READY PLAYER ONE: COMIENZA EL JUEGO

Ready Player One

 

Steven Spielberg, 2018

 

Uno de mis directores favoritos es, sin duda, Steven Spielberg. He de reconocer, eso sí, que prefiero a Spielberg cuando se reconoce como el gran showman que es a cuando se pone profundo y políticamente correcto. No es que crea que uno es mejor que el otro, simplemente es una cuestión de gusto personal. Sea como fuere, en esta película Spielberg se lanza sin reservas al entretenimiento puro y entrega una de sus cintas menos logradas… aunque no por eso aburrida. No creo que sea buena; pero recordemos que lo más pinche de Spielberg está más o menos al nivel de lo mejor de Michael Bay o Joe Johnston… concediendo que Johnston tenga algo a lo que se le pueda llamar “mejor”.

    Por cierto, mientras escribo esto, recordé una nota publicada alrededor de 1995 en la que decían que Steven Spielberg estaba interesado en producir videojuegos; pero ya nunca supe qué pasó con eso, ¿alguien se enteró?

    La película, que según me enteré el otro día, está basada en un libro, trata sobre Wade Watts (Tye Sheridan), apodado Parzival, un joven huérfano que vive en una postapocalíptica ciudad de Columbus en el año 2045. En dicho futuro, la humanidad, para escapar de su deprimente realidad, pasa horas enteras inmersa en un enorme mundo virtual conocido como Oasis. Antes de morir, Halliday (Mark Rylance, excelente), el creador de Oasis, ocultó dentro del juego un premio, conocido como Easter Egg, que convertiría a quien lo encontrase en el dueño de toda su fortuna y de Oasis mismo. IOI, la compañía rival de Halliday, busca desesperadamente el premio para así convertirse en la empresa más poderosa del planeta. Ahora que Wade ha encontrado la pista que podría llevarlo al Easter Egg, IOI hará todo por encontrarlo.

    No he leído el libro, pero si se parece a la película, entonces se trata de uno más de esas novelas juveniles en las que un adolescente en un futuro distópico logra vencer a un sistema/régimen totalitario o similar de las que las hay a peso la docena. Paso, gracias, vi Fuga en el siglo XXIII (Anderson, 1976).

    Por otro lado, el argumento de la cinta me pareció una especie de mezcla entre Willy Wonka y la fábrica de chocolates (Stuart, 1971), TRON (Lisberger, 1982) y El campeón de los videojuegos (The Wizard, Holland, 1989), con un toquecito de Ralph, el demoledor (Moore, 2012). La verdad es que se trata de una película completamente superficial, sin básicamente nada de contenido, y que me parece ser de ésas en las que uno puede simplemente apagar el cerebro por un ratito y dejarse llevar.

    SPOILER Porque si uno se pone a pensar un poquito, se dará cuenta de que ésta es la historia de unos chavitos gamers que, teniendo la oportunidad de liberar a la humanidad de la opresión intelectual que la subyuga, prefieren perpetuarla… Es decir, es como la antítesis de Matrix (Hnos. Wachowski, 1999). En la peli de Neo, los humanos del futuro luchaban por salirse del mundo virtual al que estaban sometidos, mientras que en Ready Player One, luchan por quedarse dentro de él, sólo que con menos comerciales… es el equivalente a que al final de Fuga en el siglo XXIII Logan matara al anciano o que en Un mundo feliz Marx peleara por recuperar el soma… ¿Es ésta una película sobre el Síndrome de Estocolmo? TERMINA SPOILER

    SPOILER También podrían encontrarse sendos huecos en el guión, como ¿por qué nadie hace trampa? ¿Nadie conocía el Konami Kode, en serio? ¿No hay hackers? ¿Por qué los adolescentes de 2045 están tan clavados con la cultura de 1980? Mis alumnos de 15 años difícilmente ven películas de más de 10 años… O bueno, quizá éstas son ideas que podrían usarse para Ready Player Two: Here Comes a New Challenger! ‒es pura mamada, yo inventé el título‒, de nada, Ernest Cline TERMINA SPOILER.

    Por supuesto, el atractivo de la cinta no está ni en la anécdota ni en el guión, que es súper predecible, flojo y está lleno de clichés; sino en los miles de referencias y guiños a la cultura pop, particularmente la de los años ochenta, que hay en la película. Básicamente, el juego que la cinta la propone al espectador es identificar los iconos de la cultura pop y gamer que aparecen en la cinta, desde el DeLorean de Volver al futuro (Zemeckis, 1985) hasta la Inmigrant de Akira (Otomo, 1988), pasando por el Atari 5200, la BFG 9000 de Doom (id Software, 1993) y el rifle de pulso M41A de Aliens: el regreso (Cameron, 1986). Y en ese sentido, la cinta cumple. Uno no puede evitar soltar un par de carcajadas con el montón de chistes locales y referenciales de la peli.

    La misma anécdota se inspira un poco en un evento de la vida real que casi se ha convertido en leyenda. Me refiero al legendario concurso promovido por Atari en 1982 con la serie de videojuegos Swordquest (1982-1983). La serie surgió como una posible secuela del videojuego Adventure (Atari, 1979) SPOILER ‒que, de hecho, es clave en la cinta‒ TERMINA SPOILER; pero pronto evolucionó en otra cosa. Se trataba de varios juegos de aventura que incluían un cómic y un acertijo que sólo podía resolverse al terminar el juego.

    Los primeros concursantes en resolver el acertijo debían comunicarse con Atari, dar la respuesta y viajar a sus oficinas para competir entre ellos a fin de ganar premios cuyo valor ascendía a USD$150000. Para el primer juego, el premio fue el Talismán de la Penúltima Verdad, hecho en oro macizo de 18K y adornado con diamantes; para el segundo juego, el premio fue el Cáliz de la Luz, fabricado en oro y platino con incrustaciones de diamantes, zafiros, perlas, rubíes y jade; y para el tercero, la Corona de la Vida, hecha en oro con incrustaciones de diamantes, zafiros, turquesas y rubíes. El cuarto juego de la serie, Airworld, cuyo premio sería la Espada de la Hechicería Definitiva ‒con mango de oro macizo y una hoja de plata pura‒ nunca salió a la venta debido a la Crisis de los Videojuegos en 1983.

    En una estrategia que se ve demasiado en los últimos años, el soundtrack está compuesto mayormente por canciones populares de los 80 ‒bueno, y una de los 70‒, por si todo falla, al menos la peli puede apelar al factor nostalgia… que, siendo honestos, es en mayor medida lo que la hace funcionar.

    Ahora bien, de manera más que adecuada, la música original fue compuesta por el genial Alan Silvestri, quien fuera responsable de los soundtracks de películas como la Trilogía de Volver al futuro, Depredador (McTiernan, 1987) o El secreto del abismo (Cameron, 1990).

    Las actuaciones están más o menos, tirándole a menos y, en ese sentido, la película se sostiene gracias a las interpretaciones del siempre genial Simon Pegg, el gran Ben Mendelsohn ‒a quien amé en Rogue One: una historia de Star Wars (Edwards, 2016)… y parece que Spielberg también, porque prácticamente lo puso a repetir ese papel en esta cinta‒ y Mark Rylance. Los actores jóvenes están bien, pero como que algo les faltó para acabar de llegar a lo que debían.

    En general, puedo decir que Ready Player One me entretuvo a pesar de sus notorias carencias y su excesiva duración ‒Hollywood parece no querer entender que para hacer películas de más de dos horas hay que ponerles sustancia‒; debo confesar que sí me emocioné como escolapio en un par de secuencias y que sí me entretuve jugando a ¿Dónde está Wally? Con sus referencias a la cultura pop; aunque por lo demás me pareció completamente insulsa.. hay por ahí un esbozo de mensaje inclusionista, pero ¡meh! He de reconocer también que creo que sí lograron capturar parte de la esencia de la subcultura gamer y que, si no fuera por la hábil dirección de Spielberg, dudo que el numerito fuera tan ameno como resultó serlo al final y se hubiera quedado en una versión edulcorada de TRON que está más preocupada por bombardear al público con nostalgia que por realmente contar una historia. A final de cuentas, se parece más a un ride de parque temático que a una película.

PARA LA TRIVIA: Durante la preproducción de la película, Spielberg se acercó al actor Gene Wilder ‒quien interpretara a Willy Wonka en la versión original de 1971‒ para que interpretara a Halliday; sin embargo, Wilder rechazó la oferta.

