STAR WARS: LOS ÚLTIMOS JEDI

Star Wars: The Last Jedi

 

Rian Johnson, 2017

¿Alguna vez tuvieron uno de esos profesores que se la pasaban tratando de hacerse los graciosos contando chistes malos y que sólo daban ganas de que se callaran y dieran la maldita clase? Bueno, pues así se siente esta película. Hay algunas secuelas, como La masacre de Texas 2 (Hooper, 1986), que abiertamente son parodias de sus primeras partes, incluso hay algunas, como La novia de Frankenstein (Wale, 1935) o Gremlins 2: la nueva generación (Dante, 1990), que resultan geniales en ello. Pero no Los últimos Jedi. Ni siquiera creo que hayan intentado parodiar Star Wars deliberadamente, realmente no estoy muy seguro de qué fue lo que quisieron con esta película… además de vender juguetes, claro.

    Antes de empezar, quiero hacer tres aclaraciones: Primero, el texto tiene varios spoilers, mismos que he señalado debidamente, y puede leerse perfectamente saltándose esas partes. Segundo, que el canon de Star Wars me lo paso por el arco del triunfo, y sólo considero canon lo que se ve en pantalla en las películas. Todo lo que pasó, pasa o pasará en los cómics, videojuegos o series de TV queda fuera. Finalmente, que soy muy fan de Star Wars desde que estaba en la primaria, tengo videos que lo prueban; pero que sea fan no quiere decir que no tenga criterio o que sienta la necesidad de defender a ultranza aquello que es indefendible.

    La historia continúa justo donde se quedó El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015) y sigue a Rey (Daisy Ridley), quien ha encontrado finalmente al autoexiliado Luke Skywalker (Mark Hamill), buscando entrenarse en las artes Jedi. Mientras tanto, la Resistencia dirigida por la generala Leia Organa (Carrie Fisher en su última aparición en pantalla) vive un momento crítico luego de que el intrépido piloto Poe Dameron (Oscar Isaac) lidera un ataque no autorizado en contra de la flota de la Primera Orden; lo que no sólo desencadena un feroz contraataque por parte de ésta, sino que también provocará un cisma en el que los miembros de la Resistencia sacarán lo peor de ellos mismos. Al mismo tiempo, Kylo Ren (Adam Driver) busca desesperadamente a Rey, con quien descubre un nuevo vínculo, para atraerla al Lado Oscuro.

    Si El despertar de la Fuerza fue una bonita fábula sobre el libre albedrío, Los últimos Jedi habla sobre las expectativas que los demás se hacen sobre nosotros y cómo éstas influyen, para bien o para mal, en la forma en que nos conducimos.

    Quizá el más grande acierto de esta película sea su propuesta estética. La mayoría de las cosas en pantalla se ven geniales ‒incluso esas escenas que ni siquiera parecen parte de una peli de Star Wars… digo, se ven fuera de lugar; pero están bien fotografiadas‒. Las batallas espaciales, las batallas en la superficie de los planetas, los vestuarios e incluso la mayoría del CGI se ve espectacular. Me encantó el diseño de la cámara del trono del Líder Supremo Snoke (Andy “Gollum” Serkis) y de sus guardias pretorianos.

     También está padre que la Primera Orden aprendiera de los errores del Imperio y que su versión de los AT-St’s pueda saltar y sus AT-M6’s (basados en los AT-AT’s) tengan las patas reforzadas… al menos así se compensa que sigan poniéndoles puntos débiles evidentes a sus armas de destrucción masiva.

    SPOILER También me gustó mucho que finalmente se enfrentaran cara a cara Finn (John Boyega) y Phasma (Gwendoline Christie). La escena es breve, pero es espectacular y está a la altura de los contendientes. TERMINA SPOILER

    Y ya. Eso fue lo que más me gustó. La verdad es que el resto de la cinta me dejó más bien insatisfecho por las razones que expondré a continuación.

    El guión no me acabó de convencer. Por principio de cuentas, hay demasiados chistes forzados ‒por momentos sentía que estaba viendo una de las parodias de Padre de familia, sólo que sin gracia‒ que incluso llegan a abusar del slapstick, casi me sorprendió que no saliera Jar Jar Binks. Por otro lado, la mayoría de los diálogos se sienten forzados y acartonados, SPOILER incluso los textos de Luke y de Yoda (voz de Frank Oz) se sienten frívolos y mal trabajados TERMINA SPOILER. Hasta aquellos textos que son un poco más densos o que son importantes para la trama pierden su efectividad al ser rematados con algún chascarrillo innecesario.

    La narrativa se siente algo barata; pero, sobre todo, se siente tramposa. La historia está llena de vueltas de tuerca dentro de las vueltas de tuerca dentro de las vueltas de tuerca que, de todos modos, dejan a los personajes, al final de la peli, prácticamente como empezaron. En El Imperio contraataca (Kershner, 1980) la historia tampoco avanza mucho; pero por lo menos se dedica a profundizar en las relaciones entre los personajes y su desarrollo psicológico. SPOILER En Los últimos Jedi parece que quieren tomar esta dirección y se meten en una serie de vericuetos en la relación entre Rey y Kylo que, al final, terminan en nada. ¿No parecía que Ren se convertiría a luz y que Rey sería seducida por el Lado Oscuro? ¿No hubiera sido eso interesante? ¿No hubiera sido padre ver a los dos peleando en el mismo bando, fuera cual fuere? No. Según Johnson, quien también escribió la película, no lo era y al final, los dos terminan como empezaron TERMINA SPOILER.

    Del mismo modo, odio cuando las secuelas tiran por la borda lo que planteó la película anterior ‒Alien: Covenant (Scott, 2017), te estoy viendo a ti‒ y Los últimos Jedi lo hace con la más holgada despreocupación. SPOILER ¿Querían saber quiénes fueron los verdaderos padres de Rey? Créanme, la respuesta los decepcionará y Snoke se muere sin que sepamos quién era, por qué tenía tanto poder o cómo logró el advenimiento de la Primera Orden TERMINA SPOILER. También me fastidia un poco que casi todas las razas alienígenas que aparecían en la Trilogía Original parecen haberse extinto de repente.

     Y al menos ésas son las partes de la película que tienen cohesión. Toda la subtrama de la misión secreta de Finn y Rose (Kelly Marie Tran) se siente como un montón de cosas que van pasando y ya. A final de cuentas, a la película se le siente mucha paja, mucho relleno, muchas cosas sobran y las que sí deberían estar ahí no están; muchas cosas pasan sin tener una razón evidente y las motivaciones de los personajes son súper flojas.

    Eso sí, la cinta se compone en el tercer acto y mejora mucho; pero para ese momento el daño ya está hecho. En realidad, para lo poco que avanza la trama, el primero y segundo actos se sienten innecesarios. Y, de todos modos, el tercer acto termina en un epílogo que ni siquiera parece de una película de Star Wars y se siente completamente fuera de lugar.

    Lo que es más, para cuando la película terminó, sentí que había permanecido más de tres horas en el cine. La cinta dura sólo dos horas y media ‒aun así, es la película más larga de la franquicia‒. Cuando una peli se percibe más larga de lo que en realidad es, es una muy mala señal.

    Luego están el tono y el ritmo. Como lo mencioné arriba, la película está en un tono de comedia ramplona que simplemente no le va. Me da la impresión de que los realizadores buscaban hacer una cinta oscura y densa; pero les dio miedo alejar al público infantil y decidieron volverla “chistosa”. Aun con sus fallos, la historia que se cuenta es interesante, pero simplemente el tono no le ayuda nada.

    El ritmo de la cinta y la forma en la que finalmente fue montada son completamente frenéticos. Las tomas no tienen el tiempo suficiente para contar todo lo que deben y momentos que deberían ser emocionalmente profundos pasan casi desapercibidos debido a la prisa con la que se está contando la historia. Incluso la pirotecnia de las batallas pierde mucha de su magnificencia porque simplemente la película va demasiado rápido ‒esto también mejora un poco en el tercer acto‒. Es muy curioso ver cómo la narración va súper acelerada, pero al final de la peli se siente como si no hubiera pasado mucho… o sea, la película pierde el tiempo prodigiosamente.

    Así como el tono de la película no es el más adecuado, la dirección de actores también resulta poco eficiente. Como para adecuarse al alocado ritmo con el que se montaría la cinta, la mayoría de los actores están todo el tiempo en un tono casi histérico que, a la larga, no sólo se nota artificial y poco natural; sino que resulta cansino. No es que los actores sean malos, incluso algunos tienen momentos verdaderamente brillantes, sólo creo que el director no tuvo el mejor tino para trabajar con ellos. Incluso Laura Dern y Benicio del Toro ‒quien finalmente se integra a la saga, casi 20 años después de rechazar el rol de Darth Maul en Episodio I (Lucas, 1999)‒ se sienten desaprovechados y un poco fuera de juego.

    Honestamente, estoy muy en desacuerdo con quienes dicen que Disney echó a perder Star Wars… ese honor le corresponde a George Lucas. Y también creo que los realizadores de esta película cometieron muchos de los mismos errores que cometiera George Lucas con Episodio I y el resultado, al igual que el fallido inicio de la Trilogía de Precuelas de Lucas, quizá se convierta en parte de los menos memorable de la saga.

    Fin. No pasó nada. Ni se acabó el mundo, ni me pondré a despotricar en contra de Disney ni dejaré de consumir películas de una de mis sagas cinematográficas favoritas. Simplemente, creo que es una mala entrada de la franquicia y ya, ni siquiera es la peor. De todos modos, así como Leia se aferró a la esperanza hasta el final , siempre existe la esperanza de que la siguiente entrega de la saga sea mejor… después de todo, ya sacan estas madres cada año, ¿no?

    De tal suerte, el Starwarsómetro del Cinéfilo Incurable, que ordena las películas de la saga de la peor a la mejor únicamente con base en mi apreciación personal, quedaría así:

10.- Clone Wars (Filoni, 2008)

9.- Star Wars Episodio I: la amenaza fantasma (Lucas, 1999)

8.- Star Wars Episodio II: el ataque de los clones (Lucas, 2002)

7.- Los últimos Jedi (Johnson, 2017)

6.- Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith (Lucas, 2005)

5.- El despertar de la Fuerza (Abrams, 2015)

4.- Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016)

3.- El regreso del Jedi (Marquand, 1983)

2.- La guerra de las galaxias (Lucas, 1977)

1.- El Imperio contraataca (Kershner, 1980)

PARA LA TRIVIA: Según lo declaró en entrevista a la revista Fanity Fair, luego de leer el libreto de Los últimos Jedi, Mark Hamill le dijo a Rian Johnson: “Estoy fundamentalmente en desacuerdo con cada una de las decisiones que has tomado para este personaje.” y luego completó: “Ahora, ya que lo he dicho y lo saqué de mi pecho, mi trabajo es tomar lo que has creado y dar lo mejor de mí para realizar tu visión”.

