STAR WARS: LA ÚNICA COLECCIÓN TAN GRANDE COMO EL UNIVERSO

 

Actualmente, es casi imposible pensar en una película de alto presupuesto, algún blockbuster de acción, aventura o fantasía, que no vaya acompañado, incluso desde meses antes de su estreno, por una avalancha de artículos promocionales. Con mucha frecuencia, ya sea dirigidos a los consumidores infantiles o al coleccionista adulto, esta legión de productos incluirá una serie de figuras de acción. Dichas colecciones se han vuelto una parte casi imprescindible de la memorabilia cinematográfica, e incluso en algunos casos, iconos de la cultura pop.

    Pero no siempre fue así.

    En este artículo, que he dividido en dos partes, hablaré brevemente sobre la línea de figuras de acción que dio origen a la industria de las figuras de acción basadas en películas como la conocemos actualmente: Star Wars, además de la línea Power of the Force 2. Es un artículo que he pospuesto durante mucho tiempo; pero que por fin me di el tiempo de escribir. Para su realización, me baso en tres fuentes principales: los libros Star Wars: The Ultimate Action Figure Collection, de Stephen J. Sansweet, publicado por Chronicle Books en 2012; y Warman’s Action Figures Field Guide, de Mark Bellomo, publicado por Krause Publications en 2006; además del canal de YouTube Toy Galaxy.

    Antes de comenzar, cabe aclarar que en este texto abordaré únicamente las figuras de la colección “vintage”, es decir, las producidas por Kenner entre 1977 y 1985, y la colección conocida como Power of the Force 2, producida por Hasbro/Kenner desde 1995 y hasta la quiebra de ésta última en 2000. Las razones son varias, pero pueden resumirse en dos: Primera, que son mis series favoritas, pues crecí coleccionando Power of the Force 2 y, segunda, que son de las dos colecciones sobre las cuales logré reunir mayor información.

    Aclarado lo anterior, comencemos.

    A mediados de la década de 1970, el director californiano George Lucas buscaba financiamiento, sin demasiado éxito, para filmar su fantasía espacial a la Flash Gordon titulada The Star Wars. Ningún productor creía en una película inspirada en loa seriales de las matineés sabatinas de los años 30; algunos estaban interesados en el trabajo de Lucas, pero ciertamente no en The Star Wars. Finalmente, para terminar de convencer a los productores de financiar su Space Opera, Lucas decidió reducir drásticamente su salario, a cambio de que le permitieran quedarse con los derechos para licenciar merchandising de su película.

    Como lo mencioné anteriormente, en aquel entonces producir juguetes basados en películas no era común en absoluto; nunca se había implementado un programa específicamente para tal fin, ni se consideraba un negocio rentable. En ese momento, las únicas figuras de acción licenciadas que habían tenido éxito eran los muñecos de 12 pulgadas de El hombre nuclear (1974-1978)–que, dicho sea de paso, eran geniales– y sus accesorios, fabricados por Kenner; las figuras de 8 pulgadas de El planeta de los simios (producidas entre 1974 y 1975, que mezclaban personajes de las películas con personajes de la serie de TV), y Star Trek (1966-1969) fabricadas por Mego. Tanto Kenner como Mego seguían los cánones de múltiples articulaciones y ropa de tela de la colección G.I. Joe de Hasbro, compañía que acuñara el término “figura de acción” en la década de 1950. De tal suerte, los productores no tuvieron mayor empacho en concederle a Lucas lo que pedía.

    Lucas ofreció la licencia de Star Wars a Mattel y a Mego. Ambos la rechazaron. Después de tocar muchas puertas, el director californiano acudió a otra compañía juguetera, más pequeña y que en aquel entonces era propiedad de la gigantesca empresa de cereales General Mills, llamada Kenner Products.

    La compañía fundada en 1946 por los hermanos Steiner en Cincinnatti, Ohio, había tenido bastante éxito, como se mencionó arriba, con la línea de El hombre nuclear, además de haber sido pionera en la implementación de comerciales de juguetes en la televisión estadounidense. Tras ver algunos avances de Star Wars, a Bernie Loomis, en aquel entonces presidente de Kenner, le pareció que los personajes de la película eran interesantes visualmente y que podrían hacer juguetes divertidos con ellos, así que compró la licencia.

    El trato se cerró de manera tardía apenas un mes antes de que la película se estrenara en cines y, según se rumora, Lucas tuvo que bajar mucho su precio. Algunas leyendas urbanas mencionan que, de hecho, la licencia para las primeras 12 figuras de Star Wars se vendió por apenas USD$50. Loomis no estaba particularmente emocionado por el proyecto y, dado que el proceso para fabricar una serie de figuras de acción tomaba entre 12 y 18 meses, supuso que podría comenzar a vender las primeras figuras en primavera de 1978.

    Sin embargo, el éxito de Star Wars en el cine tomó por sorpresa al mundo entero –incluido a Lucas– y los niños pedían juguetes de sus personajes favoritos para recrear las aventuras espaciales en sus casas –tomemos en cuenta que las películas en video no existían aún–. Loomis se dio cuenta de que los juguetes no estarían listos para la importantísima temporada navideña, por lo que ideó una estrategia tan ingeniosa como controvertida para su tiempo… aunque ahora es de lo más común.

    Para la temporada, las jugueterías fueron surtidas con portafolios de cartón –no cajas, como aseguran algunas fuentes–, prácticamente vacíos, conocidos como Early Bird Certificate Package, que eran vendidos al público. El portafolios se desdoblaba y la parte interior podía ser usada como stand para exhibir las figuras. Asimismo, incluía algunas calcomanías de Star Wars, pequeñas piezas de plástico para parar a los muñecos en el stand de cartón y, lo más importante: un formato desprendible que debía ser llenado con los datos del consumidor y enviado por correo para que, entre febrero y junio de 1978, recibiera, a vuelta correo, un paquete con las primeras cuatro figuras de la colección: Luke Skywalker, la princesa Leia, Chewbacca y R2-D2.

    Los certificados no tuvieron una buena aceptación entre el público, y muchos de ellos se quedaron en los estantes de las tiendas y fueron devueltos a Kenner. Del mismo modo, la prensa criticó duramente a la empresa por tratar de inducir a los consumidores a comprar a ciegas. Empero, con críticas y fracasos de ventas, los certificados Early Bird consiguieron algo que a Loomis le pareció por demás favorable: mantuvieron el interés del público en la tan ansiada línea de juguetes de Star Wars.

    La primera línea de 12 figuras de acción incluía a Luke, Leia, Han Solo, Chewbacca, C-3PO, R2-D2 –Arturito, pa’ los cuates–, Obi-Wan Kenobi, Darth Vader, un Stormtrooper, un Comndante Imperial, un Jawa y un Morador de las Arenas, y fue producida a marchas forzadas. En 1978, cada figura se vendía por alrededor de USD$2.

    Los escultores debían trabajar con tiempos de entrega imposibles y muy poco material de referencia y, para satisfacer la demanda, las figuras fueron maquiladas en diferentes fábricas de varios países asiáticos. Esto dio como resultado que muchas de las figuras tuvieran errores y defectos de producción, así como que existieran muchas versiones variantes de la misma figura –que han hecho las delicias de los coleccionistas–: Han Solo con cabeza pequeña, Han Solo con cabeza grande, Luke con cabello y cejas amarillos, Luke con cabello café y cejas negras, Luke con cabello amarillo o beige; Obi-Wan con cabello blanco, Obi-Wan con cabello gris; Chewbacca con ballesta verde, azul o negra; Vader, Luke y Obi-Wan son lightsabers de dos y tres secciones, y una nutrida lista de etcéteras. También derivó en que muchas figuras de personajes secundarios –particularmente la Serie 2, lanzada para la Navidad de 1978–, como el cazarrecompensas Greedo o el fugitivo “Walrus Man” (luego rebautizado como Ponda Baba) no se parecieran en absoluto a sus contrapartes de la pantalla.

    Gran parte del éxito de las figuras se debió a una idea arriesgada por parte de Loomis y su equipo. Rápidamente, entendieron que el universo de Star Wars era vasto y rico y que las naves espaciales, así como las criaturas y otros vehículos, eran también estrellas de este cuento de hadas contemporáneo. Por tal motivo, Loomis decidió utilizar la poco popular escala de 3.75 pulgadas para sus figuras –por cierto, la escala de todas las figuras de la colección vintage [1977-1985] toma como referencia el tamaño del primer Luke Skywalker–. Esto permitiría producir naves y vehículos que podrían ser utilizados con las figuras sin que fueran demasiado voluminosos o costosos. De hecho, originalmente se publicitaron como “Mini-Action Figures”.