 

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MISIÓN ALIEN

Alien Nation

 

Graham Baker, 1988

 

A principios de los 90, cuando era apenas un escolapio, estaba obsesionado con las películas de la saga de Alien… bueno, ahora también; pero en ese entonces me chutaba cualquier cosa que llevara la palabra “Alien” en el título… bueno, ahora también… el punto es que, en mis pesquisas, me encontré con esta película una noche de fin de semana en el entonces incipiente Canal Fox ‒que por aquellos días tenía un repertorio como de diez películas nada más‒ y me aburrió un montón. Años más tarde, le di una nueva oportunidad a esta cinta y me encantó. Me di cuenta de por qué se había convertido en una de culto y por qué había generado una reducida, aunque leal, legión de seguidores a lo largo y ancho del mundo.

    Según la historia de la peli, en 1988 una nave procedente de un planeta lejano llegó a la ciudad de Los Ángeles, California, tras navegar a la deriva. La nave estaba cargada con esclavos alienígenas apodados “neófitos” (Newcomers) que, tras tres años de cuarentena, se insertaron en la sociedad humana. Luego de que su compañero es muerto en un tiroteo, el detective Matthew Sykes (el siempre genial James Caan) acepta como compañero al primer detective neófito, Sam Francisco (Mandy Patinkin, a quien seguro recuerdan por su papel de Íñigo Montoya en La princesa prometida [Reiner, 1987]), para llevar a cabo la investigación sobre la muerte de su compañero. Sin embargo, durante sus averiguaciones, Sykes y Francisco revelarán un terrible secreto sobre los neófitos y su esclavitud, que no sólo podía poner en riesgo su estadía en nuestro planeta; sino también la supervivencia de ambas especies.

    Por supuesto, como todas las buenas películas de Ciencia Ficción y las de Terror, ésta es una metáfora, y qué mejor escenario para hablar de tolerancia y discriminación que la ciudad de Los Ángeles. La cinta es, básicamente, un film noir con elementos de acción y ciencia ficción con un subtexto que habla sobre la inmigración, la marginación social y cómo las esferas de poder se aprovechan de los más necesitados y los utilizan para conseguir sus propios fines. Además de que hay algunos chistes bastante buenos en la cinta ‒como ése de la Academia Berlitz‒. Al final, todo el asunto resulta ser una divertida sátira sobre la xenofobia.

    Obviamente, un thriller policiaco no funcionaría si la pareja de detectives no funcionara; y aquí es donde la película tiene uno de sus puntos más fuertes. La pareja de Caan y Patinkin funciona maravillosamente y su química en pantalla es muy buena. Las actuaciones de ambos son geniales y uno realmente llega a estimar a los personajes, a interesarse por ellos y por lo que les pasa, y la escena de la borrachera con leche y la del condón son de verdad hilarantes.

    Empero, mientras que las actuaciones de la pareja estelar están muy bien, el que sí se pasa de la raya es el británico Terence Stamp en su papel de (William Harcourt), quien, en toda la película, no puede quitarse su cara de hueva.

    Según lo relata Shane Mahan, artista del Stan Winston Studio, Stamp nunca estuvo de acuerdo con el maquillaje que debía usar ‒nueve piezas prostéticas que tenían que ser aplicadas sobre su rostro diariamente‒ y se mostraba malhumorado y poco cooperativo durante el proceso de maquillaje. Para la última escena, en la que el personaje de Stamp se transforma en una especie de Mr. Hyde, el equipo del SWS tenía preparado un maquillaje prostético más elaborado, así como un traje musculado que el actor se negó a utilizar. Stamp simplemente dijo que no lo haría, se retiró del set, subió a un avión y regresó a Inglaterra.[1]

    Esto se debió, en parte, a que la producción del maquillaje fue tan accidentada como la de la película misma. El diseño del aspecto de los neófitos pasó por muy variados estadios antes de llegar a lo que se vio finalmente en pantalla. Originalmente, se había pensado en alienígenas con características más reptilianas y piel escamosa de color pardo. Los realizadores pensaron que sería difícil para el público identificarse con criaturas que se vieran tan diferentes a ellos, así que decidieron darles un aspecto más humanoide, aunque con facciones toscas y una tez de colores amarillos y grises. Finalmente, este diseño se reservó para los neófitos que aparecían como extras en el fondo ‒sólo se cambiaron los colores‒, mientras que aquellos alienígenas que aparecían en primeros planos tendrían una apariencia mucho más cercana a la humana.

    El guión está bien, a secas, y deposita la mayor parte de su ingenio en los diálogos y no tanto en la historia. El desarrollo de los personajes es medio disparejo, aunque ya en pantalla los actores lo hacen funcionar y lo que sí está medio chafa es el montón de clichés del Cine Negro que le metieron a la película. Digo, a final de cuentas funciona; pero sí se ve que la originalidad no fue lo suyo.

    La película fue producida por Gale Anne Hurd, quien en ese entonces era esposa de James Cameron, y se sabe que el director canadiense le metió mano al guión, aunque nunca recibió crédito por ello.

    Y, aunque la película funciona, la verdad es que el tercer acto se cae bastante. Esto no es un problema tanto del guión, sino de la edición. De hecho, la película iba a ser lanzada en verano y era la carta fuerte de 20th Century Fox para la temporada; pero problemas en la post-producción obligaron a los realizadores a re-editar la película por completo, haciéndola más corta y cambiando su fecha de estreno de verano a octubre de 1988. De hecho, ésta fue una de las razones por las que la música original compuesta por Jerry Goldsmith debió ser retirada y sustituida por la partitura compuesta por Curt Sobel .

    Quizá Misión Alien no es una película genial; pero sí es muy divertida y, aunque mayormente ha sido olvidada, es muy entretenida y goza de varios momentos verdaderamente brillantes. Se convirtió rápidamente en una peli de culto cuyos seguidores parecen haber desaparecido hace años; pero al menos tuvo el impacto suficiente para engendrar una moderadamente exitosa serie de televisión que duró 22 episodios (1989-1990) y una serie de películas para TV que se produjeron entre 1994 y 1997.

PARA LA TRIVIA: El personaje de Sam Francisco originalmente sería llamado George Jetson (conocido en nuestro país como Súper Sónico, el atolondrado papá de la serie de dibujos animados, Los supersónicos [1962-1963]); pero Hannah-Barbera no quiso prestar el nombre de su personaje para la cinta. Matthew Sykes apoda a Sam “George” como una especie de chiste privado de los guionistas.

 

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[1] Cfr. DUNCAN, Jody, The Winston Effect: The Art and History of Stan Winston Studio, Titan Books, London, 2006, P. 110.

TOMB RAIDER: LAS AVENTURAS DE LARA CROFT

Tomb Raider

 

Roar Uthaug, 2018

 

A mediados de la década de 1990 la cultura pop se vio sacudida por la aparición de un videojuego: Tomb Raider (Eidos Interactive, 1996). Se trataba de un juego de aventura y acción en el que el jugador controlaba a la hipersexualizada ‒al menos, tanto como los pocos polígonos de la época lo permitían‒ y desproporcionada saqueadora de tumbas británica Lara Croft.

    El juego, que incluía búsqueda de reliquias, complicados puzzles y, de modo inexplicable, una batalla contra un Tiranosaurio, no era excelente; pero marcó un antes y un después en la industria. Múltiples secuelas, en las que la calidad de los juegos y la cohesión de la historia decaían cada vez más, llevaron a la saga a su extinción. Posteriormente, la franquicia fue adquirida por Crystal Dynamics, quienes lanzaron el reboot Tomb Raider: Legend (2006), que tuvo una gran aceptación entre la crítica y los fans. A Tomb Raider Legnd, le siguió el excelente remake del primer juego de la saga, Tomb Raider Anniversary (2007); sólo para decaer con el horrible final de la trilogía, Tomb Raider: Underworld (2008).

    Los mismos desarrolladores de Crystal Dynamics, ahora con la distribución del gigante nipón Square Enix, reelaboraron el concepto casi desde cero esgrimiendo la propuesta de un juego de aventura/supervivencia con un enfoque un poco más realista, que dio como origen dos muy buenos videojuegos: Tomb Raider (2013) y Rise of the Tomb Raider (2015). Y es la propia Square Enix quien produce la nueva adaptación cinematográfica de la heredera de Indiana Jones.

    Ya en el pasado hubo dos películas basadas en el videojuego, Lara Croft: Tomb Raider (Simon West, 2001) y Tomb Raider: The Craddle of Life (Jan De Bont, 2003), que tuvieron una pobre aceptación por parte de la crítica y levantaron más de una ceja entre los fans. Las películas, protagonizadas por Angelina Jolie, caían en tantos absurdos y excesos que  incluso los videojuegos palidecían a su lado… y eso que no había tiranosaurios. Francamente, sólo vi la primera, que me pareció espantosa y la segunda la obvié.