 

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MIMIC

 

Guillermo Del Toro, 1997

Los insectos están realmente bien diseñados por la naturaleza. […] Pero no los encuentro admirables en su función, social o espiritualmente. Y creo que por eso les tememos, porque tienen una completa falta de emoción. Son verdaderos autómatas vivientes de la naturaleza.

Guillermo del Toro.

 

Existen dos versiones de esta película. La original de 1997 y la Edición del Director de 2011. La diferencia está en 6 minutos de escenas reinsertadas y extendidas, así como algunas secuencias alternativas que fueron cambiadas ‒muchas de ellas fueron filmadas originalmente por el director y cambiadas por los productores durante la edición‒ para acercar la película lo más posible a lo que del Toro propuso originalmente. Del mismo modo, el ritmo de la peli es un tanto diferente. Aun así, honestamente he de admitir que los cambios hechos en la Edición del Director logran aportar poco a la película que ya existía. Esta reseña es sobre la Edición del Director.

 

La primera película de Guillermo del Toro producida en EE.UU. fue una experiencia más bien desagradable para el director jalisciense. En la edición original de la película, uno casi puede tomar un marcador y trazar sobre la pantalla una línea en el momento justo en el que la dirección de la cinta le fue arrebatada a del Toro por los productores ‒más o menos cuando la peli lleva una hora y diez‒, quienes volvieron a filmar una cantidad considerable de secuencias y montaron un corte final más orientado hacia el thriller de acción… y no sabían dirigir actores. Aun así, muchas de las ideas planteadas originalmente por el cineasta lograron colarse en la película… y, como para sacarse la espinita, muchas de ellas, sin importar si finalmente aparecieron en el filme o no, fueron recicladas en las novelas de la Trilogía de la Oscuridad (2009-2011), escritas por del Toro al alimón con Chuck Hogan.

    La película cuenta la historia de la Dra. Susan Tyler (Mira Sorvino, quien acababa de ganarse un Oscar como Mejor Actriz de Reparto), una entomóloga quien, por petición del Centro de Control de Enfermedades, creó un insecto híbrido que acabaría con las cucarachas de la Ciudad de Nueva York, mismas que eran portadoras de una terrible enfermedad que estaba diezmando a la población infantil. Tres años después, extraños asesinatos comienzan a ocurrir en los barrios bajos de Manhattan. Cuando el asesino parece no ser humano, sino estar relacionado con los experimentos de Tyler, ella, junto con su esposo, el Dr. Peter Mann (Jeremy Northam), y un variopinto grupo de personajes, deberá descender al inframundo de las cloacas y las estaciones del Metro para encontrar al responsable.

    Aun a pesar de los esfuerzos de Dimension Films por convertir la cinta del director mexicano en una película de acción con elementos de Sci-Fi Horror más del montón, y de acusarlo de “tratar de hacer una película de arte a partir de una película de bichos de Serie B”[1], Mimic logra sobresalir por la calidad de su factura. Aun los elementos que podrían ser clichés o lugares comunes de este tipo de películas, se ven contrarrestados por los sellos autorales del tapatío.

     Su obsesión por los insectos, los mecanismos de relojería, las crisálidas ‒la secuencia de los pabellones de cama del hospital fue odiada por los productores desde que se filmó‒, la iconografía religiosa ‒de hecho, una de las ideas originales para la peli era que los indigentes adoraran a los insectos mutantes como ángeles; pero fue descartada‒, el ámbar, la pérdida de la inocencia en los niños, la relación abuelo-nieto ‒aunque en esta peli casi parecen Gepetto y Pinocho‒, y las cuevas y túneles convierten esta reinterpretación del Mito de Frankenstein casi en una película de autor… digo, porque sin los recursos estilísticos del cineasta, la verdad es que no pasa de ser una nueva versión de El mundo en peligro (Douglas, 1954).

    Ahora, con todo y los recursos estilísticos y la visión de autor, la película no puede ocultar que no fue filmada en Nueva York. Se filmó en locación en Toronto y en estudio en Los Angeles, y las tomas de establecimiento en las que aparece la isla de Manhattan son claramente secuencias de archivo. También se nota que sus secuencias al interior del Museo Americano de Historia Natural no se filmaron en dicho recinto.

    El CGI también está medio chafón, incluso para la época. De hecho, mucho de lo que del Toro quería hacer con los insectos de la Cepa Judas no pudo lograrse debido a las limitantes de presupuesto. Los animatrónicos y efectos físicos, esos sí, se ven bastante bien, y el diseño de las criaturas está padre. Además, al menos en la Edición del Director, tienen el buen tino de no mostrar demasiado de ellas.

    En general, las actuaciones son buenas. Y es muy curioso, porque de verdad uno puede fácilmente distinguir las escenas en las que del Toro tuvo la oportunidad de dirigir a los actores y aquéllas en las que los dirigió alguien más. Siguiendo el paradigma de Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979), esta película sabe que los monstruos en la pantalla sólo son tan aterradores como los actores nos lo hacen ver ¡Y vaya si estos actores lo logran!

    Y es que también tienen con qué trabajar. Si bien el guión no va a ganar ningún premio por originalidad, creo que su fuerte está en otros aspectos más allá de la historia que trata de contar. Los personajes son interesantes, algunos un tanto estrafalarios, pero aún así creíbles, y las relaciones entre ellos son complejas y profundas.

    Del mismo modo, el guión desarrolla algunos juegos de opuestos muy funcionales. Por ejemplo, el hecho de que la mejor forma para los insectos de esconderse es a plena vista. O el niño Chuy (Alexander Goodwin) que, con su autismo, es más cercano a los insectos y es capaz de comunicarse con ellos de manera más eficiente que con los humanos. Está también la pareja de Susan y Peter quienes, por más que intentan, no pueden concebir un hijo, mientras que los insectos que crearon se reproducen de forma exponencial. La cuestión de que los insectos parecen máquinas ‒incluso sus garras suenan como si estuvieran hechas de acero templado, no mamen‒, pero son completamente orgánicos; a diferencia de los humanos que parecen orgánicos, pero utilizan máquinas para funcionar ‒como Peter, que está perdido sin sus anteojos‒.

    La fotografía es excelente. El veterano Dan Lausten (cuyos créditos incluyen películas como Pacto con lobos [Gans, 2001], Terror en Silent Hill [Gans, 2006] o La cumbre escarlata [del Toro, 2015]) logra consolidar una propuesta estética que utiliza los claroscuros como herramientas narrativas y que recibe mucha influencia de la pintura religiosa del Barroco. El trabajo de Lausten logra crear una atmósfera densa y claustrofóbica que le da un nivel más profundo de terror a la película. Es como si alguien tomara la propuesta de fotografía de La reliquia (Hyams, 1997) y la hiciera bien.

    A pesar del tortuoso camino que tuvo que recorrer, Mimic es una buena película, y significó un gran debut y una valiosísima lección para Guillermo del Toro. En su momento, fue bien recibida por la crítica… aunque no así por el público, quien al parecer no se sintió atraído por la propuesta de la cinta. De un presupuesto de 30 millones de dólares, en su corrida original en cines de EE.UU. la película recaudó 25 millones ‒es decir, ni siquiera recuperó su presupuesto‒; pero logró convertirse en una peli de culto con una nutrida y leal legión de fans y presentó al mundo a uno de los autores más influyentes del cine fantástico contemporáneo.

    La cinta generó dos secuelas que aparecieron directo para video: Mimic 2 (De Segonzac, 2001) y Mimic 2: centinela (Petty, 2003) en las que Guillermo del Toro no tuvo nada que ver.

PARA LA TRIVIA: El papel de Manny originalmente fue pensado para el actor argentino Federico Luppi, con quien del Toro trabajara en su opera prima, Cronos (1993). Por desgracia, el inglés de Luppi era más bien malo y los productores decidieron cambiarlo por el italiano Giancarlo Giannini.

 

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[1] Cfr. Del Toro, Guillermo y Marc Scott Zicree, Guillermo del Toro Cabinet of Curiosities. My Notebooks, Collections and Other Obsessions, Hamper Design, New York, 2013. P. 88

LA FORTALEZA

Fortress

 

Stuart Gordon, 1992

 

No tengo ningún reparo en decir que Stuart Gordon es uno de mis directores favoritos. De formación teatral, Gordon es en parte responsable por la popularidad de la que actualmente goza H. P. Lovecraft y me parece que hace un gran trabajo con actores, lo que le permite desarrollarse en casi cualquiera de los géneros que ha visitado; desde la comedia horrorífica de Herbert West, Re-Animador (1985), hasta el cine familiar de aventuras de Querida, encogí a los niños (escribió el guión, la dirección corrió a cargo del inepto profesional Joe Johnston, 1989); pasando por la acción-ciencia ficción de La fortaleza.

    La primera vez que vi la película fue en un autobús. Y la segunda, también… la tercera vez ya la vi porque la renté de un videoclub; pero si no fuera por eso, creo que esta cinta se hubiera quedado como una más en mi lista de las “exclusivas del autobús”.

    En el futuro (en el año 2017, de hecho), el gobierno de los EE.UU. ha implementado una ley que prohíbe a las parejas tener más de un hijo. El primer hijo del exmilitar John Brennick (Christopher Lambert con su voz de pato, a quien seguro recuerdan como Tarzán en Greystoke: La leyenda de Tarzán [Hudson, 1984] o como Raiden en Mortal Kombat [Anderson, 1995]) y su esposa, Karen (la guapa Loryn Locklin), nació muerto. Karen está embarazada de su segundo hijo y trata de escapar a Canadá para burlar a las autoridades estadounidenses. Sin embargo, justo en la frontera, el embarazo de Karen es descubierto y ella y John son arrestados y enviados a una cárcel de alta tecnología conocida como la Fortaleza. El complejo, concesionado a la empresa privada Men-Tel, se encuentra 30 pisos bajo tierra en medio del desierto, y cuenta con sofisticados y crueles equipos para contener y controlar a los prisioneros; por no mencionar que es dirigida por el maquiavélico director Poe (el siempre genial Kurtwood Smith, a quien seguro recuerdan como el malvado Clarence Boddicker en RoboCop, el defensor del futuro [Verhoeven, 1987]).