    Eventualmente, en 1979, Kenner produjo figuras de 12 pulgadas de Star Wars y, aunque gozaron de gran éxito, no fueron tan populares como las figuras de 3.75”. Aunque el nivel de detalle en las figuras básicas era bueno para la época, la paleta de colores era limitada –en parte debido a la tecnología disponible en la época–; del mismo modo que la escala pequeña y los esfuerzos por abaratar los costos de producción obligaron a los fabricantes a reducir las articulaciones. Todas las figuras de la primera colección de Star Wars tienen sólo 5 puntos de articulación: caderas, hombros y cuello; excepto por el Stormtrooper y Chewbacca, cuyos torsos y cabezas son una sola pieza.

Boba Fett: el Santo Grial de los coleccionistas

Para 1979, la colección contaba con 21 figuras básicas, media docena de vehículos, una criatura y varios playsets. La figura número 21 era un personaje completamente nuevo cuya primera aparición en pantalla se diera en la Navidad de 1978 durante el segmento animado del infame Especial de Navidad de Star Wars (1978): el cazarrecompensas Boba Fett.

    En el material promocional previo al lanzamiento de la figura se anunciaba que ésta disparaba un pequeño proyectil rojo del jetpack en su espalda. Sin embargo, más o menos en esa época, hubo reportes de niños que se asfixiaron al tragarse misiles de juguetes de la colección de juguetes de Batlestar Galactica, por lo que Kenner decidió fijar el proyectil de Boba Fett a la figura y retirar el mecanismo que lo disparaba. De hecho, la figura que finalmente se produjo de forma masiva y se vendió al público incluía una nota en la que se leía:

“Originally our STAR WARS Boba Fett action figure was designed to have a spring-launched rocket. The launcher has been removed from the product for safety reasons. If you are dissatisfied with the product, please return it to us and we will replace it with any STAR WARS mini-action figure of your choice.

Thank you for your support.” [1]

    Aun con dicho cambio, una figura empacada de Boba Fett en el blíster de 1979 en buen estado puede sobrepasar los USD$650. A lo largo de la historia, las leyendas urbanas de “mi primo consiguió uno de los Boba Fett que disparaban el misil” han sido comunes; pero todos falsos. Las figuras que disparaban el proyectil nunca fueron puestas a la venta. Apenas una docena de estas figuras sin empacar salió de las fábricas y fueron utilizadas por Kenner con fines promocionales y de exhibición únicamente. Según se sabe, en todo el mundo sólo existe una figura empacada de Boba Fett con lanzamisiles funcional, fue utilizada para la exhibición de Kenner en la Feria del Juguete de Nueva York en 1979 y su precio actualmente se calcula entre los USD$120,000 y los USD$150,000.

Con las enormes ganancias producidas por las figuras de Star Wars, no podemos culpar a Kenner por tratar de explotar la franquicia el mayor tiempo posible. La colección de la primera película se extendió desde 1977 hasta 1979; mientras que la de El Imperio contraataca (Kershner, 1980) se produjo desde 1980 hasta 1982 y la de El regreso del Jedi (Marquand, 1983), entre 1983 y 1984. Para 1985, Kenner produjo simultáneamente tres líneas de figuras basadas en Star Wars: Star Wars: The Power of the Force, en la que había personajes de las tres películas que no habían aparecido en las series anteriores; Star Wars Droids y Ewoks, estas dos últimas basadas en las series de dibujos animados. Cabe mencionar, además de que, para el estreno de cada nueva película, Kenner reempacaba las figuras de la peli anterior en cartones con el título de la nueva cinta, lo cual maximizaba sus ganancias, daba oportunidad a los fans de conseguir figuras anteriores y creó también un buen número de versiones variantes de cada figura. Una estrategia similar se utilizó con las figuras de las Trilogía de El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003) a inicios de este siglo.

    Para 1985, cuando la producción de los juguetes de Star Wars fue cancelada definitivamente, tan sólo la colección de figuras basadas en las películas contaba oficialmente con 92 figuras de acción diferentes. Sin embargo, esta cifra es inexacta, pues no se están tomando en cuenta los muñecos que no se distribuyeron en los EE.UU. –como el codiciado Yak Face–, ni las figuras empacadas como sets – como Jabba the Hutt o la banda de Max Reebo, por ejemplo–.

    El final de la Trilogía Original derivó en un descenso del interés por Star Wars y éste, a su vez, se vio reflejado en las bajas ventas de las figuras, por lo que la producción de éstas fue terminada en 1985[2] –. El legado de la colección vintage de Star Wars es innegable: con ella nacieron las figuras de acción de escala pequeña, el merchandising moderno de licencias de películas y el coleccionismo de juguetes como se conoce actualmente. Antes de Star Wars, el coleccionismo de juguetes se limitaba a piezas antiguas vendidas a altos precios por casas especializadas. Con Star Wars cualquiera podía coleccionar, intercambiar y cazar a su personaje favorito de una galaxia muy muy lejana… ¡Y gracias a la Fuerza por eso!

Bib Fortuna: la figura que el coleccionismo arruinó.

Una de las figuras más populares de la serie de El regreso del Jedi fue la del mayordomo de Jabba el Hutt, Bib Fortuna. En algunas fotos de prototipos, el abrigo del sirviente twi’lek era de color rojo oscuro; sin embargo, éste fue cambiado por uno color beige o gris en la versión final. En México, la maquiladora Lili Ledy, que tenía la licencia para producir las figuras de Star Wars, produjo una cantidad desconocida de figuras de Bib Fortuna con un abrigo color borgoña.

    Rápidamente, esta rarísima figura sólo fabricada en nuestro país se convirtió en un artículo súper coleccionable, por lo que las falsificaciones no se hicieron esperar. Con el paso del tiempo –las primeras falsificaciones salieron a la luz en 2004; pero la verdadera epidemia se dio entre 2008 y 2010–, hubo tantas falsificaciones de este muñeco y éstas se parecían cada vez más al original que, de ser una pieza difícil de conseguir y muy costosa, ahora es muy común y no vale prácticamente nada pues, a menos que esté sellada dentro de su empaque, es casi seguro que sea una figura apócrifa. Un servidor tiene una en su colección y, aunque lo compré algunos años antes de que los piratas se volvieran populares, estoy casi seguro de que se trata de una falsificación.

Star Wars: The Epic Continues: la serie de figuras que nunca se produjo

Para 1985, como mencioné arriba, el interés en las figuras de Star Wars había decaído. Kenner ideó una estrategia para repuntar las ventas de la única colección tan grande como el Universo: producir una colección de figuras spin-off basadas en una hipotética cuarta película cuya trama consistía en que Tarkin –quien misteriosamente habría sobrevivido a la destrucción de la primera Estrella de la Muerte– y los últimos restos del desmantelado Imperio Galáctico se aliarían para reconstruir la tiranía. Pieza clave de dicho plan sería Ata Prime, el líder de la Guardia Imperial, quien sería clonado para producir un ejército que lograra aplastar a la incipiente Nueva República, ocasionando una Segunda Guerra de los Clones.

    La serie, cuyo nombre tentativo sería Star Wars: The Epic Continues constaría de personajes y vehículos nuevos aunque, en su mayoría, se trataría de retools de juguetes ya existentes, como el All Terrain Ion Cannon –retool del AT-AT– o el Sandspeeder –retool del Snowspeeder–. Se produjeron un par de prototipos y fotografías promocionales; pero la mayoría de las figuras –incluyendo la que hubiera sido la primera figura de Tarkin– ni siquiera llegaron a la etapa de diseño.

    En vez de The Epic Continues, Kenner decidió dirigir sus esfuerzos hacia un plan que tan bien les estaba funcionando en esa época: producir una serie de dibujos animados en conjunto con una línea de figuras de acción alusivas, convirtiendo cada episodio de la serie, básicamente, en un comercial de juguetes de veinte minutos. Lucasfilm produjo dos series en ese año: Droids y Ewoks, por supuesto, cada una con su montón de juguetes.

 

 

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[1] “Originalmente, nuestra figura Boba Fett de STAR WARS estaba diseñada para tener un cohete disparado por resorte. El lanzador ha sido removido del producto por razones de seguridad. Si usted está insatisfecho con el producto, regrésenoslo y lo reemplazaremos con cualquier mini-figura de acción de STAR WARS de su elección.
Gracias por su apoyo”. Traducción mía.

