VIERNES 13

Friday the 13th

 

Sean S. Cunningham, 1980

 

Durante la década de 1970 el subgénero slasher[1] cimentó sus bases con películas como La masacre de Texas (Hopper, 1974), Residencia macabra (Clark, 1974) o Halloween (Carpenter, 1979). Durante finales de los 70 y principios de los 80, el género vería su época dorada y una de las franquicias que serían su portaestandarte era Viernes 13. Aunque la saga se fue degenerando hasta el punto de sobrepasar lo idiota, la primera película ‒que algunos se han dado en llamar “la copia tonta de Halloween”‒ tenía una propuesta un tanto diferente y se convirtió rápidamente en un clásico del género que engendraría una secuela por año.

    En 1958 ‒que lo sabemos porque lo dice una cintilla en la pantalla, ya que a nadie le preocupó ambientar el prólogo en la época en la que se supone que sucedió‒ una serie de brutales asesinatos de jóvenes consejeros obligaron al cierre del campamento veraniego Crystal Lake. Más de 20 años después, el empresario local Steve Christy (Peter Brouwer) planea reabrir el lugar a pesar de las advertencias de los lugareños sobre la maldición que ha caído sobre el campamento. Para ayudarle en los trabajos de remodelación, Christy cita a los consejeros una semana antes de la apertura, un viernes 13 precisamente. Uno a uno, los consejeros del campamento irán cayendo a manos de un asesino misterioso.

    Anécdota curiosa, el título de la película se le ocurrió al director, Sean S. Cunningham, quien empezó a poner publicidad en medios especializados y promocionar la cinta sin haber escrito una sola página del guión ni saber de qué se iba a tratar. Su idea era colgarse de la popularidad de Halloween. Y ésa es la razón por la que, en toda la película, sólo una vez se menciona que es viernes 13.

    La primera entrega de la saga que se convertiría en el arquetipo del cine slasher en realidad está un poco más orientada al suspenso y toma prestados muchos elementos del cine giallo de la década de los 70. Se trata de un whodunit con elementos de horror, en el que un asesino desconocido y ominoso va dando cuenta de sus víctimas en muertes rebuscadas e innecesariamente violentas… que para 1980 se veían aceptables, efectos de maquillaje cortesía del legendario Tom Savini. La decapitación del villano al final no tiene ningún sentido; pero se ve rifada.

     Todos los clichés del subgénero, los que se habían acumulado hasta el momento y otros que se acuñarían con esta cinta y de los que Scream: Grita antes de morir (Craven 1996) se burlaría más de una década después, están presentes en esta peli: Los adolescentes cachondos que se vuelven presas del asesino, el policía autoritario que resulta ser tan útil como un condón agujerado, el chavo graciosito al que uno le toma cierto cariño y lo matan brutalmente, el viejo loco que trata de advertirles del peligro pero nadie le hace caso, desnudez injustificada y otros tantos.

    Sin embargo, creo que se trata de una película bastante decente. Digo, no es ninguna joya, pero su valor de entretenimiento es aceptable. Además, cumple perfectamente con los tres propósitos de la película slasher.

    Por principio de cuentas, a pesar de estar clasificada como “Para mayores de 18 años” pone las escenas de desnudos al alcance del público adolescente sin tratarse de una peli abiertamente pornográfica que sería mucho más inaccesible a un público juvenil. Vamos, niños, no se rían, en esa época no había Internet.

    En segundo lugar, ayuda al público a sentirse inteligente porque ¿quién no ha gritado al personaje de un slasher flick que “no abra esa puerta” o le ha reclamado el no rematar al asesino que yace inconsciente frente a él? Una de las razones por las que los personajes en estas películas son tan estúpidos y parecen tomar siempre las decisiones equivocadas ‒piénsenlo un poquito, muchas de ellas no tienen el menor sentido‒ es que el público se identifica con ellos y piensa para sí mismo o comenta con quien esté al lado: “Qué idiota, yo nunca habría hecho eso” y eso nos hace sentir más inteligentes. Tristemente, la realidad es que ante una situación de riesgo, las personas solemos ser mucho menos inteligentes de lo que nos gustaría creer.

    Finalmente, en una especie de doble moral, las películas slasher funcionan como cuentos precautorios. Se trata de moralidades contemporáneas que tratan de educar a los jóvenes en los valores de la época. ¿Quiénes son los primeros en caer siempre? ¡Claro! Los que tienen sexo extramarital, seguidos de los que toman alcohol o drogas. De esta forma, esta película, junto con otras del género, se convierten en modernos mitos de contención y regulación. Al final de la peli, la que se salva es siempre la chica virgen y blanca. Incluso, según se puede inferir por lo que dicen los personajes, se advierte que Alice (Adrienne King) terminó una relación con Steve, quien es más de 10 años mayor que ella.

    La idea original era que Alice se convirtiera en la heroína de la saga, regresando secuela tras secuela para enfrentarse a Jason. Sin embargo, después de que King fue acosada en la vida real por un fan de primera la película, pidió que la sacaran de la franquicia.

    Y hablando de la chica blanca… ¿Ya se fijaron que en la película hay menos diversidad étnica que en un comercial de Liverpool? ¡Ah, benditos tiempos aquellos en los que no había corrección política ni inclusionismo!

    Por cierto, la película también se filmó antes de que existieran los Derechos de los Animales por lo que, muy a la italiana, hay una escena completamente innecesaria ‒de hecho, ni siquiera estaba en el guión, fue idea de Savini‒ de una serpiente que es muerta a machetazos.

    En general, la crítica siempre habla mal de esta película; pero suelen pasar por alto los valores técnicos que sí tiene. Sí, el guión es de lo más chafa y las actuaciones son malas ‒no se pierdan la aparición de un incipiente Kevin Bacon, antes de que aprendiera a actuar o a echarse clavados‒, a pesar de que la mayoría de los actores venían del teatro; pero la fotografía es excelente. Barry Abrams, director de fotografía, supo sacarle todo el provecho posible a la locación de la película en Blairstown, Nueva Jersey, y ofrece unas tomas de paisajes geniales. Las escenas de noche también están bastante bien logradas y realmente se puede ver que las cristalinas aguas del lago le hacen honor a su nombre.

    SPOILER El que sí queda a deber el guión es que hace trampa, porque al final resulta que el asesino es: (D) Ninguno de las anteriores. Eso sí, la interpretación de Betsy Palmer como la psicópata Pamela Voorhees es de antología. Sí, algo caricaturesca, pero no por eso deja de ser escalofriante. El papel fue ofrecido originalmente a Shelley Winters, quien no estuvo interesada, y posteriormente a Estelle Parsons, quien lo aceptó sólo para abandonar el proyecto poco después. Al principio, Palmer odió la película y siempre se refirió a ella como “un pedazo de mierda” y declaró alguna vez que, de no haber necesitado desesperadamente un auto nuevo, jamás habría aceptado el papel ‒que fue el mejor pagado en toda la producción‒. Con el tiempo, la actriz aceptó que la cinta la hizo más famosa de lo que jamás fue en toda su carrera y llegó a hacer las paces con ella… Pero siempre se quejó de los chavitos que la seguían por el supermercado haciendo “chi-chi-chi-chi; hah-hah-hah-hah”.  TERMINA SPOILER

    Por cierto, el guión, cuyo título de trabajo en proceso fue Larga noche en el campamento sangriento, fue escrito por Victor Miller en tan sólo dos semanas. Miller, por cierto, jamás en su vida estuvo en un campamento de verano. Las dos más grandes inspiraciones para crear esta película fueron Albóndigas (Reitman, 1979) y, por supuesto, Halloween, mismas que habían sido grandes éxitos con el público juvenil el año anterior.

    La música, compuesta por Harry Manfredini, también está bien. No es genial y toma mucho prestado de la partitura que compusiera Bernard Herrmann para Psicosis (Hitchcock, 1960); pero funciona bastante bien. Sí logra crear una buena atmósfera de suspenso que remata en momentos de horror bien logrados. La película, de hecho, tiene poca música, pues Manfredini quiso que ésta sólo estuviera presente cuando aparecía el asesino.

    SPOILER Manfredini también creó el ahora clásico sonido “chi-chi-chi-chi; hah-hah-hah-hah” que se escucha siempre que el asesino aparece. Sin embargo, el compositor ha aclarado que, en realidad, el sonido es: “ki-ki-ki-ki; ma-ma-ma-ma”, pues se trata de la voz de Jason dentro de la cabeza de Pamela Voorhees diciéndole que mate (kill, kill, kill, kill; mom, mom, mom, mom). TERMINA SPOILER

    A final de cuentas, Viernes 13 resulta una película entretenida que mantiene al espectador atento a lo que sucede en pantalla. Es uno de los más grandes representantes del género y es también el inicio de una de las franquicias más longevas del cine de horror ‒esta cinta costó apenas un poco más de medio millón de dólares y obtuvo ganancias por casi 40 millones‒. Además, en realidad esta primera entrega es la mejor de toda la serie… sí de las 11 ‒12 si se incluye Freddy vs Jason (Yu, 2003) ‒ y creo merece la pena ser revisitada de cuando en cuando.

PARA LA TRIVIA: En la película, que sucede en un viernes 13, se menciona que es noche de luna llena. En realidad, que el plenilunio y un viernes 13 coincidan es un evento poco común. Y adivinaron, ni en 1958 ni en 1980 hubo ninguna luna llena que cayera en viernes 13. Se supone que la próxima vez que esto suceda será en el año 2049.

PARA LA TRIVIA GEEK: En el estado de Nueva Jersey existe un municipio llamado Voorhees. Dicho municipio se encuentra a 8 millas del pueblo llamado Haddonfield. Haddonfield era el nombre del pueblo en el que sucede la historia de la película Halloween.

 

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[1] Que, básicamente, podemos decir que es en el que un asesino psicópata con alguna máscara estrafalaria persigue y asesina adolescentes.

¡MADRE!

Mother!

 

Darren Aronofsky, 2017

Cada cierto tiempo aparece en la cartelera una película que toma al público por sorpresa y divide las opiniones, llevando a unos a declararla una nueva obra maestra y a otros a tacharla de tomada de pelo. La nueva película de Darren Aronofsky se sitúa en este punto.

    Desde que vi el tráiler por primera vez, la película me llamó la atención. Por lo general, me han gustado películas anteriores de Aronofsky, que tienen un estilo surrealista e integran elementos de cine de terror dentro de dramas complejos, bien actuados y bien dirigidos. Cuando vi en el tráiler que su nueva película estaría más enfocada hacia el terror, me convencieron de verla; pero cuando escuché tantas opiniones tan diferentes ‒la mayoría de ellas negativas, la verdad‒ de tantas personas, supe que tenía que verla. De hecho, la cinta fue aplaudida y abucheada simultáneamente durante su premiere en el Festival de Venecia.

    Otras películas del director neoyorquino como Réquiem por un sueño (2000) o El cisne negro (2010) me han encantado. La fuente de la vida (2006) francamente me dio ganas de estrellarme el cráneo contra la pared. Lo que sí me quedó bastante claro fue que la publicidad era engañosa, pues no se trata de una película de terror… al menos no al final.