    La película originalmente sería un blockbuster de alto presupuesto (se habían calculado alrededor de 60 millones de dólares) protagonizado por Arnold Schwarzenegger, quien levantó el proyecto después de ver Herbert West, Re-Animador y quedar maravillado con ella. Sin embargo, Schwarzenegger abandonó el proyecto para estelarizar El último gran héroe (McTiernan, 1993), llevándose a los grandes inversionistas con él.

    La fortaleza que, de hecho, es una especie de remake de Condena brutal (Flynn, 1989), con Sylvester Stallone, y retoma un par de influencias de La conquista del planeta de los simios (Thompson, 1972), quizá sea una de las obras más débiles de Gordon. Durante su hora y media de duración en ningún momento puede quitarse ese aire camp que la envuelve. Las actuaciones están más o menos ‒hasta Smith, que suele ser bueno, queda a deber‒ y las motivaciones de los personajes son de lo más endeble; por no mencionar que los diálogos son completamente chiclosos y acartonados, y el guión tiene sendos huecos.

    ¡Pero cómo me gusta esta peli!

    Mientras Brennick se encuentra recluido en la prisión, su esposa y el director Poe recrean lo que puede ser entendido como una reinterpretación de la Bella y la Bestia… o de Scherezade y Las Mil y una noches, para el caso. Lo que le da un toque más de melodrama a todo el show.

    También hay algunos desnudos y una escena de sexo gratuito en la que… oh, esperen… ¿ésas son las pelotas de Christopher Lambert?…

    Y sí, quizá las actuaciones no son buenas, Lambert apenas si actúa ‒aunque Gordon logra sacar lo mejor de él, como antes lo hiciera Hudson‒, y Clifton Collins Jr. y Tom Towles están atrapados en los papeles más estereotípicos que les pudieron encontrar; pero al final creo que todo el conjunto funciona bien. Además, no se pierdan al buen Jeffrey Combs, el actor fetiche de Gordon, en su eterno papel de nerd, como D-Day… ¡Ahora con el cabello largo!

    A pesar de todo lo anterior y de que las limitantes del presupuesto saltan a la vista durante toda la peli ‒se ve que sólo construyeron un set del bloque de celdas y lo repiten ad infinitum a lo largo de la cinta, por ejemplo‒, la cinta logra hacer que el futuro que plantea sea creíble. A partir de sets bien diseñados y del uso de maquetas e ingeniosos efectos especiales, como la composición con pintura mate, la Fortaleza cobra vida, con sus monitores de pensamientos, sus celdas con barrotes láser, puentes retráctiles, giroscopios de tortura, camiones conducidos a control remoto y, las que quizá son las dos armas más interesantes de la película: el Intestinator y los Strike Clones.

    Algo que me gusta mucho de esta cinta es que introduce conceptos interesantes que le agregan “carnita” a todo el asunto. De la mano de buenos efectos de maquillaje, junto con la dirección de Gordon, quien se dio a conocer en el cine gore, la peli introduce los llamados “Intestinators”. Se trata de sádicos aparatos que son implantados en los intestinos de los presos y que, si éstos sobrepasan ciertas líneas marcadas en el piso, les causarán un dolor agónico para después hacerles estallar el abdomen.

    Los Strike Clones son los guardias de élite de la Fortaleza. Se trata de cyborgs controlados a control remoto por la computadora central, armados con ametralladoras de grueso calibre y lanzallamas. En el diseño de los Strike Clones puede notarse una marcada influencia de los Cylons de Galáctica (Colla, 1978); pero los Strike Clones se ven más rudos. SPOILER Además, nunca queda del todo claro, pero… ¿los Strike Clones son fabricados con los segundos bebés de las parejas que infringen la ley de un solo hijo? TERMINA SPOILER

    Así pues, creo que La Fortaleza comparte su mayor debilidad con tantas otras cintas de (o con elementos de) Ciencia Ficción: Está muy preocupada y se vuelve meticulosa en la construcción de un futuro verosímil para que lo habiten sus personajes y, cuando lo ha logrado, ya no sabe qué hacer con ellos. La segunda mitad de la cinta va cuesta abajo en cuestiones de profundidad y es sólo un juego de Gato y el Ratón… uno muy divertido, con algunas vueltas de tuerca bastante decentes, pero una corretiza al fin y al cabo.

    La recepción de la crítica fue variada; aunque en general la cinta fue catalogada como una más del montón. Por el contrario, la recepción del público fue extraordinaria, haciendo que esta peli, que costara tan solo 8 millones de dólares se embolsara casi 47 millones alrededor del mundo ‒bueno, en EE.UU. fue un fracaso que no pudo recuperar su presupuesto, pero le fue muy bien en el mercado internacional‒. La cinta generó una secuela (Fortress 2: Re-Entry [Murphy, 2000]) que no he podido ver, y una nutrida legión de fans alrededor del mundo. También, creo que es justo admitirlo, me parece que marcó el inicio de la debacle en la carrera del otrora Highlander como actor.

    Por cierto, las cárceles mexicanas hacen que la Fortaleza parezca un resort.

PARA LA TRIVIA: Christopher Lambert padece de miopía severa y no puede ver prácticamente nada sin sus anteojos. Como tampoco le es posible usar lentes de contacto, Lambert con frecuencia actúa sin ver, lo que ha ocasionado que se lesione en repetidas ocasiones mientras ejecuta sus propios stunts.

 

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INVASIÓN

Starship Troopers

 

Paul Verhoeven, 1997

Ahí estaba yo a los doce años, muy emocionado esperando el estreno de la prometida cuarta entrega de una de mis sagas cinematográficas favoritas desde que tengo uso de razón: Alien: la resurrección (Jeunet, 1997). En aquel entonces, las salas de cine eran muy diferentes de lo que son hoy. No había complejos gigantescos de 20 salas proyectando la misma cosa en un bucle infinito, ni había salas de cine en cada centro comercial de cada esquina. Mi papá me llevó el día del estreno a ver Alien: la resurrección y, como cabría esperarse, no alcanzamos boletos. Pero el cine no estaba tan cerca de mi casa y ya estábamos ahí, así que nos metimos a ver la película que estaban proyectando más o menos en el mismo horario en la sala de junto, una cinta que guerras en el espacio que prometía estar más o menos en el mismo tenor que las de la saga de Alien. Jamás me he arrepentido de esta decisión pues Invasión se convirtió en una de mis películas favoritas y, al día de hoy, la prefiero a la mencionada cinta de Alien.

    Basada muy libremente en la novela homónima de Robert A. Heilein, Invasión narra la historia de Johnny Rico (Casper Van Dien, en un papel que fue rechazado por Mark Wahlberg), un joven preuniversitario, y sus amigos. En el futuro en el que los chicos viven, los diferentes países de la Tierra se han unificado en una sola Federación militarista-fascista con duras leyes y una férrea disciplina para sus habitantes. La Tierra se encuentra en guerra con los Arácnidos, una especie de insectos gigantes de otro planeta con una inteligencia rudimentaria y sed de sangre. Rico se enlista en el ejército para cumplir con su deber como ciudadano y es enviado al frente sólo para descubrir las verdaderas atrocidades de la guerra contra los Arácnidos.

    Me sucedió algo muy extraño con esta película, que me impactó profundamente. Por un lado, no se parecía a ninguna otra película que hubiera visto antes y, por el otro, creo que era la película que siempre quise ver.

    La novela original de Heinlein es una crítica a la sociedad de EE.UU. en la década de 1950, cuyo relajamiento de la disciplina, según el autor, había conducido a la debacle social de la época. De hecho, el libro fue escrito en tan sólo unas semanas luego de que el Ejército de los Estados Unidos anunciara el fin de las pruebas de armas nucleares. Si Heinlein apoyaba las ideas fascistas/militaristas que expone en su novela más exitosa o si sólo las utilizó para ilustrar su punto, sigue siendo materia de debate.

    La película, dirigida por el director de RoboCop, el defensor del futuro (1987) y Vengador del futuro (1990) ‒por cierto, algunos decorados de dicha película fueron reciclados para ésta‒, es una sátira del militarismo, el fascismo, la glorificación de la guerra y la cobertura que los medios de comunicación hacen de los conflictos bélicos. Ya desde los primeros dos minutos, la cintaa lo deja bastante claro y se sigue durante sus dos horas de duración exponiendo situaciones absurdas en el tono más serio posible y parodiando escenas de la famosa película de propaganda nazi El triunfo de la voluntad (Riefenstahl, 1935), así como de las filmaciones de la Guerra de Vietnam.

     Por desgracia, una gran mayoría del público y gran parte de la crítica no entendió el chiste y tacharon inmediatamente a la película de fascista y de estar promoviendo justo aquello de lo que en realidad se estaba burlando; convirtiendo esta cinta en el segundo strike para la carrera de Paul Verhoeven en Hollywood ‒el primero había sido la infame Showgirls (1995) que, de hecho, el holandés firmó con seudónimo y el tercero el monumental fracaso de taquilla El hombre sin sombra (2000)‒.

    La cinta, que rápidamente se convirtió en una de culto, básicamente toma el texto de Heinlein y lo utiliza para introducir su propio discurso. La trama sigue más o menos el argumento de la novela, aunque difiere en puntos clave. Por ejemplo, en la peli se dejan fuera los trajes cibernéticos que los soldados utilizaban en batalla ‒por el contrario, en el OVA producido por Bandai en 1988, la atención se enfoca en los trajes, pues se trata de un anime de mechas‒; Juan «Johnny» Rico, de origen filipino, se convierte en Johnny Rico a secas, argentino; el personaje de Dizzy Flores (en la película, la guapa Dina Meyer) se transforma del mejor amigo de Johnny en su amiga e interés romántico; el sargento Zim (Clancy Brown) pasa de asiático a alemán ‒anécdota curiosa, por cuestiones de exotismo, en el OVA Zim es negro‒; en la novela, los Arácnidos son una raza inteligente y utilizan armas de plasma y naves en el campo de batalla; y la raza extraterrestre conocida como Skinnies (en español “flaquitos”), humanoides altos, desgarbados, de color verde y escasa inteligencia, que fuera enemiga de la Tierra pero que fue derrotada por ésta y se convirtió en su aliada, desaparece por completo. Quizá la principal diferencia entre la novela y la película es el final anticlimático de aquélla que, si bien sigue el ascenso de Rico desde soldado raso hasta oficial, se empeña por mostrarlo como un combatiente más, un pequeño engrane en la enorme maquinaria de guerra que es la Infantería Móvil.