[2] El desinterés por los muñecos de Star Wars hacia 1984 dio paso al desarrollo de una de las colecciones de figuras de acción más importantes en la historia: Super Powers, conocida en Latinoamérica como Los Súper Amigos pero, citando a Ende, ésa es otra historia y deberá ser contada en otra ocasión.

 

LA ÚLTIMA GUERRERA

Alita: Battle Angel

 

Robert Rodriguez, 2019

Las adaptaciones live-action de mangas o animes suelen ser muy poco afortunadas… por decirlo muy, muy amablemente. Los títulos de bodrios como Dragon Ball: Evolución (Wong, 2009) o El puño de la Estrella del Norte (Randel, 1995) vienen a mi mente… pero no mamen, es que esas madres deberían ser ilegales. Sea como fuere, con tan terribles antecedentes, mi única expectativa para la adaptación live-action occidentalizada del manga titulado Hyper Future Vision GUNNM –¿Por qué los títulos originales de mangas y animes siempre suenan como a nombres de secadoras de cabello de los 80?–, de Yukito Kishiro, era que al menos fuera apta para consumo humano. Y lo es.

    Retomando de manera más o menos fiel los primeros cuatro libros del manga –que son dos arcos argumentales distintos–, la película cuenta la historia de Alita (Rosa Salazar), un cyborg que es encontrado apenas con vida en un tiradero de chatarra por el Dr. Ido Dayson (el siempre genial Christoph Waltz en la interpretación menos brillante que le he visto, la neta). Alita no puede recordar nada sobre su pasado y, sin embargo, luego de que su cuerpo es reconstruido por Ido, debe enfrentarse a un mundo extremadamente hostil lleno de criminales y cazarrecompensas en el que el entretenimiento de moda es el sangriento deporte conocido como MotorBall. En la lucha por recuperar su identidad, Alita descubrirá que posee letales habilidades más allá de su propia comprensión.

    La película, al igual que el manga, retoma grandes influencias de películas como Blade Runner (Scott, 1982) y Rollerball: Gladiador del futuro (Jewison, 1975); pero también retoma influencias de otras pelis por cuenta propia, como podrían ser Batman (Burton, 1989), RoboCop (Verhoeven, 1987) o Acción mutante (De la Iglesia, 1993).

    La última adaptación de un manga a live-action que vi fue Ghost in the Shell: la vigilante del futuro (Sanders, 2017) y si bien me pareció que, a diferencia de las citadas Fist of the North Star y Dragon Ball: Evolution, al menos era visible, sí recuerdo que me pareció hilarante la forma en la que se desviaron del material original. No sucede lo mismo con La última guerrera… ¿Saben qué? Me parece ridícula la traducción del título, la llamaré simplemente Alita. La película llega a ser demasiado camp por momentos, eso que ni qué, pero no puedo decir que me haya desagradado… por el contrario, creo que, de hecho, eso entra dentro del tono del manga.

 

    Y ya que hablamos de tono, me parece que eso es lo único que de verdad no me convenció de la película. Si bien la violencia y las artes marciales con coreografías espectaculares –aunque breves– se mantienen ahí, le faltó mucha sangre a su película… ¡en especial tratándose de una peli de Rodriguez! Aparte de que es poca y se muestra de manera tímida, aplicando la de John Carter entre dos mundos (Stanton, 2012), decidieron que la sangre de los cyborgs fuera azul para que luciera menos impactante… ¡en el manga se arrancan columnas vertebrales como si fuera cualquier cosa!

    Otra cosa que no me latió mucho fue la estética de su ciudad postapocalíptica. Mientras que en el manga la Ciudad de la Chatarra pues es… eso, un deshuesadero gigantesco al interior del cual se ha erigido un centro urbano, la versión cinematográfica luce mucho más próspera; por momentos sólo parece un pabellón de Epcot Center sin mantenimiento. Vamos, con esas construcciones eclécticas y sus añadidos industriales y hechizos parece más bien el centro de la Ciudad de México en un día soleado.

    Por otro lado, la cinta tiene un buen número de aciertos. Sobre todo, me gustó el ritmo. Creo que la narrativa es buena y fluye de manera orgánica y suave a lo largo de toda la película. Con algunos huecos argumentales, la historia se cuenta bien y de forma dinámica, y las secuencias se suceden armoniosamente.

    La fotografía es propositiva y los encuadres y movimientos de cámara apoyan a la narrativa sustancialmente.

    A esto contribuye la maravillosa música de Junkie XL, cuyos créditos incluyen también los soundtracks de Mad Max: furia en el camino (Miller, 2015) y Tortugas Ninja: Fuera de las sombras (Green, 2016). Ése fue otro de los aspectos de la peli que más me gustaron. Siguiendo el modelo de Star Wars (Lucas, 1977), la cinta se va más por una onda sinfónica wagneriana –eso sí, con un montón de sonidos electrónicos, particularmente en las secuencias del MotorBall– que crea un interesante contrapunto con el argumento futurista y lo crea una atmósfera tan épica como un relato así debería tener.

    Y, por supuesto, la estrella de la película y lo que hace que valga la pena pagar un boleto para verla en el cine son los efectos especiales. La película incluye alrededor de 1500 tomas de efectos especiales y éstos son verdaderamente verdaderamente impresionantes. Particularmente me dejó boquiabierto el performance capture, o maquillaje digital o como sea que se le llame, usado para crear a Alita sobre el físico de la actriz Rosa Salazar… Supongo que una forma segura de evitar cualquier acusación de white washing estilo Ghost in the Shell, es crear un personaje digital que, por cierto, resulta bastante parecido a su contraparte impresa a la vez que se ve realista.

    Otro elemento que me pareció interesante y que, francamente, no estoy muy seguro de saber explicar fue la narrativa. Quizá parte del fracaso de otras adaptaciones cinematográficas de mangas/animes se debe a que la narrativa de dicho tipo de comic es prácticamente imposible de trasladar a la acción en vivo. En esta cinta creo que salvaron tal obstáculo al adaptar la fuente a una narrativa de película de comics americana… es extraño, pero funciona.

    La historia de Hyper Future Vision GUNNM ya había sido adaptada con anterioridad a la pantalla en forma de un OVA (película anime directa para video) a principios de los 90… Sobre ella me encantaría hablar y poder hacer comparaciones, pero no la he visto.

    James Cameron quería adaptar el manga a la pantalla grande desde 1995; pero tuvo que demorar el proyecto por su participación en Titanic (Cameron, 1997). Además, sentía que la tecnología disponible en el momento aún no era suficiente para lograr la visión que tenía, pues el director canadiense siempre quiso que Alita fuera una versión fotorrealista del personaje del manga. Posteriormente, en 2003, la confirmación del proyecto fue anunciada, pero fue pospuesta en muchas ocasiones debido a la carga de trabajo de Cameron en Avatar (Cameron, 2009) y sus secuelas. Finalmente, Cameron se dio cuenta de que probablemente pasaría el resto de su vida trabajando en las secuelas de la saga de Pandora, por lo que decidió delegar la dirección de Alita a Robert Rodriguez, quien también es fan del manga de Kishiro y continuamente preguntaba a Cameron sobre sus avances en la adaptación.

    Originalmente, Cameron ideó la historia de Alita como una trilogía; sin embargo, el estrepitoso fracaso de la cinta en la taquilla podría poner en riesgo la realización de las secuelas. De su presupuesto de 200 millones de dólares, la cinta apenas recaudó alrededor de 8 millones y medio en su fin de semana de estreno. Despertando opiniones encontradas entre el público y la crítica, que van desde una obra maestra de la Ciencia Ficción hasta simplemente una cinta de género con muchos fuegos artificiales, bien podríamos estar presenciando el nacimiento de una película de culto.

    Es cierto: a la película le falta profundidad –en especial si se le compara con el manga–, el tono oscuro y nihilista de la fuente original fue sustituido por uno mucho más optimista, el desarrollo de los personajes es algo disparejo y la mayoría de las actuaciones están cumplidoras nomás. Pero también creo que es cierto que Alita resulta ser más que la suma de sus partes y, aunque larga –con todo y que Rodriguez se empeñó en cortar partes del guión de Cameron–, toda ella funciona muy bien en su conjunto y la disfruté mucho. También estoy convencido de que es la mejor adaptación live-action que se haya hecho de un manga/anime hasta el momento, y eso incluye también a algunas las versiones niponas… aunque, claro, si los demás competidores son El puño de la Estrella del Norte y Gatchaman (Satô, 2013)…

    A final de cuentas, creo que Alita sale bastante bien librada y puedo decir que me gustó bastante.