    Me llamó mucho la atención que Square Enix decidiera rebootear la saga en el cine, por lo que, con cierto tiento aunque muchas expectativas, me lancé a ver esta nueva entrega. Eso sí, cierto fin de semana, de manera completamente fortuita, fui testigo de la premiere de la cinta en la Ciudad de México… y siempre es una mala señal cuando el elenco de la película viene a nuestro país a promocionarla.

    La película narra la historia de una joven Lara Croft (la sueca Alicia Vikander, quien me parece que fue una buena elección para el papel), una aristócrata británica quien sobrevive a duras penas en el ambiente urbano de Londres, pues se niega a aceptar la herencia que dejara su padre, desaparecido siete años atrás. Cuando Lara está por aceptar legalmente la muerte de su progenitor, Lord Richard Croft (Dominic West), descubre un mensaje secreto que le da la clave para dar con su paradero: una isla deshabitada en las costas de Japón sobre la que se cierne la leyenda de una antigua reina que gobernara a su pueblo a través de la magia negra.

    La primera parte de la cinta sigue de manera un tanto libre el argumento del videojuego reboot Tomb Raider y se enfoca más en la aventura y las peleas bonitamente coreografiadas. La segunda parte, que me parece que desmerece un tanto, es básicamente la misma historia que la segunda mitad de Indiana Jones y el Templo de la Perdición (Spielberg, 1984).

    El guión está más o menos, lleno de los huecos argumentales propios de las películas del género, aunque cuenta bien la historia. Lo que me llamó mucho la atención fue el tratamiento que se dio a la historia y a los personajes. En una estrategia que se me antoja poco afortunada, tanto la anécdota como los personajes que en ella intervienen no sólo son menos oscuros que en el videojuego, sino que son más superficiales. Así, resulta que los personajes del entretenimiento electrónico están mucho mejor escritos que sus contrapartes de la pantalla de plata.

    Aunque esto no es extraño, pues las películas basadas en videojuegos tienden a simplificar, e incluso abaratar, a los personajes, como Guile en Street Fighter: la batalla final (De Souza, 1994), Albert Wesker en las cintas de Resident Evil (2002-2016), Scorpion y Sub-Zero en Mortal Kombat (Anderson, 1995)… o prácticamente todo en la infumable Super Mario Bros. (Jankel y Morton, 1993).

    SPOILER Es muy curioso cómo el villano de la cinta, Mathias Vogel (Walton Goggins), pasa de ser el enloquecido de poder líder de una secta apocalíptica en el videojuego a un simple esbirro de una codiciosa corporación multinacional en la peli. Del mismo modo, el padre de Lara Croft estorba más de lo que ayuda y, cuando lo hace, más bien traiciona la esencia del personaje de Lara. La misma Lara Croft comienza siendo esta superviviente convertida en heroína a fuerza de necesidad para convertirse, ya hacia el final de la peli, en el personaje inverosímil y unidimensional de las primeras películas/videojuegos. TERMINA SPOILER

    No es un secreto para nadie que las películas inspiradas por juegos de video suelen ser malas. En parte creo que esto se debe, más allá de que como películas suelen estar pobremente ejecutadas, a que la relación tan íntima que puede desarrollarse entre videojuego y videojugador es prácticamente imposible de trasladar a la  pantalla grande. En última instancia, vivir una aventura en un medio virtual es mucho más divertido que ver a alguien más viviendo esa aventura en la pantalla.

    A pesar de todo, creo que Tomb Raider sale bien librada de todo el desmadre. Es una película entretenida, con actuaciones bastante decentes y escenas de acción muy bien logradas que, en mayor medida, compensan su pobre argumento y el hecho de que parezca estar armada con pedazos de otras películas… ¿o soy el único al que las escenas en el interior de la tumba de Himiko le parecieron sospechosamente similares a las escenas de la pirámide en Alien vs Depredador (Anderson, 2004)? SPOILER Y también eso de que Richard Croft desapareció por andar investigando el Más Allá después de la muerte de su esposa… ¿no se parece al argumento de Casper (Siberling, 1995)? TERMINA SPOILER.

    La fotografía es adecuada. Me pareció cumplidora; pero, en general, poco propositiva y sin el más mínimo asomo de brillantez. Más o menos logra recrear la atmósfera y la estética del videojuego, eso sí, y como herramienta narrativa es eficiente, pero no mucho más.

    Tomb Raider no será la película que cambie tu vida… de hecho, por sus pobres resultados en taquilla, incluso queda en duda si será la película que resucite la franquicia; pero no es tan mala. En los estándares de películas basadas en juegos de video, no es para nada Terror en Silent Hill (Gans, 2006) ‒a mi gusto, la mejor película de este subgénero‒ pero tampoco es la abominación que fueron Mortal Kombat: Aniquilación (Leonetti, 1997), Resident Evil: la venganza (Anderson, 2012) o Street Fighter: la leyenda de Chun Li (Bartkowiak, 2009). Es una cinta que se deja ver, entretenida y palomera, de la que uno saldrá satisfecho si no le exige demasiado… o si la compara con las pelis anteriores de Tomb Raider.

PARA LA TRIVIA: Otras actrices que fueron consideradas para interpretar a Lara Croft en esta película fueron Daisy Ridley ‒quien rechazó el papel por estar ocupada con The Last Jedi (Johnson, 2017)‒, Emilia Clarke, Saoirse Ronan y Clara Delevingne. También existía el rumor de que Olivia Wilde fue considerada una opción para el rol, pero este rumor fue desmentido por la actriz.

 

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PANTERA NEGRA

Black Panther

 

Ryan Coogler, 2018

A este artículo pude ponerle como subtítulo “Blek Pantha”, que es como lo pronuncian ellos en la película; pero me pareció racista, así que me abstuve.

    No estaba muy interesado en ver esta película; pero escuché comentarios de que “era la mejor película que había hecho Marvel”… Después recordé que cada que sale una película nueva de Marvel dicen que es lo mejor que ha hecho Marvel. Como sea, me lancé a verla y lo primero que agradezco es que no utilizaran su argumento genérico de toda la vida Iron-Man (Favreau, 2008)/Ant-Man (Reed, 2015)/Dr. Strange (Derrick, 2016), que son prácticamente la misma película… bueno, al menos no lo usaron por completo.

    Según la película, en el interior de África Occidental existe un país de agricultores conocido como Wakanda. Sin embargo, en lo más recóndito de dicha nación, oculto a los ojos del mundo, se encuentra el verdadero reino de Wakanda, un pueblo próspero que ha desarrollado una impresionante tecnología gracias a que se encuentra situado sobre una montaña de vibranio. Cuando el rey T’Chaka (John Kani) es asesinado, su hijo y sucesor al trono y al título de Pantera Negra, T’Challa (Chadwick Boseman), descubrirá un complot detrás del atentado y del robo de un artefacto wakandiano fabricado con vibranio.

    Nunca leí los cómics de Pantera Negra. Desde niño sabía quién era y qué hacía, pero no conocía su historia. No sé qué tan fiel sea la historia de la peli a la original de los cómics; pero lo que vi en pantalla se me hizo “inconvenientemente parecido” a los cómics de El Fantasma. Y bueno, todo el rollo del regicidio y el heredero y el complot y los feudos familiares y la manga del muerto es bastante shakespiriano, pero ambientado en África… ¡Oh! Esperen, lo hicieron hace casi 25 años, se llamó El rey león (Allers y Minkoff, 1994).

    Ya en serio, la película me agradó. Es entretenida, tiene algunos chistes bastante graciosos ‒como ése de Grace Jones‒ y hay algunas secuencias de acción muy bien logradas. El diseño de arte es fastuoso y las actuaciones son bastante decentes ‒siempre es interesante ver a Andy Serkis en carne y hueso‒. Quizá es un poco larga, pero no es algo que se vuelva cansado.

    El soundtrack también es muy bueno. La música compuesta por Ludwig Goranson mezcla música sinfónica con ritmos tribales y beats electrónicos, y se escucha bastante bien. Hay algunos leit motivs interesantes que le dan a la cinta una dimensión épica y, en algunos casos, incluso trágica. Francamente, me parece que la música logra mucho más afortunadamente crear el universo de la película que la película misma.

    Y es que Pantera Negra no está exenta de sendos fallos, mismos que comento a continuación:

    Primero: si bien el diseño de arte es maravilloso, la realización deja qué desear. El diseño de los vestuarios está muy padre y se inspira fuertemente en diferentes culturas africanas, pero en algunos de ellos las fibras sintéticas y el estampado con serigrafía como que desentonan. En general, ni el vestuario ni la utilería logran quitarse de encima ese look artificial que creo que no les va nada bien.