    Creo que algunos de los elementos por los que la peli, que tiene una marcadísima influencia de Aliens: el regreso (Cameron, 1986), funciona tan bien son el guión y la narrativa. Si uno pone atención, se dará cuenta de que, en realidad, los Arácnidos aparecen poco, pues la peli se enfoca más en explorar las relaciones entre los diferentes personajes y, francamente, creo que le funciona bastante bien.

    Ahora, esto no quiere decir que las escenas de acción sean dejadas de lado completamente; sino que más bien son dosificadas a lo largo de la cinta y, en general, se ven espectaculares. El genio de la animación Stop Motion Phil Tippett, quien participara en películas como la ya mencionada RoboCop o Parque Jurásico (Spielberg, 1993), fungió en esta cinta como co-productor y estuvo a cargo de las animaciones en CGI de los arácnidos, mismas que le valieron a la cinta una nominación al Oscar por efectos visuales ‒mismo que perdió frente a Titanic (Cameron, 1997)… ‒.

    Los efectos de los arácnidos son geniales y la verdad es que, aún hoy día, se sostienen bastante bien. El resto de los efectos digitales quizá no funcionan tan bien. Esto se debe a que Tippett sólo estuvo a cargo de los arácnidos, mientras que los efectos de naves, explosiones, rayos, etc. Se delegaron a otras seis compañías de efectos visuales más pequeñas.

    Los arácnidos animatrónicos que aparecen en la cinta, por su parte, fueron creados por el equipo de Alec Gillis y Tom Woodruff Jr., quienes fueran responsables por los xenomorfos de la saga Alien desde Alien 3 (Fincher, 1992) hasta Aliens vs Depredador 2 (Hnos. Strause, 2007).

    Excepto quizá por el siempre genial Michael Ironside ‒a quien quizá recuerden de la serie de TV V: Invasión extraterrestre (1983-1984) o de películas como Scanners (Cronenberg, 1981) y Vengador del futuro‒ y de Meyer, las actuaciones están lejos de ser brillantes. Nuestro querido Neil Patrick Harris “Doogie Houser” está más o menos y el resto del elenco lo calificaría como “cumplidor”. Sin embargo, el resultado final es bueno, los actores tienen química en pantalla y el cast mantiene un tipo físico de niños güeritos y bonitos que apoya la crítica al fascismo… aunque todos se ven bastante grandecitos para ser prepos.

    Otro gran elemento de la cinta es el soundtrack compuesto por el frecuente colaborador de Verhoeven, Basil Poledouris y quien es responsable por el que, a mi gusto, es el mejor soundtrack de todos los tiempos: el de Conan, el bárbaro (Milius, 1982). En esta ocasión, la banda sonora de Poledouris logra crear un ambiente bélico, futurista y épico que acompaña perfectamente a las imágenes en pantalla. Mis temas favoritos: Klendathu Drop y Hopper’s Canyon.

    Por cierto, no sé pierdan el cameo de la hija de Basil Poledouris, Zoë, como la cantante en la fiesta de graduación.

    Creo que el tiempo ha demostrado que el mainstream se apresuró en juzgar a Invasión. Se trata de una buena película de acción con elementos de ciencia ficción y que lleva por todas partes el humor sarcástico y ácido, y la propuesta de cine de ultraviolencia de su director, uno de esos pocos autores que han logrado llevar el cine de género a niveles completamente nuevos de profundidad.

    La película ha generado una leal y nutrida legión de fans que han seguido su legado a través de cómics, una serie de animación CGI, varios videojuegos, un juego de mesa, dos líneas de juguetes ‒las figuras de acción de 5” producidas por la extinta Galoob son espantosas‒ y 4 secuelas de diversas calidades: Invasión 2: Héroe de la Federación (Tippett, 2004), que deja un poco de lado la guerra a gran escala y se centra en la aparición de Arácnidos espías; Invasión 3: Merodeador (Neumeier, 2008), que ve el regreso de Casper Van Dien a la saga, incorpora por primera vez los trajes cibernéticos a las películas y plantea la existencia de un insecto dios, además de tener efectos digitales de risa loca; Invasión 4 (Aramaki, 2012), animada completamente en CGI, y protagonizada por la capitana Carmen Ibañez en su búsqueda de una nave de la Federación perdida tras la batalla; e Invasión: Traidor en Marte (Aramaki y Matsumoto), también animada completamente en CGI, en la que Johnny Rico (voz de Casper Van Dien) es asignado para trabajar con los nuevos reclutas de la Federación en una estación en Marte y Dina Meyer regresa a la saga para interpretar la voz de Dizzy Flores.

 

PARA LA TRIVIA: En la novela de Heinlein, las descripciones de los Arácnidos son vagas y simplemente se refiere a ellos como “arañas gigantes”. El diseño de los Arácnidos para la película está basado en un diseño preliminar que Phil Tippett hiciera para la segunda fase en la evolución de los Graboids de la película Terror bajo la tierra 2 (Wilson, 1996); pero que nunca se usó.

 

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MIS VILLANOS FAVORITOS 2

Aquí van los primeros cinco lugares en mi Top Ten de villanos favoritos… disculpen la obviedad del primer lugar.

 

5.- The Joker

Primera aparición: Batman (Burton, 1989)

Interpretado por: Jack Nicholson, Heath Ledger, Jared Leto

Curiosamente, la inspiración para crear al archienemigo del Hombre Murciélago fue, de hecho, un personaje cinematográfico. El Guasón, creado por Bob Kane, Bill Finger y Jerry Robinson está basado en el personaje de Gwynplaine (el maravilloso Conrad Veidt) de la película El hombre que ríe (Leni, 1928).

    Las interpretaciones del Príncipe Payaso del Crimen en la pantalla grande son variadas. Desde lo estrambótico y macabro de Jack Nicholson hasta lo francamente chafa y absurdo de Jared Leto, pasando por lo oscuro y desesperanzador de Ledger. Como sea, casi en cualquiera de estas encarnaciones, el Guasón se convierte en una fuerza siniestra y antítesis de Batman que lo equilibra y lo pone en contacto con su propio profundo lado oscuro. Si un solo hombre puede salvar a Gotham City, también un solo hombre puede destruirla.

 

4.- Maléfica

Primera aparición: La bella durmiente (Geronimi, 1959)

Interpretada por: Eleanor Audley (voz), Angelina Jolie

El personaje de Maléfica está inspirado, principalmente, en la bruja Carabosse, que escribiera el director y libretista ruso Ivan Vsevolozhsky para el ballet La bella durmiente, de Piotr Tchaikovski. Antes del ballet, simplemente era “el hada mala” que maldecía a la hija recién nacida de los reyes por no haber sido invitada a su bautismo. Los guionistas de la versión cinematográfica producida por Walt Disney decidieron dar un pasito más allá y convirtieron a Maléfica en algo así como la Maldad encarnada.

    Así, el hada mala no sólo es rencorosa; sino que se trata de una hechicera de gran poder que comanda un ejército de goblins y que puede convertirse en un inmenso dragón que escupe fuego.

    Y bueno, luego llegó la versión Live-Action y le dio en la madre a todo.

 

3.- Clarence Boddicker

Primera aparición: RoboCop, el defensor del futuro (Verhoeven, 1987)

Interpretado por: Kurtwood Smith

Boddicker podría sólo ser el jefe de una banda de asaltantes de bancos, o podría sólo ser socio de una operación de drogas. Sin embargo, cuando la corporación OCP planea construir la moderna Delta City sobre algunos distritos de la antigua Detroit, el sádico genio criminal y asesino de policías, encubierto por el vicepresidente de la compañía, planea tomar el control sobre toda la actividad criminal de la vieja ciudad.

    El sanguinario villano de RoboCop, no tiene realmente una justificación para su maldad; es malo porque puede serlo… y le gusta. La excelente actuación de Kurtwood Smith convierte el personaje que podría haber sido una caricatura (como todo en el remake) en un villano de miedo.

 

2.- Hannibal Lecter

Primera aparición: Cacería humana (como «Hannibal Lecktor». Mann, 1986)

Interpretado por: Brian Cox, Anthony Hopkins, Aaran Thomas y Gaspard Ulliel.

Apodado por Stephen King “el Drácula de la era de los teléfonos celulares”, el Dr. Hannibal Lecter fue un brillante psiquiatra forense cuya genialidad rebasó el límite de la locura y lo llevó a convertirse en asesino serial y caníbal. La sociopatía de Lecter no encaja con ningún perfil psicológico conocido.

    El sofisticado y culto Dr. Lecter con frecuencia es contactado por el FBI para solicitar su ayuda en casos difíciles; sin embargo, su profundo conocimiento de la psique humana, su carisma y su increíble astucia lo vuelven tan peligroso como los asesinos que la agencia gubernamental intenta atrapar, aun cuando se encuentra recluido en instituciones especializadas.

 

1.-Darth Vader

Primera aparición: La guerra de las galaxias (Lucas, 1977)

Interpretado por: Dave Prowse, Spencer Wilding y Daniel Naprous / Voz de James Earl Jones

Anakin Skywalker debía ser el paladín de la Fuerza, el héroe que lideraría a los caballeros Jedi en la lucha contra el Lado Oscuro. En vez de eso, se convirtió en un poderoso Lord del Sith que ayudó a exterminar a los Jedi durante el advenimiento del Imperio Galáctico. Tras una encarnecida batalla contra su antiguo mentor, Obi-Wan Kenobi, gran parte del cuerpo de Vader tuvo que ser reemplazada con piezas biónicas, convirtiéndolo en un arma imparable cuya sola mención causa terror en la galaxia.

    La figura de Vader es la de un héroe trágico cuyo viaje parecía haber terminado en la oscuridad, hasta que alcanzó la redención gracias al amor por su hijo.