    Por principio debo decir que se trata de una cinta polisémica y que, la verdad, resulta un tanto esotérica e inaccesible. Es una película complicada, de ésas a las que hay que prestarles mucha atención todo el tiempo. Después de verla y con un poco de ayuda de mis amigos que también la vieron y me echaron la mano con las partes que no había entendido, puedo decir que la peli está funcionando en tres niveles diferentes.

    Antes de empezar, debo advertir que me fue imposible escribir este texto sin contar sendos spoilers. Por favor, disculpen la molestia.

    En el primer nivel, el anecdótico, se trata de la historia de una pareja de esposos. Él (Javier Bardem) es un escritor venido a menos con un bloqueo creativo terrible que trata de recuperarse de los eventos trágicos en su vida; Ella (Jennifer Lawrence), más joven que él, es un ama de casa devota y diligente que, en aras de apoyar a su esposo con su proceso creativo, soporta sus abusos y pone todo su esfuerzo en reconstruir una casa marcada por la tragedia. Cuando un anciano moribundo (Ed Harris, maravilloso) fanático del escritor llega a hospedarse a la casa sin previo aviso, la relación de los esposos se volverá cada vez más enfermiza y tóxica hasta llegar a niveles insospechados; mientras Ella espera la llegada del primer hijo, tan ansiado por su marido, tendrá que sobrevivir a oleada tras oleada de invitados espontáneos y abusivos.

    En este primer nivel también se entiende la obra, en un tono de Dark Fantasy, como una crítica a los falsos ídolos, la enajenación de las masas y la relación prácticamente caníbal de un artista ególatra con su pareja. Es la historia de una persona a la que se le exige que de más y más hasta que ya no tiene nada más para dar.

    En un segundo nivel, el metafórico, la película cuenta la historia de La Biblia. El escritor es el dios judeocristiano y su esposa representa al mundo y, más tarde, a la Virgen María. La pareja de ancianos que llega representa a Adán y Eva (Michelle Pfeiffer en su sempiterno papel de SuperBitch que tan bien le sale), y son expulsados de la casa después de desobedecer las órdenes del escritor de no tocar la joya más preciada de su colección; los hijos de los ancianos (Brian Gleeson y Domhnall Gleeson quienes, de hecho, sí son hermanos en la vida real), de los cuales uno mata al otro vagando por el mundo con el rostro desfigurado, son Caín y Abel; el fregadero que se rompe y causa la expulsión de la primera legión de invitados es el Diluvio Universal, etc., etc. Hasta Reyes Magos hay.

       En un tercer nivel, el alegórico, el escritor haría referencia al pensamiento del Hombre, su esposa a la Madre Naturaleza, la casa es la Tierra y las interminables oleadas de invitados abusones representan a la humanidad que saquea al planeta y que, después, cuando ya es demasiado tarde ‒al final del segundo acto, más específicamente‒, trata de salvar a la Madre Naturaleza por cuatro medios, fracasando todas las veces: La religión (representada por Él), la Ley (representada con un policía), la Ciencia (una médico) y la guerra (un soldado).

    Quizá haya más niveles de lectura para esta obra, yo sólo encontré ésos, que además son los más obvios. De cualquier modo, como dicen por ahí: “si tienes que explicar el chiste, entonces no es bueno”… Por otro lado, están Shakespeare y Góngora, y bueno…

    El guión, que a Aronofsky se le ocurrió al despertar una mañana y cuyo primer tratamiento escribió en sólo 5 días, está bien hecho; pero algo simplemente no acaba de cuajar. Todo el primer acto de la película y la mitad del segundo son una maravillosa pieza de Gótico Americano. Se trata de una película de terror sobria y contenida con una muy marcada influencia de Bergman y Polanski que, de hecho, está muy en el tono de clásicos del terror de la década de 1960 como Repulsión (Polanski, 1965), El bebé de Rosemary (Polanski, 1968), La hora del lobo (Bergman, 1968) o La mansión de los espíritus (Wise, 1963).

    Todo eso está muy padre. En verdad, toda la primera parte funciona maravillosamente como película de terror. Mi queja es que, al final del segundo acto, todo se deschaveta y se vuelca patas arriba, y la película termina yéndose por otro lado que no se planteó en ningún momento antes. Me sentí como esas veces en las que de niño jugabas al Monopoly; pero como se hacía tarde y no se le veía para cuándo terminar, los participantes empezaban a cambiar las reglas del juego ad libitum.

    La misma Michelle Pfeiffer admitió que la primera vez que leyó el libreto no lo entendió y que le pareció demasiado esotérico; pero que aceptó el proyecto porque le gustó el personaje que le habían propuesto.

    La dirección es muy dispareja. Aronofsky es muy consciente de los recursos con los que cuenta y sabe utilizarlos en favor de la historia que está intentando narrar. Incluso sabe jugar sus fichas con los actores de soporte y casi logra hacer que se nos olvide que Lawrence no es particularmente buena actriz. La dirección de actores está muy bien. La dirección de todo lo demás, que parece un barco a la deriva, no tanto.

    Las actuaciones están llenas de matices y sutilizas que, con la ayuda de muchos primeros planos a los rostros de los actores, ayudan a la peli a adentrarnos en la psicología de los personajes. Además, durante la primera parte, la que sí es como película de terror, crea una sensación de claustrofobia, angustia y persecución. Lo que no me encantó fue la cámara en mano para muchos de los primeros planos; si de por sí este recurso no me convence en planos generales, en los primeros planos me parece que termina mareando y alejando al espectador de lo que sucede en pantalla.

    Con todo, la fotografía es excelente. Creo que es conveniente señalar que, por lo que pude ver, esta película no fue grabada en HD como la mayoría de las pelis actuales; sino que fue filmada en película análoga de 16mm. O sea, a la antigüita y en un formato semiprofesional. Esto también le da una personalidad a la peli. La atmósfera se modifica de acuerdo con las emociones de los personajes, y las distintas tomas y la iluminación ayudan a darle una personalidad a la casa misma, que termina convirtiéndose en un personaje más de la historia.

    Manteniendo su propuesta de sobriedad, la película no tiene música. Lo cual, por lo menos durante la primera parte, demuestra que no hay necesidad de saturar una peli de música para que sea aterradora. Más que una musicalización, la película logra una ambientación a través de sonidos más que de melodía y, de hecho, no se escribió ninguna partitura para el soundtrack.

    Creo que ¡Madre! Es una película bien hecha y parece que hay una propuesta autoral detrás de ella. Sin embargo, debo admitir que no me gustó. El primer acto me tuvo muy emocionado; pero después, conforme el autor iba cambiando las reglas del juego y la narrativa se volvía cada vez más y más rebuscada, me perdió por completo y, francamente, no la volvería a ver.

    A final de cuentas, creo que tiene un defecto enorme que suelo odiar en las películas: Me pareció pretenciosa y mucho. Me da la impresión de que es una de esas películas que se creen mejores de lo que son o incluso mejores que su público. Honestamente, me parece odioso eso de que el autor proponga algo, luego cambie las reglas del juego y finalmente te tache de idiota por no seguir lo que estaba pasando. Ultimadamente, parece que Aronofsky metió todas las referencias que pudo en una licuadora sin tener una dirección específica, dando como resultado un ejercicio narcisista y pretencioso. La técnica está bien, la propuesta es lo que chafea, pues termina ahogándose con sus propias ambiciones.

PARA LA TRIVIA: El personaje de Jennifer Lawrence requería de un intenso trabajo emocional. Durante los recesos de la filmación, Lawrence pidió que instalaran lo que llamó la “Tienda Kardashan” para relajarse. Se trataba de un pabellón al interior del cual había velas aromáticas, bolas de chicle y el programa de TV Keeping Up with the Kardashians (2007- ) reproduciéndose en un loop infinito.

 

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ESO

It

 

Andy Muschietti, 2017

 

Creo que debo empezar este artículo confesando que nunca he leído la novela de Stephen King. La miniserie original de Eso (1990) la vi en su formato de película para tele (o sea, recortada) y recuerdo que no la pude terminar de ver en mi primer visionado porque me aburrió terriblemente. La acabé de ver hasta años después y, francamente, la recuerdo poco. De tal suerte, en esta ocasión no podré hacer comparaciones entre la versión original y la nueva o entre la película y el libro. Y, en cierto modo, creo que ésa es una gran ventaja, pues sólo estaré analizando la película por lo que es y por lo que vi en la pantalla.

    La película narra la historia de Bill Denbrough (Jaden Lieberher) y sus amigos preadolescentes marginados sociales. Un año atrás, el hermanito menor de Bill, Georgie (Jackson Robert Scott), desapareció sin dejar rastro. Bill y sus amigos comienzan a ser acosados por sus peores miedos materializados y la visión de un payaso demoniaco que parece ser responsable por la desaparición de Georgie. Bill arrastrará a sus amigos en la búsqueda de su hermanito y, en el camino, no sólo tendrán que lidiar con aterradoras apariciones, sino con los problemas de la pubertad, el bullying y diferentes facetas del abuso infantil y la violencia doméstica, además de que descubrirán la terrible verdad sobre el pueblo de Derry.

    Cuando estaba en la prepa tuve un profesor de ética que era fan de Stephen King. Recuerdo que muy pocas veces nos dio clase como tal y más bien su afición era ponerse a contarnos novelas de King. Recuerdo muy bien que una vez nos dijo: “Stephen King casi invariablemente nos regala doscientas primeras páginas sobre la vida de los chavitos en un pueblo y los problemas de crecer y cosas así que son maravillosas… y después lo echa todo a perder con la resolución más estúpida que se le pueda ocurrir”. Si ésa es una descripción acertada de la obra de King, entonces esta película es completamente fiel a su espíritu, porque funciona prácticamente así.

    La verdad es que fui a ver esta cinta con bastantes reservas. Por lo general, cuando una peli tiene mucha publicidad desde mucho tiempo antes, es porque va a ser bastante mala ‒¿o acaso me equivoco, Escuadrón suicida (Ayer, 2016)?‒. También he aprendido a desconfiar de los remakes porque, salvo raras y honrosas excepciones, difícilmente son tan buenos como las versiones originales. Sin embargo, Eso me dejó gratamente sorprendido. No creo que sea la gran obra maestra que andan diciendo en redes sociales; pero sí creo que es bastante buena.

    El guión me agradó bastante. Me gustan las películas en las que se toman el tiempo de desarrollar personajes y hacerlos progresar a lo largo de la historia. Me gustó muchísimo la relación que se logra crear entre los chavitos, que se ve que está planteada desde el libreto y que se ve beneficiada por las geniales actuaciones de todos los involucrados que, además, están maravillosamente casteados. Las secuencias del “idilio de verano” son verdaderamente increíbles y logran crear una fuerte conexión con el público.