    Las caracterizaciones de algunos personajes también me parecieron desafortunadas. Me refiero específicamente a las escarificaciones de Killmonger (Michael B. Jordan) y a la peluquita de rastas blancas de la reina Ramonda (la siempre genial Angela Bassett).

    Segundo: a lo anterior habría que sumarle una fotografía poco hábil que, aquello que podría lucir bien, lo hace lucir chafa. Algunas escenas son demasiado oscuras y aquéllas que fueron filmadas en estudio no pueden alejarse de esa iluminación de estudio que en las películas análogas ya era notoria y ahora, en la Alta Definición, resalta como un frijol en una olla de arroz.

    Y finalmente, lo que de verdad no me gustó nada fue el CGI. ¿Cómo es posible que en pleno 2018 haya películas que se vean así? Quizá los vehículos y las bolas de plasma se vean bien; pero los escenarios virtuales son verdaderamente espantosos. No sé si trataban de recrear un paisaje tratando de que se viera real o si querían que pareciera el decorado de un diorama del Museo de Historia Natural. Del mismo modo, quizá seamos cada vez menos, pero aún habemos personas que sabemos cómo se ve un rinoceronte blanco… y no es para nada así.

    Las animaciones del traje de Pantera Negra sí se ven bastante bien, supongo que fueron ésas las que creó Industrial Light & Magic. Me parece que parte del fallo estuvo en que los efectos especiales, al ser demasiados, fueron realizados por al menos una docena de estudios más pequeños. Es una táctica común de los grandes estudios subcontratar a compañías más pequeñas para delegarles parte del trabajo de efectos especiales; el problema es cuando, como en este caso, el resultado final luce tan disparejo… ¿verdad, Spawn (Dippé, 1997)?

    Pantera Negra no sólo me entretuvo durante alrededor de dos horas, sino que también me motivó a reflexionar sobre el cine de superhéroes en su estado actual y llegué a dos conclusiones, que quizá muchos dirán que son resultado de la nostalgia, pero que es en lo que he estado cavilando.

    Por principio de cuentas, está la cuestión del abuso del CGI. Estoy consciente de que, así como yo crecí con los efectos especiales de la vieja escuela, con los animatrónicos de Stan Winston y los maquillajes de Rick Baker, la Generación Z ha crecido con el CGI y difícilmente acepta efectos especiales diferentes. Sin embargo, parte del encanto de las primeras cintas de superhéroes era cómo se lograba adaptar el universo fantástico de las páginas de los cómics al “hiperrealismo” del cine. Era un ejercicio de insertar a estos personajes en nuestra realidad y hacerlos verosímiles.

    Empero, en la actualidad, cuando es posible crear todo ese universo tal cual se ve en el material impreso, el trabajo de adaptación es básicamente nulo. Así, en opinión de su servidor, los superhéroes de esta generación de películas funcionan muy bien en sus universos de CGI, que lucen maravillosos… pero que, a la vez, los alejan de nuestra realidad. Estos superhéroes se ven ajenos y artificiales.

    En segunda instancia está el asunto de los universos cinematográficos que desde un principio fueron planeados como tales. Sin lugar a dudas, más que una herramienta narrativa, se trata de una estrategia de mercado que el monopolio Disney/Pixar/Marvel/Lucasfilm/Fox ha implementado con éxito; pero que ya francamente se ha extendido tanto y tan innecesariamente que el Universo Cinematográfico Marvel parece un folletín victoriano.

    Precisamente la mayor fortaleza de esta estrategia de mercado es su principal debilidad: Si no viste una de las películas, muy probablemente no le agarres la onda a las otras… y también es posible que, como en  mi caso, te importen cada vez menos.

    Como sea, Pantera Negra se supone que será el preludio para el plato principal y final de la tercera etapa del proyecto del Universo Cinematográfico Marvel: Avengers Infinity War (Hnos. Russo, 2018). Aun así, la peli puede perfectamente disfrutarse sin haber visto ninguna otra del MCU.

    Pantera Negra es una cinta divertida y entretenida. Tiene por ahí varias vueltas de tuerca que, si bien son predecibles, son bastante efectivas y, al menos en mi caso, logró conectar con el público. Nada profundo, nada complicado, sólo dos horas y cuarto de entretenimiento sin demasiadas pretensiones más allá de compartir un bonito mensaje sobre la fraternidad, la generosidad, el bien común y condenar el supremacismo racial, venga de quien venga. Además de que la situación de Wakanda y sus depósitos de vibranio fue inspirada por la del Congo y sus minas de coltán.

    Lo que es curioso es que los miembros de la Familia de Pantera Negra no se parezcan entre sí y, de hecho, tengan tipos físicos de distintas razas e incluso acentos de distintas regiones ‒notorios aún a pesar del acento que les pusieron a todos a fingir en la peli‒… ¿o sea que ya porque todos son negros pueden pasar por familia? ¿No es un poco racista?

PARA LA TRIVIA: En la década de los 90, Wesley Snipes se acercó a Marvel con un guión para adaptar los cómics de Pantera Negra a la pantalla grande; pero diferencias creativas entre él y los potenciales directores evitaron que el proyecto se concretara.

PARA LA TRIVIA GEEK: El cómic de Pantera Negra fue publicado por primera vez en 1966, dos meses antes del surgimiento del grupo activista Panteras Negras. Debido a que mucha gente asoció ambos nombres, el título del cómic fue cambiado por Black Leopard, pero el cambio no prosperó y, al cabo de un par de meses, se volvió al título original.

 

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PELÍCULAS PARA SAN VALENTÍN

 

Sé lo que deben estar pensando: ¿El Cinéfilo Incurable tiene corazón? Probablemente, no. Y si alguna vez dije que la Navidad sí me gustaba, el Día de San Valentín ‒que como actualmente lo conocemos fue instituido a mediados del siglo XIX por las compañías impresoras de tarjetas de felicitación‒ me desagrada bastante. Las cosas suben de precio y las calles están atestadas de gente; lo cual, eso sí, me parece un buen pretexto para quedarse en casa con ese alguien especial y mirar algunas películas.

    Por tal motivo, he preparado esta breve lista de películas que recomiendo para ver en San Valentín. No son necesariamente cursis o comedias románticas a lo Meg Ryan; sino cintas que hablan sobre el amor en diferentes facetas… bueno, y una de horror que es alusiva a la celebración de San Valentín.

    Así pues, aquí les dejo el Top 5 del Cinéfilo Incurable para ver en San Valentín.

5.- Romeo y Julieta

Romeo + Juliet, Baz Luhrman, 1996

La generación de mis padres creció con el arquetipo del Romeo y Julieta de Franco Zefirelli (1968), con la hermosa Olivia Hussey, que es genial a su modo. Pero si debiera hacer una lista una de mis películas generacionales, seguramente esta versión Glam de la clásica tragedia de William Shakespeare estaría en ella.

    Filmada en locaciones en la Ciudad de México y Acapulco, el romance prohibido entre los jóvenes de dos familias rivales es trasladado de la Italia renacentista al California posmoderno, pero respetando el texto del Bardo Inmortal… ¡Y funciona! Las actuaciones de Leonardo DiCaprio y Claire Danes como la pareja titular son bastante adecuadas, y la participación de Harold Perrinau como Mercutio drag queen y John Leguizamo como Teobaldo pandillero son sobresalientes.

    Además, claro, del sensacional soundtrack completamente producto de su época que, seguramente, ocupa aún un lugar especial en la fonoteca de quienes fueron adolescentes en esa década.

4.- ABC de amor

Little Manhattan, Mark Levin, 2005

Esta película es uno de esos casos en los que una cinta independiente se vuelve súper famosa… por un trimestre y después se olvida por completo. Muy aparte de las modas cinematográficas, la película es bastante disfrutable, tierna por donde se le vea y con una bonita vuelta de tuerca al final que se agradece.

    Gabe (Josh Hutcherson), un preadolescente clasemediero de Nueva York se reencuentra con una antigua compañera del kínder, Rosemary Telesco (Charlotte Ray Rosenberg), de quien se enamora irremediablemente. El pobre Gabe conocerá lo que es enamorarse por primera vez mientras se enfrenta a la vida en la Gran Manzana y al divorcio de sus padres.

3.- El descanso

The Holiday, Nancy Meyers, 2006

Por lo general, las comedias románticas suelen ser una colección de clichés y lugares comunes, siendo su única variación las estrellas de moda que se enamoran en la pantalla… a menos que la protagonista sea Katherine Heigl, en cuyo caso no hay diferencia.

    De tal suerte, encontrar una película de dicho subgénero que tenga algo parecido a una personalidad propia y que, incluso, llegue a superar la receta con la que fue hecha, es verdaderamente notable. Éste es el caso con El descanso.