PARA LA TRIVIA: Las cuatro actrices finalistas para encarnar a Alita fueron Zendaya, Rosa Salazar, Maika Monroe y Bella Thorne. Salazar fue elegida finalmente a pocas semanas de iniciar el rodaje.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 3

How to Train Your dragon: The Hidden World

 

Dean DeBlois, 2019

 

Siempre es difícil cerrar una trilogía. Hay tantos riesgos y tentaciones. Desde dejar cabos sueltos para continuar después con lo que se sabe que ya no puede extenderse más –¿Verdad, X-Men: la batalla final (Ratner, 2006)?–, hasta diluir la fuerza de toda la trilogía abusando de una fórmula que ya se siente gastada –¿O tú qué opinas, Scream 3: la máscara de la muerte (Craven, 2000)?–; pasando por darle tantas vueltas de tuerca y tantos juegos al argumento, que la última parte termina siendo una cosa completamente diferente de lo que fue la primera y cuesta trabajo pensar en ambas como en dos partes de un todo –¿No lo crees, Matrix: Revoluciones (Hnos. Wachowski, 2003)?–. ¿Hay alguna forma de jugar a la segura? Sí. Y hay toda una serie de clichés y fórmulas que aseguran una tercera parte exitosa. Cómo entrenar a tu dragón 3 las sigue casi todas.

    La villa vikinga de Berk, en la que los humanos y los dragones han aprendido a vivir en armonía, pasa por una era dorada. El liderazgo de Hipo (voz de Jay Baruchel) ha llevado a la villa a estancarse y, si bien han logrado cierta prosperidad y liberar a cientos de dragones de los cazadores furtivos, los vikingos dependen cada vez más de las bestias. Sin embargo, los cazadores, hartos de perder a sus presas a manos de Hipo y su banda, planean un contraataque aliándose con el asesino de Furias Nocturnas, Grimmel (voz del siempre maravilloso F. Murray Abraham). La situación sólo se complica con la aparición de una hembra Furia Nocturna… llamada Furia Brillante.

    La primera película de Cómo entrenar a tu dragón la vi en un avión y me encantó. La segunda ya la vi en el cine y me gustó bastante también. Esta tercera no me ha decepcionado, aunque sí puedo notar que es la más débil de las tres.

    Creo que su principal fallo es que es increíblemente parecida a la segunda. A pesar de que se supone que el tiempo ha pasado y los personajes han ido evolucionando, la verdad es que la anécdota resulta casi idéntica a la de la segunda parte. Del mismo modo, mientras las cintas anteriores estaban en un tono más de aventura, ésta se va más por el lado de la acción, así que termina siendo una especie de “lo que ya vimos… pero con más peleas”.

    No me pareció mala, sólo me pareció más de lo mismo. Incluso creo que los fallos de la parte anterior siguen en ésta, como el tratamiento más superficial de la historia y el poco desarrollo de los personajes… lo que es irónico, porque justo lo opuesto fue lo que me encantó de la primera parte. Eso sí, muchos de los aciertos de sus predecesoras, como los personajes entrañables y los momentos emotivos maravillosamente logrados, continúan en esta cinta.

    Del mismo modo y siguiendo con la línea de las pelis anteriores, la animación es apabullante. En cada entrega, esta saga ha logrado superarse a sí misma en este rubro. Me gusta mucho cómo se ve la película, con todos esos colores y texturas, y el montón de elementos apareciendo simultáneamente en pantalla.

    También están el bonito subtexto y moraleja que es inherente a estas cintas. En este caso, la moraleja de la historia es saber dejar ir las cosas y vivir por nosotros mismos… creo.

    Y también creo que no podría ser más acertado, pues esta peli de verdad se siente como una despedida para los fans que durante años la hemos seguido. Es emotiva y conmovedora, y realmente uno siente que va a extrañar a estos muchachos… pero también siente que les va a ir bien. Digo… el chiste de todo esto es aprender a dejar ir, ¿no?

    Aun con sus debilidades, y con que uno se queda con la incómoda sensación de que la película que acaba de ver ya la había visto, Cómo entrenar a tu dragón 3 funciona bastante bien. Como lo mencionaba al principio, cumple básicamente con todas las reglas de los cierres de trilogía: un secreto del pasado que cambia todo es revelado, el universo que se expandió en la anterior se expande aún más, la dinámica ya conocida se ve trastocada por un elemento externo, etc.

    Sobre las actuaciones no puedo opinar porque vi la película doblada y no las actuaciones originales; pero me pareció que el doblaje está muy bien.

    Con todo y sus fallos, puedo decir que me gustó mucho esta película y la disfruté bastante. Sobre todo, me gustó cómo cierra la historia sin dejar cabos sueltos. Es el final de un ciclo que inició hace casi diez años. Por favor, no vayan a salir con Cómo entrenar a tu dragón 4: la resurrección o el reboot o el remake o no manchen, la trilogía termina bien.

PARA LA TRIVIA: Originalmente se había planeado que el villano de la segunda parte, Drago Blodvist, regresara en esta película como el villano y fuera redimido al final; sin embargo, esta idea se descartó en posteriores tratamientos del guión.

 

 

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EL TERROR LLAMA A SU PUERTA

Night of the Creeps

 

Fred Dekker, 1986

 

Algunos directores parecen estar destinados a hacer únicamente películas de culto. En el caso de Fred Dekker, se trata de películas que rinden homenaje a películas de culto y que, a su vez, se convirtieron en películas de culto. Es una lástima que la poca rentabilidad de las producciones de Dekker condenaran una carrera tan promisoria al fracaso. Con tres largometrajes en su haber –los otros dos son la divertida Escuadrón Anti-monstruos (1987) y la inmunda RoboCop 3 (1993)–, Dekker nunca más pudo sentarse en la silla de director… aunque siguió trabajando como guionista; escribió muchos episodios de Cuentos de la cripta (1989-1996) y los guiones de RoboCop 3 y El Depredador (Black, 2018) son suyos… Bueno, ya no sé si estoy escribiendo esto para defender al pobre hombre o para acusarlo. El chiste es que tiene dos buenas películas y creo que ésta es la mejor.

    El terror llama a su puerta cuenta la historia de un experimento alienígena que llega a la Tierra en 1959 –año en que nació Dekker y en el que se estrenó Plan 9 del espacio exterior (Wood)[1], cinta que será multicitada y referenciada a lo largo de El terror llama…– y habita el cuerpo de un estudiante universitario. Tras casi treinta años congelado en un laboratorio de la Universidad Corman –referencia obvia a Roger Corman, el “Rey de la Serie B”–, el cuerpo del estudiante es reanimado por Chris Romero (Jason Lively)  y J.C. Hooper (Steve Marshall), un par de nerds que buscan conseguir chicas al unirse a una fraternidad. Lo que sigue es una disparatada aventura con universitarios cachondos, zombies, babosas cerebrales, extraterrestres, asesinos psicópatas, un policía con un pasado tormentoso, y cientos y cientos de referencias a películas de Terror y Sci-Fi.

    Actualmente es casi obligado que las películas de altos presupuestos rindan cierto tributo o hagan referencias a películas viejas; de hecho, cintas como Ready Player One (Spielberg, 2018) o Deadpool (Miller, 2016) parecen basarse completamente en dicha propuesta. Sin embargo, en aquel entonces esta dinámica era poco común y se sentía más fresca. En esta cinta funciona bastante bien y resulta muy graciosa, como el hecho de que los apellidos de todos los personajes cuyos nombres se mencionan en pantalla son apellidos de directores de cine de horror, como el caso del interés romántico de nuestro protagonista, Cynthia Cronenberg (Jill Whitlow), los oficiales Raimi (Bruce Solomon), Dantey DePalma, los detectives Ray Cameron (el gran Tom Atkins) y Landis (Wally Taylor), así como el conserje, el Sr. Miner (Robert Kino)… ¡Y Gordon el gato!

    Algo que siempre apreciaré es que los actores que salen haciendo papeles de chavitos por lo menos se vean chavitos y en este caso creo que se logra en su mayoría… No así, evidentemente, en el caso de Brad (Allan Kayser), quien no sólo se ve bastante más grandecito, sino que su cabello teñido casi parece que se quiere salir de la pantalla.

    Sea como fuere, las actuaciones de todos son bastante decentes y uno les cree sus personajes. Me gusta sobre todo la interpretación de Tom Atkins, que en esta película tuvo oportunidad de burlarse un poco de sí mismo en su eterno papel de detective. De hecho, según lo declaró alguna vez el propio Atkins, ésta es su película favorita de todas en las que participó y Dekker es uno de los directores con los que le gustaría volver a trabajar.