    Quizá el único defecto que le encontré, y eso tiene más que ver con la dirección y edición/montaje, es el hecho de que los personajes progresan; pero la historia parece no hacerlo. Más que sentirse la narración de una serie de acontecimientos que van progresando, el argumento parece un montón de momentos sueltos que se relacionan entre sí. Quizá ésa haya sido la intención; pero la cosa es que al final todo ello desemboca en una resolución un tanto anticlimática. Creo que las apariciones de Eso debieron matizarse más para que la historia fluyera más libremente.

    Ahora, sobre las apariciones de Eso, creo que están bien logradas… pero no dan miedo. Digo no sé, tengo la impresión de que recurrieron demasiado a los Jump Scares[1] y menos al verdadero terror que la historia misma estaba planteando. Se agradece muchísimo, eso sí, que hayan favorecido el uso de efectos físicos por sobre el CGI. Por cierto, los efectos de maquillaje y criaturas son de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr. los discípulos de Stan Winston que trabajaran en las criaturas de la saga Alien desde Alien 3 (Fincher, 1992) hasta Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    Como lo mencioné, creo que las actuaciones de todos están fantásticas y, por supuesto, la pregunta que inquieta a muchos es ¿Qué tal está la interpretación del payaso Pennywise en manos de Bill Skarsgård? Bueno, pues la respuesta es: bastante bien. Desde que vi a Bill Skarsgård en la infumable serie de Netflix Hemlock Grove (2013-2015), me pareció que era mejor actor que su hermano mayor ‒Alexander, a quien quizá recuerden como el vampiro Eric Northman en la serie True Blood (2008-2014)‒, sólo me pareció que estaba mal dirigido. En esta peli creo que está mucho más aprovechado. Hay algunas secuencias ‒como la del baile‒ en las que quizá le pudieron sacar más partido; pero en general me gustó su interpretación del personaje, que me pareció mucho más extravagante que la de Tim Curry. No digo que sea mejor o peor, sólo me parece que su aproximación al personaje fue completamente diferente.

    La fotografía también me gustó mucho. Quienes fotografiaron la cinta sí hicieron su tarea y utilizaron un filtro doradito que hace que todo se vea como de película de finales de los 80. Asimismo, muchos de los encuadres y del tipo de tomas que hacen son muy característicos del cine de esa década.

 

    Por si fuera poco, dentro de la peli hay sendas referencias a la cultura pop de los 80, como el poster de Beetlejuice (Burton, 1988) que Bill tiene pegado en la pared de su cuarto, la playera de Airwolf (1984-1986) y el reloj Casio Calculator que usa Eddie (Jack Dylan Grazer), el chiste sobre Molly Ringwald o que la V que Eddie se pinta en el yeso de su brazo se parece sospechosamente a la de V: Invasión extraterrestre (1983-1984).

    Lo que sí puedo decir que no me encantó fue la música. Creo que está padre y todo, pero también creo que es demasiada. Durante todo el primer acto de la película hay música de fondo. Llega un momento en el que, en vez de contribuir a la ambientación, la música estorba y uno empieza a querer que se calle por un maldito minuto y deje ver la película. Digo, creí que estaba viendo Eso, no Pedro y el lobo. Además, de repente sentí que la música estaba en un tono demasiado épico para la película.

    Y ése creo que es el segundo fallo de la cinta. Me parece que el tono no es el adecuado. En general, da la impresión de que el director no se sentía muy seguro de lo que estaba haciendo y no quiso clavarse tanto en el horror o el terror, dando como resultado una película que más bien parece de aventura con elementos de terror. La peli es buena y me gustó mucho; pero francamente creo que como película de terror no termina de funcionar.

    Así pues, Eso resultó una sorpresa agradable y, aunque es un poco larga ‒dura dos horas y cuarto‒, a diferencia de otras cintas de los últimos años, no se siente que le sobren escenas o que pudiera ser más corta. Es una cinta entretenida que sí logra atrapar al público y realmente le hace a uno preocuparse por los personajes que están apareciendo en pantalla y sus problemas. Por desgracia, creo que la mejor escena de horror está en el prólogo, por lo que, en cuanto a sustos se refiere, la cinta se siente como si fuera cuesta abajo a partir de ahí.

PARA LA TRIVIA: En la historia se menciona que Eso despierta cada 27 años. Intencionalmente o de manera fortuita, el número 27 se ha asociado con esta historia de diferentes formas: El remake se estrenó 27 años después que la miniserie original; Skarsgård cumplió 27 años un mes antes del estreno; el actor Jonathan Brandis, quien interpretara a Bill en la miniserie original, murió a los 27 años; y en EE.UU. la película se estrenó el 8 de septiembre de 2017 y si se suman estos dígitos (8+9+2+0+1+7) el resultado es igual a 27.

 

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[1] Ya saben, de esas veces cuando la película sube el volumen de la música y te espanta de repente.

EL MONSTRUO DEL PANTANO

Swamp Thing

 

Wes Craven, 1982

Existen 3 ediciones diferentes de esta película: Una de 93 minutos que pasaban en la TV por cable, la edición original de 91 minutos, que fue la que se estrenó en cines y la que se consigue en DVD, y la edición para TV abierta de 89 minutos. La única diferencia sustancial es una secuencia del personaje de Alice Cable bañándose en un estanque que se alarga o se acorta según las necesidades de la censura.

En 1971 la revista antológica de comics House of Secrets, publicada por DC, presentó una historia corta ambientada en la Era Eduardiana sobre un científico mutado en un monstruo vegetal que intentaba salvar a su esposa de ser asesinada por su socio traidor. La historia se tituló La cosa del pantano (The Swamp Thing). En 1972, el personaje creado por el guionista Len Wein (cuya carrera incluye montones de créditos de los cuales uno de los más sobresalientes son varios episodios de Batman: la serie animada [1992-1996]) y el artista Bernie Wrightson ‒quien es también uno de los pilares del cómic de horror y sci-fi, pero cuyo trabajo más sobresaliente son las ilustraciones que hiciera para la edición de Marvel Comics de la novela Frankenstein, de Mary Shelley‒ recibió su propio título mensual en solitario.

    El primer volumen de la serie regular de Swamp Thing comprende 24 números, escritos por Wein, David Michelinie y Gerry Conway, y dibujados por Wrightson, Nestor Redodndo y Fred Carrillo. El cómic narraba la historia, ambientada en la época contemporánea, del Dr. Alec Holland, un biólogo que trabaja en secreto en su laboratorio en los pantanos de Louisiana, acompañado por su esposa Linda, en una fórmula bio-restauradora que puede hacer crecer plantas prácticamente de la nada. Cuando un grupo de mercenarios contratado por el misterioso Mr. M trata de robar la fórmula de Holland, éste resulta gravemente herido y entra en contacto con químicos que lo convierten en un mutante vegetal humanoide. En este primer volumen aparecen personajes clave como el archienemigo de Swamp Thing, el alquimista Arcane ‒rebautizado posteriormente por la serie de dibujos animados y línea de figuras de acción complementaria como Anton Arcane‒, su hermano Grigori (conocido como Hombre Parche y quien tiene un sospechoso parecido con la Creatura de Frankenstein), Abigail Arcane o el agente gubernamental Matt Cable, quien después moriría y se convertiría en el cuervo que acompaña al Sandman de Neil Gaiman.

 

    En su primera época, el comic de Swamp Thing presenta una exquisita mezcla de Horror, Ciencia Ficción, Dark Fantasy e incluso un poquito de Horror Cósmico, todo enmarcado por una atmósfera de Gótico americano con una marcadísima influencia de los comics de EC como Tales From the Crypt, Weird Science o The Vault of Horror.

    Por desgracia, nada de eso está presente en la película.

 

    La cinta sigue más o menos de manera fiel la historia del origen del personaje. El Dr. Alec Holland (Ray Wise) y su hermana Linda (Nannette Brown) trabajan en su fórmula bio-restauradora recluidos en su laboratorio en los pantanos de Louisiana ‒aunque la peli se filmó en locación en Carolina del Sur‒. La fórmula tiene el poder de dotar a las plantas con características animales para ayudarlas a adaptarse mejor al medio ambiente hostil. Pero el malvado Arcane (Louis Jourdan) ‒quien aparte de ser un millonario megalómano nunca se explica quién es, qué hace o por qué quiere la fórmula‒ pretende robar la fórmula a como dé lugar. La agente especial Alice Cable (la entonces esposa de John Carpenter, Adrienne Barbeau) es enviada para proteger a los Holland y termina enamorándose de Alec y ayudándolo en su investigación. Pero claro, Arcane no descansará hasta conseguir el químico, así que envía un grupo de los mercenarios más camp que haya visto en una película a sabotear a Holland y robar sus notas. Linda es asesinada, Alec queda cubierto por su propia fórmula y es dado por muerto cuando queda sumergido en el pantano mientras Cable logra escapar. Días después, Holland regresa como Swamp Thing (interpretado por el actor y doble de riesgo de 1.97m Dick Durock), un monstruo hecho de vegetación ‒bueno, no, desde un helicóptero se nota que lleva puesto un traje de látex barato‒ para ayudar a Cable a escapar y detener a Arcane en sus planes de conquista mundial.

    Siempre he considerado a Wes Craven uno de los genios del cine de género. Es uno de los pocos cineastas cuyas películas mantienen casi todas un cierto nivel de calidad y que logra reinventarse dentro del género casi siempre. La última casa a la izquierda (1972), La colina de los ojos malditos (The Hills Have Eyes, 1977), La serpiente y el arco iris (1988), Pesadilla en la calle del Infierno (1984) o incluso algunas tardías como La nueva pesadilla de Wes Craven (1994) o Scream: grita antes de morir (1996) son aportaciones valiosas al género e incluso parteaguas del cine de terror y horror. Otras, como La marca de la bestia (2005) y Espíritus (2010), son pura basura. El monstruo del pantano es simplemente mala a secas. Ni siquiera es de esas pelis que son tan malas que se vuelven buenas, sólo es mala.

    A pesar de todo, la cinta recibió críticas más o menos positivas en su momento, aunque hay que entender que, en ese tiempo, prácticamente no existían las adaptaciones de comics a la pantalla grande, salvo por las películas de Superman ‒a las cuales nunca he sido muy aficionado‒, y no estaba muy claro cómo debía tratarse la fuente original para llevarla a la pantalla grande. Los críticos de cine Roger Ebert y Gene Siskel, cuyas opiniones suelo respetar, alabaron la película diciendo que era un gran tributo a las cintas de monstruos de la Era Atómica y que, en general, era una buena película dentro de su género. Sin embargo, la crítica que hizo Ebert sobre Spawn (Dippé, 1997) me hace pensar que el hombre era más bien condescendiente con las películas sobre cómics.

    Las actuaciones son muy disparejas y, mientras Barbeau y Wise hacen un trabajo decente, e incluso Durock tiene algunos momentos particularmente brillantes interpretando al monstruo, el francés Louis Jourdan, quien viera su época de gloria en la década de los 60, está en un tono demasiado camp, grandilocuente, exagerado y excesivamente afeminado sin justificación alguna. Supongo que los realizadores, al tener como único referente de adaptación cómic-pantalla la serie de TV de Batman (1966-1968), decidieron que ése era el tono que debían darle a la película.