    La gringa Amanda (Cameron Diaz) y la británica Iris (Kate Winslet) han sufrido, cada quien en su terruño, terribles decepciones amorosas que las obligan a tomarse un descanso y dejar atrás todo lo que las rodea. Así pues, Amanda e Iris deciden intercambiar casas por las vacaciones y pasar unos días tomando el color local. Como era de esperarse, cada una de las chicas conoce a un galán local del cual se enamorarán.

    Así pues, lo que no sólo salva a esta peli de ser una más del montón, sino que la eleva a un nivel superior, son las actuaciones y la química de su cuadro de protagonistas, que se completa con Jude Law y Jack Black.

2.- Sangriento San Valentín

My Bloody Valentine, George Mihalka, 1981

Vamos, sabían que, siendo tan aficionado como lo soy al cine de terror y horror, no podía dejarlo fuera de esta lista.

    A principios de la década de 1980, el subgénero slasher estaba en la cúspide de la popularidad y Canadá hizo no pocas aportaciones a él. Quizá una de las más memorables es Sangriento San Valentín.

     Años atrás, el apacible pueblo minero de Valentine Bluffs fue sacudido por la tragedia durante el baile anual de San Valentín, por lo que dicho festejo fue cancelado. Hoy día, los habitantes del pueblo desoyen la prohibición y comienzan a ser asesinados brutalmente conforme se acerca la fatídica fecha.

    Sangriento San Valentín es uno de mis slashers favoritos. Aun cuando la premisa es poco original y su falta de presupuesto rezuma en cada fotograma, la ambientación es genial y tiene algunas de las escenas de muertes más originales que he visto ‒sobre todo la edición extendida‒.

    Existe un remake de 2009 que es increíblemente más fresa que la película original.

Lee el artículo competo aquí.

 

1.- Sueño de una noche de verano

A Midsummer’s Night Dream, Michael Hoffman, 1999

¿Quién podría dar una opinión más acertada sobre el amor y sus diferentes facetas que el Bardo de Avon? Esta adaptación de fin de milenio de la comedia romántica por excelencia escrita por William Shakespeare posee un reparto multiestelar que incluye a Kevin Kline como el egocéntrico director teatral Nick Bottom, el siempre genial Stanley Tucci como un sarcástico Puck, Rupert Everett y Michelle Pfeiffer como los reyes de las hadas, y Callista Flockhart (¿se acuerdan de ella?), Christian Bale y Sophie Marceau como los enamorados atenienses… y no, no sale Kenneth Branagh.

    Los enredos de varias parejas de enamorados y una compañía de teatro amateur ocasionados por los celos, la incomunicación y un poco de magia entretejen la trama de una comedia de situación que no sólo es divertida y picaresca, sino también conmovedora.

    Aunque hay una legión de adaptaciones de esta obra de Shakespeare, ésta es mi favorita. No sé, supongo que será porque fue la que vi cuando estaba en la secundaria.

 

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ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS

Que internacionalmente se comercializó con una variedad de títulos como Sisters of Satan, Innocents from Hell, Mark of the Devil 3 y Mark of the Devil III: Innocent from Hell; pero cuyo título original es Alucarda.

 

Juan López Moctezuma, 1977

 

Existe un subgénero del cine de explotación conocido como nunsploitation, cuya propuesta es presentar historias de monjas que sufren por la represión sexual al interior de los conventos. Con frecuencia estas películas toman prestados elementos del cine de terror. El nunsploitation es, probablemente, uno de los subgéneros más arcanos del cine, pues sólo vio un breve periodo de auge en la década de los 70 y su repertorio difícilmente llegará a una docena de cintas. Dos de ellas son mexicanas.

    Alucarda, cuyo argumento es atribuido en los títulos iniciales a López Moctezuma y otras cuantas personas, aunque retoma no pocos elementos de la novela gótica Carmilla de Joseph Sheridan LeFanu, cuenta la historia de Justine (Susana Kamini), una joven huérfana que es llevada a un convento que funciona como hospicio. Ahí conocerá a otra chica, Alucarda (Tina Romero), con quien trabará una amistad inconvenientemente profunda. Poco a poco, el Diablo poseerá a las muchachas, quienes sembrarán el terror al interior del convento. La única esperanza para la orden y las chicas a su cuidado es el Dr. Oszek (Claudio Brook, a quien Guillermo del toro llegara a comparar con Vicent Price), pero ¿podrá superar su escepticismo antes de que sea demasiado tarde?

    Juan López Moctezuma, quien fuera actor y director de teatro, asistente de Seki Sano y posteriormente socio de Jodorowsky en el Grupo Pánico, producía sus películas de manera independiente fuera del sistema de la industria cinematográfica mexicana. Esto lo llevaba a filmar las películas en inglés, con vistas a comercializarlas internacionalmente y no sin razón, pues su exhibición en nuestro país era prácticamente nula y, al menos en el caso de Alucarda, eran odiadas por la crítica.

    Es poco sabido que, en las décadas de 1960 y 1970, muchas películas “de arte” o “de autor” eran comercializadas en Estados Unidos a través de los autocinemas… ya que no importaba realmente lo que pasaran porque nadie iba al autocinema a ver las películas, dichos locales proyectaban cintas de mera explotación al mismo tiempo que la última moda del Avant-Garde. Las cintas de López Moctezuma, con un alto contenido erótico al mismo tiempo que con una sólida propuesta estética, podían comercializarse bajo ambas etiquetas.

     Y es precisamente el sello autoral lo que rescata la película. El guión no es particularmente bueno y está lleno de huecos; las actuaciones son decentes, aunque nada sobresalientes ‒particularmente si uno ve la cinta en su versión doblada al castellano‒, lo mismo que la música. Sin embargo, todos sus elementos se conjugan para crear una película completamente atmosférica y única que es más bien una atípica en el cine de vampiros y una verdadera anomalía en el cine nacional.

    El director mexicano no sólo logra crear su propio universo dentro de la película; sino que crea un tipo de vampiro propio y la peli se vuelve una mezcla de cine de vampiros con cine de posesiones satánicas. Alucarda nunca bebe sangre en pantalla; pero se alimenta de la juventud de chicas inocentes, es inmortal, tiene poder sobre los elementos y las mentes de sus adversarios, y sus víctimas se convierten en muertos vivientes. El director explicó alguna vez que quiso dotar a Alucarda con aquellos poderes que Bram Stoker nunca dijo que Drácula tenía, pero que uno intuía que debía tener. Del mismo modo, en una obvia referencia a la leyenda de Erzsébet Bathory, una vez que Justine resucita, duerme en una cripta dentro de un ataúd lleno de sangre.

    Por supuesto, no puede dejarse de lado el aspecto erótico de la película. López Moctezuma dijo alguna vez que era “en lo erótico donde la fantasía y la realidad podían unirse”[1], por lo que sus películas estaban llenas de erotismo y Alucarda no fue la excepción. Para ese momento, e incluso en décadas por venir, fue una de las películas de terror/horror con mayor cantidad de desnudos, tanto masculinos como femeninos, en pantalla ‒lo que me recuerda La marca de la pantera (Schrader, 1982), recuérdenme que hable de ésa después…‒.

    Creo que el elemento que más destaca en Alucarda, y que termina de consolidarla como una película de autor, es el diseño de arte, que no puede parecerme menos que maravilloso. El interior del convento parece una cueva y los muros de la capilla, de piedra cruda, están adornados con velas chorreantes y figuras humanas en relieve que se ven geniales; por no mencionar que tanto las paredes de la cripta como las del convento están tapizadas con sugerentes piezas de cuerpos humanos. Los hábitos de las monjas son extrañísimos y parecen más apropiados para vestir momias, y en general toda la paleta de colores responde a una propuesta estética definida.

    La fotografía, por otro lado, es bastante dispareja. A cargo de Xavier Cruz, la cinematografía es muy interesante a nivel de composición e incluso los movimientos de cámara y los encuadres son llamativos y dinámicos. Sin embargo, la iluminación deja que desear en escenas específicas; no es mala per se ‒hay muchas secuencias que están hermosamente fotografiadas‒, sino simplemente hay secuencias muy particulares en las que no funciona del todo.

    Con todo y su sello autoral, la película sufre por su poco presupuesto. No se trata para nada de una cinta de Serie B que alguien hizo simplemente por sacar algo de dinero; muy al contrario, se nota que alguien juntó todo el dinero que pudo para hacerla, pero hubiera estado bien tener un poco más. La cinta se ve rallada, de lo cual deduzco que usaron una película ya vieja para filmar, el sonido es malo ‒aunque bastante decente para los estándares del cine mexicano‒ y nunca he sabido por qué, de repente en algunos parlamentos, le cambian los nombres a los personajes y Justine en un par de escenas se llama Christine, mientras que Daniela (Lili Garza) se convierte en Camila.