    Y creo que no es difícil entender el porqué de la predilección de Atkins. El terror llama a su puerta es una de las cintas más divertidas que he visto. La primera vez que la vi fue cuando estaba en la secundaria; la agarré un fin de semana a medianoche en el cable. Por desgracia, no pude verla completa en aquel entonces; pero recuerdo que igual me reí mucho. Me frustró además que no supe, sino hasta años después, el título.

    Creo que uno de los grandes aciertos de la peli es que en ningún momento se toma a sí misma demasiado en serio… ¿Cómo podría?

    El mismo Dekker ha dicho que la película la concibió durante una noche de insomnio. De repente, imaginó la escena de un hombre corpulento, bebedor y atormentado levantando intempestivamente la bocina de un teléfono diciendo: “Thrill me!”. Esta línea se convirtió en prácticamente un estribillo del detective Cameron, quien la dice cinco veces a lo largo de toda la peli. A partir de ahí, Dekker armó un pastiche con todos los elementos que le gustaban de las películas de Serie B que veía cuando era niño: zombies, extraterrestres, policías rudos, chicas lindas…

    Precisamente, el gran fuerte de la película y lo que, de hecho, hizo que tanto los productores como los actores se enamoraran de ella, es su guión. Si bien se trata de una historia demasiado sencilla llena de huecos, clichés y malos diálogos, ése es precisamente su encanto. Digo, ese tipo de cosas se vuelven divertidas cuando se tiene la sensibilidad para hacerlas de manera deliberada y a la vez sutil. Francamente, creo que uno de los mejores diálogos en la historia de cine es: “Chicas, la buena noticia es que sus citas llegaron” “¿Y la mala?” “Que están muertos”.

    La música, muy producto de su época, también está bastante bien y creo que logra ambientar correctamente la película mezclando música instrumental con temas cantados.

    Otra cosa que me gusta mucho de esta peli son las criaturas y los efectos especiales, así como los de maquillaje. Siendo honesto, creo que son bastante disparejos, pues algunos se ven geniales, como los enanos extraterrestres del prólogo o las mutilaciones de los zombies; mientras que otros, como los planos generales del perrito zombie, se ven bastante chafas –digo… se ve que el animal no se mueve porque es de peluche–. A final de cuentas, todo el conjunto funciona y, bueno, ya que la película no se toma demasiado en serio a sí misma, supongo que el maltés zombie funciona… ¡Bah! Dejaré de hacerme del rogar: ¡Me mata de risa ese pinche perro!

    La fotografía es buena, a secas, y me gusta cómo usa la sobresaturación de colores, muy en el estilo de las películas de su época. Por ejemplo, uno encontrará tomas casi por completo iluminadas en rosa y azul que creo que se ven geniales. Me recuerda mucho a esa otra horror comedy de los ochenta, pero de vampiros, Vamp (Wenk, 1986).

    Puedo concluir que El terror llama a su puerta es una película divertida. Es graciosa, los diálogos son hilarantes, las actuaciones son buenas, los efectos decentes, los personajes encantadores y la música pegajosa. No me cansaré de insistir: no es una película que deba tomarse en serio… digo, finalmente, quienes la hicieron no se la tomaron en serio. Por el contrario, conviene tomarla como lo hicieron ellos: dejarse llevar simplemente porque el cine es divertido. La película, por supuesto, se disfruta mucho más si uno es aficionado al cine de horror; así que llamen a sus amigos frikis que siempre resuelven las trivias, compren al menos un six de cervezas y pongan una bolsa de palomitas en el microondas porque, chicas, sus citas llegaron.

PARA LA TRIVIA: Cuando la película se estrenó en cines el final fue cambiado por otro más corto. Cuando la transmitieron en TV, se reinsertó el final original, más largo, en el que aparecen de nuevo los extraterrestres. Este final se ha quedado como el definitivo y es el que le pusieron a la peli para su edición en DVD.  

 

PARA LA TRIVIA GEEK: En la pared del baño en el que J.C. se refugia de las babosas espaciales puede apreciarse un grafitti en el que se lee: “Go Monster Squad!”. Monster Squad (Escuadrón Anti-Monstruos en Latinoamérica, Una pandilla alucinante en España) fue la segunda película de Dekker… y un fracaso de taquilla que prácticamente le costó su carrera.

 

 

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[1] No olvides revisar mi video sobre Plan 9 del espacio exterior.

TROLL

 

John Carl Buechler, 1986

 

En la década de los ochenta hubo una pequeña casa productora, casi un negocio familiar, fundada por Charles Band debido a la insatisfacción que le producía la forma en la que se distribuían sus películas. Empire Pictures producía sus propias cintas de bajo presupuesto y las distribuía en pequeña escala en el mercado doméstico y directamente en video –en la mayoría de los casos– en el mercado internacional. Las películas de Empire fueron tan populares y tan buen negocio que la compañía pudo comprar los estudios de Dino de Laurentiis en Roma. Antes de declararse en bancarrota en 1989 y convertirse en una de las más prolíficas casas productoras de cine directo para video, Full Moon Features, Empire alcanzó la cima de su popularidad con películas como Herbert West: Re-Animador (Gordon, 1985), Re-Sonator (Gordon, 1986), Ghoulies (Bercovici, 1984), El sacristán del Diablo (Pavlou, 1986), TerrorVisión (Nicolau, 1986) o, la que nos atañe en este momento, Troll.

    La película cuenta, de manera poco eficiente, la historia del joven Harry Potter Jr. (Noah Hathaway, a quien seguro recuerdan como el valiente Atreyu en La historia sin fin [Petersen, 1984]) y su familia, quienes se mudan a un viejo edificio de apartamentos en San Francisco poblado por los más pintorescos personajes… digo, Sonny Bono es el vecino mujeriego. La hermanita de Harry, Wendy (Jenny Beck), es poseída por el mago Torok (Phil Fondacaro) quien, siglos atrás, fuera convertido en un troll como castigo por tratar de alterar el balance entre el mundo humano y el mundo de las hadas. Usando a Wendy como vehículo, Torok intentará una vez más invadir el mundo humano para convertirlo en un nuevo mundo de las hadas. Sólo Harry, con la ayuda de la bruja Eunice Saint Clair (June Lockhart), podrá evitar la transformación de nuestro mundo.

    Y si a ustedes les parece muy sospechosa la coincidencia de un adolescente llamado Harry Potter que aprende magia y lucha contra seres fantásticos en una película que se estrenó más de una década antes de que el primer libro de J.K. Rowling fuera publicado… a mí también. En un principio la escritora británica, al ser cuestionada sobre la elección del nombre de su protagonista, declaró que Harry era su nombre masculino favorito, mientras que Potter era el apellido de una familia vecina suya cuando era niña. Básicamente, explicaba que la idea sólo le vino a la mente. En posteriores cuestionamientos, cuando esta película salía a cuento, Rowling admitió que quizá había visto Troll y quizá había tomado alguna inspiración de la cinta. Juzgue usted mismo.

    También me parece que la idea de los dos reinos en constante pugna pudo haber servido de inspiración para la genial película rusa Guardianes de la noche.

    La primera vez que vi Troll tenía seis años y recuerdo que me encantó. Recuerdo también que no se parecía en nada a cualquier otra película que hubiera visto y que, aunque parecía una película de terror, era mucho más una divertida película de aventuras y fantasía. Como muchas otras películas de Empire, podría definirse más bien como un cuento de hadas oscuro. Volví a verla cuando la pasaban por televisión un par de veces más y, ya de adulto, hace unos diez años, la compré en DVD, con lo que me quedaron muy claras dos cosas: Primera, que la nostalgia es cabrona; y segunda, que el doblaje le tiraba un parote a esta película.

    La película es bastante desastrosa en su conjunto. El guión es inverosímil y sus personajes excéntricos terminan siendo acartonados y odiosos… Harry Potter y su esposa no sólo son padres negligentes, sino que rayan en la oligofrenia. A Sonny Bono dan ganas de agarrarlo a cachetadas –bueno, supongo que la Naturaleza ya se encargó de ello, perdón por el humor negro– y creo que los únicos que actúan más o menos decentemente son Hathaway y Lockhart… en algunas secuencias.

    La narrativa en general es bastante ineficiente y con frecuencia uno se encuentra tratando de adivinar qué rayos está pasando en la peli. Las motivaciones de los personajes son poco claras y, cuando por fin éstas se explican, la verdad es que resultan demasiado simples y poco atractivas. Además, la verdad es que es un poco difícil sentir algún tipo de amenaza cuando las criaturas del mundo de las hadas y todo su entorno se ven tan chafones.