    Lo cual nos lleva a la infame transición de explosión. En una secuencia en la que Swamp Thing es perseguido por aerodeslizadores en un estero, nuestro héroe logra hacer que dos de ellos choquen, provocando una vistosa explosión ‒porque ¿qué le falta a una película mala para quedar aún más padre? ¡Explosiones, claro!‒. Así que, inmediatamente después, la pantalla se recorta en forma de explosión y hace la transición a la siguiente secuencia. WTF??? No sólo es ridículo para verse en pantalla, sino que, siendo Swamp Thing un comic más bien alternativo, no recuerdo haber visto nunca que usaran ese tipo de recursos. Quizá me equivoque, pero estoy casi seguro de ello.

    De hecho, el guión es un poco un fraude en el que, contada la historia del origen de Swamp Thing, la secuencia de mercenarios persiguiéndolo, atrapándolo y él escapando después se repite casi ad nauseam. Al menos en la edición de 93 minutos de duración está esa escena topless de Adrianne Barbeau…

    Sin embargo, la cereza del pastel son, por supuesto, las criaturas. En el comic, Arcane tiene por esbirros a un grupo de homúnculos deformes creados por él mismo conocidos como los Un-Men. En la serie de dibujos animados, los Un-Men son coloridos y estereotipados súper villanos con poderes especiales y la habilidad de convertirse en monstruos híbridos y vender figuritas de acción gracias a una máquina llamada Transducer. En la película… bueno, en la película Arcane hace beber la fórmula a uno de sus mercenarios, Bruno (Nicholas Worth), quien termina convertido en un enano que parece la mezcla de un simio con un cerdo… o algo así, tal vez sólo unieron los prostéticos que les sobraban en la bodega.

    Pero, ¿qué onda con Swamp Thing? Digo, si sabían que el traje se veía chafa, pudieron fotografiarlo mejor… al menos pudieron hacer tomas desde otros ángulos, por ejemplo, desde donde no se viera que el prostético de la cara se le estaba despegando, o que no se notara que el traje ya tenía varios agujeros que trataron de parchar torpemente con látex líquido, o una en la que no se viera la playera azul que Dick Durock llevaba por debajo del traje.

    SPOILER Y luego está Arcane. Hacia el final de la cinta, Arcane decide tomar la fórmula él mismo, lo que provoca que su rostro se cubra con costras sangrantes para después quedar encerrado en un capullo de papel maché y luego emerger convertido en una cosa que parece el Monstruo de la Laguna Negra mezclada con un jabalí y creo que ni siquiera es de látex, parece como que lo hicieron con keratol… ¡Con ojos de plástico! Así es, como que quien hizo la botarga agarró de esos ojos de plástico que le ponen a los osos de peluche y que se compran en las mercerías, y los pegó sobre el hule de la máscara. ¿Y por qué un mutante con fuerza sobrehumana necesita una espada? TERMINA SPOILER

    Creo que lo que sí es bastante rescatable de este pastiche Hulk-La Bella y la Bestia-La mosca es la relación entre Cable y Swamp Thing, que sí se siente auténtica y llena de matices y sutilezas. La actuación de los involucrados es lo suficientemente competente para hacer brillar este elemento en el cual se nota gran influencia de La novia de Frankenstein (Whale, 1935).

    Otra cosa que sí les salió bien en esta peli es la fotografía de las escenas del pantano. Aunque el tono oscuro y gótico del comic se pierde con las escenas filmadas en pleno día, la fotografía de la cinta logra hacer del pantano un personaje más, una extensión de Swamp Thing que, de forma expresionista, exterioriza las emociones del personaje.

    A mucha gente le gusta esta película. A mí me despierta sentimientos encontrados. Es divertida y entretiene, y sin duda me ha arrancado varias carcajadas; pero no es de mis favoritas. Como adaptación de la fuente original me parece bastante fallida. Como película de horror y Ciencia Ficción creo que simplemente no funciona. Como cinta de acción queda bastante mediana. Supongo que Siskel y Ebert tenían razón, y la única forma de apreciar esta cinta es como una anacrónica película de monstruos de Serie B.

    A pesar de todo, el estreno de la película impulsó a DC Comics a publicar una segunda serie regular titulada Saga of the Swamp Thing, que en la opinión de los críticos es la mejor del personaje, con guiones escritos por Martin Pasko y Alan Moore. Del mismo modo, la cinta engendró una secuela en 1989 ‒que roza los límites de lo humanamente soportable, en gran medida gracias a la “actuación” de Heather Locklear como Abby Arcane‒ y durante varios años ya se ha hablado de un reboot cinematográfico.

    Y, francamente, el que la película haya terminado viéndose como clásico de los autocinemas no creo que haya sido intencional.

PARA LA TRIVIA: El personaje de Swamp Thing es “sospechosamente parecido” al de Man-Thing, de Marvel Comics, creado por Stan Lee, Roy Thomas, Gerry Conway y Gray Morrow en 1971. Según se sabe, Len Wein era compañero de cuarto de Conway en el tiempo en el que los personajes fueron creados. A pesar de las similitudes, Marvel nunca ha llevado el asunto a la corte porque ambos personajes son “sospechosamente parecidos” al personaje The Heap, creado por Harry Stein y Mort Leav para Air Fighter Comics en 1942.

Si pudiera bajarle puntos por las botargas de los monstruos, lo haría, la neta.

 

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ATÓMICA

Atomic Blonde

 

David Leitch, 2017

 

Recuerdo haber visto la caída del Muro de Berlín por televisión cuando era niño. Digo, no cobró significado para mí hasta muchos años después; pero sí recuerdo estar sentado frente a ese televisor de torreta y verlo todo. La desaparición de la DDR, con sus pros y sus contras, es un telón de fondo magnífico para un thriller político o para una película de espías. Justo es este hecho histórico el que explota Atómica, basada en la novela gráfica de Antony Johnston, película que se convierte en un estilizado ejercicio de forma sobre fondo.

    La peli narra la historia de Lorraine Broughton (la genial Charlize Theron), una agente del Servicio Secreto Británico que es enviada a Berlín para investigar el asesinato de un colega y recuperar el valioso cargamento que éste llevaba y que le fue robado: una lista secreta con los nombres de los agentes de inteligencia de diferentes países que fungen como agentes dobles.

 

    Y ya. La trama es bastante lineal y es de lo más simple, aunque tiene montones de complicaciones de lo más artificiosas. Vueltas de tuerca sobre vueltas de tuerca sobre vueltas de tuerca que no sólo se vuelven predecibles desde que comienza el segundo acto de la peli; sino que ya al final terminan rayando en lo absurdo. De hecho, en una película que ya de por sí se nota derivativa, hay momentos en los que se siente que el guión está divagando y que sólo está dándole vueltas innecesariamente a algo que ya se expuso con claridad anteriormente.

    Lo que sí está muy bien son las actuaciones. Un reparto conformado por histriones del calibre de James McAvoy, John Goodman, Toby Jones, Bill Skargård ‒a quien veremos como el payaso Pennywise en el próximo remake de It y quien, francamente, me parece mejor actor que su hermano mayor‒ o la misma Theron logra elevar y volver interesante una película que, de otro modo, sería bastante olvidable. Los personajes se sienten un poco más profundos de lo que en realidad son y en general todos los intérpretes logran ponerle carnita a lo que encontraron en el papel.

    Y también por ahí anda Sofia Boutella, a quien mejor no recordamos por el deleznable segundo remake de La momia (Kurtzman, 2017).

    Por otro lado, las escenas de acción son bastante disparejas. Eso sí, la película tiene mucha acción que se extiende a lo largo de varias secuencias y que la vuelve muy entretenida. Un buen uso del maquillaje prostético intenta darle un tono más realista a las escenas de peleas, haciendo ver que los catorrazos van en serio y eso está muy padre.

    Por desgracia, algunas de las coreografías están mal fotografiadas y se ven súper falsas. Se ve el clásico efecto de “Patada Jedi” en la que se nota que ni siquiera se tocaron y aun así hay reacción. Vamos, finalmente, hay varias de las coreografías en la película que se nota que son coreografías y eso es bastante chafa.

    Honor a quien honor merece, algunas otras coreografías se ven espectaculares.

    Quizá el aspecto más sobresaliente de la peli es la propuesta estética. Digo, es precisamente el elemento que vende la película en las imágenes publicitarias. La estética Glam/Retro New Wave se encuentra presente en toda la cinta, cuya fotografía está llena de colores sobresaturados que funcionan como una especie de leit motiv para identificar personajes y lugares. Éste es el elemento más llamativo de la película: una fotografía bella que se complementa con una edición bastante propositiva y dinámica que apoya a la narrativa de la peli. O sea, todo se ve bien pinches bonito.

    Lo que no deja de llamar poderosamente mi atención es que el empeño de crear una película de época sea sacrificado en aras del estilo. Digo, no se trata en absoluto de una película histórica; pero sí echaron mano de gran cantidad de recursos para recrear el aspecto de las diversas locaciones en aquella época ‒Alexanderplatz se ve genial‒, desde filmar en locaciones en Berlín, Londres y Budapest ‒que es donde se filman casi todas las películas gringas que quieren capturar ese look europeo, porque además es más barato‒ hasta utilizar el viejo truco de la pintura mate ‒que, de hecho, era muy popular en las películas de los 80, antes de los escenarios virtuales‒.

    De todos modos, los vestuarios de los personajes principales no lucen como de 1989… Están muy padres, sobre todo los trapos que usa la Theron; pero se notan un tanto anacrónicos.

    El soundtrack está conformado por increíbles composiciones originales de Tyler Bates ‒quien compusiera los soundtracks de Halloween: El inicio (Zombie, 2007), 300 (Snyder, 2006), Guardianes de la galaxia (Gunn, 2014) y Sucker Punch: Mundo surreal (Snyder, 2011)‒ muy en la vena Retro New Wave, y muy selecta música pop de los 80 con canciones de David Bowie, The Clash, Nena, Falco y Peter Schilling, entre otros. Porque ya saben que, si todo lo demás falla, siempre puedes llenar tu película con música exitosa del pasado para tener contento al público.

    Lo que sí me impresionó fue que en ningún momento sonara Atomic, de Blondie. Quizá quisieron evitar la obviedad, pero…

    Finalmente, Atómica no le va a cambiar la vida a nadie. No tiene casi nada de contenido y se siente que es una envoltura muy bonita para una caja vacía. Pero es una envoltura muy muy bonita. Es una cinta entretenida que lo mantiene a uno atento a lo que pasa, aunque se siente un poco larga por momentos. Sin embargo, en general creo que es una cinta de acción bastante decente con un par de gags que como que no acaban de caer del todo. Pero sí está chida.

    ¿Saben qué también es muy curioso? La película no se ve en absoluto como el comic, que está más clavado en una estética Noir en blanco y negro súper influida por el Sin City de Frank Miller.