    Finalmente, creo que el apartado en el que más sufre la película es en la edición. La postproducción ‒que engloba otros procesos como la edición, montaje, mezcla de audio, etc.‒ es un proceso largo y costoso, de hecho, es tan costosa o incluso más que filmar la película misma. Es por esa razón que muchas producciones con un presupuesto ajustado son editadas de manera descuidada o incluso torpe. En el caso de esta película, hay escenas con cortes muy duros y transiciones poco afortunadas, así como tomas de reacción fuera de tiempo.

    La película estuvo perdida durante muchos años hasta que fue rescatada por Manuel Santillán. La cinta se restauró e incluso algunas escenas perdidas fueron reinsertadas en el corte y fue reestrenada en la Cineteca Nacional en el año 2000.

    Alucarda es, sin duda alguna, un producto de su tiempo; pero es también una película subversiva que rompe con la tradición del cine mexicano de terror ‒que López Moctezuma siempre dijo que no le gustaba para nada‒. Con una marcada influencia del surrealismo, el estridentismo, la iconografía religiosa del Renacimiento y el Theatre du Grand Guignol, así como de las películas de terror de la Hammer, Alucarda termina siendo un capricho y una extravagancia que puede ser muy disfrutable si uno está en el mood para ello.

    Durante años, López Moctezuma planeó una secuela cuyo título sería Alucarda Rises from the Grave (Alucarda se levanta de la tumba); pero el proyecto nunca se concretó.

    Por cierto, ¿es mi imaginación o el tema principal del videojuego Demon’s Crest (Capcom, 1994) se parece sospechosamente al de Alucarda?

PARA LA TRIVIA: La cinta fue filmada en los Estudios América (hoy Estudios Azteca-América). La fachada del convento era parte de los decorados fijos del estudio y puede apreciarse en otras películas como Vacaciones de terror II: el cumpleaños infernal (Galindo, 1989).

 

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[1] Entrevista publicada en Cine Girl en 1977.

DIOSES Y MONSTRUOS

Gods and Monsters

 

Bill Condon, 1998

 

Es innegable que Frankenstein (1931), de James Whale, fue una de las películas más influyentes del siglo XX e, incluso, de la historia del cine. La imagen del monstruo cadavérico con pernos en el cuello y la cabeza plana se ha grabado con fuego en el inconsciente colectivo y se ha convertido en un icono de la cultura pop. Incluso, esta imagen de la Creatura de Frankenstein ha trascendido a la de la fuente original de la novela escrita entre 1816 y 1818 por la autora británica Mary Shelley.

 

    Gran parte del éxito de la película, y dicho sea de paso de su secuela, se debió a la genialidad de su director, el británico James Whale. Dioses y monstruos está basada en la novela Father of Frankenstein, de Christopher Bram, que es un relato ficticio sobre los últimos días en la vista del director británico, vistos a través de los ojos de su jardinero.

    En la película, Whale (Ian McKellen, insuperable) acaba de regresar a su casa luego de estar internado en el hospital debido a una embolia. Clayton Boone (Brendan Fraser cuando ya era conocido, pero antes de La momia [Summers, 1999]), el nuevo jardinero, despierta inmediatamente el interés de Whale, quien le pide que pose para pintar su retrato. Conforme el tiempo pasa, Whale y Boone se irán conociendo e irán trabando una compleja relación llena de satisfacciones y asperezas que pondrá a prueba su tolerancia y sus sensibilidades.

    Esta película la vi en el cable cuando estaba en el último año de la secundaria y me pareció maravillosa. Desde mi temprana adolescencia, Frankenstein ha sido mi libro favorito. Luego vi la película y me gustó, aunque recuerdo que me molestaba un poco que se hubieran tomado tantas libertades con respecto a la novela. Luego vi anunciado que iban a transmitir esta película y me causó mucha curiosidad. Cuando la vi, quedé abrumado.

    El guión de la cinta, escrito por el mismo Condon, es maravilloso. No sólo retrata a James Whale como lo que era: un artista sensible y temperamental, profundamente humano nacido en el entorno equivocado ‒bueno, seamos honestos: también era una superbitch‒; sino que crea un paralelismo entre él y la Creatura de Frankenstein. Se trata de monstruos ‒en la peli, Whale es marginado de la sociedad por su homosexualidad‒ que no tienen lugar en el mundo y que están condenados a vivir en la desesperación de la más absoluta soledad. Al igual que la Creatura, lo único que Whale busca es un amigo.

    Y así como hay un paralelismo entre Whale y la Creatura de Frankenstein, hay otro entre la Novia de Frankenstein y Boone, quien se horroriza y rechaza a Whale en un primer nivel; pero que comprende que ambos están constituidos de maneras muy similares. Incluso el personaje de Hannah (Lynn Redgrave), la sirvienta, es una clara parodia de la actriz de carácter Una O’Connor, quien se convirtiera en la actriz fetiche de James Whale.

    También me parecieron maravillosas las interpretaciones de Marlon Braccia como Elizabeth Taylor y Jack Betts como Boris Karlof… ¡Está igualito!

    Por otro lado, el guión está lleno de juegos de palabras y sutilezas que, interpretados por hábiles actores resultan por demás efectivos. La secuencia en la que Whale, en la recepción de la princesa Margarita (Cornelia Hayes O’Herlihy), presenta a Clayton como su nueva conquista sin que éste se dé por enterado es simplemente deliciosa. Muchos de los parlamentos son polisémicos e invitan al espectador a realizar varios visionados de la cinta para captar sus diferentes niveles de lectura.

    Y algo que me parece verdaderamente encomiable es que la película es de lo más accesible. Parece mucho menos compleja de lo que en realidad es. A diferencia de otras cintas que se las dan de muy intelectuales y cuyo cometido parece ser hacer sentir estúpido al público que no le entendió porque es demasiado profunda ‒sí, ¡Madre! (Aronofsky, 2017), te estoy viendo a ti‒, esta cinta lleva al espectador de la mano por un relato que, si bien no es históricamente preciso, sí retrata el genio artístico de Whale y su relación con su obra; además de ser una conmovedora historia sobre la compasión y la dignidad. Se trata de la lucha de un hombre incomprendido que trata de vivir su decrepitud con dignidad.

    Aun cuando en esencia se trata de un relato trágico, la película no está exenta de cierta comedia. De hecho, hay muchos momentos muy graciosos que se dan a partir de los parlamentos bien ejecutados y de la compleja relación entre los dos personajes centrales. En este sentido, creo que se trata de una película muy teatral ‒de hecho, sí existe una adaptación para teatro‒. La mayoría de las secuencias son simplemente dos personas hablando en un estudio ¡pero qué bien se ven!

    Por supuesto, nada de esto habría sido posible sin la hábil dirección del desigual Bill Condon, a quien quizá recuerden por películas como Kinsey: el científico del sexo (2004), Chicago (2002)… o La saga Crepúsculo: Amanecer Partes I (2011) y II (2012) ‒porque hasta él tiene que pagar la renta‒, y la versión Live Action de La Bella y la Bestia (2017). Empero, en esta película, los actores están muy bien dirigidos y todos están en un tono de drama bien logrado.

    La fotografía, a cargo de Stephen M. Katz (colaborador recurrente de Condon en sus primeros trabajos), al igual que el guión y las actuaciones está llena de matices y sutilezas. De hecho, la fotografía es propositiva y expresiva, y es utilizada como una herramienta narrativa de gran eficiencia. Por ejemplo, las escenas de flashbacks, sueños o de alucinaciones de James Whale están filmadas con un ligero desenfoque para darles un toque de irrealidad.

    Otro de los elementos que siempre me han encantado de esta película es el diseño de los sets, así como el set dressing. Desde la recreación del estudio donde se filmó La novia de Frankenstein (Whale, 1935), hasta el maravillosamente decorado set del estudio de Whale, pasando por sus recuerdos de las trincheras en la Primera Guerra Mundial, con su claro tributo a los sets de la primera Frankenstein.

    En algún momento de la película, Whale menciona que La novia de Frankenstein era una comedia sobre la muerte. Del mismo modo, Dioses y monstruos, aunque no es una comedia como tal, tiene un tono bastante ligero para hablar de esa barrera insondable que significa el fin de la vida. Es una película muy bien hecha, que resulta en una experiencia enternecedora y, sin duda, una de mis películas favoritas.

PARA LA TRIVIA: Cinco dibujos originales de James Whale fueron utilizados como parte de la utilería de la película.