 

Espero que les haya agradado el conteo de este mes. ¿Cuáles son sus villanos favoritos de la pantalla grande? ¿Cuáles faltaron en la lista? ¡Cuéntenme!

 

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MIS VILLANOS FAVORITOS

 

¿Recuerdan cuando las películas de super héroes tenían villanos de verdad? Te estoy viendo a ti, Wonder Woman (Jenkins, 2017)… Ya en serio, creo que uno de los puntos flacos de muchas películas actuales de diversos géneros es que los villanos suelen ser de lo más insulso.

     Me puse a pensar entonces en qué atributos le pondría yo a mi villano ideal y, como la forma natural en la que uno aprende es imitando, seleccioné a mis diez villanos favoritos del cine. Traté de escoger a los megalómanos y a quienes representan una amenaza en gran escala, dejando un poco de lado, que no del todo, a slashers, monstruos y entidades sobrenaturales. Ésos serán tema para otro listado.

    Del mismo modo, aun cuando se trate de personajes cuyo origen se vio en otros medios, en esta lista me estaré refiriendo únicamente a sus intervenciones en la pantalla grande.

    De tal suerte, aquí están, en orden ascendente, mis chicos malos predilectos. Recuerden que esto se basa únicamente en mi apreciación personal y, más que cualquier otra cosa, la escribí con el objetivo de divertirnos un rato.

    ¡Ah! Y todo el artículo contiene spoilers.

10.- Dr. Evil

Primera aparición: Austin Powers (Roach, 1997).

Interpretado por: Mike Myers

Muchas películas han intentado mofarse del formulismo del cine de agentes secretos; pero pocas lo han logrado con tanta gracia como Austin Powers ‒la primera película, al menos‒. Aunque las películas actuales de superhéroes se nieguen a entenderlo, un héroe sólo es grande en función del villano a quien tiene que enfrentar. En este caso, se trata de un científico malvado, megalómano y atolondrado de los 60 que se encuentra como pez fuera del agua en la década de 1990.

    Esta adorable parodia de los archienemigos del agente 007, el Dr. Julius No y el jefe de la organización SPECTRE, Ernst Stavro Blofeld, es también un compendio de los clichés de villanos megalómanos del cine y de referencias a la cultura pop de la década de 1960. El Dr. Evil deberá aprender cómo ser un villano en el albor del nuevo milenio, además de cómo ser el padre de un muchacho de la Generación X.

9.- Scar

Primera aparición: El rey león (Allers y Minkoff, 1994)

Interpretado por: Jeremy Irons (voz)

Basado en Claudio, el rey usurpador de Dinamarca en la obra de William Shakespeare, Hamlet, Scar es el cobarde, mentiroso y traicionero hermano menor del rey Mufasa, y está convencido de que tiene derecho a heredar el trono. Scar cometerá los actos más despreciables para demostrar que tiene razón.

    Por desgracia, el león de oscura melena descubre que llevar la corona es mucho más que saciar su propia codicia y autocomplacencia. La ambición del usurpador lo lleva también a escoger muy mal a sus amistades y a celebrar alianzas que podrían ser menos convenientes de lo que parecen.

    Aun cuando el de El rey león es uno de los mejores doblajes al español que puedo recordar, la película es simplemente deliciosa en su idioma original, con la voz del actor shakespereano dándole vida al villano.

8.- Adrian Veidt “Ozymandias”

Primera aparición: Watchmen: los vigilantes (Snyder, 2009)

Interpretado por: Matthew Goode

Sí, la versión cinematográfica de Watchmen se toma sendas licencias con respecto a la obra original de Alan Moore, Dave Gibbons y John Higgins. Sí, el plan de Ozymandias era diferente. Sí, quizá por su tipo físico Matthew Goode no sería nuestra primera opción para interpretar a Veidt, de hecho, se ve que el traje con músculos le queda grande… pero en esencia el personaje es el mismo. Se sigue tratando de un súper héroe tan celoso de su deber de salvar a la humanidad que llega a comprender que, para evitar la muerte de miles de millones de personas y detener el inicio de la Tercera Guerra Mundial, debe sacrificar las vidas de unos cuantos millones. Con Ozymandias, la delgada línea que separa al superhéroe del supervillano se borra por completo.

    A diferencia de otros villanos de esta lista que están inspirados en personajes de los cómics, Adrian Veidt no posee superpoderes gracias a algún evento casual en su vida o al capricho de la genética. Ozymandias es el hombre más inteligente del mundo, así como también el más rápido y el más fuerte, lo cual ha logrado gracias a un durísimo entrenamiento, que le permitió incluso detener balas con sus propias manos.

    Además, Veidt es el dueño de una millonaria corporación internacional que capitalizó el salvar al mundo, convirtiéndolo en un negocio más que redituable, así como también creó un imperio del merchandising alrededor de los Watchmen.

7.- Eric Lensherr “Magneto”

Primera aparición: X-Men (Singer, 2000)

Interpretado por: Ian McKellen, Michael Fassbender

¿Cuál es la línea que separa a un héroe de un villano? En el caso de Lensherr es difícil saberlo. La raza humana está evolucionando, lo que lleva a la aparición de mutantes con poderes sobrehumanos a lo largo y ancho del globo. Habiendo sido prisionero en un campo de concentración durante su niñez, Lensherr tiene el poder de manipular metales de cualquier tipo, ya sean microscópicos o tan grandes como el puente Golden Gate, a distancia y está convencido de que los mutantes son una raza superior destinada a heredar la Tierra… aun si tienen que tomarla por la fuerza.

    Una de las virtudes que hacen de Magneto un gran villano es el hecho de que, si bien es un villano de melodrama, no es representado como tal; sino que lo convierten en un personaje profundo, complejo y, probablemente, más humano que los mismos humanos.

    La otra gran virtud es que, ya sea con McKellen o con Fassbender, el personaje suele estar muy bien actuado.

6.- Freddy Krueger

Primera aparición: Pesadilla en la calle del Infierno (Craven, 1984)

Interpretado por: Robert Englund, Jackie Earl Haley.

Cuando los vecinos de la calle Elm descubren que su vecino Fred es en realidad un sádico violador y asesino serial de niños, incendian su casa y lo queman vivo al interior de ésta. Pero Freddy está sediento de venganza y ‒según se revela en la infame La muerte de Freddy: la pesadilla final (Talalay, 1991) ‒ hace un trato con los ancestrales dioses del sueño para regresar de la ultratumba en el único lugar en el que los padres de los chicos no podrán protegerlos: sus sueños.

    Freddy Krueger es, probablemente, uno de los más grandes iconos del cine de horror y su fama lo ha convertido en un referente obligado de la cultura popular. La popularidad de Krueger ha alcanzado prácticamente todos los medios, desde los cómics hasta las figuras de acción, pasando por los videojuegos y una serie de TV.

     En las primeras películas de la saga, antes de convertirse en una especie de Punch que remataba todos sus chistes con la palabra “bitch”, Freddy era verdaderamente aterrador; y su sweater a rayas verdes y rojas, su garra de metal oxidado y su sombrero fedora chamuscado se convirtieron en una pesadilla recurrente para los chavitos de los 80.

 

Hasta aquí llegamos con el conteo de hoy. ¿Quiénes son los 5 primeros lugares entre mis villanos más queridos del cine? No se pierdan la segunda parte.

 

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LA RELIQUIA

The Relic

 

Peter Hyams, 1997

Hay gente a la que le encantan los museos, hay otros que los detestan; pero, ya sea que pertenezcas al grupo que los guardias de seguridad tienen que correr a la hora del cierre o al de los que no se pararían en un museo ni a punta de pistola, podremos coincidir en algo: un museo, con sus amplias salas sumergidas en penumbra, sus vitrinas con reliquias del pasado que parecieran listas para cobrar vida en cualquier instante y sus corredores cavernosos, puede ser también un lugar aterrador. Lo mismo pensó la dupla de escritores de novelas de aeropuerto integrada por Douglas Preston y Lincoln Child, pues su primer Best-Seller fue un thriller de ciencia ficción ambientado en un museo.

    La novela, escrita muy en el estilo de Michael Crichton, se siente como una especie de mezcla entre Jurassic Park (Spielberg, 1993) y Alien, el octavo pasajero (Scott, 1979), con un toquecito de El silencio de los inocentes (Demme, 1991). En el sentido literario no es nada del otro mundo; pero no voy a negar que me mantuvo sumergido en ella durante sus 450 páginas. El libro, como tal, fue un éxito de ventas que generó una secuela (El relicario, 1997) y dio inicio a la serie de novelas sobre las aventuras del agente del FBI Aloysius Pendergast.

    La película, que adapta la novela de manera un tanto barata, cuenta el caso de una serie de sangrientos asesinatos cometidos por una criatura desconocida que se oculta en los sótanos del Museo de Historia Natural de Chicago. El detective Vincent D’Agosta (Tom Sizemore en un papel para el que originalmente se pensó a Harrison Ford, aunque creo que le va más a Sizemore), con la ayuda de una antropóloga, la Dra. Margo Green (Penelope Anne Miller) deberá resolver el caso y detener a la bestia antes de la noche de gala en la que el museo inaugurará su más ambiciosa exposición.

    A mediados de la década de 1990, tratando de colgarse del éxito súper taquillero de Parque Jurásico, un montón de producciones de variados presupuestos lanzaron sus propias propuestas de “aventuras en la jungla con un toque de Sci-Fi/sobrenatural”. Películas como Congo (Marshall, 1995), El Fantasma (Wincer, 1996), Jumanji (Johnston, 1995), Garras (Hopkins, 1996) o La isla del Dr. Moreau (Frankenheimer, 1996) trataron y consiguieron, en mayor o menor medida, igualar el éxito de Juanito y los clonosaurios. La reliquia, que ya desde la novela se colgaba de la obra de Crichton, fue la apuesta de la productora Gale Anne Hurd (El exterminador [Cameron, 1984], The Walking Dead [2010-]) al subgénero. Y bueno, la acción no sucede en la selva, pero la bestia conocida como Kothoga ‒en la novela, Kothoga es el nombre de la tribu que la consideraba una deidad, el monstruo se llamaba Mbwun‒ viene de la Amazonia.

