Además, logra dejar claro que, si bien es parte de la franquicia, se trata de una cosa aparte. Es también una demostración de que el universo creado por Lucas puede abordarse desde muy distintas perspectivas. Sólo hay un detalle que me inquieta y sobre el cual apenas pude reflexionar en los últimos días: Rogue One parece confirmar, al menos en la pantalla grande, que la saga sólo funciona con todo su potencial dentro de lo planteado por la Trilogía Original.

PARA LA TRIVIA: Según se sabe, a George Lucas le encantó la película.

PARA LA TRIVIA GEEK: La frase “Que la fuerza de otros te acompañe”, que tanto utiliza el personaje de Chirrut Îmwe (Donnie Yen) a lo largo de la película, era la frase que George Lucas había escrito en el guión original de The Star Wars, pero más tarde decidió sustituirla por “Que la Fuerza te acompañe”.

 

Blog anterior    Sumario 2017    ¡Sígueme en Facebook!