 

 

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LA FORMA DEL AGUA

The Shape of Water

 

Guillermo del Toro, 2017

 

Aquellos de ustedes, queridos lectores, que lleven algún tiempo siguiéndome, estarán al corriente de mi afición por las películas del director jalisciense Guillermo del Toro. De hecho, no tendría reparo en ponerlo en mi lista de directores favoritos. Y no, no todas sus películas me encantan ‒Titanes del Pacífico (2013) sigue sin convencerme‒; pero el hombre sin duda tiene una propuesta artística muy bien definida y un estilo propio, e incluso ha sido de esos pocos locos que han logrado convertir el cine de autor en cine comercial[1]. Puedo decir, de entrada, que La forma del agua me gustó mucho, que los escándalos sobre un supuesto plagio me parecen interesantes pero un tanto carentes de fundamento y que, aunque fue la película que le mereció el León de Oro a Mejor Director, no me parece que ésta sea la mejor cinta del tapatío. Lo detallo todo a continuación.

    La forma del agua, ambientada en EE.UU. a finales de la década de 1950, narra la historia de Elisa Esposito (Sally Hawkins, de antología), una empleada de limpieza que quedara muda en su tierna infancia, quien trabaja para un centro de investigación secreto de la Fuerza Aérea. Cierta noche, un nuevo “activo” es llevado al centro de investigación. Se trata de un extraño ser parecido a un pez con apariencia humanoide capturado en el Amazonas ‒clara referencia a El monstruo de la Laguna Negra (Arnold, 1954)‒. Los científicos del centro realizan crueles experimentos con él, tratando de desarrollar nuevas tecnologías que los ayuden a ganar la Carrera Espacial. Elisa descubre a la criatura y entabla secretamente con ella una profunda relación. Cuando el malvado y melodramático Richard Strickland (Michael Shannon), directivo a cargo de la operación, decide que ya han aprendido todo lo que podían de la criatura y que lo único que queda por hacer con ella es viviseccionarla, Elisa recurrirá al carismático grupo de marginados sociales que son sus amigos para salvarla.

    Antes que cualquier otra cosa, quiero hablar sobre esas acusaciones de plagio contra del Toro. Es imposible negar la enorme cantidad de similitudes y lo profundo de éstas entre el cortometraje The Space Between Us (Nollkaemper, 2015) ‒ya lo vi, está más o menos‒ y La forma del agua; sin embargo, del Toro ha declarado que el proyecto de su película comenzó desde 2011 y que lo tiene todo perfectamente documentado. De hecho, la preproducción inició con el diseño de la criatura y el laboratorio a cargo de un equipo de artistas que él pagó con dinero de su bolsillo. Y yo le creo. Sobre todo, le creo porque se trata de una historia completamente genérica, no mamen ‒también tiene muchas similitudes con una novela soviética de 1928 titulada El hombre anfibio‒; podría ser Liberen a Willy (Wincer, 1993), E.T. el extraterrestre (Spielberg, 1982), Prehisteria (Band y Band, 1993), El joven manos de tijera (Burton, 1990) o una larguísima y variopinta lista de etcéteras… ¡Hombre! Hasta hay partes en las que parece un episodio de Los expedientes X (1993- ). Por otro lado, ¿James Cameron no podría acusar a los de The Space Between Us de plagio? La criatura de su película se parece sospechosamente los Na’vi de Avatar (Cameron, 2009) y el final del corto es muy parecido al final de El secreto del abismo (Cameron, 1989)…

    Volviendo a lo que nos atañe, puedo decir que la película me gustó bastante… aunque sentí que algo le faltaba. Creo que le falta carnita. Francamente, creo que se siente un poco superficial. No es mala, en absoluto, por el contrario; pero comparándola con otras películas de del Toro que son fantasía y además son muy complejas dramáticamente y a nivel personajes ‒como El espinazo del Diablo (2001) o El laberinto del Fauno (2006)‒, La forma del agua parece que no pasa de ser una especie de Mad Men (2007-2015) conoce a El monstruo de la Laguna Negra y es completamente predecible de principio a fin. Además de que me parece que también es la peli menos original de del Toro… y eso que Titanes del Pacífico ya se parecía demasiado a Neon Genesis Evangelion (1995-1996).

    Ahora bien, a pesar de lo anterior, el guión me pareció bastante bueno. Logra tomar una anécdota contada hasta el cansancio y volverla interesante. Los personajes secundarios son encantadores y contribuyen a crear esta idea de que realmente todos somos criaturas extrañas a los ojos del otro. La idea se refuerza cuando, de manera muy inteligente, el director utiliza el contraste para demostrar su punto: los personajes realizan labores completamente cotidianas en los ambientes más increíblemente extracotidianos.

    Por supuesto, la película está plagada con esos personajes extravagantes que tanto le gustan al director y ésta termina convirtiéndose en una fábula sobre la tolerancia y la aceptación: la protagonista sufre una discapacidad, sus mejores amigos y cómplices son un artista homosexual y una mujer negra en la época en la que el movimiento por los Derechos Civiles era apenas un sueño… y bueno, el hilo conductor de la película es básicamente un romance interespecies.

    Por otro lado, también creo que, en cierta medida, esta película no termina de sentirse del todo como una cinta de Guillermo del Toro, a pesar de que se trata de uno de sus proyectos más personales. Por supuesto, todos los artistas tienen derecho a experimentar con su obra y creo que el resultado de peli cinta demuestra que el tapatío experimentó en la dirección correcta… pero hay secuencias que parecen sacadas de una película de Jean Pierre Jeunet y no son pocas. Supongo que tendrá que ver con la evolución de del Toro como artista.

    Eso sí, la dirección de actores está muy bien y todos los actores que participan en la película están excelentes. Sobre todo, me encantó la actuación de Doug jones, quien interpreta a la criatura. Me gustó que la mayoría de las escenas fueron logradas con el uso de una botarga y animatrónicos ‒Jones tardaba tres horas en ponerse el traje completo‒, y que la utilización de CGI se redujo al mínimo, explotando la interpretación de Jones justo en el set. Me atrevería a decir que Doug Jones es el mejor actor de criaturas desde Tom Woodruff Jr. … incluso, quizá, desde el gran Kevin Peter Hall.

    Otra cosa que me gustó mucho de esta cinta fue la fotografía de Dan Laustsen ‒con quien del Toro trabajara en Mimic (1997) y La cumbre escarlata (2015)‒. Las películas de del Toro siempre han tenido una influencia estética del Barroco novohispano, sobre todo del arte sacro; pero en ésta, más que irse por los claroscuros, las tomas abigarradas de detalles y los doraditos, prefirió utilizar tonos sobresaturados de verde, azul y turquesa. Y la cinta se ve maravillosa. Es curioso que el plan original del director fuera filmarla en blanco y negro.

    Finalmente, me gustaron muchísimo la edición y el montaje de la película. Es una cinta larga, con una duración de dos horas, pero está montada de tal forma que la narrativa es súper fluida y no se siente larga ni pesada en ningún momento, aun cuando uno ya sabe lo que va a pasar. Muy probablemente lo hicieron a propósito; pero la edición de la película hace que el flujo de la narración se sienta libre y orgánico, como el flujo de una corriente de agua.

    La forma del agua muy probablemente no sea un plagio directo de nada; pero ciertamente no es muy original. Tampoco me parece que sea la mejor película de Guillermo del Toro; francamente, creo que se merecía premios por Mejor Director por otras películas más que por ésta. Empero, se trata de una muy buena película, medio cursilona y hasta un poco frívola en algunas partes ‒a veces creo que Memo del Toro leyó demasiado a Jane Austen‒, pero no por eso menos disfrutable; vamos, que es un melodrama hecho y derecho… como todos los cuentos de hadas y éste es uno muy bueno. Además, está muy bien actuada, dirigida y fotografiada, y es intensamente emocional y majestuosamente hermosa, y la música de la época es la cereza del pastel que termina por internarnos en este mundo de la Guerra Fría donde las sirenas y los humanos coexisten… para bien o para mal.

Quizá Universal Pictures, la otrora Casa de los Monstruos, podría aprender un par de cosas de cinta como ésta, ya que sus películas de monstruos parecen haber perdido el rumbo por completo.

PARA LA TRIVIA: Evidentemente, la principal influencia para esta cinta fue El monstruo de la Laguna Negra y, para rendirle tributo, del Toro había decidido filmarla en blanco y negro. Sin embargo, terminó filmándola a colores porque, de hecho, era menos costoso.

 

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[1] Por favor, si tienen alguna duda sobre cómo estoy utilizando el término «Cine de Autor», chequen mi Manifiesto, ahí lo explico todo.