    Vi la película por primera vez casi cuando se estrenó ‒no en su estreno, pues su paso por la cartelera alrededor del mundo fue fugaz‒ y que me quedé con la impresión de que la historia sucedía en el Museo Americano de Historia Natural (Nueva York). Cuando la volví a ver más de diez años después descubrí, con cierta decepción, que la acción sucedía en Chicago. Pero ahora que leí la novela, ¡descubro que originalmente la historia sí está situada en el museo de Nueva York! Luego investigo un poco y me entero de que el Museo Americano de Historia Natural negó los permisos a la producción de la película para filmar en la locación debido a que el personal administrativo de la institución es representado de forma muy negativa y a que una película de monstruos podría asustar al público infantil de ir al museo… ¡Ay, por favor, tienen un Tiranosaurio!

    El planteamiento de la película es interesante. Como idea es original y creo que funciona. El problema está en su paupérrima ejecución.

    Por principio de cuentas el guión, escrito por cuatro personas diferentes, omite información del libro que es importante para comprender lo que está pasando; por no mencionar que se eliminan prácticamente todas las subtramas del texto original. Se cambia el orden de algunos eventos y se introducen elementos innecesarios ‒¿Por qué D’Agosta es supersticioso? ¿Qué aporta realmente a la historia?‒. Como para compensar, hay monólogos larguísimos y aburridísimos que sueltan y sueltan información, y que básicamente copiaron literalmente de la novela. Por supuesto, se sienten completamente fuera de lugar.

    Luego están los personajes. Con frecuencia, los autores de las novelas deciden tener muchos personajes diferentes para poder narrar una historia desde varios puntos de vista y dar más profundidad a la anécdota ‒le funcionó a Bram Stoker, ¿no?‒. Uno entiende, pues, que los tiempos narrativos de una película son diferentes a los de una novela y que algunos personajes deben ser dejados fuera; pero los guionistas de esta película se pasaron. El periodista William Smithback desaparece por completo; Pendergast desaparece y se fusiona con D’Agosta; los administrativos del Museo, Cuthbert, Rickman y Winston son reducidos a un solo personaje, la diminuta Dra. Cuthbert (la inconfundible Linda Hunt) y lo mismo pasa con el agente del FBI, Spencer Coffey y el director de seguridad del museo, quienes se convierten en un solo personaje que apenas si habla en toda la peli. Quizá lo peor es que los guardias del museo, McNally (John Kapelos) y Bailey (Tico Wells), fueron convertidos en un increíblemente fallido dúo cómico.

    En general, da la impresión de que los guionistas subestiman a su público, abaratando varias resoluciones del argumento. Por ejemplo, el inverosímil fanatismo del Dr. Frock (James Whitmore) que lo lleva a la muerte y que Green y D’Agosta básicamente prefieren perder el tiempo deliberadamente en vez de rescatarlo; el hecho de que la Dra. Green al final parece que es sobrina de McGyver; o la mutación del escarabajo que resulta bastante hilarante. Sobre todo, cambiándole los nombres a los personajes por unos más cortos y menos rimbombantes. Así, Julian Whitlessey se convierte en John Whitney (Lewis Van Bergen) y Greg Kawakita termina siendo Greg Lee (Chi Muoi Lo).

    Las actuaciones están más o menos, tirándole a menos y mientras Miller se encuentra en un tono grandilocuente y patético de melodrama victoriano, como queriéndose embolsar el Oscar en cada maldita secuencia en la que interviene, Sizemore parece completamente incapaz de demostrar emoción alguna. Su personaje no parece tener reacciones ante nada, ni siquiera cuando descubre un montón de cadáveres flotando en la bodega de un barco fantasma.

    Ahora bien, para compensar la falta de conexión de los actores con el texto y, sobre todo, la falta de reacciones de Sizemore, la película está musicalizada en un tono demasiado dramático. Así como para que el público se impacte con la música, ya que lo que se ve en pantalla no es impactante. Pero lo que resulta al final es que, en vez de impacto, la música se siente completamente fuera de lugar.

    Los créditos de Peter Hyams incluyen películas clásicas como 2010: el año en que hicimos contacto (1984, escritor, director y fotógrafo), Timecop: policía del futuro (1994, director y fotógrafo), El día final (1999, director y fotógrafo) o El cazador de dinosaurios (2005, director) ‒para este punto ya debieron notar que lo de “clásicas” era puro sarcasmo… aunque Capricornio Uno (1997) sí está chida‒; pero su trabajo en La reliquia me deja insatisfecho. En general, hay una prácticamente nula dirección de actores ‒cada quien está en su rollo, en algunos diálogos hasta parece que los actores fueron filmados por separado‒; hay secuencias que se notan mal planeadas ‒sobre todo, las tomas de establecimiento‒… incluso hay secuencias que son como ejemplo de clase de primer semestre de Cine sobre lo que no se debe hacer; así es, me refiero a esas escenas de conversación en las que, de hecho, se rompen ejes.

    Según lo cuenta en entrevista, Hyams tenía una pesadilla recurrente cuando niño en la que quedaba atrapado al interior de un museo y era acechado por un calamar gigante. Según comenta, se basó en dicho sueño para dirigir esta película. Debo admitir que hay algunas secuencias bien logradas y que sí generan suspenso; pero luego lo tiran todo por la borda con alguna secuencia chafona.

    Hyams también se encargó de la fotografía en esta peli… y también me parece que resulta fallida. Si bien hay algunas tomas muy padres con claroscuros muy interesantes y es un acierto mostrar poco del monstruo, hay escenas donde se le pasa la mano de oscuridad. Está bien que quiera crear suspenso, terror y ese sentimiento de claustrofobia en los sótanos del museo, pero… ¿secuencias completas en negro? ¿Cuál es el punto de hacer una peli en la que no se puede ver nada?

    Incluso el diseño de audio es más bien chafón. No sé si sea un defecto de la edición en Blu-Ray que yo vi para hacer este artículo; pero hay escenas en las que la mezcla de sonido no está bien hecha y el volumen de algunos efectos se bota de repente. Lo que de plano no tiene perdón es la secuencia en la que los invitados de la gala están tratando de escapar por los túneles debajo del museo y se encuentran sumergidos en agua hasta el pecho… sin producir sonido alguno.

    Al menos la estrella del show, el monstruo Kothoga, funciona bastante bien… el animatrónico, porque la versión CGI envejeció mal. La criatura, diseñada por Crash McCreery y construida por el Stan Winston Studio, es una representación bastante fiel, salvo detalles claro, de lo que Preston y Child describen en su libro. McCreery tomó como inspiración la anatomía de un león, un caimán, un caballo y una araña para crear su diseño que, según se sabe, fue una pesadilla para los actores que lo interpretaron. De todos modos, en la escena de la explosión se ve que el Kothoga es un actor en un traje de hule.

    La postproducción se demoró más de lo previsto y la película se estrenó casi seis meses después de lo que se había planeado. Costó 40 millones de dólares, en su fin de semana de estreno logró recaudar poco más de 9 millones y un total de 33 millones en su corrida original en cines. O sea, fue un fracaso monumental en la taquilla. Sin embargo, si uno quiere ver una película de monstruos con algunas ideas interesantes y originales ‒que no verosímiles‒ puede sin ningún empacho echarle un vistazo a La reliquia, por lo menos un par de carcajadas sí están garantizadas.

    Y si no, al menos pueden enternecerse viendo ese adorable ídolo de piedra ‒la reliquia del título‒ tallado en espuma de poliuretano.

PARA LA TRIVIA: El ritual que se representa al principio de la peli está inspirado en los rituales verdaderos de varias tribus del Amazonas para el consumo de un té psicotrópico conocido como Ayahuasca.

 

 

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EL SOBREVIVIENTE

The Running Man

 

Paul Michael Glaser, 1987

 

Hubo un momento durante la década de los 80 en el que el mercado ‒y estoy casi seguro de referirme a las librerías de los aeropuertos‒ estaba sobresaturado por novelas de Stephen King y sus ventas comenzaron a decaer. ¿La solución? Aconsejado por su agente, King comenzó a escribir bajo el seudónimo de Richard Bachman. Bajo dicho nombre, King publicó ocho novelas que más o menos se alejaban de los géneros de terror y suspenso. Una de ellas es The Running Man, que en español se publicara bajo el título de El fugitivo y que en su adaptación a la pantalla grande se tituló El sobreviviente.

    La película, que se tomó sendas licencias artísticas con respecto al texto original, cuenta la historia de Ben Richards (Arnold Schwarzenegger en un papel que originalmente había sido pensado para el legendario Christopher Reeve y para el que también fue propuesto Dolph Lundgren) un expolicía en un EE.UU. de un futuro distópico que es culpado injustamente por el asesinato de civiles. En este estado totalitario controlado por una cadena de televisión, el programa más popular es The Running Man, un reality en el que los enemigos del Estado son liberados en una parte de Los Angeles que fue destruida por un terremoto para ser perseguidos por asesinos espectaculares conocidos como Hunters. El premio para los ganadores de The Running Man es, además de fuertes sumas de dinero, su libertad. Tras huir de prisión y ser delatado por la periodista Amber Mendez (la modelo y cantante venezolana de origen cubano impunemente llamada actriz María Conchita Alonso), Richards es obligado a participar en The Running Man y, al hacerlo, no sólo tratará de salvar su propia vida y la de sus amigos; sino que descubrirá la verdad detrás del programa número uno de la televisión.

    El fisicoculturista austriaco impunemente llamado actor debe gran parte de su éxito a un hombre: Steven E. De Souza. El guionista trabajó en películas de acción como 48 horas (Hill, 1982), Duro de matar (McTiernan, 1988) y Duro de matar 2 (Harlin, 1990), Comando (Lester, 1985) o El juez (Cannon, 1985), así como en series de TV como El hombre nuclear (1974-1978), La mujer biónica (1976-1978), V: Invasión extraterrestre (1983-1984), El auto increíble (1982-1986) o Cadillacs y dinosaurios (1993-1994), y fue el responsable de adaptar la obra de King a la pantalla grande en esta ocasión. También es el responsable de muchas de las frases ingeniosas que Arnie dice en pantalla en casi todas sus películas después de despachar a alguno de los malos, e incluso se sabe que en algunas películas en las que no estaba directamente involucrado con el guión se le pidió que escribiera los parlamentos para Schwarzenegger.

    Y también escribió y dirigió Street Fighter: La batalla final (1994)… pero ¿quién quiere recordar eso?