PARA LA TRIVIA: La confrontación clave hacia el final de la película se filmó en el interior de un edificio real en Berlín en lo que parece ser una larga secuencia sin cortes. En realidad, la escena está compuesta por alrededor de 40 secuencias pequeñas que fueron editadas meticulosamente con ayuda de herramientas digitales para dar la ilusión de que se trataba de una sola.

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ESCUADRÓN ANTI-MONSTRUOS

Monster Squad

 

Fred Dekker, 1987

 

Fue en 1943 cuando un Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) recién despertado del coma liberó a la Creatura de Frankenstein (Bela Lugosi) de un bloque de hielo y, al no tener nada mejor que hacer, ambos monstruos batallaron hasta un clímax catastrófico en Frankenstein contra el Hombre-Lobo (Neill, 1943). Desde entonces, pareció que el destino de los Monstruos clásicos era encontrarse, ya fuera como enemigos o como aliados, en cintas como La guarida de Frankenstein (Kenton, 1944) o La mansión de Drácula (Kenton, 1945), la cómica Abbott y Costello contra los fantasmas (Barton, 1948), la apócrifa Drácula vs Frankenstein (Adamson, 1971) o nuestras queridas bastardizaciones nacionales El castillo de los monstruos (Soler, 1958) ‒siendo honesto, ésa sí me gusta mucho‒, Santo el enmascarado de plata y Blue Demon contra los monstruos  (Martìnez Solares, 1970) o Capulina contra los monstruos (Morayta, 1974).

    En 1987, el director de la genial película tributo a las cintas de Serie B El terror llama a su puerta (1986), Fred Dekker, decidió realizar un ambicioso guión que había escrito años atrás; pero para el que no había conseguido financiamiento. Tras la popularidad de El terror llama a su puerta, Dekker pudo más fácilmente conseguir quien produjera su película: una cinta familiar en la que un grupo de preadolescentes se enfrenta a los Monstruos clásicos. Lo que Dekker no pudo conseguir fueron los derechos para utilizar los diseños de los Monstruos que Jack Pierce creara para Universal Pictures cinco décadas atrás.

    En el que probablemente sea uno de los prólogos más costosos en la historia del cine ‒y si se hubiese filmado como estaba en el guión habría costado más que toda la película‒, la película cuenta cómo el Dr. Abraham Van Helsing (Jack Willim), un siglo atrás, intentó usar un amuleto mágico para enviar a su enemigo Drácula (Duncan Regehr) y su séquito de monstruos al Limbo. Por desgracia, Van Helsing fracasó y sus discípulos emigraron a los EE.UU. para esconder el amuleto. En la época actual, Drácula y sus esbirros viajan al pueblo de Baton Rouge, Louisiana, para destruir el amuleto. Pero no contaban con Sean Crenshaw (Andre Gower), quien posee el diario de Van Helsing, su hermanita Phoebe (Ashley Bank) y sus amigos amantes de las películas clásicas de Monstruos, quienes saben justo cómo detener a los invasores.

    Pues no, el argumento no es lo que podría decirse sobresaliente. El guión está bien escrito, a secas; pero está lleno de huecos y salidas fáciles. Y aun así, la película funciona maravillosamente.

    El sencillo guión de Fred Dekker y Shane Black ‒el guionista-actor a quien seguro recuerdan por su papel de Hawkins en Depredador (McTiernan, 1987)‒ tiene montones de frases ingeniosas ‒”Wolf-Man’s got nards!” (“¡El Hombre-Lobo tiene bolas!”)‒ y jocosas referencias a películas de monstruos. Dekker era fan de las películas clásicas de monstruos de Universal y de los seriales de La pandilla , por lo que decidió mezclarlos para crear esta película[1].

   Empero, el verdadero núcleo de la película es el mensaje de que la amistad trasciende a pesar de nuestras diferencias ‒el chavo rudo se alía con los nerds, el niño gordo recupera su dignidad por mano propia y, claro está, la Creatura de Frankenstein trabando una entrañable amistad con una niña de preprimaria‒. También hay por ahí un par de comentarios sobre los monstruos del mundo real que le dan a la película otro nivel de profundidad completamente nuevo.

    Las actuaciones son bastante decentes; digo, no son particularmente buenas, pero no dejan qué desear, y lo que sí es sobresaliente es ver a tantos niños carismáticos juntos en pantalla ‒digo en Parque Jurásico (Spielberg, 1993) no pudieron juntar a dos‒. Los adultos también hacen un trabajo bastante competente, sobre todo Noonan como la Creatura de Frankenstein y Regehr, como el Rey de los Vampiros.

    Según lo ha referido en entrevistas[2], Regehr interpretó a Drácula como si fuera el supervillano de algún cómic y sí lograba darle miedo a los niños. Del mismo modo, Noonan no interactuaría nunca con los chicos si no estaba completamente caracterizado, además de que disfrutaría de jugarle bromas pesadas a Stan Winston con el maquillaje puesto.

    La fotografía es muy buena y muy propositiva. Bradford May, director de foto, tuvo desde el principio el cometido de hacer que todo se viera lo más real posible. Del mismo modo, sabía que era una cinta para niños; pero no por eso dejó de darle una atmósfera oscura y tenebrosa. Finalmente, la propuesta de May en la pantalla es la de una película oscura pero con colores sólidos y brillantes, muy en el estilo de otras películas de la época, que se ve genial.

    Por supuesto, las estrellas del show son los monstruos. Según Shane Mahan, artista del Stan Winston Studio que estuvo liderando el proyecto de Escuadrón Anti-Monstruos, “El reto era sugerir estas criaturas clásicas sin copiarlas realmente”[3]. Según parece, ni Antonio Espino “Clavillazo”, ni Xavier López “Chabelo”, ni Santo tuvieron que preocuparse por eso alguna vez. Lo que sí es que las criaturas de Monster Squad, a diferencia de las Hechas en México, prácticamente no han envejecido en tres décadas.

    El diseño de los monstruos estuvo a cargo del mismo Stan Winston, quien tuvo que delegar la confección de los mismos a los artistas del estudio, pues se encontraban saturados de trabajo. Mientras el SWS trabajaba en Escuadrón Anti-Monstruos, Winston estaba enfocado en el diseño y pre-porducción de la película que sería su debut como director, la ahora clásica Pumpkinhead (1988), y una pequeña porción del equipo trabajaba en un bomberazo en el que nadie creía llamado Depredador.

    Aunque un poco decepcionados por no poder utilizar los diseños originales de Pierce, los artistas del Stan Winston Studio no sólo crearon personajes carismáticos en pantalla; sino que lograron implementar en ellos nuevas tecnologías del puppeteering que reducían considerablemente el número de titiriteros que eran necesarios para dar vida a cada una de las criaturas. Esta cinta, además, marcó el debut del artista Tom Woodruff Jr.[4], quien pasara por muchas dificultades y sufrimientos al encarnar a la criatura acuática conocida como Gillman, como actor de creaturas. Además, la versión de esta peli de la Momia (Michael MacCay) es mi favorita de todas.

    Fred Dekker reconoce que Escuadrón Anti-Monstruos es su mejor película; pero también reconoce que fue la película que acabó con su carrera. La cinta costó cerca de 12 millones de dólares, pero en taquilla no recaudó ni 4 millones en su breve corrida de tres semanas. Casi un lustro después, Dekker tuvo una nueva oportunidad de recuperar su carrera de director… por desgracia el proyecto que encabezó fue RoboCop 3 (1993) y, bueno, ya todos sabemos cómo terminó eso.

    Diversos factores se conjuntaron para que la película fracasara en taquilla. Algunos involucrados en la peli culpan a una campaña de mercadeo mal dirigida, otros culpan a la falta de los diseños originales de los monstruos. Sin embargo, el fondo del asunto fue que la cinta estaba dirigida a un público muy reducido. Los niños no la vieron porque los padres creyeron que la película era inapropiada para ellos, y los adolescentes y adultos tampoco la vieron porque creyeron que era una película para niños. Según lo refiere Tom Noonan[5], a él mismo le costó mucho trabajo conseguir una copia en VHS para que sus hijos la vieran. Lo cierto es que, con el paso del tiempo, de forma inesperada para sus realizadores, Escuadrón Anti-Monstruos se ha convertido en una película de culto cuya nutrida legión de fanáticos ha surgido de la TV por cable y los videoclubes. Yo me enteré de su existencia gracias al libro de Stan Winston y ahora me cuento entre los fans.

PARA LA TRIVIA: Dustin Diamond, quien interpretara a Screech en Salvados por la campana (1989-1993), tenía una breve aparición en la cinta; pero ésta fue eliminada junto con otros 13 minutos de película porque los ejecutivos de HBO no querían que la peli durara más de 90 minutos. Del mismo modo, Liam Neeson, quien originalmente fue considerado para el papel de Drácula, fue contratado y de hecho se le pagó para aparecer en una secuencia que nunca se filmó.

 

[1] Según lo declara en la entrevista que dio para el especial Monster Squad Forever! (Felsher, 2007), incluido dentro del material extra de la edición de 20 aniversario en DVD.

[2] FELSHER, ídem.

[3] MAHAN, Shane, citado en Duncan, Jody The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, Londres, 2006. P.98. La traducción es mía.

[4] A partir de Alien 3 (Fincher, 1992) y hasta Alien vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007), Woodruff sería el actor dentro de los trajes de xenomorfo en la saga Alien.

[5] FELSHER, ídem.

Lee mis reseñas de los Monstruos Clásicos de Universal:

Drácula

Frankenstein

La momia

El hombre invisible

La novia de Frankenstein

El hombre lobo

El Fantasma de la Ópera

El monstruo de la Laguna Negra

 

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BRAINDEAD: TU MADRE SE COMIÓ A MI PERRO

Que en EE.UU. fue conocida como Dead-Alive, pero que en su natal Nueva Zelanda se llamó Braindead. En México oficialmente se llama Muertos vivos, pero jamás he sabido de alguien que la llame así.

 

Peter Jackson, 1992

Existen numerosas versiones de esta película. La razón es que prácticamente cada compañía que la distribuyó fuera de Nueva Zelanda armó su propio corte para adecuarse, ya fuera a su mercado local, o a las clasificaciones restrictivas y la censura de su región. La versión completa de la película ‒que no he visto‒ tiene una duración de 104 minutos, mientras que la versión más censurada ‒que tampoco he podido ver‒ dura apenas 85 minutos. Esta reseña habla sobre la edición sin censura para DVD, que tiene una duración de 97 minutos.

Corría el año 1998 y yo acababa de regresar de provincia a la capital. Siendo tan aficionado como siempre lo he sido a los cómics, no podía perderme un evento que, por vivir en el interior de la República, ya había dejado pasar demasiadas veces: la MECyF. Había habido otras convenciones de cómics en México antes, sí; pero con el apoyo de importantes empresas y un leviatán de aparato publicitario, la MECyF se convirtió rápidamente en la más importante convención de cómics y cine fantástico en América Latina. Y, aunque me quedé con la espinita de presenciar el lanzamiento oficial del cómic de Spawn en México en la MECyF 97, en la edición 98 pude conocer al legendario guionista de Batman, Dennis O’Neil y al caricaturista español de MAD, Sergio Aragonés.