EDITORIAL 2018

 

Originalmente, para este Día de Reyes había pensado hacer un Top 5 de películas basadas en juguetes… sin embargo, bien pronto caí en cuenta de que sólo hay como cuatro o cinco y la mayoría son inmundas. Así pues, quizá los comentarios sobre películas de las franquicias de G.I. Joe o Transformers, o las campy películas de Clue (Lynn, 1985) y He-Man y los Amos del Universo (Goddard, 1987) tendrán que esperar para mejor ocasión, y esta entrada del blog se convertirá en una especie de editorial en el que disertaré un poco sobre mis experiencias como cinéfilo y como coleccionista de figuras de acción durante el último año.

    Recuerdo que a inicios del año me sentía entusiasmado porque la cartelera pintaba mejor que la del 2016 y los resultados fueron variados. Películas que fui a ver a sabiendas de que iban a ser malas, como Resident Evil: el capítulo final (Anderson, 2016) o Kong: la Isla Calavera (Vogt-Roberts, 2017); películas que esperaba ávidamente y me decepcionaron, como ¡Madre! (Aronofsky, 2017) O Guardianes de la galaxia Vol. 2 (Gunn, 2017); películas que creo que me gustaron más de lo que deberían, como Alien: Covenant (Scott, 2017) o Wonder Woman (Jenkins, 2017); sorpresas más que agradables como Blade Runner 2049 (Villeneuve, 2017) o las comidillas del año: La momia (Kurtzman, 2017) y Star Wars: los últimos Jedi (Johnson, 2017). Y aún no he visto Logan (Mangold, 2017).

    Como lo he comentado ya varias veces, la verdad es que ya me aburrieron las películas de superhéroes y este año traté de evitar tantas como pude. Mi plan original era ver La Liga de la Justicia (Snyder, 2017); pero después perdí el interés… ni siquiera supe de qué se trató: tuve la hipótesis de que iban a resucitar a Superman como villano y que el resto de los metahumanos debían aliarse para derrotarlo, onda la saga de El reino de los Supermanes, pero ya después no me enteré de qué se trataba. La que si vi fue Spider-Man: de regreso a casa (Watts, 2017)… y me arrepiento un poco.

    Digo, el mayor fuerte de crear un universo cinematográfico tan estrechamente ligado es precisamente su punto débil: Sientes que tienes que ver todas las películas, así que si una o dos no te interesan, lo más probable es que dejen de interesarte las demás.

    También me quedé con ganas de ver varias películas como ¡Huye! (Peele, 2017), El demonio 3 (Salva, 2017) o Jigsaw (Hnos. Spierig, 2017)… independientemente de sus calidades, soy fan y la verdad es que lamento que siempre hubieran estado en horarios tan inconvenientes. Quizá no me perdí de nada, pero me hubiese gustado saberlo.

    En el campo de las figuras de acción hubo cosas muy interesantes. Las series de Aliens de NECA están padres y tienen algunas ideas geniales, como las figuras tributo a los aliens de Kenner de los 90… ojalá y mejoraran su control de calidad y sus materiales. Las figuras del 40 aniversario de Star Wars, que también son una especie de tributo a las legendarias Originales 12 fabricadas por Kenner en 1977, están muy padres.

    Las figuras de The Last Jedi en formato de 3 ¾” son tan decepcionantes como la película y odio que les hayan quitado articulaciones. De hecho, estoy seguro de no ser el único que ha protestado al respecto, pues Hasbro lanzó una línea de figuras Black series en formato de 3 ¾”.

    ¿Recuerdan el CommTech Chip? Ese chip que acompañaba a las figuras de Episodio I y que les permitía reproducir frases de la película… si uno compraba el lector CommTech por separado, claro. Fue la estafa que catapultó los precios de las figuras de Star Wars y que, de hecho, contribuyó a la quiebra total de Kenner en 2000. Bueno, pues volvó en forma del “Force Link”, un aparato que igual se debe comprar por separado y que permite que las figuras reproduzcan frases de la película, hagan ruiditos ¡y es necesario para que los vehículos activen luces y sonidos! Esta vez fuiste demasiado lejos, Hasbro.

    Por eso me da gusto que Hasbro haya perdido la licencia de los juguetes de Jurassic World. Así pues, me entusiasma que el próximo año Mattel vaya a encargarse de producir dos series de figuras de acción basadas en la franquicia: los juguetes oficiales de la nueva película, Jurassic World: Fallen Kingdom en primavera y, supuestamente, juguetes basados en la película de 1993 en invierno. Mattel ha sido muy hermético al respecto y no ha difundido imágenes de la línea.

    Hace unos meses se difundió la noticia de que, de hecho, Hasbro ofreció una fuerte suma para comprar Mattel. Por suerte, las negociaciones no prosperaron.

    Ya que hablé de Hasbro, me pongo a pensar en otra corporación multinacional que parece dispuesta a comprarlo todo: The Walt Disney Corporation. La estrategia utilizada por la Casa del Ratón ‒que es la misma que utilizan compañías como Nabisco, Hasbro, Nestlé o EA Games‒ es una clásica estrategia capitalista de libro de texto: tu compañía produce cosas de mejor calidad que la mía; pero la mía produce y vende más volumen en otros territorios porque tengo un aparato de distribución más grande, así que, para no competir contigo y arriesgarme a perder, mejor compro tu compañía, me quedo con los productos que me interesan produciéndolos en calidad inferior y hago quebrar a tu compañía, que ya es una división de la mía.

    La ventaja de que Disney comprara Fox es, por supuesto, que tendremos más personajes del Universo Marvel interactuando en las películas, podría haber algunos crossovers interesantes ‒¿Alguien ha pensado ya en Guardianes de la galaxia vs Aliens?‒… y quizá hasta tengamos por fin una película de los 4 Fantásticos apta para consumo humano; pero las repercusiones generales son devastadoras. Disney compró el mayor porcentaje de acciones de 21st Century Fox que la Ley Antimonopolios de EE.UU. le permitió: el 30%, convirtiéndose con ello en el accionista mayoritario de la corporación, lo que quiere decir que todos los proyectos y propuestas de la empresa deben ser aprobados por Disney.

    Esto no sólo significa que las nuevas ideas tendrán menos lugares para expresarse; sino que, con la adquisición, Disney controlará alrededor del 40% de la taquilla de Estados Unidos. Si uno toma en cuenta que entre un 20% y un 30% del PIB de EE.UU. proviene de la industria del entretenimiento, estaríamos hablando de que una sola corporación concentra casi la décima parte de la riqueza total de la segunda potencia económica del mundo. Lo que es un tanto aterrador. Quizá ese mundo que plantea Gladiador del futuro (Jewison, 1975), en el que los países han desaparecido y la gente habita en feudos que son propiedad de las grandes corporaciones, no esté tan lejos de ocurrir.

    Tal dominancia en el mercado supondrá que la Casa del Ratón puede dictar las reglas del juego para la industria del cine, estableciendo sus propios tabuladores para pagos de regalías por recaudación de taquilla ‒lo cual ya hizo con The Last Jedi‒, sus propias condiciones para exhibición de películas, sus propios mecanismos y restricciones para los servicios de streaming, sus propios acuerdos sindicales y básicamente hacer lo que le dé la gana en cuestión de contratos y prestaciones laborales.

     Así pues, creo que el dizque no monopolio de Disney podría acentuar antes que mitigar la profunda crisis que vive la industria cinematográfica de Hollywood desde principios del siglo.

    Es, sin duda, una época de cambios. Si éstos serán para bien o para mal, eso aún está por verse. Por lo pronto, yo sigo emocionado por los próximos estrenos de este año: La forma del agua, dirigida por uno de mis autores favoritos, Guillermo del Toro; Deadpool (Miller, 2016) me gustó mucho, así que veré la segunda; Jurassic World: Fallen Kingdom (Bayona, 2018); el reboot de Depredador me da mucho morbo; Ready Player One (Spielberg, 2018) me da curiosidad; Solo: A Star Wars Story (Howard, 2018) tiene todos los elementos para fracasar en la taquilla y quiero ver si será así; y hay por ahí una peliculita sobre la tormentosa relación entre Percy Shelley y Mary Wollestonecraft Godwin (luego Mary Shelley) que se ve interesante.

    También, si todo sale bien, este año podré lanzar una nueva fase del proyecto de El Cinéfilo Incurable que me emociona mucho y espero que les guste; pero que no voy a revelar por ahora, no sea que se cebe. Muchas gracias por leerme, espero que podamos seguir compartiendo nuestra pasión por el cine en este año que comienza y en muchos más por seguir.

    Si gustan revisar de qué otras películas hablamos este año, los invito a echarle un ojito al Sumario de 2017.

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