    Antes de verlas completas, cuando estaba chavito, confundía esta película con Vengador del futuro (Verhoeven, 1990). Ya después, cuando las terminé de ver ‒me parece que fue cundo estaba en la primaria‒, me quedé con la impresión de que la peli de Verhoeven era infinitamente superior. Aun así, El sobreviviente, que vi completa por primera vez en un camión, no está nada mal y es entretenida de principio a fin.

    A mediados de los 80, como lo mencioné en mi crítica de Rescate en el Barrio Chino (Carpenter, 1986), se pusieron de moda las películas con estructura de videojuego. Aventuras completamente lineales en las que los protagonistas se iban enfrentando a enemigos más poderosos cada vez hasta llegar con una especie de Jefe Final que, al matarlo, resolvía todo el entuerto de la película.

    El guión está bastante decente, aunque todo el asunto de cuando Richards y Amber llegan a la guarida de los rebeldes siempre se me ha hecho como sacado de la manga. No he leído la novela, así que no sabría si estoy en lo correcto o no. Aun así, está lleno de acción y frases ingeniosas de los personajes.

    Mi parte favorita es definitivamente el segundo acto, cuando Richards y sus compañeros son perseguidos por los cazadores, que son una especie de versión glam de los luchadores de la WWF. En la novela, los cazadores son asesinos encubiertos que se hacen pasar por ciudadanos de a pie. En la peli se convirtieron en vistosos gladiadores como Subzero (Toru Tanaka), Dynamo (Erland van Lidth), Fireball (Jim Brown) o el Capitán Libertad (el exluchador profesional, exgobernador de Minnesota y amigo personal de Schwarzenegger, Jesse Ventura).

    Los primeros borradores del guión eran mucho más cercanos al libro de King. Ben Richards era un profesor de preparatoria con ideas liberales que se ve forzado a participar en The Running Man para alimentar a su familia. La primera opción para protagonizar la película fue el exSuperman Christopher Reeve. Sin embargo, con el éxito de Comando, película que fuera el último impulso en el ascenso a la fama de Schwarzenegger, el estudio decidió contratarlo para protagonizar la cinta. Como consecuencia, el guión fue alterado para que el personaje de Richards fuera más creíble al ser encarnado por el austriaco.

     No sólo el guión fue alterado en varias ocasiones; sino que la película pasó por toda una legión de directores diferentes hasta antes de llegar a manos de Glaser, quien alcanzara la fama en la década de 1970 al interpretar al detective Dave Starsky en la serie de TV Starsky y Hutch (1975-1979). El primero de ellos fue el griego George Cosmatos, quien acababa de terminar la filmación de Rambo II (1985) y salió de The Running Man porque su propuesta de guión suponía un presupuesto demasiado alto; después, durante un breve tiempo, el proyecto fue asignado al suizo Carl Schenkel (cuya única entrada sobresaliente en su filmografía sería el thriller Juego a muerte [1992] con Christopher Lambert); más tarde se pensó en el británico Ferdinand Fairfax, cuya propuesta para la película resultaba incompatible con la idiosincrasia estadounidense; y luego llegó Andrew Davis ‒director de thrillers de acción como la versión cinematográfica de El fugitivo (1993), Alerta máxima (1992) o Reacción en cadena (1996)‒, quien fue despedido después de que sus primeras tomas, en las que se había separado de lo que marcaba el guión, fueran exhibidas ante los productores.

     Sin embargo, quien se lleva la película de todas todas es Richard Dawson en el papel del presentador del programa The Runing Man, Damon Killian. El británico no sólo fue un experimentado actor cuya época de auge en la década de los 70 incluyó apariciones en series de TV como El show de Dick Van Dyke (1963), La hora de Alfred Hitchcock (1964), McMillan y esposa (1975), El crucero del amor (1977), y La isla de la fantasía (1978); sino que fue anfitrión de diversos programas de concursos como Family Feud (1976-1985) y Match Game (1973-1978). Según se sabe, fue muy difícil trabajar con Dawson en el set, quien se la pasaba mandando al diablo el guión, improvisando parlamentos y acciones, e involucrando a los extras y a las bailarinas ‒por cierto que las coreografías de la peli fueron montadas por una incipiente Paula Abdul‒ en las tomas.

    El sobreviviente no es una gran película. De hecho, no ceo que sea más que una película camionera; pero me gusta mucho. Es muy entretenida y mezcla de manera bastante exitosa acción y comedia. Tampoco creo que sea la mejor película de Schwarzenegger y, de hecho, creo que es una de las que el público ha olvidado más fácilmente; pero su legado es imposible de negar: Ni Battle Royale (Fukasaku, 2000) ni Los juegos del hambre (2012-2015) existirían sin su antecedente, y uno de los creadores del programa de TV Gladiadores americanos (1989-1997) ha admitido en más de una ocasión que la idea del show la tomó de The Runnining Man y que incluso utilizó escenas de la película como referencia cuando presentó el proyecto a los ejecutivos de la cadena de televisión. También el primer videojuego de la serie Manhunt (Rockstar, 2003) plantea una premisa similar, en la que un reo condenado a muerte debe luchar contra diferentes pandillas callejeras para ganar su libertad como parte de la filmación de una compleja película snuff.

PARA LA TRIVIA: El productor George Linder compró la novela The Running Man en un aeropuerto para entretenerse leyendo mientras esperaba su vuelo demorado. La premisa le fascinó y compró los derechos para adaptar el libro sin tener la más mínima idea de que Richard Bachman era en realidad Stephen King.

 

 

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SIEMPRE SABRÉ LO QUE HICIERON EL VERANO PASADO

I’ll Always Know What You Did Las Summer

 

Sylvain White, 2006

 

Después del final de Todavía sé lo que hicieron el verano pasado (Cannon, 1998) y la promesa de Ben Willis de que estaría por siempre con Julie James, los fans nos quedamos esperando el cierre de la trilogía. Pero pasaban los años y éste no llegaba. Finalmente, la esperada tercera parte llegó ocho años después… lo que es una mala señal. Y Jennifer Love-Hewitt ya no regresó para esta secuela… ésa era una peor señal. Pero la peor señal de todas fue que la película salió directamente en DVD. ¿Fueron ciertas las señales? ¡Absolutamente! Siempre sabré lo que hicieron el verano pasado es exactamente el tipo de película que pone el último clavo en el ataúd de una franquicia de horror.

    La película fue anunciada originalmente para estrenarse en 2000 y se suponía que sería el final de la trilogía, con Love Hewitt, Brandy y Freddie Prinze Jr. regresando para interpretar sus papeles. Sin embargo, el proyecto se fue enfriando, la fecha de estreno se fue retrasando y el presupuesto mermando. Finalmente, se desechó el guión que ya se tenía escrito y se creó uno completamente diferente que no tiene nada que ver con las cintas anteriores. De hecho, el título original de esta película sería The Hook (El garfio); pero fue cambiado de último momento. Ni siquiera la casa productora que hiciera las primeras dos películas, Mandalay Pictures, intervino en ésta.

    De hecho, el primer director asignado al proyecto fue despedido poco antes de iniciar la filmación, por lo que Sylvain White fue contratado como un reemplazo de último minuto, por lo que tuvo que castear al elenco, preparar las locaciones y diseñar todo el plan de producción en tan sólo dos semanas… y se nota. Del mismo modo, la actriz Alessandra Torresani (a quien quizá recuerden como la barista Claire en The Big Bang Theory [2007-]) había sido casteada para interpretar a Zoe; pero abandonó el proyecto antes de empezar a filmar.

    En la feria de un pueblo de Colorado, un grupo de amigos planea una broma que sale terriblemente mal, resultando en la muerte de uno de ellos. Los chicos deciden guardar el secreto y quemar toda evidencia de lo ocurrido. Un año más tarde, cuando se cumplen diez años de los asesinatos de Ben Willis en Carolina del Sur, los jóvenes carcomidos por la culpa comienzan a ser acechados y asesinados por un pescador enfundado en un impermeable pardo. Los muchachos deberán descubrir la identidad del misterioso asesino antes de que acabe con ellos; sin embargo, nada podría haberlos preparado ‒ni a ellos ni al público‒ para la aterradora verdad.

    Gran parte del éxito de Scream: Grita antes de morir (Craven, 1996), la cinta que resucitó al subgénero slasher a mediados de la década de 1990, era que se trataba de una sátira. Era una película autoconsciente que tomaba los clichés del género, los torcía y se burlaba de ellos. El problema con la legión de películas que trataron de colgarse de su éxito, como Leyenda urbana (Blanks, 1998), Día de venganza (Blanks, 2001) e incluso la original Sé lo que hicieron el verano pasado (Gillespie, 1997) fue que decidieron volver a tomarse en serio los clichés gastados hasta el cansancio. Por ello, con cada nueva secuela que aparecía la fórmula, que ya estaba agotada desde mediados de los 80, se sentía cada vez más y más gastada.

    Así, el guión de Siempre sabré… no sólo es completamente predecible y clichesoso; sino que se vuelve redundante y aburrido. Los dizque personajes, que casi parecen una parodia de los que escribiera Lois Duncan en su novela, están apenas dibujados, por eso cuando los matan la verdad es que ni nos importa y sus diálogos se sienten completamente formulaicos. Hasta parece que a los actores, que tampoco son particularmente hábiles, se les atoran en la boca.

    Hasta los jumps scares, que son como la parte medular de la película, son malos. Eso sí, al principio la película quiere enfocarse un poco más en el suspenso y el misterio; pero la verdad es que uno deja de interesarse pronto.

    Como ya lo habrán sospechado, en esta película nadie actúa. Las interpretaciones de los chavos que están en pantalla pasan de lo aburrido a lo ridículo y de ahí a lo francamente chafa para descender en lo desastroso. Y digo, no es que las películas anteriores estén maravillosamente actuadas; pero por lo menos en la primera las interpretaciones eran competentes y la segunda tenía sus momentos… pocos, pero ahí estaban. En esta tercera parte, ni uno se salva. Ni siquiera los actores que se ven más veteranos logran hacer que por un miserable segundo uno vea un personaje en vez de un actor malo vomitando su texto en cámara.

    Las escenas de muertes son más bien malitas. Quizá sean las más sangrientas de la saga; pero igual están mal ejecutadas. Al menos se abstuvieron de usar sangre digital como en la segunda parte… Pero ¿de qué sirve si de todos modos podemos ver desde lejos que la punta del garfio que usa el pescador ‒que se supone que es el mismo de Ben Willis, porque lo trajeron de Las Bahamas‒ es roma?