    Dentro del marco de la MECyF ‘98 se celebraba también el Segundo Festival Internacional de Cine de Ciencia Ficción y Fantasía, que era una oportunidad única para ver películas de género de las más diversas latitudes, muchas de las cuales no habían tenido una corrida comercial en cines de nuestro país. En la programación de ese año figuraban películas como Acción mutante (de la Iglesia, 1993), Ciudad en tinieblas (Proyas, 1998), Nirvana (Salvatores, 1997), Tykho Moon (Bilal, 1996) o Braindead: tu madre se comió a mi perro.

    En aquella ocasión no pude entrar a ver Braindead, pero el artículo que sobre ella publicaron en el programa del festival me dejó intrigado, sobre todo por las grotescas imágenes que incluía. El tiempo pasó y alrededor del año 2002, cuando compré mi primer reproductor de DVD, pude conseguir la película en dicho formato. Quedé estupefacto. ¿Cómo era posible que el director de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003) ‒a quien yo conocía por Muertos de miedo (1996), con Michael J. Fox‒ hubiera creado una película tan diferente a la adaptación de la obra de Tolkien? ¿Cómo una cinta tan absurda podía ser tan diabólicamente entretenida? ¿Cómo podía la cinta de verdad ser tan diferente a la que yo había imaginado? Y, sobre todo, ¿cómo podía arrastrarse un sistema respiratorio zombie por las vigas de un ático?

    La película cuenta la historia del infeliz Lionel Cosgrove (Timothy Balme), un joven tímido que vive recluido en un aislado caserón con su dominante y posesiva madre, Vera (Elizabeth Moody). Cierto día, Lionel conoce a Paquita Sánchez (Diana Peñalver), la hija de una familia española dueña de una tienda, y se enamora de ella. Los jóvenes se citan en secreto en el zoológico, pero la castrante Vera se entera y va a espiarlos. Mientras ella trata de inmiscuirse aún más en la vida de su hijo, es mordida por un mono-rata maldito de Sumatra, que la contagia con un virus mortífero que la convertirá en un agresivo zombie. Lionel trata de mantener la enfermedad de su madre en secreto; pero esto sólo llevará a que la infección se esparza por el pueblo con hilarantes resultados.

    Antes que nada, hay que aclarar: Braindead no es una película para todos. Y por esa misma razón es un clásico del gore y una de las obras cumbres del splatterstick. Pero uno sí debe estar de un humor especial para aguantarla. Y valdrá la pena el esfuerzo.

    Peter Jackson es un cinéfilo de toda la vida y en éste, su tercer largometraje, nos entrega una obra súper influida por montones de películas y que rinde un cariñoso tributo a todas ellas. Referencias a King Kong (Cooper y Schoedsack, 1933), Los cazadores del Arca Perdida (Spielberg, 1981), Psicosis (Hitchcock, 1960), ¡Escalofrío! (Mann, 1971), El despertar del diablo (Raimi, 1981), Carrie: extraño presentimiento (DePalma, 1976), Re-Sonator (Gordon, 1986), Herbert West, Re-animador (Gordon, 1985), La masacre de Texas (Hooper, 1974) y hasta Payasos asesinos del espacio exterior (Chiodo, 1988) desfilan por la pantalla en una especie de juego de complicidad que el cinéfilo Peter Jackson propone a un público de cinéfilos.

    Las actuaciones son caricaturescas y los actores logran crear personajes antipáticos en pantalla. Ésta es una de esas películas en las que uno termina odiando a prácticamente todos los personajes; lo que está padre, porque hace mucho más memorables y satisfactorias sus escenas de muerte. Sobre todo, presten atención al personaje del tío Les (Ian Watkin)… y ya que se convirtió en zombie, por favor presten atención al cable del que se ve que cuelga su columna vertebral.

    A pesar de cositas por el estilo, los efectos especiales y el maquillaje se sostienen bastante bien aun con del tiempo. Esta cinta es una de las más asquerosas que he visto y, sin duda, el beso final entre Lionel y Paquita, uno de los más repulsivos. Es muy interesante, y hasta un tanto morboso, ver la transformación de Vera y su transición por los diversos estadios de la zombificación. Por cierto, las secuencias en stop-motion las realizó Peter Jackson mismo.

    Y si aún no están convencidos de que los efectos especiales son realmente buenos… ¿qué tal si les digo que muchas de las escenas de la calle principal del pueblo fueron logradas filmando maquetas?

    Pero no todo es gore sin sentido. La película también tiene varios logros técnicos que son más que dignos de mención. La fotografía es muy interesante, con tomas propositivas y heterodoxas y una propuesta estética bien definida que se volvería muy característica de las películas de los 90, colores estridentes y encuadres que resultan extravagantes. La edición y montaje de la película también están de lujo, logrando crear pequeños remates cómicos en una obra cuyo tono ya raya en lo absurdo.

    ¿Y qué me dicen del cura que sabe kung fu? ¿O del sexo entre zombies? ¿O el bebé zombie producto del sexo entre zombies? ¿O las partes del cuerpo zombies que se vuelven autónomas y atacan a la gente? Si con David Cronenberg conocimos el Horror Corporal, con Jackson nos presentaron la Comedia Horrorífica Corporal.

    Me confieso del todo ignorante de la historia neozelandesa; pero siempre me he preguntado si el hecho de que la película esté ambientada en la década de los 50 es de alguna relevancia para la historia. Del mismo modo que la vuelta de tuerca sobre las infidelidades del papá de Lionel parece no aportar nada a la trama.

    A final de cuentas, Braindead es un referente del cine gore y un clásico del subgénero conocido como Happy Gore. La secuencia de Lionel destazando zombies con una podadora de césped ‒así es, Dead Rising (Capcom, 2006) no inventó nada de nada‒ es sencillamente hilarante, de verdadera antología… bueno, de hecho, toda la película es muy memorable y es fácil ver por qué se convirtió en un clásico. Resulta una especie de mezcla entre The Evil Dead y el Show de los Muppets (1976-1981).

PARA LA TRIVIA: Para la mencionada escena de la podadora se utilizaron cerca de 300 litros de sangre falsa que eran bombeados a una velocidad de 5 galones por segundo.

 

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EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA

War for the Planet of the Apes

 

 

Matt Reeves, 2017

Twentieth Century Fox no tenía demasiada fe en la primera película de El planeta de los simios (Schaffner, 1968). De hecho, decidieron retrasar la filmación cerca de seis meses para enfocarse en otros proyectos que creían que tendrían más éxito. Sorprendentemente para Fox, la película basada en la novela de Ciencia Ficción de Pierre Boulle fue un trancazo en la taquilla que marcó a una generación, se convirtió en un clásico del cine de género y engendró cuatro secuelas, una serie de TV Live-Action, una serie de TV de dibujos animados, toneladas de merchandising, un remake y un reboot que, a su vez, generó una trilogía, la cual llega a su fin con La guerra.

    Tras los eventos de la película anterior, los simios inteligentes ya no son la especie dominante en el planeta. El líder chimpancé, Caesar (Andy Serkis, uno de los más sobresalientes actores de criaturas de la historia) lidera a su reducido grupo de simios, quienes se han escondido en una pequeña comunidad en el bosque californiano. Caesar y su familia no sólo deben enfrentarse a los ejércitos humanos que buscan destruirlos, sino también a simios disidentes que los han traicionado y la sombra de Koba, que sigue presente en la comunidad simia. En esta hora desesperada, un nuevo enemigo, el militar extremista conocido únicamente como el Coronel (Woody Harrelson, de antología), pretende asestar el golpe decisivo que acabará de una vez por todas con los simios. Caesar no sólo deberá enfrentarse al Coronel y sus hombres, sino a su propio lado oscuro para salvar a su especie de la extinción.

    Creo que una de las principales diferencias entre esta nueva franquicia de El planeta de los simios y la saga original de los 70 es que en ésta todas las entregas han mantenido más o menos un mismo nivel de calidad. Mi favorita sigue siendo la segunda, que me pareció una especie de reinterpretación de Ricardo III; pero Guerra no está nada mal y, de hecho, me sorprendió bastante en algunos aspectos.

    Por principio de cuentas, están los efectos especiales creados por Weta Digital ‒la misma gente detrás de la Trilogía de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003)‒ que me mantuvieron con la boca abierta durante las dos horas y cuarto que dura la película. Es la primera vez en mucho tiempo en la que me siento desconcertado y francamente no puedo decir cómo hicieron los efectos que aparecen en pantalla. Digo, sé que se trata de CGI; pero hay momentos en los que casi podría jurar que usaron animatrónicos. Por cierto, los simios digitales actúan mejor que muchos actores de carne y hueso que he visto.

    En segundo lugar, están las actuaciones. Es raro, las intervenciones de los humanos a lo largo de la película son más bien breves. Casi durante toda la cinta nos encontramos siguiendo a Caesar y sus compañeros en su travesía y no resulta aburrido. Por el contrario, Caesar y Maurice (Karin Konoval), que son quienes llevan el peso dramático de la narración, resultan interesantes y empáticos, y Bad Ape (Steve Zahn) resulta una vis comica efectiva, aunque se nota un poco forzada, como que los realizadores lo metieron para evitar que la película fuera demasiado oscura para el mainstream.  Harrelson está excelente en su papel, aunque he de decirlo,se parece bastante a otros personajes que ha interpretado antes. Aun así, la película se siente bien actuada, tanto por humanos como por antropoides.

    La música también está padre y le da a la película un toque épico en el que la confrontación entre los dos bandos es muy clara. El score compuesto por Michael Giacchino utiliza sonidos militares para las escenas de los humanos y ritmos más tribales para las de los simios.

    Finalmente, me encantó la fotografía. La forma en que ésta logra integrar el paisaje como un elemento más de la narración es impactante. Lo que pude ver como espectador fue un mundo salvaje y prístino convirtiéndose en el botín disputado por las dos especies ‒ya sé que entre los simios hay cuatro especies diferentes, lo digo en sentido figurado‒; vamos, uno entiende que quieran quedarse con este nuevo mundo. Lo que también me pareció interesante es que, a pesar de que la peli se ofrece en formatos 3D y 4DX, se filmó en 2D y la conversión se hizo en laboratorio. Y no sé por qué; pero como que las tomas en gran angular se ven mucho mejor filmadas en 2D de origen.

    Ahora, los puntos malos.