    Con el que quizá si desquitaron su ínfimo presupuesto (alrededor de un millón de dólares) fue con Torok, el troll titular. La verdad es que se ve bastante bien y recuerdo que de niño sí me daba miedo. Saben que siempre preferiré los efectos prácticos ante el CGI y puedo decir que Torok no le pide nada a muchas criaturas que aparecen en películas actuales, es una lástima que sus apariciones en pantalla sean tan breves. Originalmente, la criatura sería completamente animatrónica y el papel del Prof. Malcolm Mallory sería interpretado por Billy Barty –a pesar de que el papel fue escrito ex profeso para Phil Fondacaro–; mañosamente, Buechler rediseñó por completo al monstruo y lo modeló sobre un life-cast de Fondacaro para forzar a la producción a contratar al actor. Aunque, ahora que lo pienso, si es un troll… ¿Por qué puede salir a la luz del día?

 

    De hecho, la mayoría de los efectos se ven bastante bien, particularmente teniendo en cuenta las limitaciones de la cinta.

    El resto de las criaturas están de risa loca. La mayoría se ven adorablemente cutres, con malas aplicaciones de pintura y rebabas sobresaliendo por todos lados, por no mencionar que algunos de los muñecos usados en Ghoulies y Dungeonmaster (Allen et al., 1985) fueron reutilizados en esta película. Y de ese mago convertido en champiñón fálico mejor ni hablamos. Eso sí, se ven adorables cuando entonan a coro el tema musical de la película Cantos profane, compuesto por el compositor de cabecera de Empire/Full Moon –nada tenía que ver con que era hermano del productor, claro– Richard Band.

    En su estreno, e incluso en tiempos posteriores, Troll ha sido vapuleada por la crítica –y con razón–; pero en su fin de semana de estreno duplicó su presupuesto y se convirtió rápidamente en una película de culto. Tanto así que cuenta con dos secuelas apócrifas. Troll 2 (Fragasso, 1990), que es considerada una de las peores películas de la historia, originalmente se titulaba Goblins –lo cual tiene mucho más sentido–; pero los productores decidieron cambiarle el nombre por Troll 2 para atraer más público. Del mismo modo, la película italiana de ínfimo presupuesto hecha pasar por gringa, The Crawlers (Laurenti, 1993), fue distribuida en América como Troll 3, también con la idea de confundir a los espectadores.

    A final de cuentas sí, sí es una mala película; pero no por eso es aburrida. Todo lo contrario, es entretenida y tiene algunos momentos bastante divertidos, además de que, como lo dije arriba, la botarga de troll se ve bastante bien. También creo que algunos de los monólogos del profesor Mallory son conmovedores. Se trata de una de esas películas en las que lo recomendable es dejar de pensar un ratito, entrarle a la guasa, y sólo disfrutar del recorrido. Así que pidan una pizza, saquen las cervezas del refrigerador y prepárense para una noche de comedia involuntaria… Y si valoran sus neuronas, eviten a toda costa Troll 2.

PARA LA TRIVIA: Esta película marca el debut en pantalla de la actriz Julia Louis Dreyfus, quien se volviera famosa por su papel de Elaine Benes en la sitcom televisiva Seinfeld (1989-1998). También fue la primera película dirigida por el artista de efectos especiales John Carl Buechler, quien hace un pequeño cameo como la forma humana de Torok que aparece pintada en un cuadro. Dreyfus siempre se ha sentido avergonzada por haber participado en la cinta.

 

 

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WI-FI RALPH

Ralph Breaks the Internet

 

Phil Johnston y Rich Moore, 2018

La primera película de Ralph, el demoledor (Moore, 2012) me gustó mucho. Se trataba de una bonita fábula sobre la importancia de aceptarnos a nosotros mismos y de recibir reconocimiento por nuestro esfuerzo. Era de una joyita bien realizada con toneladas de referencias nostálgicas a la era clásica de los videojuegos y llena de corazón. Cuando supe que habría una secuela, a pesar de que trato de evitarlo, me emocioné y esperé casi impacientemente para poder verla. Ya vista, les comento qué tal me fue.

    Ésta peli es la secuela de una cinta de animación producida enteramente por Disney que más tiempo ha tardado en aparecer después de la primera parte. De hecho, la producción tuvo que detenerse durante un año completo debido a que el director principal, Rich Moore, fue llamado para dirigir Zootopia (2016).

    La historia de la cinta ocurre 6 años después de la anterior. Ralph (voz de John C. Reilly) y Vanelope Von Schweetz (voz de Sarah Silverman) son los mejores amigos y disfrutan de pasar tanto tiempo juntos como les es posible. Sin embargo, Vanellope desea algo más. La rutina de su videojuego la ha llevado a una depresión que sólo se ve acrecentada cuando su arcadia es clausurada por haberse roto una pieza. La solución ideada por la pareja de amigos es entrar a Internet para comprar  la codiciada pieza en un sitio de subastas en línea. Sin embargo, navegar por la red resultará ser una peligrosa aventura llena de autodescubrimiento que no sólo pondrá a prueba su amistad, sino que podría poner en riesgo  todo el ciberespacio.

    Como secuela, Wi-Fi Ralph funciona bastante bien. Hace justo lo que se esperaría de una secuela: profundiza en el carácter de los personajes, les da un giro inesperado a los elementos planteados en la cinta anterior, expande el universo y continúa con el discurso de la primera parte. Esta película habla sobre buscar nuestro lugar en el mundo y aprender a dejar ir las cosas para poder crecer. También, en la tradición de muchas secuelas, su tono –particularmente durante el tercer acto– es más oscuro que el de su predecesora.

    Como película, creo que también funciona bastante bien. Es entretenida, conmovedora, divertida y tiene muchos momentos bastante buenos. Tiene menos referencias a los videojuegos de la vieja escuela que la peli original, eso sí; pero no por ello desmerece. También creo que, por momentos, la anécdota pierde un poco de cohesión y tiende a divagar de más; pero la trama no es difícil de seguir.

    Lo que sí pasa es que al final la película se siente un tanto superficial. Entiendo que, por estar dirigida al público infantil, debe de manejar su discurso de una forma un tanto más digerida; pero para cuando llegan los créditos finales uno siente que a lo que acaba de ver le falta carnita. La historia tenía todo el potencial para ser algo más profundo y un poco más denso, pero los realizadores prefirieron invertir tiempo en pantalla publicitando franquicias.

    Por lo tanto, puedo decir que lo que de plano no me gustó fue el intento de colocación de plataformas de Internet y merchandising de Disney en el público infantil haciéndolas pasar por referencias. Digo, las referencias a iconos de la cultura pop son graciosas y se han convertido en una parte medular de la industria fílmica actual; pero una cosa es hacer chistes referenciales y otra, muy distinta, meter publicidad en las películas… La verdad es que hay momentos en los que tanta publicidad sí llega a volverse molesta. Parece que, aún hoy día, sigue habiendo una lección que aprender en películas como Mac: mi amigo de las estrellas (Raffill, 1988) o El mago de los videojuegos (Holland, 1989).

    Las referencias que sí me gustaron –aunque también son publicidad–son las que se hacen a las diferentes franquicias de Disney –que para este momento son como la mitad de las franquicias del entretenimiento–, pues están en un tono más de autoparodia. Originalmente, Ralph y Vanellope viajarían al videojuego Disney Infinity; pero a media producción dicha serie de juegos fue cancelada. La intervención de las princesas me pareció muy divertida –¡Muero por escuchar el chiste a costillas de Merida en inglés!– y sí, hay un montón de parodias y referencias a Star Wars; originalmente, habría un chiste en el que Vanellope llamaba a Kylo Ren “niño malcriado”; pero los productores de la franquicia de Star Wars no lo permitieron…. y, por supuesto, Anthony Daniels hace la voz de C-3PO.

    A final de cuentas, puedo decir que Wi-Fi Ralph es una buena película; pero sólo eso, buena a secas. No llega al nivel de la primera parte, pero me gustó la dirección en la que la llevaron. Es entretenida, disfrutable y quizá a más de uno le saque una lagrimita; pero tampoco creo que esté al nivel de otras grandes películas de animación dirigidas al público infantil como La Bella y la Bestia (Trousdale y Wise, 1991), El rey León (Allers y Minkoff, 1994) o Monsters, Inc. (Docter et al, 2001) Mi visionado de esta película se sintió un poco –y en ese sentido, supongo que fue un éxito– como navegar por internet en la década pasada, cuando uno tenía que andar esquivando miles de Pop-Ups y anuncios basura para poder llegar a lo que realmente le interesaba.