    De todos modos, los efectos especiales que sí usan se ven tan cutres que más bien deberían llamarse “defectos” especiales.

    Por si todo esto fuera poco, la verdad es que la película ni siquiera está bien realizada desde el aspecto técnico. La fotografía es espantosa. Toda la cinta está filmada con filtros para que se vea “sucia” o “deslavada”. Éstos, más que apoyar a la narrativa, la entorpecen, además de que hacen parecer que el director de foto no podía prestar atención a dos cosas diferentes al mismo tiempo, porque por estar jugando con los filtros descuida cosas básicas como la iluminación e incluso algunos encuadres.

    Eso por no mencionar el montón de tomas de establecimiento completamente innecesarias que se atraviesan en medio de la película y que le dan en la torre al precario ritmo que medio logra conseguir por momentos.

    Hay además muchas cosas a nivel argumento que nomás no terminan de convencer, como el hecho de que la película sea muy parecida a la primera, o que al final resulta que todos conocían el secreto que los chavos estaban tratando de ocultar SPOILER o, el peor de todos: que Ben Willis se haya convertido en la materialización de una leyenda urbana. TERMINA SPOILER

    SPOILER Muchas sagas slasher terminan recurriendo al origen sobrenatural del asesino cuando la idea ya se agotó o cuando de verdad de verdad ya no saben cómo resucitarlo para extender artificialmente la vida de la franquicia… bueno, excepto la saga de Pesadilla en la calle del Infierno, cuyo asesino siempre fue de origen sobrenatural. Jason Voorhes tuvo una justificación sobrenatural a partir de Viernes 13 parte VI: Jason vive (McLoughlin, 1986); Michael Myers también lo consiguió en la sexta parte de su franquicia, Halloween: La maldición de Michael Myers (Chapelle, 1995); y Leatherface y su familia de caníbales resultó que estaban afiliados a una secta en la infumable La masacre de Texas: la nueva generación (Henkel, 1994). Por su parte, el buen Ben Willis, con su impermeable de pescador que en esta entrega parece que está hecho de bolsas de basura, se convierte en un ente sobrenatural apenas en la tercera cinta de la saga… Creo que el único otro que cayó tan rápido fue Ricky Caldwell en Noche de paz, noche de horror 3 (Hellman, 1989). TERMINA SPOLIER

    De tal suerte, me parece que esta película puede ser considerada de una de dos formas: Si eres fan de la saga y la segunda parte te gustó, quédate ahí, no veas la tercera. Si, por el contrario, como la mayoría de los fans, te encantó la primera y te decepcionó la segunda, tal vez quieras darle una oportunidad a ésta, es tan mala que la segunda parte te va a parecer una obra maestra.

    Creo que lo único que medio se salva es la música y eso porque es sospechosamente parecida a la de Resident Evil: el huésped maldito (Anderson, 2002).

PARA LA TRIVIA: La idea original era que Jennifer Love-Hewitt hiciera un cameo en esta película; pero nunca se filmó.

 

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TODAVÍA SÉ LO QUE HICIERON EL VERANO PASADO

I Still Know What You Did Last Summer

 

Danny Cannon, 1998

 

Cuando una película tiene éxito, particularmente una cinta juvenil, es casi inevitable que genere secuelas. Digo, es un gran negocio; mientras más joven sea tu público objetivo y descubras cómo ir evolucionando con ellos, más tiempo van a seguir comprando tus productos. Es la fórmula del éxito de Harry Potter. Como sea, si hay un género que con frecuencia sufre el síndrome de la secuelitis, ése es el del horror. Además, es de los pocos géneros que siguen haciendo secuelas a la antigüita: como producto residual que tiene que sacarse en chinga antes de que pase la moda de la primera película. De tal suerte, no es de extrañar que Sé lo que hicieron el verano pasado (Gillespie), una de las películas más taquilleras de 1997, tuviera una secuela en 1998.

    En esta secuela, Julie James (vuelve Jennifer Love Hewitt) y su amiga de la Universidad, Karla (Brandy Norwood) ganan un concurso de radio cuyo premio es un viaje a un paradisiaco resort en Las Bahamas (que a leguas se nota que no lo filmaron en Las Bahamas, sino en México; específicamente en Jalisco). La relación de Julie y Ray (vuelve Freddie Prinze Jr.) está pasando por un momento difícil, así que éste decide no acompañarla en el viaje. De tal suerte, Julie, Karla, Tyrell (Mekhi Phifer), el novio de ésta, y Will Benson (Matthew Settle), el nuevo pretendiente de Julie, quedan atrapados en una dizque isla caribeña durante una dizque tormenta y, uno a uno después de personajes incidentales que ni la debían ni la temían, van cayendo presas del asesino del impermeable.

    Hay una cosa que siempre he odiado de las secuelas y que en esta película la aplican: Cuando al final de la película anterior se planteó una línea argumental determinada y en la secuela la mandan a la goma. Digo, porque si hubieran respetado el epílogo de la peli anterior, Julie James ni siquiera debería aparecer en ésta; pero claro, la gente iba a volver al cine para verla con esos sostenes que le quedaban chicos, además, en esta película enseña más que la anterior.

    Si la primera cinta era un tanto boba; pero simpática, esta raya en lo francamente idiota y llega a volverse odiosa. Es curioso, porque la línea argumental de la relación interrumpida de Ray y Julie y el nuevo pretendiente de ésta se encontraba presente en la novela; pero no fue incluida en la primera peli. Es un poco como en Parque Jurásico (Spielberg, 1993), que en la segunda y tercera películas introdujeron muchos pasajes del primer libro que habían quedado fuera de la primera cinta. Por cierto, si ya leíste la novela de Sé lo que hicieron…, ya sabes quién es el asesino en esta cinta. Por otro lado, si sabes Geografía a nivel de 5° de Primaria, el principal recurso argumental de la peli se viene abajo.

    El guión de esta película no fue escrito por Kevin Williamson como el anterior. Al haber sido prácticamente el guionista que reinventó el género, Williamson se encontró saturado de trabajo escribiendo Dawsosn’s Creek (1998-2003), H20: Halloween 20 años después (Miner, 1998) y Aulas peligrosas (Rodriguez, 1998) simultáneamente, lo que le impidió escribir el guión de esta cinta y de Scream 3: La máscara de la muerte (Craven, 2000)… Aunque a final de cuentas sí se piratearon algunos elementos de Scream 2: Grita y vuelve a gritar (Craven, 1997).

    En general, todas las situaciones se notan bastante inverosímiles y el tono es aún más superficial que en la primera cinta. Además, ¿es mi impresión o todos los personajes en esta película son odiosos? Incluso el mariguano rastafario estereotipado interpretado por Jack Black que se supone debía ser la vis comica de la cinta es insoportable y, hablando de estereotipos, ¿por qué el botones negro tiene que practicar el yoruba? Por cierto, no se pierdan el cameo de Jeffrey Combs (Herbert West, Re-Animador [Gordon, 1985], Re-Sonator [Gordon, 1986]) como el gerente del hotel. Y Ray “Deus ex machina” Bronson es un idiota durante toda la película.

    Al menos el que los personajes sean chocantes deriva en que sus escenas de muerte sean más gratificantes. Es una lástima que, a pesar de ser mucho más gráficas que en la primera película, están tan torpemente trabajadas. La muerte del personaje de Jack Black está tan sobreactuada que llega a lo caricaturesco, y la muerte de Tyrell con garfio y sangre digitales se ve de lo más chafa; por no mencionar que la escena del cadáver en la secadora es básicamente un plagio de esa escena clásica de Sangriento San Valentín (Mihalka, 1981), sólo que mal hecha.

    El asesino del impermeable continúa con su tendencia de matar gente con la que no tiene relación alguna y que no le ha hecho nada con el simple objetivo de elevar el conteo de cadáveres de la película, porque ¿qué culpa tenía la mucama del hotel de… cualquier cosa? Digo, ni siquiera creo que haya robado joyería de los huéspedes o algo así. Como sea, cuando el plan del asesino se revela, uno se da cuenta de que se trata de una venganza tan enmarañada, rebuscada e innecesariamente complicada que haría sonrojar al mismísimo Conde de Montecristo.

    Las actuaciones son bastante malas y, en general, el ritmo de la película es flojo. Pero no hay por qué desesperar, ya que la cinta está llena de jump scares para tratar de ocultar el hecho de que, durante la mayor parte de la duración de la cinta, no pasa básicamente nada.

    Lo que sí es muy divertido son las escenas de la tormenta. Se supone que el resort cierra por la temporada de huracanes y queda incomunicado con la tierra firme debido a una gigantesca tormenta que azota la isla. Todo esto sería mucho más convincente si se hubieran tomado la molestia de tratar de ambientar las escenas durante un huracán, en vez de filmar bajo cielos soleados y completamente despejados y sólo echarle agüita encima a los actores. ¡Caray, un poco de viento les hubiera hecho un muy buen paro!

     La película puede ser divertida por momentos, sobre todo si se ve en compañía de amigos y cervezas; pero no tiene mucho más que ofrecer. De hecho, es considerada por muchos críticos como una de las peores películas de la historia y una de las peores secuelas en la historia del cine al mismo tiempo. Críticos de la página rottentomatoes.com la señalan como “el tipo de película que le da mal nombre a las secuelas de horror”, y Siskel y Ebert la incluyeron en su especial de Lo Peor de 1998.

    Me gustaría poder decir que están exagerando o que se están ensañando con la película y la agarraron de su puerquito. Pero no, la verdad es que creo que tienen razón. Sí es una muy mala película; pero aún tiene la capacidad de arrancarme un par de carcajadas. Supongo que el chiste está en no tomársela tan en serio como los realizadores pretendían. La neta es que la escena del karaoke sí me gusta, aun cuando era una especie de vehículo promocional de la carrera como cantante de Jeniffer Love Hewitt ‒¿Recuerdan eso? ¿No? Si en MTV pasaban el video mañana, tarde y noche‒, cuyo único sencillo famosón puede escucharse en los créditos de la peli.

PARA LA TRIVIA: Debido a la avalancha de críticas negativas y a la pobre respuesta del público, Freddie Prinze Jr. nunca ha visto esta película.

 

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