    Para empezar, me quedé esperando la prometida “Guerra” por el planeta de los simios. Ésta no es una película de acción. Es más un melodrama de aventuras y, aunque sí hay algunas secuencias de acción, son más bien breves y en realidad son apenas unos cuantos momentos durante toda la película. La confrontación final está bien, a secas, pero me dejó sintiendo que le faltó punch; ni siquiera las coreografías son muy buenas ‒si ponen atención en el fondo, notarán cómo hay extras que no están haciendo nada‒ y creo que la pelea decisiva entre Caesar y Koba en la peli anterior fue mucho más impactante. Incluso otras confrontaciones en películas de la saga como los enfrentamientos finales en La conquista del planeta de los simios (Thompson, 1972), Batalla por el planeta de los simios (Thompson, 1973)‒que la verdad está algo chafona‒ o incluso el final del infumable remake de Tim Burton se sienten más épicas que éste. No sé, la verdad me quedó a deber.

    Del mismo modo, el ritmo de la película es demasiado parsimonioso; creo que hay secuencias que pudieron ser más cortas. La narrativa está muy padre, pero quizá el ritmo pudo ser más ágil. En general, toda la cinta se siente pesada y algo densa. Muchas de las secuencias del Coronel recaen más en el diálogo que en la acción. Es uno de esos villanos que habla demasiado. En sí, parece que el verdadero combate entre Caesar y su adversario se da a través de las palabras y no en una batalla campal como la que la película prometía. Y está bien, pero no se siente como una guerra… supongo que era poco comercial llamarla Conversación por el planeta de los simios.

    El guión está bien, a secas; con montones de huecos, pero nada grave. Empero,  la trama se siente poco original. El subtexto que se manejara de manera tan sutil e inteligente en la primera entrega de la saga o en La conquista… aquí se siente forzado y burdo. Los comentarios sobre temas políticos, la naturaleza humana y justicia social se sienten forzados y más bien parece que quien escribió el guión los metió en la película porque el público esperaba que estuvieran ahí y no porque de verdad aportaran algo a la cinta.

    Del mismo modo, la inclusión de elementos de la saga original, SPOILER como la aparición de Nova (Amiah Miller), la Bomba Omega, el hecho de que el Coronel sea sospechosamente parecido al gobernador Kolp o la reinterpretación de los mutantes TERMINA SPOILER, se siente poco trabajada y, al final, no termina de integrarse del todo con el resto de la película. Asimismo, al final la peli parece un pastiche que retoma elementos de La batalla por el planeta de los simios, con La conquista del planeta de los simios y un poquitito de Bajo el planeta de los simios con mucho de Apocalipsis (Coppola, 1979) y El gran escape (Sturges, 1963).

    El planeta de los simios: la guerra no es una mala película, por el contrario, creo que supera incluso a varias entradas de la franquicia original; pero ciertamente no llega al clímax de la saga que debería ser. Para tratarse de un final de trilogía es bastante blando y, en general se siente poco sincero. No voy a negar que me gustó bastante; pero creo que se debe más a que hay algunos elementos individuales que están muy bien trabajados que al producto final. SPOILER Y, francamente, me cayó muy gordo el paralelismo entre Caesar y Moisés TERMINA SPOLIER.

     Así pues, el Changómetro del Cinéfilo Incurable, que ubica las películas de la saga de El planeta de los simios de la peor a la mejor basándose únicamente en mi apreciación personal, queda como sigue:

9.- El planeta de los simios (Burton, 2001).

8.- Escape del planeta de los simios (Taylor, 1971).

7.- La batalla por el planeta de los simios (Thompson, 1973).

6.- El planeta de los simios: La guerra (Reeves, 2017).

5.- El planeta de los simios: (R)Evolución (Wyatt, 2011).

4.- Bajo el planeta de los simios (Post, 1970).

3.- El planeta de los simios: Confrontación (Reeves, 2014).

2.- La conquista del planeta de los simios ‒particularmente la edición extendida‒ (Thompson, 1972).

1.- El planeta de los simios (Schaffner, 1968).

 

PARA LA TRIVIA: Winter (Aleks Paunovic) es un gorila blanco. Esta idea fue rescatada del diseño original del general Thade para el remake de El planeta de los simios. Tim Burton decidió convertir a Thade en un chimpancé porque le teme a los simios y la idea de dirigir a un gigantesco gorila blanco le aterraba.

PARA LA TRIVIA GEEK: Los simios son llamados por los militares “Kongs” y los simios disidentes, “Donkeys”. Así pues, un simio que sirve a los humanos es un “Donkey Kong”.

 

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CLASE 1984

Class of 1984

 

Mark Lester, 1982

 

Cada cierto tiempo me da por descubrir alguna película prácticamente desconocida o que nadie recuerda y llevarme una sorpresa muy agradable. En el caso de esta cinta, la conocí por un artículo que leí en la revista Fangoria que me pareció muy interesante. Así que en cuanto pude la conseguí y la vi. Y quedé más que complacido. Francamente, creí que me sería una de ésas películas de Serie B que son básicamente pura explotación; pero estaba muy equivocado.

     Por principio de cuentas debo decir que no estoy seguro de cómo clasificar esta peli. En general, es considerada como una película de terror; pero me da la impresión de que la ubicaron en esa categoría por no saber en qué otro pasillo del videoclub cabía. Tiene un par de elementos de película de horror; pero al mismo tiempo tiene cosas de película de acción, específicamente del subgénero que me ha gustado llamar “violencia urbana” ‒del cual cintas como Vengador anónimo (Winner, 1974) o El vigilante (Lustig, 1983) son claros ejemplos‒; el tercer acto es mucho más cercano al subgénero de Venganza por Violación[1] y en general todo es una suerte de melodrama clásico más llevado hacia el thriller.

    La película cuenta la historia de Andrew Norris (Perry King), un nuevo profesor de música que es transferido a una escuela preparatoria del centro de la ciudad. Norris tiene la capacidad para superar la apatía de los estudiantes, tiene el entusiasmo para que las frecuentes confrontaciones con ellos no lo disuadan y tiene la vocación suficiente para saber guiar a los chicos desorientados que abundan en la escuela. Habrá que ver si tiene lo que hace falta para hacerle frente a Peter Stegman (Timothy Van Patten), un delincuente juvenil matricluado en la escuela, y su banda de punks, que han sumido al campus en un reino de terror. ¿O acaso será que estos muchachos necesitan mucho más que disciplina?

    Quizá lo más interesante y lo más triste de esta película es la forma en la que predijo el futuro. Los detectores de metales en las entradas de las escuelas públicas eran una cosa de ciencia ficción en 1982 e incluso hubo quien, en su época, tachó a la película de ridícula. Del mismo modo, un nivel de bullying que llevara a la víctima al suicidio, los estudiantes que amenazaran a sus profesores o el narcomenudeo al interior de las escuelas eran cosas difíciles de creer. De hecho, varias escenas de la peli tuvieron que ser reeditadas para evitar la temida clasificación X (para mayores de 21 años, lo que básicamente se convierte en un asesinato comercial de cualquier película en la taquilla de EE.UU.).

    El guión de la película es bastante bueno y aun cuando muestra situaciones extremas, éstas siguen siendo creíbles. La progresión en los personajes es orgánica y uno no puede sino simpatizar con el protagonista, quien ha vivido una especie de Viaje del Héroe, cuando se decide a enfrentar a los alumnos en la escena climática de la película.

    Por cierto que, precisamente debido a esa escena, en la que un profesor somete a uno de sus estudiantes y le amputa el brazo con una sierra de banco, la película fue prohibida en algunos países y gravemente censurada en tantos otros. Y ésa es sólo una de tantas “bellezas” que se muestran en pantalla cuando un hombre bueno es llevado más allá de sus límites.

    Y hablando de hombres buenos, el conmovedor personaje del profesor de Biología, Terry Corrigan, interpretado por el siempre genial Roddy McDowall ‒quien hizo tan buen trabajo en sus papeles de Cornelius y Caesar en la saga de El planeta de los simios (1968-1973) que seguramente no lo recuerdan por ellos‒ es uno de los personajes secundarios más interesantes que haya visto en una película. ¿Qué tuvieron que hacerle sus alumnos a este profesor para que decidiera secuestrar a un grupo y hacer un repaso a punta de pistola?

    Las actuaciones de casi todos son bastante buenas. Tanto King como McDowall y Van Patten se lucen en sus personajes y uno de verdad llega a interesarse por ellos. La escena en la que Norris visita la casa de Stegman es casi una clase de actuación de parte de los dos rivales, además de una vuelta de tuerca que, si bien es bastante predecible, no por ello deja de ser efectiva. Y por favor, no se pierdan la segunda incursión en la pantalla grande de un jovencísimo Michael J. Fox.

    La música es interesante. Alice Cooper lanzó el sencillo I am the Future en 1982, de manera paralela al estreno de la película, y éste tuvo un recibimiento más bien pobre por parte del público. La canción fue incluida como tema principal de la cinta, lo que básicamente la salvó del olvido… aunque tampoco es una película escandalosamente popular. Como sea, tanto el tema de Cooper como el score compuesto por el legendario Lalo Schifrin son más que adecuados para la película.

    Quizá el único departamento que sí queda a deber es la realización en general. No es que esté mal, es simplemente que a la película sí le llega a doler la falta de presupuesto. La fotografía es buena a secas; pero de repente desmerece por la iluminación. Aun así, hay una propuesta interesante en ella, como el hecho de que casi todas las secuencias de Van Patten fueron filmadas en un ángulo contrapicado para que su personaje luciera más amenazante.

    Del mismo modo, los stunts se ven un poco chafas en algunas partes. En general todas las escenas de acción están más o menos bien logradas y la escena del ataque vandálico al laboratorio de Biología lo deja a uno con un nudo en la garganta; pero la verdad es que sí se nota que podrían haber echado mano de un poco más de recursos. Por cierto, que McDowall sí condujo el auto con el que trata de atropellar a Stegman y su pandilla, y el concierto de piano que toca Stegman fue escrito por Van Patten.

    Por otro lado, la película fue filmada casi enteramente en locación. Los graffitti con los que la producción llenó las paredes de la escuela en la que se filmó la cinta fueron muy difíciles de remover y causaron constantes quejas de parte del alumnado.

    Clase de 1984 es una película interesante que, por debajo del sensacionalismo y la violencia, puede llevarnos a la reflexión, el autoanálisis y el cuestionamiento ético. Es una lástima que esta producción americana-canadiense haya quedado prácticamente en el olvido. De hecho, a los productores les costó trabajo conseguir una compañía que quisiera distribuirla en EE.UU. debido a los temas fuertes que trata y la gran cantidad de violencia que maneja le restaban atractivo comercial. A final de cuentas es, junto con tantas otras películas más o menos de la época, un vívido retrato del terror y la incomprensión que la sociedad sentía por la Generación X… que en los 90 ya se volvió mainstream.

PARA LA TRIVIA: Muchas escenas de la película fueron escritas basándose en historias reales de violencia escolar que el director Mark L. Lester había leído en periódicos. De entre todas, llama la atención la historia de un profesor que llevó una pistola a clase para controlar a sus alumnos, misma que se convirtió en una de las escenas más icónicas de la película.

 

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[1] Para más información sobre el subgénero de Venganza por Violación, sírvanse leer este excelente artículo de la página Mujeres artistas.