PARA LA TRIVIA: Cuando el tiburón del videojuego ficticio Slaughter Race –parodia de la franquicia Twisted Metal (Sony Interactive Studios, 1995-2012)– sale de la alcantarilla por segunda vez, en sus fauces puede verse una placa de automóvil del estado de Luisiana. Esta placa es la misma que fue extraída del estómago del tiburón tigre pescado en Tiburón (Spielberg, 1975).

*El sistema de calificación fue modificado para contemplar 4 rubros en lugar de 5.

 

 

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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

J.R.R. Tolkien´s The Lord of the Rings

 

Ralph Bakshi, 1978

Independientemente de su calidad literaria, se vuelve innegable que El Señor de los Anillos (1954-1955), la colosal novela que escribiera el sudafricano J.R.R. Tolkien a manera de continuación de su primera obra, El Hobbit (1937), se convirtió en uno de los libros más influyentes del siglo XX. Desde mediados de dicho siglo hubo ya interés por adaptar a la pantalla grande la historia de la travesía de Frodo para destruir el Anillo Único. Los primeros interesados fueron, por cierto, los Beatles, quienes planeaban llevar la historia a la pantalla en una película psicodélica en la que ellos mismos encarnarían los papeles de los cuatro hobbits principales. Afortunadamente, los herederos de Tolkien nunca quisieron vender la licencia al Cuarteto Liverpool para llevar a cabo su idea.

    El siguiente intento de adaptar la novela al cine surgió por parte del director John Boorman (Amarga pesadilla [1972], Excalibur [1981]), quien planeaba condensar los tres libros de la saga en una sola película de una hora y cuarenta y cinco minutos de duración. El animador independiente Ralph Bakshi escuchó los planes de Boorman y, siendo un acérrimo fanático de la obra de Tolkien, se sintió horrorizado.

    Finalmente, el proyecto de Boorman se cayó y Bakshi le pidió personalmente a la hija de Tolkien que le vendiera los derechos para hacer una película de dibujos animados. Ella accedió debido a que le había gustado mucho el anterior largometraje de Bakshi, Los hechiceros de la guerra (1977).

    La cinta final, de casi dos horas y cuarto de duración, adapta de manera sorprendentemente fiel, aunque demasiado condensada, los dos primeros libros de la trilogía: La Comunidad del Anillo y Las dos torres... bueno, en realidad, sólo la primera mitad. La historia sigue, en medio de una narrativa horriblemente atropellada, al hobbit Frodo Bolsón (voz de Christopher Guard) en su travesía por la Tierra Media para destruir el Anillo Único, buscado por el Señor Oscuro, Sauron, para imponer su reinado de maldad. A Frodo se unirán aliados como el hobbit Samwise Gamyi (Michael Scholes), el mago Gandalf (William Squire), el elfo Legolas (voz de Anthony Daniels, quien ha dado vida al droide de protocolo favorito de todos, C-3PO en la saga de Star Wars) o el montaraz Aragorn (John Hurt, a quien seguro recuerdan por su maravillosa interpretación de John Merrick en El hombre elefante [Lynch, 1980]).

    El Señor de los Anillos es, aún hoy, la película de dibujos animados más larga jamás filmada en Occidente –sólo seguida por Fantasía (Algar et al., 1940), de Disney, con 125 minutos de duración– y, en el momento de su estreno, también fue una de las más costosas, con un presupuesto de cuatro millones de dólares. También fue la primera película animada creada enteramente en rotoscopía.

    La técnica de rotoscopía consiste en filmar a actores reales en vivo para después dibujar o pintar celdas de animación sobre la película filmada. Esta técnica da movimientos mucho más realistas a los personajes animados –también es más barata y rápida que crear animación original desde cero– y fue utilizada para crear los efectos especiales de películas como TRON (Lisberger, 1982) o El despertar del diablo (Rami, 981). Pensemos en ella como una especie de Motion Capture rudimentario. En el caso de esta película, se llegó a filmar animación tradicional para ella; pero los realizadores decidieron desecharla y sustituirla toda por rotoscopía. La cinta final combina fondos pintados en acuarela con animación rotoscópica –para las escenas de la Batalla del Abismo de Helm se piratearon secuencias de la película clásica del cine soviético Alexander Nevsky (Eisenstein, 1938) y pintaron sobre ellas– y filmaciones Live Action.

    Así pues, la película se mantiene como un monumento a la obra de Tolkien erigido por un verdadero admirador del autor. También puede verse en ella todo el esfuerzo del equipo de producción y cómo intentaron exprimir cada centavo del presupuesto para hacer la película. Del mismo modo, puede verse la muy marcada influencia de esta peli en las versiones Live Action de Peter Jackson de tres décadas después, pues hay tomas en las que le rinde tributo e incluso las calca. También, por desgracia, la película es increíblemente insatisfactoria.

    En muchas de las películas de Bakshi hay secuencias con problemas de ritmo. En el caso de esta peli, todas las escenas tienen un ritmo horrible. La película es lenta cunado debería ser rápida y llena de acción, y hay elipsis tan abruptas que a veces es difícil seguir el hilo de lo que está sucediendo. Del mismo modo, hay secuencias –sobre todo, de caminatas o cabalgatas– que son excesivamente largas y que no aportan nada a la narrativa y más bien parece que las dejaron en el corte final de la peli nomás porque ya las había filmado y qué caras salieron.

    Otro punto que creo que es poco afortunado en la cinta es el diseño de los personajes que termina siendo francamente feo. Digo, nadie dijo que los hobbits tenían que ser guapos, por el contrario… ¡Caray! Según las descripciones de Tolkien, ni siquiera Aragorn es bien parecido; pero en esta película el look de todos los personajes es más bien desagradable. ¿Por qué Aragorn no usa pantalones? ¿Por qué Gimli (David Buck) no es enano? ¿Por qué Legolas se ve como si sus padres fueran hermanos? ¿Por qué los orcos parecen de cartón? ¿Por qué Sam tiene que ser tan auténticamente feo? ¿Por qué?

    Conforme la cinta se acerca a su culminación, el ritmo se va cayendo cada vez más y la técnica de la animación, que de por sí en ningún momento es sobresaliente y se nota más bien desprolija –el mismo Bakshi, quien la usó a destajo en prácticamente todas sus películas, no era afecto a ella–, va decayendo también. Para el final de la cinta, nos quedamos con un cierre completamente anticlimático y más bien pobre que promete una secuela que jamás llegó.

    La idea original de Bakshi fue la de hacer un díptico y, en dos películas, contar los tres libros. Por desgracia, la pobre recaudación de la taquilla –la película ganó apenas alrededor de USD$600,000 en su fin de semana de estreno– y la mala impresión que se llevó el productor del proyecto cancelaron cualquier plan de una segunda parte.

    En cuanto a las virtudes que me gustaría resaltar de la película, puedo mencionar la actuación. La mayoría de los actores que prestaron sus voces para los personajes de la película eran actores británicos de teatro, por lo que la calidad de sus interpretaciones se nota desde el inicio. Del mismo modo, algunos de ellos habían participado anteriormente en la adaptación para radio que la BBC hiciera de la obra de Tolkien.

    Otra cosa que me gustó de la peli son los fondos. Los paisajes bellamente pintados a mano en acuarela en los que aún se puede apreciar la textura del papel son una bonita muestra del arte psicodélico de los 70. También es interesante que los fondos apoyan a la narrativa de la película. Mientras que algunos parecen ilustraciones comunes y corrientes de cualquier libro de fantasía –con un toquecito de Art Nouveau, eso sí– éstos cambian con frecuencia de acuerdo con la emoción y a la intensidad de la escena.

    También me gustó la música. Originalmente, Bakshi quería utilizar música de Led Zeppelin –los miembros de la banda eran también fans de Tolkien e, incluso, algunos de sus temas fueron inspirados por su obra– para la película; pero le fue imposible conseguir los derechos. En cambio, la película fue musicalizada con composiciones originales hechas ex professo por Leonard Rosenman, cuyos créditos incluyen soundtracks como Barry Lyndon (Kubrick, 1975) o RoboCop 2 (Kershner, 1990).

     A final de cuentas, creo que la versión animada de El Señor de los Anillos funciona más como experimento que como una adaptación de la compleja obra de Tolkien. Se ve que quienes hicieron la peli pusieron todo su esfuerzo en ello, e incluso más; pero que, aún así, no fue suficiente. Creo que, simplemente, los realizadores mordieron más de lo que podían tragar esta vez y el resultado fue una película que se siente sosa, inacabada y más bien fallida –de hecho, si uno no sabe absolutamente nada sobre el universo tolkiendili, es casi imposible inferir quién es quién o qué carajos está pasando a partir de lo mostrado en la peli–.