SPIDER-MAN: DE REGRESO A CASA

Spider-Man: Homecoming

 

John Watts, 2017

 

Sé lo que están pensando: “Ahí va de nuevo el Cinéfilo Incurable a decir que no le gustan los superhéroes”; bueno, pues déjenme decirles que hay cuatro que sí me gustan y mucho. En ese orden: Spawn, Batman, Spider-Man y Witchblade.

    Si mal no recuerdo, mi primer acercamiento a las aventuras del Amigable Vecino fue la serie de dibujos animados de principios de los 80, en la que no sólo se enfrentaba a villanos clásicos como El Buitre, el Dr. Pulpo o el Duende Verde; sino que tomaba prestados villanos de otras series de Marvel como el Dr. Doom o Calavera Roja. Más adelante, leí algunos cómics (estoy seguro de que tenía el comic de la primera aparición de Venom en la edición mexicana… me pregunto dónde habrá quedado) y en 1994 me volví muy aficionado a la serie de dibujos animados de Fox Kids, que me sigue pareciendo la mejor que se ha hecho sobre el personaje.

    Y bueno, de ahí pa’l real he venido leyendo comics, jugando videojuegos y viendo películas sobre Spidey. Quizá en estos días no parezca mucho, pero la primera película de Spider-Man (Raimi, 2002) fue un hito en la historia del cine basado en comics y básicamente es, junto con las películas de X-Men de Bryan Singer, el antecedente directo del boom de películas de superhéroes que vivimos hoy.

     Ahora que Marvel Studios (o sea, Disney) ha llegado a un acuerdo con Columbia Pictures (o sea, Sony), quien tiene los derechos del Hombre Araña para las adaptaciones a la pantalla grande, para que le prestaran al personaje y así completar el Universo Cinematográfico Marvel, decidí darle una nueva oportunidad que le negué con la fallida saga de Amazing Spider-Man (2012-2014). Digo, después de todo, Disney rescató Star Wars… ¿o no?

    El Producto Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm de superhéroes para cines #016 sucede ocho años después de los eventos de la primera Avengers (Whedon, 2012). Stark Industries obtiene una licitación del Gobierno para recoger los escombros dejados por la invasión Chitauri a Manhattan al final de la mencionada Avengers, debido a que quieren evitar que la tecnología alienígena caiga en manos equivocadas. Esto saca del negocio a Adrian Toomes (el Michael Keaton más desperdiciado que he visto desde Voces del más allá [Sax, 2005]), quien roba los artefactos Chitauri. En una línea de tiempo con peor continuidad que la de La fea más bella (2006-2007), Toomes ha construido un par de alas mecánicas con tecnología alienígena y asume la identidad de El Buitre quien, con la ayuda de sus secuaces, el Hojalatero (Michael Chernus) y Shocker (Logan Marshall-Green/Bokeem Woodbine), planea robar los artefactos extraterrestres recuperados por los Avengers para vender armas de alta tecnología en el mercado negro. Pero Toomes no la tendrá tan fácil, pues el ahijado ‒en sentido figurado‒ de Tony Stark (Robert Downey Jr.), Peter Parker (Tom Holland), quien es en realidad el superhéroe conocido como Spider-Man, intentará detenerlo… o no.

    La verdad es que salí del cine sintiéndome muy insatisfecho con esta película… Lo cual quizá no sea tan malo, si tomo en cuenta que cuando salí de ver Spider-Man 3 (Raimi, 2007), la última peli del Héroe Arácnido que vi en el cine, me sentía timado y molesto. Me queda claro que Spider-Man: De regreso a casa no me estaba hablando a mí, me queda claro que su intención es venderle Spider-Man a la Generación Z, me queda claro que está basada en la serie de comics Ultimate Spider-Man más que en las series originales y me queda claro que al hablar de esta película quizá me esté volviendo más papista que el Papa. Pero también me queda muy claro que lo que vi en pantalla me dio una profunda sensación de desperdicio.

     La cinta dura casi dos horas y cuarto, y la verdad es que se hace larga. Sucede algo muy curioso: a diferencia de la primera Spider-Man, no se trata de una historia de “el origen de…”; así que no pierden tiempo contándonos de dónde salió Spidey, asumen que ya lo sabemos y es cierto. Pero tampoco usan ese tiempo en desarrollar personajes. Adrian Toomes resuelve convertirse en supervillano cuando la película lleva cinco minutos; Peter Parker no evoluciona para asumirse como Spider-Man, sino que el autorreconocimiento le llega de golpe, literalmente, cuando el techo de una bodega le cae encima; y la batalla final entre Spider-Man y El Buitre dura apenas unos minutos… ¿En qué carajos invirtieron dos horas y cuarto? Perdón, pero siento que la película estuvo procrastinando.

    Bien, desperdiciar el tiempo en pantalla puede ser tolerable… ¿Pero desperdiciar a los actores? Las breves intervenciones de Michael Keaton son maravillosas y uno se queda con ganas de ver más de él en pantalla ‒hasta donde puedo recordar, Keaton es el único actor que ha interpretado a un superhéroe y a un supervillano en la pantalla grande‒. Tom Holland también está muy bien como Peter Parker e incluso es un buen Spider-Man; pero nuevamente, está desperdiciado. ¿Sabían que Holland es bailarín de formación? De niño interpretó a Billy Elliot en el musical de Broadway, además de que recibió un arduo entrenamiento gimnástico ¿Pero acaso algo de eso se ve en pantalla? Si yo tuviera un actor con esas habilidades, lo pondría a hacer stunts de verdad frente a la cámara.

     Del mismo modo, Marissa Tomei está muy bien en el personaje que le dieron… que quién sabe cuál chingados sea, porque la tía May definitivamente no. Y creo que ése es el principal problema de toda la película. Los actores están muy bien, están haciendo su chamba de la mejor forma con el material de que disponen. El problema es que el material es malo desde un inicio. El planteamiento de los personajes es el que creo que está equivocado. La tía May simplemente no funciona y El Buitre es quizá el personaje que más respetaron con respecto a la fuente; pero lo vemos muy poco.

    Y luego está Spider-Man. ¡Qué forma de robarle la esencia a un personaje! Una parte importante del comic de Spider-Man era mostrar que para Peter Parker era difícil ser superhéroe; pero en la película es demasiado idiota. Prácticamente todas las hazañas que realiza el Amigable Vecino en pantalla son para salvar gente de estupideces que él mismo provocó. Sí, Parker era un jovencito nerdo y atolondrado, y eso en la peli se maneja muy bien… pero quizá se clavan en ello demasiado tiempo. También en los comics estaba presente el que otros superhéroes rechazaban a Spider-Man, de ahí que desarrollara una rivalidad con Johnny Storm cuando no lo dejaron entrar a los 4 Fantásticos ‒aunque para como está la franquicia cinematográfica de los 4 Fantasticos ¿quién querría entrar en ella? Jajaja‒ y creo que está bien manejado en la película.

   Odié los gadgets de Tony Stark en el traje de Spider-Man porque pues si tiene toda esta alta tecnología, ¿qué más da si tiene superpoderes o no? Es más, ni siquiera vemos que use su Sentido Arácnido en toda la película. Aunque eso sí, artefactos que usaba en los 60 y que después fueron abandonados por ridículos, como las alitas de telaraña y la Spider-Señal, regresan en esta cinta.

Creo que lo que más me fastidió de la peli y que me parece que sí le quita parte importante de su esencia a Spider-Man es todo el rollo de Tony Stark, que se pude dividir en dos. Por principio de cuentas ¿dónde está el tío Ben? O sea, ya sé que está tres metros bajo tierra; pero me refiero a que el tío Ben era la inspiración, la motivación y la figura paterna de Peter, y en la película todo eso lo vemos transferido a Stark. A Ben Parker ni siquiera lo mencionan.

    El otro fallo de la inclusión del Hada Azul, perdón, de Tony Stark/Iron Man en la trama es que despoja a Spider-Man de su derecho a ser superhéroe. Me explico: Gran parte del éxito primigenio que tuvo Spider-Man en los 60 se debió que era el primer superhéroe adolescente. A diferencia de otros chicos de los comics como Robin, quien era asistente de Batman, o Bucky Barnes, que era el compinche del Capitán América, Spider-Man era un superhéroe por derecho propio. No era el side-kick de nadie, era un chavito que tenía que resolver sus propios problemas, desde conseguir pareja para el baile de graduación hasta salvar al mundo. Y eso se pierde completamente cuando lo convierten en el protegido de Tony Stark.

    Otro elemento que es fundamental en las aventuras del arácnido y que gente como Todd McFarlane y Sam Raimi entendió muy bien es la Ciudad de Nueva York. Los rascacielos y callejones de Manhattan son un personaje más en los comics de Spider-Man y en esta película… en esta película la acción se traslada básicamente a Queens, Coney Island y Washington DC. Sí, Spider-Man en numerosas ocasiones sale de Manhattan y tan temprano como en el número 6 del comic original viaja a Florida para enfrentarse al Lagarto, y sí, hay un par de gags muy graciosos en De regreso a casa sobre cómo Spider-Man no puede colgarse de nada en Queens; pero ¿era necesario eliminar los rascacielos por completo?

    Creo que lo que más me gustó de la película fue la anagnórisis entre Peter Parker y Adrian Toomes. Es una gran escena que funciona maravillosamente no sólo a nivel dramático; sino a nivel cinematográfico y actoral. Sólo es una lástima que el mismo recurso se haya utilizado hace quince años en la primera película de Spider-Man con Peter Parker y Norman Osborn. Y también es muy lamentable que el conflicto entre Parker y Toomes sea mucho más interesante y complejo que la pelea final entre Spider-Man y el Buitre; SPOILER en la que el arácnido demuestra ser un superhéroe tan incompetente que ni siquiera puede derrotar al villano por sí mismo TERMINA SPOILER.

    La fotografía es rara, con un par de emplazamientos de cámara que son como de estudiante de primer semestre de cine y la música es bastante anodina, excepto por el tema de El Buitre.

    Así pues, la última incursión del Amigable Vecino en la pantalla de plata no acaba de convencerme y, francamente, siento que me quedó a deber. El tono es más jovial y la verdad es que sí me reí mucho, pero me quedó a deber. No en la realización; sino en el planteamiento, cuya reinterpretación innecesaria afecta incluso a personajes secundarios, como Flash Thompson (Tony Revolori), quien ahora inexplicablemente es hispano e inexplicablemente siente una inexplicable envidia por Peter Parker y ¡está en el equipo de Decatlón Académico! Y de MJ (Zendaya) mejor ni hablo. Me gustaría ver cómo evoluciona el personaje en las secuelas, si es que lo hace, porque este crossover entre Spider-Man y Salvados por la campana (1989-1992) sencillamente no funciona para mí.

PARA LA TRIVIA: La primera vez que Spider-Man y el Buitre se enfrentan, éste aparece dibujando su silueta contra la luna llena. Esto es una referencia a la escena en la que la Bati-ala dibuja la batiseñal al volar frente a la luna llena en Batman (Burton, 1989), protagonizada por Michael Keaton, quien interpreta al Buitre.

 

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