    Toda la cinta tiene un tono oscuro y onírico súper underground que le da todo el estilo de película de Canal 22 a la medianoche –estoy casi seguro de haberla visto ahí cuando era niño–; pero después de un acercamiento inicial, el estilo visual poco puede hacer para evitar el aburrimiento que esta peli provoca.

     Me parece que la mayor aportación de esta cinta no está en la película misma, sino en su legado. La peli sirvió como inspiración para las versiones Live-Action de Peter Jackson, además de que generó un montón de merchandising, incluyendo una línea de figuras de acción –bastante feas también– que en su época ni quien las pelara, pero que, por lo mismo, se han vuelto increíblemente coleccionables. La historia sería concluida 2 años después con la adaptación del estudio Rankin Bass de El regreso del rey (Bass y Rankin Jr., 1980)… que oficialmente no tiene nada que ver con la peli de Bakshi, pero que todos sabemos que es su secuela bastarda y que, a pesar de su tono más light, tiene una mucho mayor calidad en la animación.

PARA LA TRIVIA: El legendario director Tim Burton participó en esta película como animador, aunque su nombre no aparece en los créditos. Se trató de su primer trabajo en un largometraje.

Haz click en los enlaces para leer mis artículos sobre las versiones live action de La Comunidad del Anillo, La dos torres y El regreso del rey.

 

 

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BOHEMIAN RHAPSODY: LA HISTORIA DE FREDDIE MERCURY

Bohemian Rhapsody

Bryan Singer, 2018

El director neoyorquino Bryan Singer fue, con las primeras dos cintas de X-Men, el creador de la película moderna de superhéroes. También, con Dr. House, fue el productor ejecutivo de una de las series de televisión más populares de la década pasada. La carrera de Singer como director se ha debatido entre altibajos desde hace años y ahora se enfrenta al reto de contar la historia de una de las bandas de rock más populares de la historia: Queen.

    El proyecto para la peli fue aprobado en 2010 y sería protagonizado por el actor y comediante británico Sacha Baron Cohen, y dirigida por Stephen Frears. Después de un montón de reescrituras del guión –debidas, en mayor medida, por la insatisfacción de Brian May y Roger Taylor con el proyecto–, la salida de Cohen y Frears, y una rotación casi interminable de directores tentativos, la película por fin fue filmada. Incluso durante la producción, 20th Century Fox despidió a Singer por su mala actitud en el set y su pésima relación con el actor Rami Malek y la cinta tuvo que ser terminada por Dexter Fletcher –aunque el nombre de Ridley Scott se barajó como sustituto de Singer por un tiempo–. Todo el infierno de la preproducción y producción parecía destinarla al fracaso; pero, como se ha visto ya en la taquilla, no fue así en absoluto.

    La película se toma ciertas libertades en contar la historia de la banda desde sus orígenes a principios de la década de 1970 hasta el concierto masivo Live Aid, en 1985, luego de su separación –en la vida real, el álbum The Works (1984) y su respectiva gira estuvieron de per medio–. La cinta se centra principalmente en la vida del vocalista de la banda, Freddie Mercury, así como sus conflictos intra e interpersonales.

    Aunque nací a mediados de los 80, Queen es mi banda favorita desde que estaba en la secundaria, quizá antes. Como fan, puedo decir que la película me conmovió, me hizo reír, me asombró y, francamente, me dejó con ganas de que fuera más larga, con todo y que ya dura más de dos horas. SPOILER Digo, Queen lanzó 4 álbumes más después del Live Aid –dos de ellos, A Kind of Magic (1986) e Innuendo (1991), de sus mejores trabajos– TERMINA SPOILER. A pesar de sendas fallas, la película tiene lo que a muchas cintas actuales les está faltando: corazón.

    Pero digo, si la película logró emocionarme como lo hizo, entonces logró su cometido. De eso se trata el cine, finalmente.

    Bohemian Rhapsody  tiene un cierto carisma y un tono encantador que reflejan la personalidad de la banda y de Mercury. Posee también un buen ritmo. Tiene, además, la fuerza impresionante que le da la música de Queen. Lo que más me gustó fue que, a pesar del mal CGI con el que recrea el Estadio de Wembley en el Live Aid, me hizo sentir como si hubiera estado ahí, en el escenario en un concierto de Queen.

    Las actuaciones son buenas. Sobresale Malek en su interpretación de Mercury, pues logra transmitir las complejidades y sutilezas del personaje, y pasa poco tiempo de la película antes de que uno lo acepte como Freddie Mercury, cuya efigie es un icono de la cultura pop del siglo XX.

    Las caracterizaciones son verdaderamente impresionantes –me encantó Gwylim Lee como Brian May– y hacen que los actores se vean increíblemente parecidos a sus contrapartes de la vida real. Eso sí, Malek es menos corpulento que Mercury y en algunos primeros planos se le alcanza a ver el borde del mostacho postizo; pero en general creo que funcionan increíblemente bien.

    En general, esta peli ha sido un trancazo de taquilla y se ha ganado, casi instantáneamente, un lugar en el corazón del público; pero no le ha ido tan bien con la crítica. Y me temo que, hablando como crítico y no como fan, tengo que coincidir.

    La dirección de la peli se nota torpe y dispareja. En algunas secuencias, algunos actores se notan botados o fuera de tono y el lenguaje de videoclip musical que trataron de utilizar para algunas partes no se integra del todo al producto final.

    Sin embargo, el principal defecto de la película es el guión. Aunque se agradece que la peli no haya caído en el amarillismo y la sordidez, creo que sus esfuerzos por tratar la historia de la banda se fueron completamente al extremo opuesto. La cinta se siente incompleta y su tratamiento de la historia, superficial. Del mismo modo, el guión está lleno de los clichés propios de las películas de bandas y de huecos en la historia que violan las más elementales leyes de causa-efecto.

    ¿Y qué onda con esos montajes con las canciones de la banda y letreritos en la pantalla? Se ven súper caducos… si es que alguna vez estuvieron de moda.

    También, si uno se deja llevar por lo que se muestra en la película, parecería que las más grandes canciones de la banda surgieron por ocurrencias geniales o serendipias. Y sí, la genialidad estuvo ahí todo el tiempo, de la mano del talento y la ambición; pero también hubo muchísimo trabajo detrás de la música de Queen y eso no se ve tanto en pantalla.

     Me hubiera gustado mucho también que hablaran de la relación entre Freddie Mercury y Zandra Rhodes, su vestuarista, pues fue ella quien desarrolló las ideas del vocalista –quien estaba bastante familiarizado con el negocio de la moda incluso antes de entrar a la banda– y les dio vida. Juntos definieron la estética del Glam.

    La fotografía de la película es muy buena y me gusta las atmósferas que logra crear, así como las recreaciones que hacen de las presentaciones de Queen. Anécdota curiosa: Newton Thomas Sigel, el fotógrafo de la peli, tuvo que salir al quite y dirigir algunas secuencias debido a las repetidas y prolongadas ausencias de Singer en el set.

    A final de cuentas, Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury es más que la suma de sus partes. Si bien es cierto que a nivel guión y dirección la película deja bastante que desear, el producto final funciona maravillosamente. Eso se debe, más que nada, a la poderosísima música de Queen y a la genial interpretación de Malek. Más que una biopic en el sentido estricto de la palabra, la cinta funciona como una celebración a la banda y a lo que significó para la historia de la música. Y me gustó mucho.

PARA LA TRIVIA: La voz de Freddie Mercury para el film fue creada mezclando las voces de Mercury, el cantante canadiense Mark Martel –cuya voz es lo más cercano a Mercury que se ha encontrado hasta el momento– y el propio Malek.

PARA LA TRIVIA GEEK: El bajista de la banda, John Deacon, es interpretado por Joseph Mazzello, a quien muchos millennials seguramente recordamos como el pequeño Tim Murphy en Parque Jurásico (Spielberg, 1993).

PARA LA TRIVIA AÚN MÁS GEEK: El comediante Mike Myers interpreta el papel de Ray Foster –personaje ficticio–, el productor de Queen, quien, en algún momento de la película dice: “Nadie va a mover la cabeza al ritmo de Bohemian Rhapsody en sus autos”. Este parlamento es una referencia a la película que lanzara a la fama a Myers, El mundo según Wayne (Spheeris, 1992), en la que una de las escenas más icónicas es, precisamente, la de Wayne (Myers) cantando y cabeceando al ritmo de Bohemian Rhapsody mientras viaja con sus amigos en un auto.

 

 

 

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